شرح سبک امپرسیونیسم Impressi - تاریخچه امپرسیونیسم

برای من، سبک امپرسیونیسم، اول از همه، چیزی هوادار، زودگذر است که به طور اجتناب ناپذیری از بین می رود. این همان لحظه شگفت انگیزی است که چشم به سختی قادر به رفع آن است و پس از آن برای مدت طولانی به عنوان لحظه ای از بالاترین هارمونی در حافظه باقی می ماند. استادان امپرسیونیسم به دلیل توانایی خود در انتقال آسان این لحظه زیبایی به بوم مشهور بودند و آن را با احساسات ملموس و ارتعاشات ظریفی که با تمام واقعیت در هنگام تعامل با تصویر به وجود می آیند اعطا می کردند. وقتی به کار نگاه می کنید هنرمندان برجستهاین سبک همیشه مزه خاصی از خلق و خو را به جا می گذارد.

امپرسیونیسم(از Impression - Impression) یک جنبش هنری است که در اواخر دهه 1860 در فرانسه شکل گرفت. نمایندگان آن تلاش کردند تا دنیای واقعی را در تحرک و تنوع آن به طبیعی ترین و بی طرفانه ترین شکل به تصویر بکشند تا برداشت های زودگذر خود را منتقل کنند. توجه ویژه ای به انتقال رنگ و نور شد.

کلمه امپرسیونیسم از نام نقاشی مونه امپرسیون گرفته شده است. طلوع خورشید، ارائه شده در نمایشگاه 1874. روزنامه‌نگار کم‌شناس، لوئیس لروی، در مقاله‌ای در مجله خود، هنرمندان را "امپرسیونیست" نامید تا تحقیر خود را بیان کند. با این حال، نام چسبیده و معنای منفی اصلی خود را از دست داد.

اولین نمایشگاه مهم امپرسیونیست ها از 15 آوریل تا 15 مه 1874 در آتلیه عکاس نادار برگزار شد. 30 هنرمند، در مجموع - 165 اثر ارائه شد. هنرمندان جوان به دلیل "ناقص بودن" و " شلختگی نقاشی" ، بی ذوقی و معنی در کارشان ، "تلاش برای هنر واقعی" ، خلق و خوی سرکش و حتی بی اخلاقی مورد سرزنش قرار گرفتند.

نمایندگان برجسته امپرسیونیسم آلفرد سیسلی و فردریک باسیل هستند. به همراه آنها، ادوارد مانه و نقاشی های خود را به نمایش گذاشتند. خواکین سورولا نیز یک امپرسیونیست محسوب می شود.

مناظر و صحنه هایی از زندگی شهری - شاید بیشترین ژانرهای مشخصهنقاشی امپرسیونیستی - "در هوای آزاد" نوشته شده است، یعنی. مستقیماً از زندگی، و نه بر اساس طرح ها و طرح های آماده سازی. امپرسیونیست ها به شدت به طبیعت نگاه می کردند و متوجه رنگ ها و سایه هایی شدند که معمولاً نامرئی هستند، مانند آبی در سایه ها.

روش هنری آنها این بود که تن های پیچیده را به رنگ های خالص تشکیل دهنده آنها تجزیه کنند. سایه های رنگی و نور خالص نقاشی لرزان به دست آمد. امپرسیونیست ها رنگ را در ضربات جداگانه اعمال می کردند و گاهی اوقات از رنگ های متضاد در یک ناحیه از تصویر استفاده می کردند. ویژگی اصلی نقاشی های امپرسیونیستی تأثیر سوسو زدن پر جنب و جوش رنگ ها است.

برای انتقال تغییرات در رنگ موضوع، امپرسیونیست ها ترجیح دادند از رنگ هایی استفاده کنند که متقابلاً یکدیگر را تقویت می کنند: قرمز و سبز، زرد و بنفش، نارنجی و آبی. همین رنگ ها اثر کنتراست ثابت را ایجاد می کنند. به عنوان مثال، اگر مدتی به رنگ قرمز نگاه کنیم و سپس به رنگ سفید نگاه کنیم، به نظر ما سبز رنگ خواهد بود.

امپرسیونیسم مشکلات فلسفی را مطرح نکرد و حتی سعی نکرد به سطح رنگی زندگی روزمره نفوذ کند. در عوض، هنرمندان بر سطحی بودن، سیال بودن لحظه، حال و هوا، نور، یا زاویه دید تمرکز می کنند. نقاشی های آنها تنها جنبه های مثبت زندگی را نشان می داد، بدون اینکه به مشکلات اجتماعی حاد دست بزنند.

هنرمندان اغلب افراد را در حال حرکت نقاشی می کردند، در حالی که سرگرمی یا استراحت داشتند. آنها موضوعاتی مانند معاشقه، رقص، اقامت در کافه ها و تئاترها، سفرهای قایق، در سواحل و باغ ها را انتخاب کردند. با قضاوت بر اساس نقاشی های امپرسیونیست ها، زندگی مجموعه ای مداوم از تعطیلات کوچک، مهمانی ها، سرگرمی های دلپذیر در خارج از شهر یا در یک محیط دوستانه است.

امپرسیونیسم میراثی غنی در نقاشی به جا گذاشت. اول از همه، این علاقه به مشکلات رنگ و تکنیک های غیر استاندارد است. امپرسیونیسم تمایل به به روز کردن زبان هنری و شکستن سنت را به عنوان اعتراضی به تکنیک پر زحمت استادان بیان کرد. مدرسه کلاسیک. خوب، اکنون می توانیم این آثار باشکوه هنرمندان برجسته را تحسین کنیم.

به مهم ترین حوزه های مدرنیسم که بر روند و توسعه هنر قرن بیستم تأثیر گذاشت. مربوط بودن کوبیسم، هنر انتزاعی، دادائیسم، سوررئالیسم، ساخت‌گرایی در معماری، دوازده آوازی و آواشناختی در موسیقی کار خلاقانه جی جویس و ام. پروست تأثیر تعیین کننده ای در توسعه ادبیات داشت. توجه قابل توجهی بیشتر به امپرسیونیسم به عنوان اولین مرحله در شکل گیری مدرنیسم می شود. از آنجایی که کوبیسم و ​​هنر انتزاعی به خوبی شناخته شده اند، به طور خاص مورد توجه قرار نمی گیرند.

زوج شرح مختصری ازجهت گیری ها و مکاتب اصلی مدرنیسم به ما این امکان را می دهد که ناهمگونی درونی آن را تجسم کنیم و در عین حال وحدت درونی و عمیق آن را احساس کنیم.

البته باید در نظر داشت که فرهنگ هنری قرن اخیر به مدرنیسم محدود نمی شود. در کنار آن، هنری نیز وجود داشت که سنت‌های فرهنگ قبلی، به ویژه سنت‌های رئالیسم را ادامه می‌داد، و پدیده‌هایی از نوع متوسط ​​که مدرنیسم را با اشکال هنری سنتی پیوند می‌داد. با آغاز دهه 30. همچنین کاملاً متفاوت از مدرنیسم بود، می توان گفت دقیقاً برعکس آن، هنر یک جامعه بسته.

امپرسیونیسم

امپرسیونیسم پیشرو مدرنیسم است. این آغاز حرکت هنر از به تصویر کشیدن اشیاء بیرونی به ترسیم احساسات یک فرد و سپس به تصویر کشیدن ایده های او است.

امپرسیونیسم (از fr. احساس؛ عقیده؛ گمان - Impression) جهتی در هنرهای تجسمی، ادبیات و موسیقی است اواخر نوزدهم- آغاز قرن XX. در دهه 1960 و 1970 در نقاشی فرانسوی شکل گرفت. قرن 19 نام این جنبش پس از اولین نمایشگاه هنرمندان در سال 1874 به وجود آمد که نقاشی سی مونه "Impression. Sunrise" را به نمایش گذاشت. هسته اصلی گروه اول امپرسیونیست ها O. Renoir، C. Monet، C. Pissarro، Sisley، Degas و دیگران بودند.

امپرسیونیسم که به عنوان نشانه ای از رمانتیسم تثبیت شد، هرگز به طور کامل از آرمان های دومی جدا نشد. امپرسیونیست ها به طور مستقیم یا غیرمستقیم تحت تأثیر بازنمایی هایی از رمانتیسم مانند رد قوانین و قوانین در هنر، اعلام جسورانه آزادی به عنوان قانون اصلی و تنها، رهایی کامل احساسات، معرفی مفاهیم زمان و حرکت در هنر قرار گرفتند. هنر، ایده استقلال و فردگرایی هنرمند، ایده های عاشقانه درباره کامل بودن یک اثر هنری، ایده های مربوط به انسان، خلاقیت، زیبایی و زشتی و غیره. امپرسیونیسم هوشیارتر از رمانتیسم بود، اما در پس این متانت هنوز یک لحن رمانتیک وجود داشت.

امپرسیونیسم نظامی ناپایدار و متحرک، ترکیبی از رمانتیسم و ​​«طبیعت گرایی»، عقل و احساس، ذهنی و عینی، شعر و علم، آزادی و قانون سختگیرانه، تکانه لجام گسیخته و مهار چارچوب آن است.

یکی از منابعی که امپرسیونیسم را تغذیه کرد، چاپ رنگی ژاپنی بود که در سال 1867 در پاریس به طور گسترده به نمایش درآمد. هیچ چیز عجیبی در این نیست: حتی رمانتیسم دوباره (پس از روکوکو) توجه اروپایی ها را به شرق جلب کرد. اشتیاق به هنر ژاپنی هم یک مد بود و هم یکی از نشانه های آن زمان که در ذائقه آن دوران منعکس می شد. بودلر، گنکور، مانه، دگا، ویسلر اولین خبره و کلکسیونر آثار چاپی، کیمونو، پنکه و چینی ژاپنی بودند. همانطور که J. Tugendhold می نویسد، در حکاکی های ژاپنی پرسپکتیو هندسی خطی وجود نداشت، که توسط آکادمی اروپایی آموزش داده می شد، اما آنها یک پرسپکتیو هوایی داشتند، پرتوهای خورشید در آنها جاری بود، مه صبحگاهی می چرخید، ابرهای ملایم بخار و دود معلق بود. ژاپنی ها اولین کسانی بودند که با غریزه بزرگ خود فهمیدند که طبیعت مجموعه ای از بدن نیست، بلکه زنجیره ای بی پایان از پدیده های همیشه در حال تغییر است. آنها اولین کسانی بودند که کل مجموعه ای از یک منظره را در نورهای مختلف و در زمان های مختلف سال به تصویر کشیدند. اینها «100 نمای کوه فوجی» هوکوسای و «53 نما از ایستگاه توکایدو» هیروشیگه بودند. آکادمی آموزش می داد که چگونه یک ترکیب بسازد، به گونه ای که گویی هنرمند در حال تأمل در صحنه ای است که توسط او به تصویر کشیده شده است، تمام صورت در بالکن تئاتر می نشیند و آن را در آن می بیند. خطوط افقی. از سوی دیگر ژاپنی ها این ترکیب را طوری تفسیر کردند که گویی هنرمند قهرمان صحنه تصویر شده است. به همین دلیل است که خطوط مایل بر خطوط افقی غالب هستند. به همین دلیل است که آنها اغلب در پیش زمینه ظاهر می شوند شاخه گلیا جزییات دیگری که کل را مبهم می کند، اگرچه به طور هماهنگ با آن مرتبط است. به عنوان مثال ژاپنی ها هنرمندان فرانسویتمام زیبایی عدم تقارن، تمام جذابیت غافلگیری، همه جادوی دست کم گرفتن را درک کرد. با استفاده از مثال ژاپنی ها، آنها به زیبایی طرح های سبک، عکس های فوری ساخته شده با چند خط و چند نقطه متقاعد شدند.

با این حال، تأثیر هنر ژاپنی بر امپرسیونیسم را نباید اغراق کرد. ژاپنی ها بر خلاف امپرسیونیست ها هرگز مستقیماً از طبیعت نقاشی نمی کردند. برداشت‌های امپرسیونیست‌ها از ادراک مستقیم حسی ناشی می‌شد، در حالی که ژاپنی‌ها - از تجربه عاطفی، همراه با پایبندی مداوم به روش‌های سنتی.

تی مان نقاشی امپرسیونیستی را "باغی مسحور" نامید و بر ارادت خود به آرمان های زندگی زمینی تاکید کرد. برای اکتشافات زیبایی شناختی، امپرسیونیست ها به اندازه کافی گوشه های ساده طبیعت، کرانه های رود سن، خیابان های پاریس را در اختیار داشتند. آنها معتقد بودند زندگی روزمره زیباست و هنرمند نیازی به چیزهای نفیس و استثنایی ندارد.

امپرسیونیست‌ها هنر خود را با هنر سالنی و رسمی، زیبایی واقعیت روزمره - با زیبایی شکوهمند و پرمدعا نقاشی سالن بر اساس اصول آکادمیک مقایسه کردند. آنها از نوشتن توطئه های اساطیری خودداری کردند، از "ادبی" اجتناب کردند (سپس این کلمه برای اولین بار استفاده شد)، که برای آنها با نادرستی سالن همراه بود، جایی که به گفته G. de Maupassant، دیوارها پر از احساسات و رمانتیک بود. نقاشی‌ها، نقاشی‌های تاریخی و بی‌حیا، که روایت می‌کنند و می‌خوانند و آموزش می‌دهند و اخلاقی می‌سازند و حتی مفسده می‌کنند. امپرسیونیست ها از احساساتی بودن، رقت انگیز بودن، هر گونه تعالی عمدی تصویر اجتناب می کردند. آنها با تأیید دیدگاه جدیدی از جهان، ایده زیبایی را دموکراتیزه کردند.

با مقایسه امپرسیونیست ها با سرگردان های روسی که با هنر سالنی-آکادمیک نیز مبارزه می کردند، می توان گفت که نتایج کاملاً متفاوت بود. سرگردانان روسی، همراه با زیبایی سالن، زیبایی نقاشی را به طور کلی رد کردند و بیش از هر چیز بر اهمیت اخلاقی و انقلابی هنر پافشاری کردند. امپرسیونیست ها که زیبایی شیرین و شیرین سالن را رد کردند، جستجوی زیبایی را به این شکل رها نکردند، بلکه به اشکال دیگر.

قبل از امپرسیونیست ها، هنرمندان، حتی "نقاش ترین"، همیشه آنچه را که روی بوم دیده می شد با آنچه شناخته شده بود تکمیل می کردند. از سوی دیگر، امپرسیونیست‌ها به دنبال ثبت لحظه‌های ناپایدار بودند و به دید ناب نزدیک می‌شدند. دانش جای خود را به تأثیرگذاری داده است. امپرسیونیسم اول از همه تغییرپذیری و حرکت است. امپرسیونیست ها برای انتقال دگرگونی های آنی جهان، زمان ایجاد یک تصویر را کاهش دادند و آن را تا حد امکان به زمان واقعی پدیده طبیعی به تصویر کشیده نزدیک کردند. الزامات درجه تکمیل آن نیز با مفهوم سرعت ایجاد یک اثر همراه بود.

امپرسیونیسم ایده نه تنها را تغییر داد موضوع نقاشی، بلکه در مورد تصویر

هنرمندان امپرسیونیست، ناقص بودن، طرح ریزی تصویر و برهنگی را به عنوان هدف ویژه خود قرار ندادند. تکنیک نقاشی. در عین حال، از نقطه نظر الزامات درجه تکمیل، می توان از ناقص بودن دوگانه آثار امپرسیونیست ها صحبت کرد. اولا، این وضوح بیرونی پایان است که اغلب باعث نارضایتی معاصران می شود. ثانیاً، ناقص بودن به مثابه باز بودن کل سیستم تصویری، سکوت ثابت، طولانی بودن زمان، به اصطلاح، بیضی در پایان یک عبارت. به دلیل دست کم گرفتن عجیب و غریب، نقاشی های امپرسیونیست ها به سختی قابل توصیف هستند، اما جذابیت هیجان انگیز آنها در آن وجود دارد. اگر لازم بود عقب نشینی کنید یک فرمول سادهامپرسیونیسم، می تواند این باشد: "تغییرپذیری، دوگانگی، برگشت پذیری، کم بیان".

با تغییر ایده نقاشی، امپرسیونیسم به درجه خاصی رسید فعال سازی بیننده (حتی با آزار دادن او با «نقص»). بیننده، به قولی، شریک خلق تصویر و همکار هنرمند شده است.

در اواسط دهه 80. قرن 19 بحران امپرسیونیسم آغاز شد. بسیاری از هنرمندانی که قبلاً به این جریان پیوسته بودند، دامنه آن را بسیار محدود دیدند. درباره این واقعیت بود که اصول امپرسیونیسم تصویر را از مولفه های فکری و اخلاقی محروم می کند. و اگرچه در دهه 90. به رسمیت شناختن گسترده امپرسیونیسم رسید، با آغاز فروپاشی آن به عنوان یک روند جدایی ناپذیر و ظهور جهات دیگر در آن مصادف شد. برخی از آنها می خواستند به نوعی امپرسیونیسم را مدرن کنند، در حالی که برخی دیگر عموماً به دنبال راه های جدیدی بودند. نقاشی شاعرانهامپرسیونیست ها، ادراک برجسته و درخشان آنها زندگی روزمره، توانایی دادن رنگ آمیزی غنایی به مظاهر متغیر و زودگذر آن، جای خود را به گرایش ها و حالات دیگر داد.

روندهایی که سعی در مدرنیزه کردن امپرسیونیسم داشتند، به ویژه عبارت بودند از: نئو امپرسیونیسم (یا پوینتیلیسم). J. Seurat یک تکنیک غیرمعمول را توسعه داد و P. Signac سعی کرد از نظر تئوری روند جدید را اثبات کند. تفاوت بین نئو امپرسیونیسم و ​​امپرسیونیسم معنی دار بود. ضربات جداگانه، مشخصه امپرسیونیست ها، به نقطه کاهش یافت. مجبور شدم تثبیت لحظه را کنار بگذارم، زیرا نقاشی، که به دنبال تثبیت لحظه است، به سختی قادر به صحبت در مورد ابدی است. خودانگیختگی و طبیعی بودن دید و تصویر در پس‌زمینه محو می‌شود، علاقه به یک ترکیب بندی با دقت ساخته و فکر شده، حتی ایستا، اولویت رنگ بر نور. هنرمند پوینتیلیست که هر شکل یا سایه ای را با کمک تعداد زیادی سکته نقطه نقطه ایجاد می کند، به خطوط و خطوط نیازی ندارد. عمق تصویر به این دلیل به دست می آید که اشیاء جلویی بزرگتر هستند و با دور شدن از پرسپکتیو به تدریج کاهش می یابند. در فاصله، نقاط رنگی به صورت نوری با هم ادغام می شوند و تصور طبیعی شگفت انگیزی از نور، سایه، انتقال از یک تن به تن دیگر ایجاد می کنند. به گفته سورات، نه هنرمند با قلم مو، بلکه چشم بیننده باید نقاط رنگی را در یک مقیاس نوری زنده مخلوط کند.

نئو امپرسیونیسم دوام چندانی نداشت. معلوم شد که تکنولوژی جدیدبرخی نکات منفی را نیز در خود داشت. او فردیت هنرمند را یکسان کرد. علاوه بر این، نئو امپرسیونیسم بی‌تابی هنرمند را اعلام کرد، ویژگی خودانگیختگی امپرسیونیسم را رد کرد. تشخیص آثار هنرمندان پوانتیلیست از یکدیگر دشوار است. با این احساس، K. Pissarro که در ابتدا تحت تأثیر این سیستم قرار گرفته بود، سپس تمام بوم های نقاشی خود را که به این روش ساخته شده بود را از بین برد.

دوره ای که تقریباً از سال 1886 تا 1906 به طول انجامید معمولاً نامیده می شود پست امپرسیونیسم این اصطلاح نسبتاً مشروط به دوره‌ای از زمان اشاره می‌کند که مرزهای آن از یک سو توسط آخرین نمایشگاه امپرسیونیست‌ها و از سوی دیگر با زمان ظهور اولین جنبش‌های مدرنیستی مناسب، مانند فوویسم و ​​کوبیسم

پل سزان تأثیر بسیار مهمی در شکل گیری هنر مدرنیستی داشت. او که معاصر امپرسیونیست ها بود، رویکردی کاملاً متضاد نسبت به طبیعت را موعظه کرد: نه برای تسخیر حالات زودگذر آن، بلکه برای آشکار کردن یک جوهره پایدار. سزان نوسانات امپرسیونیستی، "لحظه زیبا" امپرسیونیستی را با مادیت متراکم، مدت زمان دولت مقایسه کرد و بر سازنده بودن تاکید کرد. نقاشی سزان اراده ای قوی دارد، تصویری از جهان می سازد، همانطور که یک ساختمان ساخته می شود. عناصر داده شده است: رنگ، فرم سه بعدی، عمق فضایی و صفحه تصویر. سزان از همین آغازهای ساده، جهان‌هایش را می‌سازد، که در آن، علی‌رغم اندازه کوچک بوم‌های نقاشی‌اش و مجموعه‌ای ناچیز از سوژه‌هایش، چیزی به طرز چشمگیری با شکوه وجود دارد (کوه سنت ویکتور در ایکس، برکه‌ای با پل، خانه‌ها، صخره‌ها، سیب‌ها. و یک کوزه روی سفره).

سزان عمدتاً نقاش هنرمندان بود. هیچ یک از هنرمندان بعدی از تأثیر او در امان نبودند، اگرچه برای اکثر بینندگان غیرحرفه ای او دشوار است و در نگاه اول در یکنواختی ظاهری خود خسته کننده است. داستان های جالب، بدون غزل، بدون پالت چشم نوازش.

سزان در یک محدوده متراکم نارنجی-سبز-آبی پایدار، مناظر خود را با رنگ حجاری می کند. هیچ «حال و هوا»ی در آنها وجود ندارد، اما منظره ای نادر از هنرمند دیگری می تواند در کنار آنها روی همان دیوار بایستد. در مناظر، سزان افق بلند را ترجیح می دهد، به طوری که فضای زمین با صفحه بوم منطبق باشد. او برنامه ها را تغییر می دهد، توده ها را تعمیم می دهد. حتی انعکاس‌های موجود در آب را عظیم و معمارانه می‌سازد. او بی شکلی را در هیچ چیز تشخیص نمی دهد و نیروهای قدرتمند فرم ساز را در طبیعت می بیند. نقاشی برای سزان یک مفهوم پلاستیکی از مرئی است، یک مفهوم، نه یک تقلید. این مفهوم از حل تضادهای بین ویژگی های طبیعت و ویژگی های تصویر ناشی می شود. طبیعت در حرکت و تغییر دائمی است، در حالی که تصویر طبیعتی ثابت دارد و وظیفه هنرمند این است که حرکت را به ثبات و تعادل برساند. در طبیعت تنوع بی پایانی از اشکال عجیب و غریب وجود دارد، طبیعی است که روح انسان آنها را به چند شکل ساده تر کاهش دهد. سزان توصیه می کند: "... طبیعت را از طریق یک استوانه، یک توپ، یک مخروط تفسیر کنید." حجم‌های سزان واقعاً به سمت ساده‌سازی می‌کشند، زیرا او نمی‌خواهد هواپیما را به‌طور توهمی نابود کند. هدف او ترجمه پدیده‌های طبیعی به زبان مقوله‌های تصویری، مراقبت از حفظ حس صاف بودن، ترکیب با حس حجم و عمق است. او با سازماندهی خاص فضا به این امر دست می یابد و گاه به تغییر شکل ها و جابجایی ها متوسل می شود و چندین دیدگاه را در مورد اشیاء به تصویر کشیده در یک ترکیب ترکیب می کند.

در طبیعت بی جان سزان، به نظر می رسد که سطح میز بر روی بیننده خم می شود و صفحه تصویر را ثابت می کند و میوه های خوابیده روی میز از زاویه ای متفاوت نشان داده می شوند. "میخ زده" به هواپیما، گویی که یکی بالاتر از دیگری قرار دارد، حجم های گرد میوه ها با شدت مضاعف درک می شوند و میوه ها خود به یاد ماندنی و اولیه به نظر می رسند. در عین حال، هنرمند از بافت اشیاء غافل می شود: سیب های او آن گونه نیست که شما می خواهید بخورید، به نظر می رسد از نوعی ماده سخت، سرد و متراکم درست شده است، درست مانند یک کوزه و حتی یک سفره.

سزان بر خلاف امپرسیونیست ها بیشتر جذب مادیت و عظمت فرم ها بود تا بازی متغیر نور و سایه. امپرسیونیست ها این الزام را برای تکمیل تصویر در یک مرحله به منظور داشتن زمان برای تثبیت احساس "آنی" روی بوم در اولویت قرار می دهند. از طرف دیگر سزان ترجیح داد چندین بار به مکان انتخابی بازگردد و تصویری پیچیده تر و "مصنوعی" ایجاد کند. امپرسیونیست ها، در تلاش برای "گرفتن لحظه"، به ضربات نرم و هوا متوسل شدند، سزان از ضربه های قوی با اعتماد به نفس استفاده کرد و بوم های خود را حجیم تر کرد. در امتناع خود از پیروی کورکورانه از قوانین چشم انداز خطیسزان از این هم فراتر رفت. در تلاش برای به تصویر کشیدن دنیای حجمیاو بر روی بوم تخت، تناسبات و پرسپکتیو را تحریف کرد، اگر یک اصل ترکیبی خاص لازم باشد.

سزان توانست زبان هنری خاصی خلق کند. این ایده که یک عکس پنجره ای به روی جهان نیست (رنسانس)، بلکه یک هواپیمای دو بعدی با قوانین خاص خود است. زبان تصویری، در نقاشی آوانگارد قرن بیستم تبدیل شد. تصادفی نیست که پیکاسو خود را "نوه سزان" نامیده است.

در نقاشی سزان، تمایل به مغایرت بین ارزش‌های پلاستیکی (تصویری) و ارزش‌های انسانی وجود داشت: از نظر جستجوهای او، یک کوه، یک سیب، یک هارلکین، یک سیگاری و غیره برابر بود. حقوق. سزان نگرش های هنری را که از نگرش او متفاوت بود تشخیص نمی داد. او کوچکترین علاقه ای به هنر ژاپنی نداشت. تزئینی، سبک، رنگ باز، کانتور، که بسیاری از معاصران او را مجذوب خود کرده بود، باعث نگرش منفی او شد. درست مانند "روح ادبی" و ژانریسم، که تحت تأثیر آنها، سزان معتقد بود، هنرمند "ممکن است از حرفه واقعی خود - مطالعه عینی طبیعت" فرار کند. او نه گوگن و نه ون گوگ را دوست نداشت، به نظر می رسد که اصلاً به تولوز لوترک توجه نکرده است.

کار تولوز لوترک کنایه آمیز، اما در عین حال انسانی است. او رذیلت را «انگ نمی‌زند»، اما آن را به‌عنوان یک غذای خوش طعم هم ارائه نمی‌کند: هر دو با احساس تعلق هنرمند، مشارکت در این جهان کنار گذاشته شده‌اند - او نیز مانند آنها است، «نه بدتر و نه بهتر». زبان هنریلوترک با ویژگی های زیر مشخص می شود: ویژگی روشن تصویر، بیان، اختصار شدید. او از نقاشی پوستر لذت می برد. هدیه تزئینی او، بیان لطیف، این ژانر را به اوج هنر واقعی رساند. در میان بنیانگذاران "گرافیک کاربردی" شهر مدرن - پوستر، پوستر، تبلیغات - Lautrec مقام اول را دارد.

وی. ون گوگ تنها در پنج سال کار حدود 800 نقاشی و طراحی های بی شماری خلق کرد. بیشتر آنها در دو سه سال آخر عمر او ایجاد شده اند. تاریخ نقاشی چنین چیزی را نمی دانست. ون گوگ نه تنها از ایده های امپرسیونیسم، بلکه از حکاکی ژاپنی نیز الهام گرفت، که به او کمک کرد تا از طبیعت گرایی دور شود و به شیوه ای واضح تر و واضح تر حرکت کند. به تدریج، رنگ در نقاشی های او بیشتر و جسورتر می شود و شیوه آزادتر و پرانرژی تر می شود و به هنرمند کمک می کند تا احساسات طاقت فرسای خود را بر روی بوم منتقل کند. برخلاف سمبولیست ها و پی گوگن که آثارشان متاثر از نمادگرایی بود، ون گوگ هرگز نقاشی نکرد. دنیای خیالی: او به سادگی علاقه ای به نوشتن "موجودات غیرقابل قبول" نداشت، نقاشی های او همیشه پایه واقعی واقعی داشتند. ون گوگ همیشه از طبیعت کار می کرد، چند بوم نقاشی که او با پیروی از توصیه گوگن، از حافظه یا تخیل نقاشی کرد، ضعیف تر بودند. «ابراز خود» برای ون گوگ به معنای بیان احساسات، افکار، تداعی‌هایی بود که از آنچه می‌دید و مشاهده می‌کرد: مردم، طبیعت، اشیا.

جستجوی شدید برای بالاترین معنای زندگی که هرگز ون گوگ را ترک نکرد، ترکیب نادری از درام و جشن را تعیین می کند که نشان دهنده کار بالغ او است. در مقابل جمال جهان، سرشار از تضادهای احساسی، آغشته به شادی شهیدانه است. این امر در زبانی تصویری که بر اساس هارمونی های رنگی متضاد ساخته شده و بیش از همیشه گویاتر است، بیان می شود. دست خط زیبای ون گوگ به شما این امکان را می دهد که مستقیماً با هنرمند در تماس باشید، شور و شدت روح او را احساس کنید. سرعت بالای کار که در نقاشی‌های او به وضوح بیان می‌شود نیز تسهیل می‌شود - ضربه‌های قلم مو، مانند شلاق، لخته‌های رنگارنگ، زیگزاگ‌های ناهماهنگ که مانند یک تعجب به نظر می‌رسد. نقاشی ها همچنین گواه تغییرات شدید در خلق و خوی هنرمند هستند. او که یک مرد مذهبی بود، زمانی اظهار داشت که جهان آفریده شده توسط خدا فقط مطالعه ناموفق اوست.

• سانتی متر:. دیمیتریوا N. A. داستان کوتاههنرها م.، 1372. شماره. III. ص 55-56.
• رجوع کنید به: همان. S. 83.

هنر اروپایی اواخر قرن نوزدهم با ظهور هنر مدرنیستی غنی شد و بعدها تأثیر آن بر موسیقی و ادبیات نیز گسترش یافت. آن را "امپرسیونیسم" می نامیدند زیرا بر اساس ظریف ترین برداشت های هنرمند، تصاویر و حالات بود.

خاستگاه و تاریخچه وقوع

چند هنرمند جوان در نیمه دوم قرن نوزدهم گروهی را تشکیل دادند. آنها یک هدف مشترک و منافع منطبق داشتند. نکته اصلی برای این شرکت کار در طبیعت، بدون دیوارهای کارگاه و عوامل بازدارنده مختلف بود. آنها در نقاشی های خود به دنبال این بودند که تمام حس و حال، تأثیر بازی نور و سایه را منتقل کنند. مناظر و پرتره ها منعکس کننده وحدت روح با جهان، با جهان اطراف بودند. نقاشی های آنها شعر واقعی رنگ هاست.

در سال 1874 نمایشگاهی از این گروه از هنرمندان برپا شد. منظره اثر کلود مونه “Impression. طلوع آفتاب» توجه منتقدی را به خود جلب کرد که در نقد خود برای اولین بار این سازندگان را امپرسیونیست نامید (از برداشت فرانسوی - "Impression").

پیش نیازهای تولد سبک امپرسیونیسم که نقاشی های نمایندگان آن به زودی موفقیت باورنکردنی پیدا خواهند کرد، آثار رنسانس بود. کار اسپانیایی‌ها ولاسکوز، ال گرکو، ترنر انگلیسی، پاسبان بدون قید و شرط بر فرانسوی‌ها که بنیان‌گذاران امپرسیونیسم بودند، تأثیر گذاشت.

پیسارو، مانه، دگا، سیسلی، سزان، مونه، رنوار و دیگران نمایندگان برجسته این سبک در فرانسه شدند.

فلسفه امپرسیونیسم در نقاشی

هنرمندانی که به این سبک نقاشی می‌کردند، وظیفه جلب توجه عمومی به مشکلات را بر عهده نداشتند. در آثار آنها نمی توان توطئه هایی در مورد موضوع روز پیدا کرد، نمی توان اخلاقی سازی کرد یا متوجه تضادهای انسانی شد.

نقاشی هایی به سبک امپرسیونیسم با هدف انتقال یک حال و هوای لحظه ای، ایجاد طرح های رنگی با ماهیت اسرارآمیز است. در آثار تنها جایی برای شروع مثبت وجود دارد، تاریکی امپرسیونیست ها را دور زد.

در واقع، امپرسیونیست‌ها به خود زحمت ندادند که درباره طرح و جزئیات فکر کنند. عامل اصلی این نبود که چه چیزی را ترسیم کنید، بلکه این بود که چگونه روحیه خود را به تصویر بکشید و منتقل کنید.

تکنیک نقاشی

تفاوت فاحشی بین سبک آکادمیک طراحی و تکنیک امپرسیونیست ها وجود دارد. آنها به سادگی بسیاری از روش ها را کنار گذاشتند، برخی غیرقابل تشخیص تغییر کردند. در اینجا نوآوری هایی است که آنها انجام دادند:

1. کانتور رها شده آن را با سکته مغزی - کوچک و متضاد جایگزین شد.
2. ما استفاده از پالت ها را متوقف کردیم، رنگ هایی را انتخاب کردیم که مکمل یکدیگر هستند و برای به دست آوردن جلوه خاصی نیازی به ادغام ندارند. مثلاً زرد بنفش است.
3. رنگ مشکی را متوقف کنید.
4. کار کاملاً رها شده در کارگاه ها. آنها منحصراً در مورد طبیعت می نوشتند تا ثبت یک لحظه، یک تصویر، یک احساس آسان تر باشد.
5. فقط از رنگ هایی با کدورت خوب استفاده شد.
6. منتظر خشک شدن لایه بعدی نباشید. بلافاصله اسمیر تازه اعمال شد.
7. آنها چرخه هایی از آثار را ایجاد کردند تا تغییرات نور و سایه را دنبال کنند. به عنوان مثال، "Haystacks" اثر کلود مونه.

البته همه هنرمندان دقیقاً ویژگی های سبک امپرسیونیسم را اجرا نکردند. به عنوان مثال، نقاشی های ادوارد مانه هرگز در نمایشگاه های مشترک شرکت نکرد و خود او خود را به عنوان یک فرد مجزا معرفی کرد. هنرمند ایستاده. ادگار دگا فقط در کارگاه ها کار می کرد، اما این به کیفیت آثار او لطمه ای وارد نکرد.

نمایندگان امپرسیونیسم فرانسه

اولین نمایشگاه آثار امپرسیونیستی مربوط به سال 1874 است. پس از 12 سال، آخرین نمایشگاه آنها برگزار شد. اولین اثر در این سبک را می توان "صبحانه روی چمن" اثر E. Manet نامید. این تصویر در سالن رد شدگان ارائه شده است. با خصومت مواجه شد، زیرا بسیار متفاوت از قوانین آکادمیک بود. به همین دلیل است که مانه به چهره ای تبدیل می شود که حلقه ای از پیروان این جهت سبکی دور آن جمع می شوند.

متأسفانه، معاصران از سبکی مانند امپرسیونیسم قدردانی نکردند. نقاشی ها و هنرمندان بر خلاف هنر رسمی وجود داشتند.

کم کم کلود مونه در تیم نقاشان به میدان می آید که بعدها رهبر آنها و ایدئولوگ اصلی امپرسیونیسم می شود.

کلود مونه (1840-1926)

کار این هنرمند را می توان سرود امپرسیونیسم توصیف کرد. این او بود که اولین کسی بود که از استفاده از رنگ سیاه در نقاشی هایش امتناع کرد، با این استدلال که حتی سایه ها و شب نیز رنگ های دیگری دارند.

جهان در نقاشی های مونه خطوط مبهم، سکته های حجیم است که با نگاهی به آن می توان طیف بازی رنگ های روز و شب، فصل ها، هارمونی دنیای زیر قمری را احساس کرد. تنها لحظه ای که از جریان زندگی ربوده شد، در درک مونه، امپرسیونیسم است. به نظر می رسد نقاشی های او هیچ مادیتی ندارند، همه آنها از پرتوهای نور و جریان هوا اشباع شده اند.

کلود مونه آثار شگفت انگیزی خلق کرد: "ایستگاه سنت لازار"، "کلیسای جامع روئن"، چرخه "پل کراس کراس" و بسیاری دیگر.

آگوست رنوار (1841-1919)

خلاقیت‌های رنوار حس سبکی، هواپذیری و اثیری فوق‌العاده را القا می‌کنند. طرح به طور تصادفی متولد شد، اما مشخص است که این هنرمند با دقت در تمام مراحل کار خود فکر کرده و از صبح تا شب کار می کند.

یکی از ویژگی های بارز کار O. Renoir استفاده از لعاب است که تنها زمانی امکان پذیر است که نگارش امپرسیونیسم در آثار هنرمند در هر ضربه ظاهر شود. او یک شخص را به عنوان ذره ای از طبیعت درک می کند، به همین دلیل است که بسیاری از نقاشی های برهنه وجود دارد.

سرگرمی مورد علاقه رنوار تصویر یک زن با تمام زیبایی جذاب و جذابش بود. پرتره ها از جایگاه ویژه ای برخوردارند زندگی خلاقهنرمند "چترها"، "دختری با یک پنکه"، "صبحانه پاروزنان" تنها بخش کوچکی از مجموعه نقاشی های شگفت انگیز آگوست رنوار هستند.

ژرژ سورات (1859-1891)

سورات فرآیند خلق نقاشی ها را با اثبات علمی نظریه رنگ مرتبط کرد. محیط نور-هوا بر اساس وابستگی صداهای اصلی و اضافی ترسیم شد.

علیرغم اینکه جی. سورات نماینده مرحله نهایی امپرسیونیسم است و تکنیک او از بسیاری جهات با بنیانگذاران متفاوت است، او به همین ترتیب با کمک ضربات تصویری توهمی از فرم عینی ایجاد می کند که می تواند فقط از راه دور قابل مشاهده و دیده شدن باشد.

شاهکارهای خلاقیت را می توان نقاشی "یکشنبه"، "Cancan"، "مدل ها" نامید.

نمایندگان امپرسیونیسم روسیه

امپرسیونیسم روسی تقریباً خود به خود بوجود آمد و بسیاری از پدیده ها و روش ها را در هم آمیخت. با این حال، اساس، مانند فرانسوی ها، یک چشم انداز تمام عیار از روند بود.

در امپرسیونیسم روسی، اگرچه ویژگی های فرانسوی حفظ شد، ویژگی های ماهیت ملی و وضعیت روحی تغییرات قابل توجهی ایجاد کرد. به عنوان مثال، دید برف یا مناظر شمالی با استفاده از یک تکنیک غیر معمول بیان شد.

در روسیه، تعداد کمی از هنرمندان به سبک امپرسیونیسم کار می کردند، نقاشی های آنها تا به امروز چشم را به خود جلب می کند.

دوره امپرسیونیستی را می توان در کارهای والنتین سرووف متمایز کرد. "دختر هلو" او واضح ترین مثالو استاندارد این سبک در روسیه.

نقاشی ها با طراوت و همخوانی رنگ های ناب خود پیروز می شوند. موضوع اصلیخلاقیت این هنرمند تصویر انسان در طبیعت است. "Idyll شمالی"، "In the Boat"، "Fyodor Chaliapin" نقاط عطف درخشان در فعالیت K. Korovin هستند.

امپرسیونیسم در دوران مدرن

در حال حاضر این جهت در هنر دریافت شده است زندگی جدید. در این سبک چندین هنرمند نقاشی های خود را می کشند. امپرسیونیسم مدرن در روسیه (آندره کوهن)، در فرانسه (لوران پارسلیه)، در آمریکا (دیانا لئونارد) وجود دارد.

آندره کوهن از همه بیشتر است نماینده برجستهامپرسیونیسم جدید نقاشی های رنگ روغن او در سادگی قابل توجه است. هنرمند زیبایی را در چیزهای معمولی می بیند. خالق بسیاری از اشیاء را از منشور حرکت تفسیر می کند.

آثار آبرنگ Laurent Parcelier در سراسر جهان شناخته شده است. سری کارهای او دنیای عجیب و غریببه عنوان کارت پستال منتشر شد. زرق و برق دار، پر جنب و جوش و حسی، آنها نفس گیر هستند.

مانند قرن 19، نقاشی هوای معمولی در حال حاضر برای هنرمندان باقی مانده است. به لطف او، امپرسیونیسم برای همیشه زنده خواهد ماند. هنرمندان به الهام بخشیدن، تحت تاثیر قرار دادن و الهام بخشیدن ادامه می دهند.

امپرسیونیسم گرایشی در نقاشی است که در قرن 19 تا 20 در فرانسه شکل گرفت، که تلاشی هنری برای به تصویر کشیدن هر لحظه از زندگی با همه تنوع و تحرک آن است. نقاشی های امپرسیونیستی مانند یک عکس از نظر کیفی شسته شده هستند که ادامه داستان دیده شده را در فانتزی زنده می کنند. در این مقاله 10 مورد از آنها را بررسی می کنیم امپرسیونیست های معروفصلح خوشبختانه، بیش از ده، بیست یا حتی صد هنرمند با استعداد وجود دارد، بنابراین بیایید بر روی نام هایی تمرکز کنیم که باید مطمئن باشید.

برای اینکه هنرمندان یا تحسین کنندگان آنها توهین نشوند، لیست به ترتیب حروف الفبای روسی ارائه شده است.

1. آلفرد سیسلی

این نقاش فرانسوی منشا انگلیسیبیشترین در نظر گرفته شده است نقاش منظره معروفدومین نیمه نوزدهمقرن. بیش از 900 نقاشی در مجموعه او وجود دارد که از معروف ترین آنها می توان به "کوچه روستا"، "یخبندان در لووسین"، "پل در آرژنتویل"، "برف اولیه در لووسین"، "چمنزارها در بهار" و بسیاری دیگر اشاره کرد.

2. ون گوگ

وانگ گون که برای تمام دنیا به خاطر داستان غم انگیز گوشش شناخته می شود (به هر حال، او تمام گوش را قطع نکرد، بلکه فقط لوب را برید)، وانگ گون تنها پس از مرگش محبوب شد. و در زندگی خود توانست 4 ماه قبل از مرگش یک تابلو را بفروشد. گفته می شود که او هم کارآفرین و هم کشیش بود، اما اغلب به دلیل افسردگی به بیمارستان های روانی می رفت، بنابراین تمام سرکشی های وجود او به آثار افسانه ای منجر شد.

3. کامیل پیسارو

پیسارو در جزیره سنت توماس در خانواده ای یهودی بورژوا به دنیا آمد و یکی از معدود امپرسیونیست هایی بود که والدینش سرگرمی او را تشویق کردند و خیلی زود او را برای تحصیل به پاریس فرستادند. این هنرمند بیشتر از همه طبیعت را دوست داشت و آن را در همه رنگ ها به تصویر می کشید و به طور دقیق تر، پیسارو استعداد خاصی در انتخاب لطافت رنگ ها، سازگاری داشت و پس از آن به نظر می رسید هوا در تصاویر ظاهر می شود.

4. کلود مونه

از کودکی، پسر تصمیم گرفت که با وجود ممنوعیت های خانواده، هنرمند شود. کلود مونه که به تنهایی به پاریس نقل مکان کرد، وارد زندگی روزمره خاکستری یک زندگی سخت شد: دو سال خدمت در نیروهای مسلح در الجزایر، دعوی قضایی با طلبکاران به دلیل فقر، بیماری. با این حال، احساس می شود که مشکلات ظلم نکردند، بلکه الهام بخش هنرمند برای خلق نقاشی های زنده مانند "تأثیر، طلوع خورشید"، "ساختمان پارلمان در لندن"، "پل به اروپا"، "پاییز در آرژانتیو"، " در ساحل تروویل، و بسیاری دیگر.

5. کنستانتین کرووین

خوب است بدانید که در میان فرانسوی ها، والدین امپرسیونیسم، می توان با افتخار هموطن خود را کنستانتین کورووین قرار داد. عشق پرشور به طبیعت به او کمک کرد تا به لطف ترکیب رنگ های مناسب، عرض سکته ها، انتخاب موضوع، به طور شهودی به یک تصویر ایستا سرزندگی غیرقابل تصوری بدهد. نمی توان از کنار نقاشی های او "اسکله در گورزوف"، "ماهی، شراب و میوه"، منظره پاییزی"، "شب مهتابی. زمستان» و مجموعه ای از آثار او تقدیم به پاریس.

6. پل گوگن

پل گوگن تا سن 26 سالگی حتی به نقاشی فکر نمی کرد. او یک کارآفرین بود و خانواده ای پرجمعیت داشت. با این حال، وقتی برای اولین بار نقاشی های کامیل پیسارو را دیدم، تصمیم گرفتم که مطمئناً نقاشی را شروع کنم. با گذشت زمان، سبک هنرمند تغییر کرده است، اما مشهورترین نقاشی های امپرسیونیستی عبارتند از: باغ در برف، کنار صخره، در ساحل در دیپ، برهنه، نخل در مارتینیک و غیره.

7. پل سزان

سزان بر خلاف بسیاری از همکارانش در زمان حیات خود به شهرت رسید. او موفق شد نمایشگاه خود را برپا کند و درآمد قابل توجهی از آن به دست آورد. مردم چیزهای زیادی در مورد نقاشی های او می دانستند - او مانند هیچ کس دیگری یاد گرفت که بازی نور و سایه را با هم ترکیب کند ، تأکید بلندی بر اشکال هندسی منظم و نامنظم داشت ، شدت موضوع نقاشی های او با عاشقانه هماهنگ بود.

8. پیر آگوست رنوار

رنوار تا سن 20 سالگی به عنوان دکوراتور برای برادر بزرگترش کار می کرد و تنها پس از آن به پاریس نقل مکان کرد و در آنجا با مونه، باسیل و سیسلی آشنا شد. این آشنایی به او کمک کرد تا در آینده راه امپرسیونیسم را در پیش بگیرد و در آن شهرت پیدا کند. رنوار به عنوان نویسنده یک پرتره احساساتی شناخته می شود که از برجسته ترین آثار او می توان به «روی تراس»، «پیاده روی»، «پرتره بازیگر زن جین سامری»، «لژ»، «آلفرد سیسلی و همسرش»، در چرخش، «قورباغه» و بسیاری دیگر.

9. ادگار دگا

اگر چیزی در مورد "رقصندگان آبی"، "تمرینات باله"، "مدرسه باله" و "آبسنت" نشنیده اید - برای کسب اطلاعات بیشتر در مورد کارهای ادگار دگا عجله کنید. انتخاب رنگ های اصلی تم های منحصر به فردبرای نقاشی ها، احساس حرکت تصویر - همه اینها و خیلی بیشتر، دگا را به یکی از بهترین ها تبدیل کرد هنرمندان مشهورصلح

10. ادوارد مانه

مانه را با مونه اشتباه نگیرید - این دو هستند فرد متفاوتکه در همان زمان و در همان زمان کار می کردند جهت هنری. مانه همیشه مجذوب صحنه‌های روزمره، ظواهر و تیپ‌های غیرعادی می‌شد، گویی به طور تصادفی لحظاتی را «گرفتار» می‌کردند و متعاقباً برای قرن‌ها شکار می‌شدند. در میان نقاشی های معروفمانه: «المپیا»، «صبحانه روی چمن»، «بار در فولیس برگر»، «فلوت نواز»، «نانا» و دیگران.

اگر حتی کوچکترین فرصتی برای دیدن زنده نقاشی های این استادان داشته باشید، برای همیشه عاشق امپرسیونیسم خواهید شد!

در آغاز قرن 18 و 19، جهش جدیدی در توسعه علم و فناوری در اکثر کشورهای اروپای غربی رخ داد. فرهنگ صنعتی انجام داده است کارت عالی بودبر تقویت بنیان های معنوی جامعه، غلبه بر رهنمودهای عقل گرایانه و پرورش انسان در فرد. او به شدت احساس نیاز به زیبایی، برای تأیید شخصیتی زیباشناختی، برای تعمیق انسانگرایی واقعی، تعهد داشت. مراحل عملیدر تجسم آزادی، برابری، هماهنگی روابط اجتماعی.

در این دوره فرانسه دوران سختی را پشت سر می گذاشت. جنگ فرانسه و پروس، قیام خونین کوتاه و سقوط کمون پاریس پایان امپراتوری دوم را رقم زد.

پس از پاکسازی ویرانه های باقی مانده از بمباران وحشتناک پروس و خشمگین جنگ داخلی، پاریس بار دیگر خود را مرکز هنر اروپا معرفی کرد.

پس از همه، پایتخت اروپا زندگی هنریاو به زمان پادشاه بازگشت لویی چهاردهم، هنگامی که آکادمی و نمایشگاه های هنری سالانه تأسیس شد که نام سالن ها را دریافت کرد - از سالن به اصطلاح میدان در لوور که هر ساله آثار جدیدی از نقاشان و مجسمه سازان به نمایش گذاشته می شد. در قرن نوزدهم، این سالن‌ها بودند، جایی که یک مبارزه هنری شدید در آن آشکار می‌شد که روندهای جدیدی را در هنر آشکار می‌کرد.

پذیرش نقاشی برای نمایشگاه، تایید هیئت داوران سالن، اولین قدم در جهت شناخت عمومی هنرمند بود. از دهه 1850، سالن ها به طور فزاینده ای به بررسی های باشکوهی از آثار انتخاب شده برای مطابقت با سلیقه رسمی تبدیل شده اند، به همین دلیل است که اصطلاح "هنر سالن" حتی ظاهر شد. تصاویری که به هیچ وجه با این "استاندارد" تعیین نشده مطابقت نداشتند، به سادگی توسط هیئت منصفه رد شدند. مطبوعات به هر نحوی بحث می کردند که چه هنرمندانی در سالن پذیرفته شده اند و چه هنرمندانی نه، و تقریباً هر یک از این نمایشگاه های سالانه را به یک رسوایی عمومی تبدیل کردند.

در سالهای 1800-1830 در فرانسه نقاشی منظرهو هنربه طور کلی، نقاشان منظره هلندی و انگلیسی شروع به تأثیرگذاری کردند. یوژن دلاکروا، نماینده رمانتیسیسم، درخشندگی جدیدی از رنگ ها و فضیلت نوشتن را به نقاشی های خود آورد. او از ستایشگران پاسبان بود که برای طبیعت گرایی جدید تلاش می کرد. رویکرد رادیکال دلاکروا به رنگ و تکنیک او در اعمال ضربه های بزرگ رنگ برای تقویت فرم بعداً توسط امپرسیونیست ها توسعه یافت.

مطالعات کنستابل مورد توجه خاص دلاکروا و معاصرانش بود. دلاکروا در تلاش برای به تصویر کشیدن خواص بی نهایت متغیر نور و رنگ، متوجه شد که آنها در طبیعت "هیچ وقت ساکن نمی مانند." بنابراین، رمانتیک های فرانسوی سریعتر به نقاشی با رنگ روغن و آبرنگ عادت کردند، اما به هیچ وجه طرح های سطحی صحنه های منفرد را نداشتند.

در اواسط قرن، رئالیست ها به رهبری گوستاو کوربه به مهم ترین پدیده در نقاشی تبدیل شدند. پس از سال 1850 در هنر فرانسه به مدت یک دهه، تکه تکه شدن بی‌سابقه‌ای از سبک‌ها رخ داد که تا حدی مجاز بود، اما هرگز توسط مقامات تأیید نشد. این آزمایش‌ها هنرمندان جوان را به مسیری سوق داد که ادامه منطقی روندهایی بود که قبلاً ظهور کرده بود، اما برای مردم و داوران سالن به طرز خیره‌کننده‌ای انقلابی به نظر می‌رسید.

هنری که در تالارهای سالن جایگاه غالبی را به خود اختصاص داده بود، معمولاً با مهارت بیرونی و مهارت فنی، علاقه به داستان‌های داستانی، داستان‌های سرگرم‌کننده با ماهیت تاریخی احساسی، روزمره، ساختگی و فراوانی توطئه‌های اساطیری متمایز می‌شد. که انواع تصاویر بدن برهنه را توجیه می کند. این یک هنر التقاطی و سرگرم کننده غیر اصولی بود. پرسنل مربوطه تحت نظارت آکادمی توسط دانشکده هنرهای زیبا آموزش دیدند، جایی که اساتید آکادمیک متأخر مانند کوتور، کابانل و دیگران کل تجارت را اداره می کردند. هنر سالن با سرزندگی استثنایی، ابتذال هنری، وحدت معنوی و انطباق دستاوردهای اصلی تلاش های خلاقانه زمان خود با سطح سلیقه مردم متمایز بود.

هنر سالن با گرایش های مختلف واقع گرایانه مخالف بود. نمایندگان آنها بودند بهترین استادانفرانسوی فرهنگ هنریآن دهه ها کار هنرمندان رئالیست با آنها همراه است و در شرایط جدید ادامه دارد سنت های موضوعیرئالیسم دهه 1940 و 1950 قرن 19 - باستین-لپاژ، لرمیت و دیگران. تعیین کننده برای سرنوشت توسعه هنریفرانسه و اروپای غربی در کل به جستجوهای واقع گرایانه بدیع ادوارد مانه و آگوست رودن پرداختند. هنر بیانیادگار دگا و در نهایت، کار گروهی از هنرمندان که به طور مداوم اصول هنر امپرسیونیستی را تجسم می‌دهند: کلود مونه، پیسارو، سیسلی و رنوار. این کار آنها بود که آغاز توسعه سریع دوره امپرسیونیسم بود.

امپرسیونیسم (از فرانسوی impression-impression)، گرایشی در هنر ثلث پایانی قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم، که نمایندگان آن در صدد بودند تا به طور طبیعی و بی طرفانه دنیای واقعی را در تحرک و تنوع آن به تصویر بکشند تا برداشت های زودگذر خود را منتقل کنند.

امپرسیونیسم در نیمه دوم قرن نوزدهم عصری را در هنر فرانسه تشکیل داد و سپس در تمام کشورهای اروپایی گسترش یافت. او سلایق هنری را اصلاح کرد، ادراک بصری را بازسازی کرد. در اصل، این تداوم و توسعه طبیعی روش واقع بینانه بود. هنر امپرسیونیست ها به اندازه هنر پیشینیان مستقیم آنها دموکراتیک است، بین طبیعت "بالا" و "کم" تمایز قائل نمی شود و کاملاً به شهادت چشم اعتماد می کند. نحوه "نگاه کردن" تغییر می کند - هدفمندترین و در عین حال غنایی تر می شود. ارتباط با رمانتیسیسم در حال از بین رفتن است - امپرسیونیست ها و همچنین رئالیست های نسل قدیم می خواهند فقط به مدرنیته بپردازند و از موضوعات تاریخی، اسطوره ای و ادبی اجتناب کنند. برای اکتشافات زیبایی شناختی بزرگ، ساده ترین نقوش مشاهده شده روزانه برای آنها کافی بود: کافه های پاریس، خیابان ها، باغ های ساده، کرانه های رود سن، روستاهای اطراف.

امپرسیونیست ها در دوران مبارزه بین مدرنیته و سنت زندگی می کردند. ما در آثار آنها یک گسست رادیکال و خیره کننده برای آن زمان با اصول سنتی هنر را می بینیم، اوج، اما نه پایان جستجوی یک نگاه جدید. انتزاع‌گرایی قرن بیستم از آزمایش‌های هنری که در آن زمان وجود داشت، زاده شد، درست همانطور که نوآوری‌های امپرسیونیست‌ها از آثار کوربه، کورو، دلاکروا، پاسبان و همچنین استادان قدیمی پیش از آنها رشد کردند.

امپرسیونیست ها تمایز سنتی بین مطالعه، طراحی و نقاشی را کنار گذاشتند. آنها کار را درست شروع کردند و به پایان رساندند بیرون از خانه- در هوای آزاد. اگر مجبور بودند کاری را در استودیو به پایان برسانند، باز هم سعی می‌کردند حس لحظه‌ای ثبت شده را حفظ کنند و فضای نوری را که اشیا را در بر می‌گیرد، منتقل کنند.

هوای معمولی کلید روش آنهاست. به این ترتیب آنها به یک ظرافت استثنایی از ادراک رسیده اند. آنها توانستند در رابطه نور، هوا و رنگ چنان جلوه های دلربایی را آشکار کنند که قبلاً متوجه آن نشده بودند و بدون نقاشی امپرسیونیست ها احتمالاً متوجه نمی شدند. بدون دلیل، آنها گفتند که مونه مه های لندن را اختراع کرد، اگرچه امپرسیونیست ها چیزی را اختراع نکردند، تنها با تکیه بر شهادت چشم، بدون افزودن دانش قبلی به آنها.

در واقع، امپرسیونیست ها بیش از همه به تماس روح با طبیعت اهمیت می دادند و به تأثیر مستقیم، مشاهده پدیده های مختلف واقعیت اطراف اهمیت زیادی می دادند. جای تعجب نیست که آنها صبورانه منتظر روزهای گرم و روشن برای نوشتن در هوای آزاد در هوای آزاد بودند.

اما سازندگان نوع جدیدی از زیبایی هرگز به دنبال تقلید، کپی کردن و عینی "پرتره" طبیعت نبودند. در آثار آنها فقط یک عملیات زیبا از دنیای ظاهرهای چشمگیر وجود ندارد. جوهر زیبایی شناسی امپرسیونیستی در توانایی شگفت انگیز برای متراکم کردن زیبایی، برجسته کردن عمق یک پدیده منحصر به فرد، واقعیت و بازآفرینی شاعرانه واقعیت دگرگون شده گرم شده توسط گرما نهفته است. روح انسان. بنابراین، دنیایی از لحاظ کیفی متفاوت و از نظر زیبایی‌شناختی جذاب، اشباع شده از درخشش معنوی، پدیدار می‌شود.

در نتیجه لمس امپرسیونیستی در جهان، همه چیز، در نگاه اول، معمولی، عروضی، پیش پا افتاده، لحظه ای به شاعرانه، جذاب، جشن تبدیل شد، همه چیز را با جادوی نافذ نور، غنای رنگ ها، برجسته های لرزان، ارتعاش تبدیل کرد. از هوا و چهره هایی که پاکی ساطع می کنند. در مقابل هنر آکادمیک، که مبتنی بر قوانین کلاسیک بود، قرار دادن اجباری اصلی بازیگرانبه مرکز تصویر، سه بعدی بودن فضا، استفاده از یک طرح تاریخی به منظور جهت گیری معنایی بسیار خاص بیننده - امپرسیونیست ها از تقسیم اشیاء به اصلی و فرعی، عالی و پایین دست کشیدند. از این به بعد، این تصویر می تواند سایه های چند رنگی از اشیاء، انبار کاه، بوته یاس بنفش، جمعیتی در بلوار پاریس، زندگی رنگارنگ یک بازار، لباسشویی ها، رقصنده ها، زنان فروشنده، نور چراغ های گازی، راه آهن را به تصویر بکشد. خط، گاوبازی، مرغ دریایی، سنگ، گل صد تومانی.

ویژگی امپرسیونیست ها علاقه شدید به تمام پدیده های زندگی روزمره است. اما این به معنای نوعی همه چیز خوار و هرزگی نیست. در پدیده‌های معمولی و روزمره، لحظه‌ای انتخاب می‌شد که هماهنگی دنیای اطراف خود را به طرز چشمگیری نشان می‌داد. جهان بینی امپرسیونیستی به شدت به ظریف ترین سایه های همان رنگ، وضعیت یک شی یا پدیده پاسخ می داد.

در سال 1841، جان گفراند، پرتره‌نگار آمریکایی مقیم لندن، برای اولین بار ایده لوله‌ای برای اکسترود کردن رنگ را مطرح کرد و فروشنده‌های رنگ، Winsor و Newton به سرعت این ایده را انتخاب کردند. پیر آگوست رنوار، به گفته پسرش، می گوید: "بدون رنگ در لوله ها، نه سزان، نه مونه، نه سیسلی، نه پیسارو، هیچ یک از کسانی که روزنامه نگاران بعدها آنها را امپرسیونیست ها لقب دادند، وجود نخواهد داشت."

رنگ در لوله ها قوام روغن تازه داشت، ایده آل برای اعمال ضربه های ضخیم و خمیری قلم مو یا حتی کاردک روی بوم. هر دو روش توسط امپرسیونیست ها استفاده می شد.

در لوله های جدید، طیف وسیعی از رنگ های روشن و پایدار در بازار ظاهر شد. پیشرفت در شیمی در آغاز قرن، رنگ های جدیدی را به ارمغان آورد، به عنوان مثال، آبی کبالت، اولترامارین مصنوعی، کروم زرد با نارنجی، قرمز، سبز، رنگ، سبز زمردی، روی سفید، سرب سفید بادوام. در دهه 1850، هنرمندان پالتی از رنگ‌های روشن، قابل اعتماد و راحت را در اختیار داشتند. .

امپرسیونیست ها از اکتشافات علمی اواسط قرن در مورد اپتیک و تجزیه رنگ عبور نکردند. رنگ های مکمل طیف (قرمز - سبز، آبی - نارنجی، یاسی - زرد) در مجاورت یکدیگر را تقویت می کنند و در صورت مخلوط شدن، بی رنگ می شوند. هر رنگی بپوشید پس زمینه سفید، به نظر می رسد توسط یک هاله خفیف احاطه شده است رنگ مکمل; در همان مکان و در سایه‌هایی که اجسام ایجاد می‌کنند، هنگامی که توسط خورشید روشن می‌شوند، رنگی به غیر از رنگ جسم ظاهر می‌شود. هنرمندان تا حدی به طور شهودی و تا حدودی آگاهانه از چنین مشاهدات علمی استفاده می کردند. برای نقاشی امپرسیونیستی، آنها اهمیت ویژه ای داشتند. امپرسیونیست ها قوانین ادراک رنگ را از راه دور در نظر گرفتند و در صورت امکان با اجتناب از مخلوط کردن رنگ ها در پالت، خطوط رنگارنگ خالص را طوری ترتیب دادند که در چشم بیننده مخلوط شوند. تن های نور طیف خورشیدی یکی از دستورات امپرسیونیسم است. آنها از رنگ های سیاه و قهوه ای خودداری کردند، زیرا طیف خورشیدی آنها را ندارد. آنها سایه ها را با رنگ و نه سیاهی منتقل می کردند، از این رو هارمونی نرم و درخشان بوم هایشان. .

به طور کلی، نوع زیبایی امپرسیونیستی منعکس کننده واقعیت مخالفت شخص معنوی با روند شهرنشینی، عمل گرایی، بردگی احساسات است که منجر به افزایش نیاز به افشای کامل تر اصل عاطفی، فعلیت بخشیدن به معنویت می شود. ویژگی های فرد و میل به تجربه حادتری از ویژگی های مکانی-زمانی وجود را برانگیخت.