Імпресіонізм - опис стилю. Impressi - Історія виникнення імпресіонізму

Для мене стиль імпресіонізм це насамперед щось повітряне, ефемерне, що невблаганно вислизає. Це та приголомшлива мить, яку око ледве встигає зафіксувати і яке потім надовго залишається в пам'яті як мить найвищої гармонії. Майстри імпресіонізму славилися саме вмінням легко перенести цей момент прекрасного на полотно, наділивши його відчутними відчуттями і тонкими вібраціями, які з усією реальністю виникають при взаємодії з картиною. Коли дивишся роботи видатних художниківцього стилю завжди залишається якийсь присмак настрою.

Імпресіонізм(від impression - враження) - це напрямок у мистецтві, що зародився у Франції наприкінці 1860-х років. Його представники прагнули найбільш природно і неупереджено відобразити реальний світ у його рухливості та мінливості, передати свої скороминущі враження. Особлива увага приділялася передачі кольору та світла.

Слово «імпресіонізм» походить від назви картини Моне Враження. Схід сонця, представлена ​​на виставці 1874 року. Маловідомий журналіст Луї Леруа у своїй журнальній статті обізвав художників «імпресіоністами» для висловлення своєї зневаги. Проте назва прижилася і втратила свій первісний негативний зміст.

Перша важлива виставка імпресіоністів проходила з 15 квітня по 15 травня 1874 року у майстерні фотографа Надара. Там було представлено 30 художників, всього – 165 робіт. Молодих художників дорікали за «незакінченість» і «неохайність живопису», відсутність смаку та сенсу в їхніх роботах, «замах на справжнє мистецтво», бунтівні настрої і навіть аморальність.

Провідні представники імпресіонізму - , Альфред Сіслей і Фредерік Базіль. Разом з ними виставляли свої картини Едуард Мане та . До імпресіоністів також відносять , Хоакіна Соролля, .

Краєвиди та сцени з міського життя – мабуть, найбільш характерні жанриімпресіоністичного живопису – писалися «на пленері», тобто. безпосередньо з натури, а не на основі ескізів та підготовчих нарисів. Імпресіоністи пильно вдивлялися в натуру, помічаючи кольори та відтінки, зазвичай невидимі, наприклад, синій у тінях.

Їхній художній метод полягав у розкладанні складних тонів на їх чисті кольори спектру. Виходили кольорові тіні і чистий світлий трепетний живопис. Імпресіоністи накладали фарби окремими мазками, іноді використовуючи контрастні тони однією ділянці картини. Основна риса картин імпресіоністів – ефект живого мерехтіння фарб.

Для передачі змін кольору предмета імпресіоністи воліли використовувати кольори, що взаємно підсилюють один одного: червоний і зелений, жовтий і фіолетовий, помаранчевий і блакитний. Ці кольори створюють ефект послідовного контрасту. Наприклад, якщо ми деякий час дивитися на червоний колір, а потім переведемо погляд на білий, то він здасться нам зеленуватим.

Імпресіонізм не порушував філософські проблеми і навіть не намагався проникати під кольорову поверхню буденності. Натомість художники зосереджуються на поверхневості, плинності миті, настрої, освітленні чи вугіллі зору. Їхні картини представляли лише позитивні сторони життя, не торкаючись гострих соціальних проблем.

Художники часто малювали людей у ​​русі, під час забави чи відпочинку. Бралися сюжети флірту, танців, перебування у кафе та театрі, прогулянок човнами, пляжами та садами. Якщо судити з картин імпресіоністів, то життя — це суцільна низка маленьких свят, вечірок, приємних проведення часу за містом або в дружньому оточенні.

Імпресіонізм залишив багату спадщину у живописі. Насамперед це інтерес до проблем кольору та нестандартних технік. Імпресіонізм висловив прагнення до оновлення художньої мови та розриву з традицією, як протесту проти копіткої техніки майстрів. класичної школи. Ну а ми з вами можемо зараз милуватися цими чудовими творами видатних художників.

До найважливіших напрямів модернізму, які вплинули перебіг та розвитку мистецтва XX в. відносяться кубізм, абстрактне мистецтво, дадаїзм, сюрреалізм, коструктивізм в архітектурі, додекафонія та алеаторика у музиці. Вирішальне вплив в розвитку літератури справила творчість Дж. Джойса і М. Пруста. Істотна увага приділяється далі імпресіонізму як першому етапі формування модернізму. Оскільки кубізм та абстрактне мистецтво добре відомі, вони особливо не розглядаються.

Навіть коротка характеристикаосновних напрямів та шкіл модернізму дозволяє наочно уявити його внутрішню різнорідність і водночас відчути його внутрішню, глибинну єдність.

Необхідно, зрозуміло, враховувати, що мистецька культура минулого століття не зводиться лише модернізму. Поряд із ним існувало також мистецтво, що продовжувало традиції попередньої культури, зокрема традиції реалізму, та явища проміжного типу, що поєднували модернізм із традиційними формами мистецтва. На початку 30-х років. склалося також зовсім відмінне від модернізму, можна сказати прямо протилежне йому, мистецтво закритого суспільства.

Імпресіонізм

Імпресіонізм є напередодні модернізму. Це початок руху мистецтва від зображення зовнішніх об'єктів до зображення почуттів людини, та був і зображення його ідей.

Імпресіонізм (від фр. impression – враження) являє собою напрямок у образотворчому мистецтві, літературі та музиці кінця XIX– початку XX ст. Він склався у французькому живописі 60–70-х років. ХІХ ст. Назва течії виникла після першої виставки художників у 1874 р., на якій експонувалася картина К. Моне "Враження. Схід сонця". Ядром першої групи імпресіоністів були О. Ренуар, К. Моне, К. Піссаро, Сіслей, Дега та ін.

Іод, що склався знаком романтизму, імпресіонізм ніколи повністю від ідеалів останнього не відривався. На імпресіоністів надали прямий чи опосередкований вплив такі уявлення романтизму, як відмова від правил і законів у мистецтві, сміливе проголошення свободи головним і єдиним його законом, повне розкріпачення почуття, введення в мистецтво понять часу та руху, ідея незалежності та індивідуалізму художника, романтичні уявлення про завершеності витвору мистецтва, ідеї, що стосуються людини, творчості, прекрасного та потворного тощо. Імпресіонізм був тверезішим, ніж романтизм, але за цією тверезістю ховалося все-таки романтичне підґрунтя.

Імпресіонізм є хисткою і рухливою системою, поєднанням романтизму і "натуралізму", розуму і почуття, суб'єктивного та об'єктивного, поезії та науки, свободи та жорсткого закону, нестримного пориву та рамок, що стримують його.

Одним із джерел, яке живило імпресіонізм, стала японська кольорова гравюра, широко показана в 1867 р. в Парижі. У цьому немає нічого дивного: ще романтизм знову (після рококо) привернув увагу європейців до Сходу. Захоплення японським мистецтвом було одночасно і модою, і однією з прикмет часу, що відбилася на смак епохи. Бодлер, Гонкури, Мане, Дега, Уістлер були першими поціновувачами та колекціонерами японських гравюр, кімоно, віялів, порцеляни. Як пише Я. Тугендхольд, у японських гравюрах не було лінійної геометричної перспективи, якої навчала європейська академія, – зате в них була повітряна перспектива, в них струменіли сонячні промені, клубився ранковий туман, майоріли ніжні хмари пари та диму. Японці перші великим інстинктом своїм зрозуміли, що природа – не сукупність тіл, а нескінченний ланцюг змін, що вічно змінюються. Вони перші стали зображати цілі серії одного і того ж пейзажу при різному освітленні та в різні пори року. Такі були "100 видів гори Фудзі" Хокусаї, "53 види станції Токайдо" Хіросіге. Академія вчила будувати композицію так, ніби художник споглядав зображувану ним сцену, сидячи на фасі в балконі театру і бачачи її в горизонтальних лініях. Японці ж трактували композицію так, ніби митець був дійовою особою сцени, що зображується. Ось чому вони переважають похилі лінії над горизонтальними; ось чому у них на першому плані часто вимальовується квітуча гілкаабо інша подробиця, що затуляє ціле, хоч і гармонійно пов'язана з ним. На прикладі японців французькі художникизрозуміли всю красу асиметрії, всю чарівність несподіванки, всю магію недомовленості. На прикладі японців вони переконалися в принаді легких начерків, миттєвих знімків, зроблених кількома лініями та кількома плямами.

Вплив японського мистецтва на імпресіонізм не слід, проте, перебільшувати. Японці на відміну імпресіоністів ніколи не писали прямо з натури. Враження імпресіоністів йшли від безпосередньо-чуттєвого сприйняття, тоді як у японців – від емоційного переживання, поєднаного з неухильним дотриманням традиційних прийомів.

Т. Манн називав живопис імпресіоністів "зачарованим садом", підкреслюючи його відданість ідеалам земного життя. Для естетичних відкриттів імпресіоністам було достатньо скромних куточків природи, берегів Сени, вулиць Парижа. Повсякденне життя, вважали вони, прекрасне, і художник нс потребує вишуканого чи виняткового.

Імпресіоністи протиставили своє мистецтво салонному та офіційному, красу повсякденної дійсності – помпезній та химерній красі салонного живопису, заснованої на академічних принципах. Вони відмовилися писати міфологічні сюжети, цуралися "літературщини" (тоді це слово вперше увійшло у вжиток), що асоціювалася для них із фальшю салону, де, за словами Г. де Мопассана, стіни заповнювали картини душещипальні та романтичні, історичні та нескромні картини, які й оповідають, і декламують, і вчать, і моралізують, або навіть розбещують . Імпресіоністи уникали сентиментальності, пафосності, якоїсь навмисної височини образу. Стверджуючи нове бачення світу, вони демократизували уявлення про прекрасне.

Порівнюючи імпресіоністів з російськими передвижниками, які теж боролися із салонно-академічним мистецтвом, можна сказати, що результати виявилися зовсім різними. Російські передвижники відкинули разом із салонною красою і красу живопису взагалі, наполягаючи передусім на моральному та революційному значенні мистецтва. Імпресіоністи ж, відкинувши солодку, нудотну красивість салону, не відмовилися від пошуку краси як такої, але вже в інших формах.

До імпресіоністів художники, навіть "наймальовничіші", завжди доповнювали на полотні видиме знаним. Імпресіоністи ж прагнули вловити летючий момент, наближаючись до чистої видимості. Знання поступилося місцем враження. Імпресіонізм – це насамперед мінливість та рух. Для передачі миттєвих змін світу імпресіоністи скоротили час створення картини, максимально наблизивши його до реального часу зображуваного явища природи. З поняттям швидкості створення твору пов'язані й вимоги до ступеня його завершеності.

Імпресіонізм змінив уявлення не лише про предметі живопису, але й про саму картини.

Художники-імпресіоністи нс ставили своєю спеціальною метою незакінченість, ескізність картини та оголеність. мальовничої техніки. Разом з тим, з погляду вимог до ступеня обробки, можна говорити про подвійну незавершеність робіт імпресіоністів. По-перше, це зовнішня різкість обробки, яка часто викликала невдоволення сучасників. По-друге, незавершеність як відкритість усієї мальовничої системи, постійна недомовленість, протяжність у часі, так би мовити крапки в кінці фрази. Через своєрідну недомовленість картини імпресіоністів важко охарактеризувати однозначно, але в ній – їхня хвилююча привабливість. Якби треба було вивести просту формулуімпресіонізму, нею могла б бути: "мінливість, двоїстість, оборотність, недомовленість".

Змінивши уявлення про живопис, імпресіонізм досяг особливого ступеня активізації глядача (Навіть шляхом його роздратування "незавершеністю"). Глядач став ніби співучасником створення образу та співавтором художника.

У середині 80-х років. ХІХ ст. почалася криза імпресіонізму. Багато художників, які до того примикали до течії, знайшли його рамки надто вузькими. Йшлося про те, що принципи імпресіонізму позбавляють картину інтелектуальної та моральної складових. І хоча у 90-ті рр. до імпресіонізму прийшло широке визнання, воно збіглося з початком його розпаду як цілісного перебігу і зародження всередині інших напрямків. Одні з них хотіли якось модернізувати імпресіонізм, інші шукали нові шляхи. Поетичний живописімпресіоністів, їх піднесене, світле сприйняття повсякденному житті, Вміння надати ліричне забарвлення мінливим, швидкоплинним її проявам стали поступатися місцем іншим тенденціям і настроям.

До течій, які намагалися модернізувати імпресіонізм, належав, зокрема, неоімпресіонізм (Або пуантилізм). Ж. Сірка виробив незвичайну техніку, а П. Сіньяк спробував теоретично обґрунтувати нову течію. Відмінності неоімпресіонізму від імпресіонізму були суттєвими. Роздільні мазки, характерні для імпресіоністів, зменшилися до крапок; довелося відмовитися від фіксації миті, оскільки живопис, який прагне зафіксувати мить, навряд чи здатний говорити про вічне; відійшли на другий план спонтанність і природність бачення та зображення, інтерес до ретельно збудованої та продуманої, навіть статичної композиції, пріоритет кольору над світлом. Художник-пуантиліст, створюючи будь-яку форму або тінь за допомогою величезної кількості точкових мазків, не потребує ні ліній, ні контурів. Глибина зображення досягається завдяки тому, що предмети, що знаходяться попереду, є більшими і поступово зменшуються в міру видалення в перспективу. На відстані кольорові точки оптично зливаються, даючи напрочуд натуральне враження світла, тіні, переходу з одного тону в інший. На думку Сера, не художник своїм пензлем, а око глядача має змішувати кольорові крапки у живу оптичну гаму.

Неоімпресіонізм проіснував недовго. Виявилося що нова технікатаїла в собі й негативні моменти. Вона нівелювала індивідуальність художника. До того ж, неоімпресіонізм проголошував безпристрасність художника, відкидав характерну для імпресіонізму спонтанність. Роботи художників-пуантилістів важко відрізнити один від одного. Відчувши це, К. Пісарро, який спочатку захопився цією системою, потім знищив усі свої полотна, виконані в цій манері.

Період, що тривав приблизно з 1886 по 1906, прийнято називати постімпресіонізм. Цей умовний термін позначає відрізок часу, межі якого визначаються, з одного боку, останньою виставкою імпресіоністів, з іншого – часом появи перших власне модерністських течій, таких як фовізм і кубізм.

Поль Сезанн вплинув на формування мистецтва модернізму. Будучи сучасником імпресіоністів, він проповідував діаметрально протилежний підхід до натури: не зберігати її швидкоплинні стани, а виявити стійку сутність. Імпресіоністської хисткості, імпресіоністської "прекрасної миті" Сезанн протиставив згущену матеріальність, тривалість стану та підкреслену конструктивність. Живопис Сезанна є вольовим, він будує картину світу, як будують будівлю. Дані елементи: колір, об'ємна форма, просторова глибина та площина картини. З цих простих першооснов Сезанн зводить свої світи, в яких є щось грандіозне, незважаючи на невеликі розміри його полотен і скупий набір сюжетів (гора Сен-Віктуар в Ексі, ставок з містком, будинки, скелі, яблука і глечик на скатертині).

Сезанн був переважно художником для художників. Ніхто з наступних художників не уникнув його впливу, хоча для більшості глядачів-непрофесіоналів він важкий, а на перший погляд і нудний у своїй зовнішній одноманітності: у нього немає ні цікавих сюжетівні ліризму, ні ласкавої очей палітри.

У стійкій, густій ​​оранжево-зелено-синій гамі Сезанн ліпить кольором свої краєвиди. Вони немає " настрої " , але рідкісний пейзаж іншого художника витримує із нею сусідство однією стіні. У пейзажах Сезанн віддає перевагу високому горизонту, отже простір землі збігається з площиною полотна; він зрушує плани, узагальнює маси. Навіть відбиття у воді він робить масивними, архітектонічними. Він ні в чому не визнає аморфності та прозріває в природі могутні формотворчі сили. Картина Сезанна – це пластична концепція видимого, концепція, а чи не імітація. Концепція виникає з вирішення протиріч між властивостями натури та властивостями картини. Натура знаходиться в безперервному русі і зміні, картина ж за своєю природою статична, і завдання художника в тому, щоб привести рух до стійкості та рівноваги. У натурі – нескінченна різноманітність вибагливих форм, людському духу властиво зводити їх до небагатьох, простіших. Сезанн радить: "... Трактуйте природу у вигляді циліндра, кулі, конуса". Обсяги Сезанна справді тяжіють до спрощення, тому що він не хоче ілюзорно руйнувати площину. Його мета – перекласти явища природи мовою живописних категорій, дбаючи, щоб відчуття площини зберігалося, синтезуючись з відчуттям обсягу та глибини. Він домагається цього особливою організацією простору, іноді вдаючись до деформацій і зрушень і об'єднуючи в одній композиції кілька точок зору на предмети, що зображаються.

У натюрмортах Сезанна поверхня стола ніби перекидається на глядача, стверджуючи площину картини, а фрукти, що лежать на столі, показані під іншим кутом зору. "Пригводжені" до площини, розташовані ніби один над одним, об'єми фруктів, що кругляться, сприймаються з подвоєною інтенсивністю, а самі фрукти виглядають монументально, первозданно. При цьому митець нехтує фактурою предметів: його яблука не з тих, які хочеться з'їсти, вони здаються зробленими з якоїсь твердої, холодної та щільної речовини, як і глечик і навіть скатертина.

На відміну від імпресіоністів Сезанна більше приваблювали матеріальність і велич форми, ніж мінлива гра світла та тіні. Імпресіоністи ставили на чільне місце вимогу закінчити картину в один прийом, щоб встигнути зафіксувати на полотні "миттєве" відчуття. Сезанн волів повертатися на обране місце кілька разів, створюючи більш опрацьований і "штучний" образ. Імпресіоністи, прагнучи "впіймати мить", вдавалися до м'яких, повітряних штрихів, Сезанн користувався сильними впевненими мазками, роблячи свої полотна більш об'ємними. У своїй відмові від сліпого дотримання законів лінійної перспективиСезан пішов ще далі. Прагнучи зобразити об'ємний світна плоскому полотні він спотворював пропорції та перспективу, якщо того вимагав конкретний композиційний принцип.

Сезанну вдалося створити особливу художню мову. Ідея, що картина – не розкрите у світ вікно (Ренесанс), а двомірна площина зі своїми законами образотворчої мови, стала центральною в авангардному живописі XX ст. Невипадково Пікассо називав себе " онуком Сезанна " .

У живопису Сезанна таїлася тенденція розбіжності між цінностями пластичними (образотворчими) і цінностями власне людськими: щодо його пошуків виявлялися рівноправними гора, яблуко, Арлекін, курець тощо. Сезанн не визнавав художніх настанов, які розходилися з його власними. Він не мав жодного інтересу до японського мистецтва. Декоративність, стилізація, відкритий колір, контурність, які захоплювали багатьох його сучасників, викликали негативне ставлення. Так само як "літературний дух" та жанризм, під впливом яких, вважав Сезанн, художник "може ухилитися від свого справжнього покликання - конкретного вивчення природи". Йому не подобалися ні Гоген, ні Ван Гог, він, здається, не помітив Тулуз-Лотрека.

Творчість Тулуз-Лотрека іронічна, а й людяна. Він не "таврує порок", але й не підносить його як пікантну страву: те й інше виключається почуттям причетності, причетності художника до цього світу - він теж такий, як вони, "ні гірше, ні краще". Художньої мовиЛотреки притаманні: яскрава характерність образу, експресія, граничний лаконізм. Він охоче займався малюванням афіш. Його декоративний дар, лапідарна експресія підняли цей жанр на висоту справжнього мистецтва. Серед основоположників "ужиткової графіки" сучасного міста – афіш, плакатів, реклам – Лотреку належить перше місце.

Усього за п'ять років роботи В. Ван Гог створив близько 800 картин та незліченну кількість малюнків; більшість із них були створені в останні два-три роки його життя. Подібного історія живопису не знала. Ван Гог черпав своє натхнення не тільки в ідеях імпресіонізму, але і в японській гравюрі, що допомогло йому уникнути натуралізму до більш експресивної і чіткої манери. Поступово колір у його картинах стає дедалі сміливішим, а манера – вільнішою, енергійнішою, що допомагає художнику передати на полотні почуття, що обурюють його. На відміну від символістів і П. Гогена, у творчості якого позначався вплив символізму, Ван Гог ніколи не писав вигаданий світ: йому просто нецікаво було писати "неправдоподібні істоти", його картини завжди мали міцну реалістичну основу Працював Ван Гог завжди з натури, ті небагато полотна, які він писав, дотримуючись порад Гогена, за спогадом або уявою, виходили слабше. " Висловлювати себе " Ван Гога означало висловлювати почуття, думи, асоціації, народжені тим, що він бачив і спостерігав: людьми, природою, речами.

Напружені шукання вищого сенсу життя, які ніколи не залишали Ван Гога, визначають те рідкісне поєднання драматизму і святковості, яким відзначено його зрілу творчість. Воно перейнято страждальним захопленням перед красою світу, виконано емоційних контрастів. Це знаходить вираз у мальовничій мові, побудованій на контрастних кольорових співзвуччях і як ніколи експресивному. Мальовничий почерк Ван Гога дозволяє увійти у прямий контакт із художником, відчути його пристрасть та високе напруження душі. Цьому сприяє також яскраво виражений в його картинах високий темп роботи - удари пензлем, як батогом, барвисті згустки, зигзаги, що дисонують, звучать як вигук, що вирвався. Картини свідчать також про різкі зміни у настрої художника; будучи людиною релігійною, він помітив якось, що світ, створений богом, – це лише його невдалий етюд.

• Див:. Дмитрієва Н. А. коротка історіямистецтв. М., 1993. Вип. ІІІ. З. 55-56.
• Див: Там же. С. 83.

Європейське мистецтво кінця 19-го століття було збагачено виникненням модерністського Пізніше його вплив поширився на музику та літературу. Воно отримало назву "імпресіонізм", оскільки ґрунтувалося на найтонших враженнях художника, образах та настроях.

Витоки та історія виникнення

Декілька молодих художників у другій половині 19-го століття об'єдналися в групу. Вони мали спільну мету і збігалися інтереси. Головним для цієї компанії стала робота на природі, без стін майстерні та різних стримувальних факторів. У своїх картинах вони прагнули передати всю чуттєвість, враження від гри світла та тіні. Пейзажі та портрети відображали єднання душі з Всесвітом, з навколишнім світом. Їхні картини — справжня поезія фарб.

1874 року проходила виставка цієї групи художників. Краєвид Клода Моне «Враження. Схід сонця» зупинив погляд критика, який у своєму відкликанні вперше назвав цих митців імпресіоністами (від французького impression — «враження»).

Передумовами народження стилю імпресіонізм, картини представників якого незабаром набудуть неймовірного успіху, стали роботи епохи Відродження. Творчість іспанців Веласкеса, Ель Греко, англійців Тернера, Констебла беззастережно вплинула французів, які були родоначальниками імпресіонізму.

Яскравими представниками стилю у Франції стали Пісарро, Мане, Дега, Сіслей, Сезан, Моне, Ренуар та інші.

Філософія імпресіонізму у живописі

Художники, які писали в цьому стилі, не ставили собі завдання привернути увагу громадськості до і бід. У їхніх роботах не знайти сюжетів на злобу дня, не можна отримати моралі чи помітити людські протиріччя.

Картини у стилі імпресіонізм спрямовані на передачу миттєвого настрою, розробку колірних рішень загадкової природи. У творах є місце лише позитивному початку, похмурість оминала імпресіоністів стороною.

По суті, імпресіоністи не турбували себе продумуванням сюжету та деталей. Найголовнішим чинником було не що намалювати, а як зобразити і передати свій настрій.

Техніка написання картин

Колосальна різниця між академічною манерою малювання та технікою імпресіоністів. Від багатьох методів вони просто відмовилися, деякі змінили до невпізнання. Ось які нововведення вони внесли:

1. Відмовилися від контуру. Відбулася заміна його на мазки – дрібні та контрастні.
2. Перестали використовувати палітри для Підібрані кольори, які доповнюють один одного і не вимагають злиття для отримання певного ефекту. Наприклад, жовтий – фіолетовий.
3. Перестали малювати чорним кольором.
4. Повністю відмовилися від роботи у майстернях. Писали виключно на натурі, щоб легше було сфотографувати мить, образ, почуття.
5. Використовували тільки фарби, що мають хорошу здатність, що криє.
6. Не чекали, коли висохне новий шар. Свіжі мазки наносили відразу.
7. Створювали цикли творів, щоб простежити за змінами світла та тіні. Наприклад, "Стога сіна" кисті Клода Моне.

Зрозуміло, в повному обсязі художники виконували у точності особливості стилю імпресіонізм. Картини Едуара Мане, наприклад, ніколи не брали участь у спільних виставках, а сам він позиціонував себе окремо художник, що стоїть. Едгар Дега працював лише у майстернях, проте якості його творів це не шкодило.

Представники французького імпресіонізму

Перша виставка робіт імпресіоністів датована 1874 роком. Через 12 років пройшла їхня остання експозиція. Першим твором у цьому стилі можна назвати «Сніданок на траві» пензля Е. Мане. Ця картина була представлена ​​в «Салоні знедолених». Вона була зустрінута недружньо, оскільки сильно відрізнялася від академічних канонів. Саме тому Мане стає фігурою, навколо якої збирається гурток послідовників цього стилістичного спрямування.

На жаль, сучасниками ні гідно оцінений такий стиль, як імпресіонізм. Картини та художники існували у незгоді з офіційним мистецтвом.

Поступово першому плані у колективі художників виходить Клод Моне, який згодом стане їх ватажком і головним ідеологом імпресіонізму.

Клод Моне (1840-1926)

Творчість цього художника можна охарактеризувати як гімн імпресіонізму. Саме він першим відмовився від використання чорного кольору у своїх картинах, мотивуючи це тим, що навіть тіні та ніч мають інші тони.

Світ у картинах Моне - це неясні обриси, широкі штрихи, дивлячись на які можна відчути весь спектр гри кольору дня і ночі, пір року, гармонії підмісячного світу. Лише мить, яка була вихоплена з життєвого потоку, у розумінні Моне є імпресіонізм. Картини його ніби не мають матеріальності, всі вони просякнуті променями світла та потоками повітря.

Клодом Моне було створено дивовижні роботи: «Вокзал Сен-Лазар», «Руанський собор», цикл «Міст Чарінг-Крос» та багато інших.

Огюст Ренуар (1841-1919)

Творіння Ренуара справляють враження незвичайної легкості, легкості, ефірності. Сюжет народжений начебто випадково, проте відомо, що художник ретельно продумував усі етапи своєї роботи та працював з ранку до ночі.

Відмінною особливістю творчості О. Ренуара є застосування лесування, яке можливе лише при написанні імпресіонізму в роботах художника проявляється у кожному штриху. Людина сприймається ним як частка самої природи, тому такі численні картини з оголеною натурою.

Улюбленим заняттям Ренуара було зображення жінки у всій її привабливій та привабливій красі. Портрети займають особливе місце в творчого життяхудожника. "Парасольки", "Дівчина з віялом", "Сніданок веслярів" - лише мала частина дивовижної колекції картин Огюста Ренуара.

Жорж Сірка (1859-1891)

Процес створення картин Сірка пов'язував із науковим обґрунтуванням теорії кольору. Світлоповітряне середовище малювалося на основі залежності основних та додаткових тонів.

Незважаючи на те, що Ж. Сірка є представником завершального етапу імпресіонізму, і його техніка багато в чому відмінна від основоположників, він так само створює за допомогою мазків ілюзорне уявлення предметної форми, розглянути і побачити яке можна лише на відстані.

Шедеврами творчості можна назвати картини "Недільний день", "Канкан", "Натурниці".

Представники російського імпресіонізму

Російський імпресіонізм виник практично спонтанно, змішав у собі багато явищ і методів. Проте основою, як і французів, було натурне бачення процесу.

У російському імпресіонізмі хоч і були збережені риси французької, але особливості національної природи та стану душі внесли значні зміни. Наприклад, бачення снігу чи північних пейзажів виражалося з допомогою незвичайної техніки.

У Росії небагато художників працювали в стилі імпресіонізм, картини їх притягують погляди й досі.

Імпресіоністичний період можна назвати у творчості Валентина Сєрова. Його «Дівчинка з персиками» найяскравіший прикладі зразок цього стилю у Росії.

Картини підкорюють своєю свіжістю та співзвуччям чистих фарб. Головною темоюТворчість цього художника є зображенням людини на природі. "Північна ідилія", "У човні", "Федор Шаляпін" - яскраві віхи діяльності К. Коровіна.

Імпресіонізм у сучасності

В даний час цей напрямок у мистецтві отримав нове життя. У цьому стилі кілька художників пишуть свої картини. Сучасний імпресіонізм існує в Росії (Андре Кон), у Франції (Лоран Парселля), в Америці (Діана Леонард).

Андре Кон є самим яскравим представникомнового імпресіонізму. Його картини, написані олією, вражають своєю простотою. Художник бачить прекрасне у звичайних речах. Творець трактує багато предметів через призму руху.

Акварельні твори Лорана Парселля знають увесь світ. Його серію робіт « Дивний світ»випустили у вигляді листівок. Чудові, яскраві та чуттєві, вони захоплюють дух.

Як і у віці 19-му, зараз художників залишається пленерний живопис. Завдяки їй вічно житиме імпресіонізм. художників, як і раніше, надихають, вражають і надихають.

Імпресіонізм - напрям у живопису, що зародився у Франції в XIX-XX століттях, що являє собою художню спробу сфотографувати якийсь момент життя у всій його мінливості та рухливості. Картини імпресіоністів немов якісно змита фотографія, що відроджує у фантазії продовження побаченої історії. У цій статті ми розглянемо 10 найбільш відомих імпресіоністівсвіту. На щастя, талановитих художників набагато більше десяти, двадцяти чи навіть ста, тож давайте зупинимося на тих іменах, які потрібно знати обов'язково.

Щоб не образити ні художників, ні їхніх шанувальників, список наведений у російському алфавітному порядку.

1. Альфред Сіслей

Цей французький живописець англійського походженнявважається самим відомим пейзажистомдругий половини XIXстоліття. У його колекції налічується понад 900 картин, з яких найвідоміші це «Сільська алея», «Мороз у Лувесьені», «Міст в Аржантеї», «Ранній сніг у Лувесьєнні», «Лужайки навесні» та багато інших.

2. Ван Гог

Відомий усьому світу сумною історією про своє вухо (до речі, відрізав він не все вухо, а лише мочку), Ван Гон став популярним лише після своєї смерті. А за життя зміг продати одну-єдину картину, за чотири місяці до смерті. Кажуть, він був і підприємцем, і священиком, але нерідко потрапляв до психіатричних лікарень через депресію, тому вся заколотність його існування вилилася в легендарні твори.

3. Каміль Пісарро

Піссарро народився на острові Сент-Томас, у сім'ї буржуазних євреїв, і був одним із небагатьох імпресіоністів, батьки якого заохочували його захоплення і незабаром відправили до Парижа на навчання. Найбільше художнику припала до смаку природа, її він і зображував у всіх фарбах, а якщо сказати точніше, то у Пісарро був особливий талант підбирати м'якість квітів, сполучуваність, після чого на картинах немов з'являлося повітря.

4. Клод Моне

Змалку хлопчина вирішив, що стане художником, незважаючи на заборони сім'ї. Самостійно переїхавши до Парижа, Клод Моне поринув у сірі будні важкого життя: два роки на службі у збройних військах в Алжирі, позов із кредиторами через бідність, хворобу. Проте, створюється відчуття, що труднощі не пригнічували, а навпаки, надихали художника створювати такі яскраві картини, як «Враження, схід сонця», «Будинок парламенту в Лондоні», «Міст до Європи», «Осінь у Аржантеї», «На березі Трувілья», і багато інших.

5. Костянтин Коровін

Приємно знати, що серед французів, батьків імпресіонізму можна з гордістю поставити нашого співвітчизника – Костянтина Коровіна. Пристрасна любов до природи допомогла йому інтуїтивно надавати неймовірну жвавість статичній картинці завдяки поєднанню відповідних фарб, ширини мазків, вибору теми. Неможливо пройти повз його картини «Пристань у Гурзуфі», «Риба, вино та фрукти», « Осінній пейзаж", "Місячна ніч. Зима» та серії його робіт, присвячених Парижу.

6. Поль Гоген

До 26-ти років Поль Гоген і не думав про живопис. Він був підприємцем і мав велику родину. Однак коли вперше побачив картини Каміля Пісарро, вирішив, що неодмінно малюватиме. З часом стиль художника змінювався, але найвідоміші імпресіоністичні картини це – «Сад у снігу», «Біля обриву», «На пляжі в Дьєппі», «Оголена», «Пальми на Мартініці» та інші.

7. Поль Сезанн

Сезанн, на відміну більшості своїх колег, став відомий ще за життя. Йому вдалося організувати власну виставку та виручати з неї чималі доходи. Люди зналися на його картинах - він, як ніхто інший навчився поєднувати гру світла і тіні, робив гучний акцент на правильних і неправильних геометричних формах, строгість тематики його картин гармонувала з романтикою.

8. П'єр Огюст Ренуар

До 20 років Ренуар працював декоратором віярів у старшого брата, і лише потім перебрався до Парижа, де познайомився з Моне, Базілем та Сіслеєм. Це знайомство допомогло йому у майбутньому стати дорогою імпресіонізму і прославитися у ньому. Ренуар відомий як автор сентиментального портрета, серед його найвидатніших робіт - "На терасі", "Прогулянка", "Портрет актриси Жанни Самарі", "Ложа", "Альфред Сіслей та його дружина", "На гойдалках", "Жабенятник" та багато інших.

9. Едгар Дега

Якщо ви ще нічого не чули про «Блакитні танцівниці», «Репетицію балету», «Балетну школу» та «Абсент» - поспішайте швидше дізнатися про творчість Едгара Дега. Підбір оригінальних кольорів, унікальних темдля картин, відчуття руху картинки – все це та багато іншого зробило Дега одним із самих відомих художниківсвіту.

10. Едуард Мане

Не плутайте Мане з Моне – це два різних людейпрацювали в один час і в одному художньому напрямі. Мані завжди приваблювали сцени побутового характеру, незвичайні зовнішності та типажі, начебто випадково «піймані» моменти, згодом зображені на віки. Серед відомих картинМане: «Олімпія», «Сніданок на траві», «Бар у Фолі-Бержер», «Флейтист», «Нана» та інші.

Якщо у вас з'явиться хоч найменша нагода побачити картини цих майстрів наживо – ви назавжди закохаєтеся в імпресіонізм!

На рубежі 18-19 століть у більшості країн Західної Європи відбувся новий стрибок у розвитку науки та техніки. Індустріальна культура зробила величезну роботущодо зміцнення духовних основ суспільства, подолання раціоналістичних орієнтирів та обробітку людського в людині. Вона дуже гостро відчула потребу в красі, у твердженні естетично розвиненої особистості, у поглибленні реального гуманізму. практичні крокищодо втілення свободи, рівності, гармонізації суспільних відносин.

У цей час Франція переживала нелегкий час. Франко-прусська війна, коротке криваве повстання та падіння Паризької комуни ознаменували кінець Другої Імперії.

Після розчищення руїн, що залишилися від страшних прусських бомбардувань і запеклої громадянської війни, Париж знову проголосив себе центром європейського мистецтва

Адже столицею європейською художнього життявін став ще за часів короля Людовіка XIV, коли були засновані Академія та щорічні виставки мистецтва, що отримали назви Салонів – від так званого Квадратного салону в Луврі, де щороку виставлялися нові роботи художників та скульпторів. У ХІХ столітті саме Салони, де розгорнеться гостра художня боротьба, виявлятимуть нові тенденції мистецтво.

Прийняття картини на виставку, схвалення її журі Салона було першим кроком на шляху до суспільного визнання художника. З 1850-х років Салони все більше перетворювалися на грандіозні огляди творів, відібраних на догоду офіційним уподобанням, через що навіть з'явився вираз «салонне мистецтво». Картини, які будь-що не відповідали цьому ніде не прописаному, але жорсткому «стандарту», ​​просто відкидалися журі. Преса на всі лади обговорювала, які митці були прийняті до Салону, а які – ні, перетворюючи чи не кожну з цих щорічних виставок у суспільний скандал.

У 1800-1830 роках французькою пейзажний живописі Образотворче мистецтвозагалом почали впливати голландські та англійські пейзажисти. Ежен Делакруа, представник романтизму, привніс у свої картини нову яскравість фарб та віртуозність письма. Він був шанувальником Констебла, який прагнув нового натуралізму. Радикальний підхід Делакруа до кольору та його техніку накладання великих мазків фарби для посилення форми згодом розвинуть імпресіоністи.

Особливий інтерес для Делакруа та його сучасників становили етюди Констебла. Намагаючись вловити нескінченно мінливі властивості світла і кольору, Делакруа зауважував, що в природі вони ніколи не перебувають у нерухомості. Тому у французьких романтиків стало звичкою писати олією та аквареллю швидше, але аж ніяк не поверхневі етюди окремих сцен.

На середину століття найзначнішим явищем у живопису стали реалісти, очолювані Гюставом Курбе. Після 1850 р. у французькому мистецтві протягом десятиліття відбувалося безприкладне дроблення стилів, частково допустимих, але ніколи не схвалюваних авторитетами. Ці експерименти штовхнули молодих художників на шлях, який був логічним продовженням тенденцій, що вже виникли, але публіці і арбітрам Салону здавався приголомшливо революційним.

Мистецтво, що займало панівне становище в залах Салону, відрізнялося, як правило, зовнішньою ремісничо-технічною віртуозністю, інтересом до анекдотичних, цікаво розказаних сюжетів сентиментально-побутового, бутафорськи історичного характеру і достатком міфологічних сюжетів, що виправдовують всілякі тіла. Це було еклектичне та розважально-безідейне мистецтво. Відповідні кадри готувалися під егідою Академії Школою образотворчих мистецтв, де всією справою заправляли такі майстри пізнього академізму, як Кутюр, Кабанель та інші. Салонне мистецтво вирізнялося винятковою живучістю, художнього опошляючи, духовно поєднуючи та пристосовуючи до рівня міщанських уподобань публіки досягнення основних творчих шукань свого часу.

Мистецтві Салону протистояли різні реалістичні напрями. Їхніми представниками були найкращі майстрифранцузькою художньої культуритих десятиліть. З ними пов'язана творчість художників-реалістів, які продовжують у нових умовах тематичні традиціїреалізму 40-50-х рр. 19 століття - Бастьєн-Лепажа, Лермітта та інших. Вирішальне значення для доль художнього розвиткуФранції та Західної Європи загалом мали новаторські реалістичні шукання Едуарда Мане та Огюста Родена, гостро виразне мистецтвоЕдгара Дега і, нарешті, творчість групи художників, які найбільш послідовно втілили принципи мистецтва імпресіонізму: Клода Моне, Пісаро, Сіслея та Ренуара. Саме їх творчість започаткувала бурхливий розвиток періоду імпресіонізму.

Імпресіонізм (від франц. impression-враження), напрям у мистецтві останньої третини XIX - початку XX століть, представники якого прагнули найбільш природно і неупереджено відобразити реальний світ у його рухливості та мінливості, передати свої швидкоплинні враження.

Імпресіонізм становив епоху у французькому мистецтві другої половини ХІХ століття і поширився потім попри всі країни Європи. Він реформував мистецькі уподобання, перебудував зорове сприйняття. Фактично, він був природним продовженням і розвитком реалістичного методу. Мистецтво імпресіоністів так само демократично, як і мистецтво їхніх прямих попередників, воно не робить відмінностей між «високою» і «низькою» натурою і цілком довіряє свідченням ока. Змінюється спосіб «перегляду» - воно стає найбільш пильним і водночас більш ліричним. Вивітрюється зв'язок з романтизмом, - імпресіоністи, також як реалісти старшого покоління, хочуть мати справу лише з сучасністю, цураючись історичної, міфологічної та літературної тематики. Для великих естетичних відкриттів їм було досить найпростіших мотивів, що спостерігалися щодня: паризькі кафе, вулиці, скромні садки, береги Сени, навколишні села.

Імпресіоністи жили в епоху боротьби сучасності та традицій. Ми бачимо у їхніх творах радикальний і приголомшливий на той час розрив із традиційними принципами мистецтва, кульмінацію, але з завершення пошуків нового погляду. Абстракціонізм XX століття народився з експериментів з існуючим тоді мистецтвом, так само нововведення імпресіоністів виросли з творчості Курбе, Коро, Делакруа, Констебла, а також попередніх старих майстрів.

Імпресіоністи відкинули традиційні розмежування етюду, ескізу та картини. Вони починали і закінчували роботу прямо на відкритому повітрі- На пленері. Якщо їм і доводилося щось доробляти в майстерні, вони все-таки прагнули зберегти відчуття вловленої миті та передати світлоповітряну атмосферу, що огортає предмети.

Пленер - ключ до їхнього методу. Цим шляхом вони досягли виняткової тонкощі сприйняття; їм вдалося виявити у відносинах світла, повітря та кольору такі чарівні ефекти, яких раніше не помічали і без живопису імпресіоністів, мабуть, і не помітили б. Недарма казали, що лондонські тумани винайшов Моне, хоча імпресіоністи нічого не вигадували, покладаючись лише на свідчення ока, не домішуючи до них попереднього знання про зображуване.

Справді, імпресіоністи найбільше дорожили зіткненням душі з натурою, надаючи великого значення безпосередньому враженню, спостереженню різноманітними явищами навколишньої дійсності. Недарма вони терпляче чекали ясних теплих днів, щоби писати на відкритому повітрі на пленері.

Але творці нового типу краси ніколи не прагнули ретельного наслідування, копіювання, об'єктивного «портретування» природи. У їхніх роботах є не просто віртуозне оперування світом вражаючих видимостей. Сутність імпресіоністичної естетики полягає в разючому вмінні сконденсувати красу, висвітлити глибину унікального явища, факту та відтворити поетику перетвореної реальності, зігрітої теплом людської душі. Так виникає якісно інший, естетично привабливий, насичений одухотвореним сяйвом світ.

У результаті імпресіоністичного дотику до світу все, на перший погляд, пересічний, прозовий, тривіальний, миттєвий трансформувався в поетичний, привабливий, святковий, що вражає все проникаючою магією світла, багатством фарб, трепетними відблисками, вібрацією повітря та обличчями, що випромінюють чистоту. На противагу академічному мистецтву, яке спиралося на канони класицизму - обов'язкове приміщення головних дійових осібу центр картини, триплановість простору, використання історичного сюжету з метою цілком конкретної смислової орієнтації глядача - імпресіоністи перестали поділяти предмети на головні та другорядні, піднесені та низькі. Відтепер у картині могли втілюватися різнокольорові тіні від предметів, стог сіна, кущ бузку, натовп на паризькому бульварі, строкате життя ринку, прачки, танцівниці, продавщиці, світло газових ліхтарів, залізнична гілка, бій биків, чайки, скелі, півонії.

Для імпресіоністів характерний гострий інтерес до всіх явищ повсякденного життя. Але це означало якусь всеїдність, нерозбірливість. У звичайних повсякденних явищах вибирався той момент, коли гармонія навколишнього світу виявлялася найбільш вражаюче. Імпресіоністичне світогляд було надзвичайно чуйним на найтонші відтінки одного й того ж кольору, стану предмета чи явища.

У 1841 р. американський портретист Джон Гоффренд, що живе в Лондоні, вперше вигадав тюбик, звідки видавлювалася фарба, і торговці фарбами Уінзор і Ньютон швидко підхопили ідею. П'єр Огюст Ренуар, за свідченням його сина, говорив: «Без фарб у тюбиках не було б ні Сезанна, ні Моне, ні Сіслея, ні Піссаро, жодного з тих, кого журналісти потім охрестили імпресіоністами» .

Фарба в тюбиках мала консистенцію свіжої олії, ідеальна для накладання на полотно густими мазками пастозними кисті або навіть шпателя; обидва способи використовували імпресіоністи.

У нових тюбиках на ринку став з'являтися весь спектр яскравих фарб. Успіхи хімії на початку століття принесли нові фарби, наприклад синій кобальт, штучний ультрамарин, жовтий хром з помаранчевим, червоним, зеленим, відтінком, смарагдову зелень, білий цинк, довговічні свинцеві білила. До 1850-х років у розпорядженні художників виявилася яскрава, надійна та зручна, як ніколи раніше за палітру фарб .

Імпресіоністи не пройшли повз наукові відкриття середини століття, що стосувалися оптики, розкладання кольору. Додаткові кольори спектру (червоний – зелений, синій – помаранчевий, фіолетовий – жовтий) при сусідстві посилюють один одного, а при змішуванні знебарвлюються. Будь-який колір, покладений на білий фон, здається оточеним легким ореолом від додаткового кольору; там же і в тінях, які відкидаються предметами, коли вони освітлені сонцем, проступає колір, додатковий до фарбування предмета. Частиною інтуїтивно, а частиною і свідомо митці використовували подібні наукові спостереження. Для імпресіоністичного живопису вони виявилися особливо важливими. Імпресіоністи враховували закони сприйняття кольору на відстані і, по можливості, уникаючи змішувати фарби на палітрі, мали чисті барвисті мазки так, щоб вони змішувалися в оці глядача. Світлі тони сонячного спектру – одна із заповідей імпресіонізму. Вони відмовлялися від чорних, коричневих тонів, бо сонячний спектр їх немає. Тіні вони передавали кольором, а не чорнотою, звідси м'яка сяюча гармонія їхніх полотен. .

В цілому імпресіоністичний тип краси відбив факт протистояння духовної людини процесу урбанізації, прагматизму, закріпачення почуттів, що призводило до посилення потреби в більш повному розкритті емоційного початку, актуалізації душевних якостей особистості і викликало бажання в більш гострому переживанні просторово-часових характеристик.