اپرا شکل گیری یک ژانر خاص است. خلاصه: ژانرهای اپرا، تاریخچه آنها و الگوهای دراماتورژی موسیقی ویژگی های بارز ژانر اپرا

دستورالعمل

اپرا باله در قرن هفدهم تا هجدهم در فرانسه به عنوان نوعی هنر دربار ظاهر شد. اعداد رقص در آن با اشکال مختلف اپرایی ترکیب شده است. اپرا باله شامل صحنه های متعددی بود که با طرح داستان به هم مرتبط نبودند. در قرن نوزدهم، این ژانر عملاً از صحنه ناپدید شد، اما باله های فردی در طول قرن های بعد ظاهر شدند. اپراها عبارتند از: «هند گالانت» اثر ژان فیلیپ رامو، «اروپا گالانت» و «تعطیلات ونیزی» اثر آندره کامپرا.

اپرای کمیک سرانجام در آغاز قرن هفدهم به عنوان یک ژانر شکل گرفت و نیازهای بخش دموکراتیک مخاطب را برآورده کرد. ویژگی های ساده شخصیت ها، گرایش به خلاقیت ترانه های محلی، تقلید، پویایی اکشن و کمدی است. اپرای کمیک مشخصی دارد. ایتالیایی (opera-buffa) با تقلید، صحنه های روزمره، ملودی ساده و بوفونی مشخص می شود. اپرا-کمیک فرانسوی اعداد موسیقی را با درج های گفتاری ترکیب می کند. Singspiel (انواع آلمانی و اتریشی) علاوه بر اعداد موسیقی، دیالوگ هایی نیز دارد. موسیقی singspiel ساده است، محتوا بر اساس موضوعات روزمره است. اپرای تصنیف (نوعی اپرای کمیک انگلیسی) مربوط به کمدی طنز انگلیسی است که شامل تصنیف‌های عامیانه است. از نظر ژانر، عمدتاً یک طنز اجتماعی بود. انواع اسپانیایی اپراهای کمیک (تونادیلا) به عنوان یک آهنگ و شماره رقص در یک اجرا شروع شد و سپس به یک ژانر جداگانه تبدیل شد. معروف ترین اپراهای کمیک فالستاف اثر جی.وردی و اپرای گدا اثر جی.گی هستند.

اپرای نجات در پایان قرن هجدهم در فرانسه ظاهر شد. واقعیت های انقلاب فرانسه را منعکس می کند. توطئه های قهرمانانه و بیان دراماتیک موسیقی همراه با عناصر اپرا و ملودرام کمیک. توطئه های اپرای نجات اغلب بر اساس نجات قهرمان داستان یا معشوق او از اسارت است. مشخصه آن ترحم مدنی، نکوهش استبداد، آثار تاریخی، توطئه های مدرن است (بر خلاف توطئه های باستانی که قبلاً غالب بود). برجسته ترین نمایندگان این ژانر: «فیدیلیو» لودویگ ون بتهوون، «وحشت های صومعه» اثر هنری مونتان برتون، «الیزا» و «دو روز» لوئیجی کروبینی.

اپرای رمانتیک در دهه 1920 در آلمان آغاز شد. لیبرتو او بر اساس یک طرح عاشقانه است و با عرفان متمایز است. درخشان ترین نماینده اپرای رمانتیک کارل ماریا فون وبر است. در اپرای سیلوانا، توپچی آزاد، اوبرون، ویژگی های این ژانر به وضوح به عنوان یک گونه ملی آلمانی از اپرا بیان شده است.

گراند اپرای خود را به عنوان کارگردان اصلی تئاتر موسیقی در قرن نوزدهم تثبیت کرد. با مقیاس عمل، توطئه های تاریخی، مناظر رنگارنگ مشخص می شود. از نظر موسیقی، عناصر اپراهای جدی و کمیک را ترکیب می کند. در اپرای بزرگ، تاکید بر اجرا نیست، بلکه بر آواز است. اپرای اصلی شامل ویلیام تل روسینی، محبوبیت دونیزتی و دون کارلوس وردی است.

اپرت ریشه در اپرای کمیک دارد. اپرت به عنوان یک ژانر از تئاتر موسیقی در نیمه دوم قرن 19 توسعه یافت. از هر دو فرم معمولی اپرا (آریا، گروه کر) و عناصر محاوره ای استفاده می کند. موسیقی ماهیتا پاپ است و طرح‌ها روزمره و کمدی هستند. با وجود شخصیت سبک، مؤلفه موسیقایی اپرت چیزهای زیادی از موسیقی آکادمیک به ارث برده است. معروف‌ترین اپرت‌های یوهان اشتراوس (خفاش، شبی در ونیز) و ایمره کالمان (سیلوا، لابایادره، شاهزاده سیرک، بنفشه مونت‌مارتر) هستند.

1. خاستگاه ژانر ………………………………………………………………………………… p.۳
2. ژانرهای اپرا: OPERA-SERIA و OPERA-Buffa………………p.4
3. اپرای اروپای غربی قرن نوزدهم………………………………………………… p.۷
4. اپرای روسیه ………………………………………………………………………… p.۱۰
5. هنر اپرای مدرن…………………………..ص۱۴
6. ساختار یک اثر اپرایی………………………………………………… p.16

مراجع ……………………………………………………………………………………………………………. p.۱۸

1. ظهور یک ژانر
اپرا به عنوان یک ژانر موسیقی به دلیل ادغام دو هنر بزرگ و باستانی - تئاتر و موسیقی - به وجود آمد.
یکی از کارگردانان برجسته اپرا در زمان ما، B.A. پوکروفسکی.- همچنین شبیه تئاتری است که توسط موسیقی بیان شده است.
اگرچه موسیقی از زمان های قدیم در تئاتر استفاده می شده است، با این حال، اپرا به عنوان یک ژانر مستقل تنها در اواخر قرن 16-17 ظاهر شد. نام خود ژانر - اپرا - در حدود سال 1605 بوجود آمد و به سرعت جایگزین نام های قبلی این ژانر شد: "درام از طریق موسیقی"، "تراژدی از طریق موسیقی"، "ملودرام"، "تراژیکمدی" و دیگران.
در این لحظه تاریخی بود که شرایط خاصی ایجاد شد که به اپرا جان بخشید. اول از همه، این فضای نشاط آور رنسانس بود.
فلورانس، جایی که فرهنگ و هنر رنسانس ابتدا در آپنین شکوفا شد، جایی که دانته، میکل آنژ و بنونوتو سلینی سفر خود را آغاز کردند، زادگاه اپرا شد.
ظهور یک ژانر جدید ارتباط مستقیمی با احیای به معنای واقعی درام یونان باستان دارد. تصادفی نیست که اولین ساخته های اپرا درام های موسیقی نامیده می شدند.
هنگامی که در پایان قرن شانزدهم حلقه‌ای از شاعران، بازیگران، دانشمندان و موسیقیدانان با استعداد پیرامون کنت بردی، بشردوست با استعداد تشکیل شد، هیچ‌یک از آنها به هیچ کشفی در هنر و حتی بیشتر از آن در موسیقی فکر نکردند. هدف اصلی علاقه مندان فلورانسی این بود که درام های آیسخولوس، اوریپید و سوفوکل را زنده کنند. با این حال، صحنه‌سازی آثار نمایشنامه‌نویسان یونان باستان نیاز به همراهی موسیقی داشت و نمونه‌هایی از این موسیقی حفظ نشده است. پس از آن بود که تصمیم گرفته شد موسیقی خود را بسازند، مطابق با روح نمایشنامه یونان باستان (همانطور که نویسنده تصور می کرد). بنابراین، در تلاش برای بازآفرینی هنر باستانی، آنها ژانر موسیقی جدیدی را کشف کردند که قرار بود نقش تعیین کننده ای در تاریخ هنر بازی کند - اپرا.
اولین قدمی که فلورانسی ها برداشتند این بود که قطعات نمایشی کوچکی را برای موسیقی تنظیم کردند. در نتیجه مونودی متولد شد (هر ملودی مونوفونیک مبتنی بر همصدایی حوزه ای از فرهنگ موسیقی است) که یکی از خالقان آن وینچنزو گالیله، آگاه خوب فرهنگ یونان باستان، آهنگساز، نوازنده عود و ریاضیدان، پدر بود. از ستاره شناس درخشان گالیله گالیله.
قبلاً برای اولین تلاش های فلورانسی ها ، احیای علاقه به تجربیات شخصی قهرمانان مشخص بود. بنابراین، به جای چندصدایی، سبک همفونیک - هارمونیک در آثار آنها رواج یافت که در آن حامل اصلی تصویر موسیقی، ملودی است که در یک صدا توسعه می یابد و با همراهی هارمونیک (آکورد) همراه است.
کاملاً مشخص است که در میان اولین نمونه های اپرا که توسط آهنگسازان مختلف ایجاد شده است، سه نمونه در یک طرح نوشته شده است: این بر اساس اسطوره یونانی اورفئوس و اوریدیک بود. دو اپرای اول (هر دو به نام "اوریدیک") متعلق به آهنگسازان پری و کاچینی بود. با این حال، هر دوی این درام‌های موسیقی در مقایسه با اپرای اورفئوس کلودیو مونته‌وردی، که در سال 1607 در مانتوا ظاهر شد، آزمایش‌های بسیار ساده‌ای بودند. مونتوردی که معاصر روبنس و کاراواجو، شکسپیر و تاسو بود، اثری خلق کرد که در واقع تاریخ اپرا از آن آغاز می شود.
بسیاری از آنچه که فلورانسی‌ها فقط بیان کردند، مونته‌وردی کامل، خلاقانه متقاعدکننده و قابل دوام ساخت. مثلاً در مورد تلاوت‌ها که اولین بار توسط پری معرفی شد، همینطور بود. این نوع خاص گفتار موسیقایی قهرمانان، به گفته سازنده آن، قرار بود تا حد امکان به گفتار محاوره ای نزدیک باشد. با این حال، تنها با مونتوردی بود که خوانندگان قدرت روانی، تصاویر زنده پیدا کردند و واقعاً شبیه گفتار زنده انسان شدند.
مونتوردی نوعی آریا - لامنتو - (آهنگ سوگوار) را ایجاد کرد که نمونه درخشان آن شکایت آریادنه رها شده از اپرایی به همین نام بود. «شکایت آریادنه» تنها قطعه ای است که از کل این اثر به زمان ما رسیده است.
"آریادنه لمس کرد زیرا او یک زن بود، اورفئوس - زیرا او یک فرد ساده بود ... آریادنه رنج واقعی را در من برانگیخت، همراه با اورفئوس برای ترحم دعا کردم ..." در این کلمات، مونتهوردی نه تنها باور خلاق خود را بیان کرد، بلکه جوهر اکتشافاتی را که در هنر موسیقی انجام داد را نیز بیان کرد. همانطور که نویسنده اورفئوس به درستی اشاره کرده است، قبل از او آهنگسازان سعی می کردند موسیقی «نرم» و «معتدل» بسازند. او سعی کرد اول از همه موسیقی "هیجانی" خلق کند. بنابراین وظیفه اصلی خود را گسترش حداکثری حوزه فیگوراتیو و امکانات بیانی موسیقی می دانست.
ژانر جدید - اپرا - هنوز باید خود را تثبیت می کرد. اما از این پس، پیشرفت موسیقی، آواز و ساز، پیوندی ناگسستنی با دستاوردهای خانه اپرا خواهد داشت.

2. ژانرهای اپرا: OPERA SERIA و OPERA BUFFA
این اپرا که در محیط اشراف ایتالیایی سرچشمه می گیرد، به زودی در تمام کشورهای بزرگ اروپایی گسترش یافت. بخشی جدایی ناپذیر از جشن های دربار و سرگرمی مورد علاقه دربار پادشاه فرانسه، امپراتور اتریش، انتخاب کنندگان آلمانی، سایر پادشاهان و اشراف آنها شد.
منظره درخشان، جشن خاص اجرای اپرا، که به دلیل ترکیب تقریباً تمام هنرهایی که در آن زمان در اپرا وجود داشت، چشمگیر بود، کاملاً با تشریفات و زندگی پیچیده دربار و بالای جامعه مطابقت داشت.
و اگرچه در طول قرن هجدهم اپرا به یک هنر دموکراتیک تبدیل شد و در شهرهای بزرگ، علاوه بر درباریان، سالن‌های اپرای عمومی برای عموم مردم باز شد، این سلیقه اشراف بود که محتوای آثار اپرا را برای بیش از یک سال تعیین کرد. قرن.
زندگی جشن دربار و اشراف، آهنگسازان را مجبور به کار بسیار فشرده کرد: هر جشن، و گاهی اوقات فقط یک پذیرایی دیگر از مهمانان برجسته، همیشه با یک نمایش اول اپرا همراه بود. چارلز برنی، مورخ موسیقی، گواهی می‌دهد: «در ایتالیا به اپرایی نگاه می‌کنند که قبلاً یک بار شنیده شده است، گویی تقویم سال گذشته است.» در چنین شرایطی، اپراها یکی پس از دیگری «پخت» می شدند و معمولاً حداقل از نظر طرح داستانی شبیه یکدیگر می شدند.
به این ترتیب الساندرو اسکارلاتی آهنگساز ایتالیایی حدود 200 اپرا نوشت. با این حال، شایستگی این نوازنده، البته، در تعداد آثار خلق شده نیست، بلکه در درجه اول در این است که در آثار او بود که ژانر و اشکال برجسته هنر اپرایی قرن هفدهم - اوایل قرن هجدهم - جدی بود. اپرا (opera seria) - بالاخره متبلور شد.
اگر یک اپرای معمولی ایتالیایی این دوره را تصور کنیم معنای نام opera seria به راحتی مشخص می شود. این یک اجرای پرشکوه و غیرمعمول با جلوه های چشمگیر بود. این صحنه صحنه‌های نبرد «واقعی»، بلایای طبیعی یا دگرگونی‌های خارق‌العاده قهرمانان اسطوره‌ای را به تصویر می‌کشید. و خود قهرمانان - خدایان، امپراطوران، ژنرال ها - به گونه ای رفتار کردند که کل اجرا احساس رویدادهای مهم، جدی و بسیار جدی را در بین تماشاگران ایجاد کرد. شخصیت‌های اپرا شاهکارهای خارق‌العاده‌ای انجام دادند، دشمنان را در نبردهای مرگبار درهم شکستند، با شجاعت، وقار و عظمت خارق‌العاده خود شگفت زده شدند. در عین حال، مقایسه تمثیلی قهرمان اپرا که آنقدر روی صحنه به خوبی ارائه شده بود، با یک نجیب عالی رتبه که به دستور او اپرا نوشته شده بود، به قدری آشکار بود که هر اجرا برای مشتری بزرگوار تبدیل به یک غم انگیز می شد. .
اغلب اپراهای مختلف از طرح های یکسانی استفاده می کردند. به عنوان مثال، تنها بر روی مضامین دو اثر - رولان خشمگین آریوستو و اورشلیم آزاد شده اثر تاسو - ده ها اپرا خلق شد.
منابع ادبی رایج، نوشته های هومر و ویرژیل بود.
در دوران اوج سریال اپرا، سبک خاصی از اجرای آوازی شکل گرفت - بل کانتو، بر اساس زیبایی صدا و صدای فاخر. اما بی‌جان بودن طرح‌های این اپراها، تصنعی بودن رفتار شخصیت‌ها، انتقادات زیادی را در بین دوستداران موسیقی به همراه داشت.
این ژانر اپرا به دلیل ساختار ایستا اجرا، عاری از اکشن دراماتیک، به ویژه آسیب پذیر بود. بنابراین، حضار به آریاهایی گوش دادند که در آن خوانندگان زیبایی صدا، فضیلت خود را با لذت و علاقه فراوان به نمایش گذاشتند. به درخواست او، آریاهایی که او دوست داشت بارها و بارها "برای یک متن" تکرار می شد، در حالی که تلاوت ها، که به عنوان "بار" تلقی می شدند، آنقدر برای شنوندگان جالب نبودند که در حین اجرای تلاوت ها شروع به صحبت با صدای بلند کردند. راه های دیگری برای «کشتن زمان» نیز ابداع شد. یکی از دوستداران موسیقی "روشنفکر" قرن هجدهم توصیه می کند: "شطرنج برای پر کردن خلاء تلاوت های طولانی بسیار مناسب است."
اپرا اولین بحران تاریخ خود را تجربه کرد. اما دقیقاً در این لحظه بود که ژانر اپرا جدیدی ظاهر شد که قرار بود کمتر از سریال اپرا محبوب شود (اگر نه بیشتر!). این یک اپرای کمیک (اپرا - بوفا) است.
مشخصه این است که دقیقاً در ناپل ، وطن سریال اپرا بوجود آمد ، علاوه بر این ، در واقع در روده جدی ترین اپرا بوجود آمد. منشأ آن، میان‌آهنگ‌های کمیک بود که در میان اجراهای نمایشنامه پخش می‌شد. اغلب این میان‌آهنگ‌های کمیک تقلید از وقایع اپرا بودند.
به طور رسمی، تولد اپرا بوفا در سال 1733 اتفاق افتاد، زمانی که اپرای سرکار خانم جیووانی باتیستا پرگولسی برای اولین بار در ناپل اجرا شد.
اپرا بوفا تمام ابزار اصلی بیان را از سریال اپرا به ارث برده است. تفاوت آن با اپرای "جدی" این بود که به جای قهرمانان افسانه ای و غیرطبیعی، شخصیت هایی در صحنه اپرا ظاهر شدند که نمونه های اولیه آنها در زندگی واقعی وجود داشت - تاجران حریص، خدمتکاران عشوه گر، مردان نظامی شجاع، مدبر و غیره. اپرا بوفا با با تحسین گسترده ترین مردم دموکراتیک در تمام گوشه و کنار اروپا مورد استقبال قرار گرفت. علاوه بر این، ژانر جدید مانند سریال اپرا تأثیر فلج کننده ای بر هنر روسیه نداشت. برعکس، او انواع عجیب و غریب اپرای کمیک ملی را بر اساس سنت های داخلی زنده کرد. در فرانسه یک اپرای کمیک، در انگلستان یک اپرای تصنیف، در آلمان و اتریش یک singspiel بود (به معنای واقعی کلمه: "بازی با آواز").
هر یک از این مدارس ملی نمایندگان قابل توجهی از ژانر اپرای کمدی تولید کردند: Pergolesi و Piccini در ایتالیا، Gretry و Rousseau در فرانسه، Haydn و Dittersdorf در اتریش.
به خصوص در اینجا لازم است که به یاد ولفگانگ آمادئوس موتزارت باشیم. قبلاً اولین آهنگ او Bastien et Bastien، و حتی بیشتر، The Abduction from the Seraglio، نشان داد که آهنگساز درخشان، با تسلط بر تکنیک های اپرا بوفا، نمونه هایی از دراماتورژی موسیقی واقعاً ملی اتریش را خلق کرده است. ربوده شدن از سراگلیو اولین اپرای کلاسیک اتریشی محسوب می شود.
اپراهای بالغ موتسارت، ازدواج فیگارو و دون جووانی، که در متون ایتالیایی نوشته شده اند، جایگاه بسیار ویژه ای در تاریخ اپرا دارند. روشنایی و رسا بودن موسیقی که کمتر از بالاترین نمونه های موسیقی ایتالیایی نیست، در آنها با عمق ایده ها و درام ترکیب شده است که خانه اپرا قبلاً نمی دانست.
در ازدواج فیگارو، موتزارت موفق شد با استفاده از ابزارهای موسیقی، شخصیت های فردی و بسیار سرزنده خلق کند تا تنوع و پیچیدگی حالات ذهنی آنها را منتقل کند. و همه اینها، به نظر می رسد، بدون فراتر رفتن از ژانر کمدی. آهنگساز در اپرای دون جیووانی از این هم فراتر رفت. موتسارت با استفاده از یک افسانه قدیمی اسپانیایی برای لیبرتو، اثری خلق می کند که در آن عناصر کمدی به طور جدایی ناپذیری با ویژگی های یک اپرای جدی در هم تنیده شده اند.
موفقیت درخشان اپرای کمیک، که راهپیمایی پیروزمندانه خود را در پایتخت های اروپایی انجام داد، و مهمتر از همه، آفرینش های موتزارت نشان داد که اپرا می تواند و باید هنری باشد که به طور ارگانیک با واقعیت پیوند خورده است، و می تواند شخصیت های کاملا واقعی را به درستی به تصویر بکشد. موقعیت ها، آنها را نه تنها به صورت طنز، بلکه به صورت جدی بازسازی می کند.
به طور طبیعی، هنرمندان برجسته از کشورهای مختلف، در درجه اول آهنگسازان و نمایشنامه نویسان، رویای به روز رسانی اپرای قهرمانانه را در سر می پرورانند. آنها رویای خلق چنین آثاری را در سر می پروراندند که اولاً میل دوران به اهداف عالی اخلاقی را منعکس کند و ثانیاً تلفیقی ارگانیک از موسیقی و کنش دراماتیک را در صحنه نمایش دهد. این کار دشوار در ژانر قهرمانانه توسط کریستوف گلوک هموطن موتزارت با موفقیت حل شد. اصلاحات او انقلابی اصیل در جهان اپرا بود که معنای نهایی آن پس از روی صحنه بردن اپرای او آلسست، ایفیگنیا در اولیس و ایفیگنیا در توریس در پاریس مشخص شد.
آهنگساز در توضیح جوهره اصلاحات خود نوشت: «شروع به ساختن موسیقی برای آلسست»، «من برای خود هدف قرار دادم که موسیقی را به هدف واقعی خود برسانم، که دقیقاً به شعر قدرت بیانی جدید بیشتری می بخشد، تا لحظات فردی را بسازم. طرح گیج کننده تر است، بدون اینکه عمل را قطع کند و آن را با تزئینات غیر ضروری خیس کند.
گلوک برخلاف موتزارت که هدف خاصی برای اصلاح اپرا تعیین نکرده بود، آگاهانه به اصلاحات اپرا خود رسید. علاوه بر این، او تمام توجه خود را بر آشکار کردن دنیای درونی شخصیت ها متمرکز می کند. آهنگساز با هنر اشرافی سازش نکرد. این در زمانی اتفاق افتاد که رقابت بین اپرای جدی و کمیک به اوج خود رسید و مشخص بود که اپرا بوفا برنده است.
گلوک با بازاندیشی انتقادی و جمع بندی بهترین ژانرهای اپرای جدی، تراژدی های غنایی لولی و رامو، ژانر تراژدی موسیقی را خلق می کند.
اهمیت تاریخی اصلاحات اپرایی گلوک بسیار زیاد بود. اما اپراهای او نیز با فرا رسیدن قرن آشفته نوزدهم - یکی از پربارترین دوره ها در جهان هنر اپرا - به یک نابهنگام تبدیل شدند.

3. اپرای اروپای غربی در قرن نوزدهم
جنگ ها، انقلاب ها، تغییرات در روابط اجتماعی - همه این مشکلات کلیدی قرن 19 در مضامین اپرا منعکس شده است.
آهنگسازانی که در ژانر اپرا کار می کنند سعی می کنند حتی عمیق تر به دنیای درونی شخصیت های خود نفوذ کنند و در صحنه اپرا روابطی از شخصیت ها را بازسازی کنند که به طور کامل با تعارضات پیچیده و چند وجهی زندگی روبرو شود.
چنین دامنه فیگوراتیو و موضوعی ناگزیر به اصلاحات بعدی در هنر اپرا منجر شد. ژانرهای اپرا که در قرن هجدهم توسعه یافتند، آزمون مدرنیته را پس دادند. سریال اپرا تقریباً در قرن نوزدهم ناپدید شد. در مورد اپرای کمیک، همچنان از موفقیت بی‌تغییر برخوردار بود.
سرزندگی این ژانر توسط جیواکینو روسینی به طرز درخشانی تایید شد. "آرایشگر سویل" او به شاهکار واقعی هنر کمدی قرن نوزدهم تبدیل شد.
ملودی روشن، طبیعی بودن و سرزندگی شخصیت های توصیف شده توسط آهنگساز، سادگی و هماهنگی طرح - همه اینها یک پیروزی واقعی را برای اپرا فراهم کرد و نویسنده آن را برای مدت طولانی به "دیکتاتور موسیقی اروپا" تبدیل کرد. روسینی به عنوان نویسنده اپرای بوفا، لهجه‌ها را در آرایشگر سویل به روش خودش قرار می‌دهد. او خیلی کمتر از مثلاً موتزارت به اهمیت درونی محتوا علاقه داشت. و روسینی از گلوک دور بود که معتقد بود هدف اصلی موسیقی در اپرا آشکار کردن ایده دراماتیک اثر است.
با هر آریا، هر عبارتی در آرایشگر سویل، آهنگساز به ما یادآوری می کند که موسیقی برای شادی، لذت بردن از زیبایی وجود دارد و ارزشمندترین چیز در آن یک ملودی جذاب است.
با این وجود، «ارفیوس عزیز اروپا»، همانطور که پوشکین روسینی نامید، احساس می کرد که وقایع در حال وقوع در جهان، و مهمتر از همه مبارزه برای استقلال که توسط سرزمین مادری او - ایتالیا (مظلوم اسپانیا، فرانسه و اتریش) به راه افتاده است، از او می خواهد که به موضوع جدی برگرد اینگونه بود که ایده اپرای "ویلیام تل" متولد شد - یکی از اولین آثار ژانر اپرا با موضوع قهرمانانه - میهنی (طبق طرح ، دهقانان سوئیسی علیه ستمگران خود - اتریشی ها شورش می کنند).
شخصیت پردازی روشن و واقع گرایانه شخصیت های اصلی، صحنه های انبوه چشمگیر که مردم را با کمک گروه کر و گروه ها به تصویر می کشند، و از همه مهمتر، موسیقی غیرمعمول و رسا باعث شهرت ویلیام تل به عنوان یکی از بهترین آثار درام اپرایی نوزدهم شد. قرن.
محبوبیت "ولهلم تل"، از جمله مزایای دیگر، با این واقعیت توضیح داده شد که اپرا در یک طرح تاریخی نوشته شده است. و اپراهای تاریخی در آن زمان به طور گسترده در صحنه اپرای اروپا پخش شد. بنابراین، شش سال پس از نمایش ویلیام تل، تولید اپرای Les Huguenots اثر جاکومو مایربیر، که در مورد مبارزه بین کاتولیک ها و هوگنوت ها در پایان قرن شانزدهم می گوید، هیجان انگیز شد.
منطقه دیگری که توسط هنر اپرایی قرن نوزدهم تسخیر شد، طرح‌های افسانه‌ای افسانه‌ای بود. آنها به ویژه در کار آهنگسازان آلمانی گسترده بودند. کارل ماریا وبر به دنبال اپرای افسانه ای موتزارت، فلوت جادویی، اپراهای The Free Gunner، Euryanta و Oberon را خلق می کند. اولین اثر مهم ترین اثر، در واقع اولین اپرای فولک آلمانی بود. با این حال، کامل ترین و در مقیاس بزرگ ترین تجسم موضوع افسانه ای، حماسه عامیانه در کار یکی از بزرگترین آهنگسازان اپرا - ریچارد واگنر یافت شد.
واگنر یک دوره کامل در هنر موسیقی است. اپرا برای او تنها ژانری شد که آهنگساز از طریق آن با جهان صحبت کرد. ورن واگنر بود و منبع ادبی که به او طرح‌هایی برای اپرا داد، یک حماسه قدیمی آلمانی بود. افسانه هایی در مورد هلندی پرنده محکوم به سرگردانی ابدی ، در مورد خواننده شورشی Tangeyser ، که ریاکاری را در هنر به چالش کشید و برای این کار از قبیله شاعران و موسیقیدانان دربار صرف نظر کرد ، در مورد شوالیه افسانه ای لوهنگرین ، که به کمک دختری که بی گناه محکوم شده بود شتافت. مرگ - این شخصیت های افسانه ای، درخشان و برجسته، قهرمانان اولین اپرای واگنر "ملوان سرگردان"، "تانهوسر" و "لوهنگرین" شدند.
ریچارد واگنر - رویای تجسم در ژانر اپرا نه توطئه های فردی، بلکه یک حماسه کامل را به مشکلات اصلی بشریت اختصاص داد. آهنگساز سعی کرد این را در مفهوم باشکوه "حلقه نیبلونگن" منعکس کند - چرخه ای متشکل از چهار اپرا. این تترالوژی نیز بر اساس افسانه هایی از حماسه آلمان قدیم ساخته شده است.
چنین ایده غیرمعمول و باشکوهی (آهنگساز حدود بیست سال از عمر خود را صرف تحقق آن کرد) طبیعتاً باید با ابزارهای خاص و جدید حل می شد. و واگنر، در تلاش برای پیروی از قوانین گفتار طبیعی انسان، از عناصر ضروری یک اثر اپرا مانند آریا، دوئت، خوانندگی، گروه کر، گروه سر باز می زند. او یک اکشن-روایت موسیقایی را خلق می کند که توسط مرزهای اعداد قطع نمی شود، که توسط خوانندگان و یک ارکستر رهبری می شود.
اصلاح واگنر به عنوان یک آهنگساز اپرا نیز تأثیر دیگری داشت: اپراهای او بر روی سیستمی از موتیف ها ساخته شده اند - ملودی ها-تصاویر واضح که با شخصیت های خاص یا روابط آنها مطابقت دارد. و هر یک از درام های موسیقایی او - و دقیقاً همانگونه که مونته وردی و گلوک اپراهای خود را نامیده است - چیزی نیست جز توسعه و تعامل تعدادی لایتموتیف.
جهت دیگری به نام "تئاتر غنایی" کم اهمیت نبود. زادگاه "تئاتر غنایی" فرانسه بود. آهنگسازانی که این روند را تشکیل دادند - گونود، توماس، دلیب، ماسنت، بیزه - هم به توطئه های عجیب و غریب و هم روزمره متوسل شدند. اما این موضوع اصلی برای آنها نبود. هر یک از این آهنگسازان، به شیوه خود، در پی توصیف قهرمانان خود به گونه ای بودند که آنها طبیعی، حیاتی و دارای ویژگی های مشخصه برای هم عصران خود باشند.
کارمن ژرژ بیزه بر اساس داستان کوتاهی از پروسپر مریمه نمونه ای درخشان از این سبک اپرا شد.
آهنگساز موفق شد یک روش عجیب و غریب برای توصیف شخصیت ها پیدا کند که به وضوح فقط در نمونه تصویر کارمن دیده می شود. بیزه دنیای درونی قهرمان خود را نه در یک آریا، همانطور که مرسوم بود، بلکه در آواز و رقص آشکار می کند.
سرنوشت این اپرا که تمام جهان را فتح کرد در ابتدا بسیار دراماتیک بود. اولین نمایش آن با شکست به پایان رسید. یکی از دلایل اصلی چنین نگرش به اپرای بیزه این بود که او مردم عادی را به عنوان قهرمان به صحنه آورد (کارمن یک کارگر کارخانه تنباکو است، خوزه یک سرباز است). چنین شخصیت هایی در سال 1875 توسط مردم اشرافی پاریسی پذیرفته نشد (در آن زمان بود که اولین نمایش کارمن برگزار شد). رئالیسم اپرا که ناسازگار با "قوانین ژانر" تلقی می شد، او را پس زده بود. در آن زمان در «فرهنگ لغت اپرا» معتبر پوگین، گفته شد که «کارمن» باید بازسازی شود و «رئالیسم نامناسب اپرا را تضعیف کند». البته این دیدگاه مردمی بود که نمی‌دانستند هنر واقع‌گرایانه، پر از حقیقت زندگی، قهرمانان طبیعی، کاملاً طبیعی به صحنه اپرا می‌آید و نه به هوس هیچ آهنگسازی.
جوزپه وردی، یکی از بزرگترین آهنگسازانی که تا به حال در ژانر اپرا کار کرده است، دقیقاً مسیر رئالیستی را دنبال کرد.
وردی کار طولانی خود را در اپرا با اپراهای قهرمانانه-میهنی آغاز کرد. "لمباردها"، "ارنانی" و "آتیلا" که در دهه 40 خلق شدند، در ایتالیا به عنوان فراخوانی برای اتحاد ملی تلقی شدند. نمایش اول اپراهای او به تظاهرات عمومی گسترده تبدیل شد.
اپراهای وردی که توسط او در اوایل دهه 50 نوشته شد، طنین کاملاً متفاوتی داشت. Rigoletto، Il trovatore و La Traviata سه بوم اپرایی وردی هستند که در آنها هدیه ملودیک برجسته او با خوشحالی با هدیه یک آهنگساز-نمایشنامه نویس درخشان ترکیب شده است.
اپرای ریگولتو بر اساس نمایشنامه ویکتور هوگو به نام پادشاه سرگرم می کند و رویدادهای قرن شانزدهم را توصیف می کند. فضای اپرا دربار دوک مانتوآ است که کرامت و شرافت انسانی در مقابل هوس او چیزی نیست، میل به لذت های بی پایان (گیلدا، دختر شوخی دربار، ریگولتو، قربانی او می شود). به نظر می رسد یک اپرای دیگر از زندگی دادگاه که صدها مورد از آن وجود دارد. اما وردی واقعی ترین درام روانشناختی را خلق می کند که در آن عمق موسیقی کاملاً با عمق و حقیقت احساسات شخصیت های آن مطابقت دارد.
شوک واقعی باعث شد معاصران "لا تراویاتا". تماشاگران ونیزی که برای اولین بار اپرا در نظر گرفته شده بود، او را هو کردند. در بالا، ما در مورد شکست کارمن بیزه صحبت کردیم، اما اولین نمایش La Traviata تقریبا یک ربع قرن زودتر (1853) انجام شد و دلیل آن یکی بود: واقع گرایی تصویر شده.
وردی شکست اپرای خود را سخت گرفت. او پس از نمایش این فیلم نوشت: «این یک شکست تعیین کننده بود. بیایید دیگر به تراویاتا فکر نکنیم.
وردی، مردی با سرزندگی بالا، آهنگساز با پتانسیل خلاقانه کمیاب، مانند بیزه از این واقعیت که مردم آثار او را نپذیرفتند شکسته نشد. او اپراهای بسیار بیشتری خلق خواهد کرد که بعداً گنجینه هنر اپرا را تشکیل خواهند داد. در میان آنها شاهکارهایی مانند دان کارلوس، آیدا، فالستاف وجود دارد. یکی از عالی ترین دستاوردهای وردی بالغ، اپرای اتللو بود.
دستاوردهای باشکوه کشورهای پیشرو در هنر اپرا - ایتالیا، آلمان، اتریش، فرانسه - الهام بخش آهنگسازان سایر کشورهای اروپایی - جمهوری چک، لهستان، مجارستان - شد تا هنر اپرا ملی خود را ایجاد کنند. اینگونه است که «پبل‌ها» اثر استانیسلاو مونیوشکو، آهنگساز لهستانی، اپرای «برجیچ اسمتانا» و «آنتونین دووراک» اهل چک و «فرنس ارکل» مجارستانی متولد می‌شوند.
اما جایگاه پیشرو در میان مدارس ملی اپرای جوان به درستی در قرن نوزدهم روسیه است.

4. اپرای روسیه
روی صحنه تئاتر بولشوی سن پترزبورگ در 27 نوامبر 1836، اولین اپرای کلاسیک روسی توسط میخائیل ایوانوویچ گلینکا، ایوان سوزانین، اجرا شد.
برای درک بهتر جایگاه این اثر در تاریخ موسیقی، اجازه دهید به طور خلاصه وضعیتی را که در آن لحظه در تئاتر موسیقی اروپای غربی و روسیه ایجاد شد، شرح دهیم.
واگنر، بیزه، وردی هنوز صحبت نکرده اند. با استثنائات نادر (مثلاً موفقیت مایربیر در پاریس)، همه جا در گرایش‌های هنر اپرای اروپا - چه از نظر خلاقیت و چه در نحوه اجرا - ایتالیایی‌ها هستند. اپرای اصلی "دیکتاتور" روسینی است. "صادرات" فشرده اپرای ایتالیایی وجود دارد. آهنگسازانی از ونیز، ناپل، رم به تمام نقاط قاره سفر می کنند، مدت طولانی در کشورهای مختلف کار می کنند. آنها با هنر خود تجربه ارزشمند انباشته شده توسط اپرای ایتالیایی را در کنار هم قرار دادند و در عین حال توسعه اپرای ملی را سرکوب کردند.
در روسیه هم همینطور بود. آهنگسازان ایتالیایی مانند Cimarosa، Paisiello، Galuppi، Francesco Araya، که اولین کسانی بودند که سعی کردند اپرایی را بر اساس مواد ملودیک روسی با متن اصلی روسی سوماروکف خلق کنند، در اینجا ماندند. بعدها، فعالیت های کاترینو کاووس، اهل ونیز، که اپرایی به نام گلینکا، زندگی برای تزار (ایوان سوزانین) نوشت، اثر قابل توجهی در زندگی موسیقی پترزبورگ بر جای گذاشت.
دربار روسیه و اشراف که به دعوت آن نوازندگان ایتالیایی وارد روسیه شدند، به هر نحو ممکن از آنها حمایت کردند. بنابراین، چندین نسل از آهنگسازان، منتقدان و دیگر شخصیت های فرهنگی روسی مجبور بودند برای هنر ملی خود مبارزه کنند.
تلاش برای ایجاد یک اپرای روسی به قرن هجدهم برمی گردد. نوازندگان با استعداد فومین، ماتینسکی و پاشکویچ (دو نفر آخر از نویسندگان مشترک اپرای "سن پترزبورگ گوستینی دوور" بودند) و بعدها آهنگساز فوق العاده ورستوفسکی (امروزه "قبر آسکلد" او به طور گسترده ای شناخته شده است) - هر کدام سعی کردند این مشکل را حل کنند. مشکل به روش خودش با این حال، برای تحقق این ایده نیاز به استعدادی قدرتمند مانند گلینکا بود.
موهبت ملودیک برجسته گلینکا، نزدیک بودن ملودی او به آهنگ روسی، سادگی در شخصیت پردازی شخصیت های اصلی و از همه مهمتر، جذابیت به طرح قهرمانانه-میهنی، به آهنگساز اجازه ساخت اثری با حقیقت و قدرت هنری بزرگ را داد.
نبوغ گلینکا به شیوه ای متفاوت در افسانه اپرا "روسلان و لیودمیلا" آشکار شد. در اینجا آهنگساز به طرز ماهرانه ای قهرمانانه (تصویر روسلان)، خارق العاده (پادشاهی چرنومور) و کمیک (تصویر فارلاف) را با هم ترکیب می کند. بنابراین، به لطف گلینکا، برای اولین بار، تصاویر متولد شده توسط پوشکین به صحنه اپرا پا گذاشتند.
علیرغم ارزیابی مشتاقانه بخش پیشرفته جامعه روسیه از آثار گلینکا، نوآوری و سهم برجسته او در تاریخ موسیقی روسیه واقعاً در سرزمین مادری اش قدردانی نشد. تزار و اطرافیانش موسیقی ایتالیایی را به موسیقی او ترجیح دادند. بازدید از اپراهای گلینکا به مجازاتی برای افسران متخلف تبدیل شد، نوعی نگهبانی.
گلینکا با چنین نگرشی نسبت به کار خود از طرف دربار، مطبوعات و مدیریت تئاتر سخت گذشت. اما او کاملاً آگاه بود که اپرای ملی روسیه باید راه خود را طی کند و از منابع موسیقی محلی خود تغذیه کند.
این با کل دوره بعدی توسعه هنر اپرای روسیه تأیید شد.
الکساندر دارگومیژسکی اولین کسی بود که باتوم گلینکا را به دست گرفت. او به دنبال نویسنده ایوان سوزانین، به توسعه زمینه موسیقی اپرا ادامه می دهد. او چند اپرا در کارنامه دارد و خوشبخت ترین سرنوشت به سهم «پری دریایی» رقم خورد. کار پوشکین مواد عالی برای یک اپرا بود. داستان دختر دهقانی ناتاشا که توسط شاهزاده فریب خورده است، حاوی وقایع بسیار دراماتیک است - خودکشی قهرمان، جنون پدر آسیابانش. تمام دشوارترین تجربیات روانشناختی شخصیت ها توسط آهنگساز با کمک آریاها و گروه هایی که نه به سبک ایتالیایی بلکه با روح آهنگ و عاشقانه روسی نوشته شده اند حل می شود.
موفقیت بزرگی در نیمه دوم قرن نوزدهم، اثر اپرایی A. Serov، نویسنده اپراهای "جودیت"، "روگندا" و "نیروی دشمن" بود که آخرین آنها (به متن نمایشنامه) توسط A. N. Ostrovsky) معلوم شد که در راستای توسعه هنر ملی روسیه است.
رهبر ایدئولوژیک واقعی در مبارزه برای هنر ملی روسیه، گلینکا برای آهنگسازان M. Balakirev، M. Mussorgsky، A. Borodin، N. Rimsky-Korsakov و Ts. Cui بود که در دایره Mighty Handful متحد شده بودند. در کار همه اعضای حلقه، به جز رهبر آن M. Balakirev، مهمترین مکان را اپرا اشغال کرد.
زمانی که "مشت توانا" شکل گرفت با رویدادهای بسیار مهم در تاریخ روسیه مصادف شد. در سال 1861، رعیت لغو شد. برای دو دهه بعد، روشنفکران روسیه تحت تأثیر ایده های پوپولیسم قرار گرفتند، که خواستار سرنگونی استبداد توسط نیروهای انقلاب دهقانی بود. نویسندگان، هنرمندان، آهنگسازان به طور خاص به داستان های مربوط به تاریخ دولت روسیه و به ویژه با رابطه بین تزار و مردم علاقه مند می شوند. همه اینها مضمون اکثر آثار اپرایی را که از قلم «کوچکیست ها» بیرون آمده بود، تعیین کرد.
M. P. Mussorgsky اپرای خود را بوریس گودونوف "درام موسیقی مردمی" نامید. در واقع، اگرچه تراژدی انسانی تزار بوریس در مرکز طرح اپرا قرار دارد، اما قهرمان واقعی اپرا مردم هستند.
موسورگسکی اساسا یک آهنگساز خودآموخته بود. این امر روند ساخت موسیقی را به شدت مختل کرد، اما در عین حال قوانین موسیقی را به هیچ محدودیتی محدود نکرد. همه چیز در این روند تابع شعار اصلی کار او بود که خود آهنگساز در عبارت کوتاهی بیان کرد: "من حقیقت را می خواهم!".
حقیقت در هنر، رئالیسم نهایی در هر اتفاقی که روی صحنه می‌افتد، موسورگسکی در اپرای دیگر خود، خونشچینا نیز به دست آورد، که فرصت تکمیل آن را نداشت. آن را همکار موسورگسکی در مشتی توانا، ریمسکی-کورساکوف، یکی از بزرگترین آهنگسازان اپرای روسی، تکمیل کرد.
این اپرا اساس میراث خلاق ریمسکی-کورساکوف را تشکیل می دهد. او مانند موسورگسکی افق های اپرای روسی را باز کرد، اما در عرصه های کاملاً متفاوت. آهنگساز با استفاده از اپرا می خواست جذابیت افسانه روسی، اصالت آیین های باستانی روسیه را منتقل کند. این را می‌توان از زیرنویس‌هایی که ژانر اپرا را روشن می‌کند و آهنگساز آثارش را با آن‌ها ارائه می‌کند، به وضوح دریافت. او "دختر برفی" را "افسانه بهاری"، "شب قبل از کریسمس" - "یک داستان واقعی سرود"، "سادکو" - "اپرا حماسی" نامید. اپراهای افسانه ای نیز عبارتند از: داستان تزار سلتان، کاشچی جاودانه، داستان شهر نامرئی کیتژ و دوشیزه فورونیا، و خروس طلایی. اپراهای حماسی و افسانه ای ریمسکی-کورساکوف یک ویژگی شگفت انگیز دارند: عناصر افسانه ای و فانتزی در آنها با رئالیسم زنده ترکیب شده اند.
این واقع گرایی، که در هر اثر به وضوح احساس می شد، توسط ریمسکی-کورساکوف با ابزارهای مستقیم و بسیار مؤثر به دست آمد: او ملودی های عامیانه را در آثار اپرایی خود به طور گسترده توسعه داد، که به طرز ماهرانه ای در تار و پود آثار اصیل باستانی اسلاو، "سنت های باستانی" بافته شد. بار."
مانند سایر "کوچکیست ها"، ریمسکی-کورساکوف نیز به ژانر اپرای تاریخی روی آورد و دو اثر برجسته را خلق کرد که دوران ایوان وحشتناک را به تصویر می کشد - "زن پسکوف" و "عروس تزار". آهنگساز به طرز ماهرانه ای فضای سنگین زندگی روسیه در آن دوران دور را ترسیم می کند، تصاویری از انتقام ظالمانه تزار با آزادگان پسکوف، شخصیت متناقض خود گروزنی ("زن پسکوویتی") و فضای استبداد و ستم عمومی. شخصیت انسانی ("عروس تزار"، "کوکر طلایی")؛
به توصیه V.V. استاسوف، الهام بخش ایدئولوژیک "مشت توانا"، یکی از با استعدادترین اعضای این حلقه - بورودین اپرا را از زندگی شاهزاده روسیه خلق می کند. این اثر «شاهزاده ایگور» بود.
«شاهزاده ایگور» مدل اپرای حماسی روسی شد. همانطور که در یک حماسه قدیمی روسی، اپرا بدون عجله، آرام عملی را نشان می دهد که در مورد اتحاد سرزمین های روسیه، حکومت های ناهمگون برای مقابله مشترک با دشمن - پولوتسیان ها صحبت می کند. کار بورودین به اندازه بوریس گودونوف موسورگسکی یا خدمتکار پسکوف اثر ریمسکی-کورساکوف غم انگیز نیست، اما طرح اپرا نیز بر اساس تصویر پیچیده رهبر دولت است - شاهزاده ایگور که شکست خود را تجربه می کند و تصمیم می گیرد فرار از اسارت و در نهایت جمع آوری جوخه خود برای درهم شکستن دشمن به نام وطن.
گرایش دیگر در هنر موسیقی روسیه، آثار اپرا چایکوفسکی است. این آهنگساز کار خود را در اپرا با آثاری بر اساس توطئه های تاریخی آغاز کرد.
با پیروی از ریمسکی-کورساکوف، چایکوفسکی به دوران ایوان مخوف در اپریچنیک روی می آورد. وقایع تاریخی در فرانسه، که در تراژدی شیلر شرح داده شده است، به عنوان پایه ای برای لیبرتو خدمتکار اورلئان عمل کرد. چایکوفسکی از «پولتاوا» پوشکین، که دوران پیتر اول را توصیف می کند، طرح اپرای «مازپا» را برداشت.
در همان زمان، آهنگساز هم اپراهای غنایی-کمدی (واکولا آهنگر) و هم اپراهای عاشقانه (افسونگر) را خلق می کند.
اما اوج خلاقیت اپرا - و نه تنها برای خود چایکوفسکی، بلکه برای کل اپرای روسی قرن نوزدهم - اپراهای غزلی او یوجین اونگین و ملکه پیک بود.
چایکوفسکی که تصمیم گرفته بود شاهکار پوشکین را در ژانر اپرا مجسم کند، با مشکل جدی روبرو شد: کدام یک از رویدادهای متنوع "رمان در شعر" می تواند لیبرتوی اپرا را تشکیل دهد. آهنگساز در نشان دادن درام معنوی قهرمانان "یوجین اونگین" متوقف شد، که او موفق شد با متقاعدسازی نادر، سادگی چشمگیر منتقل کند.
مانند بیزه آهنگساز فرانسوی، چایکوفسکی در اونگین به دنبال نشان دادن دنیای مردم عادی، رابطه آنها بود. هدیه ملودیک کمیاب آهنگساز، استفاده ظریف از آهنگ های عاشقانه روسی، مشخصه زندگی روزمره توصیف شده در آثار پوشکین - همه اینها به چایکوفسکی اجازه می دهد اثری خلق کند که بسیار در دسترس است و در عین حال حالات پیچیده روانی شخصیت ها را به تصویر می کشد. .
در ملکه بیل، چایکوفسکی نه تنها به عنوان یک نمایشنامه نویس درخشان ظاهر می شود که قوانین صحنه را به طور ظریف احساس می کند، بلکه به عنوان یک سمفونیست بزرگ نیز ظاهر می شود که کنش را مطابق قوانین توسعه سمفونیک می سازد. اپرا بسیار متنوع است. اما پیچیدگی روانشناختی آن با آریاهای فریبنده، آغشته به ملودی روشن، گروه های مختلف و گروه های کر کاملاً متعادل است.
تقریباً همزمان با این اپرا، چایکوفسکی افسانه اپرا Iolanta را نوشت که در جذابیت آن شگفت انگیز بود. با این حال، ملکه بیل، همراه با یوجین اونگین، شاهکارهای اپرای روسیه در قرن نوزدهم هستند.

5. اپرای مدرن
در حال حاضر دهه اول قرن بیستم جدید نشان داده است که چه تغییرات شدید دوره ها در هنر اپرا رخ داده است، اپرای قرن گذشته و قرن آینده چقدر متفاوت است.
در سال 1902، کلود دبوسی، آهنگساز فرانسوی، اپرای Pelléas et Mélisande (بر اساس درام Maeterlinck) را به تماشاگران ارائه کرد. این کار به طور غیرمعمول ظریف و ظریف است. و درست در همان زمان، جاکومو پوچینی آخرین اپرای خود را مادام پروانه (اولین اپرا دو سال بعد انجام شد) را با روح بهترین اپرای ایتالیایی قرن نوزدهم نوشت.
بدین ترتیب یک دوره در هنر اپرا به پایان می رسد و دوره ای دیگر آغاز می شود. آهنگسازان نماینده مدارس اپرا که تقریباً در تمام کشورهای بزرگ اروپایی توسعه یافته اند، سعی می کنند ایده ها و زبان عصر جدید را با سنت های ملی قبلاً توسعه یافته در آثار خود ترکیب کنند.
پس از سی. دبوسی و ام. راول، نویسنده آثار برجسته ای مانند اپرای بوفا، ساعت اسپانیایی و اپرای خارق العاده کودک و جادو، موج جدیدی در هنر موسیقی در فرانسه ظاهر می شود. در دهه 1920 گروهی از آهنگسازان در اینجا ظاهر شدند که با نام "شش" وارد تاریخ موسیقی شدند. این شامل L. Duray، D. Millau، A. Honegger، J. Auric، F. Poulenc و J. Tayfer بود. همه این نوازندگان با اصل خلاقیت اصلی متحد شدند: خلق آثاری عاری از رقت کاذب، نزدیک به زندگی روزمره، نه زینت بخشیدن به آن، بلکه انعکاس آن همانطور که هست، با تمام نثر و زندگی روزمره اش. این اصل خلاقانه به وضوح توسط یکی از آهنگسازان برجسته The Six، A. Honegger بیان شد. او می‌گوید: «موسیقی باید شخصیت خود را تغییر دهد، حقیقت‌آمیز، ساده، موسیقی با قدمتی وسیع شود.»
همکاران خلاق، آهنگسازان "شش" راه های مختلفی را طی کردند. علاوه بر این، سه نفر از آنها - Honegger، Milhaud و Poulenc - در ژانر اپرا پربار کار کردند.
مونو اپرای پولنک، صدای انسان، به ترکیبی غیرعادی تبدیل شد، متفاوت از اپراهای معمایی باشکوه. این اثر که حدود نیم ساعت طول می کشد، گفتگوی تلفنی زنی است که معشوقش او را رها کرده است. بنابراین، تنها یک شخصیت در اپرا وجود دارد. آیا نویسندگان اپرا در قرون گذشته می توانستند چیزی مشابه تصور کنند!
در دهه 1930، اپرای ملی آمریکا متولد شد، نمونه ای از آن پورگی و بس اثر D. Gershwin است. ویژگی اصلی این اپرا، و همچنین کل سبک گرشوین به طور کلی، استفاده گسترده از عناصر فولکلور سیاه پوست، ابزارهای بیانی جاز بود.
صفحات قابل توجه زیادی توسط آهنگسازان روسی به تاریخ اپرای جهان اضافه شده است.
به عنوان مثال، اپرای شوستاکوویچ لیدی مکبث از ناحیه متسنسک (کاترینا ایزمایلووا)، بر اساس داستانی به همین نام توسط N. Leskov، بحث های داغی را ایجاد کرد. هیچ ملودی "شیرین" ایتالیایی در اپرا وجود ندارد، هیچ گروه سرسبز و تماشایی و دیگر رنگ‌هایی که با اپرای قرن‌های گذشته آشنا هستند وجود ندارد. اما اگر تاریخ اپرای جهان را مبارزه ای برای رئالیسم، برای به تصویر کشیدن واقعی واقعیت روی صحنه بدانیم، بدون شک کاترینا ایزمایلووا یکی از قله های هنر اپرا است.
خلاقیت اپرایی داخلی بسیار متنوع است. آثار قابل توجهی توسط Y. Shaporin ("Decembrists")، D. Kabalevsky ("Cola Breugnon"، "The Taras Family")، T. Khrennikov ("به داخل طوفان"، "مادر") خلق شد. کار اس. پروکوفیف کمک بزرگی به هنر اپرای جهان بود.
پروکوفیف اولین بار به عنوان آهنگساز اپرا در سال 1916 با اپرای قمارباز (پس از داستایوفسکی) شروع به کار کرد. از قبل در این کار اولیه، سبک او به وضوح احساس می شد، مانند اپرای عشق برای سه پرتقال، که کمی بعد ظاهر شد، که موفقیت بزرگی بود.
با این حال، استعداد برجسته پروکوفیف به عنوان یک نمایشنامه نویس اپرا در اپراهای "سمیون کوتکو" که بر اساس داستان "من پسر مردم زحمتکش هستم" اثر وی. کاتایف نوشته شده بود، و به ویژه در "جنگ و صلح" طرحی که بر اساس حماسه ای به همین نام اثر ال. تولستوی ساخته شده است.
پس از آن، پروکوفیف دو اثر اپرایی دیگر را نوشت - داستان یک مرد واقعی (بر اساس داستانی از B. Polevoy) و اپرای کمیک جذاب نامزدی در یک صومعه با روح یک بوفای اپرای قرن 18.
اکثر آثار پروکوفیف سرنوشت سختی داشتند. اصالت درخشان زبان موسیقی در بسیاری از موارد مانع از قدردانی فوری آنها شد. شناخت دیر رسید. در مورد پیانو و برخی از ساخته‌های ارکستری او هم همینطور بود. سرنوشت مشابهی در انتظار اپرای جنگ و صلح بود. تنها پس از مرگ نویسنده واقعاً مورد قدردانی قرار گرفت. اما هر چه سال ها از خلق این اثر می گذرد، ابعاد و عظمت این آفرینش برجسته هنر اپرایی جهان بیشتر آشکار می شود.
در دهه های اخیر، اپرای راک مبتنی بر موسیقی دستگاهی مدرن محبوب ترین ها شده اند. از جمله "جونو و آووس" اثر N. Rybnikov، "عیسی مسیح سوپراستار".
در دو یا سه سال اخیر، اپرای راک برجسته ای مانند نوتردام پاریس توسط لوک رامونت و ریچارد کوچینته بر اساس اثر جاودانه ویکتور هوگو خلق شده است. این اپرا قبلاً جوایز بسیاری را در زمینه هنر موسیقی دریافت کرده است که به انگلیسی ترجمه شده است. تابستان امسال، این اپرا به زبان روسی در مسکو به نمایش درآمد. اپرا ترکیبی از موسیقی مشخصه شگفت انگیز زیبا، اجرای باله، آواز کرال است.
به نظر من این اپرا باعث شد که نگاهی تازه به هنر اپرا داشته باشم.
در سال 2001، همین نویسندگان اپرای راک دیگری به نام رومئو و ژولیت را بر اساس تراژدی شکسپیر خلق کردند. از نظر تماشایی و محتوای موسیقایی، این اثر از کلیسای نوتردام چیزی کم ندارد.

6. ساختار یک اثر اپرا
این ایده است که نقطه شروع خلق هر اثر هنری است. اما در مورد اپرا تولد یک ایده از اهمیت خاصی برخوردار است. اول، ژانر اپرا را از پیش تعیین می کند. ثانیاً، نشان می دهد که می تواند به عنوان طرح کلی ادبی برای یک اپرای آینده باشد.
منبع اولیه ای که آهنگساز از آن دفع می کند معمولا یک اثر ادبی است.
در عین حال اپراهایی مانند Il trovatore وردی هستند که منابع ادبی مشخصی ندارند.
اما در هر دو مورد، کار روی یک اپرا با تدوین یک لیبرتو آغاز می شود.
ایجاد یک لیبرتو اپرا به گونه ای که واقعاً مؤثر باشد، قوانین صحنه را رعایت کند، و مهمتر از همه، به آهنگساز اجازه می دهد تا یک اجرا را همانطور که در درون خود می شنود، بسازد و هر شخصیت اپرا را «مجسمه کند» کار آسانی نیست.
از زمان تولد اپرا، تقریباً دو قرن است که شاعران نویسندگان لیبرتو بوده اند. این به هیچ وجه به این معنی نیست که متن لیبرتو اپرا به صورت شعر تنظیم شده است. نکته دیگری در اینجا مهم است: لیبرتو باید شاعرانه باشد و در حال حاضر در متن - اساس ادبی آریاها، خوانندگان، گروه ها - موسیقی آینده باید به صدا درآید.
در قرن نوزدهم، آهنگسازان، نویسندگان اپراهای آینده، اغلب خود لیبرتو را می ساختند. بارزترین مثال ریچارد واگنر است. برای او، یک هنرمند اصلاح طلب که بوم های باشکوه خود را خلق کرد - درام های موسیقی، کلمه و صدا جدایی ناپذیر بودند. فانتزی واگنر تصاویر صحنه ای را به وجود آورد که در فرآیند خلاقیت، گوشت ادبی و موسیقایی "بیش از حد رشد" کردند.
و حتی اگر در مواردی که خود آهنگساز معلوم می شد که آهنگساز است، لیبرتو از نظر ادبی گم می شد، اما نویسنده به هیچ وجه از ایده کلی خود منحرف نمی شد، تصور او از اثر به عنوان یک کل
بنابراین، آهنگساز با داشتن یک لیبرتو، می تواند اپرای آینده را به عنوان یک کل تصور کند. سپس مرحله بعدی فرا می رسد: نویسنده تصمیم می گیرد که از کدام فرم های اپرا برای تحقق بخشیدن به پیچش های خاصی در طرح اپرا استفاده کند.
تجربیات عاطفی شخصیت ها، احساسات، افکار آنها - همه اینها در قالب یک آریا پوشیده شده است. در لحظه ای که یک آریا در اپرا به صدا در می آید، به نظر می رسد کنش یخ می زند و خود آریا به نوعی "عکس فوری" از وضعیت قهرمان، اعتراف او تبدیل می شود.
هدف مشابهی - انتقال وضعیت درونی یک شخصیت اپرا - می تواند در یک اپرا توسط یک تصنیف، یک عاشقانه یا یک آریوسو اجرا شود. با این حال، آریوسو، همانطور که بود، یک مکان میانی بین آریا و یکی دیگر از فرم‌های مهم اپرایی - رسیتیتیو - اشغال می‌کند.
اجازه دهید به فرهنگ لغت موسیقی روسو بپردازیم. متفکر بزرگ فرانسوی استدلال کرد: "ریسیتیتیو فقط باید برای پیوند دادن موقعیت درام، تقسیم و تأکید بر معنای آریا، جلوگیری از خستگی شنیداری ..."
در قرن نوزدهم، با تلاش آهنگسازان مختلف که برای وحدت و یکپارچگی اجرای اپرا تلاش می‌کردند، رسیتیتیو عملاً ناپدید می‌شود و جای خود را به قسمت‌های ملودیک بزرگ می‌دهد که از نظر هدف به رسیتیتی نزدیک هستند، اما در تجسم موسیقی به آریا نزدیک می‌شوند.
همانطور که در بالا گفتیم، با شروع با واگنر، آهنگسازان از تقسیم اپرا به آریا و رسیتیتو خودداری می کنند و یک سخنرانی موسیقایی یکپارچه ایجاد می کنند.
نقش سازنده مهمی در اپرا، علاوه بر آریاها و رسیتیتیوها، توسط گروه ها ایفا می شود. آنها در جریان عمل ظاهر می شوند، معمولاً در مکان هایی که قهرمانان اپرا شروع به تعامل فعال می کنند. آنها نقش مهمی را در بخش هایی که در آن درگیری، موقعیت های کلیدی رخ می دهد، ایفا می کنند.
آهنگساز اغلب از گروه کر به عنوان یک وسیله بیان مهم استفاده می کند - در صحنه های پایانی یا، اگر طرح آن را ایجاب کند، برای نشان دادن صحنه های عامیانه.
بنابراین، آریاها، رسیتیتیوها، گروه‌ها، کرال و در برخی موارد اپیزودهای باله مهم‌ترین عناصر اجرای اپرا هستند. اما معمولاً با یک اورتور شروع می شود.
اورتور مخاطب را بسیج می کند، آنها را در مدار تصاویر موسیقی قرار می دهد، شخصیت هایی که روی صحنه نقش آفرینی می کنند. اغلب یک اورتور بر روی مضامینی بنا می شود که سپس در اپرا اجرا می شود.
و اکنون، سرانجام، در پشت یک اثر عظیم - آهنگساز اپرا را خلق کرد، یا بهتر بگوییم، او را آهنگسازی کرد، یا کلاویه تر کرد. اما بین ضبط موسیقی در نت و اجرای آن فاصله زیادی وجود دارد. برای اینکه یک اپرا - حتی اگر یک قطعه موسیقی برجسته باشد - به یک اجرای جالب، درخشان، هیجان انگیز تبدیل شود، کار یک تیم عظیم لازم است.
رهبر ارکستر تولید اپرا را با کمک کارگردان هدایت می کند. اگرچه اتفاق افتاد که کارگردانان بزرگ تئاتر درام یک اپرا روی صحنه بردند و رهبران ارکستر به آنها کمک کردند. همه چیز مربوط به تفسیر موسیقی - خواندن موسیقی توسط ارکستر، کار با خوانندگان - این حوزه فعالیت رهبر ارکستر است. اجرای تصمیم صحنه ای اجرا - ساخت میزانسن ها، حل هر نقش به عنوان یک بازیگر - صلاحیت کارگردان است.
بیشتر موفقیت یک محصول به هنرمندی بستگی دارد که صحنه‌ها و لباس‌ها را طراحی می‌کند. به اینها کار یک گروه کر، طراح رقص و البته خوانندگان را اضافه کنید، خواهید فهمید که چه کار پیچیده ای که کار خلاقانه ده ها نفر را متحد می کند، اجرای یک اپرا روی صحنه است، چقدر تلاش، تخیل خلاقانه، باید پشتکار و استعداد به کار گرفته شود تا این بزرگ ترین جشنواره موسیقی، جشنواره تئاتر، جشنواره هنری باشد که به آن اپرا می گویند.

کتابشناسی - فهرست کتب

1. Zilberkvit M.A. دنیای موسیقی: انشا. - م.، 1988.
2. تاریخ فرهنگ موسیقی. T.1. - م.، 1968.
3. Kremlev Yu.A. جایگاه موسیقی در میان هنرها - م.، 1966.
4. دایره المعارف برای کودکان. جلد 7. هنر. قسمت 3. موسیقی. تئاتر. سینما./ فصل. ویرایش V.A. ولودین. - M.: آوانتا +، 2000.

© قرار دادن مطالب در سایر منابع الکترونیکی فقط با یک لینک فعال همراه است

مقالات آزمون در Magnitogorsk، مقالات آزمون برای خرید، مقالات ترمی در حقوق، مقالات ترم در حقوق، مقالات ترم در RANEPA، مقالات ترم در حقوق در RANEPA، مقالات فارغ التحصیلی در رشته حقوق در Magnitogorsk، دیپلم حقوق در MIEP، مقالات دیپلم و مقالات ترم در VSU، آزمون های SGA، پایان نامه های کارشناسی ارشد در حقوق در چلگا.

ایتالیایی اپرا، روشن - کار، کار، انشا

نوعی درام موزیکال. این اپرا بر اساس ترکیب کلمات، کنش صحنه و موسیقی است. برخلاف انواع مختلف تئاتر درام، که در آن موسیقی کارکردهای رسمی و کاربردی را انجام می دهد، در اپرا به حامل و نیروی محرکه اصلی کنش تبدیل می شود. یک اپرا به یک مفهوم کلی نگر، موسیقیایی و نمایشی در حال توسعه نیاز دارد (نگاه کنید به). اگر غایب باشد و موسیقی فقط متن کلامی و وقایع روی صحنه را همراهی کند، آن را به تصویر بکشد، فرم اپرایی از هم می پاشد و ویژگی اپرا به عنوان نوع خاصی از هنر موسیقایی و نمایشی از بین می رود.

ظهور اپرا در ایتالیا در اواخر قرن 16-17. از یک سو توسط اشکال خاصی از رنسانس t-ra تهیه شده بود که در آن به موسیقی معنی داده می شد. مکان (یک میان‌آهنگ باشکوه، یک درام پاستورال، یک تراژدی با گروه‌های کر)، و از سوی دیگر، تحولی گسترده در همان دوران تک‌خوانی با اینستر. اسکورت در O. بود که جستجوها و آزمایشات قرن شانزدهم کاملترین بیان خود را یافتند. در زمینه واک بیانی. موندی، قادر به انتقال تفاوت های ظریف مختلف گفتار انسان است. B.V. Asafiev نوشت: "جنبش بزرگ رنسانس، که هنر "انسان جدید" را ایجاد کرد، حق آشکار کردن آزادانه روحیه، احساسات خارج از یوغ زهد را اعلام کرد، همچنین آواز جدیدی را زنده کرد که در آن صدای آواز و آواز خوانده می شد. بیان غنای عاطفی قلب انسان شد در این انقلاب عمیق در تاریخ موسیقی، که کیفیت لحن را تغییر داد، یعنی آشکار ساختن محتوای درونی، روحیه، روحیه عاطفی با صدای و گویش انسانی، تنها توانست اپرا به ارمغان بیاورد. هنر به زندگی "(Asafiev B.V., Izbr. works, vol. V, M., 1957, p. 63).

مهمترین عنصر غیرقابل انکار یک تولید اپرا آواز است که طیفی غنی از تجربیات انسانی را در بهترین سایه ها منتقل می کند. از طریق تفاوت. ساخت واک لحن ها در O. یک ذهنیت فردی را نشان می دهد. انبار هر شخصیت، ویژگی های شخصیت و خلق و خوی او منتقل می شود. از برخورد صداهای مختلف. مجتمع هایی که رابطه بین آنها با همسویی نیروها در درام ها مطابقت دارد. اکشن، "دراماتورژی لحنی" O. به عنوان یک درام موزیکال متولد می شود. کل

توسعه سمفونی در قرن 18-19. امکانات تفسیر درام با موسیقی را گسترش داد و غنی کرد. اعمال در گفتار، افشای محتوای آن، که همیشه به طور کامل در متن خوانده شده و اعمال شخصیت ها آشکار نمی شود. ارکستر نقش تفسیری و تعمیم دهنده متنوعی را در اپرا اجرا می کند. عملکردهای آن به پشتیبانی wok محدود نمی شود. مهمانی ها و تاکید بیانی فردی، مهم ترین است. لحظات عمل می تواند «جریان زیرین» کنش را منتقل کند و نوعی درام را شکل دهد. نقطه مقابل آنچه روی صحنه می گذرد و خوانندگان درباره آن چه می خوانند. چنین ترکیبی از پلان های مختلف یکی از قوی ترین عبارات است. ترفندها در O. اغلب ارکستر تمام می کند، وضعیت را کامل می کند و آن را به بالاترین نقطه درام می رساند. ولتاژ. نقش مهمی نیز به ارکستر در ایجاد پس‌زمینه کنش تعلق دارد و وضعیتی که در آن اتفاق می‌افتد را ترسیم می‌کند. توضیحات ارکسترال قسمت ها گاهی به سمفونی کامل تبدیل می شوند. نقاشی ها اورک خالص رویدادهای خاصی که بخشی از خود کنش هستند نیز می توانند با وسایلی تجسم شوند (مثلاً در فواصل سمفونیک بین صحنه ها). در نهایت، اورک. توسعه به عنوان یکی از موجودات عمل می کند. عوامل ایجاد یک فرم اپرایی کامل و یکپارچه همه موارد فوق در مفهوم سمفونیزم اپرا گنجانده شده است که از بسیاری از تکنیک های موضوعی استفاده می کند. توسعه و شکل‌دهی، غالب در مسیر "خالص". موسیقی اما این تکنیک ها با توجه به شرایط و الزامات تئاتر، انعطاف پذیرتر و رایگان تر برای استفاده در تئاتر هستند. اقدامات.

در همان زمان، اثر معکوس O. بر instr. موسیقی بنابراین، O. تأثیر غیرقابل انکاری در شکل گیری کلاسیک داشت. علائم ارکستر ردیف اورک. اثراتی که در ارتباط با وظایف خاص تئاتر.-درام به وجود آمده است. سفارش، سپس به مالکیت instr. خلاقیت توسعه ملودی اپرا در قرن 17-18. برخی از انواع کلاسیک را آماده کرد. instr. موضوع گرایی نمایندگان رمانتیسم برنامه ای اغلب به روش های بیان اپرایی متوسل می شدند. سمفونیسم، که به دنبال نقاشی با استفاده از instr. موسیقی، تصاویر ملموس و تصاویر واقعیت، تا بازتولید ژست ها و لحن های گفتار انسان.

O. از انواع ژانرهای موسیقی روزمره - آهنگ، رقص، راهپیمایی (در انواع مختلف آنها) استفاده می کند. این ژانرها نه تنها برای ترسیم پس‌زمینه‌ای که کنش در آن در حال گسترش است، برای ایجاد یک nat خدمت می‌کنند. و رنگ محلی، بلکه برای مشخص کردن شخصیت ها. روشی به نام "تعمیم از طریق ژانر" (اصطلاح A. A. Alshwang) در O. کاربرد گسترده ای پیدا می کند. آهنگ یا رقص وسیله ای برای واقع گرایی می شود. نمونه‌سازی تصویر، آشکار کردن کلی در خاص و فردی.

تفاوت نسبت عناصری که O. را به عنوان هنر تشکیل می دهند. کل، بسته به زیبایی شناسی کلی متفاوت است. گرایش هایی که در یک دوره خاص، در یک جهت یا آن جهت، و همچنین از خلاقیت خاص غالب است. وظایفی که آهنگساز در این اثر حل کرده است. ارکسترهایی وجود دارند که عمدتاً آوازی هستند که در آنها به ارکستر یک نقش فرعی و فرعی اختصاص داده می شود. با این حال، ارکستر می تواند چ. حامل درام عمل و تسلط بر ووک. مهمانی. O. شناخته شده هستند، ساخته شده بر روی تناوب از woks تمام شده یا نسبتا تمام شده. فرم ها (آریا، آریوسو، کاواتینا، انواع گروه ها، گروه های کر)، و O. preim. انبار تلاوت، که در آن کنش به طور مداوم، بدون تجزیه به صورت جداگانه توسعه می یابد. قسمت‌ها (اعداد)، O. با غلبه شروع انفرادی و O. با گروه‌ها یا گروه‌های کر توسعه‌یافته. همه آر. قرن 19 مفهوم "درام موزیکال" مطرح شد (به درام موزیکال مراجعه کنید). موزها درام با O مشروط یک ساختار «شماری» مخالف بود. این تعریف به معنای تولید است که در آن موسیقی کاملاً تابع درام است. عمل و تمام منحنی های آن را دنبال می کند. با این حال، این تعریف خاصی را در نظر نمی گیرد قوانین دراماتورژی اپرا که در همه چیز با قوانین درام منطبق نیست. t-ra، و O. را از برخی دیگر از انواع تئاتر محدود نمی کند. اجراهایی همراه با موسیقی که در آن نقش اصلی را ایفا نمی کند.

اصطلاح "اوه". مشروط و دیرتر از نوع موسیقی-درام تعیین شده توسط او پدید آمد. آثار. این نام برای اولین بار در سال 1639 به معنای خاص خود استفاده شد و در قرن 18 - اوایل قرن 18 وارد استفاده عمومی شد. قرن 19 نویسندگان اولین اپراها، که در اواخر قرن 16 و 17 در فلورانس ظاهر شدند، آنها را "درام روی موسیقی" نامیدند (Drama per musica، به معنای واقعی کلمه "درام از طریق موسیقی" یا "درام برای موسیقی"). ایجاد آنها ناشی از تمایل به احیای یونانی های دیگر بود. تراژدی این ایده در حلقه‌ای از دانشمندان، نویسندگان و موسیقی‌دانان انسان‌گرا متولد شد که در اطراف نجیب زاده فلورانسی G. Bardi جمع شده بودند (به Camerata فلورانسی مراجعه کنید). اولین نمونه های O. را «دافنه» (98-1597، حفظ نشده) و «اوریدیک» (1600) توسط جی پری در مورد بعدی در نظر گرفته اند. O. Rinuccini (G. Caccini همچنین موسیقی "Eurydice" را نوشت). چ. وظیفه ارائه شده توسط نویسندگان موسیقی، وضوح بیانیه بود. واک قطعات در یک انبار ملودیک-خواننده نگهداری می شوند و فقط حاوی عناصر خاص و ضعیف توسعه یافته رنگاراتوری هستند. در سال 1607 پستی در مانتوا وجود داشت. O. "Orpheus" اثر سی. مونتهوردی، یکی از بزرگترین موسیقیدانان نمایشنامه نویس تاریخ موسیقی. او درام واقعی را به O. آورد، حقیقت احساسات، بیان او را غنی کرد. منابع مالی.

در فضایی اشرافی به دنیا آمد. سالن، O. در نهایت دموکراتیزه می شود، برای بخش های وسیع تری از جمعیت قابل دسترسی می شود. در ونیز که وسط شد. قرن 17 فصل مرکز توسعه ژانر اپرا، در سال 1637 اولین تئاتر عمومی افتتاح شد. تئاتر اپرا ("سان کاسیانو"). تغییر در پایگاه اجتماعی زبان بر محتوا و شخصیت آن تأثیر گذاشت. منابع مالی. همراه با اسطوره توطئه ها تاریخی به نظر می رسد. تم ها، میل به درام های تند و شدید وجود دارد. درگیری ها، ترکیب تراژیک با کمیک، عالی با مضحک و پست. واک قطعات ملودیک هستند، ویژگی های بل کانتو را به دست می آورند و به طور مستقل به وجود می آیند. قسمت های انفرادی از نوع آریوز. آخرین اپرای مونتهوردی برای ونیز نوشته شد، از جمله تاج گذاری پوپیا (1642) که در رپرتوار دوران مدرن احیا شد. تئاترهای اپرا F. Cavalli، M. A. Chesti، G. Legrenzi، A. Stradella از بزرگترین نمایندگان مکتب اپرای ونیزی بودند (به مدرسه ونیزی مراجعه کنید).

تمایل به افزایش ملودیک. شروع و تبلور واک های تمام شده فرم هایی که توسط آهنگسازان مکتب ونیزی ترسیم شده بود، توسط استادان مکتب اپرای ناپل که در ابتدا توسعه یافته بود، بیشتر توسعه یافت. قرن 18 اولین نماینده اصلی این مکتب F. Provencale، رئیس آن - A. Scarlatti، از اساتید برجسته - L. Leo، L. Vinci، N. Porpora و دیگران بود. اپراها به زبان ایتالیایی. لیبرتوهایی به سبک مکتب ناپل نیز توسط آهنگسازان ملیت های دیگر از جمله آی. هاسه، جی.اف.هندل، ام. اس. برزوفسکی و دی. اس. بورتنیانسکی نوشته شده است. در مکتب ناپل سرانجام فرم آریا (به ویژه داکاپو) شکل گرفت، مرز مشخصی بین آریا و رسیتیتیو ایجاد شد و دراماتورژی مشخص شد. توابع متفاوت است عناصر O. به عنوان یک کل. فعالیت لیبرتیست‌های A. Zeno و P. Metastasio به تثبیت فرم اپرایی کمک کرد. آنها یک نوع هماهنگ و کامل از سریال اپرا ("اپرا جدی") در اسطوره ای توسعه دادند. یا تاریخی-قهرمانی. طرح. اما به مرور زمان درام. محتوای این O. بیشتر و بیشتر در پس زمینه محو شد و به یک سرگرمی تبدیل شد. "یک کنسرت در لباس"، به طور کامل از هوس های خوانندگان فاخر. در حال حاضر در Ser. قرن 17 ایتالیایی O. در تعدادی از اروپا گسترش یافته است. کشورها. آشنایی با او به عنوان انگیزه ای برای ظهور در برخی از این کشورها از ملیت خود بود. اپرا t-ra. در انگلستان، G. Purcell با استفاده از دستاوردهای مکتب اپرای ونیزی، اثری عمیقاً بدیع خلق کرد. به زبان مادری "دیدو و آئنیاس" (1680). جی بی لولی بنیانگذار فرانسوی ها بود. تراژدی غنایی - نوع تراژیک قهرمانانه. O.، از بسیاری جهات به کلاسیک نزدیک است. تراژدی های پی کورنیل و جی راسین. اگر «دیدو و انیاس» پرسل یک پدیده واحد باقی می ماند که ادامه ای در زبان انگلیسی نداشت. خاک، سپس ژانر غزل. تراژدی به طور گسترده در فرانسه گسترش یافت. اوج آن در سر. قرن 18 با کار J. F. Rameau مرتبط بود. با این حال، ایتالیایی مجموعه اپرا، که در قرن 18 تسلط داشت. در اروپا، اغلب به ترمزی برای توسعه nat تبدیل شد. O.

در دهه 30. قرن 18 در ایتالیا، ژانر جدیدی به وجود آمد - اپرا بوفا، که از کمیک توسعه یافت. در میان‌آهنگ‌ها، مرسوم بود که بین کارهای مجموعه اپرا اجرا شود. اولین نمونه از این ژانر را معمولاً میان‌آهنگ‌های G. V. Pergolesi، خدمتکار معشوقه (1733، اجرا شده در بین اجراهای سریال اپرای او The Proud Prisoner) می‌دانند که به زودی اهمیت خاص خود را پیدا کرد. خوش منظره آثار. توسعه بیشتر این ژانر با کار رایانه مرتبط است. N. Logroshino، B. Galuppi، N. Piccinni، D. Cimarosa. اپرا-بوفا رئالیست پیشرفته را منعکس می کرد. روندهای آن دوران به صورت مشروط قهرمان شده است. شخصیت های سریال اپرا با تصاویر مردم عادی از زندگی واقعی مخالف بودند، عمل به سرعت و واضح توسعه یافت، ملودی مرتبط با نار. ریشه ها، ترکیبی از ویژگی تیز با ملودی بودن یک احساس نرم. انبار.

همراه با ایتالیایی اپرا بوفا در قرن 18 دیگر nat. انواع طنز الف- اجرای «خدمتکار معشوقه» در پاریس در سال 1752 به تقویت موقعیت فرانسوی ها کمک کرد. کمدین اپرا، ریشه در نار. اجراهای منصفانه همراه با خواندن ترانه های دوبیتی ساده. دموکراتیک دعوی در ایتالیا "buffons" توسط رهبران فرانسوی حمایت شد. روشنگری D. Diderot، J. J. Rousseau، F. M. Grimm و دیگران. اپراهای F. A. Philidor، P. A. Monsigny و A. E. M. Grétry با واقع گرایی خود متمایز می شوند. محتوا، مقیاس توسعه یافته، ملودیک. ثروت در انگلستان، یک اپرای تصنیف به وجود آمد که نمونه اولیه آن «اپرای گداها» اثر جی پپوش در اپیزود بود. جی. گایا (1728)، که یک طنز اجتماعی برجسته در مورد اشراف بود. سریال اپرا «اپرای گدا» در میانه شکل گیری را تحت تأثیر قرار داد. قرن 18 آلمانی Singspiel که بعداً با فرانسوی ها همگرا شد. کمدین اپرا، حفظ nat. شخصیت در سیستم فیگوراتیو و موسیقی. زبان بزرگترین نمایندگان آلمان شمالی. Singspiel I. A. Hiller، K. G. Nefe، I. Reichardt، اتریشی - I. Umlauf و K. Dittersdorf بودند. ژانر singspiel توسط W. A. ​​Mozart در The Abduction from the Seraglio (1782) و The Magic Flute (1791) عمیقاً مورد بازاندیشی قرار گرفت. در آغاز. قرن 19 در این ژانر رمانتیک جلوه می کنند. روندها ویژگی های singspiel توسط محصول "نرم افزار" حفظ می شود. آلمانی موسیقی رمانتیسم "تیرانداز آزاد" K. M. Weber (1820). بر اساس نار. آداب و رسوم، آهنگ ها و رقص ها توسعه یافته است. ژانرهای اسپانیایی موسیقی t-ra - zarzuela و بعدا (نیمه دوم قرن 18) تونادیلا.

در یک سوم پایانی قرن هجدهم روسی به وجود آمد. کمیک او.، به دست آوردن داستان هایی از سرزمین پدری. زندگی جوان روسی. O. برخی از عناصر ایتالیایی را به خود گرفت. اپرا بوفا، فرانسوی کمدین اپرا، آلمانی singspiel، اما به دلیل ماهیت تصاویر و لحن. از نظر موسیقی، عمیقا بدیع بود. شخصیت‌های آن اکثراً مردمی بودند، موسیقی مبتنی بر وسایل بود. اندازه گیری (گاهی به طور کامل) بر روی ملودی نار. آهنگ ها. O. جایگاه مهمی در کار روسی با استعداد داشت. استادان E. I. Fomin ("مربیان در پایگاه"، 1787، و غیره)، V. A. Pashkevich ("بدبختی از کالسکه"، 1779؛ "St. I ed. 1792، و غیره). در آستانه قرن 18-19. nat. نوع nar.-طنز خانگی. او در لهستان، جمهوری چک و برخی کشورهای دیگر سرچشمه گرفته است.

تفاوت ژانرهای اپرا، به وضوح در طبقه 1 متمایز شده است. قرن 18، در طول تاریخ توسعه همگرا شد، مرزهای بین آنها اغلب مشروط و نسبی شد. محتوای کمیک دریاچه عمیق تر شد، عناصر حساسیت به آن وارد شد. رقت انگیز، دراماتیک و گاهی قهرمانانه ("ریچارد شیردل" گرتری، 1784). از سوی دیگر، قهرمان "جدی". O. سادگی و طبیعی بودن بیشتری به دست آورد و خود را از لفاظی های پر زرق و برق ذاتی خود رها کرد. گرایش به تجدید سنت. نوع سریال اپرا در وسط ظاهر می شود. قرن 18 در ایتالیایی مقایسه N. Jommelli، T. Traetta و دیگران موسیقی بومی و نمایش. اصلاحات توسط K. V. Gluck، هنر انجام شد. که اصول آن تحت تأثیر اندیشه های آن شکل گرفت. و فرانسوی روشنگری. اصلاحات خود را در وین در دهه 60 آغاز کرد. قرن 18 («اورفیوس و اوریدیک»، 1762؛ «آلسست»، 1767)، او آن را یک دهه بعد در شرایط پیش از انقلاب تکمیل کرد. پاریس (نقطه اوج نوآوری اپرایی او - "Iphigenia in Tauris"، 1779). تلاش برای بیان صادقانه احساسات بزرگ، برای درام. با توجیه همه عناصر اجرای اپرا، گلوک هر طرحی را که تجویز شده بود کنار گذاشت. از اکسپرس استفاده کرد. سرمایه هایی مانند ایتالیایی اوه، خیلی فرانسوی. متن آهنگ تراژدی، آنها را تابع یک نمایشنامه نویس واحد می کند. قصد

اوج توسعه O. در قرن 18th. کار موتزارت بود، توری دستاوردهای ملی مختلف را ترکیب کرد. مدارس و این ژانر را به اوج بی سابقه ای رساند. موتزارت، بزرگترین هنرمند رئالیست، درام های تند و شدید را با قدرت زیادی مجسم کرد. درگیری ها، شخصیت های انسانی زنده و حیاتی قانع کننده ایجاد می کند، آنها را در روابط پیچیده، در هم تنیده و مبارزه با منافع متضاد آشکار می کند. او برای هر طرح، شکل خاصی از درام موسیقی پیدا کرد. تجسم ها و بیان های مربوطه. منابع مالی. در «عروسی فیگارو» (1786) به شکل ایتالیایی آشکار شده است. اپرا بوفا عمیق و به شدت مدرن واقع گرایانه است. محتوا، در "دون خوان" (1787) کمدی با تراژدی بالا ترکیب شده است (درام جیکوزا - "درام شاد"، طبق تعریف خود آهنگساز)، در "فلوت جادویی" اخلاق عالی به شکلی افسانه ای بیان می شود. ایده آل های مهربانی، دوستی، استواری احساسات.

فرانسوی عالی انقلاب انگیزه جدیدی به توسعه O. Vkon داد. قرن 18 در فرانسه، ژانر "اپرای نجات" به وجود آمد که در آن خطر قریب الوقوع به لطف شجاعت، شجاعت و بی باکی قهرمانان غلبه کرد. این اُ. استبداد و خشونت را محکوم کرد، رشادت مبارزان برای آزادی و عدالت را خواند. نزدیکی پلان ها به زمان حال، پویایی و سرعت عمل، «اپرای نجات» را به کمدین اپرا نزدیک کرد. در همان زمان، با درام زنده موسیقی، افزایش نقش ارکستر متمایز شد. نمونه‌های معمولی این ژانر عبارتند از: Lodoiska (1791)، Eliza (1794) و O. Two Days (حمل آب، 1800) توسط L. Cherubini، و همچنین The Cave اثر J. F. Lesueur (1793). «اپرای رستگاری» در طرح و دراماتورژی آن به هم نزدیک است. ساختار "Fidelio" L. Beethoven (1805، 3rd edition 1814). اما بتهوون محتوای اپرای خود را به تعمیم ایدئولوژیک بالایی رساند، تصاویر را عمیق تر کرد و فرم اپرایی را سمفونی کرد. «فیدیلیو» با بزرگترین سمفونی های او همتراز است. آفرینش هایی که جایگاه ویژه ای در هنر اپرای جهان به خود اختصاص داده است.

در قرن 19 یک تمایز واضح وجود دارد. nat. مدارس اپرا شکل گیری و رشد این مکاتب با روند کلی شکل گیری ملت ها، با مبارزه مردم برای کسب قدرت سیاسی همراه بود. و استقلال معنوی جهت جدیدی در هنر در حال شکل گیری است - رمانتیسیسم که بر خلاف جهان وطنی پرورش یافت. روندهای روشنگری، افزایش علاقه به nat. اشکال زندگی و هر چیزی که در آن «روح مردم» تجلی یافته است. او در زیبایی شناسی رمانتیسیسم جایگاه مهمی داشت که یکی از پایه های آن ایده سنتز هنرها بود. برای عاشقانه ها O. با نمودارهایی از طبقه مشخص می شوند. افسانه ها، افسانه ها و سنت ها یا از داستان های تاریخی گذشته کشور، تصاویری رنگارنگ از زندگی و طبیعت، در هم آمیختن واقعیت و خارق العاده. آهنگسازان رمانتیک تلاش کردند تا احساسات قوی، زنده و حالات ذهنی شدیدا متضاد را تجسم بخشند؛ آنها ترحم طوفانی را با غزل رویایی ترکیب می کنند.

یکی از مکان های پیشرو در توسعه O. ایتالیایی را حفظ کرد. مدرسه، اگرچه او دیگر چنین محرومیتی نداشت. ارزش ها، مانند قرن 18، و باعث انتقاد شدید نمایندگان سایر ملیت ها شد. مدارس سنتی ژانرهای ایتالیایی O. تحت تأثیر الزامات زندگی به روز و اصلاح شدند. واک آغاز همچنان بر بقیه عناصر آوازی تسلط داشت، اما ملودی انعطاف‌پذیرتر، به طرز چشمگیری معنادار شد، خطی تیز بین رسیتیتیو و ملودیک. با آواز خواندن پاک شد، توجه بیشتری به ارکستر به عنوان وسیله موسیقی معطوف شد. ویژگی های تصاویر و موقعیت ها

ویژگی های جدید به وضوح توسط G. Rossini آشکار شد، که کار او از ایتالیایی رشد کرد. فرهنگ اپرایی قرن 18 "آرایشگر سویل" (1816) او که اوج توسعه اپرا بوفا بود، تفاوت قابل توجهی با سنت دارد. نمونه هایی از این سبک کمدی موقعیت‌ها، فارغ از عناصر شوخی سطحی، برای روسینی به رئالیستی تبدیل شد. کمدی از شخصیت ها که سرزندگی، سرگرمی و شوخ طبعی را با طنز مناسب ترکیب می کند. ملودی های این اپرا، اغلب نزدیک به عامیانه، دارای ویژگی تند و بسیار دقیقی با تصاویر شخصیت ها است. در کمیک "سیندرلا" (1817). او تغزلی-عاشقانه می یابد. رنگ آمیزی، و در "جغی دزد" (1817) به درام روزمره نزدیک می شود. در اپرا-سریال های پخته خود، آغشته به ترحم میهن پرستی و مردمی-آزادی. مبارزه ("موسی"، 1818؛ "محمد"، 1820)، روسینی نقش گروه کر را تقویت کرد، تخته های بزرگ ایجاد کرد. صحنه های پر از درام و عظمت. رایگان نار. ایده ها به ویژه در O. "William Tell" (1829) به وضوح بیان شد که در آن روسینی فراتر از ایتالیایی ها رفت. سنت اپرا، پیش بینی ویژگی های خاص فرانسوی ها. عاشقانه بزرگ O.

در دهه 30-40. قرن 19 کار V. Bellini و G. Donizetti آشکار شد، اولین O. از G. Verdi جوان ظاهر شد که به عنوان نمونه های بارز ایتالیایی عمل می کرد. رمانتیسم آهنگسازان در O. میهن پرستانه خود منعکس شده است. ظهور مرتبط با جنبش ایتالیا. ریسورگیمنتو، تنش انتظارات، تشنگی برای یک احساس عالی آزاد. در بلینی، این حالات با لحنی از غزلیات ملایم و رویایی رنگ آمیزی شده است. یکی از بهترین آثار او - O. در تاریخ. طرح "نورما" (1831)، که در آن درام شخصی برجسته شده است. "Sleepwalker" (1831) - درام غنایی. O. از زندگی مردم عادی; O. "Puritans" (1835) غزل را با هم ترکیب می کند. نمایشنامه با مضمون عامیانه مذهبی. مبارزه کردن. تاریخی-عاشقانه. درام با شور و شوق قوی مشخصه آثار دونیزتی است ("لوسیا دی لامرمور"، 1835؛ "لوکرتیا بورجیا"، 1833). آنها همچنین کتاب های طنز نوشتند. O. (بهترین آنها - "Don Pasquale"، 1843)، سنت ها را به هم متصل می کند. مزاحم با ساده و بی تکلف. غزل سرایی با این حال، کمیک این ژانر آهنگسازان رمانتیک را جذب نکرد. جهت ها، و دونیزتی تنها ایتالیایی بزرگ بعد از روسینی بود. استادی که به این ژانر اختصاص داده است یعنی. توجه در کار شما

بالاترین نقطه توسعه ایتالیایی. O. در قرن 19th. و یکی از بزرگترین مراحل هنر اپرای جهان اثر وردی است. اولین او "نابوکدنزار" ("نابوکو"، 1841)، "لومباردها در اولین جنگ صلیبی" (1842)، "ارنانی" (1844)، مخاطبان میهن پرست را مجذوب خود کرد. ترحم و قهرمانی های بلند احساساتی که خالی از انبوه عاشقانه نیست. پایه ها در دهه 50. او ایجاد کرد درام عظیم استحکام - قدرت. در O. "Rigoletto" (1851) و "Il trovatore" (1853) که رمانتیک را حفظ کردند. ویژگی‌های واقع گرایانه عمیق. محتوا. وردی در تراویاتا (1853) گام بعدی را به سوی رئالیسم برداشت و موضوع را از زندگی روزمره گرفت. Op. دهه 60-70 - "دون کارلوس" (1867)، "آیدا" (1870) - او از فرم های اپرا به یاد ماندنی استفاده می کند، امکانات ووک را غنی می کند. و اورک بیان تلفیقی کامل از موسیقی با درام. اقدام به دست آمده توسط او در O. "اتللو" (1886)، ترکیبی از قدرت شکسپیر احساسات با انتقال غیرعادی انعطاف پذیر و حساس از همه روانشناختی. تفاوت های ظریف در پایان خلاقیت شما راهی که وردی به ژانر کمدی روی آورد ("Falstaff"، 1892)، اما او از سنت های بوفای اپرا دور شد و محصول را خلق کرد. با یک زبان در حال تکامل مداوم از طریق عمل و یک زبان وک بسیار مشخص. مهمانی ها بر اساس تلاوت اصل

در آلمان، قبلا قرن 19 O. از یک فرم بزرگ وجود نداشت. بخش تلاش برای ایجاد آلمانی بزرگ. O. در تاریخ موضوع در قرن 18 موفق نبودند. ملی آلمانی O. که در جریان اصلی رمانتیسیسم شکل گرفت، از singspiel توسعه یافت. تحت تاثیر رمانتیک ایده ها حوزه تصویری را غنی می کنند و بیان می کنند. ابزار این ژانر، دامنه آن را افزایش داد. یکی از اولین آلمانی ها رومانتیک O. "Ondine" اثر E. T. A. Hoffmann (1813، پست 1816) بود، اما اوج اوج ملی بود. Opera t-ra با ظهور "تیرانداز آزاد" توسط K. M. Weber (1820) آغاز شد. محبوبیت عظیم این O. مبتنی بر ترکیب رئالیسم بود. نقاشی های زندگی روزمره و شعر. منظره با آیین های مقدس اهریمنی فانتزی "تیرانداز آزاد" به عنوان منبعی از عناصر فیگوراتیو و رنگی جدید خدمت کرد. تکنیک های نه تنها برای خلاقیت اپرا pl. آهنگسازان، بلکه برای رمانتیک ها. سمفونی نرم افزاری با این حال، "شوالیه" وبر (1823) بزرگ "شوالیه" (1823) از نظر سبکی کم استحکام، حاوی یافته های ارزشمندی بود که بر توسعه بیشتر اپرا در آلمان تأثیر گذاشت. از "Evryants" یک رشته مستقیم به وحدت کشیده می شود. تولید اپرا R. Schumann "Genoveva" (1849)، و همچنین "Tannhauser" (1845) و "Lohengrin" (1848) واگنر. وبر در "Oberon" (1826) به ژانر سینگ اشپیل افسانه ای روی آورد و باعث تقویت عجیب و غریب در موسیقی شد. شرق رنگ آمیزی نمایندگان رمانتیک جهت ها در آن O. نیز L. Spohr و G. Marschner بودند. A. Lorzing، O. Nikolai، F. Flotov سنت های singspiel را به روشی متفاوت توسعه دادند، که کار آنها با ویژگی های سرگرمی سطحی مشخص می شد.

در دهه 40. قرن 19 به عنوان بزرگترین استاد آن نامزد شد. هنر اپرا R. Wagner. اولین بالغ، مستقل او. در سبک O. "هلندی پرنده" (1841)، "تانهاوزر"، "لوهنگرین" هنوز هم تا حد زیادی با رمانتیک مرتبط هستند. سنت های آغاز قرن در عین حال، آنها از قبل جهت موسیقی و دراماتورژی را مشخص می کنند. اصلاحات واگنر که به طور کامل توسط او در دهه 50-60 اجرا شد. اصول آن، توسط واگنر در نظری و عمومی بیان شده است. آثار، ناشی از شناخت اهمیت پیشرو درام است. در O. شروع شد: "درام هدف است، موسیقی وسیله ای برای تحقق آن است." تلاش برای تداوم موسیقی. توسعه، واگنر سنت را رها کرد. O. اشکال ساختار "شماره" (آریا، گروه، و غیره). او اساس دراماتورژی اپرا را با سیستم پیچیده ای از لایتموتیف ها که توسط Ch. arr در ارکستر، در نتیجه نقش سمفونی ها در او به طور قابل توجهی افزایش یافت. شروع کنید. کلاچ و انواع پلی فونیک. ترکیبی از انواع مختلف لایت موتیف ها یک موسیقی بی وقفه را تشکیل دادند. پارچه - "یک ملودی بی پایان". این اصول به طور کامل در "تریستان و ایزولد" (1859، پس از 1865) - بزرگترین اثر هنر اپرای رمانتیک، که جهان بینی رمانتیسم را با بیشترین کامل منعکس می کرد - بیان شد. یک سیستم توسعه یافته از لایتموتیف ها نیز O. "The Nuremberg Mastersingers" (1867) را متمایز می کند، اما واقع بینانه است. طرح تعریف شده به معنی. نقش در این اُ از عناصر آهنگ و نار زنده و پویا. صحنه های. مرکز. جایگاهی در آثار واگنر توسط چهار اپرای باشکوهی اشغال شده است که در طی تقریباً یک ربع قرن خلق شده است - «حلقه نیبلونگ» («طلای راین»، «والکری»، «زیگفرید» و «مرگ خدایان»، به طور کامل پست. 1876). محکوم کردن قدرت طلا به عنوان منبع شرارت، "حلقه نیبلونگ" را ضد سرمایه داری می کند. جهت، اما مفهوم کلی تترالوژی متناقض و فاقد ثبات است. O.-رمز «پارسی فال» (1882)، با تمام هنرش. ارزش ها گواهی بر بحران رمانتیک است. جهان بینی در آثار واگنر موسیقی-درام. اصول و کار واگنر باعث بحث و جدل بزرگ شد. با یافتن طرفداران و معذرت خواهان سرسخت در میان بسیاری از نوازندگان، آنها به شدت توسط دیگران طرد شدند. تعدادی از منتقدان، قدردانی از موسیقی ناب. دستاوردهای واگنر، معتقد بود که او در انبار استعداد خود به عنوان یک سمفونیست و نه یک تئاتر است. آهنگساز، و در مسیر اشتباه به سمت O. رفت. علیرغم اختلاف نظرهای شدید در ارزیابی او، اهمیت واگنر بسیار زیاد است: او بر توسعه موسیقی فریبنده تأثیر گذاشت. 19 - التماس قرن 20 مشکلات مطرح شده توسط واگنر راه حل های مختلفی برای آهنگسازان متعلق به دسامبر پیدا کرد. nat. مدارس و هنر جهت ها، اما هیچ یک از نوازندگان متفکر نتوانست نگرش خود را نسبت به دیدگاه ها و خلاقیت تعیین کند. تمرین آلمانی اصلاح کننده اپرا

رمانتیسم به تجدید فیگوراتیو و موضوعی کمک کرد. حوزه های اپرا، ظهور ژانرهای جدید آن در فرانسه. فرانتس رومانتیک O. در مبارزه با دانشگاهی تکامل یافته است. ادعای امپراتوری ناپلئون و دوران بازسازی. نماینده معمولی این آکادمیک گرایی ظاهری تماشایی، اما سرد در موسیقی. T-re G. Spontini بود. O. "Vestal" (1805)، "فرناند کورتس، یا فتح مکزیک" (1809) پر از پژواک نظامی است. راهپیمایی و پیاده روی قهرمانانه سنت برخاسته از گلوک به طور کامل در آنها متولد می شود و اهمیت مترقی خود را از دست می دهد. حیاتی تر ژانر کمیک بود. O. ظاهراً به این ژانر "Joseph" اثر E. Megul (1807) نزدیک است. این O. که بر روی یک داستان کتاب مقدس نوشته شده است، کلاسیک را به هم متصل می کند. سخت گیری و سادگی با ویژگی های خاص رمانتیسم. رومانتیک. رنگ آمیزی ذاتی O. در توطئه های افسانه ای N. Isoire ("سیندرلا"، 1810) و A. Boildieu ("کلاه قرمزی"، 1818) است. ظهور فرانسوی ها رمانتیسیسم اپرا در خطر است. دهه 20 و 30 در زمینه کمدی او در «بانوي سفيد» بويلديو (1825) با پدرسالاري ـ ايديلي خود منعکس شد. رنگ و رمز و راز فانتزی در سال 1828 یک پست در پاریس وجود داشت. "لال از پورتیچی" اثر اف اوبرت که یکی از اولین نمونه های یک اپرای بزرگ بود. معروف چ. arr مثل یک کمدین چیره دست ژانر اپرا، اوبرت O. درام را خلق کرد. برنامه ریزی با فراوانی موقعیت های درگیری حاد و پویایی گسترده. nar. صحنه های. این نوع O. در ویلیام تل (1829) روسینی بیشتر توسعه یافت. برجسته ترین نماینده تاریخی و عاشقانه. فرانسوی O. شد J. Meyerbeer. تسلط بر اجراهای بزرگ صحنه. توده ها، توزیع ماهرانه تضادها و شیوه تزیینی درخشان موسی ها. نامه‌ها به او اجازه می‌داد، علی‌رغم سبک التقاطی معروف، آثاری خلق کند که کنش‌ها را با درام شدید و تئاتری صرفاً تماشایی به تصویر بکشد. خودنمایی اولین اپرای پاریسی Meyerbeer "رابرت شیطان" (1830) حاوی عناصر یک شیطان غم انگیز است. داستان در روح آن. رمانتیسم زودهنگام قرن 19 درخشان ترین نمونه فرانسوی ها. رومانتیک O. - "Huguenots" (1835) در تاریخ. طرحی از دوران اجتماعی-مذهبی. کشتی در فرانسه در قرن شانزدهم. اپرای بعدی مایربیر (پیامبر، 1849؛ زن آفریقایی، 1864) نشانه هایی از افول این ژانر را نشان می دهد. نزدیک به مایربیر در تفسیر تاریخی. موضوعات F. Halevi، بهترین های O. to-rogo - "Zhidovka" ("دختر کاردینال"، 1835). جایگاه ویژه در زبان فرانسه موسیقی t-re ser. قرن 19 کار اپرایی G. Berlioz را اشغال می کند. او در O. "Benvenuto Cellini" (1837)، آغشته به روح رنسانس، بر سنت ها و اشکال کمدی تکیه کرد. ژانر اپرا در اپرای دیلوژی «ترواها» (1859) برلیوز قهرمانی گلوک را ادامه می دهد. سنت، نقاشی آن در یک رمانتیک. تن.

در دهه 50-60. قرن 19 اپرای غنایی پدیدار می شود. در مقایسه با رمانتیک بزرگ. O. مقیاس آن معتدل تر است، عمل بر روی رابطه چند متمرکز است. بازیگرانی که فاقد هاله ای از قهرمانی و رمانتیسم هستند. انحصاری نمایندگان غزل. O. اغلب به داستان های تولید روی می آورد. ادبیات جهانی و دراماتورژی (دبلیو. شکسپیر، جی. دبلیو. گوته)، اما آنها را با اصطلاحات روزمره تفسیر کرد. آهنگسازان خلاقیت کمتری دارند. فردیت، این گاهی اوقات به پیش پا افتاده و تضاد شدید بین ماهیت شیرین-احساسی موسیقی و نظم درام منجر می شد. تصاویر (به عنوان مثال، "هملت" توسط A. Thomas، 1868). ضمن اینکه در بهترین نمونه های این ژانر به درونی توجه شده است. دنیای انسان، روانشناسی ظریف، گواهی بر تقویت رئالیسم. عناصر در هنر اپرا تولیدی، ژانر غزل را تایید کرد. O. در فرانسه. موسیقی T-re و به طور کامل ویژگی های مشخصه آن را "فاوست" اثر سی. گونود (1859) مجسم کرد. از جمله O. این آهنگساز برجسته "رومئو و ژولیت" (1865). در تعدادی از غزلیات O. درام شخصی قهرمانان در پس زمینه عجیب و غریب نشان داده می شود. زندگی و طبیعت شرق کشورها ("Lakme" L. Delibes، 1883؛ "Pearl Diggers"، 1863، and "Jamile"، 1871، J. Bizet). در سال 1875، "کارمن" بیزه ظاهر شد - واقع گرایانه. درامی از زندگی مردم عادی که در آن حقیقت احساسات انسانی به طرز نفس گیرانه ای بیان خواهد شد. قدرت و سرعت عمل با طعم غیرعادی روشن و آبدار ژانر عامیانه ترکیب شده است. در این تولید بیزه بر محدودیت های غزل غلبه کرد. O. و به اوج رئالیسم اپرایی رسید. تقدیم به برجسته ترین استادان غزل. O. نیز متعلق به J. Massenet بود که با نفوذ و لطف ظریف تجربیات صمیمی قهرمانان خود را بیان می کرد (Manon, 1884; Werther, 1886).

در بین ملی پوشان جوان مدارسی که در قرن نوزدهم به بلوغ و استقلال رسیدند و بزرگترین آنها از نظر اهمیت مدرسه روسی است. نماینده روسیه رمانتیسیسم اپرایی، که با یک nat برجسته متمایز می شود. شخصیت، A.N. Verstovsky بود. در میان O. او مهم ترین "قبر Askold's" (1835) بود. با ظهور کلاسیک شاهکارهای M. I. Glinka Rus. مدرسه اپرا وارد دوران اوج خود شد. با تسلط بر مهمترین دستاوردهای اروپای غربی. موسیقی از گلوک و موتسارت تا ایتالیایی، آلمانی او. و فرانسوی گلینکا به تنهایی پیش رفت. مسیر. اصالت تولیدات اپرا او. ریشه در ارتباط عمیق با نار دارد. خاک، با جریان های پیشرفته روسیه. جوامع زندگی و فرهنگ دوران پوشکین. در «ایوان سوزانین» (1836) نات را خلق کرد. روسی نوع تاریخی ای که قهرمان آن مردی از مردم است. درام تصاویر و اکشن در این اپرا با عظمت تاریخی سبک اوراتوریو ترکیب شده است. حماسه به همان اندازه بدیع. دراماتورژی O. "روسلان و لیودمیلا" (1842) با گالری تصاویر متنوع خود که در پس زمینه نقاشی های باشکوه دکتر نشان داده شده است. روسیه و زیبا و جذاب جادویی-فوق العاده. صحنه های. روس آهنگسازان طبقه دوم قرن نوزدهم با تکیه بر سنت های گلینکا، مضامین و ساختار فیگوراتیو خلاقیت اپرا را گسترش داد، وظایف جدیدی را برای خود تعیین کرد و ابزار مناسبی برای حل آنها یافت. A. S. Dargomyzhsky یک تخت خانگی ایجاد کرد. درام "پری دریایی" (1855)، در یک ازدحام و خارق العاده. اپیزودها در خدمت تجسم زندگی واقع گرایانه هستند. محتوا. در O. "مهمان سنگی" (بر روی متن بدون تغییر "تراژدی کوچک" A. S. Pushkin، 1866-1869، تکمیل شده توسط Ts. A. Cui، با ساز N. A. Rimsky-Korsakov، 1872)، او اصلاح طلبی را مطرح کرد. وظیفه - خلق اثری عاری از قراردادهای اپرا که در آن تلفیقی کامل از موسیقی و نمایش حاصل شود. اقدامات. بر خلاف واگنر، که مرکز ثقل را به توسعه ارکستر منتقل کرد، دارگومیژسکی در درجه اول برای تجسم واقعی آهنگ های گفتار زنده انسانی در ملودی آوازی تلاش کرد.

اهمیت جهانی روسیه مدرسه اپرا توسط A. P. Borodin، M. P. Mussorgsky، N. A. Rimsky-Korsakov، P. I. Tchaikovsky تایید شد. با وجود همه تفاوت ها، خلاق فردیت آنها توسط یک سنت مشترک و اساسی متحد شده بود. ایدئولوژیک و زیبایی شناختی اصول. نمونه آنها دموکراتیک پیشرفته بودند. جهت گیری، واقع گرایی تصاویر، تلفظ nat. ماهیت موسیقی، تمایل به تایید انسان گرایی بالا. آرمان ها غنا و تطبیق پذیری محتوای زندگی تجسم یافته در آثار این آهنگسازان با انواع مختلفی از تولیدات اپرا مطابقت دارد. و وسایل موسیقی دراماتورژی موسورگسکی با قدرت فراوان در «بوریس گودونوف» (1872) و «خوانشچینا» (80-1872، تکمیل شده توسط ریمسکی-کورساکوف، 1883) تندترین آثار اجتماعی-تاریخی منعکس شده است. درگیری ها، مبارزه مردم علیه ظلم و بی حقوقی. در همان زمان، طرح کلی روشن تخته ها. توده ها با نفوذ عمیق به دنیای معنوی شخصیت انسان ترکیب می شود. بورودین نویسنده تاریخی - میهنی بود. O. "شاهزاده ایگور" (1869-87، تکمیل شده توسط Rimsky-Korsakov و A. K. Glazunov، 1890) با تصاویر محدب و جامد از شخصیت ها، حماسه به یاد ماندنی. نقاشی های Dr. روسیه، to-Crym مخالف شرق بود. صحنه هایی در اردوگاه پولوتسیان ریمسکی-کورساکوف، که پریم را خطاب قرار داد. به حوزه زندگی و تشریفات، به تجزیه. اشکال عامیانه شاعرانه خلاقیت، افسانه اپرا "دختر برفی" (1881)، حماسه اپرا "سادکو" (1896)، افسانه اپرا "افسانه شهر نامرئی کیتژ و دوشیزه فورونیا" (1904)، با اشاره به طنز افسانه پریان O. "The Golden Cockerel" (1907) و دیگران. با استفاده گسترده از ملودی آهنگ های محلی در ترکیب با غنای اورک مشخص می شود. رنگ، انبوهی از قسمت‌های سمفونیک و توصیفی، آغشته به حس ظریف طبیعت، و گاهی اوقات با درام شدید ("نبرد کرژنتس" از "داستان شهر نامرئی کیتژ ..."). چایکوفسکی به Ch. arr مشکلات مرتبط با زندگی روانی یک فرد، رابطه فرد و محیط. در پیش زمینه در او - روانی. تعارض. او در عین حال به تصویر کردن زندگی روزمره، موقعیت خاص زندگی که در آن کنش رخ می دهد، توجه داشت. نمونه روسی متن آهنگ O. "یوجین اونگین" (1878) است - تولید. هم در ماهیت تصاویر و هم در موسیقی عمیقا ملی است. زبان مرتبط با فرهنگ روسیه کوه ها آهنگ های عاشقانه غزل در ملکه بیل (1890). درام به تراژدی می رسد موسیقی این اُ با یک جریان شدید پیوسته از موسیقی سمفونیک نفوذ کرده است. توسعه، اطلاع رسانی موسیقی. تمرکز و هدفمندی دراماتورژی روانی حاد. این درگیری حتی زمانی که چایکوفسکی به مسائل تاریخی روی آورد، کانون توجه او بود. توطئه ها ("خدمتکار اورلئان"، 1879، "مازپا"، 1883). روس آهنگسازان همچنین تعدادی کمیک خلق کردند. O. در قطعه از طبقه. زندگی که در آن آغاز کمدی با عناصر تغزلی و تخیلی تلفیق شده است ("نمایشگاه سوروچینسکایا" اثر موسورگسکی، 80-1874، تکمیل شده توسط کوی، 1916؛ "چرویچکی" اثر چایکوفسکی، 1880، "شب مه"، 1878، و "شب قبل از کریسمس"، 1895، ریمسکی-کورساکوف).

به معنای مطرح کردن وظایف جدید و غیره. دراماتورژی ارزشمند این یافته ها مورد توجه اپرای A. N. Serov - "Judith" (1862) در یک داستان کتاب مقدس، تفسیر شده در یک طرح سخنرانی، "Rogneda" (1865) در داستانی از داستان دکتر. روسیه و "نیروی دشمن" (1871، تکمیل شده توسط B.C. Serova و H.P. Solovyov)، که بر اساس مدرن است. درام داخلی با این حال، سبک التقاطی هنر آنها را کاهش می دهد. ارزش. اهمیت اپرای Ts. A. Cui "ویلیام رتکلیف" (1868)، "آنجلو" (1875) و دیگران گذرا بود. کلاسیک اپرا توسط "اورستیا" اثر S. I. Taneyev (1894) اشغال شده است که در آن طرح آنتیک است. تراژدی در خدمت آهنگساز است که اخلاقیات عالی و به طور کلی قابل توجهی را به نمایش می گذارد. چالش ها و مسائل. S. V. Rachmaninov در "Aleko" (1892) ادای احترام خاصی به گرایش های verist کرد. در شوالیه خسیس (1904) او سنت تلاوت را ادامه داد. O. از "مهمان سنگی" (این نوع O. در اواخر قرن 19-20 توسط آثاری مانند "موتسارت و سالیری" اثر ریمسکی-کورساکوف، 1897؛ "عید در زمان طاعون" توسط کوی ارائه شد. ، 1900)، اما نقش سمفونی را تقویت کرد. شروع کنید. میل به سمفونی کردن فرم اپرایی در O. "Francesca da Rimini" (1904) او نیز آشکار شد.

همه آر. قرن 19 پیشروی لهستانی و چک. مدارس اپرا خالق ملی لهستان O. S. Moniuszko بود. محبوب ترین های او O. "Pebbles" (1847) و "قلعه افسون شده" (1865) با nat درخشان خود. رنگ موسیقی، واقع گرایی تصاویر. مونیوسکو در کارهای اپرایی خود میهن پرستی را ابراز کرد. خلق و خوی جامعه پیشرفته لهستان، عشق و همدردی با مردم عادی. اما او هیچ جانشینی در موسیقی لهستانی قرن نوزدهم نداشت. اوج شکوفایی تئاتر اپرای چک با فعالیت های B. Smetana همراه بود که داستان های تاریخی-قهرمانی، افسانه ای ("براندنبرگرها در جمهوری چک"، 1863، "Dalibor"، 1867، "Libuše"، 1872) و کمدی خلق کرد. خانواده ("عروس مبادله شده"، 1866) او. مبارزه واقع بینانه داده می شود. عکس های مردم زندگی دستاوردهای Smetana توسط A. Dvorak توسعه یافت. اپرای افسانه ای او "شیطان و کاچا" (1899) و "پری دریایی" (1900) با شاعرانگی طبیعت و مردم آغشته است. داستان. ملی اُ.، بر اساس طرح هایی از نار. زندگی و با نزدیکی موسی ها متمایز شده است. زبان به لحن های عامیانه، در میان مردم یوگسلاوی رخ می دهد. به شهرت رسید O. کرواسی comp. V. Lisinsky ("Porin"، 1851)، I. Zaits ("Nikola Shubich Zrinsky"، 1876). F. Erkel خالق بزرگ تاریخی و رمانتیک بود. آویزان شد. O. "بانک بنگ" (1852، پست. 1861).

در آستانه قرن 19-20. گرایش های جدید اپرا مرتبط با گرایش های عمومی در هنر وجود دارد. فرهنگ این دوره یکی از آنها وریسم بود که بیشتر در ایتالیا رواج داشت. مانند نمایندگان این گرایش در ادبیات، آهنگسازان ویستا به دنبال موادی برای نمایش های تند بودند. مفاد در واقعیت عادی روزمره، قهرمانان محصولات خود. آنها افراد عادی را انتخاب کردند که با هیچ ویژگی خاصی متمایز نبودند، اما قادر به احساس عمیق و قوی بودند. نمونه‌های معمول دراماتورژی اپرای وریستیک عبارتند از: افتخار روستایی پی. ماسکانی (1889) و پاگلیاچی اثر آر. لئونکاوالو (1892). ویژگی های وریسم نیز از ویژگی های کار اپرایی جی. پوچینی است. با این حال، او، غلبه بر طبیعت گرا شناخته شده است. محدودیت های زیبایی شناسی ویراستیک در بهترین قسمت های آثار او. واقعا واقع بینانه رسید. عمق و قدرت بیان تجربیات انسانی. در O. "La Boheme" (1895)، درام مردم عادی شاعرانه است، شخصیت ها دارای نجابت معنوی و ظرافت احساس هستند. در درام‌های «توسکا» (1899)، تضادها تند و غنایی است. درام تراژیک می شود در طول توسعه، ساختار فیگوراتیو و سبک کار پوچینی گسترش یافت و با عناصر جدید غنی شد. روی آوردن به صحنه هایی از زندگی خارج از اروپا. مردم ("ماداما باترفلای"، 1903؛ "دختری از غرب"، 1910)، او به مطالعه و استفاده از فولکلور آنها در موسیقی خود پرداخت. در آخرین O. "Turandot" (1924، تکمیل شده توسط F. Alfano) افسانه ای عجیب و غریب. طرح با روح روانشناسی تفسیر می شود. درامی که یک شروع تراژیک را با یک کمدی گروتسک ترکیب می کند. در موسیقی زبان پوچینی منعکس کننده برخی از فتوحات امپرسیونیسم در زمینه هارمونی و اورک بود. رنگ با این حال واک. آغاز نقش غالب خود را حفظ می کند. وارث ایتالیایی سنت اپرایی قرن 19، او مورد توجه قرار گرفت. استاد بل کانتو یکی از نقاط قوت کار او ملودی های رسا و پر از احساس و تنفس گسترده است. در کنار این، در او نقش تلاوت-اعلامی بیشتر می شود. و اشکال برخاسته، wok. لحن ساده تر و آزادتر می شود.

E. Wolf-Ferrari مسیر خاصی را در کار اپرایی خود دنبال کرد و تلاش کرد سنت های ایتالیایی را با هم ترکیب کند. اپراهای بوفا با برخی از عناصر دراماتورژی اپرائی وریستیک. از جمله او - "سیندرلا" (1900)، "چهار ستمگر" (1906)، "گردنبند مدونا" (1911)، و غیره.

روندهای مشابه ایتالیایی. verismo در هنر اپرای کشورهای دیگر وجود داشت. در فرانسه، آنها با واکنشی علیه نفوذ واگنری همراه بودند، که به ویژه در O. "Fervaal" V. d "Andy (1895) برجسته شد. و همچنین فعالیت ادبی E. Zola A. Bruno، که الزامات حقیقت زندگی در موسیقی، نزدیکی به علایق انسان مدرن را اعلام کرد، مجموعه ای از O. را بر اساس رمان ها و داستان های زولا ایجاد کرد (تا حدی در او. رایگان)، از جمله: "محاصره آسیاب" (1893، طرح منعکس کننده وقایع جنگ فرانسه و پروس در سال 1870)، "مسیدور" (1897)، "طوفان" (1901). در تلاش برای به ارمغان آوردن گفتار شخصیت‌ها نزدیک‌تر به زبان گفتاری معمولی، او را در متون منثور نوشت، اما اصول واقع‌گرایانه او به اندازه کافی سازگار نبود و درام زندگی اغلب در او با نمادگرایی مبهم ترکیب می‌شود. اثر یکپارچه‌تر O. "Louise" G. Charpentier (1900) که به لطف تصاویر رسا از مردم عادی و نقاشی های روشن و زیبا زندگی پاریسی به شهرت رسید.

در آلمان، گرایش های وریست در O. "Valley" اثر E. d'Alber (1903) منعکس شد، اما این جهت به طور گسترده مورد استفاده قرار نگرفت.

تا حدی در تماس با ویریسم L. Janacek در O. "Enufa" ("دختر خوانده اش"، 1903). در عین حال در جستجوی حقیقت و بیان. موسیقی تلاوت، بر اساس آهنگ گفتار زنده انسان، آهنگساز به موسورگسکی نزدیک شد. جاناچک که با زندگی و فرهنگ مردمش مرتبط است، این محصول را خلق کرد. واقع بینانه عالی نیروها، تصاویر و کل فضای کنش به روگو عمیقاً طبیعی هستند. شخصیت. کار او مرحله جدیدی را در توسعه چک رقم زد. O. بعد از Smetana و Dvorak. او از دستاوردهای امپرسیونیسم و ​​سایر هنرها رد نشد. جریانات در آغاز قرن بیستم، اما به سنت های ملی خود وفادار ماند. فرهنگ. در O. "سفرهای پان بروچکا" (1917) قهرمانانه. تصاویر جمهوری چک در دوران جنگ‌های هوسی، که یادآور برخی از صفحات کار Smetana است، با یک فانتاسماگوری عجیب و غریب با رنگ‌های طعنه‌آمیز مقایسه می‌شود. احساس لطیف چک. طبیعت و زندگی با O. "ماجراهای یک روباه تقلب" (1923) آغشته شده است. برای یاناچک، توسل به توطئه های روسی بود. کلاسیک ادبیات و دراماتورژی: "کاتیا کابانوا" (بر اساس "طوفان" اثر A. N. Ostrovsky، 1921)، "از خانه مردگان" (بر اساس رمان F. M. Dostoevsky "یادداشت هایی از خانه مردگان"، 1928). در صورتی که در اول از این اُ تاکید بر غزل است. درام، سپس در آهنگساز دوم به دنبال انتقال تصویر پیچیده ای از فروپاشی رابطه بود. شخصیت های انسانی، به ابزارهای موسیقی بسیار رسا متوسل شدند. اصطلاحات.

برای امپرسیونیسم، op. عناصر to-rogo در اوایل توسط بسیاری از آهنگسازان در اپرا استفاده شد. قرن بیستم، به طور کلی، جاذبه به سمت درام مشخصه نیست. ژانرها یک نمونه تقریبا منحصربفرد از تولید اپرا که به طور مداوم زیبایی شناسی امپرسیونیسم را تجسم می بخشد، "Pelléas et Mélisande" (1902) اثر سی. دبوسی است. کنش او در فضایی از پیش بینی ها، آرزوها و انتظارات مبهم پوشیده شده است، همه تضادها خاموش و ضعیف می شوند. در تلاش برای انتقال به wok. شخصیت های سخنرانی انبار لحن احزاب، دبوسی از اصول موسورگسکی پیروی کرد. اما همان تصاویر O. او و کل اسرار گرگ و میش. دنیایی که کنش در آن رخ می دهد، نشان نمادین را دارد. رمز و راز ظرافت فوق‌العاده ظرافت‌های رنگارنگ و رسا، واکنش حساس موسیقی به کوچک‌ترین تغییر در حالات شخصیت‌ها با تک بعدی بودن رنگ کلی ترکیب شده است.

نوع امپرسیونیست O. ایجاد شده توسط دبوسی در هیچ یک از او توسعه نیافته است. خلاقیت و نه به زبان فرانسوی. هنر اپرایی قرن بیستم «آریانا و ریش آبی» اثر پی دوک (1907)، با کمی شباهت بیرونی به O. «پلئاس و ملیساند»، عقل گراتر است. ماهیت موسیقی و غلبه رنگارنگ-توصیفی. عناصر بیش از عناصر بیانگر روانشناختی ام راول در یک کمیک تک پرده مسیر متفاوتی را انتخاب کرد. O. "Spanish Hour" (1907)، که در آن موسیقی به شدت مشخصه. بیانیه ای که از "ازدواج" موسورگسکی می آید با استفاده رنگارنگ از عناصر اسپانیایی ترکیب شده است. nar. موسیقی موهبت ذاتی آهنگساز مشخصه. ترسیم تصاویر بر روی O.-ballet The Child and the Magic (1925) نیز تأثیر گذاشت.

در او. O. con. 19 - التماس قرن 20 تأثیر واگنر محسوس بود. با این حال، دراماتورژی موزیکال واگنری. اصول و سبک توسط اکثر پیروان او اپیگون اتخاذ شد. در یک رمانتیک فوق العاده اپراهای E. Humperdinck (بهترین آنها هانس و گرتل، 1893)، هارمونی و ارکستراسیون سرسبز واگنری با ملودی ملودیک ساده نار ترکیب شده است. انبار. X. Pfitzner عناصر نمادگرایی مذهبی و فلسفی را در تفسیر افسانه ها و توطئه های افسانه ای وارد کرد ("رز از باغ عشق"، 1900). کاتولیک روحانی. گرایش ها در O. "Palestrina" (1915) او منعکس شد.

آر. اشتراوس به عنوان یکی از پیروان واگنر، کار اپرایی خود را آغاز کرد («گونترام»، 1893؛ «بدون آتش»، 1901)، اما در آینده دستخوش تغییرات قابل توجهی شد. سیر تکاملی. در "سالومه" (1905) و "الکترا" (1908)، گرایش های اکسپرسیونیستی ظاهر شد، اگرچه آهنگساز به طور سطحی آن را درک کرد. عمل در این O. با عواطف پیوسته در حال رشد توسعه می یابد. تنش، شدت احساسات گاهی اوقات با وضعیت آسیب شناختی هم مرز است. وسواس فضای هیجانی تب دار توسط یک ارکستر عظیم و پر رنگ پشتیبانی می شود که به قدرت عظیم صدا می رسد. غزل-کمدی O. "شوالیه گل سرخ" که در سال 1910 نوشته شد، چرخشی را در آثار او از گرایشات اکسپرسیونیستی به نئوکلاسیک (نگاه کنید به نئوکلاسیک) نشان داد. عناصر سبک موتزارت در این O. با زیبایی حسی و جذابیت والس وین ترکیب شده است، بافت سبک تر و شفاف تر می شود، بدون اینکه به طور کامل خود را از لوکس صدای کامل واگنری رها کند. در اپراهای بعدی، اشتراوس به سبک سازی با روح موسیقی های باروک روی آورد. t-ra ("Ariadne auf Naxos"، 1912)، به اشکال کلاسیک وینی. اپرت ها ("Arabella"، 1932) یا اپراهای بوفا قرن 18. ("زن خاموش"، 1934)، به شبانی باستانی در انکسار رنسانس ("دافنه"، 1937). با وجود التقاط مشهور سبک، اپراهای اشتراوس به دلیل در دسترس بودن موسیقی و رسا بودن ملودی ها در بین شنوندگان محبوبیت پیدا کرد. زبان، تجسم شاعرانه درگیری های ساده زندگی.

از باهم. قرن 19 تمایل به ایجاد ملی opera t-ra و احیای سنت های فراموش شده و از دست رفته در این منطقه در انگلستان، بلژیک، اسپانیا، دانمارک، نروژ تجلی می یابد. از جمله محصولاتی که بین المللی دریافت کرد. شناخت - "رومئو و جولیا روستایی" F. Dilius (1901، انگلستان)، "زندگی کوتاه است" M. de Falla (1905، اسپانیا).

قرن 20 کمک کرده است. تغییر در درک ژانر اپرا. قبلاً در دهه اول قرن بیستم. این نظر بیان شد که O. در وضعیت بحرانی قرار دارد و چشم اندازی برای توسعه بیشتر ندارد. VG Karatygin در سال 1911 نوشت: "اپرا هنر گذشته است، بخشی از زمان حال." او به عنوان خلاصه مقاله خود "درام و موسیقی" بیانیه VF Komissarzhevskaya را برداشت: "ما با موسیقی از اپرا به درام می رویم" (مجموعه "Alkonost"، 1911، ص 142). مقداری مدرن زاروب نویسندگان پیشنهاد می کنند که اصطلاح "O" را کنار بگذارند. و آن را با مفهوم گسترده تر "تئاتر موسیقی" جایگزین کنید، زیرا pl. تولید قرن بیستم، که به عنوان O. تعریف می شود، معیارهای ژانر مشخص را برآورده نمی کند. فرآیند تعامل و نفوذ متقابل تجزیه می شود. ژانرها که یکی از نشانه های توسعه موسیقی در قرن بیستم است، منجر به پیدایش تولید می شود. نوع مختلط، که یافتن یک تعریف بدون ابهام برای آن دشوار است. O. به oratorio نزدیک می شود، کانتاتا، از عناصر پانتومیم، estr. بررسی ها، حتی سیرک. همراه با تکنیک های جدیدترین تئاتر. تکنولوژی در O. از ابزارهای سینماتوگرافی و مهندسی رادیو استفاده می شود (امکان ادراک بصری و شنیداری با کمک نمایش فیلم، تجهیزات رادیویی گسترش می یابد) و غیره به طور همزمان. با این کار، تمایل به تمایز بین کارکردهای موسیقی و نمایش وجود دارد. اقدام و ساخت فرم های اپرا بر اساس بلوک دیاگرام ها و اصول instr "خالص". موسیقی

در غرب - اروپا. O. قرن 20th تحت تاثیر قرار داده اند هنرها جریان هایی که در میان آنها اکسپرسیونیسم و ​​نئوکلاسیک بیشترین اهمیت را داشتند. این دو گرایش متضاد، اگرچه گاهی اوقات در هم تنیده می شوند، اما به همان اندازه با واگنریسم و ​​رئالیسم مخالف بودند. زیبایی شناسی اپرا، که مستلزم بازتاب واقعی درگیری های زندگی و تصاویر خاص است. اصول دراماتورژی اپرایی اکسپرسیونیستی در مونودرام «در انتظار» (1909) آ. شوئنبرگ بیان شد. تقریباً فاقد عناصر خارجی است. اقدامات، این تولید است. مبتنی بر اجبار مداوم یک پیشگویی مبهم و آزاردهنده است که به انفجاری از ناامیدی و وحشت ختم می شود. نمادگرایی اسرارآمیز همراه با گروتسک مشخصه ی موزه هاست. درام شوئنبرگ "دست شاد" (1913). دراماتورژی توسعه یافته تر. این ایده در قلب ناتمام او قرار دارد. الف- «موسی و هارون» (1932)، اما تصاویر آن دور از ذهن است و تنها نمادی از اخلاق دینی است. نمایندگی ها بر خلاف شوئنبرگ، شاگردش A. Berg به داستان هایی از زندگی واقعی در اپرا روی آورد و به دنبال طرح مشکلات اجتماعی حاد بود. قدرت بزرگ درام بیان او توسط O. "Wozzeck" (1921)، آغشته به همدردی عمیق برای محرومان، پرتاب شده از زندگی توسط فقرا، و محکومیت از خود راضی تغذیه شده "کسانی که در قدرت هستند" متمایز می شود. در عین حال، هیچ رئالیست تمام عیار در ووزک وجود ندارد. شخصیت ها، شخصیت های O. ناخودآگاه عمل می کنند، به دلیل تمایلات و وسواس های غریزی غیرقابل توضیح. ناتمام اپرای برگ "لولو" (1928-1935)، با وفور لحظات دراماتیک تأثیرگذار و بیان موسیقی، فاقد اهمیت ایدئولوژیک است، حاوی عناصر طبیعت گرایی و شهوانی دردناک است.

زیبایی‌شناسی اپرایی نئوکلاسیک مبتنی بر شناخت «خودمختاری» موسیقی و استقلال آن از کنشی است که روی صحنه اجرا می‌شود. F. Busoni نوعی "اپرا نمایشی" نئوکلاسیک ("Spieloper") را ایجاد کرد که با قراردادی بودن عمدی و غیرقابل قبول بودن عمل متمایز بود. او سعی کرد اطمینان حاصل کند که شخصیت های O. "عمداً متفاوت از زندگی رفتار می کنند." او در O. "Turandot" (1917) و "Harlequin, or Windows" (1916) تلاش کرد تا نوع ایتالیایی را به شکلی مدرن بازآفرینی کند. commedia dell'arte. موسیقی هر دو O. که بر روی متناوب قسمت های بسته کوتاه ساخته شده است، سبک سازی را با عناصر گروتسک ترکیب می کند. فرم های دقیق و ساختاری تمام شده instr. موسیقی اساس O. "دکتر فاوست" او (تکمیل شده توسط F. Yarnakh, 1925) است که در آن آهنگساز مسائل فلسفی عمیقی را مطرح کرد.

I. F. Stravinsky در دیدگاه های خود در مورد ماهیت هنر اپرا به بوسونی نزدیک است. هر دو آهنگساز به همان اندازه با آنچه که «وریسم» می نامیدند، مخالف بودند، به این معنی که با این کلمه هر تلاشی برای معقولیت واقعی تصاویر و موقعیت ها در تئاتر اپرا است. استراوینسکی استدلال کرد که موسیقی قادر به انتقال معنای کلمات نیست. اگر آواز چنین وظیفه ای را بر عهده بگیرد، با این کار «حدود موسیقی را رها می کند». اولین O. "بلبل" ​​او (1909-14) که از نظر سبکی متناقض است، عناصری از اگزوتیسم رنگارنگ امپرسیونیستی را با شیوه نگارش سازنده سفت تری ترکیب می کند. یک نوع خاص از زبان روسی. opera-buffa is "Moor" (1922)، wok. مهمانی‌های رویایی مبتنی بر دگرگونی طعنه‌آمیز و غم انگیز لحن‌های عاشقانه روزمره قرن نوزدهم است. میل ذاتی نئوکلاسیک به جهان‌شمولی، برای تجسم ایده‌ها و ایده‌های «جهانی»، «فراسفردی» به شکل‌هایی خالی از ملیت. و یقین زمانی، که به وضوح در O.-oratorio استراوینسکی «ادیپ رکس» (بر اساس تراژدی سوفوکل، 1927) آشکار شد. برداشت از بیگانگی توسط آزادی نوشته شده در مدرن غیر قابل درک تسهیل می شود. شنونده زبان لاتین زبان آهنگساز با استفاده از فرم‌های اپرای قدیمی باروک در ترکیب با عناصر ژانر اوراتوریو، عمداً برای اجرای صحنه‌ای تلاش کرد. بی حرکتی، مجسمه. ملودرام پرسفونه (1934) او شخصیتی مشابه دارد که در آن فرم‌های اپرا با تلاوت و رقص ترکیب می‌شوند. پانتومیم استراوینسکی در O. "ماجراهای راک" (1951)، برای تجسم طرح طنز-اخلاقی، به اشکال کمیک روی می آورد. اپراهای قرن 18، اما ویژگی های خاصی از رمانتیک را معرفی می کند. فانتزی و تمثیلی

تفسیر نئوکلاسیک از ژانر اپرا نیز مشخصه پی هیندمیت بود. با دادن به O. 20s. ادای احترام شناخته شده ای به روندهای انحطاطی مد روز، در دوره بلوغ خلاقیت خود به ایده های بزرگ مقیاس یک طرح روشنفکرانه روی آورد. در اثر تاریخی O. در طرحی از دوران جنگ های دهقانی در آلمان، "هنرمند ماتیس" (1935) در پس زمینه نقاشی های تختخواب. حرکت نشان دهنده تراژدی هنرمندی است که تنها و ناشناخته مانده است. O. "Harmony of the World" (1957) که قهرمان آن ستاره شناس کپلر است، با پیچیدگی و ترکیب چندگانه ترکیب متمایز می شود. تراکم عقل گرایی انتزاعی. نمادگرایی باعث این تولید می شود. درک آن برای شنونده دشوار است و از نظر دراماتورژی تأثیر کمی دارد.

در زبان ایتالیایی. O. قرن 20th یکی از مظاهر نئوکلاسیک جلب توجه آهنگسازان به فرم ها و تصاویر معمولی هنر اپرا در قرن 17-18 بود. این روند به ویژه در کار جی.اف. مالیپیرو نمود پیدا کرد. از آثار اوست. برای موسیقی t-ra - چرخه های مینیاتورهای اپرا "Orpheids" ("مرگ نقاب ها"، "هفت آهنگ"، "اورفیوس، یا آهنگ هشتم"، 1919-22)، "سه کمدی گلدونی" ("قهوه خانه"، "سیگنور" Todero the Grump" ، "Kyodzhin Skirmishes"، 1926) و همچنین تاریخی و غم انگیز بزرگ. O. "ژولیوس سزار" (1935)، "آنتونی و کلئوپاترا" (1938).

گرایش های نئوکلاسیک تا حدی خود را در فرانسوی ها نشان داد. تئاتر اپرا دهه 20-30، اما در اینجا آنها پی در پی دریافت نکردند، به پایان رسید. اصطلاحات. A. Honegger این را در جذابیت خود به موضوعات باستانی و کتاب مقدس به عنوان منبع ارزش‌های اخلاقی جهانی «ابدی» بیان کرد. او در تلاش برای تعمیم تصاویر و دادن شخصیتی «فوق زمانی» به آنها، او را به اوراتوریو نزدیک‌تر کرد، گاهی اوقات او را وارد آثارش می‌کرد. عناصر مذهبی در عین حال موسیقی زبان او. این آهنگساز که با بیانی پر جنب و جوش و واضح متمایز بود ، از ساده ترین چرخش های آهنگ ابایی نداشت. وحدت تولید Honegger (به جز نوشته مشترک با J. Iber و بدون ارزش O. "Eaglet"، 1935)، که می توان او را O. نامید. معنای کلمه «آنتیگون» (1927) است. آثاری مانند "شاه دیوید" (1921، چاپ سوم، 1924) و "جودیت" (1925) باید به عنوان درام طبقه بندی شوند. oratorio، آنها بیشتر در conc. رپرتوار نسبت به صحنه اپرا. خود آهنگساز این تعریف را برای یکی از شاخص ترین آثارش داده است. "Jeanne d" Arc at the stake "(1935)، که توسط او به عنوان یک اجرای عامیانه انبوه اجرا شده در هوای آزاد تصور شد. با ترکیب بندی متنوع، اثر اپرا تا حدی التقاطی توسط D. Milhaud همچنین مضامین باستانی و کتاب مقدس را منعکس می کند ("Eumenides"، 1922؛ «مدآ»، 1938؛ «دیوید»، 1953) میلهود در سه گانه آمریکای لاتین خود «کریستف کلمب» (1928)، «ماکسیمیلیان» (1930) و «بولیوار» (1943)، نوع بزرگ تاریخی را احیا می کند. عاشقانه اولین مورد از این عبارات موسیقایی به ویژه در مقیاس بزرگ است که در آن نمایش پلان های مختلف اکشن به طور همزمان با کمک تکنیک های پیچیده چند آهنگی در موسیقی و استفاده از آخرین ابزارهای تکنولوژی تئاتر، از جمله ادای احترام به verist به دست می آید. گرایش های او O. "بیچاره ملوان" (1926) بود. بزرگترین موفقیت چرخه مینیاتورهای اپرا توسط Milhaud ("اپرا-دقیقه ها") بود که بر اساس انکسار تمسخر آمیز توطئه های اساطیری: "تجاوز به اروپا"، "The آریادنه رها شده» و «رهایی تسئوس» (1927).

همراه با توسل به اعلیحضرت. تصاویری از دوران باستان، دنیای نیمه افسانه ای کتاب مقدس یا قرون وسطی در آثار اپرایی دهه 20. تمایل به موضوعیت حاد محتوا و فوری وجود دارد. پاسخ به پدیده های مدرن واقعیت گاهی این امر به دنبال هیجان گرایی ارزان محدود می شد و به ایجاد تولید منجر می شد. شخصیت سبک و نیمه مسخره در O. "پرش از روی سایه" (1924) و "جانی بازی می کند" (1927) E. Kreneka به طعنه تصویر رنگی مدرن. بورژوازی اخلاق در قالب یک سرگرمی عجیب و غریب ارائه می شود. تئاتر اکشن با موسیقی التقاطی که ترکیبی از شهری است ریتم ها و عناصر جاز با غزلی پیش پا افتاده. ملودی طنزپرداز نیز سطحی بیان می شود. عنصری در O. "از امروز تا فردا" اثر شوئنبرگ (1928) و "اخبار روز" اثر هیندمیت (1929)، که اپیزودیک را اشغال می کند. در آثار این آهنگسازان جای می گیرد. قطعاً اجتماعی-انتقادی تجسم یافته است. موضوع در تئاتر موزیکال تولید K. Weil که با همکاری B. Brecht نوشته شده است - "اپرای سه پنی" (1928) و "ظهور و سقوط شهر مااگونی" (1930) که در آنها نقد طنز نیز مورد انتقاد قرار می گیرد. افشای پایه های سرمایه داری ساختمان. این محصولات نشان دهنده نوع جدیدی از اپوس ترانه است که از نظر محتوا کاملاً مرتبط است و خطاب به یک جامعه دموکراتیک گسترده است. حضار. اساس موسیقی ساده، واضح و قابل فهم آنها دک است. ژانرهای معاصر موسیقی دسته جمعی زندگی

به طور جسورانه قوانین اپرایی معمول P. Dessau را در O. در مورد متون برشت نقض می کند - "محکومیت لوکولوس" (1949)، "Puntila" (1960)، که با تیزبینی و سفتی موسیقی ها متمایز می شود. به معنی، فراوانی جلوه های تئاتری غیرمنتظره، استفاده از عناصر عجیب و غریب.

موسیقی شما. t-r، بر اساس اصول دموکراسی و دسترسی، توسط K. Orff ایجاد شد. ریشه های t-ra او متنوع است: آهنگساز به یونانی های دیگر روی آورد. تراژدی، در قرن میانی. اسرار، به نار. بازی های تئاتری و نمایش های مسخره، درام های ترکیبی. اقدام با حماسه نقالی، ترکیب آزادانه آواز با مکالمه و تلاوت موزون. هیچ کدام از صحنه ها تولید اورپا به معنای معمول او نیست. اما هر کدام از آنها تعریفی دارند. موزیکال-دراماتورژیک. قصد، و موسیقی به توابع صرفا کاربردی محدود نمی شود. رابطه موسیقی و صحنه عمل بسته به خلاقیت خاص متفاوت است. وظایف از آثار اوست. صحنه ها برجسته می شوند کانتاتا «کارمینا بورانا» (1936)، فوق‌العاده تمثیلی. موسیقی نمایشنامه هایی که عناصر O. و درام را ترکیب می کنند. اجراهای "ماه" (1938) و "دختر باهوش" (1942)، موسیقی. درام "برناورین" (1945)، نوعی موسیقی. مرمت عتیقه تراژدی ها - "آنتیگون" (1949) و "ادیپ رکس" (1959).

در همان زمان، برخی از آهنگسازان بزرگ، سر. قرن بیستم، با به روز کردن اشکال و ابزارهای بیان اپرایی، از سنت ها عدول نکرد. پایه های ژانر بنابراین، B. Britten حقوق ووک ملودیک را حفظ کرد. ملودی هایی مانند ch. وسیله ای برای انتقال وضعیت ذهنی شخصیت ها. در اکثر اجراهای او، توسعه شدید با اپیزودهای آریوز، گروه‌ها و گروه‌های کر گسترده ترکیب می‌شود. صحنه های. در میان پست ترین ها. تولید بریتن - درام روزمره رنگارنگ اکسپرسیونیستی "پیتر گرایمز" (1945)، اتاقی O. "هتک حرمت لوکرتیا" (1946)، "آلبرت هرینگ" (1947) و "چرخش پیچ" (1954)، فوق العاده رمانتیک. O. "رویای یک شب نیمه تابستان" (1960). در آثار اپرایی G. Menotti، سنت‌های وریسم در ترکیب با ویژگی‌های خاصی از اکسپرسیونیسم، انکسار مدرن‌شده‌ای دریافت کردند (مدیوم، 1946؛ کنسول، 1950، و غیره). F. Poulenc بر وفاداری خود به کلاسیک تأکید کرد. سنت ها، در تقدیم O. "گفتگوهای کارملیت ها" (1956) نام های C. Monteverdi، M. P. Mussorgsky و C. Debussy را نامیده اند. استفاده انعطاف پذیر از ابزارهای wok. بیان قوی ترین طرف مونودرام "صدای انسان" (1958) است. کمیک نیز با ملودی روشن متمایز می شود. اپرای پولنک "سینه های تیرسیاس" (1944)، با وجود سوررئالیستی. پوچی و غیرعادی بودن صحنه اقدامات. پریم حامی O. واک نوع X. V. Henze است ("The Stag King"، 1955؛ "Prince of Homburg"، 1960؛ "Bassarids"، 1966، و غیره).

در کنار تنوع فرمی و سبکی روندهای قرن بیستم با طیف گسترده ای از ملی مشخص می شود مدارس برخی از آنها برای اولین بار به بین المللی می رسند. به رسمیت شناختن و اثبات استقلال خود. جایگاهی در توسعه هنر اپرای جهان دارد. B. Bartok («قلعه دوک ریش آبی»، 1911) و Z. Kodaly («Hari Janos»، 1926؛ «Sekey Spinning Mill»، 1924، 2nd ed. 1932) تصاویر و ابزار جدیدی از دراماتورژی موسیقی را معرفی کردند. بیان در مجارستانی O.، حفظ ارتباط با nat. سنت ها و تکیه بر لحن. ساخت آویزان شد. nar. موسیقی اولین نمونه بالغ بولگ. nat. O. "تزار کالویان" اثر P. Vladigerov (1936) بود. برای هنر اپرای مردمان یوگسلاوی، کار جی. گوتوواچ از اهمیت ویژه ای برخوردار بود (او. "Ero from the other world" 1935 محبوب ترین است).

یک نوع عمیقا اصلی از Amer. nat. O. توسط J. Gershwin بر اساس Afro-Amer ایجاد شد. موسیقی فولکلور و سنت های سیاه پوست. "تئاتر مینسترل". داستانی هیجان انگیز از زندگی یک سیاهپوست. ضعیف در ارتباط با اکسپرس و موسیقی قابل دسترس، با استفاده از عناصر بلوز، معنویت و رقص جاز. ریتم ها برای او O. "Porgy and Bess" (1935) محبوبیت جهانی به ارمغان آورد. ملی O. در تعدادی از Lat.-Amer توسعه می یابد. کشورها. یکی از بنیانگذاران Argent. opera t-ra F. Boero آثاری سرشار از عناصر فولکلور خلق کرد. در صحنه هایی از زندگی گاوچوها و دهقانان ("راکلا"، 1923؛ "دزدان"، 1929).

در کنار. دهه 60 در غرب، ژانر خاصی از "اپرا راک" با استفاده از ابزار مدرن بوجود آمد. موسیقی متنوع و خانگی نمونه محبوب این ژانر، کریست سوپراستار (1970) اثر E. L. Webber است.

رویدادهای قرن بیستم - تهاجم فاشیسم در تعدادی از کشورها، جنگ جهانی دوم 1939-1945، مبارزه شدید ایدئولوژی ها - باعث شد بسیاری از هنرمندان نیاز به تعریف دقیق تری از موقعیت خود داشته باشند. مضامین جدیدی در دادخواست ظاهر شد و O. در O. "جنگ" اثر R. Rossellini (1956) ، "Antigone 43" اثر L. Pipkov (1963)، جنگ محکوم می شود و رنج و مرگ شدیدی را برای مردم عادی به همراه دارد. . به عنوان "اوه" نامیده می شود. تولید L. Nono "Intolerance 1960" (در ویرایش جدید "Intolerance 1970") اعتراض خشم آلود آهنگساز کمونیست را علیه جنگ های استعماری، حمله به حقوق کارگران، آزار و اذیت مبارزان برای صلح و عدالت در سرمایه داری بیان می کند. . کشورها. ارتباط مستقیم و صریح با مدرنیته نیز توسط آثاری مانند "زندانی" ("زندانی") اثر L. Dallapikkola (1948)، "Simplicius Simplicissimus" اثر K. A. Hartman (1948)، "Soldiers" اثر B. A. Zimmerman (1960) ایجاد می شود. ، اگرچه آنها بر اساس طرح های کلاسیک هستند. لیتر K. Penderetsky در O. "شیاطین از Loudin" (1969)، نشان دادن قرون وسطی. تعصب و تعصب، به طور غیرمستقیم تاریک گرایی فاشیستی را محکوم می کند. این Op. متفاوت در سبک جهت گیری، و یک موضوع مدرن یا نزدیک به مدرن همیشه در آنها از مواضع ایدئولوژیک آگاهانه تفسیر نمی شود، اما آنها منعکس کننده یک روند کلی به سمت ارتباط نزدیک تر با زندگی، نفوذ فعال در فرآیندهای آن هستند که در کار کشورهای مترقی خارجی مشاهده می شود. . هنرمندان همزمان در اپلیکیشن operatic art-ve. کشورها ضد هنرهای مخربی را نشان می دهند. روندهای مدرن "آوانگارد" که منجر به از هم پاشیدگی کامل O. به عنوان یک موزیکال-دراماتیک شد. ژانر. دسته. چنین است "آنتی اپرای" "تئاتر دولتی" اثر M. Kagel (1971).

در اتحاد جماهیر شوروی، توسعه O. به طور جدایی ناپذیری با زندگی کشور، تشکیل جغدها مرتبط بود. موسیقی و تئاتر فرهنگ. K ser. دهه 20 شامل اولین، از بسیاری جهات، تلاش‌های ناقص برای ایجاد یک O. در طرحی از مدرنیته یا nar. انقلابی جنبش های گذشته بخش یافته های جالب عبارتند از آثاری مانند "یخ و فولاد" اثر V.V. Deshevov، "Northern Wind" اثر L.K. Knipper (هر دو 1930) و برخی دیگر. اُ. از طرحواره گرایی، بی جانی تصاویر، التقاط موسیقایی رنج می برند. زبان روزه یک رویداد بزرگ بود. در سال 1926 O. "عشق برای سه پرتقال" اثر S. S. Prokofiev (op. 1919) که معلوم شد به جغدها نزدیک است. هنرها فرهنگ با شوخ طبعی، پویایی، و نمایشی زنده اش که زندگی را تایید می کند. دکتر. جنبه‌های استعداد پروکوفیف به‌عنوان نمایشنامه‌نویس در O. "قمارباز" (ویرایش دوم، 1927) و "فرشته آتشین" (1927) آشکار شد که با درام شدید، تسلط بر روان‌شناسی تیز و هدفمند متمایز بود. ویژگی ها، نفوذ حساس به آهنگ. ساختار گفتار انسان اما این محصولات آهنگساز که در آن زمان در خارج از کشور زندگی می کرد، مورد توجه جغدها قرار گرفت. عموم. اهمیت نوآورانه دراماتورژی اپرایی پروکوفیف بعدها کاملاً مورد توجه قرار گرفت، زمانی که Sov. O. با غلبه بر بدوی گرایی و ناپختگی شناخته شده اولین آزمایش ها به سطح بالاتری رسید.

بحث های تند با ظهور O. "دماغه" (1929) و "بانو مکبث از منطقه Mtsensk" ("Katerina Izmailova"، 1932، نسخه جدید 1962) توسط D. D. Shostakoviچ همراه بود که در برابر جغدها مطرح شدند. تئاتر موسیقی ادعای تعدادی از وظایف نوآورانه بزرگ و جدی است. این دو O از نظر ارزش نابرابر هستند. اگر «دماغ» با غنای فوق العاده داستانی، سرعت عمل و کالیدوسکوپیک. تصاویر-نقاب‌های نوک تیز سوسوزن، آزمایشی جسورانه و گاهی جسورانه از یک آهنگساز جوان بود که در آن زمان «کاترینا ایزمایلووا» - تولید شد. استادان، عمق ایده را با هماهنگی و تفکر موزیکال و دراماتورژی پیوند می دهند. تجسم حقیقت بی رحمانه و بی رحمانه تصویر جنبه های وحشتناک تاجر پیر. زندگی که طبیعت انسان را مخدوش و تحریف می کند، این O. را با خلاقیت های بزرگ روسی برابری می کند. واقع گرایی. شوستاکوویچ از بسیاری جهات در اینجا به موسورگسکی نزدیکتر می شود و با توسعه سنت های خود به آنها حالتی جدید و مدرن می بخشد. صدا.

اولین موفقیت ها در تجسم جغدها. مضامین در ژانر اپرا متعلق به میانه است. دهه 30 ملودیچ. طراوت موسیقی بر اساس آهنگ جغد بساز آهنگ توده ای، توجه O. "Quiet Don" II Dzerzhinsky (1935) را به خود جلب کرد. این یک تولید است به عنوان یک نمونه اولیه از غالب در طبقه 2 خدمت کرده است. دهه 30 "اپرای آهنگ"، که در آن آهنگ عنصر اصلی موسوم بود. دراماتورژی این آهنگ با موفقیت به عنوان یک رسانه برای درام مورد استفاده قرار گرفت. ویژگی های تصاویر در O. "Into the Storm" اثر T. N. Khrennikova (1939، نسخه جدید 1952). اما آنها دنبال خواهند کرد. اجرای اصول این جهت منجر به ساده سازی، رد تنوع و غنای ابزار درام اپرا شد. بیانی که در طول قرن ها انباشته شده است. در میان O. 30s. روی جغدها موضوع به عنوان یک محصول درام بزرگ قدرت و هنرهای عالی استادی برجسته است "سمیون کوتکو" پروکوفیف (1940). این آهنگساز موفق شد با خلق تصاویری تسکین دهنده و حیاتی از مردم عادی از مردم، رشد و تقویت مجدد آگاهی آنان را در جریان انقلاب نشان دهد. مبارزه کردن.

جغدها. آثار اپرای این دوره هم از نظر محتوا و هم از نظر ژانر متنوع هستند. نوین موضوع توسط Ch. جهت توسعه آن در همان زمان، آهنگسازان به طرح ها و تصاویری از زندگی اقوام مختلف و تاریخی روی آوردند. دوره ها در میان بهترین جغدها. O. دهه 30. - "Cola Breugnon" ("The Master of Clamcy") اثر D. B. Kabalevsky (1938، ویرایش دوم 1968)، که با سمفونی بالای خود متمایز می شود. مهارت و نفوذ ظریف در شخصیت فرانسوی ها. nar. موسیقی پروکوفیف پس از سمیون کوتکو کمیک نوشت. O. "نامزدی در یک صومعه" ("Duenna"، 1940) در طرحی نزدیک به اپرا بوفای قرن هجدهم. برخلاف اوایل او "عشق برای سه پرتقال"، تئاتر مشروط در اینجا اجرا نمی شود. نقاب‌ها و انسان‌های زنده‌ای که دارای احساسات واقعی و صادقانه، درخشش کمدی و طنز هستند با غزلی سبک ترکیب شده‌اند.

در دوره میهن بزرگ. جنگ 1941-1945 به ویژه اهمیت میهن پرستی را افزایش داد. موضوعات قهرمانی را درک کنید. شاهکار جغدها مردم در مبارزه با فاشیسم Ch. وظیفه انواع دعاوی حقوقی وقایع سالهای جنگ در آثار اپرایی جغدها نیز منعکس شد. آهنگسازان با این حال، O. که در طول سال های جنگ و تحت تأثیر مستقیم آن به وجود آمد، در بیشتر موارد از نظر هنری معیوب بود و به طور سطحی موضوع را تفسیر می کرد. بیشتر یعنی. O. برای ارتش. موضوع کمی بعد ایجاد شد، زمانی که "فاصله زمانی" از قبل شناخته شده شکل گرفت. در میان آنها "خانواده تاراس" اثر کابالوفسکی (1947، چاپ دوم 1950) و "داستان یک مرد واقعی" اثر پروکوفیف (1948) برجسته هستند.

تحت تاثیر وطن پرستی با طغیان سال های جنگ، ایده O. Prokofiev "جنگ و صلح" (1943، ویرایش دوم 1946، ویرایش نهایی 1952) متولد شد. این دراماتورژی پیچیده و چند جزئی است. مفاهیم تولید قهرمانی را با هم ترکیب می کند. nar. حماسه با غزلی صمیمی نمایش. آهنگسازی او بر اساس تناوب صحنه‌های توده‌ای به یاد ماندنی است که با ضربات بزرگ نوشته شده است، با اپیزودهای ظریف و دقیق از یک شخصیت مجلسی. پروکوفیف همزمان در «جنگ و صلح» خود را نشان می دهد. و به عنوان یک نمایشنامه نویس-روانشناس عمیق، و به عنوان هنرمند حماسه قدرتمند. انبار. تاریخی موضوع بسیار هنری بود. تجسم در O. "Decembrists" Yu. A. Shaporin (پس از 1953): با وجود فقدان معروف درام. اثربخشی، آهنگساز موفق شد قهرمانانه را منتقل کند. ترس از شاهکار مبارزان علیه استبداد.

دوره باطل. دهه 40 - اوایل. دهه 50 در رشد جغدها O. پیچیده و بحث برانگیز بود. همراه با وسایل. دستاوردهای این سال‌ها به‌ویژه تحت تأثیر فشار جزم‌گرایی قرار گرفت. اینستالیشن ها، که منجر به دست کم گرفتن بزرگترین دستاوردهای خلاقیت اپرا شد و خلاقیت را محدود کرد. جستجوها، گاهی اوقات برای حمایت از ارزش کمی در هنر. در مورد کارهای ساده در بحث سال 1951 در مورد مسائل اپرا، از جمله "اپراهای زودگذر"، "اپراهای افکار کوچک و احساسات کوچک" به شدت مورد انتقاد قرار گرفت و بر لزوم "تسلط بر مهارت درام اپرا به عنوان یک کل، تمام اجزای آن" تاکید شد. در طبقه 2. دهه 50 طغیان جدیدی در زندگی جغدها رخ داد. Opera t-ra ، اپراهای استادانی مانند پروکوفیف و شوستاکوویچ ، که قبلاً به ناحق محکوم شده بودند ، بازسازی شدند و کار آهنگسازان برای ایجاد آثار جدید اپرایی تشدید شد. نقش مثبت مهمی در توسعه این فرآیندها با قطعنامه کمیته مرکزی CPSU در 28 مه 1958 "در مورد اصلاح اشتباهات در ارزیابی اپراهای دوستی بزرگ" ، "بوگدان خملنیتسکی" و "از قلب" ایفا شد. ".

دهه 60-70 با جستجوی فشرده برای راه های جدید در اپرا مشخص می شود. دامنه کارها در حال گسترش است، مضامین جدید ظاهر می شوند، برخی از موضوعاتی که آهنگسازان قبلاً به آنها پرداخته اند، تجسم متفاوتی پیدا می کنند و جسورانه تر شروع به اعمال decomp می کنند. بیان خواهد کرد. ابزارها و اشکال دراماتورژی اپرا. یکی از مهمترین آنها موضوع اکتبر است. انقلاب و مبارزه برای تایید شوروی. مسئولین. در "تراژدی خوش بینانه" اثر A. N. Kholminov (1965)، جنبه های خاصی از "اپرا آهنگ" با توسعه موسیقی غنی می شود. فرم ها بزرگ شده اند، دراماتورژی مهم. گروه کر اهمیت پیدا می کند. صحنه های. گروه کر به خوبی توسعه یافته است. عنصری در O. "Virineya" اثر S. M. Slonimsky (1967) که قابل توجه ترین جنبه آن تفسیر اصلی مواد ترانه عامیانه است. فرم‌های آهنگ مبنای O. "اکتبر" (1964) V. I. Muradeli شد، جایی که به طور خاص تلاش شد تا تصویر V. I. لنین از طریق آهنگ مشخص شود. با این حال، طرحواره تصاویر، اختلاف بین موزه ها. زبان به طرح عامیانه-قهرمانی یادبود. O. ارزش این کار را کاهش دهید. برخی از تی رامی‌ها آزمایش‌های جالبی را در خلق نمایش‌های به یاد ماندنی با روحیه تخت‌خواب انجام دادند. کنش های توده ای مبتنی بر تولید تئاتر. ژانر اوراتوریو ("اوراتوریو رقت انگیز" توسط G. V. Sviridov، "July Sunday" توسط V. I. Rubin).

در تعبیر لشکری از یک سو گرایش به تعمیم طرح سخنرانی و از سوی دیگر به جنبه روانی وجود داشته است. تعمیق، افشای وقایع vsenar. مقادیری که از طریق ادراک otd شکسته می شوند. شخصیت در O. "سرباز گمنام" اثر K. V. Molchanov (1967) هیچ شخصیت زنده خاصی وجود ندارد، شخصیت های آن فقط حاملان ایده های ژنرال هستند. شاهکار دکتر. رویکرد به موضوع برای "سرنوشت یک مرد" دزرژینسکی (1961) معمول است، جایی که به طور مستقیم. طرح یک بیوگرافی انسانی است. این یک تولید است با این حال، به خلاقیت تعلق ندارد. موفق باشید جغد اوه، موضوع کاملاً فاش نشده است، موسیقی از ملودراماتیسم سطحی رنج می برد.

یک تجربه جالب از مدرن متن آهنگ اوه تقدیس مشکلات روابط شخصی، کار و زندگی در شرایط جغدها. واقعیت، "نه تنها عشق" R. K. Shchedrin (1961) است. آهنگساز به طرز ماهرانه ای از dec استفاده می کند. انواع آهنگ های دیتی و نار. instr. آهنگ هایی برای توصیف زندگی و شخصیت های دهکده مزرعه جمعی. الف. "ارواح مرده" توسط همان آهنگساز (طبق گفته N.V. گوگول، 1977) با ویژگی تیز موسیقی، بازتولید دقیق آهنگ های گفتار در ترکیب با آهنگ مردم متمایز می شود. انبار.

راه حل جدید و اصلی istorich. موضوع در O. "Peter I" توسط A.P. Petrov (1975) آورده شده است. فعالیت مصلح بزرگ در تعدادی از نقاشی ها با شخصیت گسترده نقاشی های دیواری آشکار می شود. در موسیقی O. ارتباط با روسی ظاهر می شود. کلاسیک اپرا، اما در عین حال آهنگساز از معاصر حاد لذت می برد. یعنی دستیابی به یک تئاتر پر جنب و جوش اثرات

در ژانر کمدی. O. برجسته است "رام کردن زرنگ" اثر V. Ya. Shebalin (1957). نویسنده در ادامه خط پروکوفیف، کمدی را با غزل ترکیب می کند و به قولی، فرم ها و روح کلی کلاسیک قدیمی را احیا می کند. O. در جدید، مدرن. شکل. ملودیچ. روشنایی موسیقی کمیک متفاوت است. O. "داماد بی ریشه" Khrennikov (1967؛ در چاپ اول "Frol Skobeev"، 1950) به زبان روسی. قطعه تاریخی و خانگی

یکی از گرایش های جدید اپرا در دهه های 1960 و 1970 افزایش علاقه به ژانر اپرای مجلسی برای تعداد کمی از بازیگران یا مونو اپرا است که در آن همه رویدادها از طریق منشور آگاهی فردی یک شخصیت نشان داده می شود. این نوع شامل یادداشت های یک دیوانه (1967) و شب های سفید (1970) نوشته یو ام بوتسکو، کت و کالسکه خولمینوف (1971)، خاطرات آن فرانک اثر جی. اس. فرید (1969) و غیره است.

جغدها. O. با غنا و تنوع nat متمایز می شود. مدارس، به چاودار، با اشتراکات ایدئولوژیک و زیبایی شناختی بنیادی. اصول هر کدام ویژگی های خاص خود را دارند. پس از پیروزی اکتبر انقلاب وارد مرحله جدیدی در توسعه خود شده است. الف. اهمیت برای رشد nat. opera t-ra در اوکراین یک پست داشت. محصول برجسته اوکراینی اپرای کلاسیک "Taras Bulba" اثر N. V. Lysenko (1890) که اولین بار در سال 1924 نور را دید (ویرایش شده توسط L. V. Revutsky و B. N. Lyatoshinsky). در دهه 30-20. تعدادی O. ukr جدید آهنگسازان در Sov. و تاریخی (از تاریخ جنبش های انقلابی مردم) مضامین. یکی از بهترین جغدها. O. آن زمان در مورد وقایع Grad. جنگ O. "Shchors" لیاتوشینسکی (1938) بود. یو اس میتوس وظایف مختلفی را در کار اپرایی خود تعیین می کند. او "گارد جوان" (1947، چاپ دوم 1950)، "سپیده دم بر فراز دوینا" ("طلوع شمالی"، 1955)، "خوشبختی دزدیده شده" (1960)، "برادران اولیانوف" (1967) شهرت یافتند. گروه کر آهنگ. اپیزودها طرف قوی قهرمانی-تاریخی هستند. O. "Bogdan Khmelnitsky" اثر K. F. Dankevich (1951، ویرایش دوم 1953). O. "Milana" (1957)، "Arsenal" (1960) توسط G. I. Maiboroda از ملودی آهنگ اشباع شده است. برای به روز رسانی ژانر اپرا و انواع دراماتورژی. V. S. Gubarenko که اولین بازی خود را در سال 1967 انجام داد، برای تصمیم گیری تلاش می کند. مرگ اسکادران.

بسیاری از مردم اتحاد جماهیر شوروی سابق. مدارس اپرا تنها پس از اکتبر ظهور کردند یا به توسعه کامل رسیدند. انقلابی که برای آنها سیاسی شد. و رهایی معنوی در دهه 20. محموله تایید شده مدرسه اپرا، کلاسیک نمونه‌هایی از آن‌ها «ابسالوم و اتری» (تکمیل در سال 1918) و «دایسی» (1923) ز.پ. پالیاشویلی بود. در سال 1926 این پست نیز تکمیل شد. O. "Tamar Tsbieri" ("Tamara حیله‌گر"، ویرایش سوم تحت عنوان "Darejan Tsbieri"، 1936) M. A. Balanchivadze. اولین ارمنی بزرگ O. - "Almast" A. A. Spendiarov (ساخته شده در 1930، مسکو، 1933، ایروان). U. Gadzhibekov که در سال 1900 شروع به کار کرد. مبارزه برای ایجاد آذربایجان موزیکال تی را (موغم او. «لیلی و مجنون»، 1908؛ کمدی موزیکال «آرشین مال آلان»، 1913، و غیره)، در سال 1936 یک حماسه بزرگ قهرمانانه نوشت. O. "Ker-ogly" که همراه با "Nergiz" اثر A. M. M. Magomayev (1935) اساس ملی شد. رپرتوار اپرا در آذربایجان. به معنای. نقش در تشکیل آذربایجان. او همچنین شاهسنم را توسط R. M. Gliere بازی کرد (1925، ویرایش دوم، 1934). ملی جوان O. در جمهوری های ماوراء قفقاز به منابع فولکلور، بر مضامین نار تکیه می کرد. حماسی و قهرمانانه صفحات ملی خود از گذشته این خط ملی حماسه O. بر روی متفاوت و مدرن تر ادامه یافت. سبک اساس در آثاری مانند "David-bek" اثر A. T. Tigranyan (پس از 1950، چاپ دوم 1952)، "Sayat-Nova" اثر A. G. Harutyunyan (1967) - در ارمنستان، "دست راست استادان بزرگ" Sh. M. Mshvelidze و "Mindiya" O. V. Taktakishvili (هر دو 1961) - در گرجستان. یکی از محبوب ترین آذربایجانی ها. O. توسط F. Amirov به "Sevil" تبدیل شد (1952، نسخه جدید 1964)، که در آن درام شخصی با وقایع عموم مردم آمیخته شده است. ارزش های. موضوع تشکیل شوروی. مقامات در گرجستان دزدی ماه آ. تکتاکیشویلی (1976).

در دهه 30. پایه های ملی اپرا t-ra در جمهوری ها چهارشنبه. آسیا و قزاقستان، در میان برخی از مردمان منطقه ولگا و سیبری. موجودات. کمک در ایجاد ملی خود او به این مردمان روسی داد. آهنگسازان اولین ازبک O. "فرخاد و شیرین" (1936) توسط V. A. Uspensky بر اساس همین نام ساخته شد. تئاتر. نمایشنامه هایی که شامل نار. آهنگ ها و قطعاتی از موغم ها. مسیر از نمایش با موسیقی به O. مشخصه تعدادی از مردم بود که در گذشته حرفه ای توسعه یافته نداشتند. موسیقی فرهنگ. نار. موسیقی درام «لیلی و مجنون» به‌عنوان پایه‌ای برای O. به همین نام که در سال 1940 توسط گلیر به طور مشترک نوشته شده است. از ازبکستان آهنگساز-ملودیست T. Jalilov. فعالیت های خود را محکم با ازبکستان پیوند داد. موسیقی فرهنگ A. F. Kozlovsky، که nat. یک داستان عالی O. "Ulugbek" (1942، چاپ دوم 1958). S. A. Balasanyan نویسنده تاج اول است. O. "قیام Vose" (1939، ویرایش دوم 1959) و "کووا آهنگر" (با Sh. N. Bobokalonov، 1941). اول کیرگ O. "Aichurek" (1939) توسط V. A. Vlasov و V. G. Fere به طور مشترک ایجاد شد. با A. Maldybaev; بعداً "ماناس" (1944)، "توکتوگل" (1958) را نیز نوشتند. موزها درام ها و اپراهای E.G. Brusilovsky "Kyz-Zhybek" (1934)، "Zhalbyr" (1935، ویرایش دوم 1946)، "Er-Targyn" (1936) پایه و اساس قزاقستان را گذاشتند. تئاتر موزیکال. خلقت ترک ها موسیقی قدمت این تئاتر به تولید اپرای A. G. Shaposhnikov "زهره و طاهر" (1941، نسخه جدید به طور مشترک با V. Mukhatov، 1953) برمی گردد. متعاقباً همین نویسنده مجموعه دیگری از اُ را به زبان ترکمنی نوشت. nat. مواد، از جمله مفصل. با D. Ovezov "شاسن و گاریب" (1944، چاپ دوم 1955). در سال 1940، اولین بوریات ها ظاهر شدند. O. - "Enkhe - Bulat-Bator" اثر M. P. Frolov. در توسعه موسیقی T-ra در میان مردمان منطقه ولگا و خاور دور نیز توسط L. K. Knipper، G. I. Litinsky، N. I. Peiko، S. N. Ryauzov، N. K. Chemberdzhi و دیگران مشارکت داشتند.

با این حال، در حال حاضر از باهم. دهه 30 در این جمهوری ها آهنگسازان با استعداد خود از نمایندگان ملیت های بومی نامزد می شوند. در زمینه اپرا، N. G. Zhiganov، نویسنده اولین تات. O. "Kachkyn" (1939) و "Altynchach" (1941). یکی از بهترین او - "جلیل" (1957) در خارج از تات شناخته شد. SSR ک یعنی. دستاوردهای ملی موسیقی فرهنگ متعلق به "بیرژان و سارا" اثر M. T. Tulebaev (1946، SSR قزاقستان)، "Khamza" اثر S. B. Babaev و "Ttricks of Maysara" اثر S. A. Yudakov (هر دو 1961، ازبکستان SSR)، "Pulat و Gulru" (1955) و "رودکی" (1976) توسط Sh. S. Sayfiddinov (تاجیک SSR)، "Brothers" اثر D. D. Ayusheev (1962، Buryat ASSR)، "Hilanders" اثر Sh. R. Chalaev (1971، Dag. ASSR) و دیگران.

بلاروسی در اپرا. آهنگسازان جایگاه پیشرو را جغدها گرفتند. موضوع. انقلاب ها و مدنی. جنگ اختصاصی O. "Mikhas Podgorny" اثر E. K. Tikotsky (1939)، "در جنگل های Polesie" توسط A. V. Bogatyrev (1939). مبارزه بلاروس پارتیزان در طول جنگ بزرگ میهنی. جنگ در O. "Ales" Tikotsky (1944، در نسخه جدید "دختری از Polesie"، 1953) منعکس شد. در این محصولات بلاروسی به طور گسترده استفاده می شود. فرهنگ عامه. O. "گل خوشبختی" اثر A. E. Turenkov (1939) نیز بر اساس مواد آهنگ ساخته شده است.

در طول مبارزه برای اتحاد جماهیر شوروی قدرت در جمهوری های بالتیک پس از آن اعمال شد. اولین لتونیایی ها O. - "Banyuta" اثر A. Ya. Kalnin (1919) و دیلوژی اپرا "آتش و شمشیر" اثر Janis Medin (قسمت اول 1916، قسمت دوم 1919). همراه با O. "در آتش" Kalnin (1937) این آثار. اساس ملی شد رپرتوار اپرا در لتونی. پس از ورود لتونی. جمهوری ها در اتحاد جماهیر شوروی در کار اپرایی لتونی. آهنگسازان در تم های جدید منعکس می شوند، سبک و موسیقی به روز می شوند. زبان O. در میان مدرن. جغدها لتونی. دریاچه‌ها برای به سوی ساحل جدید (1955)، آسیاب سبز (1958) اثر M. O. Zarinya و اسب طلایی اثر A. Zhilinskis (1965) مشهور هستند. در لیتوانی، پایه های ملی opera t-ra در ابتدا گذاشته شد. قرن 20 آثار M. Petrauskas - "Birute" (1906) و "Eglė - ملکه مارها" (1918). جغد اول روشن شد O. - "روستای نزدیک املاک" ("Paginerai") S. Shimkus (1941). در دهه 50. O. بر روی تاریخی ظاهر می شود. ("Pilenai" V. Yu. Klova، 1956) و مدرن. ("Marite" A. I. Rachyunas، 1954) مضامین. مرحله جدیدی در توسعه litas. O. توسط "پرندگان گمشده" توسط V. A. Laurushas، "At the Crossroads" توسط V. S. Paltanavichyus (هر دو 1967) ارائه شده است. در استونی قبلاً در سال 1906 یک پست وجود داشت. O. "Sabina" توسط A. G. Lemba (1906، ویرایش دوم "دختر لمبیت"، 1908) در ملی. طرح با موسیقی بر اساس est. nar. ملودی ها در کنار. دهه 20 دیگر آثار اپرا ظاهر شد. همان آهنگساز (از جمله دوشیزه تپه، 1928)، و همچنین The Vickers اثر E. Aava (1928)، Kaupo اثر A. Vedro (1932)، و دیگران. پایگاهی محکم و گسترده برای توسعه ملی . O. پس از ورود استونی به اتحاد جماهیر شوروی ایجاد شد. یکی از اولین est. جغدها O. "Pühajärv" اثر G. G. Ernesaks (1946) است. نوین این موضوع در O. "آتش های انتقام" (1945) و "خواننده آزادی" (1950، ویرایش دوم 1952) توسط E. A. Kapp منعکس شد. "خانه آهنی" اثر E. M. Tamberg (1965)، "پرواز قو" اثر V. R. Tormis با جستجوهای جدید مشخص شد.

بعدها فرهنگ اپرا در مولداوی شروع به توسعه کرد. اولین O. روی قالب. زبان و ملی توطئه ها فقط در نیمه دوم ظاهر می شوند. دهه 50 Domnika اثر A. G. Styrcha (1950، ویرایش دوم 1964) از محبوبیت برخوردار است.

در ارتباط با توسعه گسترده رسانه های جمعی در قرن بیستم. انواع خاصی از رادیو و تله اپرا وجود داشت که با در نظر گرفتن موارد خاص ایجاد می شد. شرایط ادراکی هنگام گوش دادن به رادیو یا از صفحه تلویزیون. در خارجی تعدادی از O. به طور خاص برای رادیو نوشته شد، از جمله کلمبوس توسط V. Egk (1933)، خدمتکار پیر و دزد توسط Menotti (1939)، پزشک روستایی توسط Henze (1951، ویرایش جدید 1965)، "دان" کیشوت" نوشته ایبر (1947). برخی از این اها هم روی صحنه بودند (مثلاً «کلمبوس»). اپرای تلویزیونی توسط استراوینسکی (سیل، 1962)، بی. مارتین (ازدواج و مردم چگونه زندگی می کنند، هر دو 1952)، شنک (محاسبه و بازی شده، 1962)، منوتی (امل و مهمانان شب»، 1951؛ «لابیرنت»، 1963) و دیگر آهنگسازان اصلی. در اتحاد جماهیر شوروی، اپراهای رادیو و تلویزیون به عنوان انواع خاصی از تولیدات. به طور گسترده پذیرفته نشده اند. اپراهایی که ویژه تلویزیون توسط V. A. Vlasov و V. G. Fere (جادوگر، 1961) و V. G. Agafonnikov (Anna Snegina، 1970) نوشته شده‌اند، ماهیت آزمایش‌های منفرد دارند. جغدها. رادیو و تلویزیون مسیر خلق مونتاژ و موسیقی ادبی را دنبال می کند. ساخته یا اقتباس از آثار معروف اپرا. کلاسیک و مدرن نویسندگان

ادبیات: Serov A.N.، سرنوشت اپرا در روسیه، "صحنه روسی"، 1864، شماره 2 و 7، همان، در کتاب خود: مقالات برگزیده، ج 1، M.-L.، 1950; خود او، اپرای روسیه و اپرای روسیه، «نور موسیقی»، 1870، شماره 9، همان، در کتابش: مقالات انتقادی، ج 4، سن پترزبورگ، 1895; چشیهین وی، تاریخ اپرای روسیه، سن پترزبورگ، 1902، 1905; انگل یو .. در اپرا، M.، 1911; Igor Glebov (Asafiev B.V.), Symphonic Etudes, P., 1922, L., 1970; او، نامه هایی درباره اپرا و باله روسیه، "هفته نامه تئاترهای آکادمیک دولتی پتروگراد"، 1922، شماره 3-7، 9-10، 12-13; خود او، اپرا، در کتاب: مقالاتی درباره خلاقیت موسیقی شوروی، ج 1، M.-L.، 1947; بوگدانوف-برزوفسکی V. M.، اپرای شوروی، L.-M.، 1940; Druskin M., Questions of the musical dramaturgy of the opera, L., 1952; Yarustovsky B.، دراماتورژی کلاسیک اپرای روسی، M.، 1953; او، مقالاتی در مورد دراماتورژی اپرای قرن بیستم، کتاب. 1، م.، 1971; اپرای شوروی مجموعه مقالات انتقادی، م.، 1953; تیگرانوف جی.، تئاتر موزیکال ارمنی. رسائل و مصالح، ج 1-3، ه.، 1956-1975; او، اپرا و باله ارمنستان، م.، 1966; آرچیموویچ ال.، اپرای کلاسیک اوکراینی، ک.، 1957; Gozenpud A.، تئاتر موزیکال در روسیه. از مبدا تا گلینکا، L.، 1959; خودش، تئاتر اپرای شوروی روسیه، L.، 1963; او، تئاتر اپرای روسیه قرن 19، جلدهای 1-3، L.، 1969-73; او، تئاتر اپرای روسیه در اواخر قرن 19 و 20 و F. I. Chaliapin, L., 1974; او، خانه اپرای روسیه بین دو انقلاب، 1905-1917، L.، 1975; Ferman V. E.، تئاتر اپرا، M.، 1961; Bernandt G.، فرهنگ لغت اپراهایی که برای اولین بار در روسیه پیش از انقلاب و در اتحاد جماهیر شوروی (1736-1959) روی صحنه رفت یا منتشر شد، M.، 1962; خوخلوفکینا، اپرای اروپای غربی. اواخر 18 - نیمه اول قرن 19. مقالات، م.، 1962; Smolsky B. S.، تئاتر موزیکال بلاروس، مینسک، 1963; لیوانوا T.N.، نقد اپرا در روسیه، ج 1-2، شماره. 1-4 (مسأله 1 به طور مشترک با V. V. Protopopov), M., 1966-73; Konen V.، تئاتر و سمفونی، M.، 1968، 1975; سوالات دراماتورژی اپرا، (شب.)، ویرایش-کامپ. یو تیولین، م.، 1975; دانکو ال.، اپرای کمیک در قرن بیستم، L.-M.، 1976.

اپرا یک ژانر تئاتر آوازی از موسیقی کلاسیک است. تفاوت این تئاتر با تئاتر درام کلاسیک در این است که بازیگرانی که در محاصره صحنه و لباس اجرا می کنند، صحبت نمی کنند، اما در طول مسیر آواز می خوانند. این کنش بر روی متنی به نام لیبرتو ساخته شده است که بر اساس یک اثر ادبی یا به ویژه برای یک اپرا خلق شده است.

ایتالیا زادگاه ژانر اپرا بود. اولین اجرا در سال 1600 توسط حاکم فلورانس، مدیچی ها، در مراسم عروسی دخترش با پادشاه فرانسه برگزار شد.

انواع مختلفی از این سبک وجود دارد. اپرا جدی در قرن 17 و 18 ظاهر شد. ویژگی آن جذابیت به داستان هایی از تاریخ و اساطیر بود. توطئه های چنین آثاری به شدت از احساسات و ترحم اشباع شده بود ، آریاها طولانی و مناظر باشکوه بود.

در قرن هجدهم، تماشاگران از انبوهی بیش از حد خسته شدند و یک ژانر جایگزین به وجود آمد، اپرای کمیک سبک تر. با تعداد کمتری از بازیگران درگیر و تکنیک‌های «بی‌اهمیت» استفاده شده در آریا مشخص می‌شود.

در اواخر همان قرن، اپرای نیمه جدی متولد شد که شخصیتی ترکیبی بین ژانر جدی و کمیک دارد. آثاری که در این راستا نوشته می‌شوند، همیشه پایان خوشی دارند، اما طرح آن‌ها خود تراژیک و جدی است.

بر خلاف انواع قبلی که در ایتالیا ظاهر شد، به اصطلاح اپرای بزرگ در دهه 30 قرن نوزدهم در فرانسه متولد شد. آثار این ژانر عمدتاً به موضوعات تاریخی اختصاص داشت. علاوه بر این ساختار 5 عملی مشخص بود که یکی از آنها رقص و مناظر فراوان بود.

اپرا باله در همان کشور در اواخر قرن 17-18 در دربار سلطنتی فرانسه ظاهر شد. اجراهای این ژانر با طرح های نامنسجم و تولیدات رنگارنگ متمایز می شوند.

فرانسه همچنین زادگاه اپرت است. از نظر معنایی ساده، از نظر محتوا سرگرم کننده، آثاری با موسیقی سبک و گروه کوچکی از بازیگران در قرن نوزدهم شروع به روی صحنه رفتن کردند.

اپرای رمانتیک در همان قرن در آلمان به وجود آمد. ویژگی اصلی این ژانر داستان های عاشقانه است.

محبوب ترین اپراهای زمان ما عبارتند از La Traviata اثر جوزپه وردی، La bohème اثر جاکومو پوچینی، Carmen اثر ژرژ بیزه و از اپرای داخلی، Eugene Onegin اثر P.I. چایکوفسکی

گزینه 2

اپرا نوعی هنر است که شامل ترکیبی از موسیقی، آواز، اجرا، بازیگری ماهرانه است. علاوه بر این، از مناظر در اپرا استفاده می شود و صحنه را تزئین می کند تا فضایی را که این عمل در آن اتفاق می افتد به بیننده منتقل کند.

همچنین برای درک معنوی بیننده از صحنه بازی، شخصیت اصلی آن بازیگر زن خواننده است، او توسط یک گروه برنجی به رهبری یک رهبر ارکستر کمک می کند. این نوع خلاقیت بسیار عمیق و چندوجهی است، اولین بار در ایتالیا ظاهر شد.

اپرا قبل از اینکه در این تصویر به ما برسد، تغییرات زیادی را پشت سر گذاشت، در برخی از آثار لحظاتی وجود داشت که او می خواند، شعر می گفت، بدون خواننده ای که شرایطش را به او دیکته می کرد، نمی توانست کاری انجام دهد.

سپس لحظه ای فرا رسید که هیچ کس اصلاً به متن گوش نکرد، همه تماشاگران فقط به بازیگر خواننده و لباس های زیبا نگاه کردند. و در مرحله سوم، آن اپرا را دریافت کردیم که در دنیای مدرن به دیدن و شنیدن آن عادت کرده ایم.

و فقط اکنون اولویت های اصلی را در این اکشن مشخص کرده ایم، با این حال اول موسیقی می آید، بعد آریا بازیگر و تنها بعد متن. بالاخره با کمک یک آریا، داستان قهرمانان نمایش روایت می شود. بر این اساس آریای اصلی بازیگران همان مونولوگ در دراماتورژی است.

اما در طول آریا، ما همچنین موسیقی متناظر با این مونولوگ را می شنویم که به ما امکان می دهد تا کل اکشن را که روی صحنه اجرا می شود، واضح تر احساس کنیم. علاوه بر چنین اقداماتی، اپراهایی نیز وجود دارند که کاملاً بر اساس بیانیه های بلند و صمیمانه و ترکیب شده با موسیقی ساخته شده اند. به چنین مونولوگی خوانندگی می گویند.

علاوه بر آریا و خوانندگی، یک گروه کر نیز در اپرا وجود دارد که با کمک آن خطوط فعال بسیاری منتقل می شود. یک ارکستر نیز در اپرا وجود دارد؛ بدون آن، اپرا آن چیزی که الان هست نمی شد.

در واقع، به لطف ارکستر، موسیقی متناظر به صدا در می آید که فضای اضافی ایجاد می کند و به آشکار شدن کل معنای نمایش کمک می کند. این نوع هنر در اواخر قرن شانزدهم به وجود آمد. اپرا در ایتالیا، در شهر فلورانس، جایی که یک اسطوره یونان باستان برای اولین بار روی صحنه رفت، سرچشمه گرفت.

از لحظه شکل گیری آن، توطئه های اساطیری عمدتاً در اپرا مورد استفاده قرار گرفت، اکنون رپرتوار بسیار گسترده و متنوع است. در قرن نوزدهم این هنر در مدارس ویژه شروع به تدریس کرد. به لطف این آموزش، جهان افراد مشهور زیادی را دیده است.

این اپرا بر اساس درام ها، رمان ها، داستان های کوتاه و نمایشنامه های مختلف برگرفته از ادبیات همه کشورهای جهان نوشته شده است. پس از نگارش فیلمنامه موسیقی، توسط رهبر ارکستر، ارکستر، گروه کر مطالعه می شود. و بازیگران متن را آموزش می دهند، سپس صحنه را آماده می کنند، تمرینات را انجام می دهند.

و حالا بعد از کار همه این افراد، یک اجرای اپرا برای تماشا متولد می شود که خیلی ها به دیدن آن می آیند.

• واسیلی ژوکوفسکی - گزارش پیام

  واسیلی آندریویچ ژوکوفسکی، یکی از شاعران مشهور قرن هجدهم در جهت احساسات گرایی و رمانتیسم، که در آن روزها بسیار محبوب بود.

  در حال حاضر، مشکل حفظ محیط زیست سیاره ما به ویژه حاد است. پیشرفت تکنولوژیک، رشد جمعیت زمین، جنگ های مداوم و انقلاب صنعتی، دگرگونی طبیعت و گسترش غیرقابل اجتناب اکومن

انواع اپرا

این اپرا تاریخ خود را در اواخر قرن 16-17 در حلقه فیلسوفان، شاعران و موسیقیدانان ایتالیایی - "Camerata" آغاز می کند. اولین اثر در این ژانر در سال 1600 ظاهر شد، سازندگان معروف را گرفتند داستان اورفئوس و اوریدیک . از آن زمان قرن‌ها می‌گذرد، اما آهنگسازان همچنان به آهنگسازی اپرا با نظم رشک‌انگیز ادامه می‌دهند. این ژانر در طول تاریخ خود دستخوش تغییرات زیادی شده است، از تم ها، فرم های موسیقی و به ساختار آن ختم می شود. انواع اپراها چیست، چه زمانی ظاهر شدند و چه ویژگی هایی دارند - بیایید آن را بفهمیم.

انواع اپرا:

اپرا جدی(opera seria، opera seria) یک ژانر اپرا است که در اواخر قرن هفدهم تا هجدهم در ایتالیا متولد شد. این گونه آثار با موضوعات تاریخی-قهرمانی، افسانه ای یا اسطوره ای سروده شده اند. یکی از ویژگی های متمایز این نوع اپرا، آبروی بیش از حد در همه چیز بود - نقش اصلی به خوانندگان فاضل اختصاص داده شد، ساده ترین احساسات و عواطف در آریاهای طولانی ارائه می شد، مناظر سرسبز بر صحنه غالب بود. کنسرت های لباس - این همان چیزی بود که اپراهای سریال نامیده می شدند.

اپرای کمیکدر قرن 18 ایتالیا سرچشمه می گیرد. آن را opera-buffa نامیدند و به عنوان جایگزینی برای سریال اپرا "خسته کننده" ساخته شد. از این رو مقیاس کوچک این ژانر، تعداد کمی از شخصیت ها، تکنیک های کمیک در آواز، به عنوان مثال، پیچاندن زبان، و افزایش تعداد گروه ها - نوعی انتقام برای آریاهای فانتزی "طولانی" است. در کشورهای مختلف، اپرای کمیک نام‌های خاص خود را داشت - در انگلستان یک اپرای تصنیف است، فرانسه آن را به عنوان یک اپرای کمیک تعریف کرد، در آلمان آن را singspiel و در اسپانیا به آن تونادیلا می‌گفتند.

اپرا نیمه جدی(opera semiseria) - ژانر مرزی بین اپرای جدی و کمیک که زادگاه آن ایتالیا است. این نوع اپرا در پایان قرن 18 ظاهر شد، طرح بر اساس داستان های جدی و گاه تراژیک بود، اما با پایان خوش.

اپرا بزرگ(اپرای بزرگ) - در اواخر 1 سوم قرن 19 در فرانسه سرچشمه گرفت. این ژانر با مقیاس بزرگ (5 پرده به جای 4 عمل معمول)، حضور اجباری یک عمل رقص و مناظر فراوان مشخص می شود. آنها عمدتاً در موضوعات تاریخی ایجاد شده اند.

اپرای عاشقانه -در قرن 19 آلمان سرچشمه گرفت. این نوع اپرا شامل تمام درام های موسیقی است که بر اساس طرح های عاشقانه خلق شده اند.

باله اپرادر اواخر قرن 17 تا 18 در فرانسه سرچشمه می گیرد. نام دوم این ژانر باله دادگاه فرانسوی است. چنین آثاری برای بالماسکه ها، شبانی ها و جشن های دیگر که در دربارهای سلطنتی و برجسته برگزار می شد ایجاد می شد. چنین اجراهایی با درخشندگی ، مناظر زیبا متمایز می شدند ، اما اجراهای موجود در آنها با طرح به یکدیگر مرتبط نبودند.

اپرت- "اپرا کوچک" در نیمه دوم قرن 19 در فرانسه ظاهر شد. ویژگی بارز این ژانر یک طرح کمیک بی تکلف، مقیاس متوسط، فرم های ساده و موسیقی "سبک" است که به راحتی حفظ می شود.