چشم انداز سه پایه روسی قرن های 18-19. منظره سه پایه روسی قرن 18-19 نقاشی منظره روسی قرن 18

قرن هجدهم دوره ای است که در آن دگرگونی های عظیمی در همه حوزه ها رخ داد: سیاسی، اجتماعی، عمومی. اروپا ژانرهای جدیدی را به نقاشی روسی وارد می کند: منظره، تاریخی، زندگی روزمره. جهت واقع گرایانه نقاشی غالب می شود. انسان زنده قهرمان و حامل آرمان های زیباشناختی آن زمان است.

قرن هجدهم به عنوان زمان پرتره های تصویری وارد تاریخ هنر شد. همه می خواستند پرتره خود را داشته باشند: از ملکه گرفته تا یک مقام معمولی از استان.

گرایش های اروپایی در نقاشی روسیه

هنرمندان مشهور روسی قرن هجدهم به دستور پیتر اول که می خواست روسیه را اروپایی کند مجبور شدند از مد غربی پیروی کنند. او برای توسعه هنرهای زیبا اهمیت زیادی قائل بود و حتی قصد داشت یک موسسه آموزشی تخصصی ایجاد کند.

هنرمندان روسی قرن هجدهم بر تکنیک‌های جدید نقاشی اروپایی تسلط یافتند و نه تنها پادشاهان، بلکه پسران، بازرگانان، پدرسالاران مختلف را نیز بر روی بوم‌های خود به تصویر کشیدند که سعی می‌کردند با مد پیش بروند و اغلب به هنرمندان محلی سفارش می‌دادند که پرتره بکشند. در عین حال هنرمندان آن زمان سعی می کردند پرتره ها را با وسایل منزل، عناصر لباس ملی، طبیعت و ... غنی کنند. توجه به مبلمان گران قیمت، گلدان های بزرگ، لباس های مجلل، ژست های جالب معطوف شد. تصویر مردم آن زمان امروزه توسط هنرمندان به عنوان داستانی شاعرانه در مورد زمان خود درک می شود.

با این حال، پرتره های هنرمندان روسی قرن هجدهم با پرتره های نقاشان خارجی دعوت شده در تضاد قابل توجهی متفاوت است. گفتنی است برای آموزش هنرمندان روسی از هنرمندان کشورهای دیگر دعوت شد.

انواع پرتره

آغاز قرن هجدهم با جذابیت نقاشان پرتره به نماهای نیمه تشریفاتی و مجلسی مشخص شد. پرتره های نقاشان نیمه دوم قرن هجدهم انواعی مانند جلویی، نیمه تشریفاتی، مجلسی، صمیمی را به وجود آورد.

جلویی در تصویر یک فرد در حال رشد کامل با دیگران متفاوت است. زرق و برق لوکس - هم در لباس و هم در وسایل خانه.

نمای نیمه جلو تصویری از مدل تا زانو یا تا کمر است.

اگر شخصی در پس زمینه ای خنثی تا سینه یا کمر به تصویر کشیده شود، به این نوع پرتره مجلسی می گویند.

نگاه صمیمی پرتره نشان دهنده جذابیت به دنیای درونی قهرمان تصویر است، در حالی که پس زمینه نادیده گرفته می شود.

تصاویر پرتره

اغلب، هنرمندان روسی قرن هجدهم مجبور شدند ایده مشتری از خود را در یک تصویر پرتره تجسم کنند، اما به هیچ وجه یک تصویر واقعی. در نظر گرفتن افکار عمومی در مورد این یا آن شخص مهم بود. بسیاری از مورخان هنر مدت‌هاست به این نتیجه رسیده‌اند که قانون اصلی آن زمان این بود که یک شخص را نه آن‌قدر که واقعاً بود یا آن‌طور که دوست داشت باشد، بلکه آن‌طور که می‌توانست در بهترین بازتابش باشد به تصویر بکشد. یعنی در پرتره های هر شخصی که سعی می کردند به عنوان یک ایده آل به تصویر بکشند.

اولین هنرمندان

هنرمندان روسی قرن هجدهم، که فهرست آنها عموماً کوچک است، به ویژه، I. N. Nikitin، A. P. Antropov، F. S. Rokotov، I. P. Argunov، V. L. Borovikovsky، D G. Levitsky هستند.

از اولین نقاشان قرن هجدهم نام نیکیتین، آنتروپوف، آرگونوف است. نقش این اولین هنرمندان روسی قرن هجدهم ناچیز بود. این تنها به نوشتن تعداد زیادی از تصاویر سلطنتی، پرتره های اشراف روسی کاهش یافت. هنرمندان روسی قرن 18 - استادان پرتره. اگرچه اغلب آنها به سادگی به صنعتگران خارجی کمک می کردند تا دیوارهای تعداد زیادی کاخ را نقاشی کنند و مناظر نمایشی بسازند.

نام نقاش ایوان نیکیتیچ نیکیتین را می توان در مکاتبات پیتر اول با همسرش یافت. قلم مو او متعلق به پرتره خود پادشاه، صدراعظم G. I. Golovin است. هیچ چیز مصنوعی در پرتره او از هتمن در فضای باز وجود ندارد. ظاهر با کلاه گیس یا لباس مجلسی تغییر نمی کند. این هنرمند هتمن را همانطور که در زندگی واقعی نشان می دهد نشان داد. در حقیقت زندگی است که مزیت اصلی پرتره های نیکیتین نهفته است.

آثار آنتروپوف در تصاویر کلیسای جامع سنت اندرو در کیف و پرتره هایی در سینود حفظ شده است. این آثار با گرایش هنرمند به رنگ‌های زرد و زیتونی متمایز می‌شوند، زیرا او نقاشی است که نزد استاد نقاشی شمایل آموخته است. از جمله آثار معروف او می توان به پرتره های الیزابت پترونا، پیتر اول، پرنسس تروبتسکوی، آتامان اف. کراسنوشچکوف اشاره کرد. آثار آنتروپوف سنت‌های نقاشی اصیل روسی قرن هفدهم و قوانین هنرهای زیبای دوره پترین را ترکیب کرد.

ایوان پتروویچ آرگونوف نقاش پرتره سرف معروف کنت شرمتیف است. پرتره های او برازنده است، ژست های افراد به تصویر کشیده شده توسط او آزاد و متحرک است، همه چیز در کار او دقیق و ساده است. او خالق یک پرتره مجلسی است که بعداً صمیمی خواهد شد. آثار قابل توجه این هنرمند: شرمتیف ها، P.B. Sheremetyev در کودکی.

شما نباید فکر کنید که در آن زمان هیچ ژانر دیگری در روسیه وجود نداشت، اما هنرمندان بزرگ روسی قرن 18 مهمترین آثار را در ژانر پرتره خلق کردند.

اوج قرن هجدهم کار روکوتوف، لویتسکی و بوروویکوفسکی بود. شخصی که در پرتره های هنرمندان قرار دارد شایسته تحسین، توجه و احترام است. انسانیت احساسات مشخصه پرتره آنهاست.

فئودور استپانوویچ روکوتوف (1735-1808)

تقریباً هیچ چیز در مورد فئودور استپانوویچ روکوتوف، هنرمند روسی قرن هجدهم از رعیت شاهزاده I. Repnin، شناخته شده نیست. این هنرمند پرتره های زنان را به آرامی و با روحیه می نویسد. زیبایی درونی توسط روکوتوف احساس می شود و ابزاری برای تجسم آن بر روی بوم می یابد. حتی شکل بیضی پرتره ها فقط بر ظاهر شکننده و ظریف زنان تاکید دارد.

ژانر اصلی کار او پرتره نیمه لباس است. از جمله آثار او می توان به پرتره های گریگوری اورلوف و پیتر سوم، پرنسس یوسوپووا و شاهزاده پاول پتروویچ اشاره کرد.

دیمیتری گریگوریویچ لویتسکی (1735-1822)

هنرمند مشهور روسی قرن هجدهم، دیمیتری گریگوریویچ لویتسکی، شاگرد A. Antropov، توانست با حساسیت در نقاشی های خود حالت های ذهنی و ویژگی های افراد را به تصویر بکشد و بازآفرینی کند. او که ثروتمندان را به تصویر می‌کشد، راستگو و بی‌طرف می‌ماند، پرتره‌هایش از فحاشی و دروغ‌ها جلوگیری می‌کند. قلم مو او صاحب یک گالری کامل از پرتره های بزرگان قرن هجدهم است. در پرتره تشریفاتی است که لویتسکی خود را به عنوان یک استاد نشان می دهد. او ژست های بیانی، ژست ها، نشان دادن اشراف نجیب را پیدا می کند. تاریخ روسیه در چهره ها - کارهای لویتسکی اغلب به این شکل خوانده می شود.
نقاشی های متعلق به قلم مو هنرمند: پرتره های M. A. Lvova، E. I. Nelidova، N. I. Novikov، Mitrofanovs.

ولادیمیر لوکیچ بوروویکوفسکی (1757-1825)

هنرمندان روسی قرن 18 و 19 به دلیل جذابیت آنها به به اصطلاح پرتره احساساتی متمایز می شوند. هنرمند ولادیمیر لوکیچ بوروویکوفسکی، دخترانی متفکر را نقاشی می کند که در پرتره های او با رنگ های روشن به تصویر کشیده شده اند، آنها مطبوع و بی گناه هستند. قهرمانان او نه تنها زنان دهقان روسی با لباس سنتی، بلکه بانوان محترم جامعه عالی نیز هستند. اینها پرتره های ناریشکینا، لوپوخینا، پرنسس سوورووا، آرسنیوا هستند. تصاویر تا حدودی شبیه به هم هستند، اما فراموش کردن آنها غیرممکن است. با ظرافت شگفت انگیز شخصیت های منتقل شده، ویژگی های تقریباً گریزان تجربیات عاطفی و احساس لطافتی که همه تصاویر را متحد می کند متمایز می شود. بوروویکوفسکی در آثار خود تمام زیبایی های یک زن آن زمان را آشکار می کند.

میراث بوروویکوفسکی بسیار متنوع و گسترده است. در آثار او هم پرتره های تشریفاتی و هم بوم های مینیاتوری و صمیمی وجود دارد. در میان آثار بوروویکوفسکی، پرتره های V. A. Zhukovsky، G. R. Derzhavin، A. B. Kurakin و Paul I.

نقاشی های هنرمندان روسی

نقاشی های قرن 18 توسط هنرمندان روسی با عشق به یک شخص، دنیای درونی او و احترام به فضایل اخلاقی نوشته شده است. سبک هر هنرمند از یک سو بسیار فردی است، از سوی دیگر چندین ویژگی مشترک با دیگران دارد. این لحظه همان سبکی را تعیین کرد که بر شخصیت هنر روسیه در قرن 18 تأکید می کند.

بیشتر هنرمندان روسی قرن 18:

1. "نقاش جوان" نیمه دوم دهه 1760 ایوان فیرسوف نویسنده معمایی ترین هنرمند قرن هجدهم است. این نقاشی پسری را با لباس فرم به تصویر می کشد که پرتره یک دختر کوچک زیبا را نقاشی می کند.
2. "وداع هکتور با آندروماش"، 1773 نویسنده آنتون پاولوویچ لوسنکو. آخرین نقاشی هنرمند. صحنه ای از کانتوی ششم ایلیاد هومر را به تصویر می کشد.
3. "پل سنگی در گاچینا در نزدیکی میدان Connetable"، 1799-1801. نویسنده سمیون فدوروویچ شچدرین. تصویر نمای منظره را نشان می دهد.

و هنوز

هنرمندان روسی قرن هجدهم با وجود شرایط رعیت و خواسته های مشتریان ثروتمند، همچنان سعی می کردند حقیقت و شخصیت واقعی مردم را آشکار کنند. ژانر پرتره در قرن 18 مظهر ویژگی های خاص مردم روسیه بود.

بدون شک می توان گفت که هنر قرن هجدهم هرچقدر تحت تأثیر فرهنگ اروپایی بود، با این وجود به توسعه سنت های ملی روسیه منجر شد.

نقاشی باشکوه و متنوع روسی همیشه مخاطب را با عدم ثبات و کمال اشکال هنری خشنود می کند. این ویژگی آثار استادان مشهور هنر است. آنها همیشه با رویکرد غیرمعمول خود به کار، نگرش محترمانه نسبت به احساسات و احساسات هر فرد شگفت زده می کردند. شاید به همین دلیل است که هنرمندان روسی اغلب ترکیبات پرتره‌ای را به تصویر می‌کشند که تصاویر احساسی و نقوش آرام حماسی را به وضوح ترکیب می‌کردند. جای تعجب نیست که ماکسیم گورکی زمانی گفت که یک هنرمند قلب کشورش است، صدای کل دوران. در واقع، نقاشی های باشکوه و ظریف هنرمندان روسی به وضوح الهامات زمان خود را منتقل می کند. مانند آرزوهای نویسنده مشهور آنتون چخوف، بسیاری به دنبال این بودند که طعم منحصر به فرد مردم خود و همچنین رویای خاموش نشدنی زیبایی را در نقاشی های روسی بیاورند. دست کم گرفتن بوم های خارق العاده این استادان هنر باشکوه دشوار است، زیرا آثار واقعاً خارق العاده ای از ژانرهای مختلف زیر قلم مو آنها متولد شد. نقاشی آکادمیک، پرتره، نقاشی تاریخی، منظره، آثار رمانتیسم، مدرنیسم یا نمادگرایی - همه آنها هنوز هم شادی و الهام را برای بینندگان خود به ارمغان می آورند. همه در آنها چیزی بیش از رنگ های رنگارنگ، خطوط برازنده و ژانرهای تکرار نشدنی هنر جهانی می یابند. شاید چنین فراوانی فرم ها و تصاویری که نقاشی روسی با آن شگفت زده می شود با پتانسیل عظیم دنیای اطراف هنرمندان مرتبط باشد. لویتان همچنین گفت که در هر نت از طبیعت سرسبز یک پالت رنگی باشکوه و غیر معمول وجود دارد. با چنین آغازی، وسعتی باشکوه برای قلم موی هنرمند پدیدار می شود. بنابراین ، تمام نقاشی های روسی با شدت بدیع و زیبایی جذاب خود متمایز می شوند ، که جدا شدن از آن بسیار دشوار است.

نقاشی روسی به درستی از هنر جهانی متمایز است. واقعیت این است که تا قرن هفدهم، نقاشی داخلی منحصراً با یک موضوع مذهبی همراه بود. وضعیت با روی کار آمدن تزار اصلاح طلب - پیتر کبیر تغییر کرد. به لطف اصلاحات او، استادان روسی شروع به پرداختن به نقاشی سکولار کردند و نقاشی شمایل به عنوان یک جهت جداگانه جدا شد. قرن هفدهم زمان هنرمندانی مانند سیمون اوشاکوف و ایوسف ولادیمیروف است. سپس، در دنیای هنر روسیه، پرتره متولد شد و به سرعت محبوب شد. در قرن هجدهم، اولین هنرمندانی ظاهر شدند که از پرتره به نقاشی منظره روی آوردند. ابراز همدردی استادان برای پانورامای زمستانی قابل توجه است. قرن هجدهم به خاطر تولد نقاشی روزمره نیز به یادگار مانده است. در قرن نوزدهم، سه گرایش در روسیه محبوبیت یافتند: رمانتیسم، رئالیسم و ​​کلاسیک. مانند گذشته، هنرمندان روسی همچنان به ژانر پرتره روی آوردند. پس از آن بود که پرتره ها و سلف پرتره های O. Kiprensky و V. Tropinin در جهان ظاهر شد. در نیمه دوم قرن نوزدهم، هنرمندان بیشتر و بیشتر مردم ساده روسیه را در وضعیت مظلوم خود به تصویر می کشند. رئالیسم به روند اصلی نقاشی این دوره تبدیل می شود. پس از آن بود که سرگردان ها ظاهر شدند و فقط زندگی واقعی و واقعی را به تصویر می کشیدند. خب، قرن بیستم، البته، آوانگارد است. هنرمندان آن زمان به طور قابل توجهی بر پیروان خود در روسیه و در سراسر جهان تأثیر گذاشتند. نقاشی های آنها به پیشگامان انتزاع گرایی تبدیل شد. نقاشی روسی دنیای شگفت انگیزی از هنرمندان با استعداد است که روسیه را با خلاقیت های خود تجلیل کردند

لو کامنف (1833 - 1886) "منظره با یک کلبه"

منظره، به عنوان یک ژانر مستقل از نقاشی، در اواسط قرن 18 در روسیه تثبیت شد. و قبل از این دوره، منظره پس‌زمینه‌ای برای تصویر ترکیب‌بندی آیکون‌ها یا بخشی از تصویرسازی کتاب بود.

درباره منظره روسیه قرن نوزدهم مطالب زیادی نوشته شده است و چنین، بدون اغراق، کارشناسان بزرگ در زمینه نقاشی نوشتند که من در اصل چیزی برای اضافه کردن ندارم.

پیشگامان نقاشی منظره روسی سمیون شچدرین، فئودور آلکسیف و فئودور ماتویف نام دارند. همه این هنرمندان نقاشی را در اروپا آموختند که تأثیر خاصی بر کارهای آینده آنها گذاشت.

Shchedrin (1749 - 1804) به عنوان نویسنده آثاری که پارک های کشور امپراتوری را به تصویر می کشد به شهرت رسید. آلکسیف (1753 - 1824) به دلیل مناظری که آثار معماری سنت پترزبورگ، گاچینا و پاولوفسک مسکو را به تصویر می‌کشد، به کانال روسی لقب گرفت. ماتویف (1758 - 1826) بیشتر عمر خود را در ایتالیا کار کرد و به روح معلمش هاکرت نوشت. آثار این هنرمند توانای ایتالیایی نیز توسط م.م. ایوانف (1748 - 1828).

کارشناسان به دو مرحله در توسعه نقاشی منظره روسی قرن 19 اشاره می کنند که به طور ارگانیک با یکدیگر مرتبط نیستند، اما به وضوح قابل تشخیص هستند. این دو مرحله عبارتند از:

• واقع بین؛
• رومانتیک.

مرز بین این مناطق به وضوح در اواسط دهه 20 قرن نوزدهم شکل گرفت. در اواسط قرن هجدهم، نقاشی روسی شروع به رهایی از عقل گرایی نقاشی کلاسیک قرن هجدهم کرد. و رمانتیسیسم روسی به عنوان پدیده ای مجزا در نقاشی روسی در این تحولات از اهمیت بالایی برخوردار است.

منظره رمانتیک روسیه در سه جهت توسعه یافت:

1. منظر شهری بر اساس آثاری از طبیعت؛
2. مطالعه طبیعت روسیه بر اساس "خاک ایتالیا"؛
3. چشم انداز ملی روسیه

و اکنون شما را به گالری آثار هنرمندان روسی قرن نوزدهم که مناظر نقاشی می کردند دعوت می کنم. من از هر هنرمند فقط یک قطعه گرفتم - در غیر این صورت این گالری بی پایان بود.

اگر تمایلی دارید، می توانید در مورد کار هر هنرمند (و بر این اساس، کار هنرمند را به یاد بیاورید) در این سایت.

مناظر روسیه قرن 19

ولادیمیر موراویف (1861 - 1940)، جنگل آبی

ولادیمیر اورلوفسکی (1842 - 1914)، "روز تابستان"

پیوتر سوخودولسکی (1835 - 1903)، روز تثلیث

ایوان شیشکین (1832 - 1898)، "چودار"

Efim Volkov (1844 - 1920)، دریاچه جنگل

نیکولای استودین (1847 - 1925)، "جاده کوهستان"

نیکولای سرگیف (1855 - 1919)، "تالاب تابستان"

کنستانتین کریژیتسکی1 (1858-1911)، "زونیگورود"

الکسی پیسمسکی (1859 - 1913)، "رود جنگل"

جوزف کراچکوفسکی (1854 - 1914)، "ویستریا"

آیزاک لویتان (1860 - 1900)، "بیرش توس"

واسیلی پولنوف (1844-1927)، آسیاب قدیمی

میخائیل کلودت (1832 - 1902)، بیشه بلوط

آپولیناری واسنتسف (1856 - 1933)، اوختیرکا. نوع خانه»

انجمن نمایشگاه های هنری سیار: دکترین خلاق، شیوه هنری، نمایندگان.

انجمن نمایشگاه های هنری مسافرتی انجمنی از هنرمندان روسی اواخر قرن نوزدهم است. در نوامبر 1863، چهارده فارغ التحصیل از آکادمی امپراتوری هنر درخواستی را به شورای آکادمی فرستادند و از آنها خواستند که وظیفه رقابت سنتی را جایگزین کنند و به هنرمندان جوان آزادی انتخاب موضوع بدهند. در سال 1870 این انجمن به انجمن نمایشگاه های هنری تغییر نام داد. N.N. Ge، I.N. کرامسکوی، جی.جی. Myasoedov، V.G. پروف، V.A. سروف، وی. دی.، پولنوف، آی.ای. رپین، A.K. ساوراسوف، V.I. سوریکوف، I.I. شیشکین و بسیاری دیگر. این هنرمندان توانستند در مقابل نقاشی بی جان فرهنگستان هنر، هنری جدید و «زنده» خلق کنند.

انجمن نمایشگاه های هنر مسافرتی حول خودش متحد شد بهترین نقاشان و مجسمه سازاننیمه دوم قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم. این V.G است. پروف و I.N. کرامسکوی، جی.جی. Myasoedov و V.E. ماکوفسکی، ک.آ. ساویتسکی و V.M. ماکسیموف، I.M. پریانیشنیکوف و N.N. Ge، Savrasov و I.I. شیشکین، A.I. کویندجی، وی.ام. واسنتسف و V.D. پولنوف، N.V. Nevrev، I.E. رپین و سوریکوف، سروف و آی.ای. لویتان، N.A. یاروشنکو و نستروف، N.A. کاساتکین و اس.و. ایوانف، A.E. آرخیپوف، V.N. باکشیف و بسیاری دیگر. در این دوره هنرمندان قابل توجهی وجود نداشتند که پیوستن به صفوف شراکت را افتخار والایی ندانند که به نوبه خود هرگز یک انجمن بسته نبود و در تمام مراحل وجودی خود جوانان مستعد را به صفوف خود پذیرفت و همچنین جذب شرکت در نمایشگاه های بسیاری از هنرمندان شد. آنتوکلسکی، ورشچاگین، ولنوخین، ک.آ. کورووین، اس.ا. Korovin، Malyavin، Konenkov و بسیاری دیگر.

اساسنامه سازمان جدید در سال 1870 تصویب شد. ایده های اصلی سرگردان ها بر اساس اصول رمانتیسیسم فلسفی بود. هدف آنها خلق هنری جدید، رها از قاب های خشک و بی روح است. جهان باید خود را از منشور تاریخ می دید. به طور کلی، سرگردان ها بر مدرنیته تمرکز کردند و تعداد زیادی ژانر و موضوعات روزمره را خلق کردند. بر اساس اصول سرگردانان، هنر باید مستقیماً با واقعیت مرتبط باشد، بنابراین سبک های اصلی کار آنها رئالیسم و ​​امپرسیونیسم باقی ماند. کار هنرمندانی که اعضای TPHV بودند با روانشناسی حاد و یک مؤلفه اجتماعی برجسته متمایز بود.

اصول جنبش سرگردان نه تنها بر دستاوردهای هنر روسیه، بلکه بر تجربه نقاشی جهان استوار بود. مشخص است که اعضای این مشارکت به طور مرتب آثار هنرمندان دیگر را که به خارج از کشور سفر می کردند مطالعه می کردند. آنها در ژانرهای مختلف کار کردند: تاریخی، منظره، پرتره. اما هر اثر، صرف نظر از ژانر انتخابی که به زمان حال روی آورد، با وضوح جامعه شناختی و روانشناختی متمایز شد. اولین نمایشگاه در سال 1871 برگزار شد و اوج جنبش در دهه 80 قرن 19 بود.

سال 1917 برای سرگردان ها نیز سال تغییر بود. به تدریج، THPV استقلال خود را از دست داد و در سال 1923 سرانجام با انجمن هنرمندان انقلابی روسیه ادغام شد.

نقاشی منظره روسی قرن 18 - اوایل قرن 20.

منظره، به عنوان یک ژانر مستقل، در نقاشی روسی تا ربع آخر قرن 18 توسعه یافت. شکل گیری او با احساسات گرایی همراه بود - روندی که در ادبیات و نقاشی آن زمان گسترش یافت و خواستار طبیعی بودن و باز بودن زندگی معنوی یک فرد بود. جذب طبیعت با کیش طبیعت همراه بود که در میان آنها فقط یک فرد می تواند آرامش و آزادی درونی پیدا کند.

قرن 18:

در نقاشی روسی قرن 18، منظره به یک ژانر مستقل تبدیل می شود. استادان شناخته شده نقاشی مناظر عبارتند از: شچدرین و آلکسیف. آبرنگ های ظریف گوشه های زیبای مختلف شهرها و روستاهای روسیه را به تصویر کشیده است.

Sem. F. Shchedrin اولین هنرمندی بود که تلاش کرد طبیعت را در زیبایی هنوز مشروطش به تصویر بکشد و آن را از چشم یک متفکر صمیمانه تحسین کننده ببیند.

همراه با مناظر جهت احساسات گرا، منظره نیز توسعه یافت. کلاسیکاینها تصاویری از طبیعت بودند که بر اساس طرح های ساخته شده از طبیعت ساخته شده بودند - ظریف، انتخاب شده، با تفکر خلاق استادانه هنرمند در درون دیوارها دگرگون شده اند. نمایندگان هنر کلاسیکآثار جالب بسیاری ایجاد شد که در میان آنها مناظر قهرمانانه F.M. Matveev متمایز است. استفاده از تکنیک های نقاشی کلاسیک در نماهای شاعرانه سن پترزبورگ و مسکو توسط ف.یا قابل توجه است.

مرکز فرهنگی نقاشی روسی قرن 18 می شود ارمیتاژ. در سال 1764، آغاز تشکیل مجموعه جدیدی از دارایی های هنری گذاشته شد.

برای اینکه یک منظره واقعاً طبیعی و "زنده" ظاهر شود، لازم بود درک جدید از طبیعت، که همراه با به فرهنگ روسیه آمد رمانتیسم

منسجم ترین نقاشان منظره عاشقانه M. I. Lebedev و Silv. F. Shchedrin بودند که به عنوان بازنشستگان آکادمی هنر در ایتالیا رفتند. آنها با اجرای آثار خود از طبیعت، وحدت شادی را از هوا، آب، زمین، نور و رنگ به آنها منتقل کردند.

قرن 19:

A.G. Venetsianov (اواسط قرن 19)، که شایستگی های زیبایی شناختی طبیعت ملی را به ارتفاعات غیرقابل تصور قبلی رساند. مناظر ونیزی به این ترتیب حفظ نشده اند. با این حال، ماهیت نامحسوس و متواضع منطقه روسیه مرکزی برای اولین بار در آثار او (اغلب ترکیبی از ژانرهای داخلی و منظره) به عنوان آغوش مادر مهربانی که زندگی یک فرد در آن جریان دارد ظاهر شد. اساس درونی کار ونتسیانوف همیشه پاکی شفاف و پاکیزه زمین و شخص مرتبط با زمین - دهقان - بوده است. او همچنین این احساس «تخریب ناپذیری» طبیعت را به دانش‌آموزانش منتقل کرد، زیرا برای آنها ارزش تجسم هنری آنچه می‌دیدند هرگز از ارزشی که از خود شی تجربه می‌کردند فراتر نمی‌رفت.

در نیمه دوم قرن نوزدهمقرن، نقاشی رمانتیک در نسخه متأخر خود همچنان به حیات خود ادامه می دهد، که ارتباط نزدیکی با قوانین هنر آکادمیک دارد. توسط بیشترین نماینده برجسته M.N. Vorobyov، که یک کهکشان کامل از نقاشان منظره روسی را پرورش داد، در این راستا بود. برادرانش G.G. و I.G. چرنتسف، I.K. Aivazovsky، L.F. Lagorio، A.P. Bogolyubov و دیگران.

در دهه 1870، زمان بلوغ چشم انداز ملی داخلی فرا رسید.در این زمان، کلاسیک هایی مانند A.K. Savrasov، F.A. Vasiliev، I.I. Shishkin، تعدادی از استادان کوچکتر - M.K. Klodt، A.P. و بسیاری دیگر. بیشتر آنها مرتبط با انجمن نمایشگاه های هنر مسافرتی.

متفکر، جدی و خواستار، شیشکین، ( سر 19 - اواخر 19)به نظر کاملاً تابع طبیعت بود. با این حال، این سخت گیری آگاهانه و متانت روش هنری به او کمک کرد تا تصویری حماسی و تاریخی از جنگل روسیه خلق کند. ساوراسوف همچنین یک هنرمند حماسی بود. اما حساس و موزیکال، موزیکال هماهنگی را در طبیعت یافت.

منظره ربع آخر قرن نوزدهمتوسط بسیاری از جریان ها تعیین می شود. در بوم های غنایی ترین نقاشان منظره روسی I.I. Levitan ، تصویر طبیعت به طور قابل توجهی روانی می شود ، به فرد نزدیک می شود ، تجربیات عاطفی او را منعکس می کند.

کاملاً مخالف هنر لویتان، کار V.A. Serov بود که جوهر وجودی زمین را در استقلال آن، استقلال از انسان درک کرد. در آثار M.A. Vrubel تمایل به نفوذ به زندگی پنهان و پنهان او وجود دارد.

تا یک سوم پایانی قرن نوزدهممنظره روسیه در نهایت در مسیر نقاشی هوای معمولی قرار گرفت. V.D. Polenov، V.A. Serov، I.I. Levitan، K.A. Korovin و سایر هنرمندان در آثار خود همه رنگارنگی و درخشندگی محیط طبیعی را تجسم می بخشند.

اواخر 19 - اوایل قرن 20:

در تکامل منظر داخلی، امپرسیونیسم مهمترین نقش را ایفا کرد که تقریباً همه نقاشان جدی اواخر قرن نوزدهم و اوایل قرن بیستم از طریق آن گذر کردند. با روح هنر نمادگرا، کریموف و ویکتور بوریسوف-موساتوف مناظر خود را خلق کردند. دهه اول قرن بیستم با شعار جسورانه ترین جستجو برای ابزارهای بیانی جدید در نقاشی گذشت.کازیمیر مالویچ و ناتالیا گونچارووا فرم های جدید، رنگ های جدید، ابزارهای بیانی جدیدی برای انتقال چشم انداز پیدا کردند. رئالیسم شوروی سنت های چشم انداز کلاسیک روسیه را ادامه داد.آرکادی پلاستوف، ویاچسلاو زاگونک، برادران تکاچف با دقت و با خوش بینی به طبیعت بومی خود نگاه کردند.

قرن هجدهم با شکوه! با او، در یک کتاب جذاب و دراماتیک از تاریخ روسیه، نه فقط یک فصل جدید، بلکه، شاید، یک جلد کامل آغاز می شود. بلکه باید این جلد را از دهه‌های پایانی قرن قبل - قرن هفدهم - آغاز کرد، زمانی که کشور ما، با تردید دردناکی در یک دوراهی، شروع به چرخش قدرتمند و بی‌سابقه‌ای کرد - از قرون وسطی به عصر جدید. رو به اروپا.

روسیه آن زمان اغلب با یک کشتی مقایسه می شود. این کشتی مقاومت‌ناپذیر به جلو حرکت کرد، بادبان‌های باشکوه خود را پهن کرد، از هیچ طوفانی نترسید و در فریادهای «مرد از دریا!» توقف نکرد. او توسط دست محکم یک کاپیتان درخشان، نترس و بی رحم - تزار پیتر، که روسیه را به یک امپراتوری تبدیل کرد، و خودش - اولین امپراتور آن را هدایت می کرد. اصلاحات او سخت و حتی ظالمانه بود. او اراده خود را به کشور تحمیل کرد، سنت شکنی، بدون تردید، جان هزاران هزار نفر را فدای منافع دولتی کرد.

آیا لازم بود؟ آیا راه دیگری وجود داشت؟ سوال بسیار پیچیده است، مورخان هنوز پاسخی به آن نداده اند. اما آنچه اکنون برای ما اهمیت دارد چیز دیگری است. این واقعیت که تنها در چند دهه که از آغاز اصلاحات پیتر تا زمان کاترین کبیر می گذرد، روسیه که سرزمین عجیب و غریب و خطرناکی بود که توسط وحشی های غیرقابل پیش بینی در چشم اروپای غربی ساکن شده بود. یک قدرت اروپایی یکی از اولین قدرت های اروپایی! تغییرات سریع نه تنها در سیاست رخ داده است - آنها بر اساس زندگی مردم، نگرش آنها نسبت به دنیا و یکدیگر، زندگی، لباس ها، بسیاری از چیزهای کوچک روزمره که در واقع زندگی از آنها تشکیل شده است تأثیر گذاشته است. و البته هنر. هنر روسیه طی این دهه ها مسیری را طی کرده است که هنر اروپای غربی طی قرن ها در آن جریان داشته است.

هنرمند ناشناس پرتره "پدرسالار" میلاک - بویار ماتوی فیلیمونوویچ ناریشکین. روغن روی بوم دهه 1690. 86.5 × 75 سانتی متر موزه دولتی روسیه

معرفت فعالی که روسیه زمان پتر کبیر را در بر گرفت، آن را تا حدی به اروپای غربی رنسانس مرتبط می‌سازد. سپس در ایتالیا (و سپس در کشورهای دیگر) سکولاریزاسیون فرهنگ، توسعه علوم عملی به جای فلسفه نظری قرون وسطی، و علاقه شدید به شخصیت ارزشمند (خارج از چارچوب شرکت، باز هم مشخصه قرون وسطی) برانگیخت توسعه سریع هنر سکولار که به ارتفاعات بی سابقه ای رسید.

این هنر با انتقال دقیق طبیعت، بر اساس مطالعه قوانین چشم انداز و آناتومی انسان مشخص می شود. و مهمتر از همه، نگاه نزدیک و بی تفاوت به یک شخص. استادان رنسانس انسان را قبل از هر چیز به عنوان یک معجزه، تاج آفرینش، به ما نشان می دهند که باید تحسین شود. در قرن هفدهم، این لذت جای خود را به روانشناسی عمیق و هوشیار می دهد، آگاهی از پارادوکس های غم انگیز وجود و خود طبیعت انسان (مثلاً در آثار ولاسکوئز و رامبراند).

هنر روسی قرن هفدهم هنوز تحت سلطه سنت و قانون بود. نقاشی سکولار آن زمان پرتره های پارسون (از کلمه لاتین "persona") است که بسیار یادآور چهره های نقاشی شمایل است. آنها مسطح، ایستا، عاری از کیاروسکورو هستند، ظاهر تصویر شده را به صورت نادرست منتقل می کنند (معمولاً توسط نویسندگان با شنیده ها شناخته شده است). همه اینها البته به خاطر کمبود استعداد نیست. پیش روی ما یک سیستم هنری متفاوت است که برای هنر معنوی طراحی شده است. زمانی شاهکارهای تئوفان یونانی و آندری روبلف را زنده کرد. اما زمانه تغییر کرده و تکنیک‌های نقاشی، خالی از زمینه تاریخی، به باستان‌گرایی تبدیل شده است.

تغییرات سریع در جامعه - و همراه با آن در هنر - از دهه نود قرن هفدهم آغاز شد. به عنوان یک نمونه معمولی، می توان به پرتره ای از شوخی سلطنتی یاکوف تورگنیف اشاره کرد که توسط یک استاد ناشناس حداکثر تا سال 1695 نقاشی شده است. به طور کلی، این یک پارسونای معمولی است: یک تصویر یخ زده در یک هواپیما، اگرچه نور و سایه ها قبلاً مشخص شده اند. اما نکته اصلی شخصی سازی ظاهر مدل است: ویژگی های صورت، بیان چشم. دنیای درون هنوز در پرتره منعکس نشده است و با این حال بدون شک ما یک فرد زنده را در مقابل خود داریم.

ایوان نیکیتین. پرتره پرنسس پراسکویا ایوانونا (؟)، خواهرزاده پیتر اول. 1714.
بوم، روغن. 88 × 67.5 سانتی متر موزه دولتی روسیه

ایوان نیکیتین. پرتره بارون سرگئی گریگوریویچ استروگانف. 1726
بوم، روغن. 87 × 65 سانتی متر موزه دولتی روسیه

ایوان نیکیتین. پیتر اول در بستر مرگ 1725
بوم، روغن. موزه دولتی روسیه 36.6 × 54.4 سانتی متر

این واقعیت که ژانر پرتره خیلی سریع شروع به توسعه کرد تعجب آور نیست. اولاً، قبلاً در نقاشی روسی وجود داشت (برخلاف بسیاری از ژانرهای دیگر که به تازگی ظاهر می شدند). دلیل اصلی این است که در عصر پیتر کبیر، اهمیت فرد به شدت افزایش یافت - فعال، تشنه تأیید خود، شکستن سنت ها و موانع طبقاتی. چنین بودند "جوجه های لانه پتروف" - از منشیکوف تا آبرام هانیبال - افراد قمارباز و با استعداد با ریشه های مختلف که به لطف آنها کشتی روسی توانست بر دریای طوفانی اصلاحات رادیکال غلبه کند. سرنوشت این افراد اغلب به طرز غم انگیزی پیش می رفت. چنین سرنوشتی در انتظار اولین هنرمند مشهور قرن هجدهم بود که تحت رهبری پیتر ، ایوان نیکیتین به میدان آمد.

او در اواسط دهه 1680 (تاریخ دقیق مشخص نیست) در خانواده یک کشیش مسکو به دنیا آمد. او در اوایل توانایی های خارق العاده ای از خود نشان داد: در جوانی، حساب و طراحی را در "مدرسه توپخانه" در مسکو تدریس می کرد. به طور جدی شروع به مطالعه نقاشی در جهت پیتر اول کرد که در مورد استعداد او آموخت.

آثار اولیه نیکیتین (به عنوان مثال، پرتره ای که ظاهراً خواهرزاده پیوتر پراسکویا یوآنونا (1714) را به تصویر می کشد) هنوز از بسیاری جهات با صاف بودن، متعارف بودن و بی اعتنایی به آناتومی به پارسونا شباهت دارد. اما ویژگی های جدید بیشتر و بیشتر در آنها قابل توجه است: توجه دقیق به مدل، تلاش برای انتقال شخصیت آن، زندگی درونی. در سال 1716 ، نیکیتین در شمار بازنشستگان پیتر قرار گرفت - جوانانی که با هزینه دولتی برای تحصیل به خارج از کشور فرستاده شدند.

ایوان نیکیتین. پرتره یک هتمن در فضای باز. 1720
بوم، روغن. موزه دولتی روسیه 76 در 60 سانتی متر

تزار قبل از رفتن شخصاً با این هنرمند ملاقات کرد و سپس به همسرش (که در آن زمان در برلین بود) نامه نوشت تا به او دستور دهد چندین پرتره از جمله پادشاه پروس بکشد، "تا بدانند استادان خوبی از مردم ما وجود دارند. " و پس از بازگشت از خارج، پیتر نیکیتین را با توجه خود ترک نکرد: او خانه ای در مرکز سنت پترزبورگ به او داد و او را "هوفمالر امور شخصی" نامید.

این هنرمند نه تنها از امپراتور قدردانی کرد - او این شخصیت قدرتمند را تحسین کرد، عمیقاً به نبوغ دولتی خود احترام گذاشت. این نگرش در پرتره معروف نیکیتین از پیتر بسیار قابل توجه است. مرد پرتره دیگر جوان نیست. تلخی در چشمانش و لب های سرسختانه فشرده شده دیده می شود. بدیهی است که او موفق شد طرف دیگر دستاوردهای بزرگ را ببیند و قدردانی کند. اما تسلیم شدن؟ در هیچ موردی! او هنوز مظهر صلابت و انرژی تسلیم ناپذیر است. و در سال 1725 ، این هنرمند مجبور شد وظیفه ای غم انگیز را انجام دهد: دستگیری امپراتور در بستر مرگ. این نقاشی تاثیر قوی می گذارد. چهره متوفی که به طرز نگران کننده ای با شعله شمع ها روشن شده است (باقی مانده "پشت صحنه" تصویر) کاملاً واقع بینانه و در عین حال پر از عظمت واقعی نوشته شده است.

این و سایر آثار نیکیتین گواه رشد سریع مهارت او است. در اینجا، برای مثال، پرتره ای از صدراعظم G.I. گلوفکین. چه فردی باهوش، ظریف و مبهم روی آن به تصویر کشیده شده است! نگاه چشمان تاریک او که متوجه بیننده است، به سادگی مسحورکننده است. یا "پرتره یک هتمن در فضای باز" باشکوه. این نقاشی ها لاکونیک، پر از پویایی درونی و به طور غیرمعمول بیانگر هستند. نویسنده آنها دیگر مقید به قانون نیست، او تابع پیچیده ترین تکنیک ها است.

این سفتی، سفتی را می توان حتی در آثار بازنشسته پیتر دیگر - به عنوان مثال، آندری ماتویف، در "خود پرتره با همسرش" (1729؟) مشاهده کرد. ژست ها و حالات چهره زوج جوان که روی آن به تصویر کشیده شده است، ثابت و عمدی است. در عین حال، پرتره با مقداری صداقت و خلوص عمیق جذب می شود. وقتی به آن نگاه می کنیم، ناگهان عصری دور ظاهر می شود و مستقیماً با ما صحبت می کند ...

پس از مرگ پیتر اول، دوران سختی در روسیه آغاز شد. جانشینان او که در مبارزه برای قدرت جذب شده بودند، چندان نگران سرنوشت دولت و رعایای مستعد آن نبودند. متأسفانه به زندگی خلاق ایوان نیکیتین پایان داد. در زمان سلطنت آنا یوآنونا، او به دلیل شرکت در یک حلقه مخالف مسکو دستگیر شد، که از آن جزوه ای در مورد فئوفان پروکوپویچ منتشر شد. او پنج سال را در قلعه گذراند، سپس در سال 1737 با شلاق مورد ضرب و شتم قرار گرفت و به سیبری تبعید شد. بخشش پس از سال 1742 دریافت شد، زمانی که امپراتور نزاعگر درگذشت. افسوس که خیلی دیر

خسته و بیمار، این هنرمند هرگز نتوانست به خانه برسد - او در راه درگذشت.

دوران کودتاهای کاخ، که تقریباً تمام آنچه را که در زمان پیتر به دست آمده بود، منفجر کرد، در سال 1741 با به قدرت رسیدن دخترش الیزابت به پایان رسید. او که با غصب تاج و تخت را دریافت کرد (امپراتور جوان جان آنتونوویچ برکنار شد و در قلعه زندانی شد) قاطعانه متعهد شد که نظم را در ایالت بازگرداند. او نیز مانند پدرش می‌خواست روسیه جایگاه واقعی خود را در میان قدرت‌های اروپایی بگیرد. او می دانست که چگونه افراد با استعداد را پیدا کند و از آنها حمایت کند - افرادی از اقشار مختلف اجتماعی. و برخلاف پدرش، در تمام مدت سلطنت او حتی یک حکم اعدام را امضا نکرد.

جای تعجب نیست که در این زمان رشد بالایی در فرهنگ ملی آغاز می شود. دانشگاه مسکو در سال 1755، تئاتر ملی در سال 1756 و آکادمی هنر در سال 1757 تاسیس شد. هنرهای زیبا روسی واقعا حرفه ای می شد.

نقش اصلی در نقاشی این دوره همچنان به پرتره تعلق داشت. در دهه چهل و شصت، ای. ویشنیاکوف، آ. آنتروپوف، ای. آرگونوف، م. کولوکلنیکوف، ای. واسیلوسکی، ک. گولواچفسکی در این راستا کار کردند. هنر پرتره در دو ژانر توسعه یافت: تشریفاتی و مجلسی.

پرتره تشریفاتی عمدتاً محصول سبک باروک است (این روند که در قرن شانزدهم آغاز شد و سپس بر روسیه تسلط یافت) با شکوه و عظمت غم انگیز خود. وظیفه او این است که نه تنها یک شخص، بلکه یک شخص مهم را در تمام شکوه و جلال موقعیت بالای اجتماعی خود نشان دهد. از این رو بسیاری از لوازم جانبی طراحی شده برای تأکید بر این موقعیت، شکوه نمایشی ژست. این مدل در پس زمینه یک منظره یا فضای داخلی به تصویر کشیده شده است، اما مطمئناً در پیش زمینه، اغلب در حال رشد کامل، گویی فضای اطراف را با عظمت خود سرکوب می کند.

ایوان ویشنیاکوف پرتره M. S. Begichev. 1825 رنگ روغن روی بوم. 92 × 78.5 سانتی متر
موزه V.A. تروپینین و هنرمندان مسکو زمان خود، مسکو

با پرتره های تشریفاتی بود که یکی از برجسته ترین نقاشان پرتره آن زمان، I.Ya. ویشنیاکف (1699-1761). آثار او از سنت های این ژانر پیروی می کنند، اما دارای تعدادی ویژگی است که منحصر به این استاد است. اول از همه، پیچیدگی رنگ، ظرافت تصفیه شده، تزئینات سبک، یعنی ویژگی های مشخصه سبک روکوکو. به ویژه در این زمینه نشان دهنده پرتره جوان سارا الئونورا فرمور است که در سال 1749 نوشته شده است (چند سال بعد، هنرمند همچنین پرتره ای از برادرش خلق کرد).

دختری لاغر اندام و چشمان تیره با کلاه گیس پودری و لباسی پف کرده از ساتن سفت در پس زمینه پارچه‌ها و ستون‌ها یخ کرد. این تضاد جوانی شکننده و تزیینات تشریفاتی است که تأثیرگذار است، که توسط کل طیف صورتی مایل به نقره‌ای تصویر تأکید می‌شود، سرریزهای مرواریدی از چین‌های سخت، الگوی ظریفی که به نظر می‌رسد کمی دورتر از پارچه است - مانند یخ زدگی روی شیشه و منظره ای شفاف در پس زمینه. این بوم تا حدودی یادآور یک گلدان ساخته شده از ظروف چینی است که با ترس از لمس آن را تحسین می کنید تا با یک حرکت بی دقت به آن آسیب نرسانید.

ویشنیاکف اولین نقاش روسی است که به وضوح در تفسیر تصاویر به غزلیات کشیده شده است. این خط در آثار معاصران جوان و هنرمندان نیمه دوم قرن او ادامه خواهد یافت.

الکسی آنتروپوف. پرتره آنا واسیلیونا بوتورلینا. 1763
بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 60.3 x 47 سانتی متر

مهمترین آثار هنر پرتره قرن 18 در ژانر پرتره های نه تشریفاتی، بلکه مجلسی ایجاد شد. اوج شکوفایی این ژانر از دهه چهل آغاز می شود. با مختصر بودن، تعداد کمی از جزئیات مشخص می شود (که هر یک به ویژه مهم می شود و چیزی به ویژگی های مدل اضافه می کند)، به عنوان یک قاعده - یک پس زمینه تاریک ناشنوا. توجه اصلی استاد پرتره مجلسی معطوف به چهره کلوزآپ، توجه دقیق به ویژگی های ظاهری، دستیابی به بیشترین شباهت ممکن، تلاش برای نفوذ به دنیای درونی شخص تصویر شده است.

دستاوردهای اصلی در این ژانر متعلق به دو هنرمند است که به همراه ویشنیاکوف از نظر منتقدان هنری بزرگترین نقاشان اواسط قرن هجدهم هستند - آنتروپوف و آرگونوف.

A.P. آنتروپوف (1716-1795) نزد خویشاوند خود، آندری ماتویف، یکی از مستمری بگیران پیتر، نقاشی آموخت. او قبلاً در جوانی خود در تیم نقاشی صدارتخانه از ساختمان ها تحت هدایت ابتدا ماتویف و سپس ویشنیاکوف شروع به کار کرد. این اساتید تأثیر زیادی بر او گذاشتند و او نیز به نوبه خود معلم لویتسکی بود ، آثار او بر کار روکوتوف و بعداً بوروویکوفسکی و شوکین تأثیر گذاشت. این گونه بود که تداوم در پرتره روسی انجام شد و از تمام قرن هجدهم گذشت.

معروف ترین نقاشی های آنتروپوف در دهه پنجاه و شصت خلق شد. در این زمان، به گفته محققان، می توان او را یک شخصیت محوری در نقاشی روسی دانست. پرتره های بوتورلین ها، A.M. ایزمایلووا، M.A. رومیانتسوا، A.K. ورونتسوا، آتامان کراسنوشچکوف افراد بسیار متفاوت، اما تا حدودی مشابه را به تصویر می کشد - نمایندگان یک لایه اجتماعی، یک دوره. گاهی این نقاشی‌ها انسان را به فکر پارسون می‌اندازند: آنها (مانند آثار ویشنیاکف) گاهی فاقد هوا و پویایی هستند. ویژگی‌های خارجی دقیق و همیشه دقیق مدل‌ها همیشه با ویژگی داخلی همراه نیست.

با این حال، در جایی که این ویژگی وجود دارد، به قدرت چشمگیری می رسد. همانطور که به عنوان مثال، در پرتره بانوی دولت A.M. ایزمایلووا چهره این زن میانسال در پشت ماسک صافی از سفید و سرخ پنهان شده است. این با شکوه است، پر از قدرت شاهانه و آگاهی آرام از برتری خود. این فکر بی اختیار می آید: چقدر باید برای کسانی که تابع او هستند دشوار باشد. اما هنرمند ابهام ماهیت انسان را نشان می دهد: با نگاه دقیق تر متوجه می شویم که چشمان بانوی مغرور عاقل تر و نرم تر از آن چیزی است که در نگاه اول به نظر می رسید...

نمونه دیگر پرتره تشریفاتی امپراتور پیتر سوم است. این شاهزاده هلشتاین توسط الیزابت بدون فرزند به عنوان جانشین انتخاب شد فقط به دلیل خویشاوندی (او برادرزاده او ، نوه پیتر اول بود) و نه به دلیل ویژگی های شخصی ، افسوس - ناچیز. پس از چندین ماه سلطنت شکوهمند، او توسط همسرش، امپراتور بزرگ آینده، کاترین، از تاج و تخت برکنار شد. این بی‌اهمیت بودن شخصیت به قدری در پرتره قابل مشاهده است (علیرغم این واقعیت که به سادگی مملو از پارچه‌های پارچه‌ای، دستورات، لباس‌های گل سرخ و دیگر ویژگی‌های زرق و برق و قدرت است) که، رک و پوست کنده، برای امپراتور بدشانس تبدیل می‌شود.

بعید است که آنتروپوف وظیفه برکناری پادشاه را بر عهده داشته باشد. فقط این است که او مانند یک استاد واقعی نمی توانست از هم جدا شود. چنین دقت بی باکانه ای به قیمت کار هنرمند تمام شد: او هرگز عضو آکادمی تازه افتتاح شده هنر نشد.

با نام I.P. آرگونوف (1729-1802) با صفحه خاصی در تاریخ هنر روسیه همراه است. او در تمام عمر خود یک رعیت بود. بردگی در قرن هجدهم تثبیت شد و در واقع به شکلی از برده داری تبدیل شد. اشراف دربار درخشان شاهنشاهی، در رقابت با یکدیگر، قصرهای مجلل برپا کردند، تئاترها و گالری های هنری را به صحنه بردند. خلاقیت معماران قلعه، نقاشان، موسیقیدانان، بازیگران تقاضای زیادی داشت. به دنبال افراد با استعداد می گشتند و پرورش می یافتند، شرایط را برای کار ایجاد می کردند، اما به میل استاد به راحتی همه چیز را از دست می دادند. آرگونوف نیز در این موقعیت قرار داشت و اغلب مجبور می شد حواسش را از کار پرت کند یا برای کپی کردن نقاشی ها یا مدیریت دارایی استاد.

ایوان آرگونوف. مادر خدا. 1753 (؟). بوم، روغن. 202 × 70.7 سانتی متر موزه دولتی روسیه
ایوان آرگونوف. عیسی مسیح 1753 (؟). بوم، روغن. 198 × 71 سانتی متر موزه دولتی روسیه

خوشبختانه صاحبان او بدترین نبودند - شرمتف ها. اکنون ما در مورد هر دوی این خانواده ها - شرمتف ها و آرگونوف ها - صحبت می کنیم که نام خود را در تاریخ روسیه تجلیل کردند: یکی به روسیه فرماندهان و سیاستمداران داد و دیگری - معماران و نقاشان. معماران پسر عموی ایوان آرگونوف و پسرش پاول بودند، آنها در ساخت مجموعه های کاخ کوسکووو و اوستانکینو شرکت کردند. به عنوان پدر، پسر دوم آرگونوف، نیکولای، که در اواخر قرن 18-19 مشهور شد، نقاش پرتره شد.

با توجه به شیوه خلاقانه I.P. آرگونوف به آنتروپوف نزدیک است. پرتره های او - به خصوص تشریفاتی - نیز گاهی شما را به یاد پارسون ها می اندازد. افراد مهمی که روی آنها به تصویر کشیده شده اند، شاهزاده و پرنسس لوبانوف روستوفسکی، ژنرال دریاسالار شاهزاده M.M. گولیتسین، نمایندگان خانواده شرمتف و دیگران - به بیننده بی حرکت نگاه می کنند، در غل و زنجیر درخشش خود. مانند آنتروپوف، آرگونوف با دقت بافت‌ها را بیرون می‌کشد و رنگین کمانی پارچه‌ها، درخشش جواهرات و آبشارهای توری هوا را تحسین می‌کند. (به هر حال، ما متذکر می شویم که تحسین زیبایی جهان مادی نه تنها از ویژگی های این استادان است: این یکی از ویژگی های بارز تمام نقاشی های قرن 18 است.)

ویژگی‌های روانی مدل‌ها در پس این درخشش پنهان است، اما وجود دارند و کاملاً در دسترس بیننده‌ای هستند. در پرتره های مجلسی آرگونوف، دقیقاً همین ویژگی است که به چشم می خورد. چنین پرتره هایی از تولستوی، زن و شوهر خریپونوف ها، یک زن دهقانی ناشناس و تعدادی دیگر است که افراد با موقعیت اجتماعی، سن و خلق و خوی بسیار متفاوت را به تصویر می کشد. هنرمند با دقت و علاقه به چهره این افراد نگاه می کند و کوچکترین ویژگی های ظاهری و شخصیتی را مشاهده می کند و گاهی اوقات رک و پوست کنده زیبایی آنها را به ویژه درونی تحسین می کند (این به ویژه در پرتره های خریپونووا و یک زن دهقانی ناشناس با لباس روسی قابل توجه است) .

ایوان آرگونوف هم به عنوان یک هنرمند شناخته شده معاصران خود را به دست آورد (بدون دلیل، پس از به سلطنت رسیدن کاترین دوم، سنا به او دستور داد که یک پرتره رسمی از امپراتور جوان، که از آن بسیار خشنود بود) و به عنوان یک معلم. شاگردان او علاوه بر پسرش نیکولای، K.I. گولواچفسکی، I.S. سابلوکوف، A.P. لوسنکو - در آینده نقاشان شناخته شده و چهره های برجسته آکادمی هنر.

ژانری که در سالهای آخر سلطنت پتر کبیر در هنر روسیه ظاهر شد، شایسته بحث ویژه است.
این در مورد طبیعت بی جان است.

این ژانر در هنر اروپایی قرن 18 (زمانی که خود این اصطلاح به وجود آمد) بسیار محبوب بود. طبیعت های بی جان مجلل هنرمندان فلاندری و هلندی به ویژه مشهور است: لیوان های براق شراب، انبوه میوه ها و بازی ذبح شده - نوعی نماد شادی جسمانی و فراوانی مادی. دنیای اشیا هرگز دست از شگفتی و خوشحالی نقاشان برنمی‌دارد، و در روسیه، زمانی که هنرهای زیبای سکولار نیز در آنجا به سرعت رشد کرد.

اولین طبیعت بی جان روسی توسط چندین استاد، از جمله استادان ناشناس، نقاشی شد. در میان آنها مشهورترین نام گریگوری تپلوف است. حوزوی، شاگرد فئوفان پروکوپویچ، که بعدها یک دولتمرد و دانشمند بود، چندین نقاشی بدیع و به روش خود بسیار جذاب خلق کرد. آنها چیزهای روزمره را به صورت پراکنده و تصادفی روی یک تخته چوبی به تصویر می کشند که بوم در زیر آن پنهان شده است. آنها آنقدر با دقت نوشته شده اند که توهم واقعیت ایجاد می شود، بی جهت نیست که منتقدان هنری این نوع طبیعت بی جان را "فریب" می نامند.

حکاکی، ساعت، یادداشت، یک بطری دارو، یک خودکار و یک دفترچه یادداشت، یعنی اساساً مواردی که اخیراً مورد استفاده قرار گرفته‌اند، نشانه‌های زندگی جدیدی هستند که هنوز آشنا نشده‌اند. این زندگی مردمی است که علاقه شدید به دنیا و تشنگی به دانش دارند. برای آنها یک چیز فقط یک کالای خانگی نیست، بلکه رازی است که ارزش درک دارد. به همین دلیل است که این نقاشی های به ظاهر بی هنر دارای چنین انرژی قوی هستند. آن‌ها باعث می‌شوند که ما به‌طور غیرمعمولی جذابیت آن زمان‌های دور را احساس کنیم. گویی این «حیله» واقعاً یک موجود زنده واقعی است که همین حالا، لحظه ای پیش، دست صاحب دیرینه اش لمس شد...

چند سال گذشته است - و اکنون زندگی وارد مسیر معمول خود شده است و رقت کاشف با شادی های زندگی جایگزین شده است. چنین فضای دربار الیزابت بود - همانطور که معاصران او را "الیزابت مبارک" می نامیدند. همراه با باروک، سبک روکوکو به مد می آید - سبک، بازیگوش، معاشقه. انفیلاد تالارهای کاخ با دکورهای عجیب و غریب تزئین شده است.

بوریس سوخودولسکی. ستاره شناسی. حدود 1754. Desudeportes
بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 100 × 210 سانتی متر

در آن زمان بود که نوع عجیبی از طبیعت بی جان در هنر روسیه ایجاد شد - دسودپورت ها یا پانل های بالای در. آنها گلدان‌ها، گل‌ها و میوه‌ها، مناظر بدیع، پارچه‌ها و زیور آلات را به تصویر می‌کشیدند. طراحی شده برای تزئین و هماهنگ کردن فضای داخلی، به ندرت می توان آنها را به عنوان آثار هنری مستقل، خارج از راه حل کلی معماری و، همانطور که اکنون می گویند، فضای طراحی در نظر گرفت. در همان زمان، آنها، به عنوان یک قاعده، در سطح بسیار بالایی انجام می شدند.

در تربیت استادانی که در این زمینه کار می کردند، موسسه ای مانند اداره ساختمان های سن پترزبورگ فوق الذکر که دارای تیم معماری و نقاشی بود، نقش بسزایی داشت. هنرمندان تیم نقاشی سفارشات متعددی را برای نقاشی کاخ ها، کلیساها، ساختمان های پیروزی و جشن انجام دادند. در میان آنها استادانی مانند ایوان فیرسوف، برادران الکسی و ایوان بلسکی، بوریس سوخودولسکی برجسته بودند.

آثار فیرسوف و آ. بلسکی به طور تاکیدی تزئینی هستند. با به تصویر کشیدن گلدان ها، میوه ها و پارچه فروشی ها، آنها به هیچ وجه تلاش نکردند که آنها را شبیه واقعی کنند. فضای داخلی که با آثار این استادان تزیین شده بود، تمامیت و درخشندگی پیدا کرد.

سوخودولسکی مشکل خود را تا حدودی متفاوت در نظر گرفت. desudéportes او معمولا مناظر هستند. به طرز ماهرانه ای در فضای داخلی حک شده اند، با این وجود کاملاً جداگانه درک می شوند. باغ ها و پارک هایی به سبک باروک اواخر - با فضای سبز متفکر، غارها، خرابه ها و فواره ها، تزئین شده با مجسمه های عتیقه و مجسمه های نیم تنه افراد بزرگ. چنین باغ هایی در قرن 18 بسیار محبوب بودند. برخی از آنها، به عنوان مثال، پارک معروف پاولوفسک، تا به امروز باقی مانده است. به هر حال، در این پارک، در زمان سلطنت کاترین دوم، کتابخانه‌های باغ ویژه‌ای وجود داشت: با نگاه کردن به مجسمه‌های مجسمه‌های بزرگ، پرداختن به خواندن جدی و تأمل در امر متعالی بسیار خوشحال کننده است. ما همچنین می‌توانیم چهره‌هایی از افراد را در تابلوهای سوخودولسکی ببینیم (به عنوان مثال، "راهپیمایی"، حدود 1754).

"Faux pas" و desudeportes ممکن است در کنار دستاوردهای بالای پرتره، تاریخ و نقاشی ژانر، موضوع چندان جدی به نظر نرسد.

اما بدون آنها، ایده هنر قرن هجدهم ناقص خواهد بود. آنها ارتباط نزدیکی با زمانی دارند که آنها را به دنیا آورده است. شاید اغراق نباشد اگر بگوییم که آنها حاوی روح این زمانه، جذابیت بی نظیر آن هستند.

ایوان سابلوکوف پرتره کاترین دوم. روغن روی بوم دهه 1770. 85 × 65.5 سانتی متر

در سال 1762 ، تاج و تخت روسیه توسط شاهزاده خانم آلمانی سابق سوفیا فردریکا - امپراتور کاترین دوم اشغال شد. او شوهرش را که قادر به اداره ایالت یا حفظ حداقل اعتبار دربار امپراتوری نبود، با کمک نگهبانان سرنگون کرد. «عصر زنان» که گاهی قرن هجدهم نامیده می شود، ادامه یافت و به اوج خود رسید.

در زمان کاترین بود که روسیه به یک قدرت واقعاً بزرگ تبدیل شد. موفقیت ها با ارتش و دیپلماسی او همراه بود. اراضی جدید از جمله منطقه دریای سیاه شمالی، کریمه و قفقاز شمالی ضمیمه شدند. مرزهای امپراتوری به سمت جنوب و غرب حرکت کرد. در اروپا، روسیه به عنوان یک متحد خوش‌آمد و دشمن بسیار خطرناک تلقی می‌شد.
مناقشات مربوط به کشورهای اروپایی بدون مشارکت او حل نشد.

سیاست داخلی کاترین قاطعانه و سخت بود. او پیتر اول را به عنوان نمونه ای برای خود انتخاب کرد (به دستور او، بنای تاریخی معروفی برای او در میدان کاخ سن پترزبورگ ساخته شد). با تقویت پایه های سلطنت مطلقه، امتیازاتی را به اشراف - پشتیبان اصلی آن - اعطا کرد و بردگی دهقانان را تقویت کرد. او که از طرفداران روشنگران فرانسوی بود، برای جلوگیری از متزلزل شدن پایه های دولت (با شروع انقلاب در فرانسه، این کار به ویژه ضروری شد!)، آزاداندیشی را دنبال کرد و شورش های دهقانی را بی رحمانه سرکوب کرد.

کاترین، مانند پیتر و الیزابت، می دانست که چگونه از استعدادها قدردانی کند. سووروف، داشکووا، پوتمکین، اوشاکوف، درژاوین - این تنها بخش کوچکی از صورت فلکی نام هایی است که زمان او را تجلیل می کند. نام های درخشان نقاشان روسی نیز در این صورت فلکی بافته شده است.

ایوان سابلوکوف پرتره کنتس L.N. کوشلووا دهه 1770 بوم، روغن. 65 در 50 سانتی متر
موزه هنر دولتی نیژنی نووگورود

نقاشی روسی، مانند فرهنگ به طور کلی، در آن زمان تحت تأثیر شدید اندیشه های روشنگری قرار داشت. این گرایش اجتماعی ـ فلسفی که زادگاهش فرانسه بود، مبتنی بر کیش عقل بود که می توانست جهان را بشناسد و آن را بر اساس عدالت، مصلحت و پیشرفت تغییر دهد. برای روشنگران، همه این مفاهیم بدون ابهام مثبت بود. آنچه مانع پیشرفت شد محکوم بود. غیرمنطقی، غیرقابل توضیح نادرست در نظر گرفته شد.

کلاسیک به بیان این ایده ها در هنر تبدیل شد. بر اساس درک دوران باستان به عنوان یک ایده آل، این جهت، برخلاف باروک و روکوکو، برای وضوح و سادگی دقیق تلاش می کرد. زیبایی قابل محاسبه است - این باور کلاسیک است. قوانینی وجود دارد که با رعایت دقیق آنها می توانید یک اثر هنری عالی خلق کنید. از یک طرف، این دقت، تناسب، وحدت قطعات است. از سوی دیگر، «عمومی بالاتر از شخصی است»، «وظیفه بالاتر از عشق است».

در فرانسه، هنرمندان، نمایشنامه نویسان، معماران از اصول کلاسیک در اوایل قرن هفدهم - بسیار قبل از روشنگری - پیروی می کردند. در روسیه، اوج هنر کلاسیک در نیمه دوم قرن 18 اتفاق افتاد. در این میان فعالیت‌های آکادمی هنر که در سال 1757 در سن پترزبورگ تأسیس شد، نقش مهمی ایفا کرد.

اهمیت آکادمی در تاریخ هنر روسیه بسیار زیاد است. برای چندین دهه تنها موسسه آموزش عالی هنر در روسیه باقی ماند. پس از دریافت وضعیت امپراتوری در سال 1764 ، او تحت نظارت مداوم مقامات بود که از یک طرف به او این فرصت را می داد که برای بهترین دانش آموزان هزینه سفرهای طولانی خارج از کشور را بپردازد و از طرف دیگر محدود کند. «آشفتگی و نوسان ایدئولوژیک».

کریل گولووچفسکی. پرتره کنتس سوفیا دیمیتریونا ماتیوشکینا در کودکی. 1763.
بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 61.2 × 47.5 سانتی متر

آنتون لوسنکو پرتره شاعر و نمایشنامه نویس الکساندر پتروویچ سوماروکوف
بوم، روغن. 74 × 64.5 سانتی متر موزه دولتی روسیه

با این حال، سیستم پذیرش دانش آموزان کاملاً دموکراتیک بود، بدون تشریفات. در میان اولین کسانی که وارد آکادمی شدند سه دانشجوی I.P. آرگونوف - لوسنکو، سابلوکوف و گولواچفسکی. آنها با داشتن آموزش های خوب، نه تنها درس می خواندند، بلکه به معلمان کمک می کردند تا کلاس های آکادمیک را رهبری کنند و حتی در دوره ای کلاس های نقاشی را نیز اداره می کردند.

تدریس در آکادمی البته مبتنی بر اصول کلاسیک بود. به مردان جوانی که مطالعه می کردند، این ایده القا شد که نیاز به تکیه بر تجربه گذشته، ارزش سنت ها، به ویژه سنت های قدیمی است. معلمان توضیح دادند که هنر باید برای ایده آلی تلاش کند که متأسفانه کمی با زندگی اطراف مطابقت دارد. با این حال، همچنین شامل الگوهای ایده آل است. یک هنرمند خوب آنها را آشکار می کند و طبیعت تصحیح شده را آنطور که باید بر روی بوم ارائه می دهد.

با چنین اصولی، جای تعجب نیست که دانشگاهیان ژانر تاریخی را در وهله اول در نقاشی قرار دهند (موضوعات کتاب مقدس، افسانه ای و اساطیری نیز تاریخی محسوب می شدند). پس از افتتاح آکادمی، این ژانر در هنر روسیه شروع به شکوفایی کرد.

در بین دانشجویان I.P. آرگونوف که وارد آکادمی هنر شد، A.P. لوسنکو او خود را به عنوان یک نقاش برجسته پرتره نشان داد: سوماروکف، ایوان شووالوف، بنیانگذار تئاتر روسی فئودور ولکوف برای او ژست گرفت. اما اول از همه، ما او را به عنوان یک نقاش تاریخی - بنیانگذار این ژانر در هنر روسیه می شناسیم و قدردانی می کنیم.

آنتون لوسنکو که در اوایل یتیمی یک دهقان کوچک روسی بود، تنها به لطف استعدادش توانست زندگی را شکست دهد. در اوایل جوانی در گروه کر دربار خواند و از آنجا شاگرد آرگونوف شد. سپس به فرهنگستان اعزام شد. او همیشه با مشاهده، کنجکاوی پر جنب و جوش و میل حریصانه به دانش متمایز بود. لوسنکو در خارج از کشور (در دهه شصت دو بار از پاریس و سپس در رم بازدید کرد)، "ژورنال آثار برجسته نقاشی و مجسمه سازی که متوجه شدم" را نگه داشت، جایی که او به دقت برداشت های خود را از آثار استادان بزرگ اروپایی - رافائل، روبنس تجزیه و تحلیل کرد. رامبراند، پوسین، آثار دوران باستان را مطالعه کرد و مسیر خود را در هنر تعریف کرد.

آنتون لوسنکو مرگ آدونیس 1764 رنگ روغن روی بوم. 77.6 x 105.2 سانتی متر

آنتون لوسنکو زئوس و تتیس 1769
بوم، روغن. موزه دولتی روسیه 172 × 126 سانتی متر

و بعداً با آموزش هنرمندان جوان در آکادمی ، از یادگیری خود دست برنداشت. او برای تسلط کامل بر تکنیک، دانش دقیق آناتومی و پرسپکتیو تلاش کرد. نقاشی های او یکی از بالاترین دستاوردهای گرافیک قرن 18 در نظر گرفته می شود. آنها برای مدت طولانی به عنوان الگوی دانش آموزان آکادمی در کلاس های طراحی خدمت کردند. کتابچه راهنمای آناتومی پلاستیک که توسط او گردآوری شده است، اولین مورد در روسیه - "توضیح نسبت کوتاه یک فرد ... به نفع جوانان در حال تمرین نقاشی ..." - همچنین برای چندین دهه در آکادمی مورد استفاده قرار گرفت.

اصول هنری لوسنکو تا پایان دهه شصت مشخص شد. منطق روشن کلاسیک در آن زمان مانند یک نفس تازه به نظر می رسید در پس زمینه ظواهر تزئینی و ازدحام با تمثیل های باروک و روکوکو اواخر که هنرمندان خارجی دعوت شده به روسیه در آن زمان در روحیه آن کار می کردند (به عنوان مثال، S. Torelli و F. Fontainebasso). در سال 1768، لوسنکو دو "شخصیت آکادمیک به اندازه یک مرد معمولی" را نقاشی کرد - مطالعاتی در مورد بدن برهنه، به طور مشروط به نام های "قابیل" و "هابیل" و یک سال بعد - یک نقاشی "زئوس و تتیس". او در این آثار ابتدا خود را هنرمندی با جهت کلاسیک معرفی کرد.

بهترین آثار لوسنکو بوم هایی از ژانر تاریخی است که با موضوع تاریخ باستان و مهمتر از همه داخلی نوشته شده است. در سال 1770، او نقاشی "ولادیمیر و روگندا" را در آکادمی به نمایش گذاشت. طرح آن بر اساس وقایع قرن 10 دور است که در داستان سال های گذشته شرح داده شده است. ولادیمیر، در آینده، دوک اعظم کیف، شاهزاده خانم پولوتسک روگندا را جلب کرد و با دریافت امتناع، پس از شکست پولوتسک و کشتن پدر و برادرانش، او را به زور دستگیر کرد. توسل به طرحی از تاریخ روسیه بدیع و در عین حال بسیار نشان دهنده نیمه دوم قرن هجدهم بود، زمانی که جامعه روسیه، در شرایط یک خیزش ملی، شروع به درک اهمیت و عظمت گذشته تاریخی خود کرد. قهرمانان وقایع نگاری ها و افسانه ها با شخصیت های باستانی و کتاب مقدس برابری می کردند و همان نمونه اشتیاق شدید و احساسات بلند را نشان می دادند.

آنتون لوسنکو ابراهیم پسرش اسحاق را قربانی کرد. 1765
بوم، روغن. 202 × 157 سانتی متر موزه دولتی روسیه

آنتون لوسنکو صید عالی ماهی 1762
بوم، روغن. موزه دولتی روسیه 159.5 × 194 سانتی متر

در تصویر، ولادیمیر به عنوان یک فاتح بی رحم به نظر نمی رسد. او عاشق و افسرده از غم و اندوه زن محبوبش است که خود او باعث او شده است. آیا خودسری و عشق با هم سازگارند؟ تاریخ، که لوسنکو به خوبی می دانست، پاسخ داد: ولادیمیر و روگندا سال ها در یک ازدواج شاد زندگی کردند ... تا اینکه شاهزاده او را به خاطر شاهزاده بیزانسی ترک کرد، که به دلایل سیاسی مجبور به ازدواج با او شد.

سه سال بعد ، این هنرمند نقاشی دیگری را با موضوع تاریخی - "وداع هکتور با آندروماش" ، یک ترکیب پیچیده چند شکلی به مخاطبان ارائه کرد که با درخشش حرفه ای و از خودگذشتگی تجلیل کننده به نام میهن اجرا شد.

به دنبال لوسنکو، یک کهکشان کامل از نقاشان تاریخی وارد هنر روسیه شدند که بیشتر آنها از شاگردان او بودند: I. Akimov، P. Sokolov، G. Ugryumov، M. Puchinov. همه آنها با سطح بالایی از مهارت متمایز می شوند: طراحی عالی، روان بودن در رنگ و کیاروسکورو، استفاده از پیچیده ترین تکنیک های ترکیب بندی.

این تسلط در نقاشی آکیموف نوزده ساله با عنوان «دوک اعظم سواتوسلاو در حال بوسیدن مادر و فرزندانش در بازگشت از دانوب به کیف» که تحت تأثیر یک معلم، اما در سطح حرفه ای نوشته شده است، تأثیر زیادی می گذارد. هنرمند کاملا بالغ بعداً I.A. آکیموف (1754-1814) تعدادی نقاشی، عمدتاً در موضوعات اساطیری (به عنوان مثال، "خودسوزی هرکول") خلق کرد، که برای مدت طولانی در آکادمی تدریس کرد، زمانی که آن را رهبری می کرد. در سال 1804، او یکی از اولین مقالات را در مورد هنر روسیه نوشت - "اخبار مختصر تاریخی در مورد برخی از هنرمندان روسی".

از جمله آثار P.I. سوکولوف (1753-1791) به نقاشی "مرکوری و آرگوس" علاقه خاصی دارد، که در آن چهره های یک مرد قوی قوی چرت می زند و مرکوری حیله گر که می خواهد او را با شمشیر بزند، در تضاد قرار گرفته اند. سوکولوف به‌عنوان یکی از بهترین طراحان آکادمیک نیز شناخته می‌شود: تصویرهای او از نشیمن‌ها با مداد و گچ ایتالیایی روی کاغذ رنگی، توسط مورخان هنر یکی از بالاترین دستاوردهای گرافیک روسیه در قرن هجدهم است.

آثار M. Puchinov (1716-1797) با افزایش جلوه تزئینی متمایز می شوند که از نقاشی روسی اواسط قرن و به طور کلی برای هنر کلاسیک غیرمعمول است. نمونه ای از چنین ترکیب تزئینی و رنگارنگی اشباع شده، نقاشی "قرار اسکندر کبیر با دیوژن" است که ملاقاتی با فیلسوف اسکندر مقدونی را به تصویر می کشد، که برای آن عنوان آکادمیک در سال 1762 دریافت کرد.

ایوان آکیموف پرومتئوس به دستور مینروا مجسمه ای می سازد. 1775
بوم، روغن. 125 × 93 سانتی متر موزه دولتی روسیه

ایوان آکیموف زحل با داس، روی سنگی نشسته و بال های کوپید را قطع می کند. 1802
بوم، روغن. گالری ایالتی ترتیاکوف 44.5 x 36.6 سانتی متر

متیو پوچینف. تاریخ اسکندر مقدونی با دیوژن
رنگ روغن روی بوم 217 در 148 سانتی متر موزه دولتی روسیه

نقش ویژه ای در توسعه نقاشی تاریخی داخلی توسط G.I. اوگریوموف (1764-1823). او عاشق تاریخ روسیه بود و از آن سوژه هایی برای نقاشی هایش می کشید. او عمدتا بوم‌های چند پیکره بزرگی را که به رویدادهای مهم تاریخی اختصاص داده شده بود، نقاشی کرد و آنها را با ایده‌های نزدیک به جامعه روسیه در آغاز قرن پر کرد. به عنوان مثال، در نقاشی "دعوت میخائیل فدوروویچ به تزاروم در 14 مارس 1613" (حداکثر از سال 1800)، او موضوع قدرت را به عنوان یک وظیفه و باری توسعه می دهد که همیشه مرتبط است. میخائیل جوان، اگرچه به توانایی های خود اطمینان ندارد، اما از خواست مردمی که او را به پادشاهی انتخاب کردند، اطاعت می کند، زیرا او در برابر مردم و میهن احساس مسئولیت می کند.

نه تنها حاکمان و ژنرال ها می توانند قهرمان اوگریوموف شوند ("ورود رسمی الکساندر نوسکی به شهر پسکوف پس از پیروزی بر آلمانی ها"، "تسخیر کازان")، بلکه مردم عادی نیز مانند مرد چرمی افسانه ای کیف می توانند به قهرمانان تبدیل شوند. جان اوسمار ("آزمایش قدرت جان اوسمار"). بوم های او علاوه بر محتوای معنایی، با راه حل های ترکیبی رسا، رنگ غنی و بازی روشن کیاروسکورو مشخص می شود.

اوگریوموف در اوایل دهه 1990 (کمی پس از فارغ التحصیلی خود) معلم نقاشی تاریخی در آکادمی شد و بیش از بیست سال در این آکادمی باقی ماند. او روش آموزش نقاشی را بهبود بخشید و آن را آزادتر و به طبیعت نزدیک کرد. آموزش فنی عالی که آکادمی در طول قرن بعد به دانش آموزان خود داد تا حد زیادی به دلیل شایستگی او است.

گریگوری اوگریوموف. فراخوان میخائیل فدوروویچ رومانوف به پادشاهی در 14 مارس 1613. حداکثر تا سال 1800
بوم، روغن. 510 x 393 سانتی متر موزه دولتی روسیه

گریگوری اوگریوموف. تسخیر کازان در 2 اکتبر 1552 حداکثر تا سال 1800. رنگ روغن روی بوم. 510 × 380 سانتی متر
موزه هنر ملی جمهوری بلاروس، مینسک

گریگوری اوگریوموف. ورود رسمی الکساندر نوسکی به شهر پسکوف پس از پیروزی بر آلمانی ها. 1793 (1794؟). رنگ روغن روی بوم 197.5 × 313.5 سانتی متر موزه دولتی روسیه

گریگوری اوگریوموف. محاکمه قدرت جان اوسمار 1796 (1797؟)
رنگ روغن روی بوم 283 در 404 سانتی متر موزه دولتی روسیه

نیمه دوم قرن هجدهم زمان اوج گیری هنر پرتره روسی است. نسل جدیدی از استادان می آیند، با ایده ها و ایده های جدید در مورد اینکه یک پرتره چگونه باید باشد. کلاسیک گرایی بر آنها تأثیر می گذارد، اما به میزان بسیار کمتری از نقاشان تاریخی. آنها با توجه به علاقه شدید به شخصیت انسان، می کوشند تا آن را عمیقا و جامع نشان دهند. نوع شناسی پرتره در حال گسترش است: پرتره های لباس و اسطوره ای به پرتره های تشریفاتی و مجلسی موجود اضافه شده است. دایره اجتماعی مدل ها در حال رشد است - و، که معمولی است، عمدتاً به دلیل افراد خلاق است که به دلیل استعداد و دانش خود شهرت کسب کرده اند و نه به دلیل منشاء بالای خود. هنر پرتره دیگر نخبه‌گرایانه نیست، فراتر از پایتخت‌ها می‌رود: ساکنان استان‌های روسیه نیز می‌خواهند خود را برای آیندگان تداوم بخشند و با تلاش بسیاری از نقاشان استانی، گالری گسترده‌ای از تصاویر ایجاد می‌شود. مطالب جالب برای منتقدان هنری و مورخان.

در یک کلام، هنر پرتره را می توان با خیال راحت اوج نقاشی روسیه در نیمه دوم قرن نامید. بالاتر از همه، دو نام در این قله وجود دارد: روکوتوف و لویتسکی.

روکوتوف و لویتسکی هر کسی که تا به حال پرتره هایی را که آنها خلق کرده اند دیده باشد، برای همیشه در زیر جذابیت آنها باقی خواهد ماند. خیلی شبیه و خیلی متفاوت. لویتسکی برازنده، بازی با تصاویر، استفاده سخاوتمندانه از جزئیات، تمثیل ها، زوایا - او گاهی اوقات از تمسخر مدل های خود با نگرش کاملاً محبت آمیز، با این حال، نسبت به آنها مخالف نیست. و روکوتوف اسرارآمیز - چهره‌های نقاشی‌های او از گرگ و میش مبهم بیرون می‌آیند، هیجان‌انگیز و جذب فوق‌العاده می‌شوند... با یکنواختی ظاهری تکنیک‌ها، او به عمق روانشناختی شگفت‌انگیزی و قدرت تأثیر عاطفی دست می‌یابد. مورخان هنر گاهی این هنرمندان را با دو نقاش پرتره بزرگ دیگر - رینولدز انگلیسی و گینزبورو - مقایسه می کنند. در واقع، تشابهات آشکار است. البته صحبت از نوعی نفوذ یا استقراض نیست. این صمیمیت است. یک دوره، فرآیندهای تاریخی مشابه... مردمی که در بخش‌های مختلف اروپا زندگی می‌کنند، اغلب بیشتر از آن چیزی که به دلایلی معمولاً تصور می‌شود، مشترک می‌یابند.

ما 65:

فدور روکوتوف. پرتره پراسکویا نیکولاونا لانسکوی. اوایل دهه 1790. بوم، روغن. 74 × 53 سانتی متر (اوپال). گالری دولتی ترتیاکوف
فدور روکوتوف. پرتره واروارا ارمولائونا نووسیلتسوا. 1780 رنگ روغن روی بوم. 70.5 x 59 سانتی متر (بیضی). گالری دولتی ترتیاکوف

ما در مورد زندگی فئودور استپانوویچ روکوتوف اطلاعات زیادی نداریم. تاریخ تولد او مورد اختلاف است: 1732 یا 1735; و شاید 1736 (این هنرمند در سال 1808 درگذشت). مشخص است که او در خانواده ای از رعیت به دنیا آمد و پس از شروع به نقاشی آزادی خود را دریافت کرد. شهرت زود به دست آمد: در اواخر دهه پنجاه، زمانی که او هنوز از سی سالگی دور بود، به او دستور داده شد که یک پرتره تشریفاتی از دوک بزرگ پیتر فدوروویچ (پیتر سوم آینده) را اجرا کند. در همان زمان، او همچنین تصویری غیرمعمول برای کار خود کشید - یکی از اولین فضاهای داخلی روسیه "I.I. شوالوف. این فقط یک فضای داخلی نیست، بلکه نوعی "پرتره بدون مدل" است (با این حال، ما هنوز شوالوف را می بینیم: پرتره او توسط J.-L. de Velli بر روی دیوار دفتر آویزان است). کنت ایوان شووالوف نه تنها یک دولتمرد بزرگ، بلکه یکی از تحصیلکرده ترین افراد زمان خود، بنیانگذار دانشگاه مسکو، خبره و دانشمند هنر بود. نقاشی روکوتوف که فضای دفتر او را با دقت مستند بازتولید می کند، حال و هوای آن را احیا می کند و به ما در درک بهتر این فرد برجسته کمک می کند.

روکوتوف تا اواسط دهه شصت در سن پترزبورگ زندگی می کرد. حتی در آن زمان، او سفارشات زیادی داشت که اگرچه خیلی سریع کار می کرد، جزئیات جزئی پرتره ها باید توسط دانش آموزان تکمیل می شد. یکی از معاصران او با اشتیاق در مورد پرتره باشکوه A.P. سوماروکف که تنها در سه جلسه خلق شد: «... تو که تقریباً در حال بازی بودی، فقط ظاهر صورت و تیزبینی چشم (چشم) اوو را در آن ساعت و روح آتشین اوو را با تمام لطافت مشخص کردی. قلب روی بوم انیمیشن توسط شما، آسیا را پنهان نکرد ... ".

فدور روکوتوف. پرتره واروارا نیکولائونا سوروتسوا. نیمه دوم دهه 1780.
بوم، روغن. 67.5 x 52 سانتی متر (بیضی). موزه دولتی روسیه

فدور روکوتوف. پرتره آگرافنا (آگریپینا؟) میخائیلونا پیساروا (؟)،
دوراسووا به دنیا آمد. نیمه اول دهه 1790.
بوم، روغن. 63.5 x 49.5 سانتی متر (بیضی). موزه دولتی روسیه
فدور روکوتوف. پرتره کنتس الیزابت واسیلیونا سانتی، متولد لاچینوا. 1785
بوم، روغن. 72.5 x 56 سانتی متر (بیضی). موزه دولتی روسیه

پرتره دوک بزرگ پاول پتروویچ که در سال 1761 کشیده شده است، بسیار خوب است. این مرد، چند دهه بعد، به امپراطور-راز روسیه تبدیل خواهد شد، با حالتی غیرقابل درک و سرنوشتی غم انگیز. در این میان، این فقط یک پسر کوچک، سرزنده و دمدمی مزاج است. جذابیت دوران کودکی با ترکیب گرم رنگ های طلایی و قرمز که رنگ تصویر بر روی آن ساخته شده است تأکید می کند.

در حدود سال 1766 این هنرمند به مسکو نقل مکان کرد. در آنجا، در دهه شصت و هشتاد، بهترین آثار او نوشته شد: پرتره های V.I. مایکووا، A.I. ورونتسوا، A.M. اوبرسکووا، A.Yu. کواشینا-سامارینا، V.E. نووسلتسوا، پ.ن. لانسکوی، ای.وی. سانتی، زن و شوهر استرویسکی ها و سوروتسف ها و بسیاری دیگر. او به شیوه‌ای محفظه‌ای سخت می‌نوشت و در طول زمان تمایل فزاینده‌ای به سادگی کلاسیک نشان می‌داد. حداقل جزئیات، پس زمینه تیره ساده. تمام توجه بیننده توسط چهره مدل جلب می شود. این چهره ها بسیار متفاوت هستند، آنها با این واقعیت متحد می شوند که همه آنها الهام گرفته شده اند. روکوتوف افراد کوچک نمی نوشت، یا بهتر است بگوییم، او می دانست که چگونه عمق خود را در هر کسی که برای او ژست گرفته است، تشخیص دهد. چشمان زنده اکنون با تمسخر، اکنون غم انگیز، اکنون با اضطراب طاقت فرسا به ما نگاه می کنند. همیشه یک راز در آنها نهفته است، یک راز زندگی برای ما ناشناخته. ناتوانی در حل آن نگران کننده است، باعث می شود بارها و بارها نگاه کنید...

شاید بهترین چیز در مورد این تأثیر هیپنوتیزمی که پرتره های روکوتوف بر بیننده می گذارد، شاعر نیکلای زابولوتسکی گفت:

... یادت هست چگونه از تاریکی گذشته،
به سختی در ساتن پیچیده شده است
دوباره از پرتره روکوتوف
آیا استرویسکایا به ما نگاه کرد؟
چشمانش مثل دو ابر است
نیمی لبخند نیم گریه
چشماش مثل دوتا دروغه
در غبار شکست ها پوشیده شده است.
ترکیب دو راز
نصف لذت، نیمی ترس
تناسب حساسیت جنون آمیز،
پیش درآمد عذاب مرگ...
(از شعر «پرتره» 1954).

دیمیتری گریگوریویچ لویتسکی (1735-1822) متولد شد و سالهای اولیه خود را در اوکراین گذراند. هنر از کودکی او را همراهی می کرد: پدرش که یک کشیش بود به حکاکی علاقه داشت و یکی از بهترین حکاکی های اوکراینی به حساب می آمد. با این حال، دشوار است که بگوییم اگر ملاقات با A.P نبود سرنوشت لویتسکی چگونه پیش می رفت. آنتروپوف که برای کارگردانی نقاشی های کلیسای سنت اندرو به کیف آمده بود. آنتروپوف متوجه استعداد دیمیتری شد و او را به عنوان دانش آموز گرفت.

لویتسکی از معلمش چیزهای زیادی یاد گرفت. اول از همه - توانایی ارائه توصیف دقیق و قطعی از شخصی که به تصویر کشیده می شود. اما او بسیار فراتر از آنتروپوف رفت و آثارش را پر از عمق کرد و انسان‌گرایی و وسعت دیدی را که او را با روکوتوف مرتبط می‌کند در آن‌ها قرار داد.

اولین نقاشی هایی که به ما اجازه می دهد در مورد لویتسکی به عنوان یک هنرمند بالغ صحبت کنیم، او در اواخر دهه شصت و هفتاد نوشت. این ها پرتره های A.F. کوکورینوف (معمار مشهور، سازنده ساختمان آکادمی هنر) و N.A. سزموف. سزموا در پرتره توجه را به ظاهر غیرمعمول برای هنر آن زمان شخص تصویر شده - بومی دهقانان جلب می کند. پرتره دنیس دیدرو بسیار جالب است که در سال 1773، زمانی که فیلسوف فرانسوی به سن پترزبورگ آمد، کشیده شد.

در همان سال 1773، لویتسکی سفارش بزرگی از کاترین دوم دریافت کرد. تا سال 1776، کار او بر روی "اسمولیانکی" ادامه داشت - یک سری پرتره از دانش آموزان موسسه اسمولنی، همان تصویری که برای همیشه نام او را تجلیل می کرد، حتی اگر چیز دیگری ننوشته باشد. تصور کلی که هنگام تماشای یک به یک این پرتره های شگفت انگیز ایجاد می شود را می توان در چند کلمه بیان کرد: شادی، لذت، جشن! این دختران حیله گر در لباس های تئاتری که صحنه های شبانی را جلوی هنرمند بازی می کنند، فقط یک معجزه هستند که چقدر خوب هستند. اینجا جایی است که بومی روسیه کوچک آفتابی، عشق خود به زندگی، خوش بینی و تحسین خود را از واقعیت وجود آزاد می کند. هر پرتره یک اثر مستقل است، هر اسمولیانکا شخصیت خاص خود را دارد. اما همه آنها با هم وحدت معنایی و سبکی شگفت انگیزی را تشکیل می دهند و هنرمند با جذابیت کمتری از چهره ها، لباس های خود را می نویسد و با استادی ویژگی های پارچه ها را منتقل می کند: ابریشم و ساتن، مخمل، توری و براق.

و اینجا یک تصویر زیبا دیگر است که همه در همان سال 1773 نقاشی شده است. در آن، لویتسکی نه تنها مهارت و حس شوخ طبعی، بلکه، شاید، شجاعت فوق العاده ای را نیز نشان داد. این پرتره از پرورش دهنده معروف P.A. دمیدوف. پرتره - تشریفاتی: دمیدوف در حالتی افتخارآمیز، در رشد کامل به تصویر کشیده شده است، همانطور که انتظار می رود، ستون ها و پارچه های پرده پشت سر او قرار دارد. با این حال، او نه یونیفورم سفارشی، بلکه کلاه و لباس مجلسی به تن دارد و نه به برگه یا نیم تنه یک هنرمند بزرگ، بلکه به یک آبپاش متکی است. ژست سلطنتی دست خطاب به گلدان های گل است: اینجاست، دستاورد اصلی و کار یک عمر! معنای طعنه آمیز پرتره البته فقط غوطه ور کردن مدل در محیط خانه نیست: چنین تکنیکی که بیش از یک بار در پرتره قرن هجدهم با آن مواجه شد، فقط صمیمیت و گرما را به تصویر اضافه می کرد. اما دقیقاً ترکیبی از نامتجانس است که به ارائه یک شخصیت دقیق مرگبار از دمیدوف کمک می کند که از یک سو ذهنی خارق العاده داشت و از سوی دیگر حالتی بسیار عجیب و غریب با نشانه های آشکار استبداد مضحک.

این دقت ویژگی ها مشخصه تمام پرتره های لویتسکی است. او کاملاً می داند که چگونه به چیز اصلی در شخص توجه کند و یک تصویر روشن جامع ایجاد کند. و او هرگز با مدل خود با عینیت سرد برخورد نمی کند. اگر شخصی را دوست داشته باشد، تصویری را ترسیم می کند که گرما را پرتو می کند (پرتره های M.A. Dyakova-Lvova، پدر هنرمند و دخترش، زن و شوهر باکونین و دیگران).

دیمیتری لویتسکی پرتره یک کشیش (G. K. Levitsky؟). 1779
بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 71.2 × 58 سانتی متر

دیمیتری لویتسکی پرتره معمار الکساندر فیلیپوویچ کوکورینوف. 1769

دیمیتری لویتسکی پرتره فئودوسیا استپانونا رژفسکایا و ناستاسیا میخایلوونا داویدووا، دانش‌آموزان انجمن آموزشی امپراتوری برای دختران نجیب. 1772
بوم، روغن. موزه دولتی روسیه 161×103 سانتی متر

دیمیتری لویتسکی پرتره اکاترینا ایوانونا نلیدووا، شاگرد انجمن آموزشی امپراتوری برای دختران نجیب، 1773.
رنگ روغن روی بوم 164 در 106 سانتی متر موزه دولتی روسیه

دیمیتری لویتسکی پرتره اکاترینا ایوانونا، شاگرد انجمن آموزشی امپراتوری برای دختران نجیب
مولچانوا. 1776. رنگ روغن روی بوم. موزه دولتی روسیه 181.5 x 142.5 سانتی متر

دیمیتری لویتسکی پرتره یک دانش آموز از انجمن آموزشی امپراتوری برای دختران نجیب ناتالیا سمیونونا
بورشچوا. 1776. رنگ روغن روی بوم. موزه دولتی روسیه 196.5 x 134.5 سانتی متر

دیمیتری لویتسکی پرتره ایوان لوگینوویچ گولنیشچف-کوتوزوف
بوم، روغن. 80.3 x 63.2 سانتی متر موزه تاریخی دولتی، مسکو

دیمیتری لویتسکی پرتره الکساندر واسیلیویچ سووروف. 1786
بوم، روغن. 80.5 x 62.5 سانتی متر موزه V.A. تروپینین و هنرمندان مسکو زمان خود، مسکو

دیمیتری لویتسکی پرتره آنا استپانونا پروتاسوا، خدمتکار سابق کاترین دوم. 1800
بوم، روغن. موزه دولتی روسیه 81.5 × 64.5 سانتی متر

دیمیتری لویتسکی پرتره کاترین دوم. در حدود سال 1782
بوم، روغن. موزه دولتی - رزرو "پاولوفسک"

پیتر دروژدین. پرتره کاترین دوم. 1796
بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 251 × 187 سانتی متر

ارمولای کامژنکوف. پرتره یک عضو افتخاری آزاد آکادمی هنر، نقاش یوهان فردریش گروت. 1780
بوم، روغن. موزه دولتی روسیه 134×102 سانتی متر

اما خیره کننده ترین درخشش بیرونی نمی تواند او را وادار کند که غرور، سنگدلی یا خیانت را در جایی که متوجه آنها می شود پنهان کند (مثلاً در پرتره های اورسولا منیشک و آنا داویا).

با این حال ، در میان آثار لویتسکی یکی وجود دارد که در آن او به خود اجازه نمی دهد که جلوه ای جزئی هنری داشته باشد. ما در مورد پرتره معروف کاترین دوم صحبت می کنیم (اولین نسخه در سال 1783 ایجاد شد). در اینجا او وظیفه ای کاملاً مشخص داشت: ایجاد تصویر ملکه-قانونگذار، تجسم ایده یک سلطنت روشنفکر. این ایده در جامعه آن زمان رواج داشت. خود لویتسکی آن را به اشتراک گذاشت - به همین دلیل است که او موفق شد این بوم را با چنین درخشندگی، مانند قصیده ای موقر، با روحیه فلیتسا درژاوین خلق کند.

لویتسکی برای بیش از پانزده سال (از 1771 تا 1787) نقاشی پرتره را در آکادمی هنر تدریس کرد. شاگرد او نقاش برجسته پرتره شوکین بود که قبلاً به نسل بعدی هنرمندان روسی تعلق داشت. البته نه تنها کسانی که نقاشی را به آنها آموزش می داد تأثیر او را تجربه کردند. ما می توانیم در مورد یک حلقه کامل از هنرمندان آن زمان صحبت کنیم که از نظر سبک و دیدگاه های مربوط به هنر پرتره به لویتسکی نزدیک بودند.
اول از همه، این P.S است. دروژدین (1745-1805) که علاوه بر لویتسکی، با آنتروپوف نیز مطالعه کرد و در سال 1776 تصویری بسیار گرم و دقیق از نظر روانی ترسیم کرد که آنتروپوف را با پسرش در مقابل پرتره همسرش به تصویر می کشید. همچنین پرتره های او از یک مرد جوان در یک کافتان آبی (1775)، یک Tverite (1779) و تعدادی دیگر شناخته شده است که گالری از شخصیت های انسانی بسیار متفاوت را تشکیل می دهد.

غیرممکن است به E.D اشاره نکنیم. کامژنکوف (1760-1818)، که بهترین آثارش ("پرتره مرد ناشناس با لباس ارغوانی"، "خود پرتره با دختر الکساندرا"، پرتره های دخترش با پرستار بچه، I.F. Grot) نیز او را به عنوان یک هنرمند شناخته می شود. دایره لویتسکی

میخائیل شیبانوف ناهار دهقانی. 1774
بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 103 × 120 سانتی متر

البته ما فهرستی از تمام نقاشان پرتره ای که در زمان کاترین در روسیه کار می کردند را ذکر نکرده ایم. تعداد زیادی از آنها در پایتخت ها و استان ها وجود داشت. از جمله هنرمندان خارجی که با موفقیت کم و بیش در تصویر کلی نقاشی روسی قرار می گیرند (ک. کریستینک که به شیوه او به روکوتوف نزدیک است می توان به عنوان نمونه اشاره کرد). هنر پرتره به طور مداوم به پیشرفت خود ادامه داد. در دهه نود قرن هجدهم، وارد مرحله جدیدی شد.

برخلاف پرتره، ژانر روزمره تنها در قرن 18 متولد شد. اوج شکوفایی آن در قرن آینده خواهد آمد که به دلیل تمایلات دموکراتیک خود شناخته شده است. در این میان، هنرمندانی که به زیبایی زندگی روزمره قدردانی می کردند، به دنبال مضامین و طرح های جدید بودند و با کنجکاوی محتاطانه به چشم اندازهای افتتاحیه نگاه می کردند.

زندگی مردم عادی به ویژه دهقانان برای آنها آشکار شد.

مشکل دهقانان در روسیه همیشه حاد بوده است. به خصوص پس از جنگ ویرانگر پوگاچف. اما یک جامعه تحصیلکرده نمی خواست در دهقانان فقط دزدان یا کسب کنندگان بی چهره و محروم از ثروت مادی را ببیند. درک اینکه این مردم روسیه هستند در او متولد شد. از این رو علاقه به زندگی دهقانی، لباس، آیین ها و سنت ها بیدار شد. از بسیاری جهات، به اصطلاح، هنوز یک شخصیت قوم‌نگاری داشت: اشراف روسیه (جامعه تحصیل کرده قرن 18، همانطور که می‌دانید، تقریباً منحصراً نجیب بود) با جنبه‌ای از زندگی آشنا شدند که عملاً برای آنها ناشناخته بود. .

در پرتو این علاقه، کار بنیانگذار ژانر داخلی در نقاشی روسی، میخائیل شیبانوف را بررسی می کنیم.

ما تقریباً هیچ چیز در مورد زندگی او نمی دانیم، به جز منشأ سرف ها (احتمالاً شاهزاده پوتمکین) و این واقعیت که او بهترین آثار خود را در دهه هفتاد نوشت. و کارش عالیه نقاشی هایی مانند «شام دهقانی»، «توطئه» و به ویژه «جشن عقد عروسی» او را در ردیف بهترین هنرمندان زمان خود قرار داد. البته او زندگی ای را که در نقاشی هایش به تصویر کشیده بود به خوبی می دانست. در پشت یکی از آنها نشان داده شده است که نشان دهنده "استان سوزدال دهقانان" است و نوشته شده است "در همان استان، در روستای تاتاروف". روی بوم ها، لباس های روسی، روزمره و جشن، به زیبایی نوشته شده است، جزئیات زندگی روزمره به طور واقعی نشان داده شده است. اما نکته اصلی در مورد شیبانوف چهره اوست. آنها کاملاً زنده هستند. چه شخصیت ها و حالات متنوعی! و چهره پیرزن از "جشن قرارداد عروسی" - به نظر ما، به سادگی یک شاهکار واقعی است.

میخائیل شیبانوف پرتره کنت A.M. دیمیتریف-مامونوف. 1787
بوم، روغن. موزه هنر دولتی نیژنی نووگورود

میخائیل شیبانوف پرتره کاترین دوم. 1787. رنگ روغن روی بوم. 70 در 59 سانتی متر
کاخ ایالتی و پارک موزه - رزرو "گاچینا"

تسلط بر خصوصیات در شیبانوف نه تنها در نقاشی روزمره خود را نشان داد. او چندین پرتره درخشان کشید: کاترین دوم در لباس مسافرتی، مورد علاقه او A.M. دیمیتریف-مامونوف، اسپیریدونوف، نستروف. اما او البته به عنوان کاشف مضمون عامیانه وارد تاریخ هنر روسیه شد.

I. Ermenev (1746 - پس از 1789)، آبرنگ و گرافیست، پسر داماد، که از آکادمی هنر فارغ التحصیل شد و به دلیل شرکت در تسخیر باستیل در 14 ژوئیه 1789 مشهور است، روی این موضوع کار کرد. به روشی کاملا متفاوت آثار بسیار کمی از او باقی مانده است: تعدادی برگه های گرافیکی، که در میان آنها یک سریال غیر معمول است که تصاویر دهقانان را توسعه می دهد. می توان آن را "گدا" نامید. این گداها هستند که ارمنیف در نسخه ها و زوایای مختلف، به شیوه ای خاص به یادگاری-گروتسک به تصویر می کشد. وقتی به برگه‌های سریال نگاه می‌کنید، این تصور به وجود می‌آید که ملاقات با این افراد نگون بخت، زمانی این هنرمند را به شدت شوکه کرد. آیا این شوک نبود که سرانجام او را در طوفان خونین فرانسه انقلابی انداخت؟ ..

داستان نقاشی روزمره قرن 18 ناقص خواهد بود اگر از نقاشی شگفت انگیز I. Firsov "نقاش جوان" - یکی از اولین نقاشی های مرتبط با این ژانر - یاد نکنیم. معماهای متعددی با این نقاشی و نویسنده آن مرتبط است. آیا این همان فیرسوف است که در دهه پنجاه، به عنوان بخشی از تیم نقاشی ساختمان صدراعظم، دسودپورت های باروک را خلق کرد؟ این نقاشی کی و کجا کشیده شده است؟ این فرض وجود دارد که در پاریس و این که یک خانواده فرانسوی را به تصویر می کشد. با این حال، مورد دوم نیست. تصویر واقعاً فوق العاده است - با رنگ تازه، سبکی ترکیب، سرزندگی جذاب شخصیت ها، به ویژه کودکان. گویی در یک نفس آفریده شد. و مانند اسمولیانکی لویتسکی، ما را وادار می کند که هوای سبک و مست کننده ای را که روسیه در قرن هجدهم تنفس کرده بود، احساس کنیم.

دوران کاترین کبیر در سال 1796 به پایان رسید. او روسیه را قدرتمند، مرفه، اما تحت فشار مشکلات جدی، هنوز در حال سوختن، اما ملموس ترک کرد - آنها باید در قرن آینده خود را با قدرت کامل نشان می دادند. محیط بیرونی هم سخت بود. انقلابی که در فرانسه رخ داد، صلح و تعادل اروپا را به کلی از بین برد. چیزی که تزلزل ناپذیر تلقی می شد، شکننده و کوتاه مدت بود.

در این شرایط، تقارن و قطعیت اخلاقی کلاسیک دیگر نمی توانست با جست و جوی معنوی جامعه مطابقت داشته باشد. جهان بسیار متناقض تر شد. مد (دوباره، برای اولین بار در فرانسه) شامل کلاسیک گرایی دگرگون شده است - سبک امپراتوری، "امپراتوری" - به طور تاکیدی به سمت دوران باستان گرایش دارد، اما قبلاً فاقد وضوح دقیق و متناسبی است که قبلاً مشخصه آن بود.

ویژگی هنرمندان آن زمان میل به طبیعی بودن و علاقه شدید به ظریف ترین حرکات روح انسان بود. تصادفی نیست که در پایان قرن منظره به یک ژانر مستقل در نقاشی روسی تبدیل شد.

در طراحی منظر به عنوان یک ژانر، نماهای شهرها، پارک ها، کاخ ها و مکان های خاطره انگیز مختلفی که پیش از این خلق شده بودند و به اصطلاح دارای شخصیت شناختی- توپوگرافیک بودند، نقش داشتند. و همچنین - مناظر تئاتر، نقاشی های داخلی و پانل ها، اجزای منظره پرتره ها و نقاشی های چند فیگور. منظره به عنوان یک دکوراسیون یا پس زمینه عمل می کرد و در بهترین حالت تأثیر احساسی کار را افزایش می داد. اما در پایان قرن، هنر روسیه بیشتر متوجه شد که اولاً تصویر طبیعت به خودی خود ارزشمند است و ثانیاً پیچیده ترین حالات انسانی را می توان از طریق آن بیان کرد.

سمیون فدوروویچ شچدرین (1745-1804) را می توان بنیانگذار نقاشی منظره روسی دانست. او اولین نماینده یک سلسله هنرمندان است که توسط نقاش منظره درخشان نیمه اول قرن نوزدهم، سیلوستر شچدرین، تجلیل شد، اما آثار خودش نیز نقش بسیار مهمی در توسعه هنر روسیه ایفا کرد.

شچدرین با پیروی از اصول کلاسیک گرایی معتقد بود که باید طبیعت را در نقاشی های خود «تصحیح» کند و تناسب پنهان در پس بی نظمی و تصادفی را در آن آشکار کند. او در عین حال با روحیه های مشخصه محیط هنری پایان قرن به دنبال شعر و زیبایی بی نظیر در طبیعت بود.

مناظر دهه‌های 1970 و 1980 او عمدتاً تصاویری از مکان‌های تخیلی، به‌طور برجسته، با درختان زیبا در شاخ و برگ‌های توری روشن است. از دهه نود، دیدگاه او در مورد نقاشی منظره تغییر کرد و از بسیاری جهات نوآورانه شد. زیبایی را در مناظر واقعی آشکار می کند. او مناظری از پارک های معروف در مجاورت سن پترزبورگ - گاچینا، پاولوفسک، پترهوف را نقاشی می کند: "منظره کاخ گاچینا از لانگ آیلند" (1796)، "پل سنگی در گاچینا در نزدیکی میدان Connetable" (1799-1801). و همچنین - خود پترزبورگ (به عنوان مثال ، "منظره بولشایا نوکا و کلبه استروگانوف" ، 1804) ، که در تصویری که طبیعت برای او اصلی ترین چیز باقی مانده است ، و ساختارهای معماری به عنوان بخشی از آن درک می شود.

البته این طبیعت به دستور انسان بود. شچدرین با انتقال آن به بوم، تقارن کلاسیک، تقسیم فضا به سه صفحه و غیره را به دقت مشاهده کرد. اما رنگ آسمان و ابرها، مه ای که افق را تار می کند، تابش نور خورشید بر آب نوا، خلاصه آن محیط نور و هوا که هنرمندان قرن آینده در تصویری از آن به کمال می رسند، به دست آوردند. برای او اهمیت بیشتری پیدا می کند.

شچدرین نه تنها با آثارش راه را برای این هنرمندان آماده کرد. از سال 1799، همراه با I. Klauber، او کلاس حکاکی منظره را در آکادمی هنر رهبری کرد، که از آن حکاکی های شگفت انگیز S.F. گالاکتیونوف، A.G. اوختومسکی، برادران کوزما و ایوان چسکی. به زودی این کلاس شروع به تهیه نقاشان منظره نیز کرد - منظره درون دیوارهای آکادمی سرانجام وضعیت کاملی پیدا کرد.

بهترین دستاوردهای نقاشی روسی در پایان قرن هنوز با پرتره همراه بود. در این زمان، تغییر نسل وجود دارد، استادان جدید ظاهر می شوند. هنرمندان به طور فزاینده ای در تلاش هستند تا زندگی درونی یک فرد، عمیق ترین تجربیات او را به تصویر بکشند. پرتره صمیمی تر می شود. این منعکس کننده ایده های احساسات گرایی است - روندی که در آغاز قرن و در سال های اولیه قرن 19 رایج بود. این روندها به طور کامل در کار V.L. Borovikovsky (1757-1825) - یکی از بهترین استادان ژانر پرتره در هنر روسیه.

بوروویکوفسکی در اوکراین به دنیا آمد، او نقاشی را نزد پدرش آموخت. و شاید اگر سفر امپراتور به جنوب روسیه که در سال 1787 انجام شد، او تا آخر عمر نقاش پرتره استانی باقی می ماند. کاترین از نقاشی های دیواری کاخ موقت ساخته شده توسط بوروویکوفسکی خوشش آمد. و هنرمند به سنت پترزبورگ رفت - تا در نقاشی پیشرفت کند. او با I.B. لومپی پدر و احتمالاً لویتسکی. او به سرعت مشهور شد، سفارشات زیادی دریافت کرد. قلم موهای او متعلق به پرتره های تشریفاتی درخشان شاهزاده کوراکین (1801-1802)، پل اول در لباس استاد اعظم نظم مالت (1800) و غیره است. ویژگی های روانشناختی واضحی نیز در پرتره های مجلسی داده شده است - G.R. درژاوین، د.پ. تروشچینسکی، ژنرال F.A. بوروفسکی.

ولادیمیر بوروویکوفسکی. پرتره کنتس آنا ایوانونا بزبورودکو با دخترانش لیوبوف و کلئوپاترا. 1803
بوم، روغن. موزه دولتی روسیه 134 × 104.5 سانتی متر

اما بالاتر از همه، Borovikovsky استاد یک اتاق زنانه، به طور دقیق تر، یک پرتره خانگی است. او حتی کاترین دوم را در قالب یک "مالک زمین کازان" نقاشی کرد که با یک کت گرم در باغ قدم می زد. قهرمانان او، خانم ها و خانم های جوان رویایی با لبخندی حیله گر بر لب، با گل یا سیبی در دست هستند که در پس زمینه مناظر متفکر ژست می گیرند. فرهای آنها، مطابق با سلیقه احساسات گرایی، کمی ژولیده است، لباس های آنها عمدا ساده است. شخصیت هر کدام دقیقا خوانده می شود، نمی توان یکی را با دیگری اشتباه گرفت. اینها پرتره های O.K. فیلیپووا، V.A. Shidlovskaya، E.A. ناریشکینا، M.I. لوپوخینا، ای.ن. آرسنیوا، خواهران گاگارین، زن دهقانی کریستینیا (دومی از این جهت قابل توجه است که برای بوروویکوفسکی تصویر "قوم نگارانه" یک زن رعیت مهم نیست، بلکه مانند پرتره های دختران نجیب، دنیای درون است) .

با گذشت سال‌ها، نگاه هنرمند سخت‌تر می‌شود، تار شدن نقاشی او، بر اساس نیم‌تون‌ها، با مدل‌سازی سخت‌گیرانه پلاستیکی جایگزین می‌شود (به عنوان مثال، در پرتره‌های "بانوی عمامه پوش" - احتمالاً توسط نویسنده فرانسوی A.-L. .-J. de Stael - D.A. Derzhavina و M.I. Dolgoruky، نوشته شده در سال دهم قرن نوزدهم).

نام Borovikovsky در هنر پرتره روسی در آغاز قرن به هیچ وجه تنها نیست. یک نقاش پرتره بسیار درخشان و بدیع شاگرد Levitsky S.S. شوکین (1762-1828). تمام زندگی او با آکادمی هنر مرتبط بود، جایی که او به عنوان یک پسر از یتیم خانه آمد و بعداً ریاست کلاس پرتره آن را بر عهده گرفت. در پرتره‌های او، حتی در تصاویر اولیه، پیش‌بینی رمانتیسیسم وجود دارد - روندی در فرهنگ که تنها در آغاز قرن آینده جایگاه خود را به دست خواهد آورد و جای کلاسیک گرایی و احساسات گرایی را خواهد گرفت. به ویژه در این زمینه، خودنگاره ای از سال 1786 و پرتره ای از امپراتور پل اول در یونیفورم افسری ساده، با عصایی در دست است.

بسیار جالب کار M.I. بلسکی (1753-1794). او مانند برخی از هنرمندان معاصر خود معتقد بود که حقیقت زندگی از هارمونی شاعرانه تصویر گرانبهاتر است و به پیروی از وفاداری شخصیت از تندخویی و تناقض پرهیز نمی کرد. این دیدگاه ها برای مثال در پرتره ای از آهنگساز D.S. بورتنیانسکی.

ولادیمیر بوروویکوفسکی. پرتره دریا آلکسیونا درژاوینا. 1813
بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 284 × 204.3 سانتی متر

ما 117:

استپان شوکین. پرتره معمار آدریان دیمیتریویچ زاخاروف. در حدود سال 1804
رنگ روغن روی بوم 25.5 × 20 سانتی متر گالری دولتی ترتیاکوف

میخائیل بلسکی. پرتره آهنگساز دیمیتری استپانوویچ بورتنیانسکی. 1788
بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 65.7 × 52.3 سانتی متر

نیکولای آرگونوف. پرتره کنت ژنرال آجودان الکساندر ماتویویچ دیمیتریف-مامونتوف. 1812
بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 151 × 125.6 سانتی متر

نیکولای آرگونوف. پرتره ماترنا ایوانونا سوکولووا. 1820 رنگ روغن روی بوم. گالری دولتی ترتیاکوف 67.1 × 52.8 سانتی متر
نیکولای آرگونوف. پرتره T.V. شلیکوا. 1789 رنگ روغن روی بوم. 79 × 55 سانتی متر (بیضی)
موزه دولتی سرامیک و املاک کوسکوو قرن 18، مسکو

در نهایت N.I. آرگونوف (1771 - پس از 1829). پسر و شاگرد نقاش پرتره رعیت معروف، نیکلای آرگونوف خود تا سن چهل و پنج سالگی رعیت بود. آثار جوانی او قبلاً گواه استعداد برجسته او است: "دهقان خندان" ، "دهقان با لیوانی در دست" و به ویژه پرتره شاعرانه رقصنده رعیت تئاتر شرمتف تاتیانا شلیکوا-گراناتووا ، که در زمان این هنرمند نوشته شده است. حدود هجده ساله در آینده ، آرگونوف بسیاری از آثار شگفت انگیز را خلق کرد که در میان آنها پرتره های پرتره معروف پراسکوویا کووالوا-ژمچوگووا ، همچنین بازیگر رعیت که همسر کنت N.P. شد. شرمتوا و اندکی پس از تولد پسرش در جوانی درگذشت. پرتره ای که او در آخرین هفته های بارداری در آن به تصویر کشیده شده است - در پس زمینه ای سیاه، با کلاهی سیاه و قرمز، با حالتی مضطرب در چهره نحیف او - با پیشگویی از تراژدی عجین شده است.

آثار این هنرمندان همچون پلی جادویی، قرون گذر و نزدیک را به هم پیوند می داد. مسیر سریعی که هنر روسیه از زمان پتر کبیر طی کرده است به نتایج عالی منجر شده است. جاده جدیدی در پیش بود. سرگرمی های پرشور، جستجوی ناامیدانه برای تازگی، درگیری های خشونت آمیز و نبردهای واقعی بر سر دیدگاه ها در مورد هنر - همه اینها در پیش است. نقاشی روسی قرن 18 هنوز این را نمی دانست. وظیفه او درک انسان بود. و این وظیفه را با درخشش کامل کرد.

نیکولای آرگونوف. پرتره، ایوان یاکیموف با لباس کوپید. 1790
بوم، روغن. موزه دولتی روسیه 142 × 98 سانتی متر

نیکولای آرگونوف. پرتره آننوشکا کالمیک. 1767
بوم، روغن. 62 × 50 سانتی متر. موزه دولتی سرامیک و املاک کوسکوو قرن 18، مسکو

نیکولای آرگونوف. پرتره مشاور مخفی سناتور پاول استپانوویچ رونیچ. 1817
بوم، روغن. 134 × 103 سانتی متر موزه دولتی روسیه

نیکولای آرگونوف. پرتره امپراتور پل اول 1797
بوم، روغن. 285 × 206 سانتی متر موزه مسکو - املاک اوستانکینو