Зарубіжні художники XIX століття: найяскравіші діячі образотворчого мистецтва та їхня спадщина. Європейський живопис Художники західної Європи 19 століття

Напрями у живопису 19 століття досить тісно перегукуються з напрямами попереднього століття. На початку століття провідним напрямом у багатьох країнах був. Зародився в 18 столітті, цей стиль продовжував розвиватися, причому в різних країнахйого розвиток мало індивідуальні особливості.

Класицизм

Художники, які працювали у цьому напрямі, знову звертаються до образів античності. Однак через класичні сюжети вони намагаються висловити революційні настрої - прагнення свободи, патріотизм, гармонію між людиною і суспільство. Яскравим представникомреволюційного класицизму був художник Луї Давид. Щоправда, згодом класицизм переріс у консервативний напрям, який підтримувався державою, а отже, став безликим, прилизаним цензурою.

Особливо яскравий розквіт живопису 19 столітті спостерігався Росії. У цей час тут утворилося безліч нових стилів та напрямків. Аналогом класицизму у Росії був академізм. Цей стиль мав риси класичного європейського стилю - звернення до образів античності, висока тематика, ідеалізація образів.

Романтизм

На початку 30-х років 19 століття на противагу класицизму виник романтизм. У суспільстві того часу відбувалося безліч переломних моментів. Художники прагнули абстрагуватися від непривабливої ​​реальності, створюючи свій ідеальний світ. Тим не менш, романтизм вважається прогресивним плином свого часу, тому що прагненням художників романтиків було донесення ідей гуманізму та духовності.

Це ємний напрямок, що позначилося на мистецтві багатьох країн. Сенс його - звеличення революційної боротьби, створення нових канонів краси, написання картин як пензлем, а й серцем. Емоційність тут ставиться в основу. Для романтизму характерне введення у цілком реальний сюжет алегоричних образів, майстерна гра світлотіні. Представниками цього напряму були Франциско Гойя, Ежен Делакруа, Руссо. У Росії романтизму відносять роботи Карла Брюллова.

Реалізм

Завданням цього напряму стало зображення життя таке, як воно є. Художники реалісти зверталися до образів простого народу, основні риси їх творів – критичність та максимум правдивості. Вони зображали в деталях лахміття та дірки одягу простих людей, спотворені стражданням обличчя простого народу та товсті тілесні буржуа.

Цікавим явищем 19 століття стала Барбізонська школа художників. Цей термін поєднував кількох французьких майстрів, які виробили свій власний, несхожий стиль. Якщо в напрямах класицизму та романтизму природа різними способамиідеалізувалися, то барбізонці прагнули зображати краєвиди з натури. На їхніх картинах образи рідної природи, і прості людина цьому тлі. Найкращі відомі художникиБарбізонці – це Теодор Руссо, Жуль Депре, Вержіль ля Пенья, Жан-Франсуа Мілле, Шарль Добіньї.

Жан-Франсуа Мілле

Творчість барбізонців вплинула на подальший розвитокживопису 19 ст. По-перше, у художників цього напряму з'явилися послідовники у низці країн, зокрема й у Росії. По-друге, барбізонці дали поштовх виникнення імпресіонізму. Вони першими почали писати картини на пленері. Надалі традиції зображення реальних пейзажів підхопили імпресіоністи.

Стала завершальним етапом у живопису 19 століття, і припала на останню третину століття. Художники імпресіоністи підійшли до зображення реальності ще революційніше. Вони прагнули передати не саму природу, і образи в деталях, бо враження, яке справляє те чи інше явище.

Імпресіонізм був проривом історія живопису. Цей період подарував світу безліч нових технік та унікальні витвори мистецтва.

Множинність художніх напряміву ХІХ столітті була наслідком процесу модернізації. Художнє життя суспільства тепер визначалося не лише церковним диктатом та модою придворних кіл. Зміна соціальної структуриспричинило зміну сприйняття мистецтва у суспільстві: виникають нові соціальні верстви заможних і освічених людей, здатних самостійно оцінювати витвори мистецтва, орієнтуючись лише вимогу смаку. Саме до XIX віціпочинає формуватися масова культура; газети та журнали з номера в номер, що друкували довгі романи з цікавим сюжетом, стали прообразом телевізійних серіалів у мистецтві XX століття.

У першій половині XIX століттяу Європі розгорнулося небачене по розмаху містобудування. Більшість європейських столиць - Париж, Санкт-Петербург, Берлін - набули свого характерного вигляду; у тому архітектурних ансамблях посилилася роль громадських будівель. Символом Парижа стала знаменита Ейфелева вежа, збудована у 1889 р. до відкриття Всесвітньої виставки. Ейфелева вежа продемонструвала технічні можливості нового матеріалу – металу. Проте оригінальне мистецьке рішення було визнано не одразу, вежу закликали знести, називали жахливою.

Неокласицизм у першій половині ХІХ ст. пережив пізній розквіт, тепер отримує назву ампір (від франц. «імперія»), цей стиль виражав велич імперії створеної Наполеоном. До середини сторіччя основною проблемою європейської архітектури стали пошуки стилю. Внаслідок романтичного захоплення старовиною багато майстрів спробували відродити традиції архітектури минулого - так виникли неоготика, неоренесанс, необарокко. Зусилля зодчих нерідко призводили до еклектизму – механічного з'єднання елементів різних стилів, старий з новим.

У художнього життяпершою половини XIXстоліття переважав романтизм, який відбив розчарування в ідеології Просвітництва. Романтизм став особливим світоглядом та способом життя. Романтичний ідеалособистості, не зрозумілої суспільством, формує манеру поведінки його вищих верств. Для романтизму характерне протиставлення двох світів: реального та уявного. Реальна дійсність розглядається як бездуховна, негуманна, недостойна людини і протистоїть їй. "Прозі життя" реального світу протиставляється світ "поетичної реальності", світ ідеалу, мрії та надії. Бачачи в сучасній дійсності світ пороків, романтизм намагається знайти вихід для людини. Цей вихід – одночасно і відхід від суспільства в різних варіантах: герой йде у свій власний внутрішній світ, за межі реального простору та догляд в інший час. Романтизм починає ідеалізувати минуле, особливо Середньовіччя, бачачи у ньому інею дійсність, культуру, цінності.

Главою французького романтизму в живопису судилося стати Ежен Делакруа (1798-1863). Невичерпна уява цього художника створила цілий світ образів, які досі живуть на полотні своєї напруженої, повної боротьби та пристрастей життям. Делакруа нерідко черпав мотиви у творах Вільяма Шекспіра, Йоганна Вольфганга Гете, Джорджа Байрона, Вальтера Скотта, звертався до подій Великої французької революції, інших епізодів. національної історії(«Битва за Пуатьє»). Делакруа зобразив численні образи людей Сходу, головним чином алжирців та марокканців, яких він бачив під час своєї подорожі до Африки. У творі «Різанина на острові Хіос» (1824) Делакруа відбив боротьбу греків проти турецького панування, що хвилювала тоді всю Європу. Групі страждаючих полонених греків на передньому плані картини, серед яких і збожеволіла від горя жінка, і дитина, що повзе до грудей мертвої матері, художник протиставив гордовиті та жорстокі постаті карників; вдалині видно зруйноване місто, що горить. Картина вразила сучасників і захоплюючою силою людських страждань, і своїм надзвичайно сміливим і гучним колоритом.

Події Липневої революції 1830 р., які закінчилися поразкою революції та відновленням монархії, надихнули Делакруа створення широко відомої картини"Свобода на барикадах" (1830). Жінка, яка підняла триколірний прапор Французької республіки, уособлює свободу. Спосіб свободи на барикадах 0 уособлення боротьби.

Представником романтизму зі світовим ім'ям був іспанський художник Франциско Гойя (1746–1828). Гойя склався у великого художника порівняно пізно. Перший значний успіх йому принесли дві серії (1776-1791) численних гобеленів, створених для Королівської мануфактури Санта Барбара в Мадриді ("Парасолька", "Сліпий гітарист", "Продавець посуду", "Гра у хмурки", "Весілля"). У 90-х роках. XVIII століття у творчості Гойї наростають риси трагізму, ворожість до феодально-клерикальної Іспанії «старого порядку». Потворність її моральних, духовних і політичних основ Гойя розкриває у гротескно-трагічній формі, що харчується фольклорними витоками, у великій серії офортів «Капричос» (80 аркушів із коментарями художника); смілива новизна художньої мови, гостра виразність ліній та штрихів, контрастів світла та тіні, поєднання гротеску та реальності, алегорії та фантастики, соціальної сатири та тверезого аналізу реальності відкривали нові шляхи розвитку європейської гравюри. У 1790-х – початку 1800-х років виняткового розквіту досягла портретна творчість Гойї, в якій звучать тривожне почуття самотності (портрет сеньйори Бермудес), мужнє протистояння та виклик оточуючому (портрет Ф.Гіймарде), аромат таємниці та прихованої почуттів » та «Маха оголена»). З дивовижною силою викриття відобразив митець гордовитість, фізичне та духовне убожество королівської сім'ї у груповому портреті «Сім'я Карла IV». Глибоким історизмом, пристрасним протестом перейняті великі картиниГойї, присвячені боротьбі проти французької інтервенції («Повстання 2 травня 1808 року в Мадриді», «Розстріл повстанців у ніч проти 3 травня 1808 року»), філософськи осмислююча долі народу серія офортів «Будства війни» (82 листа, 1810–182).

Франциско Гойя "Капричос"

Якщо в літературі суб'єктивність сприйняття митця відкриває символізм, то в живописі подібне відкриття відбувається імпресіонізмом. Імпресіонізм (від фр. impression – враження) – напрям у європейському живописі, що зародився у Франції у середині 19 століття. Імпресіоністи уникали будь-яких подробиць малюнку і намагалися вловити загальне враження від того, що бачить око в конкретний момент. Цього ефекту вони досягали за допомогою кольору та фактури. Художня концепція імпресіонізму будувалася на прагненні природно і невимушено сфотографувати навколишній світ у його мінливості, передаючи свої швидкоплинні враження. Благодатний ґрунт у розвиток імпресіонізму підготували художники Барбізонської школи: вони першими почали писати етюди з натури. Принцип «писати те, що бачиш серед світла та повітря» ліг в основу пленерного живопису імпресіоністів.

У 1860-х рр., роки молоді художники-жанристи Е.Мане, О.Ренуар, Е.Дега спробували вдихнути у французький живопис свіжість і безпосередність спостереження життя, зображення миттєвих ситуацій, хиткість і неврівноваженість форм і композицій, незвичайні ракурси та погляди . Робота на відкритому повітрідопомагала створювати на полотнах відчуття блискучого снігу, багатства природних фарб, розчинення об'єктів у середовищі, вібрації світла та повітря. Особливу увагу художниками-імпресіоністамиприділялося взаємовідносинам предмета з оточенням, дослідженням зміни кольору і тону об'єкта в середовищі, що змінюється. На відміну від романтиків та реалістів, вони вже не були схильні зображати історичне минуле. Сферою їхніх інтересів була сучасність. Життя маленьких паризьких кафе, галасливі вулиці, мальовничі береги Сени, залізничні вокзали, мости, непримітна краса сільських краєвидів. Художники більше не бажають торкатися гострих соціальних проблем.

Творчість Едуарда Мане (1832-1883) передувало новий напрямок у живопису - імпресіонізм, але сам художник не приєднався до цього руху, хоча дещо змінив під впливом імпресіоністів свою творчу манеру. Мане декларував свою програму: «Жити своїм часом і зображати те, що бачиш перед собою, відкриваючи справжню красу та поезію у повсякденному перебігу життя». При цьому в більшості робіт Мане була відсутня дія, навіть мінімальна сюжетна зав'язка. Постійним мотивом творчості Мані стає Париж: міський натовп, кафе та театри, вулиці столиці.

Едуард Мане "Бар у Фолі-Бержер"

Едурд Мане "Музика в Тюїльрі"

Сама назва імпресіонізму завдячує своїм походженням пейзажу Клода Моне (1840-1926) «Враження. Схід сонця".

У творчості Моне провідне значення набула стихія світла. До 70-х років. ХІХ ст. Відноситься дивовижний «Бульвар Капуцинок», де кинуті на полотно мазки передають і перспективу жвавої вулиці, що йде вдалину, і нескінченний потік екіпажів, що рухається по ній, і веселий святковий натовп. Він писав безліч картин з тим самим, але по-різному освітленим предметом спостереження. Наприклад, стог сіна вранці, опівдні, ввечері, при місяці, у дощ тощо.

Багато здобутків імпресіонізму пов'язані з творчістю П'єра Огюста Ренуара (1841-1919), що у історію мистецтва як «живописець щастя». Він справді створював на своїх картинах особливий світчарівних жінок і безтурботних дітей, радісної природи та прекрасних квітів. Протягом усього життя Ренуар писав пейзажі, та його покликанням залишалося зображення людини. Він любив малювати жанрові картини, де з вражаючою жвавістю відтворював метушню паризьких вулиць та бульварів, ледарство кафе та театрів, жвавість заміських прогулянок та свят просто неба. Всі ці картини, написані на пленері, вирізняє звучність кольору. Картина «Мулен де ла Галетт» (народний бал у саду монмарського танцювального залу) – шедевр ренуарівського імпресіонізму. У ній вгадується живий ритм танцю, мелькання молодих осіб. У композиції немає різких рухів і відчуття динаміки створюється ритмом колірних плям. Цікава просторова організація картини: перший план дано зверху, фігури, що сидять, не заступають танців. На численних портретах переважають діти та молоді дівчата, у цих портретах розкрилася його майстерність: «Хлопчик із кішкою», «Дівчина з віялом».

Активний учасник усіх виставок Едгар Дега (1834 – 1917), був далекий від усіх принципів імпресіоністів: був противником пленеру, не писав картини з натури, не прагнув вловити характеру різних станів природи. Значне місце у творчості Дега займає серія картин із зображенням оголеного жіночого тіла. Безліч картин останніх років присвячено «жінці за туалетом». У багатьох творах Дега показує характерність поведінки та зовнішності людей, породжену особливостями їх побуту, виявляє механізм професійного жесту, пози, руху людини, її пластичну красу (« Прасувальниці», «Прачки з білизною»). У утвердженні естетичної важливості життя людей, їх звичайних занять позначається своєрідний гуманізм творчості Дега. Мистецтві Дега властиве поєднання прекрасного, часом фантастичного і прозового: передаючи в багатьох балетних сценахсвятковий дух театру («Зірка балету», «Балетна школа», «Урок танців»).

Постимпресіонізм охоплює період з 1886 р., коли відбулася остання виставка імпресіоністів, на якій були вперше представлені роботи неоімпресіоністів, до 1910-х рр., що сповістили про народження абсолютно нового мистецтва у формах кубізму та фовізму. Термін «постимпресіонізм» узвичаїв англійських критик Роджер Фрай, висловлюючи загальне враження про влаштовану ним у Лондоні в 1910 р. виставку сучасного французького мистецтва, де були представлені роботи Ван Гога, Тулуз-Лотрека, Сера, Сезанна та інших художників.

Постимпресіоністи, багато з яких раніше примикали до імпресіонізму, почали шукати методи вираження не тільки миттєвої і минущої - кожної миті, вони стали осмислювати тривалі стани навколишнього світу. Для постімпресіонізму характерні різні творчі системита техніки, що вплинули на подальший розвиток образотворчого мистецтва. Роботи Ван Гога передбачили появу експресіонізму, Гоген проклав шлях до модерну.

Вінсент Ван Гог (1853-1890) створював максимально яскраві художні образи шляхом синтезу (з'єднання) малюнка та кольору. Техніка Ван Гога - це точки, коми, вертикальні рисочки, суцільні плями. Його дороги, грядки та борозни справді тікають у далечінь, а кущі горять на землі, як багаття. Він зображував не одну схоплену мить, а безперервність миттєвостей. Він зображував не цей ефект зігнутого вітром дерева, а самий зріст дерева з землі. Все випадкове Ван Гог умів перетворити на космічне. Душа Ван Гога вимагала яскравих фарб, він постійно скаржився братові на недостатню силу навіть його улюбленого яскраво-жовтого кольору.

"Зоряна ніч" була не першою спробою Ван Гога зобразити нічне небо. 1888 року в Арлі він написав «Зоряну ніч над Роною». Ван Гог хотів зобразити зоряну ніч як приклад сили уяви, яка може створити дивовижнішу природу, ніж та, яку ми можемо сприйняти при погляді на реальний світ.

Загострене сприйняття дійсності та душевна неврівноваженість призводять до Ван Гога до психічного захворювання. Гоген приїжджає погостювати до Арля, але творчі розбіжності викликають сварку. Ван Гог кидає склянку в голову художника, потім після заяви Гогена про намір виїхати, кидається на нього з бритвою. У нападі божевілля ввечері цього дня художник відрізає собі вухо («Автопортрет з перев'язаним вухом»).

Творчість Поля Гогена (1848-1903) невіддільна від його трагічної долі. Найважливішим у стилістичній концепції Гогена було його розуміння кольору. На о. Таїті, куди митець поїхав у 1891 р., під впливом примітивних форм полінезійського мистецтва він писав картини, що відрізняються декоративністю, плоскими формами та виключно чистими квітами. «Екзотичний» живопис Гогена – «А ти ревнуєш?», «Її звуть Вайрауматі», «Жінка, що тримає плід» – відбиває не стільки природні якості предметів, скільки емоційний стан художника та символічний зміст задуманих ним образів. Особливість мальовничої манери Гогена полягає в яскраво вираженій декоративності, прагненні зафарбовувати одним кольором великі площини полотна, в любові до орнаментики, яка була присутня і на тканинах одягу, і на килимах, і у пейзажному тлі.

Поль Гоген "Коли ж заміж" "Жінка тримає плід"

Найважливішим досягненням культури ХІХ ст. є поява мистецтва фотографії та дизайну. Перший у світі фотоапарат було зроблено у 1839 році Луї Жак Манде Дагером.

Ранні спроби Даґера зробити працездатну камеру були невдалими. У 1827 році він зустрівся з Жозефом Ньєпсом, який теж намагався (і на той час досяг трохи більшого успіху) винайти фотокамеру. За два роки вони стали партнерами. У 1833 році Ньепс помер, але Дагер наполегливо продовжував працювати. До 1837 він нарешті зміг розробити практичну системуфотографії, названу дагеротипією. Зображення (дагеротип) отримували на срібній платівці, обробленої парами йоду. Після експонування протягом 3-4 годин платівку виявляли в парах ртуті та фіксували гарячим розчином кухонної солі або гіпосульфіту. Дагеротипи відрізнялися дуже високою якістюзображення, але можна було отримати лише один знімок.

У 1839 Дагер опублікував свій винахід, але не оформив патент. У відповідь французький уряд призначив йому та сину Ньєпса довічні пенсії. Оголошення про винахід Дагер викликало велику сенсацію. Дагер став героєм дня, на нього обрушилася слава, а метод дагеротипії швидко знайшов широке застосування.

Розвиток фотографії призвело до перегляду художніх принципівграфіки, живопису, скульптури, поєднало художність і документальність, що не можна досягти в інших видах мистецтва. Основу дизайну поклала Міжнародна промислова виставка в Лондоні в 1850 р. Її оформлення знаменувало зближення мистецтва і техніки і започаткувало новий вид творчості.

Луї Дагер, Нісефор Ньєпс і камера-обскура Ньєпса

Джозеф Нісефор Ньєпс. Перша у світі фотографія, зроблена на сплаві олова зі свинцем, 1826 рік.

Знімок Дагера «Студія художника», 1837 р

У 1870-х роках два винахідники Ілайша Грей та Олександр Грехем Белл незалежно один від одного розробили пристрої, які могли передавати мову за допомогою електрики, які згодом назвали телефоном. Вони обидва направили відповідні патенти в патентні бюро, різниця в подачі заявок була лише кілька годин. Однак Олександр Грехем Белл отримав патент першим.

Телефон та телеграф є електричними системами, основою яких є дроти. Успіх Олександра Белла, точніше за його винаходи, був цілком закономірним, оскільки, винаходячи телефон, він намагався вдосконалити телеграф. Коли Белл почав експериментувати з електричними сигналами, телеграф вже користувалися як засобом комунікації протягом приблизно 30 років. Незважаючи на те, що телеграф був досить успішною системою передачі інформації, заснованої на азбуці Морзе з її відображенням букв за допомогою точок і тире, проте великий мінус телеграфу полягав у тому, що інформація була обмежена отриманням та надсиланням одного повідомлення одночасно.

Олександр Белл говорить у першу модель телефону

Перший телефон, створений Олександром Грехемом Беллом, був пристрій, через який звуки мови людини передавалися за допомогою електрики (1875 рік). 2 червня 1875 року, Олександр Грехем Белл, експериментуючи зі своєю технікою, що він назвав “гармонічний телеграф” виявив, що може почути звук з дроту. То був звук годинника.

Найбільший успіх Белла був досягнутий 10 березня 1876 року. Розмовляючи за допомогою трубки зі своїм помічником, Томасом Вотсоном, який перебував у сусідній кімнаті, Белл сказав слова, які сьогодні відомі всім “Mr. Watson – come here – I want to see you” (Містер Вотсон – йдіть сюди – я хочу бачити Вас). У цей час не лише народився телефон, а й помер багаторазовий телеграф. Потенціал комунікацій, укладений у демонстрації того, що можна було поговорити завдяки електриці, дуже відрізнявся від того, що міг запропонувати телеграф із його системою передачі інформації за допомогою точок та тире.

Поняття кінематограф з'явилося вперше у його французькому варіанті — «синематограф», що позначав систему створення та показу фільму, розроблену братами Луї Жаном та Огюстом Люм'єр. Перший фільм був знятий за допомогою кінокамери французом Луї Еме Огюстеном Ле Принесі (1842–1890рр) у листопаді 1888 року у Великій Британії і складався з двох фрагментів: у першому — 10-12 картинок на секунду, у другому — 20 картинок на секунду. Але офіційно вважається, що кінематограф бере свій початок 28 грудня 1895 року. Цього дня в індійському салоні "Гран-кафе" на бульварі Капуцинів (Париж, Франція) відбувся публічний показ "Синематографа братів Люм'єр". В 1896 брати зробили світове турне зі своїм винаходом, відвідавши Лондон, Нью-Йорк, Бомбей.

Луї Жан Люм'єр закінчив промислову школу, був фотографом і працював на фабриці фотоматеріалів, що належала батькові. У 1895 Люм'єр винайшов кіноапарат для зйомки та проекції "рухомих фотографій". У його роботі щодо винаходу кінематографа брав активну участь його брат Огюст Люм'єр. Апарат був запатентований та отримав назву кінематограф. Перші кінопрограми Люм'єра демонстрували сценки, зняті на натурі: "Вихід робітників з фабрики Люм'єра", "Прибуття поїзда", "Сніданок дитини", "Политий поливальник" та інші. Цікаво, що слово lumiere по-французьки означає “світло”. Можливо це випадковість, а може, доля творців кінематографа була вирішена заздалегідь.

Європейський живопис

Споконвіку живопис вважався показником культурного розвитку людства, а талановиті художникицінувалися справжніми шанувальниками прекрасного золота на вагу. Даний вид образотворчого мистецтва найбільшого розквіту досяг у 19 столітті, увібравши основні канони класицизму і неокласицизму. Експерти не сумніваються в тому, що європейський живопис значною мірою вплинув на розвиток вітчизняного живопису, однак і російські художники не відставали від зарубіжних колег, створюючи та розвиваючи нові напрямки у мистецтві, знаходячи соратників, учнів та послідовників.

У другій половині XIX століття в галузі живопису стався переворот, в результаті якого художники масово пішли в реалізм, який ще має назву натуралізм. Майстри, які стали працювати над пейзажами, не могли отримати схвалення у представників академічних кіл. Гра світла, повітря, тіней, можливість втілювати на полотні найтонші переходи кольорів – все це полонило майстрів пензля і фарб, і вони забували про критику.

Цікавим є те що, що живопис 19 століття (першої половини) багато в чому є плодом Французької революції. Військові події сприяли розвитку нових напрямів у мистецтві та в цілому вдихнули в нього життя. Але батальні сцени згодом змінилися на романтичні, як у XVIII столітті. Романтизм, реалізм і декаданс були популярними до останньої третини ХІХ століття, та був, з кінця трьох напрямів, виникло нове – імпресіонізм (від франц. «імпресіон» – враження). Імпресіонізм став затребуваним та зберігав лідерські позиції близько 12 років. За цей час митці, які працюють у дусі нової течії, зуміли організувати 8 виставок, присвячених своїм витворам мистецтва. За словами французького письменникаСтендаля, живопис століття дев'ятнадцятого неповторний, тому що вміє зображати людське серце полум'яно і точно. Зі словами великого майстра не можна не погодитися – він найточніше описав посилання картин художників-баталістів.

Романтизм зі своїм живим колоритом, ідеалізацією та поетичністю сцен, реалізм, що зображує у простих композиціях повсякденну, не прикрашену дійсність, а також похмурий та депресивний декаданс досі не змогли знайти такого відгуку. Але всі перелічені лінії мистецтва разом із розпливчастим та емоційним імпресіонізмом – це і є найбільша європейська спадщина. В антикварному магазині «Лавка старовини» є все, про що тільки мріятиме колекціонер рідкісних полотен: розмірені міські та динамічні морські пейзажі, яскраві зображення тварин та монохромні портретні картини, створені в техніці шовкографія. На наших вітринах розміщений ексклюзивний європейський живопис, купити який ви можете в два кліки.

На мистецтво першої половини ХІХ ст. вплинули Велика Французька революція (1789–1799 рр.), війна з Наполеоном, війна з Іспанією. У цей час великий прогрес у науці. Основні стилі: ампір, романтизм, французький реалізм.

В архітектурі першої половини ХІХ століття неокласицизм пережив останній розквіт. До середини сторіччя основною проблемою європейської архітектури стали пошуки стилю. Внаслідок романтичного захоплення старовиною багато майстрів спробували відродити традиції архітетури минулого – так виникли неоготика, неоренесанс, необарокко. Зусилля архітекторів нерідко призводили до еклектизму - механічного з'єднання елементів різних стилів, старого з новим. В архітектурі переважає будівництво фабрик, контор, житлових будинків, універмагів, виставкових залів, бібліотек, вокзалів, критих ринків, банків тощо. буд. Банки прикрашаються давньогрецькими портиками, універмаги – готичними стрілчастими вікнами та вежами. Фабрикам надаються вигляди замків.

19.1.1 Мистецтво Франції

Архітектура.У роки Великої Французької революції у Франції не збудували жодної довговічної споруди. Це була епоха тимчасових споруд, як правило, дерев'яних. На початку революції було зруйновано Бастилію, знесено пам'ятники королям. У 1793 р. закрили королівські академії, зокрема академію архітектури. Замість них з'явилися Національне журі мистецтв та Республіканський клуб мистецтв, головними завданнями яких були організація масових свят та оформлення паризьких вулиць та площ.

На площі Бастилії спорудили павільйон із написом: «Тут танцюють». Площу Людовіка XV було названо площею Революції та доповнено тріумфальними арками, статуями Свободи, фонтанами з емблемами. Марсове поле стало місцем народних зборів із вівтарем Вітчизни у центрі. Будинок Інвалідів та його Собор перетворилися на храм людяності. Вулиці Парижа були прикрашені новими пам'ятниками.

Також у роки Французької революції була утворена Комісія художників, яка займалася благоустроєм міста, планувала зміни у його образі. Він зіграв істотну роль історії архітектури.

У мистецтві наполеонівської Франції панував стиль ампір. Головним заходом Наполеона у сфері архітектури стала реконструкція Парижа: передбачалося пов'язати середньовічні квартали системою проспектів, що перетинають місто по осі «схід-захід». Були збудовані: проспект Єісейські поля, вулиця Ріволі, тріумфальна колона на Вандомській площі (1806–1810 рр., архітектори Жан Батист Лепер, Жак Гондуен), в'їзна брама палацу Тюїльрі (1806–1807 рр., архітектори Ш. Персьє, П. П.). Л. Фонтен), тріумфальна арка Великої армії (1806–1837 рр., архітектори Жан Франсуа Шальєн та ін.).

Живопис.У першій половині ХІХ ст. французька школа живопису зміцнила свою першість у мистецтві Західної Європи. Франція випередила інші європейські країнита у демократизації художнього життя. З 1791 р. право участі у виставках луврського Салону отримали будь-які автори незалежно від їхнього членства в академіях. З 1793 відкрилися для широкої публіки зали Лувру. Державна академічна освіта витіснялася підготовкою до приватних майстерень. Влада вдавалася до більш гнучких методів художньої політики: розподіл великих замовлень на прикрасу громадських будівель набув особливого розмаху.

Представники живопису французького романтизму - Давид, Енгр, Жеріко, Делакруа, Гро.

Жак Луї Давид (1748-1825) - найпослідовніший представник неокласицизму в живописі. Навчався у Королівській академії живопису та скульптури, у 1775–1779 рр. в. відвідав Італію. У 1781 р. Давид був прийнятий до членів Королівської академії і отримав право брати участь у її виставках - луврських Салонах. У 1792 р. Давид був обраний депутатом Конвент, вищий законодавчий і виконавчий орган Першої республіки.

Ще 1776 р. було розроблено урядова програма, яка заохочувала створення великих картин. Давид отримав замовлення на картину про подвигу трьохбратів із знатного роду Гораців «Клятва Горацієв» (1784 р.). Дія картини розгортається у внутрішньому дворику давньоримського будинку: зверху на героїв картини ллється потік світла, навколо них оливково-сірі сутінки. В основі всієї композиції число три: три арки (у кожну з арок вписано одну або кілька фігур), три групи персонажів, три сини, тир меча, три жінки. Плавні обриси жіночої групи протиставлені карбованим лініям постатей воїнів.

У 1795–1799 pp. Давид разом із учнями працював над картиною «Сабінянки, які зупиняють битву між римлянами та сабінянами». Художник знову обрав сюжет, співзвучний сучасності: оповідь про жінок, які припинили війну між римлянами (їхні мужі) і сабінянами (їхніми батьками і братами), звучало в тодішній Франції як заклик до громадянського світу. Проте величезна, перевантажена фігурами картина викликала у глядачів лише глузування.

У 1812 р. поїхав до Брюсселя, де мешкав до самої смерті. Писав портрети та твори на античні сюжети «Смерть Марата» (1793), «Портрет мадам Рекам'є» (1800). Картина «Смерть Марата» була закінчена художником менше ніж за три місяці та повішена у залі засідань Конвенту. Марат був заколотий у своїй квартирі дворянкою на ім'я Шарлотта Корде. У момент загибелі Марат сидів у ванні: через шкірну хворобу він був змушений так працювати і приймати відвідувачів. Не є вигадкою художника і залатані простирадла, і простий дерев'яний ящик, який замінював стіл. Проте сам Марат, тіло якого було спотворене хворобою, під пензлем Давида перетворився на благородного атлета, подібного до античного героя. Простота обстановки надає видовищу особливої ​​трагічної урочистості.

У грандіозній картині «Коронування Наполеона I та імператриці Жозефіни у соборі Паризької Богоматері 2 грудня 1804 р.» (1807 р.)Давид створив черговий міф - блиск вівтаря і розкіш одягу придворних діють на глядача не гірше, ніж убога меблі та старі простирадла Марата.

Жан Огюст Домінік Енгр(1780-1867) був прихильником класичних ідеалів, художником самобутнім, чужим всякої фальші, нудьги та рутини. У 1802 р. був нагороджений Римською премією та отримав право поїхати до Італії. У 1834 став директором французької академії в Римі. Досяг найвищої майстерності в жанрі портрета - «Портрет Рів'єра».

Енгр намагався передати у живописі декоративні можливості різних видівстарого мистецтва, наприклад, виразність силуетів давньогрецького вазопису, - «Едіп та Сфінкс» (1808 р.)і «Юпітер і Фетіда» (1811).

У монументальному полотні «Обітниця Людовіка XIII, що просить заступництва Богоматері для Французького королівства» (1824 р.), він наслідував мальовничий стиль Рафаеля. Картина принесла Енгр перший великий успіх. У картині «Одаліска та рабиня» (1839 р.)вибрав композицію, близьку до «Алжирських жінок у своїх покоях» Делакруа, і вирішив її по-своєму. Строкатий, багатобарвний колорит полотна виник унаслідок захоплення художника східною мініатюрою. У 1856 р. Енгр закінчив картину «Джерело», Задуману їм ще в 20-ті рр.. в Італії. У граціозному квітучому дівочому тілі втілено чистоту та щедрість світу природи.

Теодор Жеріко(1791-1824) - засновник революційного романтизму в французького живопису. Перша робота, виставлена ​​у Салоні, - «Офіцер кінних єгерів імператорської гвардії, який у атаку» («Портрет лейтенанта Р. Дьедонне», 1812 р.). Лихий вершник на полотні не позує, а бореться: стрімка діагональ композиції забирає його вглиб картини, в сизо-червоне пекло бою. У цей час стало відомо про розгром армії Наполеона Бонапарта у Росії. Почуття французів, які пізнали гіркоту поразки, відобразила нова картина молодого художника - «Поранений кірасир, що залишає поле бою» (1814).

У 1816–1817 pp. Жерико жив у Італії. Художника особливо захопили стрибки неоседланих коней у Римі. У мальовничій серії «Біг вільних коней» (1817 р.)доступна і виразна точність репортажу, і стримана героїка у неокласичному дусі. У цих творах остаточно сформувався його індивідуальний стиль: потужні, грубуваті форми передані великими рухливими плямами світла.

Повернувшись до Парижа, художник створив картину «Пліт «Медузи»» (1818–1819 рр.). У липні 1816 р. поблизу островів Зеленого Мису корабель «Медуза» під командуванням недосвідченого капітана, який отримав посаду за протекцією, сів на мілину. Тоді капітан і його наближені попливли в шлюпках, кинувши на свавілля долі пліт із ста п'ятдесятьма матросами та пасажирами, з яких вижило лише п'ятнадцять чоловік. У картині Жерико вимагав максимальної правдоподібності. Два роки він розшукував людей, які пережили трагедію в океані, робив замальовки у лікарнях та моргах, писав етюди моря у Гаврі. Пліт на його картині піднятий хвилею, глядач одразу бачить всіх людей, що тулилися на ньому. На першому плані - постаті померлих і божевільних; вони написані у натуральну величину. Погляди тих, хто ще не зневірився, звернені на далекий край плоту, де африканець, стоячи на хисткому барило, махає червоною хусткою команді «Аргуса». То розпач, то надія сповнюють душі пасажирів плоту «Медузи».

У 1820–1821 pp. Жерико побував у Англії. Під впливом робіт Констебла він написав «Скачки в Епсомі» (1821). Картина пронизана рухом: коні мчать, щойно торкаючись землі, їхні фігури злилися в одну стрімку лінію; рухливі низькі хмари, рухливі тіні, що ковзають по вологому полю. Усі контури у пейзажі розмиті, фарби змащені. Жерико показав світ таким, яким його бачить жокей на коні, що мчить галопом.

Ежен Деакруа(1798-1863) - французький живописець. Основою живопису Делакруа є барвисті плями, що становлять гармонійну єдність; кожна пляма крім свого кольору включає відтінки сусідніх.

Першу свою картину Делакруа написав на сюжет «Божественна комедія» Данте. "Данте і Вергілій" ("Ладья Данте") (1822 р.). Делакруа створив картину «Хіоська різанина» (1824 р.)під враженням подій визвольної революції Греції 1821–1829 гг. У вересні 1821 р. турецькі карателі знищили мирне населення Хіоса. На першому плані картини фігури приречених хіосців у строкатих лахміттях; фоном їм є темні силуети озброєних турків. Більшість бранців байдужі до своєї долі, лише діти марно благають батьків захистити їх. Турецький вершник, який тягне за собою гречанку, виглядає своєрідним символом поневолення. Не менш символічні й інші постаті: оголений поранений грек - його кров сягає сухої землі, а поруч валяються зламаний кинжал і спустошена грабіжниками сумка.

Після подій у липні 1830 р. у Парижі Делакруа створив картину «Свобода, яка веде народ (28 липня 1830 р.)». Простому епізоду вуличних боїв митець надав позачасове, епічне звучання. Повстанці піднімаються на відбиту у королівських військ барикаду, а очолює сама Свобода. Критики побачили в ній «місцева торгівля з давньогрецькою богинею». Тут відчувається романтичний стиль: Свобода зображена як богині перемоги, вона піднімає триколірний прапор Французької республіки; слідом рухається озброєний натовп. Нині всі вони солдати Свободи.

У 1832 р. Делакруа супроводжував дипломатичну місію до Алжиру та Марокко. Після повернення до Парижа художник створив картину «Алжирські жінки у своїх покоях» (1833). Фігури жінок напрочуд пластичні. М'яко окреслені золотисто-смагляві обличчя, плавно вигнуті руки, строкаті вбрання яскраво виділяються на тлі бархатистих тіней.

Антуан Гро (1771-1835) - французький живописець, портретист. Гро відмовився від класичних сюжетів – його приваблювала сучасна історія. Створив серію картин, присвячених єгипетсько-сирійській експедиції наполеонівської армії (1798-1799 рр.). «Бонапарт, що відвідує зачумлених в Яффе» (1804). Інші картини, присвячені Наполеону - «Наполеон на Аркольському мосту» (1797), «Наполеон на полі битви при Ейау» (1808). Гро 1825 р. закінчив розпис купола Пантеона в Парижі, замінивши зображення Наполеона фігурою Людовіка XVIII.

17.3 Європейський живопис ХІХ ст.

17.3.1 Французький живопис . Перші два десятиліття ХІХ ст. історія французького живопису позначені як революційний класицизм. Його видатним представником був Ж.Л. Давид (1748)- 1825), основні твори якого були створені ним у XVIII ст. Твори ХІХ ст. – це роботи при дворового живописця Наполеона– «Наполеон на Сен-Бернарському перевалі», «Коронація», «Леонід при Фермопілах». Давид - також автор прекрасних портретів, таких, як портрет мадам Рекам'є. Він створив велику школу учнів та визначив риси художньогоз тилю ампір.

Учнем Давида був Ж.О.Енгр (1780)- 1867), який перетворив класицизм на академічне мистецтво і довгі роки протистоялромантикам. Енгр – автор правдивих гострохарактернихпортретів («Л. Ф. Бертен», «Мадам Рів'єр» та ін.) та картин у стилі а кадемічного класицизму («Апофеоз Гомера», «Юпітер та Феміда»).

Романтизм французького живопису першої половини ХІХ ст.– це полотна Т.Жерико (1791 – 1824) («Пліт "Медузи"» і «Дербі в Епсомі та ін.») та Е. Делакруа (1798 - 1863), автора знаменитої картини "Свобода, що веде народ".

Реалістичний напрямок у живопису першої половини століття представлено роботами Г. Курбе (1819)– 1877), автора терміна «реалізм» та полотен «Дробильники каміння» та «Похорони в Орнані» , а також роботами Ж . Ф. Мілле (1814 – 1875), побутописателя селянського життя і («Збиральниці колосків», «Людина з мотикою», «Сіяч»).

Важливим явищем європейської культури другої половини ХІХ ст. був художній стильімпресіонізм, який набув поширення у живопису, а й у музиці та художньої литературе. І все-таки виник він у живописі.

У часових мистецтвах дія розгортається у часі. Живопис здатна сфотографувати лише один-єдиний момент часу. На відміну від кіно, у неї завжди один «кадр». Як же у ньому передати рух? Однією з таких спроб сфотографувати реальний світ у його рухливості та мінливості була спроба творців напряму в живописі, що отримав назву імпресіонізм (від франц. Враження). Цей напрямок об'єднав різних художників, кожного з яких можна охарактеризувати в такий спосіб. Імпресіоніст– це художник, який передає своє безпосереднєвраження від природи, бачить у ній красу мінливості та непостійності, усвідомлює зорове відчуття яскравого сонячного світла, ігри кольорових тіней, користуючись палітрою з чистих незмішаних фарб, з якої вигнано чорне та сіре.

У картинах таких імпресіоністів, як К.Моне (1840-1926) та О.Ренуар (1841-1919), на початку 70-х років ХІХ ст. з'являється повітряна матерія, що має не тільки певну щільність, що заповнює простір, але і рухливістю. Струмить сонячне світло, від вологої землі піднімаються випари. Вода, що тане сніг, зорана земля, трава, що колихається, на луках не мають чітких застиглих обрисів. Рух, який раніше вводився у пейзаж як зображення фігур, що переміщаються, як наслідок дії природних сил- вітру, хмари, що ганяє, дерева, що колихає, тепер змінюється спокоєм. Але цей спокій неживої матерії – одна з форм її руху, яка передається самою фактурою живопису – динамічними мазками різних кольорів, не скутими жорсткими лініями малюнка.

Нова манера живопису не одразу була прийнята публікою, яка звинувачувала художників у тому, що вони не вміють малювати, кидають на полотно фарби, зіскреблені з палітри. Так, неправдоподібними здалися і глядачам, і колегам-художникам рожеві Руанські собори Моне.– найкраща з мальовничих серій художника («Ранок», «З першими променями сонця», «Південь»). Художник не прагнув представити на полотні собор у різний часдня- Він змагався з майстрами готики поглинути глядача спогляданням чарівних світло-колірних ефектів. Фасад Руанського собору, як і більшість готичних соборів, приховує містичне видовище. х від сонячного світла яскравих кольорових вітражів інтер'єру. Висвітлення всередині соборів змінюється в залежності від того, з якого боку світить сонце, хмарна чи ясна погода. Сонячне проміння, проникаючи крізь інтенсивний синій, червоний колір скла вітражів, фарбується і лягає кольоровими відблисками на підлогу.

Одному з полотен Моне своєю появою має слово «імпресіонізм». Це полотно дійсно було крайнім виразом новаторства мальовничого методу, що з'явився, і називалося «Схід сонця в Гаврі». Упорядник каталогу картин для однієї з виставок запропонував художнику назвати її якось інакше, і Моне, викресливши «в Гаврі», поставив «враження». І через кілька років після появи його робіт, писали, що Моне «розкриває життя, яке до нього ніхто не зміг вловити, про яке ніхто навіть не здогадувався». У картинах Моне стали помічати тривожний дух народження нової доби. Так, у його творчості з'явилася "серійність" як новий феномен живопису. І вона зосередилася на проблемі часу. Картина художника, як зазначалося, вихоплює із життя один «кадр», з усією його неповнотою та незакінченістю. І це дало поштовх до розвитку серії як кадрів, що послідовно змінюють один одного. Крім «Руанських соборів» Моне створює серію «Вокзал Сен-Лазар», у якій картини взаємопов'язані та доповнюють одна одну. Проте поєднати «кадри» життя на єдину стрічку вражень у живопису було неможливо. Це стало завданням кінематографу. Історики кінематографа вважають, що причиною його виникнення та поширення були не тільки технічні відкриття, а й назріла художня потреба у зображенні, що рухається. І картини імпресіоністів, зокрема Моне, стали симптомом цієї потреби. Відомо, що одним із сюжетів першого сеансу кіно в історії, влаштованого братами Люм'єром у 1895 р., було «Прибуття поїзда». Паровози, вокзал, рейки і були сюжетом серії із семи картин «Вокзал Сен-Лазар» Моне, виставлених у 1877 р.

Видатним художником-імпресіоністом був О.Ренуар. До його творів ("Квіти", "Молода людина на прогулянці з собаками в лісі Фонтенбло", "Ваза з квітами", "Купання на Сіні", "Ліза з парасолькою", "Дама в човні", "Вершники в Булонському лісі"). , «Бал у Ле Мулен де ла Галетт», «Портрет Жанни Самарі» та багато інших) цілком застосовні слова французького художникаЕ. Делакруа «Перша гідність будь-якої картини- бути святом до м для очей». Ім'я Ренуару– синонім краси та молодості, тієї пори людського життя, коли душевна свіжість та розквіт фізичних сил перебувають у повній гармонії. Живучи в епоху гострих соціальних конфліктів, він залишив їх за межами своїх полотен. очившись на прекрасних та світлих сторонах людського буття. І в цій своїй позиції він був не самотній серед художників. Ще за двісті років до нього великий фламандський художник Пітер Пауль Рубенс писав картини величезного життєстверджуючого початку (Персей і Андромеда). Такі картини дають людині надію. Кожна людина має право на щастя, а головний сенсРенуарівського мистецтва в тому і полягає, що кожен його образ стверджує непорушність цього права.

У наприкінці XIXстоліття у європейському живописі сформувався постімпресіонізм. Його представники- П . Сезанн (1839 - 1906), В . Ван Гог (1853 - 1890), П . Гоген (1848 - 1903), сприйнявши від імпресіоністівчистоту кольору, займалися пошуками постійних засад буття, узагальнюючих мальовничих методів, філософських та символічних аспектів творчості. Картини Сезанна– це портрети («Курильник»), пейзажі («Береги Марни»), натюрморти («Натюрморт з кошиком фруктів»).

Картини Ван Гога- "Хатини", "Овер після дощу", "Прогулянка ув'язнених".

Гогену властиві риси світоглядного романтизму. У Останніми рокамисвого життя полонений життям полінезійських племен, що зберегли, на його думку, первісну чистоту і цілісність, він їде на острови Полінезії, де створює кілька картин, основою яких була примітивізація форми, прагнення наблизитися до художніх традицій тубільців («Жінка, що тримає плід», « Таїтянська пастораль», «Чудове джерело»).

Чудовим скульптором ХІХ ст. був О.Роден (1840– 1917), який поєднав у своїй творчості імпресіоністськаромантизм та експресіонізм з реалістичнимипошуками. Життєвість образів, драматизм, виразність напруженого внутрішнього життя, що тривають у часі та просторі жести (що справи е можливим перекладання цієї скульптури на музику і балет), уловлювання нестабільності миті- Все це разом створює по суті романтичний образ і цілком імпресіоністськебачення. Прагнення до глибоких філософських узагальнень («Бронзовий вік», « Громадяни Кале», скульптура, присвячена героюСтолітньої війни, що пожертвував собою заради порятунку обложеного міста, роботи для «Брам пекла», в тому числі «Мислитель») і прагнення показати моменти абсолютної краси та щастя («Вічна весна», «Па-де-де»)– Основні риси творчості цього художника.

17.3.2 Англійський живопис. Образотворче мистецтво Англії першої половини ХІХ ст.– це пейзажний живопис, яскравими представникамиякою були Дж. Констебель (1776 - 1837), англійський попередник імпресіоністів(«Віз для сіна, що переїжджає брід» і «Житнє поле») і У. Тернер (1775 – 1851), картини якого , такі як «Дощ , пара і швидкість» , "Аварія коробля", відрізняє пристрасть до барвисті фантасма горії.

У другій половині століття створював свої твори Ф.М.Браун (1821- 1893), якого справедливо вважали "Гольбейном XIX століття". Браун відомий своїми історичними творами («Чосер при дворі Едуарда III» та «Лір і Корделія»), а також картинами на акт уальні побутові теми («Останній погляд на Англію», «Праця»).

Творче об'єднання «Прерафаелітське братство» («прерафаеліти») виникло в 1848 р. Хоча стрижнем, що об'єднує, і було захоплення творами художників раннього Відродження(До Рафаеля), але у кожного члена цього братства була своя тематика і своє художнє кредо. Теоретиком братства був англійський культуролог і естетик Дж. Реськін, який виклав концепцію романтизму стосовно умов Англії середини століття.

Рєськін, пов'язуючи у своїх творах мистецтво із загальним рівнем культури країни, вбачаючи в мистецтві прояв моральних, економічних та соціальних факторів, прагнув переконати англійців, що передумовами краси є скромність, справедливість, чесність, чистота та невибагливість.

Прерафаеліти створювали картини на релігійні та літературні сюжети, художньо оформляли книжки та розвивали декоративне мистецтво, прагнули відродити принципи середньовічних ремесел. Розуміючи небезпечну для декоративного мистецтватенденцію- Його знеособлення машинним виробництвом, англійський художник, поет та громадський діяч У. Морріс (1834 – 1896) організував художньо-промислові майстерні з виготовлення шпалер, тканин, вітражів та інших предметів побуту, малюнки для яких виконував він сам і художники-прерафаеліти.

17.3.3 Іспанський живопис. Гойя . Творчість Франсіско Гойя (1746)– 1828) належить двом століттям – XVIII та XIX. Воно мало велике значення для формування європейського романтизму. Творче нас леді художника багате і різноманітне: живопис, портрети, графіка, фрески, гравюри, офорти.

Гойя використовує найдемократичніші теми (розбійники, контрабандисти, жебраки, учасники вуличних бійок та ігор- персонажі його картин). Отримавши 1789 р . звання придв пахотного художника, Гойя виконує величезну кількість портретів: короля, королеви, придворних («Сім'я короля Карла IV»). Здоров'я художника, що погіршилося, спричинило зміну тематики творів. Так, картини, що відрізняються веселощами і химерною фантазією («Карнавал», «Гра в жмурки»), змінюються повними трагізму полотнами («Трибунал інквізиції», «Будинок божевільних»). А за ними йдуть 80 офортів «Капричос», над якими митець працював понад п'ять років. Сенс багатьох із них і досі залишається незрозумілим, інші ж трактувалися відповідно до ідеологічних вимог свого часу.

Символічним, алегоричним мовою Гойя малює жахливу картину країни рубежу століть: невігластво, забобони, обмеженість людей, насильство, мракобісся, зло. Офорт «Сон розуму народжує чудовиськ»– страшні чудовиська оточують сплячу людину, кажани, сови та іншу нечисть. Сам художник дає таке пояснення своїм роботам: «Переконаний у цьому, що критика людськихпороківіпомилок, хочаіпредставляєтьсянищем ораторського мистецтва і поезії, може також бути предметом живого опису, художник вибрав для свого твору з безлічі навіженості і безглуздя, властивих будь-якому громадянському суспільству, а також з простонародних забобонів і забобонів, узаконених звичаєм, невіглаством або своєкорисливістю, ті, придатними для осміяння і водночас для вправи своєї фантазії».

17.3.4 Модерн – завершальний стиль європейської живопису XIX в . Найбільш відомими роботами, створеними у європейському живописі ХІХ ст. у стилі модерн, були роботи англійського художника О. Бердслі (1872– 1898). ВінілюструвавроботиПро. Уайльда («Соломія»), створювавелегантніграфічніфантазії, зачарувалицілепоколінняєвропейців. Тількичорнеібілебулиінструментамиегпро працю: лист білого паперу та флакон чорної туші та техніка, схожа на найтонше мереживо («Таємничий рожевий сад», 1895). В ілюстраціях Бердслі позначається вплив японської гравюри та французького рококо, а також декоративного маньєризму ар-нуво.

Стиль арнуво, що виник близько 1890– 1910 рр., характеризуєтьсянаявністюзвивистихліній, нагадуютьзавиткиволосся, стилізованіквітиірослини, мовиполум'я. Стильцейбувширокопоширенийівживописуівархітектурі. ЦеілюстраціїанглійцяБердслі, плакати та афіші чеха А. Мухи, картини австрійця Г. Клімта, світильники та вироби з металу Тіффані, архітектура іспанця А. Гауді.

Інше видатне явище модерну кінця століття– норвезькахудожникЕ. Мунк (1863 – 1944). ЗнаменитакартинаМунка« Крик» (1893)– складовачастинайогофундаментальногоциклу«Фрізжиття», надякимхудожникпрацювавдовгіроки. Згодомроботу«Крік»Мункповториввлітографії. Картина«Крік»передаєстанкрайньогоемоційногонапругилюдини, вонаолицьтворить розпач самотньої людини та її крик про допомогу, яку ніхто не може надати.

Найбільший художник Фінляндії А. Гален-Каллела (1865)– 1931) встилімодернілюструвавепос«Калевали». намовоюемпіричноїнасправдіне можнарозповістипро легендарного старця– коваліІльмарінене, Котрийвикувавнебо, сколотивнебозвід, скувавзвогнюорла; оматеріЛеммінкяйнена, воскресіласвоговбитогосина; опіснеспівачВяйнямейнене, Котрий«співавзолотуялинку», Галлел- Каллелазумівпередатинародну міць давніх карельських рун мовою модерну.