Балет світовий. Коротка історія балету Знайти назви балетних трупів світових театрів

З самого початку людської цивілізаціїтеатр служив основним джерелом розваг. У наші дні театральні та оперні постановки анітрохи не втратили своєї популярності та значущості, і тисячі людей по всьому світу щодня відвідують театри та насолоджуються цим чудовим видом мистецтва.

Будівля будь-якого театру – це унікальний світ зі своєю історією, традиціями та таємницями. Давайте поговоримо про тих із них, які відомі усьому світу.

Театр Ла Скала по праву є найзнаменитішим театром світу. І найбільше його асоціюють з оперою, хоча значне місце у репертуарі займають також драматичні спектаклі та балет.

Ла Скала, фото Rudiger Wolk

Побудований він був у 1778 році. Зал у формі підкови має п'ять ярусів лож. На сцені Ла Скала звучали твори найвідоміших композиторів Белліні, Россіні, Доніцетті, Верді. Театр славиться своєю бездоганною акустикою.

У багатьох людей Австралія асоціюється саме з будинком оперного театру в Сіднеї. Воно легко відоме і входить до основних пам'яток країни. Це, мабуть, один із найзнакових театрів сучасності.

Сіднейський оперний театр, фото Shannon Hobbs

Відкриття відбулося 1973 року. Під час будівництва головний упор робився на акустику та оглядовість. Саме тому кожен глядач театру почувається так, ніби придбав квиток на найкраще місцев залі.

Будівля театру стала домом для Сіднейського Симфонічного оркестру, Сіднейської Театральній Компанії, Австралійський балет і Австралійська опера. Понад 1500 вистав проходять тут щорічно.

3. Великий театр

Великий театр у Москві - один із провідних театрів Росії та всього світу. Разом з найкращим симфонічним оркестромвін пережив пожежу, війну та революцію.

Великий театр у Москві, фото jimmyweee

На вході відвідувачів зустрічає статуя Аполлона в колісниці, передбачаючи грандіозні вистави, що відбуваються в театрі. Велику популярність має балетна трупа театру. Юрій Григорович ставив тут легендарне « Лебедине озеро» та «Золоте століття». Великий було відкрито після масштабної реконструкції у 2011 році.

4. Віденська державна опера

Побудований у 1869 році, театр довгий час мав репутацію центру музичного життя Відня та всієї Австрії.

Віденська державна опера, фото JP

Під час Другої світової війни будівля зазнала бомбардувань і була практично зруйнована. Чудовим чином збереглися сходи та ще деякі частини. Відновили лише 1955 року. Сьогодні вона продовжує бути одним із головних світових оперних майданчиків. Під склепіннями Віденської опери щорічно проводяться традиційні бали.

Палац Каталонської Музики знаходиться в . Будівля була офіційно відкрита у 1908 році і практично відразу стала символом міста. Чудова скляна стеля, багаті розписи, вітражі та скульптури перетворили його на справжній витвір мистецтва. Це один із небагатьох театрів, включених до списку культурної спадщини ЮНЕСКО.

Palau de la Musica Catalana, фото Jiuguang Wang

Палац є одним із головних театральних та музичних майданчиків Барселони, де виступають багато світових знаменитостей. Тут також проводять важливі міжнародні зустрічі та конференції, а для туристів організовуються екскурсії.

Театр Les Celestins – головний центр мистецтва міста Ліон у Франції. Це оперний театр, який підходить для грандіозних вистав і може вмістити понад 1000 чоловік. Зал у вигляді підкови розділений на кілька рівнів, тому глядачі, що сидять далеко від сцени, все добре бачать і чують. Інтер'єр виконаний у королівському стилі з використанням червоних та золотих тонів. Зовні будівля більш строга, прикрашена статуями.

Les Celestins у Ліоні, фото Mirej

Ось уже понад два століття на сцені Les Celestins ставлять найкращі п'єси, опери, драматичні спектаклі та концерти.

Театр Ковент-Гарден добре відомий у всьому світі. На його сцені відбуваються постановки Королівської Опери та Королівського Балету. У цій величній будівлі виступали зірки світової класичної музики, починаючи з 1858 року.

Королівський оперний театр Convent Garden, фото

Раніше до театру можна було потрапити лише перед початком вистави за наявності квитка. Сьогодні ж ви можете оглянути його, здійснивши невелику екскурсію.

Ще однією найвідомішою світовою сценою є музичний театр Метрополітен-опера на Бродвеї у Нью-Йорку. Це найкращий театр. Свої провідні ролі тут виконували такі знаменитості, як Енріко Карузо та Пласідо Домінго.

The Metropolitan Opera House, фото Blehgoaway

Щорічно «Мет» дає понад двісті вистав. Іноді ведуться їх теле- та радіотрансляції.

9. Одеон Герода Аттика

Якщо ви захочете відвідати театр, якому стільки ж років, скільки самому мистецтву, вирушайте в Одеон Герода Аттика в . Це класичний стародавній амфітеатр, збудований у 161 р. н. е. Спочатку над ним був дах, але він був зруйнований.

Одеон Герода Аттика в Афінах, фото Юкатан

Театр вміщує 5000 осіб, і на його сцені досі відбуваються вистави, балет та інші заходи. Навіть Елтон Джон давав свій концерт в Одеоні.

10. Театр Чикаго

Чиказький театр був побудований в 1921 році в так зване «золоте століття розваг» і став першим у своєму роді розкішним театром для показу кіно, мюзиклів та різних шоу. Поступово він став візитною карткоюЧикаго. Сьогодні театр Чикаго - це суміш різних жанрів та стилів, від спектаклів та комедій, до танцювальних шоу та поп-концертів.

The Chicago Theatre, фото Leandro Neumann Ciuffo

У світі є ще величезна кількість театрів, кожен із яких вартий уваги. Під час своїх подорожей містами та країнами обов'язково відвідуйте театри, і не важливо, чи відомі вони на весь світ, чи відомі тільки в маленькому місті. У будь-якому випадку ви отримаєте унікальну можливість доторкнутися до прекрасному світу театрального мистецтва.

Велика Британія.До гастролей трупи Дягілєва та Анни Павлової у Лондоні у 1910-1920-х роках балет був представлений в Англії головним чином виступами окремих відомих балерин на сценах мюзик-холів, наприклад датчанки Аделіни Жене (1878-1970). Своїм народженням англійський балет завдячує двом жінкам, які працювали у Дягілєва: Марі Рамбер (1888-1982), уродженці Польщі, і Нінет де Валуа (р. 1898), яка народилася в Ірландії, але пройшла школу в Лондоні. Рамбер, учениця музиканта та творця системи ритмічної гімнастики Еміля Жак-Далькроза, була запрошена Дягілєвим на допомогу Ніжинському, коли довелося працювати над дуже складною в ритмічному відношенні партитурою Весни священної Стравінського. Протягом кількох років вона танцювала в кордебалеті трупи "Російський балет", потім повернулася до Англії і в 1920 році відкрила свою школу. Її учні виступали, називаючись спочатку "Танцівниками Марі Рамбер", потім у складі "Балетного клубу", в крихітному театрі "Меркьюрі", розташованому в районі Ноттінхілл-Гейт у Лондоні. Саме у Рамбер розпочали свою кар'єру багато знаменитих англійських артистів, у тому числі хореографи Фредерік Аштон та Ентоні Тюдор. Обидва звернулися до танцю вже дорослими юнаками, але дуже скоро почали ставити невеликі балети у Рамбер. У 1930-х роках на їхніх виставах виросло ціле покоління молодих англійських танцівників. Де Валуа, яка теж танцювала в трупі Дягілєва, пішовши від нього, відкрила в Лондоні школу, яка невдовзі увійшла до складу театру "Седлерс Уеллс", і в 1931 році з її учнів утворився колектив "Вік Уеллс балле"; в 1948 він отримав назву "Седлерс Уеллс балле". Аштон об'єднав зусилля з Нінет де Валуа для створення балетів, що виявили обдарування вихованих де Валуа молодих артистів Марго Фонтейн (1919-1991), Беріл Грей (р. 1927), Роберта Хелпмана (1909-1986), Мойри Ширер (р. 1929). За їхньою участю протягом наступних сорока років виробився специфічно англійський стиль балетної виставита виконавства, якому властиві віртуозність, драматизм та чистий класичний ліризм. Серед постановок Аштона - повні гумору(Фасад, 1931, музика Вільяма Уолтона; Марна обережність, 1960, музика Фердинана Герольда в обробці Джона Ланчбері) і трагічні (Ундіна, 1958, музика Х.В.Хенце; Місяць у селі, 1976, на музику (Симфонічні варіації, 1946, на музику С.Франка; Монотонності 1 і Монотонності 2, 1965, 1966, на музику Е.Саті) та оповідальні (Попелюшка, 1948, музика Прокоф'єва; Сон, 1964, на музику ). Аштон охоче створював балети на основі літературних творів: наприклад, його Сон заснований на п'єсі Шекспіра Сон в літню ніч, а Місяць у селі на однойменній п'єсіТургенєва. Музою Аштона стала Марго Фонтейн, талант якої, як балерини, розвивався одночасно з його хореографічними експериментами. Свій останній балет для неї він створив у 1963: це Маргарита та Арман (на основі Дами з камеліями Олександра Дюма-сина та на музику Ф.Ліста). У цей час Фонтейн, якій було вже за сорок, пережила як би другу сценічну молодість, знайшовши нового партнера в особі танцівника Рудольфа Нуреєва, який емігрував з Радянського Союзу. Джерелом натхнення для Аштона служили таланти різних виконавців: драматизм, властивий Лінн Сеймур (р. 1939) або Крістофера Гейбла (1940-1998), блискуча техніка і одночасно емоційність, що проявилися в дуеті Антоні Доуелла3 (р. 1939). . 1939). На жаль, після смерті Аштона (1988) його постановки не зберігаються з тією ж ретельністю, з якою бережуть в Америці балети Баланчина або Тюдора. У 1930-х роках Нінет де Валуа запросила режисера Маріїнського театру Миколи Сергєєва (1876-1951), що емігрував з Росії, для постановки класичних балетів 19 ст, щоб збагатити репертуар та надати артистам можливість освоїти раніше незвичні танцювальні форми. До 1956 "Седлерс Уеллс балле" став називатися Королівським балетом і виступав у Королівському оперному театрі "Ковент Гарден". У його репертуарі у 1960-ті та 1970-ті роки, поряд із традиційними класичними творами та постановками Фредеріка Аштона, з'явилися драматичні балети Кеннета Макміллана. Його вистави відрізняються підкресленим драматизмом, вони насичені акробатичними па та підтримками, що служать виразом напружених емоцій. Найбільш вдалими виставами Макміллана були багатоактні Ромео і Джульєтта (музика Прокоф'єва, 1965) та Манон (1974, на музику Ж.Массне в аранжуванні Лейтона Люкаса), які ставляться у багатьох країнах. Аштон, який керував Королівським балетом з 1963, після відходу де Валуа, пішов у відставку в 1970. До 1977 трупа працювала під керівництвом Макміллана, потім Нормана Морріса (р. 1931), колишнього танцівника "Балле Рамбер", якому були танцівниці та хореографа Марти Грехем (1894-1991). У 1986 на чолі колективу став Доуелл, танцівник, який працював з Аштоном, тоді як Макміллан залишався одним з хореографів трупи до самої смерті в 1992. На його місце балетмейстера прийшов Девід Бінтлі (р. 1957), чиї балети, іноді драма, безсюжетні, дуже різноманітні за стилем та жанром. Доуелл ввів у репертуар постановки Баланчина та Роббінса, а також роботи У.Форсайта та деяких танцівників трупи. Він запросив як гостей танцівників з Росії, Франції та США, але одночасно приділяв увагу власним артистам: при ньому розцвіли обдарування Дарсі Бассел (р. 1969) Вівіани Дюранте (р. 1967). У відповідь на критику, що вказувала на брак уваги до спадщини Аштона, Доуелл організував у сезоні 1994-1995 Фестиваль Королівського балету. Протягом 1940-х і 1940-х років трупа "Балле Рамбер" продовжувала ставити нові балети, зберігаючи в репертуарі першотвори класичних балетів, розраховані на невеликий склад. У 1966 році трупа була реорганізована, повністю відмовившись від традиційних вистав і зберігаючи лише твори в стилі танцю модерн. У 1987 її керівником став Річард Олстон (р. 1948), який перебував під впливом переважно стилю американського хореографа Мерса Каннінгема (р. 1919). У 1994 цю посаду зайняв Крістофер Брюс (р. 1945), колишній провідний танцівник і балетмейстер трупи. Серед інших англійських труп - Англійський національний балет, який має своїм прямим попередником колектив, заснований у 1949 колишніми дягілівськими танцівниками Алісією Марковою та Антоном Доліним (1904-1983), який протягом багатьох років носив назву "Лондон фестиваль бале". У 1984 датчанин Пітер Шауфус (р. 1949), який очолював трупу, відновив балет Аштона Ромео і Джульєтта, який до цього часу був практично забутий. У 1990 р. керівником трупи став Айвен Надь. Королівський балет завжди містив другу, невелику за складом пересувну трупу. У 1990-х роках вона влаштувалась у Бірмінгемі і тепер відома як Бірмінгемський королівський балет.
Радянська Росія та інші країни.У Росії балет не втрачав своєї значущості в роки після Першої світової війни та при радянської влади, навіть коли політична та економічна ситуація, здавалося, загрожувала самому існуванню Великого та Маріїнського (який мав після Жовтневої революціїназва Державного театру опери та балету, ГОТОБ, а з 1934 - ім'я С.М.Кірова) театрів. 1920-ті роки - період інтенсивних експериментів як у галузі форми, так і змісту балетного спектаклю. З'являються і постановки Пролеткульту на політичні та соціальні теми, і в Москві роботи Касьяна Голейзовського (1892-1970), а в Петрограді (1924 перейменованому в Ленінград) різноманітні постановки Федора Лопухова (1886-1973), в тому числі його Велич2 ) на музику Четвертої симфонії Бетховена Червоний мак на музику Р.М.Глієра, балет, поставлений у 1927 р. Василем Тихомировим (1876-1956) та Львом Лащіліним (1888-1955) у Москві, послужив прототипом багатьох наступних радянських балетів: це багатоактний спектакль, темою героїчні вчинки, а спеціально написана музика має симфонічний характер. Такі балети, як в 1932 Полум'я Парижа Василя Вайнонена (1901-1964), а в 1934 Бахчисарайський фонтан Ростислава Захарова (1907-1984) - обидва з музикою Бориса Асаф'єва, як в 1939 Лауренс ) й у 1940 Ромео і Джульєтта Леоніда Лавровського (1905-1967) (музика Прокоф'єва), можуть бути прикладом тих естетичних принципів, яким слідували як головні трупи - Театр їм. С.М.Кірова в Ленінграді та Великий театр у Москві - але й усі приблизно 50 театрів, які працювали в країні. Хоча окремі знахідки 1920-х років і зберігалися, переважали спектаклі, орієнтовані на радянську політичну ідеологію, а манеру виконання відрізняли кантиленність у виконанні рухів і гнучкість (особливості в області рук і спини), при одночасному розробці високих стрибків, акроба підйом на одній руці кавалера) та стрімких вірень, що надавало радянським балетам особливу драматичну експресію. Одним із педагогів, що сприяло виробленню цього стилю, була Агрипіна Ваганова (1879-1951). Колишня танцівниця Маріїнського театру, вона почала викладати після закінчення своєї виконавської кар'єри. Ставши педагогом Ленінградського хореографічного училища, Ваганова виробила програму та підручник класичного танцю та готувала своїх учениць, щоб вони могли виконувати як великі романтичні балети минулого, так і нові радянські, з їхньою віртуозною технікою. По всьому Радянському союзу, а також у Східній Європі в основу навчання було покладено систему Ваганової. Глядачі у Західній Європі та США були практично не знайомі із радянським балетом до середини 1950-х років, коли балетні трупи Театру ім. Кірова та Великого театру вперше виїхали на гастролі на Захід. Інтерес до нього викликала вражаючу майстерність балерин Великого театру Галини Уланової (1910-1998), яка з проникливим ліризмом передала почуття Жизелі і Джульєтти, і Майї Плісецької (р. 1925), що вразила своєю блискучою технікою в ролі Одет. У той час як Великий театр втілював найефектніші особливості радянського стилю, класична чистота танцівників Кіровського театру знайшли вираз у таких артистів, як Наталія Дудинська (р. 1912) та Костянтин Сергєєв (1910-1992), які сприяли відродженню традицій Петипу. Великих успіхів досягли наступні покоління артистів: Катерина Максимова (нар. 1939), Володимир Васильєв (нар. 1940), Наталія Безсмертнова (нар. 1941) та В'ячеслав Гордєєв (нар. 1948) у Великому театрі, Ірина Колпакова (нар. 1933). Алла Сізова (нар. 1939) та Юрій Соловйов (1940-1977) у Кіровському театрі. У 1961 році Нуреєв, один з провідних танцівників Кіровського театру, залишився на Заході під час гастролей трупи у Франції. Два інших видатних артиста того ж театру - Наталія Макарова та Михайло Баришніков - зробили так само (Макарова - у Лондоні 1970, Баришніков - у Канаді 1974). У 1980-х роках адміністративний та політичний тиск на мистецтво в Радянському Союзі ослаб, Олег Виноградов (нар. 1937), який керував балетною трупою Театру ім. Кірова з 1977, почав вводити в репертуар балети Баланчина, Тюдора, Моріса Бежара (нар. 1927) та Роббінса. Менш схильний до нововведень був Юрій Григорович (нар. 1927), який з 1964 стояв на чолі балету Великого театру. Його ранні постановки – Кам'яна квітка (музика Прокоф'єва, 1957) та Спартак (музика А.І.Хачатуряна, 1968) – типово радянські спектаклі. Григорович спирається на видовищні ефекти, впевнено керує великою масою танцівників, що активно рухаються, широко користується народним танцем, віддає перевагу героїчним сюжетам. Протягом багатьох років на сцені Великого театру йшли майже виключно балети Григоровича або його переробки старовинних вистав, таких як Лебедине озеро. До кінця 1980-х років Ірек Мухамедов (р. 1960) та Ніна Ананіашвілі (р. 1963) з Великого театру, а також Алтинай Асилмуратова (р. 1961) та Фарух Рузіматів (р. 1963) з Театру ім. Кірова отримали дозвіл виступати з провідними балетними трупами на Заході, потім увійшли до складу цих колективів. Навіть Виноградов і Григорович почали шукати можливість проявити свої таланти поза Росією, де державне фінансування театрів значно скоротилося після розпаду СРСР 1991-го. У 1995 році Григорович був замінений на посаді керівника балету Великого театру Володимиром Васильєвим. Інші трупи у Санкт-Петербурзі – балет Малого театру опери та балету ім. М. П. Мусоргського (до 1991 іменувався Малим театром опери та балету), Санкт-Петербурзький "Театр балету Бориса Ейфмана", який очолює хореограф Борис Ейфман (р. 1946), трупа Хореографічні мініатюри, створена Леонідом Якобсоном1 працював у Театрі ім. Кірова в 1942-1969, чиї роботи здобули популярність на Заході. У Москві працює трупа Музичний театрім. К.С. Станіславського та Вл.І.Немировича-Данченка, Театр класичного балету. На увагу заслуговує трупа "Експеримент", створена в Пермі Євгеном Панфіловим (нар. 1956). Розпад Радянського Союзу і економічна криза принесла величезні труднощі балетним трупам, які до цього щедро субсидувалися державою. Багато танцівників і педагогів залишили країну, щоб влаштуватися в США, Англії, Німеччині та інших. західних країнах. В період холодної війнибагато країн східної Європи, що входили до радянського блоку, дотримувалися радянських принципів як у навчанні танцівників, так і в постановці вистав. Коли кордони відкрилися, багато артистів із цих країн, особливо з Угорщини та Польщі, долучилися до досягнень хореографії західних труп, що приїжджали до них, і самі почали виїжджати за межі своїх країн.
Франція.Французький балет на початку ХХ ст. перебував у стані кризи. Російські артисти, яких запрошували до Паризької опери, зокрема з трупи Дягілєва були набагато сильнішими за французьких виконавців. Після смерті Дягілєва провідний танцівник його трупи Сергій Лифар (1905-1986), який колись приїхав до Франції з України, очолив балет Паризької опери і залишався на цій посаді 1929-1945, потім 1947-1958. Під його керівництвом виросли чудові танцівники, насамперед чудова лірична балерина Івет Шовіре (р. 1917), що прославилася виконанням ролі Жизелі. Найцікавіші експерименти у сфері хореографії проводилися поза Паризької опери, зокрема, Роланом Петі і Морісом Бежаром. Петі (р. 1924) пішов з Опери в 1944 і створив "Балет Єлисейських полів", де поставив, серед інших спектаклів, балет Юнак і Смерть (1946, на музику І.С.Баха) для молодого та динамічного танцівника Жана Бабіле ( нар. 1923). Потім для трупи "Балет Парижа" він створив одну зі своїх найзнаменитіших і мали довге життя постановок - Кармен (1949, на музику Ж. Бізе) з Рене (Зізі) Жанмер (р. 1924). Почуття театральності, яким наділений Петі, дозволило йому працювати в різних жанрах і брати участь у комерційних заходах. У 1972-1998 він очолював трупу "Національний балет Марселя", де поставив багато стильних та гостро театральних вистав. Слідом за Ліфарем трупу Паризької опери очолювали один за одним такі відомі майстри, як Харалд Ландер (1905-1971), Жорж Скібін (1920-1981), Віолетта Верді та Розелла Хайтауер (нар. 1920). Репертуар збагатився за рахунок творів Петі та Бежара, Баланчина, Роббінса, Григоровича, Глена Тетлі, а також представників американського танцю модерну Пола Тейлора (р. 1930) та Мерса Каннінгема. У 1983 році на посаду керівника був призначений Рудольф Нуреєв. Він приділив особливу увагу розвитку таких балерин, як Сільві Гійєм (р. 1965) та Ізабель Герен (р. 1961), і надав трупі можливість пробувати сили в хореографічних творах різних напрямків, одночасно зберігаючи класику. Після відходу Нуреєва (1989) у трупу повернувся, тепер уже як керівник, її колишній провідний танцівник, який мав звання "зірки", Патрік Дюпон (нар. 1959). У 1970-х та 1980-х роках французькі провінційні трупи стали отримувати державну підтримкута набули міжнародної популярності. На особливу увагу заслуговує трупа "Балет департаментів Рейну", яка під керівництвом Жана Поля Грав'є показала кілька реконструкцій вистав 18 ст., зроблених на основі ретельних історичних досліджень, зроблених шведським хореографом Іво Крамером (р. 1921), зокрема, балети. Медея та Язон Новерра (музика Жана Жозефа Родольфа). "Балет Ліонської опери" виконує стилізовані драматичні танцювальні вистави, поставлені хореографом Магі Марен (нар. 1947).
ДаніяБалет у Данії вступив у 20 ст., у стані застою. Тут завдяки Гансу Беку зберігали спадщину Августа Бурнонвіля, але відсутність ініціативи призвела до того, що розвиток Королівського балету в Копенгагені припинився. Деяке пожвавлення його діяльності настало у період 1932-1951, коли трупу очолював Харалд Ландер (Ланнер), учень Бека. Ландер зберігав твори Бурнонвіля, по можливості в їхній початковій редакції, але також ставив власні балети: найвідоміший з них - Етюди (1948, на музику К.Черні в обробці Кнудоге Рісагера), де на сцену винесено та театралізовано основні компоненти балетного навчального класу. У 1951 Ландер призначив художнім консультантом трупи Віру Волкову (1904-1975), на той час найавторитетнішого на Заході знавця системи Ваганової. Її зусиллями данські танцівники освоїли нову технікущо відкрило перед ними нові можливості при виконанні творів різних стилів. Трупа вийшла з ізоляції, гастролювала у Європі, Росії, на американському континенті. Витонченість і радісне пожвавлення, властиві стилю Бурнонвіля, справили найсприятливіше враження, як і бравурність танцю, яка вирізняла виконання датських танцівників, насамперед Еріка Бруна. Підготовку танцівників-чоловіків було визнано одним із головних досягнень датської школи. У 1960-х і 1970-х роках надзвичайно зріс інтерес до історії балету, і вистави Бурнонвіля стали вивчатися як найбільш достовірний приклад романтичних балетних творів, що збереглися, що спонукало датський Королівський балет провести в 1979 і 1992 фестивалі балетів Бурнонвіля. Після Ландера колектив працював під керівництвом багатьох артистів, серед яких Флеммінг Фліндт (нар. 1936), Хеннінг Кронштам (нар. 1934) та Франк Андерсен (нар. 1954). У 1994 трупою керував Петер Шауфус, а 1996-1999 - англійка Майна Гілгуд (нар. 1945). Репертуар датського Королівського балету поступово розширювався за рахунок творів іноземних хореографів, одночасно балети Бурнонвіля почали включати до репертуару. танцювальних колективівпо всьому світу. У 1982 "Національний балет Канади" поставив повністю балет Неаполь (музика Нільса Вільгельма Гаде, Едварда Матса Еббе Хельстеда, Хольгера Симона Пауллі та Ханса Крістіана Лумбю), а в 1985 "Балле Вест" в американському місті Солт-Лейк. ), Керований Брюсом Марксом і Тоні Ландер, показав реконструкцію балету Абдалла (музика Хольгера Симона Пауллі), який до цього не виконувався протягом 125 років.
Німеччина.Упродовж першої половини 20 ст. у Німеччині найбільш значним явищем був розвиток вільного танцю, який отримав тут найменування "виразного" - Ausdruckstanz. Після Другої світової війни уряди ФРН та НДР чимало уваги приділили підтримці балетних труп. У всіх основних містах Західної Німеччини при оперних театрах були створені самостійні балетні колективи, які ставили свої спектаклі, одночасно беручи участь в операх. Джон Кранко з Англії (1927-1973), який виступав і поставив ряд вистав в англійській трупі "Седлерс Уеллс тіетр бале", очолив балет Штутгарта в 1961 і сформував великий репертуар зі своїх багатоактних спектаклів, багато в чому . Це Ромео та Джульєтта (музика Прокоф'єва, 1962). Онєгін (1965, на музику Чайковського в обробці К. Х. Штольце) та Приборкання норовливої ​​(1969, на музику А. Скарлатті в обробці К.-Х. Штольце), балети, успіх яких немало залежав від участі в них чудової танцівниці Марсії Хай (р. 1939), бразилійки за походженням, та її партнера американця Річарда Крегана (р. 1944). Трупа незабаром набула світової слави; після передчасної смерті Кранко її очолив Глен Тетлі, який поставив на згадку Кранко балет Соло на органі (Voluntaries, 1973, на музику Ф.Пуленка). Серед головних здобутків Кранка була створена ним творча майстерня, де могли експериментувати молоді хореографи. Тут почали працювати, зокрема, американці Вільям Форсайт та Джон Ноймайєр (нар. 1942), а також чех Іржі Кіліан (нар. 1947). Усі вони стали провідними хореографами у балетних театрах Європи наступних десятиліть. Ноймайєр очолив у 1973 балет у Гамбурзі і створив там багатий репертуар, одночасно з власних редакцій класичних спектаклів та оригінальних постановок на релігійні та філософські теми, де використовував музику Малера, Стравінського та Баха Його балет Страсті зі св. Матвію (1981) тривав чотири години. Форсайт увійшов до складу трупи "Штутгартський балет" незадовго до смерті Кранка і танцював тут, водночас ставлячи спектаклі, до 1984 року, коли був запрошений на посаду керівника "Балету Франкфурта". Перебуваючи під впливом ідей, поширених у сучасної літератури, Форсайт застосував їх у балеті. У його хореографії очевидна та ж фрагментарність, яка відрізняє літературу епохи постмодерну, в танець часто включені словесні уривки, використовуються прийоми, що стосуються інших видів мистецтва. Техніка танцю заснована на граничній енергії, порушенні природної рівноваги, і її мета - передати романтичні взаємини в момент найвищої напруги. Такі балети Любовні пісні (1979, музика народна) і Посеред, на деякому піднесенні (In the middle, somewhat elevated, музика Леслі Штука і Тома Вілемса), який був поставлений Форсайтом на запрошення Нуреєва в Паризькій опері в 1988. Форсайт охоче використав у своїх постановках різку за звучанням електронну музику голландця Тома Віллемса, яка сприяла створенню атмосфери відчуженості та неясної тривоги.
Нідерланди.До Другої світової війни у ​​Нідерландах найбільш сильним був вплив німецького вільного танцю. Після війни зріс інтерес до балету і в Амстердамі була створена трупа "Голландський національний балет". У 1959 низка танцівників і хореографів, залишивши цю трупу, заснували "Нідерландський танцювальний театр", який влаштувався в Гаазі і присвятив себе виключно сучасній хореографії. Ці дві трупи часто обмінювалися як артистами, і виставами. Ханс ван Манен (р. 1932) та Руді ван Данциг (р. 1933), художній керівник"Голландського національного балету", разом із Гленом Тетлі формували репертуар "Нідерландського танцювального театру". В основі творчості Тетлі лежать різні впливи: це і Ханья Хольм (1898-1992) і Марта Грехем, і Джером Роббінс, і "Американ бале тіетр"; недарма він використовує у своїх постановках як пальцеву техніку балету, так і перегини корпусу та підкреслено експресивні руки, властиві танцю модерн, але не користується стрибками та заносками, розробленими у класичному танці. Балети ван Данцига і ван Манена подібні з балетами Тетлі в тому, що в них є змішання різних технічних прийомів. Вражаюча робота ван Данцига Пам'ятник юнакові, який помер (1965, музика Яна Бермана) виконувалася багатьма балетними трупами світу. У 1978 керівником "Нідерландського танцювального театру" став Іржі Кіліан, якого нерідко порівнюють з Тюдором, тому що обидва вони торкаються хвилюючих людей тем і воліють використовувати музику композиторів Центральної Європи. Кіліан до змішаного стилю своїх попередників додав нові якості: широке використання рухів, що виконуються лежачи на підлозі, драматичні скульптурні ефекти, високі підтримки та обертання. Його створені на музику Л.Яначека і балети, що виконуються в багатьох країнах Повернення в чужу країну (1974 і 1975 - дві редакції) і Сімфонієтта (1978) демонструють можливості, які відкриваються, коли малюнок танцю будується на фігурах танцюючих, що близько розташовані один до одного. Зацікавившись культурою австралійських аборигенів, хореограф створив у 1983 році балети Постійно відвідуване місце (Stamping Ground, музика Карлоса Чавеза) та Час сну (Dreamtime, музика Такеміцу). На початку 1990-х років Кіліан приєднав до основної трупи ще одну трупу – "Нідерландський театр 3". "Балет Скапіно", що працює в Роттердамі під керівництвом Нільса Крісте (р. 1946), - ще одна голландська трупа, яка привернула увагу своїми сучасними за духом постановками.
Балетне мистецтво у всьому світі.У міру того, як до середини 20 ст. зростала роль балету, трупи стали створюватися майже у всіх країнах обох Америк, Європи, Азії, зокрема у деяких районах Середню Азію та Африки, соціальній та Австралії та Нової Зеландії. Балет знайшов собі місце навіть у країнах із власною багатою танцювальною традицією, таких, як Іспанія, Китай, Японія та Мала Азія. Моріс Бежар, який виріс у післявоєнній Франції, створив у 1960 трупу "Балет ХХ століття" у Брюсселі. Ця трупа, як і організована при ній вельми незвичайна школа під назвою "Мудра", мала на меті пропагувати мистецтво балету, демонструючи танцювальні драми, засновані на психології та сучасних філософських ідеях . Багато вистав йшли на стадіонах, щоб їх могло бачити якнайбільше глядачів. Бежар спростовував часто цитоване твердження Баланчина, що "балет - це жінка", і приділяв головну увагу танцівникам-чоловікам: наприклад, у балеті Жар-птиця (на музику сюїти Стравінського, 1970) він замінив виконавицю головної партії юнаків, який зображує партизана. Проте в його трупі протягом п'яти років танцювала провідна балерина Баланчіна Сьюзен Фаррелл, яка тимчасово залишила нью-йоркську трупу після того, як вона вийшла заміж. У 1987 році Жерар Мортьє, директор брюссельського "Театр де ля Монне", при якому працював "Балет ХХ століття", запропонував Бежару скоротити витрати і зменшити склад трупи. Не згодний із цими вимогами Бежар почав шукати інше місце, де міг би продовжити роботу. Йому було зроблено численні пропозиції з різних країн Європи, і він вибрав Лозанну у Швейцарії. Тепер його трупа зветься "Балет Бежара". Останні десятиліття 20 в. італійська балерина Карла Фраччі, Алессандра Феррі (р. 1963) та Вівіана Дюранте, провідна танцівниця англійського Королівського балету, з величезним успіхом виступали за межами Італії, але у себе на батьківщині не знайшлося театру, де вони могли б знайти гідне застосування своїм талантам. В Іспанії, де традиції національного танцю, як і раніше, сильніші за будь-які нововведення, все ж таки з'явився місцевий хореограф, відданий класичному балету, - Начо Дуато (р. 1957), який очолює "Балет лірико насіонал". Дуато, у минулому артист "Нідерландського танцювального театру", ставить танці, які поєднують кантиленність, властиву Кіліану, з шаленою пристрастю. У 1920-х роках шведський імпресаріо Рольф де Маре (1898-1964) заснував у Парижі трупу "Шведський балет", хореографом якої був Жан Берлін (1893-1930). Цей колектив ставив сміливі експерименти і протягом кількох років свого існування, з 1920 по 1925, змагався з "Російським балетом Дягілєва". Королівським шведським балетом, що знаходився з 1773 року в будівлі Королівської опери в Стокгольмі, керував у 1950-1953 Антоні Тюдор. У 1950 році тут пройшла прем'єра балету Біргіт Кульберг (р. 1908) Фрекен Юлія (музика Туре Рангстрема), який досі виконується багатьма трупами світу. У 1963 Тюдор, знову запрошений до Королівського балету, поставив Ехо труб (на музику Богуслава Мартіну). Біргіт Кульберг, яка навчалася у Курта Йоосса та Марти Грехем, заснувала власну трупу в 1967 і експериментувала над поєднанням в одному спектаклі класичної хореографії та танцю модерн. Її син Матс Ек (р. 1945), який очолював "Кульберг балле" з 1990, здійснив там зовсім нові, що ні в чому не нагадують традиційні постановки балетів Жизель і Лебедине озеро. У 20 ст. виникли три значні канадські трупи: "Королівський Вінніпезький балет", заснований під назвою "Вінніпезький балетний клуб" у 1938 та до 1949 став професійною трупою; "Національний балет Канади", створений у Торонто у 1951; і "Великий Канадський балет", який розпочав свою діяльність у Монреалі в 1957. "Національний балет Канади" заснувала Селія Франка (р. 1921), яка виступала в англійських трупах "Балле Рамбер" та "Седлерс Уеллс балле". Спираючись на досвід "Седлерс Уеллс балле", вона почала з постановки класичних балетів 19 ст. Франка керувала трупою до 1974 року, потім її змінив Александер Грант (нар. 1925). У 1994-1996 керівником трупи був Рейд Андерсон (нар. 1949), а в 1996 на цю посаду був призначений Джеймс Куделька (нар. 1955). Швидко розвивався балет на Кубі. Алісія Алонсо, одна з найвідоміших балерин "Американ балле тіетр" у США, повернулася на батьківщину після революції Фіделя Кастро в 1959 і створила трупу "Національний балет Куби". Сценічна життя самої Алонсо була дуже довгим, вона перестала виступати лише у віці шістдесяти років. У Буенос-Айресі в різний час працювало багато великих танцівників і хореографів, зокрема Ніжинська та Баланчин. Аргентинці Хуліо Бокка та Палома Еррера (р. 1975), які стали провідними танцівниками "Американ балле тіетр", почали навчатися танцю в Буенос-Айресі. Багато російських танцівників після революції 1917 виїжджали з країни через азіатський кордон. Деякі їх тимчасово чи назавжди влаштувалися у Китаї. Після Другої світової війни у ​​Китаї працювали педагоги та балетмайстри з СРСР. У період китайської культурної революції 1960 р. радянський вплив ослаб, і стали створюватися національні твори, такі, як Червоний жіночий батальйонабо Сива дівчина (обидва в 1964). Ці спектаклі - зразки напряму, що заперечує ліризм у балеті як упадництво, їхня прикметна риса - залізна дисципліна і чіткість у масових танцях, що виконуються кордебалетом на пальцях. У міру того, як у 1970-х та 1980-х роках зростав іноземний вплив, у багатьох містах Китаю з'явилися нові балетні трупи. Створюються вони й у містах багатьох інших країнах Азії.
Висновок.До кінця 20 ст. все ясніше вималювалися проблеми, які стоять перед балетним мистецтвом. У 1980-і роки, коли померли Баланчин, Аштон і Тюдор (у 1980-х роках), а Роббінс відійшов від активної діяльності, виник творчий вакуум Більшість молодих хореографів, які працювали наприкінці 20 ст., були не дуже зацікавлені в розробці ресурсів класичного танцю. Вони віддавали перевагу змішанню різних танцювальних систем, причому класичний танецьз'являється збідненим, а танець модерн - позбавленим оригінальності у виявленні тілесних можливостей. У прагненні передати те, що є істотою сучасного життяхореографи користуються пальцевою технікою як би для акцентування думки, але ігнорують традиційні рухи рук (port de bras). Мистецтво підтримки звелося до певної взаємодії між партнерами, коли жінку тягають по підлозі, кидають, кружляють, але майже ніколи не підтримують і не танцюють з нею. Більшість труп будують репертуар, включаючи до нього класику 19 ст. (Сільфіда, Жизель, Лебедине озеро, Спляча красуня), найвідоміші балети майстрів 20 ст. (Фокіна, Баланчина, Роббінса, Тюдора та Аштона), популярні постановки Макміллана, Кранко, Тетлі та Кіліана та роботи нового покоління хореографів, таких як Форсайт, Дуато, Джеймс Куделька. У той самий час танцівники отримують кращу підготовку, т.к. стало більше обізнаних вчителів. Порівняно нова область танцювальної медицини відкрила танцівником доступ до техніки запобігання травмам. Існує проблема прилучення танцівників до музики. Поширена популярна музика не знає різноманітності стилів, у багатьох країнах навчання музичній грамоті стоїть на низькому рівні, при постановці танців постійно використовуються фонограми – все це заважає розвитку музичності у танцівників. Новим явищем останніх десятилітьстали балетні конкурси, перший з яких пройшов у Варні (Болгарія) у 1964. Вони залучають не лише преміями, а й можливістю здатися суддям, які представляють найпрестижніші організації. Поступово конкурсів побільшало, не менше десяти у різних країнах; деякі пропонують разом гроші стипендії. У зв'язку із потребою у балетмейстерах виникли також конкурси хореографів.

• - Першу виставу в Москві - «Балет про Орфея і Євридика» поставлено в 1673 шведом Н. Лімом. У 1773 при московському Виховному будинку було відкрите відділення...

  Москва (енциклопедія)

• - класичний вперше з'явився в Японії в 1912 р., коли туди приїхав італійський балетмейстер Джованні Росі, який протягом трьох років викладав танець у театрі "Тейкоку гекідзе".

  Уся Японія

• - балет, вид сценічного мистецтва: музично-хореографічна театральна вистава, в якій всі події, характери та почуття персонажів передаються за допомогою танцю.

  Художня енциклопедія

• - - Вид сценіч. позов-ва; спектакль, зміст якого втілюється в муз.-хореографіч. образи. На основі загального драматургіч. плану Б. поєднує музику, хореографію та образотворче позов-во...

  Музична енциклопедія

• - Розкриємо томик Пушкіна: Театр вже сповнений; ложі блищать; Партер і крісла - все вирує; У райці нетерпляче хлюпають, І, звившись, завіса шумить...

  Музичний словник

• - вид театрального мистецтва, де основним виразним засобомслужить так званий "класичний" танець; сценічний твір, що належить цьому виду мистецтва.

  Енциклопедія Кольєра

Коли ми говоримо про балет, то завжди маємо на увазі творчість, оскільки саме він вивів цей сценічний жанр у розряд серйозних і масштабних музично-сценічних уявлень. У нього всього три балети і всі три – «Лебедине озера», «Лускунчик», «Спляча красуня», славляться чудовою драматургією та чудовою музикою.

Найпопулярніший балетний твір Петра Чайковського, який практично у всіх на слуху - "Реал", написаний в1877 році. Безліч фрагментів із цієї танцювальної вистави – «Танець маленьких лебедів», «Вальс» та інші, вже давно живуть своїм, окремим життям, як популярні музичні композиції. Втім, і вся вистава, яка розповідає про історію кохання, варта уваги меломанів. Чайковський, який ще за життя був відомий завдяки своєму дивовижному композиторському таланту, щедро нагородив балет незліченною кількістю чарівних мелодій.

Ще один із найкращих балетів у музичній історії – «» Чайковського. Це було друге звернення композитора до танцювального жанру, і якщо «Лебедине озеро» публіка спочатку не оцінила, то «Красуня» одразу була визнана шедевром і йшла практично у всіх театрах Російської Імперії та Європи.

Балет заснований на сюжеті відомої нам ще з дитинства, казкової історії Шарля Перро про Сплячу красуню, злу фею і всепереможне кохання. Чайковський доповнив цю історію чудовими танцями казкових персонажів, а Маріус Петипа – дивовижною хореографією, які на місці стали енциклопедією балетного мистецтва.

« » - третій та останній балет Петра Чайковського, одна з визнаних вершин його творчості, яка обов'язково йде у всіх театрах Європи напередодні Різдва та Нового Року. Казка Гофмана «Лускунчик і мишачий король» продовжує тему боротьби зла та добра розпочату Чайковським ще у «Лебединому озері», доповнює її елементами фантастики та, природно, любові та самопожертви. Філософська казка, численні прекрасні мелодії танцювальних номерів та хореографія роблять цей балет одним із найкращих та найзатребуваніших класичних музичних творів світової музики.

Свого часу це був один із найскандальніших балетів. Тепер «Ромео та Джульєтта» – одна з класичних танцювальних постановок у багатьох театрах світу. Нова, багато в чому революційна музика композитора, вимагала від трупи нових сценографії та манери рухів. До прем'єри композитору буквально доводилося вмовляти постановників і танцюристів брати участь у постановці. Втім, це не допомогло, головні театри країни – Більший та Кіровський театри відмовилися ставити цю виставу. Тільки після несподіваного та приголомшливого успіху «Ромео та Джульєтти» у Чехословаччині, балет поставили у Пітері та Москві, а самого Прокоф'єва нагородили Сталінською премією.

Класична вистава всіх танцювальних труп світу – «Жизель». В основі балету легенда про вілліси - духи наречених, які померли від нещасного кохання і тому переслідували в шаленому танці всіх юнаків на своєму шляху. З моменту прем'єри у 1841 році «Жизель» не втрачала своєї популярності у любителів танцювального мистецтваі мала безліч постановок.

Балет називають невід'ємною частиною мистецтва нашої країни. Російський балет вважається найавторитетнішим у світі, еталоном. У цьому огляді зібрані історії успіху п'яти великих російських балерин, на яких досі дорівнюють.

Анна Павлова

Видатна балерина Анна Павлованародилася в сім'ї, далекій від мистецтва. Бажання танцювати з'явилося у неї у 8-річному віці після того, як дівчинка побачила балетну постановку «Спляча красуня». У 10 років Ганну Павлову прийняли до Імператорського театрального училища, а після його закінчення – до трупи Маріїнського театру.

Що цікаво, балерину-початківцю не поставили в кордебалет, а відразу ж стали давати їй відповідальні ролі в постановках. Анна Павлова танцювала під керівництвом кількох балетмейстерів, але найвдаліший і плідніший тандем, який справив основний вплив на її манеру виконання, вийшов із Михайлом Фокіним.

Анна Павлова підтримувала сміливі ідеї балетмейстера і охоче погоджувалася на експерименти. Мініатюра «Вмираючий лебідь», яка згодом стала візитівкою російського балету, була практично експромтом. У цій постановці Фокін дав балерині більше свободи, дозволив самостійно відчути настрій Лебедя, імпровізувати. В одній з перших рецензій критик захоплювався побаченим: «Якщо можна балерині на сцені наслідувати рухи шляхетної з птахів, то це досягнуто: ».

Галина Уланова

Доля Галини Уланової була зумовлена ​​від початку. Мати дівчинки працювала балетним педагогом, тому Галині, навіть якби дуже й хотілося, то не вдалося обминути балетний верстат. Роки виснажливих тренуваньпризвели до того, що Галина Уланова стала найтитулованішою артисткою Радянського Союзу.

Після закінчення хореографічного технікуму в 1928 Уланову прийняли в балетну трупу Ленінградського театру опери і балету. З перших постановок молода балерина привернула увагу глядачів та критиків. Вже за рік Улановій довірили виконувати провідну партію Одетти-Оділлії у «Лебединому озері». Однією з тріумфальних ролей балерини вважається Жизель. Виконуючи сцену божевілля героїні, Галина Уланова робила це настільки проникливо та самозабутньо, що у залі не могли стримати сліз навіть чоловіки.

Галина Улановадосягла. Їй наслідували, педагоги провідних балетних шкіл світу вимагали від учнів робити па як Уланова. Уславлена ​​балерина – єдина у світі, кому поставили пам'ятники за життя.

Галина Уланова танцювала на сцені до 50 років. Вона завжди була суворою і вимогливою до себе. Навіть у похилому віці балерина щоранку починала із занять та важила 49 кг.

Ольга Лепешинська

За пристрасний темперамент, іскрометну техніку та точність рухів Ольгу Лепешинськупрозвали «Стригозою-стрибункою». Балерина народилася у ній інженерів. З раннього дитинствадівчинка буквально марила танцями, тому батькам нічого не залишалося, як віддати її до балетної школи при Великому театрі.

Ольга Лепешинська легко справлялася як із класикою балету («Лебедине озеро», «Спляча красуня»), так і з сучасними постановками («Червоний мак», «Полум'я Парижа».) У роки Великої Вітчизняної війни Лепешинська безстрашно виступала на фронті, піднімаючи бойовий дух солдатів.

Title="(!LANG:Ольга Лепешинська -
балерина із пристрасним темпераментом. | Фото: www.etoretro.ru." border="0" vspace="5">!}

Ольга Лепешинська -
балерина із пристрасним темпераментом. | Фото: www.etoretro.ru.

Незважаючи на те, що балерина була улюбленицею Сталіна і мала безліч нагород, вона була дуже вимогливою до себе. Будучи вже в похилому віці, Ольга Лепешинська говорила, що її хореографію не можна було назвати визначною, але «природна техніка та вогняний темперамент» робили її неповторною.

Майя Плісецька

Майя Плісецька- ще одна видатна балерина, Ім'я якої золотими літерами вписано в історію російського балету. Коли майбутній артистці було 12 років, її вдочерила тітка Суламіф Мессерер. Батька Плісецької розстріляли, а матір із маленьким братом вислали до Казахстану до табору для дружин зрадників Батьківщини.

Тітка Плісецька була балериною Великого театру, тому Майя теж почала відвідувати заняття з хореографії. Дівчинка досягла великих успіхівна цій ниві і після закінчення училища було прийнято до трупи Великого театру.

Вроджений артистизм, виразна пластика, феноменальні стрибки Плісецької зробили її примою-балериною. Майя Плісецька виконала провідні партії у всіх класичних постановках. Особливо їй вдавалися трагічні образи. Також балерина не боялася експериментів у сучасній хореографії.

Після того, як у 1990 році балерину звільнили з Великого театру, вона не зневірилася і продовжила давати сольні виступи. Енергія, що б'є через край, і дозволили Плісецькій дебютувати у постановці «Аве Майя» у день свого 70-річчя.

Людмила Семеняка

Прекрасна балерина Людмила Семенякавиступила на сцені Маріїнського театру, коли їй виповнилося лише 12 років. Талановитий дар не міг залишитися непоміченим, тому через деякий час Людмила Семеняка була запрошена до Великого театру. Значний вплив на творчість балерини мала Галина Уланова, яка стала її наставницею.

Семеняка настільки природно і невимушено справлялася з будь-якою партією, що здавалося, ніби вона не докладає жодних зусиль, а просто насолоджується танцем. 1976 року Людмила Іванівна була удостоєна премії імені Анни Павлової від Паризької академії танцю.

Наприкінці 1990-х років Людмила Семеняка повідомила про завершення кар'єри балерини, але продовжила свою діяльність як педагог. З 2002 року Людмила Іванівна – педагог-репетитор у Великому театрі.

Ось тільки освоював він майстерність балету в Росії, а більшість життя виступав у США.

Як не крути, а не можна залишити без уваги знаменитий шедевр російського композитора в чотирьох актах, завдяки якому німецька легенда про прекрасну дівчину-лободу увічнена в очах поціновувачів мистецтва. За сюжетом принц, закоханий у королеву лебедів, зраджує її, але навіть усвідомлення помилки не рятує ні його, ні його кохану від стихії, що розбушувалася.

Образ головної героїні– Одетти – начебто доповнює галерею жіночих символів, створених композитором за своє життя. Примітно, що автор балетного сюжету досі залишається невідомим, і на жодній афіші ніколи не значилися імена лібретистів. Вперше балет було представлено ще 1877 року на сцені Великого театру, проте перший варіант було визнано невдалим. Найвідоміша постановка - Петипа-Іванова, яка і стала зразком для всіх наступних уявлень.

Найкращі балети світу: «Лускунчик» Чайковського

Популярний напередодні Нового року балет для дітей «Лускунчик» був представлений публіці в 1892 р. на сцені відомого Маріїнського театру. В основі його сюжету лежить казка Гофмана «Лускунчик і мишачий король». Боротьба поколінь, протиборство добра і зла, мудрість, що ховається за маскою, – глибокий філософський сенсказки одягнені в яскраві музичні образи, зрозумілі наймолодшим глядачам

Дія розгортається взимку, напередодні Різдва, коли всі бажання можуть здійснитися – і це надає додаткового шарму чарівної історії. У цій казці можливо все: заповітні бажаннястануть дійсністю, маски лицемірства спадуть, а несправедливість буде обов'язково переможена.

************************************************************************

Найкращі балети світу: «Жизель» Адана

«Кохання, яке сильніше за смерть» – мабуть, найточніший опис знаменитого балету в чотирьох діях «Жизель». Історія дівчини, що гине від гарячої любові, що віддала своє серце зарученому з іншою нареченою знатному юнакові, так яскраво передається в граціозних па струнких віліс - наречених, що померли до весілля.

Балет мав грандіозний успіх уже з першої постановки у 1841 році, і протягом 18 років на сцені Паризької Опери було дано 150 театральних вистав твору знаменитого французького композитора. Ця історія настільки підкорила серця поціновувачів мистецтва, що на честь головної героїні історії був навіть названий відкритий в наприкінці XIXстоліття астероїд. А сьогодні вже наші сучасники подбали про збереження однієї з найбільших перлин. класичного творуу кіноверсіях класичної постановки.

************************************************************************

Найкращі балети світу: «Дон Кіхот» Мінкусу

Епоха великих лицарів давно минула, але це зовсім не заважає сучасним юним панночкам мріяти про зустріч із Дон Кіхотом XXI століття. У балеті точно передаються усі деталі фольклору мешканців Іспанії; і багато майстрів намагалися поставити сюжет про шляхетне лицарство в сучасній інтерпретації, але саме класична постановка вже сто тридцять років прикрашає російську сцену.

Балетмейстер Маріус Петип зміг вміло втілити в танці весь колорит іспанської культури завдяки використанню елементів національних танціва деякі жести і пози безпосередньо вказують на те місце, де розгортається сюжет. Історія не втратила своєї значущості і сьогодні: і Дон Кіхот і в XXI столітті вміло надихає гарячих серцем молодих людей, здатних на запеклі вчинки в ім'я добра та справедливості.

************************************************************************

Найкращі балети світу: «Ромео та Джульєтта» Прокоф'єва

Безсмертна історія двох люблячих сердець, що з'єдналися лише після смерті назавжди, втілюється на сцені завдяки музиці Прокоф'єва. Постановка відбулася незадовго до Другої світової війни, і треба віддати належне відданим своїй справі майстрам, які встояли проти порядків, які мали звичай на той час, і в творчій сфері сталінської країни: композитор зберіг традиційне трагічне закінчення сюжету.

Після першого грандіозного успіху, який удостоїв виставу Сталінської премії, було багато версій, але буквально 2008 року відбулася традиційна постановка 1935 року в Нью-Йорку з невідомим до цього моменту публіці щасливим закінченням знаменитої історії.

************************************************************************

Приємного перегляду!