هنرمندان خارجی قرن نوزدهم: درخشان ترین چهره های هنرهای زیبا و میراث آنها. نقاشی اروپایی هنرمندان اروپای غربی قرن نوزدهم

روندهای نقاشی قرن نوزدهم با روندهای قرن قبل ارتباط تنگاتنگی دارد. در آغاز قرن، جهت پیشرو در بسیاری از کشورها بود. این سبک که در قرن هجدهم شروع شد، به رشد خود ادامه داد، علاوه بر این، در کشورهای مختلفتوسعه آن فردی بود.

کلاسیک گرایی

هنرمندانی که در این راستا کار کردند دوباره به تصاویر دوران باستان روی می آورند. با این حال، آنها از طریق موضوعات کلاسیک سعی در بیان احساسات انقلابی دارند - میل به آزادی، میهن پرستی، هماهنگی بین انسان و جامعه. نماینده روشنکلاسیک انقلابی هنرمند لوئیس دیوید بود. درست است، با گذشت زمان، کلاسیک گرایی به سمتی محافظه کارانه تبدیل شد که مورد حمایت دولت قرار گرفت، به این معنی که بی چهره شد و توسط سانسور از بین رفت.

شکوفایی بسیار درخشان نقاشی در قرن نوزدهم در روسیه مشاهده شد. در این زمان، بسیاری از سبک ها و روندهای جدید در اینجا شکل گرفت. مشابه کلاسیک گرایی در روسیه آکادمیزم بود. این سبک دارای ویژگی های سبک کلاسیک اروپایی بود - جذابیت به تصاویر دوران باستان، مضامین عالی، ایده آل سازی تصاویر.

رمانتیسم

در اوایل دهه 30 قرن نوزدهم، رمانتیسیسم در تقابل با کلاسیک گرایی ظاهر شد. در جامعه آن زمان زیاد بود نقاط عطف. هنرمندان به دنبال انتزاع از واقعیت ناخوشایند بودند و دنیای ایده آل خود را خلق کردند. با این وجود، رمانتیسیسم یک جریان مترقی در زمان خود به حساب می آید، زیرا آرزوی هنرمندان رمانتیک انتقال ایده های اومانیسم و ​​معنویت بود.

این یک روند بزرگ است که در هنر بسیاری از کشورها منعکس شده است. معنای آن تعالی مبارزات انقلابی، ایجاد قوانین جدید زیبایی، نقاشی تصاویر نه تنها با قلم مو، بلکه با قلب است. احساسات در اینجا حرف اول را می زند. رمانتیسم با معرفی تصاویر تمثیلی در یک طرح بسیار واقعی، یک بازی ماهرانه کیاروسکورو مشخص می شود. نمایندگان این روند فرانسیسکو گویا، یوجین دلاکروا، روسو بودند. در روسیه، آثار کارل بریولوف به عنوان رمانتیسم طبقه بندی می شود.

واقع گرایی

وظیفه این جهت تصویری از زندگی بود که هست. هنرمندان رئالیست به تصاویر مردم عادی روی آوردند که ویژگی اصلی آثار آنها نقادی و حداکثر حقیقت است. آنها با جزئیات پارگی ها و سوراخ های لباس های مردم عادی، چهره های مردم عادی را که از رنج و عذاب تحریف شده بودند و بدن های کلفت بورژوازی را به تصویر می کشیدند.

پدیده جالب قرن نوزدهم مدرسه هنرمندان باربیزون بود. این اصطلاح چندین استاد فرانسوی را متحد کرد که سبک متفاوت خود را توسعه دادند. اگر در جهت های کلاسیک و رمانتیسیسم طبیعت روش های مختلفایده آل شد، سپس باربیزون ها به دنبال به تصویر کشیدن مناظر از طبیعت بودند. در تصاویر آنها - تصاویر طبیعت بومی، و مردم سادهدر این زمینه اکثر هنرمندان مشهورباربیزون ها تئودور روسو، ژول دپرز، ورجیل لا پنیا، ژان فرانسوا میله، چارلز دوبینی هستند.

ژان فرانسوا میله

خلاقیت باربیزون ها تحت تأثیر قرار گرفت پیشرفتهای بعدینقاشی قرن 19. اولاً هنرمندان این گرایش در تعدادی از کشورها از جمله روسیه پیروانی دارند. ثانیاً، باربیزونی ها به ظهور امپرسیونیسم انگیزه دادند. آنها اولین کسانی بودند که در هوای آزاد نقاشی کردند. در آینده، سنت به تصویر کشیدن مناظر واقعی توسط امپرسیونیست ها انتخاب شد.

این مرحله نهایی در نقاشی قرن نوزدهم شد و در یک سوم پایانی قرن افتاد. هنرمندان امپرسیونیست حتی انقلابی تر به تصویر واقعیت نزدیک شدند. آنها به دنبال انتقال نه خود طبیعت و نه تصاویر با جزئیات، بلکه تصوری بودند که این یا آن پدیده ایجاد می کند.

امپرسیونیسم پیشرفتی در تاریخ نقاشی بود. این دوره تکنیک های جدید و آثار هنری بی نظیری را به دنیا داد.

کثرت جهت های هنریدر قرن 19 نتیجه یک روند مدرنیزاسیون بود. زندگی هنری جامعه اکنون نه تنها با دستورات کلیسا و مد محافل دربار تعیین می شد. تغییر دادن ساختار اجتماعیمنجر به تغییر درک هنر در جامعه شد: اقشار اجتماعی جدید ثروتمندان و مردم تحصیل کردهکه قادرند به طور مستقل آثار هنری را ارزیابی کنند و فقط بر نیاز به سلیقه تمرکز کنند. دقیقا به قرن نوزدهمشروع به شکل گرفتن می کند فرهنگ توده ای; روزنامه ها و مجلات از شماره به شماره، که رمان های طولانی با طرحی سرگرم کننده چاپ می کردند، به نمونه اولیه سریال های تلویزیونی در هنر قرن بیستم تبدیل شدند.

در نیمه اول قرن 19در اروپا در حوزه برنامه ریزی شهری بی سابقه بود. اکثر پایتخت های اروپایی - پاریس، سن پترزبورگ، برلین - ظاهر مشخص خود را به دست آورده اند. در مجموعه های معماری خود نقش ساختمان های عمومی. برج معروف ایفل که در سال 1889 برای افتتاحیه نمایشگاه جهانی ساخته شد، به نماد پاریس تبدیل شده است. برج ایفل توانایی های فنی یک ماده جدید - فلز را نشان داد. با این حال، راه حل اصلی هنری بلافاصله به رسمیت شناخته نشد، برج به نام هیولا نامیده شد تا تخریب شود.

نئوکلاسیک در نیمه اول قرن نوزدهم. اواخر دوران اوج را تجربه کرد، اکنون نام امپراتوری (از فرانسوی "امپراتوری") را دریافت کرده است، این سبک عظمت امپراتوری ایجاد شده توسط ناپلئون را بیان می کند. در اواسط قرن، مشکل اصلی معماری اروپایی جستجوی سبک بود. با توجه به اشتیاق عاشقانه به دوران باستان، بسیاری از استادان تلاش کردند تا سنت های معماری گذشته را احیا کنند - اینگونه بود که نئوگوتیک، نئو رنسانس، نئوباروک به وجود آمد. تلاش های معماران اغلب به التقاط - اتصال مکانیکی عناصر منجر شد سبک های متفاوت، قدیمی با جدید.

AT زندگی هنریاولین نیمه نوزدهمقرن، رمانتیسم غالب شد، که نشان دهنده ناامیدی در ایدئولوژی روشنگری است. رمانتیسم به یک جهان بینی و شیوه زندگی خاص تبدیل شده است. ایده آل رمانتیکشخصیتی که جامعه آن را درک نمی کند، شیوه رفتار اقشار بالای آن را شکل می دهد. رمانتیسم با تقابل دو جهان مشخص می شود: واقعی و خیالی. واقعیت را بی روح، غیر انسانی، نالایق و مخالف با او می دانند. «نثر زندگی» دنیای واقعی در تقابل با دنیای «واقعیت شاعرانه»، دنیای آرمان ها، رویاها و امیدها قرار می گیرد. رمانتیسم با دیدن دنیای رذیلت ها در واقعیت معاصر سعی می کند برای انسان راهی بیابد. این خروج در عین حال خروج از جامعه است گزینه های مختلف: قهرمان به درون خودش می رود دنیای درونی، فراتر از محدوده فضای واقعی و مراقبت در زمانی دیگر. رمانتیسیسم شروع به ایده آل کردن گذشته، به ویژه قرون وسطی می کند و در آن واقعیت، فرهنگ و ارزش ها را مانند سرما می بیند.

مقدر بود که یوژن دلاکروا (1798-1863) رئیس رمانتیسم فرانسوی در نقاشی شود. تخیل پایان ناپذیر این هنرمند دنیایی کامل از تصاویر را خلق کرد که با زندگی شدید و پر از مبارزه و شور خود هنوز بر روی بوم زنده هستند. دلاکروا اغلب انگیزه هایی را از آثار ویلیام شکسپیر، یوهان ولفگانگ گوته، جورج بایرون، والتر اسکات می گرفت، به وقایع انقلاب فرانسه روی آورد، قسمت های دیگر. تاریخ ملی("نبرد پواتیه"). دلاکروا تصاویر متعددی از مردم شرق، عمدتاً الجزایری ها و مراکشی ها، که در سفر خود به آفریقا دیده بود، به ثبت رساند. دلاکروا در کشتار جزیره خیوس (1824) مبارزات یونانیان علیه حکومت ترکیه را منعکس کرد که پس از آن همه اروپا را نگران کرد. گروه یونانیان اسیر رنج کشیده در پیش‌زمینه تصویر، که در میان آنها زنی پریشان از غم و اندوه دیده می‌شود، و کودکی که به سینه مادر مرده می‌خزد، هنرمند با چهره‌های متکبر و بی‌رحم مجازات‌کنندگان مقابله می‌کند. شهر ویران شده ای در حال سوختن از دور دیده می شود. این تصویر با قدرت نفس گیر رنج انسان، و با رنگ آمیزی غیرمعمول جسورانه و پر صدا، معاصران را تحت تاثیر قرار داد.

وقایع انقلاب ژوئیه 1830، که با شکست انقلاب و احیای سلطنت به پایان رسید، دلاکروا را برانگیخت تا به طور گسترده ای خلق کند. نقاشی معروف"آزادی بر روی موانع" (1830). زنی که پرچم سه رنگ جمهوری فرانسه را برافراشته است نشان دهنده آزادی است. تصویر آزادی بر روی سنگرها 0 شخصیت مبارزه.

هنرمند اسپانیایی فرانسیسکو گویا (1746-1828) یکی از نمایندگان مشهور رمانتیسم بود.گویا نسبتاً دیر به یک هنرمند بزرگ تبدیل شد. اولین موفقیت چشمگیر برای او دو سری (1776-1791) از ملیله های متعدد ایجاد شده برای کارخانه سلطنتی سانتا باربارا در مادرید ("چتر"، "نوازنده گیتاریست نابینا"، "فروشنده ظروف"، "بلوف مرد نابینا"، "عروسی" به ارمغان آورد. "). در دهه 90. قرن هجدهم در آثار گویا، ویژگی های تراژدی، خصومت با اسپانیای فئودالی-روحانی "نظم قدیمی" در حال رشد است. زشتی بنیان‌های اخلاقی، معنوی و سیاسی گویا به شکلی غم‌انگیز-تراژیک، با تغذیه از منابع فولکلور، در یک سری بزرگ قلم‌زنی «کاپریچوس» (۸۰ برگ با نظرات هنرمند) آشکار می‌شود. تازگی جسورانه زبان هنری، بیان تند خطوط و ضربه ها، تضاد نور و سایه، ترکیب گروتسک و واقعیت، تمثیل و خیال، طنز اجتماعی و تحلیل هوشیارانه واقعیت راه های جدیدی را برای توسعه گشوده است. از حکاکی اروپایی در دهه 1790 - اوایل دهه 1800، پرتره گویا به شکوفایی استثنایی رسید، که در آن احساس اضطرابی از تنهایی (پرتره سنورا برمودز)، رویارویی شجاعانه و چالش با محیط (پرتره F. Guimardet)، رایحه رمز و راز و احساسی پنهان بود. ("ماجا لباس پوشیده "و" ماها برهنه"). این هنرمند با نیروی باور شگفت انگیز، غرور، افتضاح جسمی و روحی خانواده سلطنتی را در پرتره گروهی "خانواده چارلز چهارم" به تصویر کشید. تاریخ گرایی عمیق، اعتراض پرشور آغشته شده است نقاشی های بزرگگویاها به مبارزه علیه مداخله فرانسه اختصاص داده شده است ("قیام 2 مه 1808 در مادرید"، "اعدام شورشیان در شب 3 مه 1808")، مجموعه ای از حکاکی هایی که به طور فلسفی سرنوشت مردم را درک می کند. بلایای جنگ» (82 برگ، 1810-1820).

فرانسیسکو گویا "کاپریچوس"

اگر در ادبیات، ذهنیت ادراک هنرمند با نمادگرایی کشف می شود، در نقاشی نیز کشف مشابهی توسط امپرسیونیسم انجام می شود. امپرسیونیسم (از فرانسوی Impression - Impression) گرایشی در نقاشی اروپایی است که در اواسط قرن نوزدهم در فرانسه آغاز شد. امپرسیونیست ها از هرگونه جزئیات در نقاشی اجتناب می کردند و سعی می کردند تصور کلی از آنچه چشم در یک لحظه خاص می بیند را به تصویر بکشند. آنها با کمک رنگ و بافت به این اثر دست یافتند. مفهوم هنری امپرسیونیسم مبتنی بر میل به تسخیر طبیعی و طبیعی جهان پیرامون در تغییرپذیری آن و انتقال تأثیرات زودگذر آن بود. زمین حاصلخیز برای توسعه امپرسیونیسم توسط هنرمندان مکتب باربیزون آماده شد: آنها اولین کسانی بودند که طرح هایی را از طبیعت نقاشی کردند. اصل "نقاشی آنچه در میان نور و هوا می بینید" اساس نقاشی هوای ساده امپرسیونیست ها را تشکیل داد.

در دهه 1860، نقاشان ژانر جوان E. Manet، O. Renoir، E. Degas سعی کردند با طراوت و بی‌واسطگی مشاهده زندگی، به تصویر کشیدن موقعیت‌های آنی، بی‌ثباتی و عدم تعادل فرم‌ها و ترکیب‌بندی‌ها، زوایای و دیدگاه‌های غیرمعمول به نقاشی فرانسوی القا کنند. کار کنید بیرون از خانهبه ایجاد احساس برف درخشان، غنای رنگ های طبیعی، انحلال اشیاء در محیط، ارتعاش نور و هوا روی بوم ها کمک کرد. توجه ویژه نقاشان امپرسیونیستبه رابطه شی با محیط، تحقیق در مورد تغییر رنگ و تن شی در یک محیط در حال تغییر داده شد. برخلاف رمانتیک ها و رئالیست ها، آنها دیگر تمایلی به به تصویر کشیدن گذشته تاریخی نداشتند. مدرنیته حوزه مورد علاقه آنها بود. زندگی کافه های کوچک پاریس، خیابان های پر سر و صدا، سواحل زیبای رود سن، ایستگاه های راه آهن، پل ها، زیبایی نامحسوس مناظر روستایی. هنرمندان دیگر حاضر نیستند به مشکلات حاد اجتماعی دست بزنند.

کار ادوارد مانه (1832-1883) یک جهت جدید در نقاشی - امپرسیونیسم را پیش بینی کرد ، اما خود هنرمند به این جنبش نپیوست ، اگرچه او تحت تأثیر امپرسیونیست ها تا حدودی نظر خود را تغییر داد. شیوه خلاقانه. مانه برنامه خود را اینگونه اعلام کرد: "زمان خود را زندگی کنید و آنچه را که در مقابل خود می بینید به تصویر بکشید و زیبایی و شعر واقعی را در مسیر روزمره زندگی کشف کنید." در عین حال، در بیشتر آثار مانه هیچ اکشنی وجود نداشت، حتی یک طرح داستانی حداقلی. پاریس به انگیزه ای ثابت برای کار مانه تبدیل می شود: جمعیت شهر، کافه ها و تئاترها، خیابان های پایتخت.

ادوار مانه «بار در فولیس برگر»

ادور مانه "موسیقی در تویلری"

خود نام امپرسیونیسم منشأ خود را مدیون چشم انداز کلود مونه (1840-1926) است. طلوع خورشید".

در کار مونه، عنصر نور نقش اصلی را به دست آورد. تا دهه 70. قرن 19 یکی از آنها بلوار شگفت انگیز کاپوسین ها است، جایی که ضربات قلم مو پرتاب شده روی بوم، هم چشم انداز دوردست یک خیابان شلوغ، هم جریان بی پایانی از کالسکه هایی که در امتداد آن حرکت می کنند و هم جمعیتی شاد و شاد را نشان می دهد. او نقاشی های بسیاری را با موضوع مشاهدات یکسان، اما با نور متفاوت کشید. مثلاً انبار کاه در صبح، ظهر، عصر، زیر نور مهتاب، زیر باران و غیره.

بسیاری از دستاوردهای امپرسیونیسم با کار پیر آگوست رنوار (1841-1919) مرتبط است که به عنوان "نقاش شادی" وارد تاریخ هنر شد. او واقعاً در نقاشی هایش خلق می کرد دنیای خاصزنان فریبنده و کودکان آرام، طبیعت شاد و گل های زیبا. رنوار در طول زندگی خود مناظر نقاشی می کرد، اما حرفه او تصویر یک مرد باقی ماند. او عاشق کشیدن نقاشی بود ژانر نقاشی، جایی که با نشاط شگفت انگیز شلوغی خیابان ها و بلوارهای پاریس، بیکاری کافه ها و تئاترها، سرزندگی پیاده روی های روستایی و تعطیلات در فضای باز را بازسازی کرد. همه این نقاشی‌ها که در فضای باز نقاشی شده‌اند، با صدایی رنگ متمایز می‌شوند. تابلوی "Moulin de la Galette" (توپ محلی در باغ تالار رقص مونمارتر) شاهکاری از امپرسیونیسم رنوار است. ریتم پر جنب و جوش رقص، چشمک زدن چهره های جوان را حدس می زند. هیچ حرکت ناگهانی در ترکیب وجود ندارد و حس پویایی با ریتم لکه های رنگی ایجاد می شود. سازماندهی فضایی تصویر جالب است: پیش زمینه از بالا نشان داده شده است، چهره های نشسته رقصندگان را مبهم نمی کند. پرتره های متعددی تحت سلطه کودکان و دختران جوان است، در این پرتره ها مهارت او آشکار شد: "پسر با گربه"، "دختری با یک فن".

یک شرکت کننده فعال در همه نمایشگاه ها، ادگار دگا (1834 - 1917)، از تمام اصول امپرسیونیست ها دور بود: او مخالف هوای عادی بود، از طبیعت نقاشی نمی کرد، به دنبال تسخیر طبیعت ایالت های مختلف نبود. از طبیعت. جایگاه قابل توجهی در آثار دگا توسط مجموعه ای از نقاشی ها که بدن برهنه زن را به تصویر می کشد اشغال می کند. بسیاری از نقاشی‌های او در سال‌های اخیر به «زن در توالت» اختصاص دارد. در بسیاری از آثار، دگا رفتار و ظاهر مشخص مردم را نشان می دهد که بر اثر ویژگی های زندگی آنها ایجاد می شود، مکانیسم یک ژست حرفه ای، وضعیت بدن، حرکت انسان، زیبایی پلاستیکی خود را نشان می دهد ("آت کن ها"، "لباس های کتانی"). در تأیید اهمیت زیبایی‌شناختی زندگی مردم، فعالیت‌های روزمره آنها، انسان‌گرایی عجیب آثار دگا منعکس می‌شود. هنر دگا در ترکیب زیبایی، گاهی خارق‌العاده و عروضی ذاتی است: انتقال در بسیاری از موارد صحنه های بالهروح جشن تئاتر ("ستاره باله"، "مدرسه باله"، "درس رقص").

پست امپرسیونیسم از سال 1886، زمانی که آخرین نمایشگاه امپرسیونیست ها برگزار شد، که اولین آثار نئو امپرسیونیست ها را به نمایش گذاشت، تا دهه 1910 را در بر می گیرد، که منادی تولد یک هنر کاملاً جدید در اشکال کوبیسم و ​​فوویسم بود. اصطلاح «پست امپرسیونیسم» توسط راجر فرای منتقد انگلیسی معرفی شد و بیانگر برداشت کلی از نمایشگاه هنر معاصر او در لندن در سال 1910 بود. هنر فرانسویکه آثاری از ون گوگ، تولوز لوترک، سورات، سزان و هنرمندان دیگر را به نمایش گذاشت.

پست امپرسیونیست ها، که بسیاری از آنها قبلاً به امپرسیونیسم پیوسته بودند، شروع به جستجوی روش هایی برای بیان نه تنها لحظه ای و گذرا کردند - هر لحظه آنها شروع به درک حالات دراز مدت جهان اطراف خود کردند. پست امپرسیونیسم با ویژگی های متفاوتی مشخص می شود سیستم های خلاقو تکنیک هایی که بر توسعه بعدی تأثیر گذاشتند هنرهای تجسمی. آثار ون گوگ ظهور اکسپرسیونیسم را پیش بینی می کرد، گوگن راه را برای هنر نو هموار کرد.

وینسنت ون گوگ (1853-1890) با ترکیب (ترکیب) طراحی و رنگ، زنده ترین تصاویر هنری را خلق کرد. تکنیک ون گوگ نقطه، کاما، خطوط عمودی، نقاط جامد است. جاده‌ها، تخت‌ها و شیارهایش واقعاً به دوردست‌ها می‌چرخند و بوته‌ها مانند آتش روی زمین می‌سوزند. او نه یک لحظه تسخیر شده، که تداوم لحظه ها را به تصویر می کشد. او نه این اثر درخت خمیده شده توسط باد، بلکه رشد یک درخت از زمین را به تصویر کشید. ون گوگ می دانست چگونه همه چیز را تصادفی به کیهانی تبدیل کند. روح ون گوگ خواستار رنگهای روشن بود، او دائماً از برادرش در مورد عدم استحکام حتی رنگ زرد روشن مورد علاقه خود شکایت می کرد.

شب پر ستاره اولین تلاش ون گوگ برای به تصویر کشیدن آسمان شب نبود. در سال 1888 در آرل، شب پرستاره را بر فراز رون نقاشی کرد. ون گوگ می خواست شب پر ستاره را به عنوان نمونه ای از قدرت تخیل به تصویر بکشد، که می تواند طبیعت شگفت انگیزتری از آنچه ما می توانیم با نگاه کردن به دنیای واقعی درک کنیم ایجاد کند.

افزایش درک واقعیت و عدم تعادل روانی ون گوگ را به سمت بیماری روانی سوق می دهد. گوگن می آید تا در آرل بماند، اما اختلافات خلاقانه باعث نزاع می شود. ون گوگ لیوانی به سر هنرمند پرتاب می کند، سپس پس از اعلام تمایل گوگن مبنی بر ترک، خود را با تیغ به سمت او پرتاب می کند. در غروب همان روز، هنرمند در حالت جنون، گوش خود را برید ("خود پرتره با گوش بانداژ شده").

کار پل گوگن (1848-1903) از او جدایی ناپذیر است سرنوشت غم انگیز. مهمترین چیز در مفهوم سبک گوگن، درک او از رنگ بود. در مورد تاهیتی، جایی که این هنرمند در سال 1891 آنجا را ترک کرد، تحت تأثیر اشکال ابتدایی هنر پولینزی، او نقاشی هایی را نقاشی کرد که با تزئینات، فرم های تخت و رنگ های فوق العاده خالص متمایز می شوند. نقاشی "عجیب" گوگن - "آیا حسودی می کنی؟"، "نام او وایروماتی است"، "زنی که جنینی را در آغوش گرفته است" - نه آنقدر که منعکس کننده ویژگی های طبیعی اشیاء است که وضعیت عاطفی هنرمند و معنای نمادین آن را نشان می دهد. تصاویری که او تصور کرد ویژگی سبک نقاشی گوگن یک جلوه تزئینی برجسته است، میل به نقاشی روی صفحات بزرگ بوم با یک رنگ، در عشق به تزئینات، که روی پارچه های لباس، روی فرش ها و در پس زمینه منظره وجود داشت.

پل گوگن "چه زمانی ازدواج کنیم" "زنی که جنینی را در آغوش گرفته است"

مهمترین دستاورد فرهنگ قرن نوزدهم. ظهور هنر عکاسی و طراحی است. اولین دوربین جهان در سال 1839 توسط لویی ژاک ماند داگر ساخته شد.

تلاش های اولیه داگر برای ساخت یک دوربین کارآمد ناموفق بود. در سال 1827 با ژوزف نیپس آشنا شد که او نیز در تلاش بود (و تا آن زمان به موفقیت کمی دست پیدا کرده بود موفقیت بیشتر) دوربین را اختراع کنید. دو سال بعد آنها شریک شدند. نیپس در سال 1833 درگذشت، اما داگر به کار سخت ادامه داد. در سال 1837 او سرانجام توانست پیشرفت کند سیستم عملیعکس، داگرئوتیپ نامیده می شود. تصویر (داگرئوتیپ) روی یک صفحه نقره ای با بخار ید به دست آمد. پس از قرار گرفتن در معرض برای 3-4 ساعت، صفحه در بخار جیوه ایجاد شد و با محلول داغ نمک معمولی یا هیپوسولفیت ثابت شد. داگرئوتیپ ها بسیار متفاوت بودند کیفیت بالاتصاویر، اما فقط یک عکس می توان گرفت.

در سال 1839 داگر اختراع خود را منتشر کرد اما حق اختراع ثبت نکرد. در پاسخ، دولت فرانسه به او و پسر نیپس مستمری مادام العمر اعطا کرد. اعلام اختراع داگر شور و هیجان زیادی ایجاد کرد. داگر قهرمان روز شد، شهرت به او رسید و روش داگرئوتیپ به سرعت کاربرد گسترده ای پیدا کرد.

توسعه عکاسی منجر به تجدید نظر شد اصول هنریگرافیک، نقاشی، مجسمه سازی، هنر تلفیقی و مستند که در سایر اشکال هنری قابل دستیابی نیست. اساس طراحی توسط نمایشگاه بین‌المللی صنعتی لندن در سال 1850 گذاشته شد.

لویی داگر، نیسیفور نیپس و دوربین ابسکورا نیپس

جوزف نیسفور نیپس. اولین عکس جهان که بر روی آلیاژ قلع و سرب گرفته شده است، 1826.

"استودیوی هنرمند" داگر، 1837

در دهه 1870، دو مخترع به نام‌های الیشا گری و الکساندر گراهام بل، به طور مستقل دستگاه‌هایی ساختند که می‌توانستند گفتار را از طریق الکتریسیته منتقل کنند، که بعداً آن را تلفن نامیدند. هر دوی آنها پتنت های مربوطه خود را به دفاتر ثبت اختراع ارسال کردند، تفاوت در پرونده ها فقط چند ساعت بود. با این حال، الکساندر گراهام بل) ابتدا این حق اختراع را دریافت کرد.

تلفن و تلگراف سیستم های الکتریکی مبتنی بر سیم هستند. موفقیت الکساندر بل، یا بهتر است بگوییم اختراع او، کاملاً طبیعی بود، زیرا او با اختراع تلفن، سعی در بهبود تلگراف داشت. هنگامی که بل شروع به آزمایش سیگنال های الکتریکی کرد، تلگراف قبلاً به عنوان یک وسیله ارتباطی برای حدود 30 سال مورد استفاده قرار می گرفت. اگرچه تلگراف یک سیستم انتقال اطلاعات نسبتاً موفق مبتنی بر کد مورس با نمایش حروف با استفاده از نقطه و خط تیره بود، اما نقطه ضعف بزرگ تلگراف این بود که اطلاعات به دریافت و ارسال یک پیام در یک زمان محدود می شد.

الکساندر بل در اولین مدل گوشی صحبت می کند

اولین تلفن که توسط الکساندر گراهام بل ساخته شد، دستگاهی بود که از طریق آن صداهای گفتار انسان با استفاده از برق منتقل می شد (1875). در 2 ژوئن 1875، الکساندر گراهام بل، هنگام آزمایش تکنیک خود، که آن را "تلگراف هارمونیک" نامید، متوجه شد که می تواند صدا را از طریق یک سیم بشنود. صدای ساعت بود.

بزرگترین موفقیت بل در 10 مارس 1876 به دست آمد. بل هنگام صحبت از طریق لوله برای دستیارش، توماس واتسون، که در اتاق کناری بود، کلماتی را به زبان آورد که امروزه برای همه شناخته شده است: «آقای. واتسون - بیا اینجا - می خواهم تو را ببینم "(آقای واتسون - بیا اینجا - می خواهم شما را ببینم). در این زمان نه تنها تلفن متولد شد، بلکه تلگراف چندگانه نیز مرد. پتانسیل ارتباط در نشان دادن امکان مکالمه از طریق الکتریسیته بسیار متفاوت از آنچه تلگراف می‌توانست با سیستم انتقال اطلاعات با استفاده از نقطه و خط تیره ارائه دهد.

مفهوم سینما برای اولین بار در نسخه فرانسوی خود - "سینما" ظاهر شد، که نشان دهنده سیستمی برای ایجاد و نمایش یک فیلم است که توسط برادران لوئی ژان و آگوست لومیر توسعه یافته است. فیلم اول با دوربین فیلمبرداری توسط فرانسوی لویی ایمه آگوستین لو پرنسی (1842-1890) در نوامبر 1888 در بریتانیای کبیر فیلمبرداری شد و شامل دو قطعه بود: اولی 10-12 عکس در ثانیه داشت، دومی 20 عکس داشت. تصاویر در ثانیه اما رسماً اعتقاد بر این است که سینما در 28 دسامبر 1895 آغاز می شود. در این روز، در سالن هندی "گرند کافه" در بلوار کاپوسین (پاریس، فرانسه)، اکران عمومی "سینماتوگراف برادران لومیر" برگزار شد. در سال 1896، برادران با اختراع خود یک تور جهانی انجام دادند و از لندن، نیویورک، بمبئی بازدید کردند.

لویی ژان لومیر از یک مدرسه صنعتی فارغ التحصیل شد، عکاس بود و در یک کارخانه عکاسی متعلق به پدرش کار می کرد. در سال 1895، لومیر دوربین فیلمبرداری را برای عکسبرداری و نمایش "عکس های متحرک" اختراع کرد. برادرش آگوست لومیر در کار او در زمینه اختراع سینما مشارکت فعال داشت. این دستگاه ثبت اختراع شد و سینما نام داشت. اولین برنامه های سینمایی لومیر صحنه هایی را نشان می داد که در محل فیلمبرداری شده بودند: "خروج کارگران از کارخانه لومیر"، "ورود قطار"، "صبحانه کودک"، "آب پاشیده" و موارد دیگر. جالب اینجاست که کلمه lumiere در زبان فرانسوی به معنای "نور" است. شاید تصادفی بوده یا شاید سرنوشت سازندگان سینما از قبل رقم خورده است.

نقاشی اروپایی

از قدیم الایام، نقاشی به عنوان شاخصی از رشد فرهنگی بشر به شمار می رفته است هنرمندان با استعدادتوسط طرفداران واقعی زیبایی ارزش وزن آن طلایی بود. این نوع هنرهای زیبا در قرن نوزدهم شکوفا شد و قوانین اصلی کلاسیک و نئوکلاسیک را در خود جای داد. کارشناسان شکی ندارند که نقاشی اروپایی تا حد زیادی بر توسعه نقاشی داخلی تأثیر گذاشته است ، با این حال ، هنرمندان روسی از همکاران خارجی عقب نماندند و روندهای جدیدی را در هنر ایجاد و توسعه دادند ، همکاران ، دانشجویان و پیروان پیدا کردند.

در نیمه دوم قرن نوزدهم انقلابی در زمینه نقاشی رخ داد که در نتیجه هنرمندان به طور گسترده به سمت رئالیسم رفتند که به آن ناتورالیسم نیز می گویند. استادانی که شروع به کار بر روی مناظر کردند نتوانستند از نمایندگان جامعه دانشگاهی تأییدیه بگیرند. بازی نور، هوا، سایه ها، توانایی تجسم بهترین انتقال رنگ بر روی بوم - همه اینها استادان قلم مو و رنگ را مجذوب خود کرد و آنها انتقاد را فراموش کردند.

یک واقعیت جالب این است که نقاشی قرن 19 (نیمه اول آن) از بسیاری جهات ثمره انقلاب فرانسه است. وقایع نظامی به توسعه روندهای جدید در هنر کمک کرد و به طور کلی به آن جان داد. اما صحنه های نبرد در نهایت مانند قرن هجدهم به صحنه های رمانتیک تغییر یافت. رمانتیسم، رئالیسم و ​​انحطاط تا یک سوم آخر قرن نوزدهم رایج بود و سپس، در محل اتصال سه جهت، یک مسیر جدید پدید آمد - امپرسیونیسم (از فرانسوی "Impression" - Impression). امپرسیونیسم مورد تقاضا قرار گرفت و موقعیت رهبری خود را برای حدود 12 سال حفظ کرد. در این مدت هنرمندانی که با روحیه روند جدید کار می کردند موفق شدند 8 نمایشگاه به آثار هنری خود برپا کنند. مطابق با نویسنده فرانسویاستاندال، نقاشی قرن نوزدهم منحصر به فرد است، زیرا می تواند قلب انسان را آتشین و دقیق به تصویر بکشد. نمی توان با سخنان استاد بزرگ موافقت کرد - او پیام های نقاشی های نقاشان نبرد را با دقت توصیف کرد.

رمانتیسم با رنگ‌آمیزی پر جنب و جوش، ایده‌آل‌سازی و شعر صحنه‌ها، رئالیسمی که واقعیت روزمره و بی‌آرایش را در ترکیب‌بندی‌های ساده به تصویر می‌کشد، و نیز انحطاط غم‌انگیز و افسرده‌کننده‌اش هنوز نتوانسته چنین پاسخی پیدا کند. اما همه این خطوط هنری، همراه با امپرسیونیسم مبهم و احساسی، بزرگترین میراث اروپایی هستند. فروشگاه باستانی "آثار باستانی لاوکا" همه چیزهایی را دارد که یک کلکسیونر نقاشی های کمیاب فقط می تواند آرزو کند: مناظر شهری و پویا، تصاویر رنگارنگ حیوانات و نقاشی های پرتره تک رنگ ایجاد شده با تکنیک چاپ سیلک. ویترین های ما شامل نقاشی های منحصر به فرد اروپایی است که می توانید با دو کلیک آنها را خریداری کنید.

در مورد هنر نیمه اول قرن نوزدهم. تحت تأثیر انقلاب فرانسه (1789-1799)، جنگ با ناپلئون، جنگ با اسپانیا. در این دوره پیشرفت های زیادی در علم صورت گرفت. سبک های اصلی: امپراتوری، رمانتیسم، رئالیسم فرانسوی.

در معماری نیمه اول قرن نوزدهم، نئوکلاسیک آخرین شکوفایی خود را تجربه کرد. در اواسط قرن، مشکل اصلی معماری اروپایی جستجوی سبک بود. به دلیل شیفتگی رمانتیک به دوران باستان، بسیاری از استادان سعی کردند سنت های معماری گذشته را احیا کنند - اینگونه بود که نئوگوتیک، نئو رنسانس، نئوباروک به وجود آمد. تلاش معماران اغلب به التقاط منجر شد - ترکیبی مکانیکی از عناصر سبک های مختلف، قدیمی با جدید. معماری تحت سلطه ساخت کارخانه ها، دفاتر، ساختمان های مسکونی، فروشگاه های بزرگ، سالن های نمایشگاه، کتابخانه ها، ایستگاه ها، بازارهای سرپوشیده، بانک ها و غیره است. بانک ها با رواق های یونان باستان، فروشگاه های بزرگ - با پنجره ها و برج های گوتیک تزئین شده اند. به کارخانه ها ظاهر قلعه داده می شود.

19.1.1 هنر فرانسه

معماری.در طول سال های انقلاب فرانسه، حتی یک سازه بادوام در فرانسه ساخته نشد. این دوره ساختمان های موقتی بود که معمولاً چوبی بودند. در اوایل انقلاب، باستیل ویران شد، بناهای یادبود پادشاهان تخریب شد. در سال 1793 آکادمی های سلطنتی از جمله آکادمی معماری تعطیل شدند. در عوض، هیئت داوران هنرهای ملی و باشگاه هنرهای جمهوری خواه ظاهر شدند که وظایف اصلی آنها سازماندهی تعطیلات جمعی و تزئین خیابان ها و میادین پاریس بود.

غرفه ای در میدان باستیل برپا شد که روی آن نوشته شده بود: "اینجا آنها می رقصند." مکان لویی پانزدهم میدان انقلاب نامیده شد و طاق‌های پیروزی، مجسمه‌های آزادی، فواره‌هایی با نشان‌ها به آن اضافه شد. میدان مریخ به محل اجتماعات عمومی تبدیل شد که محراب میهن در مرکز آن قرار داشت. Les Invalides و کلیسای جامع آن به معبد بشریت تبدیل شده است. خیابان های پاریس با بناهای تاریخی جدید تزئین شد.

همچنین در سالهای انقلاب فرانسه، کمیسیون هنرمندان تشکیل شد که به بهبود شهر مشغول بود، تغییراتی را در ظاهر آن برنامه ریزی کرد. نقش بسزایی در تاریخ معماری داشته است.

هنر فرانسه ناپلئونی تحت سلطه سبک امپراتوری بود. رویداد اصلی ناپلئون در زمینه معماری بازسازی پاریس بود: قرار بود محله های قرون وسطایی را با سیستمی از خیابان هایی که از شهر در امتداد محور شرق به غرب عبور می کنند، متصل کند. موارد زیر ساخته شد: خیابان شانز ایزی، خیابان ریوولی، ستون پیروزی در میدان واندوم (1806-1810، معماران ژان باپتیست لپر، ژاک گوندوین)، دروازه ورودی کاخ تویلری (1806-1807، معماران، Ch. P. F. L. Fontaine)، طاق پیروزی ارتش بزرگ (1806-1837، معماران Jean-Francois Chalien و دیگران).

رنگ آمیزی.در نیمه اول قرن نوزدهم. مکتب نقاشی فرانسه برتری خود را در هنر اروپای غربی تقویت کرد. فرانسه از دیگران جلوتر است کشورهای اروپاییو در دموکراتیزه کردن زندگی هنری. از سال 1791، هر نویسنده ای بدون توجه به عضویت در آکادمی ها، حق شرکت در نمایشگاه های سالن لوور را دریافت کرده است. از سال 1793، سالن های لوور به روی عموم باز شد. آموزش آکادمیک دولتی با آموزش در کارگاه های خصوصی جایگزین شد. مقامات به روش‌های انعطاف‌پذیرتر سیاست هنری متوسل شدند: توزیع سفارشات بزرگ برای تزئین ساختمان‌های عمومی دامنه ویژه‌ای پیدا کرد.

نمایندگان نقاشی رمانتیسیسم فرانسوی - دیوید، انگر، ژریکولت، دلاکروا، گروس.

ژاک لوئیس دیوید (1748-1825) - ثابت ترین نماینده نئوکلاسیک در نقاشی. او در سال های 1775-1779 در آکادمی سلطنتی نقاشی و مجسمه سازی تحصیل کرد. از ایتالیا دیدن کرد. در سال 1781، دیوید به عنوان عضو آکادمی سلطنتی پذیرفته شد و حق شرکت در نمایشگاه های آن - سالن های لوور را دریافت کرد. در سال 1792، دیوید به عنوان معاون کنوانسیون، بالاترین نهاد قانونگذاری و اجرایی جمهوری اول انتخاب شد.

در اوایل سال 1776، یک برنامه دولتی ایجاد شد که ایجاد نقاشی های بزرگ را تشویق می کرد. دیوید سفارش نقاشی در مورد آن را دریافت کرد شاهکار سهبرادران از خانواده اصیل هوراتی - "سوگند هوراتی ها" (1784). عمل تصویر در حیاط یک خانه رومی باستان رخ می دهد: جریانی از نور از بالا بر قهرمانان تصویر می ریزد، گرگ و میش خاکستری زیتونی آنها را احاطه کرده است. کل ترکیب بر اساس عدد سه است: سه طاق (یک یا چند شکل در هر یک از طاق ها حک شده است)، سه گروه شخصیت، سه پسر، یک تیراندازی شمشیر، سه زن. خطوط صاف گروه زن با خطوط تعقیب شده پیکره های رزمندگان در تضاد است.

در 1795-1799 دیوید و شاگردانش روی یک نقاشی کار کردند "سابین ها نبرد بین رومی ها و سابین ها را متوقف می کنند". این هنرمند دوباره طرحی را مطابق با مدرنیته انتخاب کرد: داستان زنانی که جنگ بین رومی ها (شوهرهایشان) و سابین ها (پدران و برادران آنها) را متوقف کردند در آن زمان در فرانسه به عنوان ندای صلح مدنی به صدا درآمد. با این حال، تصویر عظیم، مملو از ارقام، تنها باعث تمسخر مخاطبان شد.

در سال 1812 به بروکسل رفت و تا زمان مرگش در آنجا زندگی کرد. او پرتره می کشید و روی موضوعات عتیقه کار می کرد - "مرگ مارات" (1793)، "پرتره مادام رکامیه" (1800). تابلوی "مرگ مارات" توسط این هنرمند در کمتر از سه ماه تکمیل شد و در اتاق جلسات کنوانسیون آویخته شد. مارات در آپارتمانش توسط یک نجیب زاده به نام شارلوت کوردی با ضربات چاقو کشته شد. مرات هنگام مرگ در حمام نشسته بود: به دلیل بیماری پوستی مجبور شد به این طریق کار کند و از بازدیدکنندگان پذیرایی کند. ورق های وصله کاری شده و جعبه چوبی ساده ای که جایگزین میز شده است، اختراع هنرمند نیست. با این حال ، خود مارات ، که بدنش به دلیل بیماری از هم ریخته شده بود ، تحت قلم مو داوود به یک ورزشکار نجیب تبدیل شد ، مانند یک قهرمان باستان. سادگی صحنه به تماشایی وقار غم انگیز خاصی می بخشد.

در یک تصویر بزرگ "تاج گذاری ناپلئون اول و ملکه ژوزفین در کلیسای نوتردام در 2 دسامبر 1804" (1807)دیوید افسانه دیگری خلق کرد - درخشش محراب و شکوه لباس درباریان بدتر از مبلمان بدبخت و ملحفه های قدیمی مارات بر بیننده تأثیر نمی گذارد.

ژان آگوست دومینیک اینگر(1780-1867) از طرفداران آرمان های کلاسیک، هنرمندی اصیل، بیگانه با هرگونه دروغ، ملال و روتین بود. در سال 1802 جایزه رم را دریافت کرد و حق سفر به ایتالیا را دریافت کرد. در سال 1834 مدیر آکادمی فرانسه در رم شد. به بالاترین مهارت در ژانر پرتره دست یافت - "پرتره ریویرا".

اینگرس سعی در انتقال امکانات تزئینی در نقاشی داشت. انواع مختلفهنر قدیمی، مانند بیان شبح ها نقاشی گلدان یونان باستان, - "ادیپ و ابوالهول" (1808)و "مشتری و تتیس" (1811).

در یک بوم به یاد ماندنی "نذر لویی سیزدهم برای درخواست حمایت بانوی ما برای پادشاهی فرانسه" (1824)او سبک تصویری رافائل را تقلید کرد. این تصویر اولین موفقیت بزرگ را برای انگرس به ارمغان آورد. در تصویر "Odalisque and Slave" (1839)من آهنگی نزدیک به «زنان الجزیره در اتاق‌هایشان» دلاکروا را انتخاب کردم و آن را به روش خودش حل کردم. رنگ آمیزی رنگارنگ و رنگارنگ بوم در نتیجه اشتیاق هنرمند به مینیاتورهای شرقی بوجود آمد. در سال 1856 اینگر نقاشی را تکمیل کرد "منبع"در دهه 1920 توسط او تصور شد. در ایتالیا. بدن دخترانه شکوفا شده، خلوص و سخاوت دنیای طبیعی را تجسم می بخشد.

تئودور جریکو(1791–1824) - بنیانگذار رمانتیسیسم انقلابی در نقاشی فرانسوی. اولین اثر به نمایش گذاشته شده در سالن - "افسر نگهبانان اسب گارد امپراتوری در حال حمله" ("پرتره ستوان R. Dieudonné"، 1812). سوار تندرو روی بوم ژست نمی گیرد، بلکه می جنگد: مورب سریع ترکیب او را به عمق تصویر، به گرمای آبی مایل به بنفش نبرد می برد. در این زمان، در مورد شکست ارتش ناپلئون بناپارت در روسیه شناخته شد. احساسات فرانسوی ها که تلخی شکست را می دانستند، تصویر جدیدی را منعکس می کرد هنرمند جوان - "کویراسیر زخمی که میدان نبرد را ترک می کند" (1814).

در 1816-1817 Gericault در ایتالیا زندگی می کرد. این هنرمند به ویژه مجذوب مسابقه اسب های برهنه در رم بود. در یک سری نقاشی "دویدن اسب های آزاد" (1817)دقت در دسترس و بیانی گزارش، و قهرمانی مهار شده در روح نئوکلاسیک. در این آثار، سبک فردی او در نهایت شکل گرفت: فرم های قدرتمند و خشن توسط نقاط متحرک بزرگ نور منتقل می شوند.

با بازگشت به پاریس، این هنرمند نقاشی را خلق کرد "کلک مدوسا" (1818-1819). در ژوئیه 1816، در نزدیکی جزایر کیپ ورد، کشتی مدوزا، تحت فرماندهی یک ناخدای بی تجربه که موقعیتی تحت حمایت دریافت کرد، به گل نشست. سپس ناخدا و همراهانش با قایق ها حرکت کردند و یک قایق با صد و پنجاه ملوان و مسافر را به رحمت سرنوشت واگذار کردند که فقط پانزده نفر از آنها جان سالم به در بردند. در تصویر، Gericault به دنبال حداکثر اعتبار بود. او به مدت دو سال به دنبال افرادی بود که از فاجعه در اقیانوس جان سالم به در بردند، طرح هایی در بیمارستان ها و سردخانه ها ساخت و مطالعاتی درباره دریا در لو هاور نقاشی کرد. قایق در تصویر او توسط یک موج بلند شده است، بیننده بلافاصله تمام افرادی را که روی آن جمع شده اند می بیند. در پیش زمینه - چهره های مردگان و پریشان؛ آنها در اندازه کامل نوشته شده اند. چشمان کسانی که هنوز ناامید نشده‌اند به انتهای قایق معطوف می‌شود، جایی که یک آفریقایی که روی بشکه‌ای چروکیده ایستاده، دستمال قرمزی را برای خدمه کشتی آرگوس تکان می‌دهد. یا ناامیدی یا امید روح مسافران قایق مدوسا را ​​پر می کند.

در 1820-1821 جریکولت از انگلستان دیدن کرد. او تحت تأثیر نوشته های پاسبان نوشت مسابقه در اپسوم (1821). تصویر پر از حرکت است: اسب ها عجله دارند، به سختی زمین را لمس می کنند، چهره های آنها در یک خط سریع ادغام شده اند. ابرهای پایین متحرک هستند، سایه‌هایشان متحرک هستند و در میان زمین مرطوب می‌چرخند. تمام خطوط در چشم انداز تار هستند، رنگ ها لکه دار می شوند. جریکولت جهان را به گونه ای نشان داد که توسط جوکی سوار بر اسبی در حال تاختن می بیند.

یوجین دیکروا(1798–1863) - نقاش فرانسوی. اساس نقاشی دلاکروا لکه های رنگارنگی است که یک وحدت هماهنگ را تشکیل می دهند. هر نقطه، علاوه بر رنگ خود، شامل سایه هایی از همسایگان است.

دلاکروا اولین نقاشی خود را در طرح کمدی الهی دانته کشید - "دانته و ویرجیل" ("قایق دانته") (1822). دلاکروا این نقاشی را خلق کرد "قتل عام خیوس" (1824)تحت تأثیر رویدادهای انقلاب آزادیبخش یونان 1821-1829. در سپتامبر 1821، مجازات‌گران ترک، مردم غیرنظامی خیوس را قتل عام کردند. در پیش‌زمینه تصویر، پیکره‌های محکومان چیان در پارچه‌های رنگارنگ دیده می‌شود. پس زمینه، شبح های تیره ترک های مسلح است. بیشتر اسیران نسبت به سرنوشت خود بی تفاوت هستند، تنها فرزندان بیهوده از والدین خود برای محافظت از آنها التماس می کنند. سوارکار ترک که دختری یونانی را پشت سر خود می کشد، به نوعی نماد بردگی به نظر می رسد. چهره های دیگر کمتر نمادین نیستند: یک یونانی مجروح برهنه - خون او به زمین خشک می رود و یک خنجر شکسته و یک کیسه خالی شده توسط دزدان در نزدیکی آن قرار دارد.

پس از وقایع ژوئیه 1830 در پاریس، دلاکروا یک نقاشی خلق کرد "آزادی رهبری مردم (28 ژوئیه 1830)". این هنرمند صدایی جاودانه و حماسی به یک قسمت ساده از دعواهای خیابانی داد. شورشیان به سدی برمی‌خیزند که از نیروهای سلطنتی بازپس گرفته شده‌اند و خود آزادی آنها را رهبری می‌کند. منتقدان در او "تقابلی بین یک تاجر و یک الهه یونان باستان" دیدند. سبک رمانتیک در اینجا احساس می شود: آزادی به عنوان الهه پیروزی به تصویر کشیده شده است، او پرچم سه رنگ جمهوری فرانسه را برافراشته است. به دنبال اوباش مسلح اکنون همه آنها سرباز آزادی هستند.

در سال 1832 دلاکروا یک هیئت دیپلماتیک را در الجزایر و مراکش همراهی کرد. این هنرمند پس از بازگشت به پاریس، نقاشی را خلق کرد "زنان الجزایر در اتاق هایشان" (1833). چهره های زنان به طرز شگفت آوری پلاستیکی است. چهره های طلایی رنگ به آرامی مشخص شده اند، بازوها به آرامی خمیده شده اند، لباس های رنگارنگ در پس زمینه سایه های مخملی به خوبی خودنمایی می کنند.

آنتوان گروس (1771–1835) - نقاش فرانسوی، نقاش پرتره. گرو موضوعات کلاسیک را رها کرد - تاریخ مدرن او را جذب کرد. او مجموعه ای از نقاشی های اختصاص داده شده به سفر مصری-سوری ارتش ناپلئون (1798-1799) خلق کرد - "بناپارت در حال بازدید از قربانیان طاعون در یافا" (1804). نقاشی های دیگر تقدیم به ناپلئون - "ناپلئون روی پل آرکول" (1797)، "ناپلئون در میدان نبرد ایاو" (1808). گروس در سال 1825 نقاشی گنبد پانتئون در پاریس را به پایان رساند و تصویر لویی هجدهم را جایگزین تصویر ناپلئون کرد.

17.3 نقاشی اروپایی قرن نوزدهم

17.3.1 نقاشی فرانسوی . دو دهه اول قرن نوزدهم. در تاریخ نقاشی فرانسه به عنوان کلاسیک گرایی انقلابی نامگذاری شده اند. نماینده برجسته آن J.L. دیوید (1748- 1825)، که آثار اصلی آن توسط او در قرن 18 خلق شد. آثار قرن 19. - در محل کار است ناپلئون نقاش درباری- "ناپلئون در گذرگاه سنت برنارد"، "تاج گذاری"، "لئونیداس در ترموپیل". دیوید همچنین نویسنده پرتره های بسیار خوبی است، مانند پرتره مادام رکامیه. او مدرسه بزرگی از دانش آموزان ایجاد کرد و صفات را از قبل تعیین کرد هنریاز سبک امپراتوری

شاگرد دیوید J.O. Ingres (1780) بود- 1867)، که کلاسیک گرایی را به هنر آکادمیک تبدیل کرد و سال ها مخالفرمانتیک ها انگرس نویسنده حقیقت است تیزپرتره ("L. F. Bertin"، "Madame Rivière"، و غیره) و نقاشی به سبک کلاسیک گرایی آکادمیک ("آپوتئوزیس هومر"، "مشتری و تمیس").

رمانتیسم نقاشی فرانسوی در نیمه اول قرن نوزدهم- اینها بوم های T. Gericault (1791 - 1824) ("کلک مدوسا" و "دربی در اپسوم و دیگران") و E. دلاکروا (1798-1863)، نویسنده نقاشی معروف آزادی رهبری مردم.

روند واقع گرایانه در نقاشی در نیمه اول قرن توسط آثار G. Courbet (1819) نشان داده شده است.- 1877)، نویسنده اصطلاح "رئالیسم" و نقاشی های "سنگ شکن" و "تدفین در اورنان" و همچنین آثار جی. اف . میلت (1814 - 1875)، نویسنده زندگی دهقانی و ("جمع آوری گوش"، "مرد با بیل"، "بذرپاش").

پدیده مهم فرهنگ اروپایی در نیمه دوم قرن نوزدهم. بود شیوه هنریامپرسیونیسم، که نه تنها در نقاشی، بلکه در موسیقی و داستان نیز رواج یافت. و با این حال در نقاشی بوجود آمد.

در هنرهای زمانی، عمل در زمان آشکار می شود. نقاشی، همانطور که بود، قادر است تنها یک لحظه را در زمان ثبت کند. برخلاف سینما، همیشه یک «قاب» دارد. چگونه حرکت را در آن منتقل کنیم؟ یکی از این تلاش‌ها برای تسخیر دنیای واقعی در تحرک و تغییرپذیری آن، تلاش سازندگان جهت در نقاشی بود که امپرسیونیسم (از برداشت فرانسوی) نامیده می‌شود. این مسیر هنرمندان مختلفی را گرد هم آورد که هر کدام را می توان به شرح زیر توصیف کرد. امپرسیونیستهنرمندی است که حرف هایش را منتقل می کند مستقیمتصور طبیعت، زیبایی تغییرپذیری و ناپایداری را در آن می بیند احساس بصری روشنایی ایجاد می کند نور خورشیدنمایش سایه های رنگی، با استفاده از پالتی از رنگ های خالص و غیر مخلوط، که سیاه و خاکستری از آن حذف می شوند.

در نقاشی های امپرسیونیست هایی مانند سی مونه (1840-1926) و او. رنوار (1841-1919)، در اوایل دهه 70 قرن نوزدهم. ماده هوا ظاهر می شود که نه تنها دارای چگالی خاصی است که فضا را پر می کند، بلکه دارای تحرک نیز می باشد. جریان های نور خورشید، بخارها از زمین مرطوب بلند می شوند. آب، آب شدن برف، زمین شخم زده، علف های تاب خورده در چمنزارها طرح کلی یخ زده واضحی ندارند. حرکتی که قبلاً به عنوان تصویری از پیکره های متحرک به چشم انداز وارد شده بود، در نتیجه عمل نیروهای طبیعی.- باد، تعقیب ابرها، تکان دادن درختان، اکنون با صلح جایگزین شده است. اما این آرامش ماده بی جان یکی از اشکال حرکت آن است که با بافت نقاشی منتقل می شود - ضربه های پویا از رنگ های مختلف که توسط خطوط سفت و سخت نقاشی محدود نمی شود.

سبک جدید نقاشی بلافاصله توسط مردم پذیرفته نشد و هنرمندان را متهم کردند که نمی توانند نقاشی بکشند و رنگ خراشیده شده از پالت را روی بوم پرتاب کردند. بنابراین، کلیساهای صورتی روئن مونه هم برای مخاطبان و هم برای هنرمندان دیگر غیرقابل قبول به نظر می رسید.- بهترین مجموعه تصویری این هنرمند ("صبح"، "با اولین پرتوهای خورشید"، "ظهر"). هنرمند نیست به دنبال این بود که کلیسای جامع را روی بوم نشان دهد زمان متفاوتروزها- او با تامل در نور و جلوه های رنگی جادویی برای جذب بیننده با استادان گوتیک رقابت کرد. نمای کلیسای جامع روئن، مانند بسیاری از کلیساهای گوتیک، منظره ای عرفانی را در خود پنهان کرده است. x از نور خورشید پنجره های رنگی رنگی روشن داخلی. روشنایی داخل کلیساها بسته به جهتی که خورشید از آن می تابد متفاوت است، هوای ابری یا صاف. پرتوهای خورشید که از میان رنگ آبی و قرمز شدید پنجره های رنگی نفوذ می کند، رنگ آمیزی شده و با برجسته های رنگی روی زمین دراز می کشد.

یکی از نقاشی های مونه ظاهر خود را مدیون کلمه "امپرسیونیسم" است. این بوم در واقع بیان افراطی از نوآوری روش تصویری در حال ظهور بود و "طلوع خورشید در لو هاور" نامیده شد. گردآورنده کاتالوگ نقاشی برای یکی از نمایشگاه ها پیشنهاد کرد که هنرمند آن را چیز دیگری بنامد و مونه با خط زدن "در لو هاور" ، "تصویر" را قرار داد. و چند سال پس از ظهور آثار او ، آنها نوشتند که مونه "زندگی را آشکار می کند که هیچ کس قبل از او قادر به گرفتن آن نبود ، که هیچ کس حتی درباره آن نمی دانست." در نقاشی های مونه متوجه روح ناراحت کننده تولد شد عصر جدید. بنابراین، در آثار او "سریال" به عنوان یک پدیده جدید نقاشی ظاهر شد. و او توجه خود را به مشکل زمان جلب کرد. نقاشی این هنرمند همان طور که اشاره شد، یک «قاب» را با تمام ناقصی ها و ناقصی هایش از زندگی ربوده است. و این انگیزه ای برای توسعه سریال به عنوان نماهای متوالی ایجاد کرد. مونه علاوه بر «کلیسای جامع روئن» مجموعه «گار سن لازار» را خلق می‌کند که در آن نقاشی‌ها به هم پیوسته و مکمل یکدیگر هستند. با این حال، ترکیب "قاب های" زندگی در یک نوار منفرد از تأثیرات در نقاشی غیرممکن بود. این وظیفه سینما شده است. مورخان سینما معتقدند که علت پیدایش و پخش گسترده آن تنها نبوده است اکتشافات فنی، بلکه نیاز فوری هنری به یک تصویر متحرک است. و نقاشی های امپرسیونیست ها، به ویژه مونه، نشانه ای از این نیاز شد. مشخص است که یکی از پلان های اولین جلسه فیلم تاریخ که توسط برادران لومیر در سال 1895 ترتیب داده شد، «ورود قطار» بود. لوکوموتیوهای بخار، ایستگاه، ریل موضوع مجموعه ای از هفت نقاشی "Gare Saint-Lazare" اثر مونه بود که در سال 1877 به نمایش گذاشته شد.

O. Renoir یک هنرمند برجسته امپرسیونیست بود. به آثار او ("گل ها"، "مرد جوانی که با سگ ها در جنگل فونتنبلو راه می رود"، "گلدان گل"، "حمام کردن در سن"، "لیزا با چتر"، "بانویی در قایق"، " سواران در Bois de Boulogne" ، "Ball at Le Moulin de la Galette" ، "Portrait of Jeanne Samary" و بسیاری دیگر) کلمات کاملاً کاربردی هستند. هنرمند فرانسوی E. Delacroix "اولین شایستگی هر تصویر- تعطیلات باشد متر برای چشم. نام رنوار- مترادف زیبایی و جوانی، دورانی از زندگی انسان که طراوت روحی و شکوفایی قوای جسمانی با هم هماهنگی کامل دارند. او که در دوره‌ای از درگیری‌های اجتماعی حاد زندگی می‌کرد، آنها را بیرون از بوم نقاشی‌هایش گذاشت و تمرکز کرد بیدار شدن از جنبه های زیبا و روشن وجود انسان. و در این مقام در میان هنرمندان تنها نبود. دویست سال قبل از او، هنرمند بزرگ فلاندری، پیتر پل روبنس، تصاویری از یک آغاز بزرگ تأیید کننده زندگی ("پرسئوس و آندرومدا") ترسیم کرد. تصاویری از این دست مردم را امیدوار می کند. هر فردی حق خوشبختی دارد و نکته اصلیهنر رنوار در این واقعیت نهفته است که هر یک از تصاویر او مصونیت این حق را تأیید می کند.

AT اواخر نوزدهمقرن ها، پست امپرسیونیسم در نقاشی اروپایی شکل گرفت. نمایندگان آن- پ . سزان (1839 - 1906)، دبلیو. ون گوگ (1853 - 1890)، پ. گوگن (1848 - 1903)، که از امپرسیونیست هاخلوص رنگ، جستجو شد آغاز دائمی وجود، تعمیم روش های تصویری، جنبه های فلسفی و نمادین خلاقیت. نقاشی های سزان- اینها پرتره ("سیگاری")، مناظر ("Banks of the Marne")، طبیعت بی جان ("طبیعت بی جان با یک سبد میوه").

نقاشی های ون گوگ- «کلبه ها»، «فرار بعد از باران»، «پیاده روی زندانیان».

گوگن دارای ویژگی های رمانتیسیسم ایدئولوژیک است. AT سال های گذشتهاسیر زندگی قبایل پلینزی که به نظر او خلوص و یکپارچگی ابتدایی خود را حفظ کرده بودند ، به جزایر پلینزی می رود ، جایی که چندین نقاشی ایجاد می کند که اساس آنها بدوی سازی فرم ، میل به دست آوردن بود. به سنت های هنری بومیان نزدیک تر است ("زنی میوه ای در دست دارد" ، "چوپانی تاهیتی" ، "منبع شگفت انگیز").

مجسمه ساز بزرگ قرن نوزدهم O. Rodin (1840) بود- 1917)، ترکیب در کار خود امپرسیونیستیرمانتیسم و ​​اکسپرسیونیسم واقع بینجستجوها سرزندگی تصاویر، درام، بیان یک زندگی پرتنش درونی، ژست های تداوم در زمان و مکان (چه می کنید؟ نمی‌توان این مجسمه را روی موسیقی و باله تنظیم کرد و بی‌ثباتی لحظه را به تصویر کشید.- همه اینها با هم یک تصویر اساسا رمانتیک و کاملاً ایجاد می کند امپرسیونیستیچشم انداز . میل به تعمیم عمیق فلسفی ("عصر برنز"، " شهروندان کاله، مجسمه، تقدیم به قهرمانجنگ صد ساله، که برای نجات شهر محاصره شده خود را فدا کرد، برای دروازه های جهنم، از جمله متفکر کار کرد و میل به نمایش لحظات زیبایی و شادی مطلق (بهار ابدی، پاس دو دو)– ویژگی های اصلی کار این هنرمند.

17.3.2 نقاشی انگلیسی. هنرهای زیبای انگلستان در نیمه اول قرن نوزدهم.یک نقاشی منظره، روشن است نمایندگانکه جی. پاسبان (1776 - 1837)، سلف انگلیسی امپرسیونیست ها(«گاری یونجه که از فورد عبور می کند» و «زمین چاودار») و یو. ترنر (1775 - 1851) که نقاشی هایی مانند "باران، بخار و سرعت" "غرق کشتی"، تمایل به کوه های فانتزی رنگارنگ را متمایز می کند.

در نیمه دوم قرن، F.M. Brown آثار خود را خلق کرد (1821- 1893) که به درستی "هولبین قرن 19" در نظر گرفته شد. براون به خاطر آثار تاریخی خود ("چوسر در دربار ادوارد سوم" و "لیر و کوردلیا") و همچنین نقاشی های روی صحنه شهرت دارد. موضوعات روزمره ("آخرین نگاه به انگلستان"، "کار").

انجمن خلاق "برادران پیش رافائلی" ("پیش رافائلیت") در سال 1848 به وجود آمد. اگرچه هسته متحد کننده اشتیاق به آثار هنرمندان بود. رنسانس اولیه(قبل از رافائل)، اما هر یک از اعضای این برادری موضوع و باور هنری خود را داشتند. نظریه‌پرداز برادری، فرهنگ‌شناس و زیبایی‌شناس انگلیسی، جی راسکین بود که مفهوم رمانتیسیسم را در رابطه با شرایط انگلستان در اواسط قرن ترسیم کرد.

راسکین با پیوند دادن هنر در آثار خود با سطح عمومی فرهنگ کشور، هنر را مظهر عوامل اخلاقی، اقتصادی و اجتماعی می‌دید، به دنبال این بود که انگلیسی‌ها را متقاعد کند که پیش‌نیاز زیبایی، حیا، عدالت، صداقت، پاکی و بی‌تفاوتی است. .

پیشا رافائلی ها نقاشی هایی در مورد مذهبی و طرح های ادبی، کتاب هایی که به صورت هنری طراحی شده و هنر تزئینی را توسعه داده اند، به دنبال احیای اصول صنایع دستی قرون وسطی بودند. متوجه خطر بودن هنرهای تزئینیروند- شخصیت زدایی او توسط تولید ماشینی، هنرمند انگلیسی، شاعر و شخصیت عمومی W. موریس (1834 - 1896) کارگاه‌های هنری و صنعتی را برای ساخت ملیله‌ها، پارچه‌ها، شیشه‌های رنگی و سایر اقلام خانگی سازماندهی کرد که از نقشه‌ها برای آنها استفاده می‌شود. خود او و هنرمندان پیش از رافائلی تکمیل کردند.

17.3.3 نقاشی اسپانیایی. گویا . اثر فرانسیسکو گویا (1746- 1828) متعلق به دو قرن - XVIII و XIX است. برای شکل گیری رمانتیسیسم اروپایی اهمیت زیادی داشت. ما را خلاق خانم هنرمند غنی و متنوع است: نقاشی، پرتره، گرافیک، نقاشی های دیواری، حکاکی، حکاکی.

گویا از دموکراتیک ترین مضامین (دزدان، قاچاقچیان، متکدیان، شرکت کنندگان در دعواهای خیابانی و بازی ها) استفاده می کند.- شخصیت های نقاشی های او). پس از دریافت در سال 1789 عنوان adv به عنوان یک هنرمند چیره دست، گویا تعداد زیادی پرتره را اجرا می کند: پادشاه، ملکه، درباریان ("خانواده شاه چارلز چهارم"). وخامت حال این هنرمند باعث تغییر موضوع آثار شد. بنابراین، نقاشی هایی که با فانتزی سرگرم کننده و عجیب و غریب متمایز می شوند ("کارناوال"، "بلوف مرد کور") با بوم های پر از تراژدی ("دادگاه تفتیش عقاید"، "خانه دیوانگان") جایگزین می شوند. و پس از آنها 80 اچینگ "Capricios" وجود دارد که این هنرمند بیش از پنج سال روی آنها کار کرده است. معنای بسیاری از آنها تا به امروز نامشخص است، در حالی که برخی دیگر مطابق با مقتضیات ایدئولوژیک زمان خود تفسیر می شدند.

گویا با زبانی نمادین و تمثیلی، تصویر وحشتناکی از کشور در آغاز قرن ترسیم می کند: جهل، خرافات، افراد محدود، خشونت، تاریک گرایی، شر. حکاکی "خواب عقل هیولا تولید می کند"- هیولاهای وحشتناک یک فرد خوابیده، خفاش ها، جغدها و دیگر ارواح شیطانی را احاطه کرده اند. خود این هنرمند درباره کارش چنین توضیح می دهد: «مطمئن است که نقد انسانرذایلوتوهمات, با اينكهوبه نظر می رسدحوزه خطابه و شعر نیز می تواند موضوع توصیفی پر جنب و جوش باشد، هنرمند برای کار خود از میان زیاده خواهی ها و بیهودگی های ذاتی هر جامعه مدنی و همچنین از تعصبات و خرافات عوام که از طریق عرف مشروعیت یافته است، انتخاب کرده است. جهل یا منفعت شخصی، آنهایی که مخصوصاً برای تمسخر و در عین حال برای تمرین تخیل مناسب می دانست.

17.3.4 مدرن – نهایی سبک اروپایی رنگ آمیزی نوزدهم که در . توسط بیشترین آثار معروفدر نقاشی اروپایی قرن نوزدهم ایجاد شده است. در سبک آرت نو، آثار هنرمند انگلیسی O. Beardsley (1872).– 1898). اونشان داده شده استکار کردنO. وحشی ("سالومه"), ایجاد شدهظریفگرافیکیفانتزی ها, مسحور شدهکلنسلاروپایی ها. فقطسیاهوسفیدبودابزاربه عنوان مثالدرباره کار: یک ورق کاغذ سفید و یک بطری جوهر سیاه و تکنیکی شبیه به بهترین توری ("باغ گل رز اسرارآمیز"، 1895). تصاویر Beardsley متاثر از حکاکی ژاپنی و روکوکو فرانسوی و همچنین شیوه تزئینی Art Nouveau است.

سبک آرت نوو در حدود سال 1890 به وجود آمد– 1910 gg., مشخص شده استحضورسیم پیچیخطوط, یادآورفرمو, تلطیف شدهگل هاوگیاهان, زبان هاشعله. سبکاینبودوسیعمشترکوکه دررنگ آمیزیوکه درمعماری. آی تیتصاویرانگلیسیبودنrdsli، پوسترها و تابلوهای تبلیغاتی توسط A. Mucha چک، نقاشی های G. Klimt اتریشی، لامپ ها و محصولات فلزی توسط Tiffany، معماری توسط A. Gaudi اسپانیایی.

یکی دیگر از پدیده های برجسته مدرنیته fin-de-siècle– نروژینقاشE. جویدن (1863 – 1944). معروفرنگ آمیزیجویدن« جیغ (1893)– کامپوزیتبخشخوداساسیچرخه"فریززندگی", در بالاکهنقاشکار کردطولانیسال ها. متعاقباکار کردن"جیغ"جویدنتکرار کردکه درسنگ نگاره ها. رنگ آمیزی"جیغ"انتقال می دهدوضعیتمفرطعاطفیولتاژانسان, او استچهره هاناامیدی یک فرد تنها و فریاد کمک او را ایجاد می کند که هیچکس نمی تواند آن را تامین کند.

بزرگترین هنرمند فنلاند A. Galen-Kallela (1865– 1931) که درسبکنویننشان داده شده استحماسه"کالوالی". درزبانتجربیواقعیتممنوع استبگودرباره پیرمرد افسانه ای– آهنگرIlmarinene, کهجعلیآسمان, به هم زدندفلک, زنجیر شدهاز جانبآتشعقاب; در بارهمادرانLemminkäinen, زنده شدخودکشته شدهفرزند پسر; در بارهخوانندهVäinämöinien, که"زمزمه کردطلاییدرخت کریسمس", گالل- کالالااداره می شودتحویل دادنتختخوابیکی از قدرت های رون های باستانی کارلی در زبان مدرن.