Радянський живопис – історія сучасного мистецтва. Шкільна енциклопедія Старі фотографії 20 30 років

У цьому розділі представлений живопис радянських художників, зібрані картини різних жанрів: тут можна знайти і пейзаж, і натюрморт, портрети та різноманітні жанрові сцени.

Радянський живопис в даний момент набув великої популярності, як у професіоналів, так і в любителів мистецтва: влаштовуються численні виставки, аукціони. У нашому розділі радянського живопису Ви зможете підібрати картину не тільки для прикраси інтер'єру, а й колекції. Багато творів епохи соцреалізму мають історичне значення: наприклад, міські пейзажі зберегли для нас втрачений вигляд з дитинства знайомих місць: тут Ви знайдете види Москви, Ленінграда та інших міст колишнього СРСР.

Особливий інтерес становлять жанрові сцени: подібно до документальних кінохроніків вони зафіксували особливості побуту радянської людини. Портрети цього часу також чудово передають настрій епохи, розповідають про людей різних професій та доль: тут і робітники, і селянки, і воєначальники, і, звісно, ​​вожді пролетаріату. Дитячі портрети епохи соцреалізму є прямим уособленням поняття «щасливого дитинства». На сайті також представлений характерний для радянського мистецтва жанр індустріального пейзажу.

Наші фахівці допоможуть Вам підібрати потрібну картину або продати твори з Вашої колекції на нашому сайті.

У категорії антикваріату «Радянське образотворче мистецтво» представлено понад 2 тисячі різних робіт майстрів з періоду революції 1917 до 1991 року. Великий вплив на творців цього періоду мала офіційна ідеологічна думка, що відображено в багатьох тематичних роботах, представлених у цьому каталозі. Мистецтво стало ближчим до простої людиниПро що свідчать унікальні портрети звичайних робітників, піонерів, комсомольців. Саме такі роботи представляє магазин антикваріату на своїх сторінках.

Окремим напрямком радянського винахідливого мистецтва стала воєнна тематика. Такий антикваріат цінний не лише технікою виконання, а й історією, відображеною на полотні. Вартість кожного полотна визначається індивідуально залежно від таких важливих факторів:

• його сюжетної унікальності;
• тематичного спрямування;
• обраної техніки написання та її якості виконання.

"Купити картину" дає користувачам унікальну можливість придбання антикваріату тих часів за доступними цінами. Картини чудово передають почуття та переживання радянської людини, відображають її будні. До уваги користувача представлений антикваріат із зображенням великих водій СРСР, плакати з відомими на всю країну гаслами, натюрморти, ілюстрації з книг, графічні роботи та, звичайно ж, чудові краєвиди з різних куточків радянської держави.

У магазині антикваріату можна знайти традиційні полотна того періоду. Багато радянських художників творили в жанрі реалізму, а починаючи з 60-х років популярним став напрямок «суворого стилю». Великою популярністю також користувалися натюрморти на різні теми. Такий антикваріат також представлений на сайті, і ви можете переглянути всі пропозиції.

Варто зауважити, що плакати на політичну тематику стали окремим видом образотворчого мистецтва. радянського періоду. Вони відігравали важливу соціальну та ідеологічну роль. Цей антикваріат зберігся і сьогодні, деякі зразки представлені у відповідній категорії «Купити картину». Прекрасні пейзажі іменитих радянських майстрів являють величезну художню цінність прикрашають сьогодні найкращі вітчизняні галереї. У каталозі ви можете знайти їх репродукції та здійснити покупку.

1934 року на І Всесоюзному з'їзді радянських письменників Максим Горький сформулював основні засади соцреалізму як методу радянської літератури та мистецтва. Цим моментом датується початок нової епохи радянського мистецтва, з жорсткішим ідеологічним контролем та пропагандистськими схемами.

Основні принципи:

• - Народність. Як правило, героями соцреалістичних творів ставали трудівники міста та села, робітники та селяни, представники технічної інтелігенції та військовослужбовці, більшовики та безпартійні.
• - Ідейність. Показати мирний побут народу, пошук шляхів до нового, кращого життя, героїчні вчинки з метою досягнення щасливого життя для людей.
• - Конкретність. У зображенні дійсності показати процес історичного розвитку, який у свою чергу має відповідати матеріалістичному розумінню історії (у процесі зміни умов свого буття люди змінюють свою свідомість, ставлення до навколишньої дійсності).

У роки, наступні за цією постановою ЦК ВКП(б) про перебудову літературно-мистецьких організацій, було проведено низку великих заходів, вкладених у розвиток мистецтва у необхідному державі руслі. Розширюється практика державних замовлень, творчих відряджень, влаштування масштабних тематичних та ювілейних виставок. Радянські художники створюють безліч творів (панно, монументальних, декоративних) для майбутнього ВДНГ. Це означало важливий етап відродження монументального мистецтва як самостійного. У цих роботах стало очевидним, що потяг радянського мистецтва до монументальності не випадковий, а відбиває «грандіозні перспективи розвитку соціалістичного суспільства» .

1918 року Ленін у розмові з К. Цеткін визначив завдання мистецтва в радянському суспільстві: «Мистецтво належить народу. Воно має йти своїм глибоким корінням в саму товщу широких трудящих мас. Воно має бути зрозумілим цим масам і улюбленим ними. Воно має поєднувати почуття, думку і волю цих мас, піднімати їх. Воно має пробуджувати в них художників та розвивати їх».

У аналізований період поряд з напрямами мистецтва, що вже існували, з'явилося кілька принципово нових, наприклад, авангардизм.

У рамках стилю монументалізму найбільше цікавить скульптура. Як і всі інші напрямки у радянському мистецтві, скульптура періоду мала агітаційну спрямованість та патріотичний зміст сюжетів. Велике значення у розвиток скульптури зіграв ленінський план монументальної пропаганди, прийнятий 1918 р. Відповідно до цього плану по всій країні мали встановлюватися пам'ятники, які пропагують нові революційні цінності. До роботи були залучені видні скульптори: Н.А. Андрєєв (який згодом став творцем скульптурної ленініани). Інший видатний скульптор цього періоду - Іван Шадр. У 1922 році він створив статуї "Робітник", "Сіяч", "Селянин", "Червоноармієць". Своєрідність його методу - узагальнення образу з урахуванням конкретної жанрової зав'язці, потужна ліплення обсягів, виразність руху, романтичний пафос. Найяскравіший його твір - «Булижник - знаряддя пролетаріату. 1905» (1927). У тому ж році на території гідроелектростанції на Кавказі ЗАГЕС встановлено його ж роботи пам'ятник Леніну - "один із найкращих". Віра Мухіна формується як майстер теж у 20-ті. У цей час вона створює проект пам'ятника «Звільнений працю» (1920, не зберігся), «Селянка» (1927). З найзріліших майстрів відзначають творчість Сарри Лебедєвої, яка створювала портрети. У своєму розумінні форми вона враховує традиції та досвід імпресіонізму. Олександр Матвєєв характеризується класичною ясністю в розумінні конструктивної основи пластики, гармонійністю скульптурних мас і співвідношення обсягів у просторі («Жінка, що роздягається», «Жінка, що одягає туфлю»), а також знаменитий «Жовтень» (1927), де в композицію включені 3 обна. фігури - поєднання класичних традиційта ідеалу «людини епохи Революції» (атрибути - серп, молот, будьонівка).

Види мистецтва, здатні «жити» на вулицях, у роки після революції грали найважливішу роль «формуванні суспільної та естетичної свідомості революційного народу». Тому поряд із монументальною скульптурою найактивніший розвиток отримав політичний плакат. Він виявився мобільним і оперативним видом мистецтва. У період громадянської війни цей жанр характеризувався такими якостями: «гострота подачі матеріалу, миттєва реакція на події, що швидко змінюються, агітаційна спрямованість, завдяки якій і склалися головні риси пластичної мови плаката. Ними виявилися лаконізм, умовність зображення, чіткість силуету та жесту. Плакати були надзвичайно поширені, друкувалися великими тиражами та розміщувалися повсюдно. p align="justify"> Особливе місце в розвиток плакату займають Вікна сатири РОСТУ, в яких видатну роль зіграли Черемних, Михайло Михайлович і Володимир Маяковський. Це плакати, зроблені трафаретом, розфарбовані від руки і з віршованими написами на злобу дня. Вони зіграли величезну роль політичної пропаганді і стали нової образної формою. Художнє оформлення свят - ще одне нове явище радянського мистецтва, яке не мало традиції. До свят входили річниці Жовтневої революції, 1 травня, 8 березня та інші радянські свята. Це створило новий нетрадиційний вид мистецтва, завдяки якому живопис придбав новий простір та функції. До свят створювалися монументальні панно, що характеризувалися величезним монументально-агітаційним пафосом. Художники створювали ескізи оформлення площ та вулиць.

В оформленні цих свят брали участь: Петров-Водкін, Кустодієв, Є. Лансер, С. В. Герасимов.

Радянське мистецтвознавство ділило майстрів радянського живопису цього періоду дві групи:

• - художники, які прагнули зафіксувати сюжети звичною образотворчою мовою фактологічного відображення;
• - художники, які використовували складніше, образне сприйняття сучасності.

Вони створювали образи-символи, у яких намагалися висловити своє «поетичне, натхненне» сприйняття епохи у її новому стані. Костянтин Юон створив один із перших творів, присвячених образу революції («Нова планета», 1920, ГТГ), де подія трактована у світовому, космічному масштабі. Петров-Водкін 1920 року створив картину «1918 рік у Петрограді (Петроградська мадонна)», вирішуючи у ній етико-філософські проблеми часу. Аркадій Рилов, як вважалося, у своєму пейзажі «У блакитному просторі» (1918) теж мислить символічно, висловлюючи «вільне дихання людства, що вирвалося у неосяжні простори світу, до романтичних відкриттів, до вільних і сильних переживань».

У графіку також простежуються нові образи. Микола Купреянов «у складній техніці дерев'яної гравюри прагне висловити свої враження від революції» («Броневики», 1918; «Залп Аврори», 1920). У 1930-ті роки монументальний живопис став обов'язковою ланкою всієї художньої культури. Вона залежала від розвитку архітектури і була з нею пов'язана. Дореволюційні традиції продовжував у цей час колишній мірискусник Євген Лансере - розпис ресторанного залу Казанського вокзалу (1933) демонструє його потяг до рухомої барочної форми. Він прориває площину плафона, розширюючи простір зовні. Дейнека, який також у цей час робить великий внесок у монументальний живопис, працює по-іншому. Його мозаїки станції «Маяковська» (1938) створено з використанням сучасного стилю: гострота ритму, динаміка локальних барвистих плям, енергія ракурсів, умовність зображення фігур та предметів. Теми переважно спортивні. Фаворський, відомий графік, також зробив внесок і в монументальний живопис: він застосував свою систему побудови форми, вироблену в книжковій ілюстрації, до нових завдань. Його розписи Музею охорони материнства та дитинства (1933, разом із Львом Бруні) та Будинки моделей (1935) показують розуміння ним ролі площини, поєднання фрески з архітектурою з опорою на досвід давньоруського живопису. (Обидві роботи не збереглися).

Панівним стилем в архітектурі 20-х став конструктивізм.

Конструктивісти намагалися використати нові технічні можливості для створення простих, логічних, функціонально виправданих форм, доцільних конструкцій. Прикладом архітектури радянського конструктивізму можуть бути проекти братів Весніних. Найбільш грандіозний з них - Палац праці так і не був втілений у життя, але вплинув на розвиток вітчизняного зодчества. На жаль, також руйнувалися пам'ятники архітектури: лише у 30-ті роки. у Москві були знищені Сухарева вежа, Храм Христа Спасителя, Чудовий монастир у Кремлі, Червоні ворота та сотні невідомих міських та сільських церков, багато з яких представляли історичну та художню цінність.

У зв'язку з політичним характером радянського мистецтва створюється чимало мистецьких об'єднань та угруповань зі своїми платформами та маніфестами. Мистецтво знаходилося у пошуку і було різноманітним. Головними угрупованнями були АХРР, ОСТ, а також «4 мистецтва». Асоціація художників революційної Росії було засновано 1922 року. Її ядро ​​становили колишні передвижники, манера яких дуже вплинула підхід групи -- реалістичний побутописательский мову пізнього передвижництва, «ходіння у народ» і тематичні експозиції. Крім картин (диктувалися революцією) для АХРР характерно було влаштування тематичних виставок типу «Життя і побут робочих», «Життя і побут Червоної Армії».

Головні майстри та твори угруповання: Ісаак Бродський («Виступ Леніна на Путилівському заводі», «Ленін у Смольному»), Георгій Рязький («Делегатка», 1927; «Голова», 1928), портретист Сергій Малютін («Портрет Фурманова», 1 ), Абрам Архіпов, Юхим Чепцов («Засідання сільців», 1924), Василь Яковлєв («Транспорт налагоджується», 1923), Митрофан Греков («Тачанка», 1925, пізніші «На Кубань» і «Трубачі Першої Кінної», 1 ). Товариство художників-станковістів, засноване 1925 року, включало художників із менш консервативними з погляду живопису поглядами, переважно, студентів ВХУТЕМАСа. Це були: Вільямс «Гамбурзьке повстання»), Дейнека («На будівництві нових цехів», 1925; «Перед спуском у шахту», 1924; «Оборона Петрограда», 1928), Лабас Лучишкін («Куля відлетіла», «Я люблю життя »), Піменов («Тяжка індустрія»), Тишлер, Штеренберг та ін. Вони підтримували гасло відродження та розвитку станкової картини, але орієнтувалися не так на реалізм, але в досвід сучасних їм експресіоністів. З тим їм була близька індустріалізація, життя міста та спорт. Суспільство «Чотири мистецтва» було засноване художниками, які раніше входили до Світу мистецтва та Блакитної троянди, які дбайливо ставилися до культури та мови живопису. Найвідоміші члени об'єднання: Павло Кузнєцов, Петров-Водкін, Сар'ян, Фаворський та багато інших видатних майстрів. Для суспільства було характерне філософське підґрунтя з адекватним пластичним виразом. До Товариства московських художників увійшли колишні члени об'єднань «Московські живописці», «Маковець» та «Буття», а також члени «Бубнового валета». Найактивніші художники: Петро Кончаловський, Ілля Машков, Лентулов, Олександр Купрін, Роберт Фальк, Василь Різдвяний, Осмьоркін, Сергій Герасимов, Микола Чернишов, Ігор Грабар. Художники створювали «тематичні» картини, використовуючи напрацьовані «бубново-валетівські» та ін. тенденції авангардної школи. Творчість цих груп була симптомом те, що свідомість майстрів старшого покоління намагалося перебудуватися під нові реалії. У 1920-х роках було проведено дві масштабні виставки, які закріпили тенденції - до 10-річчя Жовтня та Червоної армії, а також "Виставка мистецтва народів СРСР" (1927).

Лідируючою сферою розвитку літератури у 20-ті роки. безперечно, є поезія. За формою літературне життя багато в чому залишилося колишнім. Як на початку століття, тон їй задавали літературні гуртки, багато з яких пережили криваве лихоліття і продовжували діяти в 20-ті рр.: символісти, футуристи, акмеїсти та ін. Виникають нові гуртки та об'єднання, проте суперництво між ними тепер виходить за межі художньої сфери і часто набуває політичного забарвлення. Найбільше значення у розвиток літератури мали об'єднання РАПП, «Перевал», «Серапіонові брати» і ЛЕФ.

РАПП (Російська асоціація пролетарських письменників) оформилася на I Всесоюзній конференції пролетарських письменників у 1925 р. До її складу входили письменники (з найвідоміших А. Фадєєв та Д. Фурманов) та літературні критики. Попередником РАПП був «Пролеткульт» - одна з наймасовіших організацій, заснована в 1917 р. Вони третювали як «класових ворогів» практично всіх письменників, які не входили до їхньої організації. Серед авторів, які зазнавали нападок з боку РАППівців, були не лише А. Ахматова, З. Гіппіус, І. Бунін, а й навіть такі визнані «співаки революції», як М. Горький та В. Маяковський. Ідейну опозицію РАПП становила літературна група «Перевал».

Гурт «Серапіонові брати» було створено 1921 р. у Петроградському Будинку мистецтв. До групи входили такі відомі письменники, як В. Іванов, М. Зощенко, К. Федін та ін.

ЛЕФ – лівий фронт мистецтв. Позиції членів цієї організації (В. Маяковський, Н. Асєєв, С. Ейзенштейн та ін.) Дуже суперечливі. Поєднуючи футуризм із новаторством у дусі пролеткульту, вони виступали з вельми фантастичною ідеєю створення деякого «виробничого» мистецтва, яке мало виконувати в суспільстві утилітарну функцію забезпечення сприятливої ​​атмосфери для матеріального виробництва. Мистецтво розглядалося як елемент технічного будівництва, без жодного підтексту, вигадки психологізму тощо.

Велике значення у розвиток російської літератури ХХ в. зіграла поетичну творчість В. Я. Брюсова, Е. Г. Багрицького, О. Е. Мандельштама, Б. Л. Пастернака, Д. Бідного, «селянських» поетів, найяскравішим представником яких був друг Єсеніна Н. А. Клюєв. Особливу сторінку в історії вітчизняної літератури складає творчість поетів і письменників, які не прийняли революцію і змушені залишити країну. Серед них такі імена як М. І. Цвєтаєва, З. Н. Гіппіус, І. А. Бунін, А. Н. Толстой, В. В. Набоков. Деякі їх, усвідомивши неможливість собі жити далеко від Батьківщини, згодом повернулися (Цвєтаєва, Толстой). Модерністські тенденції у літературі виявилися у творчості Є. І. Замятіна, автора фантастичного роману-антиутопії «Ми» (1924 р). Сатирична література 20-х років. представлена ​​оповіданнями М. Зощенка; романами співавторів І. Ільфа (І. А. Файнзільберга) та Є. Петрова (Є. П. Катаєва) «Дванадцять стільців» (1928 р.), «Золоте теля» (1931 р.) та ін.

У 30-х роках. утворюється кілька великих творів, що увійшли в історію російської культури. Шолохов створює романи « Тихий Дон», «Піднята цілина». Творчість Шолохова отримала світове визнання: за письменницькі нагороди він був удостоєний Нобелівської премії. У тридцяті роки завершує свій останній роман-епопею "Життя Клима Самгіна" М. Горький. Величезну популярність мала творчість М. А. Островського, автора роману «Як гартувалася сталь» (1934). Класиком радянського історичного романустав А. Н. Толстой («Петро I» 1929-1945 рр.). Двадцяті-тридцяті роки - час розквіту дитячої літератури. Декілька поколінь радянських людей виросло на книгах К. І. Чуковського, С. Я. Маршака, А. П. Гайдара, С. В. Міхалкова, А. Л. Барто, В. А. Каверіна, Л. А. Кассіля, В. .П. Катаєва.

У 1928 р. зацькований радянською критикою М. А. Булгаков без будь-якої надії на публікацію починає писати свій найкращий роман «Майстер і Маргарита». Робота над романом тривала до смерті письменника в 1940 р. Твір це було видано лише 1966 р. Наприкінці 80-х, побачили світ твори А. П. Платонова (Климентова) «Чевенгур», «Котлован», «Ювенільне море» . "У стіл" працювали поети А. А. Ахматова, Б. Л. Пастернак. Трагічна доля Мандельштама (1891–1938). Поет незвичайної сили і великої образотворчої точності виявився серед літераторів, які, прийнявши свого часу Жовтневу революцію, не змогли вжитися в сталінському суспільстві. У 1938 р. його репресували.

У 30-ті роки. Радянський Союз поступово починає відгороджуватися від решти світу. За «залізною завісою» залишилося багато російських літераторів, які, незважаючи не на що продовжують працювати. Письменником першої величини був поет та прозаїк Іван Олексійович Бунін (1870-1953). Бунін з самого початку не прийняв революцію і емігрував до Франції (повість «Митина любов», роман «Життя Арсеньєва», збірка оповідань « Темні алеї»). У 1933 р. він був удостоєний Нобелівської премії.

На початку 30-х років. настав кінець існуванню вільних творчих гуртків та груп. У 1934 р. на I Всесоюзному з'їзді радянських письменників було організовано «Союз письменників», до якого змушені були вступати всі люди, які займалися літературною працею. Спілка письменників стала інструментом тотального контролю за владою творчим процесом. Не бути членом Спілки було не можна, тому що в такому разі письменник позбавлявся можливості публікувати свої твори і, більше того, міг бути притягнутий до кримінальної відповідальності за «дармоїдство». Біля джерел цієї організації стояв М. Горький, проте його головування в ній тривало недовго. Після його смерті в 1936 головою став А. А. Фадєєв. Крім «Спілки письменників» були організовані інші «творчі» спілки: «Спілка художників», «Спілка архітекторів», «Спілка композиторів». У радянському мистецтві наставав період однаковості.

Революція звільнила потужні творчі сили. Позначилося це і на розвитку вітчизняного театрального мистецтва. Виникло безліч театральних колективів. Велику роль у становленні театрального мистецтва відіграли Великий драматичний театр у Ленінграді, першим художнім керівникомякого був А. Блок, театр ім. В. Мейєрхольда, театр ім. Є. Вахтангова, Московський театр ім. Мосради.

До середини 20-х відноситься поява радянської драматургії, що справила величезний вплив на розвиток театрального мистецтва. Найбільшими подіями театральних сезонів 1925-1927 років. стали "Шторм" В. Білля-Білоцерківського у театрі ім. МДСПС, "Кохання Ярова" К. Треньова в Малому театрі, "Розлом" Б. Лавренєва в театрі ім. Є. Вахтангова й у Великому драматичному театрі, "Бронепоїзд 14-69" В. Іванова в МХАТі. Міцне місце у репертуарі театрів займала класика. Спроби її нового прочитання робилися як академічними театрами (Гаряче серце А. Островського в МХАТі), так і лівими (Ліс А. Островського і Ревізор Н. Гоголя в театрі ім. В. Мейєрхольда).

Якщо драматичні театри до кінця першого радянського десятиліття перебудували свій репертуар, то чільне місце у діяльності оперних та балетних колективів займала, як і раніше, класика. Єдиним великим успіхом у відображенні сучасної теми стала постановка балету Р. Глієра "Червоний мак" ("Червона квітка"). У країнах Західної Європи та Америки виступили Л.В. Собінов, А.В. Нежданова, Н.С. Голованів, трупи МХАТу, Камерний театр, Студії ім. Е. Вахтангова, Квартет старовинних російських інструментів

Музичне життя країни у роки пов'язані з іменами З. Прокоф'єва, Д. Шостаковича, А. Хачатуряна, Т. Хренникова, Д. Кабалевського, І. Дунаєвського та інших. Висунулися молоді диригенти Є. Мравінський, Б. Хайкін. Були створені музичні ансамблі, які згодом прославили вітчизняну музичну культуру: Квартет ім. Бетховена, Великий Державний симфонічний оркестр, Оркестр Державної філармонії та ін У 1932 році було створено Спілку композиторів СРСР.

Поряд з акторами старшого покоління (М. Н. Єрмолова, А. М. Южин, А. А. Остужев, В. І. Качалов, О. Л. Кніппер-Чехова), виникає новий революційний театр. Пошуки нових форм сценічної промовистості характерні для театру, який працював під керівництвом В. Е. Мейєрхольда (нині театр ім. Мейєрхольда). На сцені цього театру були поставлені п'єси В. Маяковського «Містерія-буфф» (1921 р.), «Клоп» (1929 р.) та ін. ; організатором та керівником Камерного театру, реформатором сценічного мистецтва А. Я. Таїровим.

Одним із найважливіших та цікавих явищ в історії культури 20-х років. був початок розвитку радянського кінематографа. Розвивається кінодокументалістика, що стала одним із найефективніших інструментів ідеологічної боротьби та агітації поряд із плакатом. Важливою віхою у розвитку художнього ігрового кіно став фільм Сергія Михайловича Ейзенштейна (1898 - 1948) «Броненосець Потьомкін» (1925 р.), що увійшов до світових шедеврів. Під шквал критики потрапили символісти, футуристи, імпресіоністи, імажиністи та ін. Їх звинувачували у «формалістичних вивертах», у тому, що їхнє мистецтво не потрібне радянському народу, що воно вороже соціалізму. До «чужих» потрапили композитор Д. Шостакович, режисер З. Ейзенштейн, письменники Б. Пастернак, Ю. Олеша та інших. Багато митців було репресовано.

політичний культура тоталітаризм ідеологія

Вступ с.3
1. Художники та художні об'єднання 20-х років с.5
2. Художники та художні об'єднання 30-х років с.11
Список літератури с.20

Вступ

Жовтень 1917 року відкрив нову епоху у соціальному житті, а й у життя мистецтва. Будь-яка революція щось руйнує, а потім починається створення нового. Відбувається не простий розвиток, а рішуче переобладнання основ колишніх соціальних, політичних, ідеологічних та інших структур, зокрема й мистецтва.
Революція висунула принаймні дві проблеми. Перша проблема – класовість мистецтва. Спроба тісно пов'язати його з класовою боротьбою призводила до спотворення його функціональної природи. Особливо гостро спрощене розуміння класовості мистецтва виявилося у діяльності відомого Пролеткульту. Стихія боротьби призвела до руйнації пам'яток культури, викликаного як військовими діями під час громадянської війни та іноземної інтервенції, а й політикою, спрямованої на розгром буржуазної культури. Так, було знесено або знищено багато скульптурні пам'ятки, твори стародавнього зодчества, пов'язані з релігійним культом
Друга проблема – це проблема класової політики у мистецтві. До рішення її були залучені всі сили: «буржуазні» та «пролетарські», руйнівні та творчі, радянські та нерадянські, «ліві» та «праві», культурні та неосвічені, професійні та дилетантські.
Проголошені державою принципи соціального розвитку значною мірою визначали поетапний рух мистецтва. Відбувалося свого роду нашарування сил, зі складу яких утворювався вектор реального стану мистецтва. З одного боку, це сила саморозвитку мистецтва, де позначалися закономірності руху форм, укладених у природі художньої творчості; з іншого боку - вплив соціальних сил, громадських інститутів, зацікавлених у тому, а чи не іншому русі мистецтва, у певних його формах. З третьої - диктат державної політики, яка, спираючись на соціальні сили або не спираючись на них, безумовно впливала на структуру мистецтва, на його суть, на його еволюційні та революційні потенції. З кінця 1920-х років політика явно почала спотворювати нормальний процес розвитку мистецтва, чинити на нього певний тиск за допомогою заборони або засудження тих чи інших «непролетарських» проявів.

1. Художники та художні об'єднання 20-х років.

20-ті роки були бурхливим часом мистецтва. Існувала безліч різних угруповань. Кожна з них висувала платформу, кожна виступала зі своїм маніфестом. Мистецтво, одержиме ідеєю пошуку, було різноманітним; воно вирувало і кипіло, намагаючись йти в ногу з епохою і заглядати у майбутнє.
Найбільш значними угрупованнями, у деклараціях та у творчій практиці яких відбилися головні творчі процеси того часу, були АХРР, ОСТ та «4 мистецтва» (8, с. 87).
Група АХРР (Асоціація художників революційної Росії) виникла 1922 р. (1928 р. перейменована на АХР - Асоціація художників революції). Ядро АХРР склалося головним чином із колишніх учасників Товариства пересувних виставок. Декларація АХРР було викладено у каталозі виставки 1922 р.: «Наш громадянський обов'язок перед людством - художньо-документальне відбитки найбільшого моменту історії у його революційному пориві. Ми зобразимо сьогоднішній день: побут Червоної Армії, побут робітників, селянства, діячів революції та героїв праці».
Художники АХРР прагнули зробити свій живопис доступним масовому глядачеві того часу. У своїй творчості часто механічно використовували побутописательскую мову пізнього передвижництва. АХРР організувала ряд тематичних художніх виставок, самі назви яких: «Життя та побут робітників» (1922), «Життя та побут Червоної Армії» (1923), «Революція, побут та праця» (1924 – 1925), «Життя та побут народів СРСР »(1926) - говорять про завдання прямого відображення сучасної дійсності.
Особливість практики «ахрівців» полягала в тому, що вони йшли на фабрики та заводи, до червоноармійських казарм, щоб там спостерігати життя та побут своїх героїв. У період підготовки виставки «Життя і побут народів СРСР» її учасники побували у найвіддаленіших куточках Радянської країни та привезли звідти значну кількість замальовок, що лягли в основу їхніх творів. Велику роль відіграли художники АХРР у справі освоєння нових тем, вплинув на представників різних художніх груптого часу.
Серед художників АХРР виділяється творчість І. І. Бродського (1883 – 1939), який ставив своїм завданням точне, документальне відтворення подій та героїв революції. Широкої популярності набули його полотна, присвячені діяльності В. І. Леніна. В основу народження мальовничої Ленініани покладено і написану Бродським у 1929 р. картину «Виступ Леніна на Путилівському заводі», і одну з найвідоміших його робіт «Ленін у Смольному» (1930), що зображує Леніна в його кабінеті за роботою. Бродський багато разів бачив Леніна і робив із нього замальовки (12, з. 92).
Твори Бродського мають важливу якість - достовірність, що має велике історично пізнавальне значення. Проте прагнення документальності приводило часом до емпіричного, натуралістичного трактування події. Художнє значення картин Бродського знижував також сухий натуралізм, дієтичний колорит, властивий значній своїй частині творів.
Майстер портрета-картини Г. Г. Рязький (1895 – 1952) вступив до АХРР у 1923 р. Найбільш відомі його твори «Делегатка» (1927) та «Голова» (1928), в яких художник виявляє типові соціально-психологічні риси жінки нового товариства, активної учасниці виробничої та суспільного життякраїни. Його «Голова» – працівниця-активістка. У її позі, жесті виявляються почуття власної гідності, розкутість як свідчення становища жінки у новому трудовому суспільстві.
Серед портретистів АХРР помітну роль грав С. В. Малютін (1859 – 1937). Започаткована ним ще до революції портретна галерея була доповнена за радянських часів портретами В. К. Бялиницького-Бірулі, А. В. Луначарського та багатьма іншими. Серед них найбільш цікавим є написаний у 1922 р. портрет Дмитра Фурманова, який переконливо виявляє образ письменника-воїна, представника нової, радянської інтелігенції.
Активним учасником виставок АХРР був великий російський художник рубежу XIX – XX ст. А. Є. Архіпов. У 20-ті роки Архіпов створює образи селянок - "Жінка зі глечиком", "Селянка в зеленому фартуху", "Селянка з рожевою хусткою в руці" та ін. Ці картини написані широким пензлем, темпераментно і барвисто.
Пильною спостережливістю і увагою нових явищ життя відзначено творчість Є. М. Чепцова (1874 - 1943), який продовжував передвижницькі традиції у сфері побутового жанру. Широко відома його картина «Засідання сільців» (1924), де зображені сільські активісти перших років революції. Спостережливість і щирість автора, простота зовнішності його героїв, невигадливість навколишніх аксесуарів зробили невеликий, скромний по живопису твір Чепцова одним з найцікавіших зразків мистецтва АХРР.
Те саме можна сказати про один з творів пейзажиста Б. Н. Яковлєва (1880 - 1972). Його «Транспорт налагоджується» (1923) – скромна і водночас глибока розповідь про важку епоху перших років революції, про повсякденну працю людей. Спокійно та просто написана, ця картина є одним із перших прикладів індустріального пейзажу у радянському живописі.
p align="justify"> Особливе місце в живопису АХРР займає творчість М. Б. Грекова (1882-1934) - основоположника батального жанру в радянському мистецтві. Протягом півтора десятиліття - до кінця життя - він був зайнятий створенням циклу картин, присвячених Першій Кінній армії, в походах та боях якої художник брав участь. У його творчості, особливо у ранній період, ясно дають себе знати традиції Верещагіна. Головний геройГрекова - народ, який прийняв він всі проблеми війни. Твори Грекова життєстверджуючі. У таких картинах середини 20-х років, як «Тачанка» (1925), пересувна точність зображення поєднується з романтичною піднесеністю. Пізніше, продовжуючи своєрідний мальовничий літопис Першої Кінної армії, Греков створює епічні полотна, серед яких виділяються картини «На Кубань» та «Трубачі Першої Кінної армії» (обидві – 1934).
Поряд з АХРР, до якої входили художники старшого та середнього покоління, які володіли на час революції вже великим творчим досвідом, активну роль у мистецькому житті тих років грала група ОСТ (Товариство станковістів), організована в 1925 р. Вона об'єднала художню молодь першого радянського художнього вузу - ВХУ-ТЕМАСу. (3)
Основним завданням об'єднання художники ОСТу, як і «ахрівці», вважали боротьбу за відродження та подальший розвитокстанкової картини на сучасну темуабо із сучасним змістом. Проте творчі устремління та методи художників ОСТу мали характерні відмінності. Вони прагнули відобразити в окремих фактах нові якості сучасної їм епохи по відношенню до доби попередньої. Головною їхньою темою стала індустріалізація Росії, нещодавно ще аграрної та відсталої, прагнення показати динаміку взаємовідносин сучасного виробництва та людини.
Одним із найталановитіших представників групи ОСТ був А. А. Дейнека. Найбільш близькими декларації ОСТ є його картини: "На будівництві нових цехів" (1925), "Перед спуском в шахту" (1924), "Футболісти" (1924), "Текстильниці" (1926). Образний пафос Дейнекі - остовця знайшов вихід у публіцистичній графіці, в якій художник виступав як ілюстратор у журналах для широкого читання - таких, як «Біля верстата», «Безбожник біля верстата», «Прожектор», «Юність» та ін. Центральним твором Дейнеки остовського періоду стала картина «Оборона Петрограда», написана 1928 р. для тематичної виставки «10 років РСЧА». Цей твір виявляє основний пафос і сенс новаторських традицій ОСТ найбільш життєдайних і які знайшли свій розвиток у радянському мистецтві наступних періодів. Дейнека втілив у цій картині всю своєрідність свого стилю, звів до мінімуму засоби виразності, але зробив їх дуже активними та дієвими (8, с. 94).
З-поміж інших членів ОСТу найбільш близькі Дейнеке за характером своїх творів за стильовими ознаками Ю. І. Піменов, П. В. Вільямс, С. А. Лучишкін. Створені в той же період твори «Тяжка індустрія» Піменова, «Гамбурзьке повстання» Вільямса, «Куля полетіла» і «Я люблю життя» Лучишкіна виявили і новаторсько відобразили важливі якості сучасної дійсності,
На противагу остовській, молодіжній за своїм складом групі дві інші, котрі займали важливе місце у мистецькому житті тих років творчі угруповання - «4 мистецтва» та ОМХ. (Товариство московських художників), - об'єднали в собі майстрів старшого покоління, які творчо склалися ще в дореволюційний час, з особливим пієтетом ставилися до проблем збереження мальовничої культури і вважали дуже важливою частиною твору саму його мову, пластичну форму. Суспільство «4 мистецтва» виникло в 1925 р. Найпомітнішими членами цього угруповання були П. В. Кузнєцов, К. С. Петров-Водкін, М. С. Сар'ян, Н. П. Ульянов, К. Н. Істомін, Ст. А. Фаворський.
Твори Петрова-Водкіна - такі, як «Після бою» (1923), «Дівчина біля вікна» (1928), «Тривога» (1934), найповніше висловлюють етичний сенс різних періодів - віх у розвитку радянського суспільства. Його картина «Смерть комісара» (1928), як і «Оборона Петрограда» Дейнекі, написана у зв'язку з виставкою «10 років РККА», на противагу конкретній публіцистичності - основі образних рішень Дейнекі - дає своє філософське рішення поставленого завдання: через узагальнюючі факти уявлення про події, що відбуваються по всій планеті Земля, через виявлення етичної сутності цих подій. Комісар - це людина, і в житті, і в смерті своїй здійснює подвиг в ім'я людства. Його образ - це вираз непереборності світлих ідей, які переможуть у майбутньому, незалежно і всупереч загибелі найактивніших носіїв цих ідей. Прощальний погляд комісара, що вмирає, як напуття загону бійців перед атакою - він сповнений віри в перемогу.
Філософські ідеї Петрова-Водкіна знаходять адекватний пластичний вираз. Зображуваний простір ніби простягається над сферичною поверхнею планети. Поєднання прямої та зворотної перспективи переконливо та гостро передає «планетарну» панораму того, що відбувається. Чітко вирішуються образні проблеми й у колористичній системі. У своєму живописі художник дотримується принципу трицвіття, що ніби уособлює основні кольори землі: холодне блакитне повітря, синя вода; коричнево-червона земля; зелень рослинного світу.
Значний слід в історії радянського живопису залишили художники групи ОМХ, що організувалася в 1927 р. Багато хто з них зблизився між собою ще в передреволюційні роки в об'єднанні «Бубновий валет». Найбільш активними в ОМХ були П. П. Кончаловський, І. І. Машков, А. В. Лентулов, А. В. Купрін, Р. Р. Фальк, В. В. Різдвяний, А. А. Осмьоркін.
У своїй декларації художники ОМХа говорили: «Ми вимагаємо від художника найбільшої дієвості та виразності формальних сторін його творчості, які утворюють нерозривне з ідеологічною стороною останнього». У цій програмі відчувається близькість до групи «4 мистецтва».
Одним із найяскравіших виразників цієї програми у радянському мистецтві перших років був П. П. Кончаловський. Він прагнув поєднувати «бубнововалетські» тенденції зі спадщиною російських реалістичних художників, що багато в чому розширило його творчий діапазон, допомогло органічніше увійти до радянського мистецтва 20-х. Колористичною цілісністю при інтенсивності окремих кольорів відрізняються такі твори майстра, як "Автопортрет з дружиною" (1922), "Портрет О. В. Кончаловський" (1925), "Портрет дочки Наташі" (1925). У ті ж роки П. П. Кончаловський здійснює спробу створення тематичних картин, серед яких найкращими є «Новгородці» (1921) та «З ярмарку» (1926). Художника цікавлять традиційні образи «російських мужиків» - могутніх, кряжистих, які у оточенні звичних предметів, за законами старих звичаїв разом із своїм середовищем складових щось типово національне.

2. Художники та художні об'єднання 30-х років.

30-ті роки історія радянського мистецтва - це складний період, що відбиває протиріччя самої дійсності. Сприйнявши чималі зрушення, що відбувалися в суспільстві, пафос індустріалізації, майстри мистецтва водночас майже не помітили великих суспільних протиріч, не висловили соціальних конфліктів, пов'язаних із зміцненням культу особистості Сталіна (1).
23 квітня 1932 р. ЦК партії прийняв постанову «Про розбудову літературно-мистецьких організацій». Цією постановою були ліквідовані всі художні угруповання, що існували раніше, і зазначені загальні шляхи і форми стабілізації та розвитку всіх творчих сил радянського мистецтва. Постанова послабила ту конфронтацію між окремими об'єднаннями, що так загострилася межі 20 - 30-х. Але з іншого боку, у художньому житті посилилися тенденції уніфікації. Авангардні досліди, що давали себе знати в 20-ті роки, виявилися перерваними. Розгорнулася боротьба з так званим формалізмом, в результаті якої багато художників змушені були відмовитися від своїх колишніх завоювань.
Створення єдиного союзу збіглося за часом із твердженням принципу соціалістичного реалізму, сформульованого А.М. Гірким на Першому Всесоюзному з'їзді радянських письменників. Соціалістичний реалізм передбачав успадкування традицій реалістичного мистецтва в XIX ст. і націлював художників зображення дійсності у її революційному розвитку. Однак, як показала подальша практика радянського мистецтва, термін «соціалістичний реалізм» виявився недостатньо ємним та адекватним складним та багатошаровим тенденціям нової культури. Його формальне застосування до художньої практики нерідко надавало йому роль догматичного гальма розвитку мистецтва. В умовах соціальної перебудови 80-х років термін «соціалістичний реалізм» зазнав дискусійного обговорення у професійних колах на різних рівнях.
Багато прогресивних тенденцій, що з'явилися в 20-ті роки, продовжують розвиватися в 30-ті. Це стосується, наприклад, плідної взаємодії різних національних шкіл.
У великих мистецьких виставках, що організуються у 1930-ті роки, беруть участь художники всіх республік Радянського Союзу. Одночасно у Москві організуються республіканські виставки у зв'язку з декадами національного мистецтва. Питання національного мистецтва особливо турбують художників братніх республік.
У 30-ті роки розширюється практика державних замовлень та творчих відряджень художників. Організовуються найбільші виставки: «15 років РСЧА», «20 років РСЧА», «20 років ВЛКСМ», «Індустрія соціалізму», «Виставка кращих творіврадянського живопису» та ін. Радянські художники беруть участь у міжнародних виставках у Парижі та Нью-Йорку, виконують роботи для Всесоюзної сільськогосподарської виставки у Москві, у зв'язку з підготовкою якої було створено значну кількість монументальних та декоративних творів, що, по суті, означало важливий етап відродження монументального живописуяк самостійного, що має свої цілі та закономірності виду мистецтва. У цих роботах знайшло вираження тяжіння радянського мистецтва до монументалізму.
Одним із найбільш значних представників станкового живопису цього періоду стає художник Борис Володимирович Йогансон (1893 – 1973), який звернувся у своїй творчості до найвищих традицій російського живопису ХІХ ст. Він інтерпретує спадщину Сурікова і Рєпіна, вносячи до своїх творів новий революційний зміст, співзвучний епосі. З цієї точки зору особливо важливими є картини Йогансона «Допитування комуністів» (1933) і «На старому уральському заводі» (1937).
Картина «Допитування комуністів» вперше експонувалася на виставці «15 років РСЧА». У ній художник показав комуністів, які стали на захист революційної вітчизни, та їх противників - білогвардійців, які намагалися задушити Радянську державу в роки громадянської війни. Художник проводить своє історичне узагальнення у традиціях Рєпіна, через показ конкретної дії у конкретній обстановці. Ми знаємо імен зображених тут людей, тим паче історично загальним сприймається нами зображення загалом. Комуністи у картині Йогансона приречені на смерть. Але митець показує їх спокій, мужність, силу і стійкість, які контрастують із занепокоєнням, нервозністю, психологічною роз'єднаністю, що панують у групі білогвардійців, безсилих не тільки в цій ситуації, але ніби перед лицем історії.
У картині «На старому уральському заводі», написаної для виставки «Індустрія соціалізму», Йогансон протиставляє образи заводчика і робітника, в якому він виявляє почуття класової самосвідомості, що зароджується, і внутрішню перевагу над експлуататором. Цією картиною художник показав історичний конфліктміж старим і новим, реакційним та прогресивним, і затвердив переможну силу революційного та прогресивного. Такими є нові характерні риси радянського історико-революційного жанру на прикладі живопису Йогансона.
Особливе місце займає в цей період багатогранна за образами, темами і жанрами творчість Сергія Васильовича Герасимова. Найбільш яскравим твором історичного жанру в його творчості є картина «Клятва сибірських партизанів» (1933), що вражає своєю відкритою експресивністю, виявленою колористичною виразністю, гострим малюнком, динамічною композицією. Працюючи у побутовому жанрі, С. В. Герасимов головну увагу приділяв селянській темі. До її вирішення художник йшов через портрет, створивши цілу низку переконливих селянських образів. У період будівництва колгоспного села він написав один із найяскравіших портретів «Колгоспний сторож» (1933). Серед самих значних творівжанрового живопису 30-х увійшла картина «Колгоспне свято» (1937), яка експонувалася на виставці «Індустрія соціалізму». Точно і ємно характеризує цю картину найбільший радянський мистецтвознавець академік І. Е. Грабар: «Коли з'явилося чудове полотно «Колгоспне свято», одне з кращих картинвиставки «Індустрія соціалізму», стало очевидним нове, надзвичайне зростання майстра. Чи хтось із радянських художників, окрім Сергія Герасимова, впорався б з таким композиційним, світловим і кольоровим завданням, та ще й за допомогою таких простих засобів і прийомів. То була найсонячніша картина в російській живопису під час революції, попри те що виконана була у стриманому плані» (1, з. 189).
"Співаком" радянського селянства був Аркадій Олександрович Пластов (1893 - 1983), пов'язаний з російським селом своїм походженням. На нього великий вплив все життя справляли враження дитинства, проведеного у близькому спілкуванні з природою, із землею, із селянами, які живуть на цій землі.
Після Великої Жовтневої соціалістичної революції Пластов, захоплений роботою у своєму рідному селі Прислонихе, приділяючи вільний часживопису, накопичував етюди та враження для своїх майбутніх творів, присвячених селянському життю. Одна з перших значних робіт Пластова – повна повітря та світла картина «Купання коней» – була виконана ним для виставки «20 років РСЧА». Для виставки Індустрія соціалізму Пластов написав велике полотно Колгоспне свято. Ще один яскравий твір Пластова того часу - «Колгоспне стадо» (1938). У всіх перерахованих картинах проявляються деякі загальні риси. Пластов не мислить жанрову сцену поза краєвидом, поза російською природою, завжди трактованою в ліричному плані, що розкриває свою красу в найпростіших проявах. Інша особливість жанрових творів Пластова – відсутність будь-якого конфлікту чи особливого моменту в обраному художником сюжеті. Іноді в його картинах, як, наприклад, у «Колгоспному стаді» зовсім немає подій, нічого не відбувається. Але при цьому митець завжди досягає поетичної виразності картини.
Своїм шляхом розвивався у 30-ті роки талант А. А. Дейнекі. Він продовжував дотримуватися своїх колишніх тем, сюжетів, улюблених образів, колірної та композиційної системи. Щоправда, його мальовнича манера дещо пом'якшується, прикладами чого можуть бути кращі роботи 30-х років — «Мати» (1932), «Обідня перерва на Донбасі» (1935), «Майбутні льотчики» (1938). Спорт, авіація, оголене натреноване тіло, лаконізм і простота мальовничої мови, дзвінкі поєднання коричнево-жовтогарячого та синього пом'якшені в деяких випадках ліризмом, моментом споглядання. Дейнека розсунув і тематичні рамки своєї творчості, включивши до нього сюжети із зарубіжних країн, що виникли внаслідок поїздок до США, Францію, Німеччину та Італію.
Інший колишній член ОСТу - Ю. І. Піменов (1903-1977) створив одну з найкращих картин 30-х років "Нова Москва" (1937). Пейзаж центру Москви (пл. Свердлова) як би побачений з машини, що мчить, за кермом якої спиною до глядача сидить молода жінка. Нові будівлі, швидкий біг автомобіля, світлі фарби, велика кількість повітря, широта простору і кадровість композиції - все перейнято оптимістичним світовідчуттям.
У 30-ті роки розгорнулася пейзажна творчість Г. Г. Ніського (1903 - 1987), послідовника остовців, який сприйняв від них лаконізм, гостроту композиційних та ритмічних рішень. Такими є його картина «Осінь» (1932) і «На шляхах» (1933). У пейзажах Ніського завжди видно перетворювальну діяльність людини.
З пейзажистів старшого покоління цікава творчість Н. П. Кримова (1884 – 1958), який створив у 1937 р. відому картину«Ранок у Центральному парку культури та відпочинку імені Горького у Москві». Широкий панорамний вид парку, що розкриваються за ним дали, рівна лінія горизонту, що веде око глядача за межі полотна, - все дихає свіжістю та простором.
А. Рилов, творчість якого сформувалася на початку XX ст., У картині «Ленін у Розливі» (1934) поєднує пейзаж з історичним жанром, досягаючи відчуття простору природи, думки, почуття, стверджуючи історичний оптимізм.
Тяжіння до панорамного пейзажу виявилося у працях багатьох художників різних республік. Це тяжіння було з тим гострим почуттям Батьківщини, рідної землі, що у 30-ті роки зміцнилося і зросло. Д. Н. Какабадзе (1889 – 1952) у своєму «Імеретинському пейзажі» (1934) дає широкий розворот кавказьких гір, що йдуть у далечінь, – хребет за хребтом, схил за схилом. У творчості М. С. Сар'яна 30-ті роки також відзначені інтересом до національного пейзажу, панорамних видів Вірменії.
Плідний розвиток у період отримує і портретний жанр, у якому найбільш ємно виявляють себе художники старшого покоління П. П. Кончаловський, І. Еге. Грабар, М. У. Нестеров та інших.
П. П. Кончаловський, відомий своїми роботами у найрізноманітніших жанрах живопису, у 30 - 40-х роках створює цілу серію портретів діячів радянської наукита мистецтва. Серед найкращих портрети В. В. Софроніцького за роялем (1932), С. С. Прокоф'єва (1934), В. Е. Мейєрхольда (1937). У ці твори Кончаловський вносить своє чудове вміння виражати життя через пластично-колірну систему. Він поєднує найкращі традиції старого мистецтва з новаторською гостротою бачення кольору, життєстверджуючим, мажорним емоційно-потужним звучанням образу.
Справжньою вершиною розвитку портретного живописутого періоду з'явилися твори М. В. Нестерова. На протязі своєї творчості, що об'єднав XIX і XX ст., Нестеров зберіг живий зв'язок із життям. У 30-х роках він пережив блискучий підйом, знову відкривши свій талант портретиста. Образний сенс у портретах Нестерова - утвердження творчого духу часу через виявлення творчого пафосу найрізноманітніших людей, які представляють цей час. Коло героїв Нестерова – це представники радянської інтелігенції старшого покоління, люди творчих професій. Так, серед найбільш значних творів Нестерова портрети художників - братів Коріних (1930), скульптора І. Д. Шадра (1934), академіка І. П. Павлова (1935), хірурга С. С. Юдіна (1935), скульптора Ст. І. Мухіної (1940). Нестеров постає як продовжувач портретних традицій У. А. Сєрова. Він наголошує на характеристиках, акцентує жести, характерні пози своїх героїв. Академік Павлов твердо стиснув кулаки, покладені на стіл, і ця поза виявляє силу духу, що контрастує з явним старечим віком. Хірург Юдін теж зображений у профіль, що сидить за столом. Але виразність цього образу будується на характерному жесті руки, що «летить», піднятій догори. Витягнуті пальці Юдіна – типові пальці хірурга, спритні та сильні, готові виконати його волю. Мухіна зображено на момент творчості. Вона ліпить скульптуру - зосереджено, не звертаючи уваги художника, цілком підкоряючись своєму пориву.
Лаконічно дано у цих портретах аксесуари. Вони повноправно та активно входять у характеристику зображених людей своїм кольором, освітленістю, силуетом. Колорит портретів драматично активний, насичений звучними тонко згармонованими додатковими тонами. Так, складний колір у портреті Павлова, побудований на поєднанні найтонших відтінків холодного та теплого тонів, характеризує душевну ясність та цілісність внутрішнього світу вченого. А у портреті братів Коріних він згущується до глибокого синього, чорного, насичено-коричневого, висловлюючи драматичність їхнього творчого стану. Портрети Нестерова внесли у мистецтво принципово нове, життєстверджуючий початок, творче горіння як найбільш типові та яскраві прояви стану людей епоху високого трудового ентузіазму.
Найбільш близький до Нестерова художник Павло Дмитрович Корін (1892 – 1967). Він виховувався серед палехських живописців, свій творчий шлях почав із писання ікон, а 1911 р. за порадою Нестерова вступив у Московське училище живопису, скульптури і зодчества. Суворо вимогливий до себе і до людей, Корін проніс цю якість крізь усю свою творчість. У творчий розвитокта й взагалі в житті художника значну рользіграв А. М. Горький, з яким він познайомився в 1931 р. Горький допоміг Коріну здійснити поїздку за кордон для вивчення найкращих пам'яток світового мистецтва.
Можливо, саме тому портретна галерея вчених, артистів, письменників нашого часу, яку створює Корін упродовж багатьох років, розпочалася образом А. М. Горького (1932). Фактично, вже у цій роботі розкриваються основні риси Коріна-портретиста. Портрет Горького - це справді монументальний твір, де чітко виявлений силует, контрастне тло, широке заливання кольором великих площ полотна, гострий експресивний малюнок висловлюють історичне узагальнення особистості письменника. Для цього, як і для інших портретів Коріна, характерна сувора гама з великою кількістю темно-сірих, темно-синіх, що іноді доходять до чорного, тонів. Ця гама, як і чітко виліплена форма голови та постаті портретованого, виражає емоційні якості натури самого художника (6).
У 30-ті роки Корін створює портрети акторів Л. М. Леонідова та В. І. Качалова, художника М. В. Нестерова, письменника А. Н. Толстого, вченого Н. Ф. Гамалеї. Очевидно, що і для нього, як і для його духовного вчителя М. В. Нестерова, інтерес до творчої особистості далеко не випадковий.
Успіхи живопису 30-х не означають, що шлях її розвитку був простий і позбавлений протиріч. У багатьох творах тих років виявились і стабілізувалися риси, породжені культом І. В. Сталіна. Це - хибний пафос псевдогероїчного, псевдоромантичного, псевдооптимістичного ставлення до життя, що визначає суть та сенс «парадного» мистецтва. Виникло змагання між художниками у боротьбі за безпомилкові «суперсюжети», пов'язані із зображенням І. В. Сталіна, успіхів індустріалізації, успіхів селянства та колективізації. З'явилася низка художників, які «спеціалізуються» на цю тему. Найбільш тенденційним у цьому відношенні виявився Олександр Герасимов («Сталін та К. Є. Ворошилов у Кремлі» та інші його твори).

Список літератури

1. Верещагіна А. Художник. Час. Історія. Нариси історії російської історичної живопису XVIII- Поч. XX ст. - Л.: Мистецтво, 1973.
2. Живопис 20 – 30-х / Под ред. В.С.маніна. - СПб.: Художник РРФСР, 1991.
3. Зезіна М. Р., Кошман Л. В., Шульгін В. С. Історія російської культури. - М: Вищ. школа, 1990.
4. Лебедєв П.І. Радянське мистецтво в період іноземної інтервенції та громадянської війни. - М., 1987.
5. Лихачов Д. З. Російське мистецтво від давнини до авангарду. - М: Мистецтво, 1992.
6. Ільїна Т. В. Історія мистецтв. Вітчизняне мистецтво. - М: Вищ. школа, 1994.
7. Історія мистецтва народів СРСР. О 9-й т. – М., 1971 – 1984.
8. Історія російського та радянського мистецтва / За ред. М.М.Алленова. - М.: Вища школа, 1987.
9. Полікарпов В.М. Культурологія - М.: Гардаріка, 1997.
10. Розін В.М. Введення у культурологію. - М.: Форум, 1997.
11. Степанян Н. Мистецтво Росії XX століття. Погляд із 90-х. - Москва: ЕКСМО-ПРЕС, 1999.
12. Суздальов П.К. Історія радянського живопису. - М., 1973.

© Розміщення матеріалу на інших електронних ресурсах лише у супроводі активного посилання

Контрольні роботи в Магнітогорську, контрольну роботу купити, курсові роботи з права, купити курсову роботу по праву, курсові роботи в РАНХіГС, курсові роботи з права в РАНХіГС, дипломні роботи з права в Магнітогорську, дипломи з права в МІЕП, дипломи та курсові роботи в ВДУ, контрольні роботив СДА, магістерські дисертації з права у Челгу.

Виставка “Московські художники. 20-30-ті роки», організована Московською організацією Спілки художників РРФСР та Спілкою художників СРСР, представляє глядачеві панораму художнього життя Москви двох перших післяреволюційних десятиліть.

На виставці експонується живопис, графіка, скульптура із зібрань найстаріших художників Москви, їхніх спадкоємців та колекціонерів.

Наш час глибокого переосмислення історії країни, її культури та мистецтва вимагає вивчення минулого без кайданів та стереотипів, з єдиною метою пізнати істину. Виставка дає таку можливість, показуючи широкий спектр мальовничих та пластичних ідей, різноманітність творчих напрямків. Вона знайомить із творами яскравих, самобутніх художників, які довгий час були невідомі широкому глядачеві, а часом і фахівцю. Роботи М.Б. відомих живописців, графіків, скульпторів.

Ця експозиція продовжує дослідження мистецтва Москви, розпочате виставками до 30-річчя та 50-річчя МОСГ РРФСР.

Пробудився останніми роками інтерес до російського авангарду призвів до життя великі фундаментальні експозиції та персональні виставки видатних майстрів. Справжня виставка багатьма нитками пов'язана з цим і має сприйматися на тлі різних показів, які висвітлюють мистецтво перших років після революції.

Москва споконвіку є культурним і духовним центром країни. Вона як хранителька традицій, а й батьківщина нових ідей мистецтво початку ХХ століття, що з яскравим і зухвалим бунтарством «Бубнового валета», з творчістю творців новітніх течій кубофутуризму, супрематизму, лучизма. У Москві 1920-ті роки ще жила сива старена, що збереглася в архітектурі, народному укладі. І водночас саме тут збиралися З. І. Щукіним та І. А. Морозовим перші країни колекції новітнього європейського живопису. У Москві особливому сконцентрованому вигляді виявлялися найважливіші питання культури та мистецтва епохи й те водночас найрізноманітніші явища набували своєрідний московський колорит. Все, що відбувалося в Москві, відбивалося у мистецтві всієї країни. Як художній центр у всій своїй унікальності та неповторності Москва ще недостатньо вивчена.

Ми не маємо всієї повноти інформації про багато важливих подій тих років, які прямо чи опосередковано впливали на культуру та мистецтво, і по суті знаходимося на початку створення історії радянського мистецтва, коли маємо ще багато збирати і відкривати. А вивчати мистецтво Москви необхідно, і робити це треба негайно не тільки для сучасників, а й заради майбутніх поколінь, які не пробачать нам нехтування безцінною спадщиною, яка ще є в наших руках. Час невблаганний, він стирає сліди попередніх епох, руйнує пам'ятники мистецтва, розсіює твори художників за приватними, іноді невідомими, зібраннями, і навіть якщо вони надійдуть до музеїв країни, то стають важкодоступними. Згодом все складніше відтворити повну картину художнього життя Москви, відновити її унікальний творчий потенціал, який народився на початку XX століття, отримав яскравий розвитоку 1920-ті роки і, поступово згасаючи, ще існував у 1930-ті.

Природно, що така величезна, майже неосяжна тема, як художнє життя Москви, не може бути вичерпана однією виставкою, тим більше, що вона охоплює всього два з невеликим десятиліття. Деякі явища показані найповніше, інші лише фрагментарно. Долі самих художників та його творів були неоднакові. Спадщина одних була дбайливо збережена, створена іншими дійшла лише розрізненими роботами, а іноді однією-двома, що випадково вціліли у складній долі художника. Огляд художнього життя Москви, необхідний введення у велику і багатопланову виставку, не претендує на вичерпну повноту. Він лише намічає основні віхи, виділяючи яскраві та характерні для Москви явища.

Однією з перших акцій московських художників після здійснення революції була участь у порятунку творів мистецтва та старовини. Ця робота згуртувала майстрів різних груп і напрямків. Вони брали участь в охороні Кремля, де були зосереджені величезні державні та художні цінностіпід час першої світової війни (збори Ермітажу, золотий запас тощо). Займалися постановкою на облік художніх та історичних цінностей, що перебувають у приватних осіб, відшукували та відвозили до державних сховищ твори мистецтва різних епох, архіви, які могли загинути. Робота вимагала самовідданості, забирала багато часу та сил, а часом була пов'язана з ризиком для життя. Діячі культури та московська інтелігенція виявили велику активність та громадянськість.

Наприкінці 1917 року для збереження спадщини було висунуто ідею створення в Кремлі Акрополя російського мистецтва, щоб за його стінами зібрати бібліотеки, музеї, архіви. Ідея була гаряче підтримана московською громадськістю. Але переїзд у березні 1918 року уряди з Петрограда на Москву і перетворення Кремля на урядову резиденцію не дали можливості здійснитися цій ідеї.

З ініціативи діячів культури та освіти у перші післяреволюційні роки у Москві було створено звані Пролетарські музеї, багато з яких перебували на околиці міста. В їх основу були покладені часом цілі націоналізовані мистецькі збори, наприклад, музей імені А. В. Луначарського відкрився в особняку колекціонера І. С. Ісаджанова, де експонувалися переважно твори художників «Бубнового валета» з його зібрання. Колекції інших музеїв, складені з різних зібрань та розрізнених експонатів, були дуже різними за якістю. На думку організаторів подібні музеї мали нести культуру в маси, долучати їх до мистецтва. Ці завдання тісно стулялися з ідеями глибокого культурного та художнього перетворення суспільства, які були такі актуальні на той час. У 1919 року у Москві з ініціативи художників було створено перший країні Музей живописної культури. Вони розробили список, яким державою придбали роботи російських художників всіх лівих течій початку століття. Надалі передбачалося розвивати експозицію та доповнити зібрання творами всіх часів та народів. Музей проіснував до кінця 1920-х років і був важливою школою для художників, дискусійним клубом, дослідницькою та творчою лабораторією. Продовжували існувати в Москві і багато інших музеїв - державних та приватних, відкритих для всіх відвідувачів, з різноманітними експозиціями, починаючи від давньоруського мистецтва до сучасного західного живопису.

Однією з яскравих і ранніх сторінок радянського мистецтва, а також московського художнього життя була участь художників в агітаційно-масовому мистецтві, створенні революційного плакату, оформленні міст до свят. До цієї роботи було залучено фахівців практично всіх напрямків. Крихкі та недовговічні ці твори давно стали власністю архівів, музеїв та бібліотек. Лише деякі з них показані на виставці, але і вони дають уявлення про цю сферу діяльності художників (плакати В. А. та Г. А. Стенбергов, Г. Г. Клуциса, русунки різних художників).

Своєю неповторністю, різноманіттям ідей, багатоособливістю зухваль художнє життя Москви багато в чому завдячує передреволюційному періоду. У роки Радянської влади вона рухалася вперед хіба що імпульсами, заданими попередньої епохою, довершая новому грунті усе те, що було народжене духовної революцією початку ХХ століття.

Потреба об'єднатися була віянням часу і властива як російським, а й європейським художникам. Вони створювали групи однодумців, щоб спільними зусиллями формулювати творчі програми, організовувати виставки, відстоювати свої ідеї у спекотних диспутах.

У Москві починаючи з 1917-го до 1932 року налічувалося понад 60 об'єднань різного характеру, складу, довговічності. Деякі їх виникли ще передреволюційний період, надалі вони складалися вже за умов нового суспільства, з урахуванням нових ідей. Але головне, все вміщалося у простір художнього життя Москви, знаходило своє місце та зумовлювало її особливий поліфонізм.

Боротьба ідей у ​​мистецтві була складною та багатовимірною. З одного боку, тривало протистояння реалістів і художників авангарду, які заперечували реалізм як єдино правильну течію. Віддаючи належне великим майстрам минулих епох, вони у своїй творчості шукали нові шляхи мистецтва, співзвучні епосі.

Вихід на арену художників-життєбудівників, виробничників та конструктивістів, які прагнуть перетворити світ, вніс у боротьбу новий відтінок та перемістив акценти. Почавши від конструювання мистецтво, вони прагнули перейти як до конструювання нових міст, одягу, меблів, і навіть самого життя людини. Їхні ідеї мали утопічний характер. Життя не дало можливості їм здійснитися. Виробники і конструктивісти заперечували право існування станкового мистецтва як у суспільстві, і у мислимому ними майбутньому світі. На його захист стали не лише прихильники реалізму, а й авангардисти різних формацій. Полемізуючи з противниками станкового мистецтва, А. В. Шевченко яскраво і ємно сформулював його завдання: «Саме тепер може жити станковий живопис більш ніж будь-коли, бо станковий живопис – картина, це не декорація, не прикладництво, не прикраса, яка сьогодні потрібна , А завтра ні.

Картина - це думка, можна позбавити людини життя, але змусити її перестати мислити не можна».

Важливо, що з усієї складності протистояння і яскравості неприйняття ідей одне одного об'єднання та угруповання вели боротьбу всередині сфери мистецтва, заради нього самого, заради його життя. Надалі боротьба була винесена за межі мистецтва – у політику. Мистецтво, його стали спотворюватися і спрямовуватися за природним руслом і зумовлюватися не потребами самого мистецтва, а політичними ідеями.

Політика, проведена державою в перше п'ятиріччя, ґрунтувалася на визнанні рівного права художників усіх напрямків брати участь у створенні мистецтва нового суспільства. Це не тільки заявлялося в пресі, а й проводилося в реальне життя, про що свідчать державні придбання кращих представників усіх угруповань з дотриманням справедливості. Держава взяла він роль єдиного мецената. Вони комплектували музейні збори, влаштовували виставки. Протягом 1918–1919 років відділом ІЗО Наркомпросу було відкрито понад 20 виставок – ретроспективних та сучасних, персональних та групових. Вони приймали художники різних напрямів від реалістів до крайніх лівих. Це був перший у країні широкий огляд мистецтва.

З 1922 року держава організовує міжнародні виставки радянського образотворчого мистецтва, що мали великий успіх у багатьох країнах Європи та Америки, а також у Японії. Там завжди були гідно представлені московські художники.

Щоб глибше зрозуміти особливості художнього життя Москви цих років, необхідно ознайомитися з хронологією виставок різних об'єднань, у якій брали участь і художники, які не входять до тих чи інших угруповань.

Наприкінці 1917 року у Москві пройшли виставки об'єднань, утворених ще революції. Одні з них – «Звено», «Вільна творчість» – припинили на цьому своє існування. Інші - "Московський салон", "Бубновий валет", Товариство пересувних художніх виставок, "Союз російських художників", "Світ мистецтва" - влилися в нове життята продовжили виставлятися далі. Незабаром почали виникати нові утворення на основі різних об'єднуючих сил. Створилася нова розстановка сил.

1919 року першим виступило об'єднання молодих художників (Обмоху). Випускники Вхутемаса, учні А.В. п. А також оформлення театральних постановок, вулиць та площ до свят. На виставці було представлено абстрактні композиції, а також металеві просторові конструкції. Обмоху організувало чотири виставки, а потім багато його учасників почали працювати в театрі, поліграфічному виробництві, інші приєдналися до новостворених об'єднань. На виставці з членів цього об'єднання представлені брати Г. А. та В. А. Стенберги.

У тому ж 1919 виставилося об'єднання «Цвітодинамос і тектонічний примітивізм». Учні О. В. Шевченка та О. В. Грищенка у своїй творчості відстоювали необхідність та життєздатність станкової картини. Цікаві та яскраві живописці, вони заявили про себе як про серйозне явище. Але їхня творчість недостатньо відома і вивчена (крім видатних лідерів). У 1923 році угруповання влаштувало виставку Товариства станкових художників, а потім стала основою об'єднання "Цех живописців", який існував до 1930 року. Членами об'єднання були Р. Н. Барто, Н. І. Вітінг, Б. А. Голополосов, В. В. Каптерєв, В. В. Почиталов, К. Н. Суряєв, Г. М. Шегаль та ін.

Нові об'єднання часто створювалися вихованцями Вхутемаса – нового художнього навчального закладу. Найбільші художники країни у перші післяреволюційні роки взяли участь у реформі художньої освіти, радикально оновивши систему та методи педагогіки. Вони працювали у створених ними нових навчальних закладах, орієнтованих на виховання художників-універсалів. Їм потрібно було в майбутньому працювати в різних сферах мистецтва - станкового живопису, графіці, скульптурі, а також у поліграфії, театрі, монументальному мистецтві, дизайні. Отримані в інституті знання давали можливість застосовувати свій талант дуже широко та різнобічно, як і показало надалі життя. Московський Вхутемас кілька років очолював У. А. Фаворський. На виставці представлено більшість провідних педагогів Вхутемаса-Вхутеїна: Л. А. Бруні, П. В. Мітуріч, Р. Р. Фальк та інші. Представлені також і викладачі наступних поколінь, що зберегли у своїй роботі традиції Вхутемаса – П. Г. Захаров, В. В. Почиталов, І. І. Чекмазов, В. В. Фаворська.

Москва завжди була привабливою для художників. Такою вона залишалася й у 1920-ті роки. Тут йшло бурхливе художнє життя, працювали багато видатних майстрів мистецтва, були відкриті навчальні закладита приватні студії, музеї, влаштовувалися найрізноманітніші виставки. З усієї величезної країни сюди приїжджала молодь, яка прагнула здобути художню освіту, що вносила свіжий струмінь у культурне життя столиці. Молоді художники прагнули долучитися до сучасного європейського мистецтва, але традиційні поїздки зарубіжних країн стали у роки неможливі. І для більшості учнів головним університетом стали колекції нового російського та західного живопису, які були лише у Москві. Протягом 1920-х років ці збори глибоко вивчалися молодими, давали можливість познайомитися з новими мальовничими і пластичними ідеями, щоб збагатити свої власні твори.

У 1921 році група футуристичної молоді - А. А. Веснін, Л. С. Попова, А. М. Родченко, В. Ф. Степанова, А. А. Екстер - влаштувала виставку "5x5 = 25", і, заявивши в деклорації від станкового мистецтва художники перейшли у виробництво. Вони керувалися ідеями включення їхньої творчості у перебудову середовища та побуту, стали займатися архітектурою, театром, фотомонтажем, меблями, одягом. До виробничників та їхньої діяльності підключалися все нові прихильники, такі як В. Є. Татлін та його учні.

Новий період у житті країни настав у 1922 році, після закінчення громадянської війни. Почало налагоджуватися життя, відроджувалася промисловість, пожвавилося культурне життя. Москва утверджується офіційною столицею багатонаціональної держави. Відтепер все значне у мистецтві та культурі країни так чи інакше буде пов'язане з Москвою.

Сезон 1922-1923 року відрізнявся особливим розмаїттям та різноманітністю виставок.

Пройшли виставки «Союзу російських художників», «Світу мистецтва», Товариства пересувних виставок. Вперше показали свої роботи учасники нових об'єднань «Буття», НІЖ, АХРР, «Маковець».

«Нове суспільство художників» (НОЖ) влаштувало єдину виставку, що мала відомий суспільний резонанс. Відмовившись від безпредметних пошуків, молоді художники, учні В. Є. Татліна, К. С. Малевича, А. А. Естер звернулися до гостросоціальної тематики, використавши характерні прийоми примітивізму. Виставку було прийнято неоднозначно. У сатиричному тоні творів чиновники побачили глум над радянським побутом. Водночас окремі критики відзначили у роботах художників відродження образності та емоційності. А. М. Глускін, Н. Н. Попов, А. М. Нюренберг, М. С. Перуцький – учасники цього об'єднання. У наступні роки багато хто з них увійшли до «Буття». «Буття», група випускників Вхутемаса, стверджувала у творчості традиції московської пейзажної школи. Вихованці П. П. Кончаловського та послідовники «Бубнового валета» звернулися до реалістичного пейзажного живопису, прагнучи набути творчої сили в наближенні до землі, вони по закінченні навчання поїхали в мальовничу підмосковну місцевість і, пропрацювавши там літо, влаштували свою першу виставку. Об'єднання проіснувало до 1930 року, організувавши сім виставок. До «Буття» входили: Ф. С. Богородський, А. М. Глускін, В. В. Каптерєв, П. П. Кончаловський, А. В. Купрін, Н. А. Лаков, А. А. Лебедєв-Шуйський, С. Г. Мухін, А. А. Осмьоркін, М. С. Перуцький, Н. Н. Попов, Г. І. Рубльов, А. С. Ставровський, С. М. Таратухін, А. Н. Чирков, М. Ф. Шемякін та інші.

«Мистецтво – життя», або «Маковець», одне із значних мистецьких об'єднань тих років, виникло у 1921 році. Через рік на своїй першій виставці воно представило групу яскравих та талановитих живописців та графіків, які здебільшого брали участь у виставках ще в передреволюційні роки, таких як «Світ мистецтва», «Московський салон» та ін. Склад об'єднання був складним і неоднорідним. Цементуючими силами були глибока відданість мистецтву, частково дружні пута. Об'єднання видавало журнал "Маковець", випустивши два номери. В опублікованому маніфесті «Наш пролог» вони заявляли: «Ми ні з ким не боремося, ми не творці будь-якого «ізму». Настає час світлої творчості, коли мистецтво відроджується у своєму нескінченному русі, вимагає лише простої мудрості натхненних».

«Маковець» стверджував у своїй творчості високий професіоналізм, духовність, безперервну спадкоємність традицій у мистецтві, що йдуть від античності до сучасності через усі великі епохи. Давньоруське мистецтво мало їм неминущої цінністю і джерелом художніх ідей. "Поглиблений реалізм" - таке було визначення творчості цієї групи, дане провідними критиками. Лідером її був талановитий, рано загиблий художник В. Н. Чекригін. «Маковець» влаштував три виставки живопису та одну графіки. Багато його учасників надалі перейшли у товариство «4 мистецтва», ОМХ та інші. Учасниками його були Т. Би. , Н. Х. Максимов, Ст Е. Пестель, М. С. Родіонов, С. М. Романович, Н. Я. Симонович-Єфімова, Н. Ст Синезубов, Р. А. Флоренська, А. В. Фонвізін , В. Н. Чекригін, Н. М. Чернишов, О. В. Шевченка, А. С. Ястржембський та інші. 1926 року від нього відокремилася група художників, які створили об'єднання «Шлях живопису».

У 1922 році вперше виступила із соціально-активною програмою Асоціація художників революційної Росії (АХРР), з 1928 року Асоціація художників революції (АХР), організувавши одну за одною виставки. АХРР внесла нове у художнє життя. Початковий період у її діяльності мав чимало позитивного: об'єднання талановитих художників, створення філій у різних містах, улаштування пересувних виставок. В основі програми АХРР лежало завдання документального відображення революційної дійсності, але заявлений ними героїчний монументальний реалізм не завжди знаходив втілення у їхніх полотнах. Поступово у творчості художників АХРР-АХР став переважати безкрилий побутовий документалізм.

З самого свого виникнення АХРР боролася за лідерство у мистецькому житті, намагалася стати рупором держави, вершителем доль мистецтва. Асоціація проголосила мистецтво знаряддям ідеологічної боротьби. До складу АХРР-АХР входили і регулярно брали участь у виставках Ф.С. Богородський, В.К. М. Луппов, І. І. Машков, Ст Н. Мєшков, Н. М. Ніконов, А. М. Нюренберг, Ст Н. Перельман, Ст С. Сварог, Г. М. Шегаль, К. Ф .Юон, В. Н. Яковлєв. АХРР мало власне видавництво, художньо-виробничі майстерні. Усе це використовувалося широкої популяризації творчості членів об'єднання в багатотиражних репродукціях картин, їх копіях. Нерідко вона отримувала субсидії та замовлення від Реввійськради для організації виставок. Технічна і матеріальна база АХРР-АХР була незмірно потужнішою, ніж решта об'єднань разом узяті, ставлячи художників інших угруповань у нерівноцінні умови у житті й ​​творчості. Ці обставини, а головне, претензії Асоціації на лідерство викликали різко негативне ставлення та протистояння багатьох угруповань, що належать до іншої творчої концепції.

Наступного 1923 року художники «Бубнового валета» виступили на «Виставці картин» групою, близькою за складом не класичному періоду (1910–1914), а наступних років. У 1925-му вони організували суспільство «Московські живописці», а через три роки стали основою великого об'єднання «Товариство московських художників» (ОМХ).

У боротьбі художніх об'єднань «Бубновий валет» в особі Древина, Кончаловського, Купріна, Лентулова, Осмьоркіна, Удальцової, Фалька, Федорова був центром. Весь спектр його ідей від експресіонізму до примітивізму продовжував існувати як у творчості самих членів цього суспільства, так і інших об'єднань та угруповань.

В 1923 виставлялися також і менш значні об'єднання - «Асамблея», «Товариство художників московської школи» та інші.

У 1924 році «1 дискусійна виставка об'єднань активного революційного мистецтва» представила глядачеві випускників Вхутемаса, які в наступному 1925 об'єдналися в Товариство станковістів (ОСТ) - одне з значних у 20-і роки. Художники А. О. Барщ, П. В. Вільямс, К. А. В'ялов, А. Д. Гончаров, А. А. Дейнека, А. Н. Козлов, А. А. Лабас, С. А. І. Піменов, Н. А. Шифрін, Д. Н. Штеренберг - одні з родоначальників цього об'єднання, яке згодом включило ще ряд майстрів, - М. М. Аксельрода, В. С. Алфєєвського, Г. С. Берендгофа, С .Н. Бушинського, М. Є. Горшмана, М. С. Гранавцеву, Є. С. Зернову, І. В. Івановського, С. Б. Нікритина, А. В. Щипіцена та ін.

У своїй програмі та творчості ОСТ стверджував цінність станкової картини у новому розумінні, не як пасивне дзеркальне відображення дійсності, але як творчо перетворене, насичене думкою та емоцією відображення буття у його сутності, багатстві та складності. Їхня концепція увібрала в себе досягнення лівого мистецтва з гострим сприйняттям кольору, форми та ритму, з підвищеною емоційністю. Все це й відповідало новій тематиці їхніх картин, урбаністичному пейзажу, виробничій темі та спорту. Художники цієї групи багато працювали у театрі, поліграфії (плакаті, ілюстрації). Згодом, 1931 року, з ОСТ виділилася група «Ізобригада» - Вільямс, В'ялов, Зернова, Лучишкін, Нікритин.

В 1925 на виставкову арену вийшло нове серйозне і значне об'єднання «4 мистецтва», яке включило представників «Світу мистецтва», «Московського товариства художників», «Блакитної троянди», «Маківця» та ін.

програма об'єднання не містила гострих формулювань та закликів, вирізняючись стриманістю. Загальним початкомвиявився передусім високий професіоналізм. Це зумовило широкий діапазон творчих пошуків художників, що входили в об'єднання - М. М. Аксельрода, В. Г. Бехтєєва, Л. А. Бруні, А. Д. Гончарова, М. Є. Горшмана, Є. В. Єгорова, І. В. Івановського, К. Н. Істоміна, П. В. Кузнєцова, А. І. Кравченко, Н. Н. Купреянова, А. Т. Матвєєва, В. М. Мідлера, В. А. Мілашевського, П. В. Мітурича , Ст. .Соловейчика, М. М. Тарханова, В. А. Фаворського та інших. До 1928 року об'єднання організувало чотири виставки.

У 1926 році вперше московські скульптори організували виставку скульптури, потім утворивши «Товариство російських скульпторів» (ОРС), яке чотири рази продемонструвало свої твори на виставках.

У перші післяреволюційні роки московські скульптори взяли участь у здійсненні плану монументальної пропаганди. Вони встановили у столиці двадцять п'ять монументів, а також у інших містах. Більшість їх не збереглася, оскільки скульптура була виконана в неміцному матеріалі, а деякі пам'ятники були цілеспрямовано знищені. У наступні роки скульптори брали участь у різних конкурсах: на пам'ятник Карлу Марксу на Ходинському полі у Москві (1919), «Звільненому праці», на пам'ятник А. М. Островському у Москві (1924). Скульптори показували свої роботи на виставках різних об'єднань.

С. Ф. Булаковський, А. С. Голубкіна, І. С. Єфімов, А. Є. Зеленський, Л. А. Кардашев, Б. Д. Корольов, С. Д. Лебедєва, В. І. Мухіна, А. І. Тенета, І. Г. Фріх-Хар, Д. А. Якерсон - члени ОРС представлені на справжній виставці ескізами та невеликими творами.

У 1926 році, продовжуючи процес створення нових груп художників, виставилася низка об'єднань, таких, як «Об'єднання художників-реалістів» (ОХР), - В. П. Бичков, В. К. Бялиницький-Беруля, П. І. Келін, Е .В. Орановський, П. І. Петровичев, Л. В. Туржанський та інші.

Від «Маківця» відокремився гурт «Шлях живопису». Ця цікава, але маловідома група художників влаштувала дві виставки (1927, 1928). До її складу входили Т. Б. Александрова, П. П. Бабичев, С. С. Гриб, В. І. Губін, Л. Ф. Жегін, Ст А. Коротєєв, Г. Ст Костюхін, Ст Є. Пестель.

В 1928 група молоді, учні Р. Р. Фалька, влаштувала виставку товариства «Рост». До нього входили: Є. Я. Астаф'єва, Н. В. Афанасьєва, Л. Я. Зевін, Н. В. Кашина, М. І. Недбайло, Б. Ф. Рибченко, О. А. Соколова, П. М. Толкач, Є. П. Шибанова, А. В. Щіпіцин.

Одне з великих і значних за складом «Товариство московських художників» (ОМХ) організувалося в 1928 році, увібравши в себе представників «Бубнового валета», «Маківця» та інших об'єднань, що розпалися до цього часу. ОМХ мало свою виробничо-технічну базу. Влаштувавши дві виставки (1928, 1929), воно було ліквідовано, як і інші об'єднання. До складу ОМХ входили художники: С. В. Герасимов, А. Д. Древін, К. К. Зефіров, В. П. Кисельов, А. В. Купрін, П. П. Кончаловський, Б. Д. Корольов, А. В. Лунтулов, А. А. Лебедєв-Шуйський, Н. Х. Максимов, І. І. Машков, А. А. Осмьоркін, М. С. Родіонов, С. М. Романович, Г. І. Рубльов, С. М. Таратухін, Н. А. Удальцова, Р. Р. Фальк, Г. В. Федоров, А. В. Фонвізін, В. В. Фаворська, І. І. Чекмазов, Н. М. Чернишов, А. М. Чирков, Р. М. Шегаль, М. Ф. Шемякін. У 1929 році виставилася «Група художників 13» - графіки і живописці, творчі однодумці, що орієнтувалися на сучасне європейське мистецтво і культивували в своїй творчості живий малюнок і живопис з натури, що фіксували живу, мінливу дійсність, її мимольот. Поява цього об'єднання була добре зустрінута громадськістю. Але художникам довелося повною мірою випробувати нападки ворожої критики вульгаризаторів, спрямованої проти лівих течій і будь-якого звернення до західного мистецтва. "13" провели дві виставки (1928, 1929). До цієї групи входили Д. Б. Даран, А. Д. Древін, Л. Я. Зевін, С. Д. Іжевський, Ніна та Надія Кашини, Н. В. Кузьмін, З. Р. Ліберман, Т. А. Мавріна , Ст А. Мілашевський, М. І. Недбайло, С. М. Расторгуєв, Б. Ф. Рибченков, А. Ф. Софронова, Р. М. Семашкевич, Н. А. Удальцова. 1930 року створилися об'єднання «Жовтень» та «Союз радянських художників». До «Жовтня» входили А. А. Дайнека, Г. Г. Клуціс, Д. С. Моор, А. М. Родченко, В. Ф. Степанова.

«Союз радянських художників» заснували художники В.К. Бялиницький-Біруля, К. С. Єлісєєв, П. І. Котов, М. В. Маторін, А. А. Пластов, В. С. Сварог, В. Н. Яковлєв та інші. Об'єднання мала одну виставку (1931).

На рубежі 1920-1930-х років стала наполегливо розроблятися ідея створення федерації творчих угруповань. Однією із спроб була Російська асоціація пролетарських художників (РАПХ), що включала АХР, ОМАХР та ОХС. У Федерацію об'єднань радянських художників (ФОСГ), що виникла 1931 року, увійшли АХР, РАПХ, ОХК, МАХР, ОМХ, ОРС, ОСТ, «Ізобригада», ГРП. ФОСГ організувала «Антиімперіалістичну виставку», присвячену міжнародному червоному дню.

1932 року пройшли останні покази творчих об'єднань художників.

Наприкінці 1920-х років виступи у пресі різко змінили свій характер, вульгаризація все активніше проникала на сторінки багатьох журналів, таких як «Бригада художників», «За пролетарське мистецтво" та інші. Художники і діячі культури зазнавали розв'язної критики, огульно і безпідставно їм пред'являлися політичні звинувачення.

Ці звинувачення у сфері культури були безпосередньо зумовлені політичними змінами країни. У 1927–1928 роки став розвиватись новий тоталітарний стиль керівництва життям країни, активно складався сталінський бюрократичний апарат. Формувалася нова нормальна естетика, відповідно до якої діячам мистецтва та культури відводилася роль ілюстраторів тих ідеологічних положень, які висловлювалися безпосередньо Сталіним та його оточенням. Художники мали брати участь у пропаганді ідей партії, в обов'язковому порядку відгукуватися на миттєві злободенні явища життя. Все це стосувалося не тільки агітаційно-масового мистецтва з його динамічною реакцією на події реальності, але й станкового. Тим самим митці позбавлялися права на глибоке творче індивідуальне осмислення дійсності, її духовних проблем, висловлювання своїх думок і почуттів. Стали організовуватись тематичні виставки типу «Антиалкогольна», «Мистецтво третього вирішального року п'ятирічки» тощо. Для подібних виставок художники мали створювати твори в найкоротші терміни.

Щодо тематичних виставок, присвячених будь-яким конкретним явищам, подіям, ювілеям, то це відкриття 1920-х років. Першими їх стали організовувати члени АХРР, наприклад «З життя та побуту робітничо-селянської Червоної армії» та «Життя та побут робітників» (1922), потім експозиції, присвячені ювілеям Червоної армії, які стали традиційними. До її 10-річного ювілею Реввійськрадою було розроблено тематику творів та укладено договори з художниками. Важливою у розвиток радянського мистецтва була організована 1927 року ГАХН виставка «Мистецтво народів СРСР», де дуже повно було представлено творчість багатьох народностей країни.

Наприкінці 1920-х років на виставках з'являються етюди та замальовки з натури, портрети робітників та селян, шахтарів та рибалок. Вони з'явилися результатом поїздок художників за відрядженнями вивчення життя країни. Художники отримали найбагатший матеріал для творчості, познайомилися з виробничими процесами на заводах та в шахтах, на полях та у рибальських артілях. Зустрічалися із цікавими людьми. Але з справжньою творчою віддачею цей матеріал митці не змогли використати. Вже почала позначатися ідеологічна запрограмованість - бачити і зображати прекрасне, безконфліктне, щасливе життя.

З середини 1920-х років у Москві все виразніше проявляються негативні процесиу галузі культури та мистецтва. Стали тіснити, а то й просто знищувати заклади культури. Один за одним ліквідовувалися Пролетарські музеї. Закрився перший Музей нового західного живопису, а будинок його було передано військовим відомствам. Спеціально збудований для музею будинок Цвіткової галереї віддали під житло, незважаючи на клопотання Третьяковської галереї. Було закрито Московський публічний та Рум'янцевський музей з передачею його приміщення та книжкових зборів під Бібліотеку СРСР ім. В. І. Леніна. А мальовничі та графічні колекції, як і зібрання інших ліквідованих музеїв, передані Державній Третьяковській галереї та Державному музею витончених мистецтв у тісні переповнені приміщення, переважно у запасники. У 1928 році було ліквідовано Музей мальовничої культури. Все це не могло не позначитися негативним чином на художньому житті країни і Москви в наступні роки. Музеї були не тільки необхідною школою для художників, але й відігравали важливу роль у формуванні нового глядача. Московські музеї були різноманітні за характером, зборами та масштабами. Поступово вони зазнали уніфікації та стандартизації, їхня активна діяльність була введена надалі у суворі рамки, що визначаються чиновниками від мистецтва. Ліквідація музеїв та інші дії в галузі культури цілеспрямовано відкидали народ від справжнього мистецтва та високої культури.

23 квітня 1932 року ЦК ВКП(б) прийняв постанову «Про перебудову літературно-мистецьких організацій», якою розпускалися всі художні об'єднання та замінювалися новою організацією- Спілкою радянських художників з однорідною структурою та управлінням, подібним до будь-якого стандартного бюрократичного апарату для нагляду за діяльністю художників та проведення постанов згори. Особливо великої шкоди було завдано Москві, де духовного життя споконвіку був властивий дух свободи, незалежності та різноманіття найрізноманітніших явищ.

1930-ті роки - найтрагічніші в житті нашого народу. Настав час бездуховності. Тяжкою ідеологічною ковзанкою все в культурі підминалося і зрівнювалося, приводилося до однаковості. Відтепер все має підкорятися адміністративним вказівкам, що спускаються зверху, які чиновники від мистецтва з шаленством впроваджували в життя.

З кінця 1920-х років репресії вихоплювали окремих митців, тепер вони обрушилися на діячів культури із ще більшою силою. Чимало художників загинуло в таборах, а їх твори безвісти зникли в надрах слідчого апарату. На виставці представлені роботи художників, які зазнали репресій - А. І. Григор'єва, А. Д. Древіна, А. К. Вінгорського, Л. Л. Квятковського, Г. І. Клюнкова, Г. Д. Лаврова, Є. П. Левін-Розенгольц, З. І. Осколкова, П. Ф. Осипова, Н. І. Падаліцина, А. А. Поманського, Н. М. Семашкевича, Є. В. Сафонової, М. К. Соколова, Я. І. Цирельсона, А. В. Щіпіцина.

У мистецтві стали заохочуватися соціально-пристижні види діяльності та жанри: тематична картина, виконана у суворій відповідності до ідеологічних регламентацій, портрети урядовців, партійних діячів тощо.

У країні всіма засобами порушувався інтерес трудящих у будівництві нового життя. Подібним чином експлуатувався ентузіазм художників і митців, які у слабких паростках нового прагнули побачити щасливе майбутнє країни та всього людства, обіцяне з трибуни вождем партії. Вони прагнули втілити ці мрії у своїх творах, зображуючи вигадане щасливе життя, незважаючи на реальне буття народу. На виставках переважали полотна, наповнені хибним пафосом, фальсифікованим змістом, відірваним від життя, що сяють свіжою бутафорією. У суспільстві почали народжуватися і штучно створюватися ірреальні фантастичні міфи про загальне щастя та благоденство народу під мудрим керівництвом партії та її вождя.

Спотворювалося сьогодення та минуле країни, її історія, її герої. Відбувався процес деформації особистості, «виковувалася» нова людина, гвинтик машини, позбавлений індивідуальних духовних потреб. Заповіді високої людської моралі забивалися проповідями класової боротьби. Все це мало трагічні наслідки для мистецтва та культури країни.

Характер московських виставок у 1930-ті роки разюче змінився. На зміну неповторним і самобутнім виступам гуртів та окремих художників, пронизаних енергією творчих відкриттів, прийшли аморфні виставки на кшталт «осінніх», «весняних», виставки пейзажу, контрактанів, жінок-художників тощо. Там, безумовно, були талановиті твори. Однак не вони задавали тон, а «ідеологічно вивірені», хай навіть недостатньо мистецькі. Як і раніше, влаштовувалися тематичні експозиції. Серед них значними та цікавими були виставки: «Художники РРФСР за 15 років» (1933), ще багато в чому звернена в попередній період, а також «Індустрія соціалізму» (1939).

Більшість творів великих виставок виконувалася по держзамовленням. Боротьба замовлення, отже, за визнання, за матеріальне благополуччя приймала потворні форми. Тепер державне «меценатство» обернулося для багатьох талановитих художників, які не прийняли офіційного спрямування у мистецтві та диктату керівного відомства, трагедією відлучення від глядача, від визнання їхньої творчості.

Багатьом художникам довелося вести подвійне життя, виконуючи роботи на замовлення щодо регламентованих «рецептів», а для себе вдома, потай від усіх, працювати вільно та розкуто, не показуючи своїх найкращих творів і не сподіваючись на можливість їх виставити. Їхні імена надовго залишили сторінки каталогів виставок. Т. Б. Александрова, Б. А. Голополосов, Т. Н. Грушевська, Л. Ф. Жегін, А. Н. Козлов, Ст А. Коротєєв, Г. Ст Костюхін, Є. П. Левіна-Розенгольц, М. У. Ломакіна, У. Є. Пестель, І. М. Попов, М. До. існуванню, голодні, але вільні у своєму творчому волевиявленні. Ізольовані від суспільства і навіть один від одного, роз'єднані, вони самі вершили свій творчий подвиг. Заробляли життя викладанням, роботою у поліграфії, театрі, кіно, привносячи у будь-яку сферу діяльності високу професійність, смак, майстерність.

Твори офіційно визнаних художників найчастіше потрапляли до музеїв та прикрашали інтер'єри офіційних установ різного рангу. На цій виставці подібних робіт немає. Твори художників, що відійшли від виконання замовлень, багато років зберігалися вдома.

Ці картини, як правило, не великі, виконані не на найкращих полотнах, фарбами не найвищої якості. Але вони дихають справжнім життям, мають неминуча чарівність, несуть у собі величезний духовний досвід свого часу. Вони виражають складне, часом трагічне світовідчуття цілого покоління, не зовні, не описово, але всіма засобами справжнього мистецтва. Якщо зміст картин офіційного спрямування спрямований у невідоме щасливе майбутнє, минаючи день сьогоднішній, то справжні художники показали справжнє життя своїх сучасників у тій тяжкій атмосфері несвободи, переслідувань, а не в обіцяному раю майбутнього всесвітнього щастя. Вони розкривали повсякденні героїзм подолання незліченних труднощів, принижень, нелюдяності, стверджували справжні цінності – доброту та любов до ближнього, віру, стійкість духу.

Пейзажі К. Н. Істоміна, В. А. Коротєєва, А. І. Морозова, О. А. Соколової, Б. Ф. Рибченкова - ліричні, індустріальні, міські, наповнені глибоким почуттям, філософськими роздумами. Навіть натюрморти М. М. Синякової-Уречіної, А. Н. Козлова, І. Н. Попова напрочуд цікаві і несуть у собі думки про долю та час. Портрет - найяскравіший і значний у творчості Є. М. Бєлякової, Д. Є. Гуревич, Л. Я. Зевіна, К. К. Зефірова, Є. П. Левіної-Розенгольц, А. І. Рубльової, Р. А. Флоренської, багатьох інших майстрів. Це переважно портрети близьких людей, рідних. Вони, зазвичай, передається відчуття глибокого контакту портретованого і художника. Вони з великою силою розкривають внутрішні пласти духовного життя. Нерідко художники тих років зверталися до біблійних сюжетів. Можливо, вони намагалися осмислити епоху та її дії крізь призму загальнолюдських цінностей (Л. Ф. Жегін, З. М. Романович, М. До. Соколов).

В останні роки твори цих, свого часу офіційно не визнаних художників, показуються на багатьох виставках. Вийшовши з підпілля, вони відтіснили картини офіційного плану, завдяки високій мистецькій досконалості, потужній духовній енергії, яка в них таїться, почуттю істинності, яке вони пробуджують у глядача. Це роботи художників Р.М. , Г. І. Рубльова, Н. В. Синезубова, Н. Я. Симонович-Єфимової, Н. А. Удальцової, А. В. Щипіцина, Р. А. Флоренської та інших.

справжня виставка дає великий матеріал для роздумів, ставить багато проблем, які потребують подальшого детального дослідження. Вона порушує і найважливіше питання подальшої долі мистецтва Москви як єдиного цілого. Москва, потужний генератор художніх ідей, школа мистецтва і педагогіки, музейний центр країни, нині немає можливості педстать перед глядачем у всьому своєму багатстві і цілісності. Вона багато років невпинно збагачує країну, поповнюючи музеї всіх регіонів творами своїх художників, віддає все, нічого не залишаючи собі. Чимало таких художників, твори яких повністю розійшлися різними музеями країни і зовсім не представлені у столиці.

Твори, експоновані на цій виставці, являють собою той матеріал, який може стати основою створення Московського художнього музею. Це його потенційний фонд. Але й він може зникнути безвісти, розійшовшись по різних музейних сховищах і приватних зборах. Москві необхідно подбати про створення свого музею і робити це негайно.

Л. І. Громова

Подробиці Категорія: Образотворче мистецтво та архітектура радянського періоду Розміщено 14.09.2018 13:37 Переглядів: 1845

З 1930-х років XX ст. офіційне мистецтво у Росії розвивалося у руслі соціалістичного реалізму. Різноманіттю художніх стилівбуло покладено край.

Нова епоха радянського мистецтва відрізнялася жорстким ідеологічним контролем та елементами пропаганди.
У 1934 р. на І Всесоюзному з'їзді радянських письменників Максим Горький сформулював основні засади соціалістичного реалізму як методу радянської літератури та мистецтва:

Народність.
Ідейність.
Конкретність.

Принципи соціалістичного реалізму як декларувалися, а й підтримувалися державою: державні замовлення, творчі відрядження митців, тематичні і ювілейні виставки, відродження монументального мистецтва як самостійного, т.к. воно відбивало «грандіозні перспективи розвитку соціалістичного суспільства».
Найбільш значними представниками станкового живопису цього періоду були Борис Йогансон, Сергій Герасимов, Аркадій Пластов, Олександр Дейнека, Юрій Піменов, Микола Кримов, Аркадій Рилов, Петро Кончаловський, Ігор Грабар, Михайло Нестеров, Павло Корін та ін. Деяким художникам ми.

Борис Володимирович Йогансон (1893-1973)

Б. Йогансон. Автопортрет

Один із провідних представників соціалістичного реалізму у живопису. Працював у традиціях російського живопису ХІХ ст., але вніс у свої твори «новий революційний зміст, співзвучний епосі».
Він був також викладачем живопису, директором Державної Третьяковської галереї у 1951-1954 рр., Першим секретарем Спілки художників СРСР, головним редактором енциклопедії «Мистецтво країн та народів світу», мав безліч державних нагород та звань.
Особливо відомі дві його картини: «Допитування комуністів» і «На старому уральському заводі» (1937).

Б. Йогансон «Допитування комуністів» (1933). Полотно, олія. 211 x 279 см. Державна Третьяковська галерея(Москва)
Історія створення картини у разі необхідна усвідомлення її ідеї. «Мене особисто переслідувала ідея зіставлення класів, бажання висловити у живописі непримиренні класові протиріччя.
Білогвардійщина – це особливий наріст в історії, це зброд, де змішалися і залишки старого офіцерства, і спекулянти військовій форміі відверті бандити, і мародери війни. Яким яскравим контрастом цієї банди були наші військові комісари, комуністи, які були ідейними керівниками та захисниками своєї соціалістичної вітчизни та трудового народу. Виразити цей контраст, зіставити його було моїм творчим завданням» (Б. Йогансон).
Один білогвардійський офіцер сидить у золоченому кріслі спиною до глядача. Інші білі офіцери звернені обличчям. Для посилення драматичного ефекту митець дає штучне нічне висвітлення. Фігура конвойного поміщена у верхній темний край лівого кута і є трохи помітним силуетом. У правому кутку – вікно з портьєрою, через нього ллється додаткове нічне світло.
Комуністи перебувають наче на піднесенні порівняно з білогвардійцями.
Комуністи – дівчина та робітник. Вони стоять поруч і спокійно дивляться в обличчя своїх ворогів, їхнє внутрішнє хвилювання приховано. Молоді комуністи символізують новий тип радянських людей.

Сергій Васильович Герасимов (1885-1964)

С. Герасимов. Автопортрет (1923). Полотно, олія. 88 x 66 см. Харківський художній музей (Харків, Україна)
Російський художник, представник російського імпресіонізму, що особливо проявився в його пейзажах. Він створив також низку еталонних соцреалістичних картин.

С. Герасимов «Весна. Березень". Полотно, олія
В історичному жанрі найвідоміша його робота – «Клятва сибірських партизанів».

З. Герасимов «Клятва сибірських партизанів» (1933). Полотно, олія. 173 x 257 см. Державний Російський музей (Петербург)
Картина сувора за змістом, але виразна та експресивна. У ній чітка композиція та ідейна спрямованість.
Жанрова картина С. Герасимова «Колгоспне свято» (1937) вважається одним із найзначніших творів радянського мистецтва 30-х років XX ст.

С. Герасимов "Колгоспне свято" (1937). Полотно, олія. 234 x 372 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)
Одним із найвідоміших мальовничих полотен про війну стала картина С. Герасимова «Мати партизана».

С. Герасимов "Мати партизана" (1943-1950). Полотно, олія. Державна Третьяковська галерея (Москва)
Сам художник говорив про задум картини так: «Я хотів показати її образ всіх матерів, які відправили на війну своїх синів».
Жінка тверда у своїй правоті, вона втілює велику силу народного гніву. Вона страждає, але це страждання гордої, сильної людини, тому обличчя її здається спокійним у цю трагічну хвилину.

Аркадій Олександрович Пластов (1893-1972)

Бендель. Портрет художника Пластова

Художника А. Пластова називають «співаком радянського селянства». Усі його жанрові картинистворені на тлі краєвид. Російська природа у художника завжди лірична та одушевлена. Його картини відрізняються поетичною виразністю та практично безконфліктністю.

А. Пластов «Перший сніг» (1946)
Художник зобразив невеликий фрагмент із сільського життя. На порозі дерев'яного будинку двоє селянських дітей, швидше за все, сестра та брат. Прокинувшись уранці, вони побачили снігопад і вибігли на ґанок. Жовту теплу шаль дівчинка навіть не встигла зав'язати, тільки накинула на легку домашню сукню і сунула ноги у валянки. Діти з подивом та захопленням дивляться на перший сніг. І ця радість, це дитяче захоплення красою природи передається глядачам.
Пластов - переконаний реаліст. Пошуки чогось абсолютно нового та небаченого були йому чужі. Він жив у світі та милувався його красою. Пластов вважав: головне для художника – побачити цю красу та передати її на полотні. Не треба писати красиво, треба писати правду, і вона буде прекрасніша за будь-які фантазії.

А. Пластов «Золота галявина» (1952). Полотно, олія. 57 x 76 см. Державний музей-заповідник «Ростовський Кремль»

А. Пластов «Сінокос» (1945). Полотно, олія. 193 x 232 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)
Художник створив серію картин про Велику Вітчизняну війну. Полотно «Фашист пролетів» наповнене трагізмом, воно вважається шедевром радянського мистецтва військового та післявоєнного періоду.

А. Пластов "Фашист пролетів" (1942). Полотно, олія. 138 x 185 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)
Художник А. Дейнека продовжує працювати над своїми улюбленими темами.

Юрій Іванович Піменов (1903-1977)

Відомий як живописець, театральний художник, сценограф та графік, плакатист, педагог.
Найвідоміша його картина – «Нова Москва».

Ю. Піменов "Нова Москва" (1937). Полотно, олія. 140 × 170 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)
Написано у розпал реконструкції столиці. Жінка за кермом – досить рідкісне явище для тих літ. Це символ нового життя. Незвичайно і композиційне рішення: зображення схоже на кадр фотоапарата Жінка показана зі спини, і цей ракурс запрошує глядача подивитися на ранкове місто її очима. Створюється відчуття радості, свіжості та весняного настрою. Цьому сприяє імпресіоністська манера письма художника та ніжний колорит картини. Картина перейнята оптимістичним світовідчуттям, характерним на той час.
Цей прийом художник використовував і під час написання картини «Фронтова дорога». Емоційний зміст картини побудовано на контрасті між чином мирної, мінливої ​​Москви і розграбованого і зруйнованого внаслідок фашистської навали міста, зображеного на картині «Фронтова дорога».

Ю. Піменов «Фронтова дорога» (1944)
У ранній період творчості Піменов зазнав впливу німецького експресіонізму, що багато в чому пояснює драматичну гостроту кращих його картин цих років: «Інваліди війни», «Даєш важку індустрію!» (1927), "Солдати переходять на бік революції" (1932). Поступово він перейшов до імпресіонізму, дотримуючись творчого принципу «прекрасної миті».

Ю. Піменов "Інваліди війни" (1926). Державний Російський музей (Петербург)

Георгій Григорович Ніський (1903-1987)

Георгій Ніський у цей період активно займається пейзажною творчістю. Його картини відрізняються мальовничим лаконізмом, динамікою, яскравими композиційними та ритмічними рішеннями. Природа у художника завжди перетворена людськими руками.

Г. Ніський «Осінь. Семафори» (1932)

Г. Ніський «Підмосков'я. Лютий» (1957). Полотно, олія. Державна Третьяковська галерея (Москва)
До пейзажистів старшого покоління належать Миколи Кримова.

Микола Петрович Кримов (1884-1958)

Микола Кримів (1921)
Н.П. Кримов народився в сім'ї художника-передвижника, тому початковий напрямок його творчості був таким самим. У роки навчання (1905-1910) схилявся до імпресіоністичного зображення природи, ніжні пастельні тони та легкі мазки надавали його полотнам одухотвореного та невагомого вигляду. У 20-ті роки став прихильником російського реалістичного живопису.

Н.П. Кримів «Ранок у Центральному парку культури та відпочинку ім. М. Горького у Москві» (1937). Полотно, олія. 81 x 135 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)
Останній період творчості живописця пов'язаний із річкою Ока та невеликим містом Таруса, куди Кримів приїхав погостювати. Він був зачарований місцевими краєвидами та річкою Окою, яка «дихала свободою».

Н. Кримів «Вулиця в Тарусі» (1952)
Відображенням любові до Тарус стали картини «Перед сутінками», «Поліново. Річка Ока» та низка інших. У художника багато зимових краєвидів.

Н. Кримів «Зима. Дахи» (1934)

Аркадій Олександрович Рилов (1870-1939)

А. Рилов. Автопортрет із білкою (1931). Папір, туш, італійський олівець. Державна Третьяковська галерея (Москва)

Російський та радянський живописець-пейзажист, графік та педагог.
Найвідомішою його картиною є «Ленін у Розливі».

А. Рилов В.І. Ленін у Розливі 1917 р.» (1934). Полотно, олія. 126,5 × 212 см. Державний Російський музей (Петербург)
Це один із найкращих творів художника в його пізній період творчості. У цій картині художник поєднує пейзаж із історичним жанром. Перебування Леніна в Розливі влітку 1917 р. – один із основних сюжетів ленінської теми у радянському образотворчому мистецтві. У пейзажі та в динамічній фігурі вождя відчувається хвилювання та напруженість моменту. По небу мчать хмари, вітер гне могутні дерева, у боротьбі проти цих природних сил постать Леніна прямує назустріч вітру з твердою рішучістю здобути перемогу в ім'я майбутнього.
Бурхливе озеро та тривожне небо символізують бурю. На землю спускаються сутінки. Ленін, нічого цього не помічаючи, напружено вдивляється в далечінь. Таке трактування образу вождя – ідеологічне замовлення радянської доби.
Активно розвивається у цей час радянський портретний жанр, у якому найяскравіше виявляють себе Петро Кончаловський, Ігор Грабар, Михайло Нестеров.

П. Кончаловський. Портрет композитора Сергія Сергійовича Прокоф'єва (1934). Полотно, олія. 181 x 140,5 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)

П. Кончаловський. Портрет В.Е. Мейєрхольда (1938). Полотно, олія. 211 x 233 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)
У період масових репресій, незадовго до арешту та загибелі Мейєрхольда, П. Кончаловський створив портрет цього видатного театрального діяча. 7 січня 1938 р. Комітет у справах мистецтв прийняв ухвалу про ліквідацію Державного театруімені Мейєрхольда.
Конфлікт особистості з довкіллям художник передав через складне композиційне рішення. На полотні зображено не мрійник, а людина, чия доля висить на волосині, і вона це знає. Через зіставлення яскравого килима, густо вкритого орнаментом, та монохромної фігури режисера Кончаловський розкриває трагічний образ режисера-реформатора.

І. Грабар. Портрет академіка Н.Д. Зелінського (1935). Полотно, олія. 95 x 87 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)

І. Грабар. Портрет Володимира Івановича Вернадського (1935)

Павло Дмитрович Корін (1892-1967)

Павло Корін (1933)
Російський та радянський живописець, монументаліст, майстер портрета, реставратор та педагог, професор.
Виховувався у Палесі та починав з писання ікон. Навчався в Московському училищі творення та архітектури, згодом став одним із найважливіших майстрів раннього радянського портрета, створив цілу галерею портретів інтелігентів свого часу.
Для творів цього художника характерна монументальність, сувора гама, чітко виліплені форми.
Найбільш відомі роботи П. Коріна: триптих «Олександр Невський», портрети Георгія Жукова та Максима Горького.

П. Корін. Триптих «Олександр Невський»
Триптих був замовлений художнику у році Великої Вітчизняної війни, коли тема протистояння загарбнику була центральною у мистецтві.
У лівій та правій частині триптиха солдати збираються на війну. Їх проводжають жінки: стара мати, дружина, що тримає на руках маленьку дитину. Вони, а також рідна земля потребують захисту.

Посередині – образ воїна. Олександр Невський у далекі часи зупинив німецьких лицарів, тому він може надихнути захисників на війну із фашистськими загарбниками. Його постать монументальна - це пам'ять про російських богатирів. Прапор з обличчям Христа нагадує святість руської землі. Він стоїть, спираючись на меч, - вороги повинні загинути від меча, з яким прийшли.
За його спиною – рідна земля, яку треба захистити.
Тематичним картинам і портретам у виконанні майстра властиві одухотвореність та зібраність образів, строгість композиції та малюнка.
Інтерес до творчим особистостям уражає атмосфери цього періоду.