امپرسیونیسم به عنوان یک جنبش هنری معنی کلمه امپرسیونیسم

عبارت "امپرسیونیسم روسی" فقط یک سال پیش گوش شهروندان عادی کشور پهناور ما را برید. هر یک فرد تحصیل کردهنور، نور و سرعت را می داند امپرسیونیسم فرانسوی، می تواند مونه را از مانه تشخیص دهد و آفتابگردان های ون گوگ را از تمام طبیعت های بی جان تشخیص دهد. کسی چیزی در مورد شاخه آمریکایی توسعه این جهت از نقاشی شنید - شهری تر در مقایسه با مناظر فرانسوی Gassam و تصاویر پرترهتعقیب. اما محققان در مورد وجود امپرسیونیسم روسی تا به امروز بحث می کنند.

کنستانتین کرووین

تاریخ امپرسیونیسم روسی با نقاشی "پرتره یک دختر کر" اثر کنستانتین کرووین و همچنین با سوء تفاهم و محکومیت مردم آغاز شد. وقتی برای اولین بار این اثر را دیدم، I. E. Repin بلافاصله باور نکرد که کار توسط یک نقاش روسی انجام شده است: "اسپانیایی! می بینم. جسورانه، آبدار می نویسد. فوق العاده است. اما این فقط نقاشی برای نقاشی است. اسپانیایی، با این حال، با خلق و خوی ... ". خود کنستانتین آلکسیویچ شروع به نقاشی بوم نقاشی های خود به شیوه امپرسیونیستی کرد سال های دانشجویی، ناآشنا بودن با نقاشی های سزان، مونه و رنوار، مدت ها قبل از سفرش به فرانسه. تنها به لطف چشم باتجربه پولنوف، کورووین متوجه شد که از تکنیک فرانسوی های آن زمان استفاده می کند، که به طور شهودی به آن رسید. در همان زمان، به هنرمند روسی موضوعاتی داده می شود که او برای نقاشی های خود استفاده می کند - شاهکار شناخته شده "Idyll شمالی" که در سال 1892 نوشته شده و در آن ذخیره شده است. گالری ترتیاکوف، عشق کورووین به سنت ها و فولکلور روسی را به ما نشان می دهد. این عشق توسط "دایره ماموت" - جامعه ای از روشنفکران خلاق که شامل رپین، پولنوف، واسنتسف، وروبل و بسیاری دیگر از دوستان نیکوکار معروف ساووا مامونتوف بود، به هنرمند القا شد. در آبرامتسوو، جایی که املاک مامونتوف در آن قرار داشت و اعضای گروه حلقه هنری، کورووین خوش شانس بود که با والنتین سرووف آشنا شد و با او کار کرد. به لطف این آشنایی، کار هنرمند پیشاپیش سروف ویژگی های امپرسیونیسم سبک، روشن و تند را به دست آورد که در یکی از کارهای او می بینیم. کارهای اولیه – « پنجره را باز کنید. بنفشه".

پرتره یک دختر کر، 1883

بت شمالی، 1886

گیلاس پرنده، 1912

گورزوف 2، 1915

اسکله در گورزوف، 1914

پاریس، 1933

والنتین سرووف

نقاشی سروف با ویژگی ذاتی فقط در امپرسیونیسم روسی نفوذ می کند - نقاشی های او نه تنها برداشت از آنچه هنرمند دیده است، بلکه وضعیت روح او را در لحظه منعکس می کند. به عنوان مثال، در نقاشی "میدان سنت مارک در ونیز"، نقاشی شده در ایتالیا، جایی که سروف در سال 1887 به دلیل یک بیماری جدی به آنجا رفت، رنگ های خاکستری سرد غالب است که به ما ایده ای از وضعیت هنرمند می دهد. اما، با وجود پالت نسبتاً غم انگیز، این تصویر یک اثر امپرسیونیستی مرجع است، زیرا روی آن سروف موفق شد دنیای واقعی را در تحرک و تنوع آن به تصویر بکشد تا برداشت های زودگذر خود را منتقل کند. سروف در نامه ای به عروسش از ونیز نوشت: «در این قرنآنها همه چیز را سنگین می نویسند، هیچ چیز دلگرم کننده ای نیست. من می‌خواهم، آن‌چه را که خوشحال‌کننده است می‌خواهم، و فقط آن‌چه را که خوشحال‌کننده است، خواهم نوشت.»

باز کردن پنجره یاس بنفش، 1886

میدان سنت مارک در ونیز، 1887

دختری با هلو (پرتره V. S. Mamontova)

تاج گذاری. تایید نیکلاس دوم در کلیسای جامع اسامپشن، 1896

دختری که توسط خورشید روشن شد، 1888

حمام کردن یک اسب، 1905

الکساندر گراسیموف

یکی از شاگردان کورووین و سروو که از قلم موی رسا، پالت روشن و سبک نگارش اتود آنها استفاده کرد، الکساندر میخایلوویچ گراسیموف بود. اوج کار این هنرمند در زمان انقلاب بود که نمی‌توانست در طرح‌های نقاشی‌هایش منعکس نشود. علیرغم این واقعیت که گراسیموف قلم مو خود را به خدمت حزب داد و به خاطر پرتره های برجسته خود از لنین و استالین مشهور شد، او همچنان به کار بر روی مناظر امپرسیونیستی نزدیک به روح خود ادامه داد. کار الکساندر میخائیلوویچ "پس از باران" هنرمند را به عنوان استاد انتقال هوا و نور در تصویر به ما نشان می دهد که گراسیموف مدیون تأثیر مربیان برجسته خود است.

نقاشان در خانه استالین، 1951

استالین و وروشیلف در کرملین، دهه 1950

بعد از باران. تراس مرطوب, 1935

طبیعت بی جان دسته گل صحرایی، 1952

ایگور گرابار

در گفتگو در مورد امپرسیونیسم متاخر روسی، نمی توان به کار هنرمند بزرگ ایگور امانویلوویچ گرابار، که بسیاری از تکنیک های نقاشان فرانسوی دوره دوم را به کار گرفت، روی آورد. نیمه نوزدهمقرن به لطف سفرهای متعدد او به اروپا. گرابار با استفاده از تکنیک های امپرسیونیست های کلاسیک، نقوش کاملاً روسی و صحنه های روزمره را در نقاشی های خود به تصویر می کشد. در حالی که مونه باغ های شکوفه گیورنی را نقاشی می کند و دگا بالرین های زیبا را نقاشی می کند، گرابار زمستان خشن روسیه و زندگی روستایی را با همان رنگ های پاستلی به تصویر می کشد. بیشتر از همه، گرابار دوست داشت فراست را بر روی بوم هایش به تصویر بکشد و مجموعه کاملی از آثار را به او تقدیم کرد که شامل بیش از صد طرح کوچک چند رنگی بود که در زمان متفاوتروزها و در آب و هوای متفاوت سختی کار بر روی چنین نقشه هایی این بود که رنگ در سرما سفت می شد، بنابراین مجبور شدم سریع کار کنم. اما این دقیقاً همان چیزی است که به هنرمند اجازه می‌دهد «همان لحظه» را بازسازی کند و برداشت خود را از آن، که ایده اصلی امپرسیونیسم کلاسیک است، منتقل کند. اغلب سبک نقاشی ایگور امانویلوویچ امپرسیونیسم علمی نامیده می شود، زیرا او داد پراهمیتنور و هوا بر روی بوم ها و مطالعات بسیاری در مورد انتقال رنگ ایجاد شده است. علاوه بر این، چیدمان زمانی نقاشی‌ها در گالری ترتیاکوف که او در سال‌های 1920-1925 مدیر آن بود را مدیون او هستیم.

کوچه توس، 1940

منظره زمستانی، 1954

هارفراست، 1905

گلابی روی یک سفره آبی، 1915

گوشه املاک (پرتو خورشید)، 1901

یوری پیمنوف

کاملاً غیر کلاسیک، اما هنوز امپرسیونیسم رشد کرد زمان شوروی, نماینده برجستهکه تبدیل به یوری ایوانوویچ پیمنوف می شود که پس از کار در سبک اکسپرسیونیسم به تصویر "یک تأثیر زودگذر در رنگ های پاستلی" رسید. یکی از مهمترین آثار معروفپیمنوف به نقاشی "مسکو جدید" دهه 1930 تبدیل می شود - سبک، گرم، گویی با ضربات هوای رنوار نقاشی شده است. اما در عین حال، طرح این اثر با یکی از ایده های اصلی امپرسیونیسم - رد استفاده از مضامین اجتماعی و سیاسی - کاملاً ناسازگار است. "مسکو جدید" پیمنوف کاملاً منعکس کننده تغییرات اجتماعی در زندگی شهر است که همیشه الهام بخش این هنرمند بوده است. پیمنوف مسکو، جدید و مردمش را دوست دارد. نقاش سخاوتمندانه این احساس را به بیننده می دهد. و در واقع، با نگاه کردن به نقاشی های یوری ایوانوویچ، ما با عشق آغشته می شویم زندگی شورویمحله های جدید، خانه نشینی غنایی و شهرنشینی، اسیر تکنیک امپرسیونیسم.

کار پیمنوف بار دیگر ثابت می کند که هر چیزی "روسی" که از کشورهای دیگر آورده شده است، مسیر توسعه خاص و منحصر به فرد خود را دارد. به همین ترتیب، امپرسیونیسم فرانسوی امپراتوری روسیهو اتحاد جماهیر شوروی ویژگی های جهان بینی روسیه را جذب کرد، شخصیت ملیو زندگی امپرسیونیسم به عنوان راهی برای انتقال فقط درک واقعیت در شکل ناب آن برای هنر روسیه بیگانه ماند، زیرا هر نقاشی توسط هنرمندان روسی مملو از معنا، آگاهی، وضعیت روح متغیر روسی است و نه فقط یک برداشت زودگذر. بنابراین، آخر هفته آینده، زمانی که موزه امپرسیونیسم روسی دوباره نمایشگاه اصلی را به مسکووی ها و مهمانان پایتخت ارائه می دهد، همه در میان پرتره های حسی سرووف، شهرسازی پیمنوف و مناظر غیر معمول برای کوستودیف چیزی برای خود خواهند یافت.

مسکو جدید

خانه نشینی غنایی، 1965

جا رختی تئاتر بولشوی, 1972

صبح زود در مسکو، 1961

پاریس. خیابان سنت دومینیک 1958

مهماندار، 1964

شاید برای اکثر مردم نام کورووین، سروو، گراسیموف و پیمنوف هنوز با سبک خاصی از هنر مرتبط نباشد، اما موزه امپرسیونیسم روسیه که در ماه مه 2016 در مسکو افتتاح شد، با این وجود آثار این هنرمندان را تحت عنوان یک سقف

امروز، شاهکارهای هنرمندان امپرسیونیست توسط ما در زمینه هنر جهانی درک می شود: برای ما، آنها مدت هاست که کلاسیک شده اند. با این حال، به هیچ وجه همیشه اینطور نبود. این اتفاق افتاد که نقاشی های آنها اجازه حضور در نمایشگاه های رسمی را نداشتند، آنها در مطبوعات مورد انتقاد قرار می گرفتند، آنها نمی خواستند حتی برای هزینه اسمی بخرند. سالها ناامیدی و نیاز و محرومیت بود. و مبارزه برای فرصتی برای ترسیم جهان به گونه ای که آنها آن را می دیدند. چندین دهه طول کشید تا اکثریت بتوانند درک کنند و درک کنند و خود را از چشم آنها ببینند. دنیایی که امپرسیونیسم در اوایل دهه 1860 به آن هجوم آورد، چگونه بود، مانند باد شادی که دگرگونی هایی را به ارمغان آورد؟

تحولات اجتماعی اواخر قرن هجدهم، انقلاب های فرانسه و آمریکا، ماهیت اصلی را دگرگون کرد. فرهنگ غربیکه نمی تواند بر نقش هنر در جامعه ای که به سرعت در حال تغییر است تأثیر بگذارد. هنرمندان که به نظم اجتماعی سلسله حاکم یا کلیسا عادت داشتند، ناگهان متوجه شدند که بدون مشتریان خود مانده اند. اشراف و روحانیون، مشتریان اصلی هنر، مشکلات جدی را تجربه کردند. زمان جدیدی تأسیس شده است، دوران سرمایه داری، تمام و کمالتغییر قوانین و اولویت ها

به تدریج، طبقه متوسط ​​مرفه در جمهوری های نوظهور و قدرت های دموکراتیک رشد کرد، در نتیجه بازار هنری جدیدی شروع به رونق کرد. متأسفانه، کارآفرینان و بازرگانان، به عنوان یک قاعده، فاقد فرهنگ و تربیت ارثی بودند، که بدون آن نمی توان به درستی از انواع تمثیل های طرح یا مهارت های اجرای ماهرانه ای که مدت هاست اشراف را مجذوب خود کرده است، قدردانی کرد.

نمایندگان طبقه متوسط ​​که به مصرف‌کننده هنر تبدیل شدند، که با تربیت و تحصیلات اشرافی متمایز نبودند، در ابتدا موظف بودند بر ملاحظات منتقدان روزنامه و کارشناسان رسمی تمرکز کنند. فرهنگستان‌های قدیمی هنر که متولیان پایه‌های کلاسیک هستند، به داوری اصلی در مسائل گرانش هنری تبدیل شده‌اند. این متناقض نیست که برخی از نقاشان جوان و پرسشگر، که از همنوایی بیمار شده بودند، علیه سلطه رسمی آکادمیک گرایی در هنر قیام کردند.

یکی از سنگرهای اساسی آکادمیک گرایی آن زمان، نمایشگاه های هنر معاصر بود که توسط مقامات حمایت می شد. چنین نمایشگاه هایی به نام سالن نامیده می شدند - طبق سنت با اشاره به نام سالن در لوور، جایی که زمانی هنرمندان دربار نقاشی های خود را به نمایش می گذاشتند.

شرکت در سالن تنها فرصتی برای جلب توجه مطبوعات و مشتریان به آثارشان بود. آگوست رنوار در یکی از نامه‌های خود به دوراند-روئل، از وضعیت کنونی این کشور می‌گوید: «در تمام پاریس، به سختی پانزده ستایشگر وجود دارند که بتوانند هنرمند را بدون کمک سالن بشناسند، و هشتاد هزار نفر که این کار را انجام دهند. اگر هنرمند در سالن پذیرفته نشود حتی یک سانتی متر مربع از بوم را به دست نمی آورید.

نقاشان جوان چاره‌ای جز حضور در سالن‌ها نداشتند: در نمایشگاه می‌توانستند سخنان ناخوشایند اعضای هیئت داوران را بشنوند، بلکه نقاشان عمیقاً محترمی مانند یوژن دلاکروا، گوستاو کوربه، ادوارد مانه را نیز بشنوند. مورد علاقه جوانان است، در نتیجه انگیزه ای برای خلاقیت آینده دریافت می کند. علاوه بر این، سالن یک فرصت منحصر به فرد برای به دست آوردن مشتری، مورد توجه قرار گرفتن و ترتیب دادن یک حرفه در هنر بود. جایزه سالن برای این هنرمند تعهد به رسمیت شناختن حرفه ای را نشان داد. برعکس، اگر هیئت داوران اثر ارسالی را رد می‌کرد، این به منزله تعلیق زیبایی شناختی بود.

غالباً تصویر پیشنهادی برای بررسی با قوانین معمول مطابقت نداشت ، که هیئت داوران سالن آن را رد کرد: در محیط هنری ، این قسمت رسوایی و احساسی را برانگیخت.

یکی از هنرمندانی که حضورش در سالن همیشه رسوایی ایجاد کرد و باعث نگرانی دانشگاهیان شد، ادوارد مانه بود. یک رسوایی بزرگ با نمایش بوم های او "صبحانه روی چمن" (1863) و "المپیا" (1865) همراه بود که به شیوه ای غیرمعمول خشن خلق شده بود که حاوی زیبایی شناسی بیگانه با سالن بود. و در نقاشی "حادثه در گاوبازی" که در سالن 1864 ارائه شد، اشتیاق هنرمند به کار گویا تحت تأثیر قرار گرفت. در پیش‌زمینه، مانه شکل سجده‌دار یک گاوباز را نقاشی کرد. پس‌زمینه‌ی تصویر، محوطه‌ای بود که در داخل زمین کشیده شده بود و ردیف تماشاگران مات و دلسرد. چنین ترکیب تند و سرکشی نقدهای طعنه آمیز و کاریکاتورهای روزنامه ای را برانگیخت. مانه که از انتقاد آسیب دیده بود، نقاشی خود را به دو قسمت تقسیم کرد.

لازم به ذکر است که منتقدان و کاریکاتوریست‌ها از انتخاب کلمات و روش‌هایی خجالت نمی‌کشیدند تا با دردناک‌تر از این هنرمند را رنجانده و او را به نوعی اقدامات متقابل سوق دهند. "هنرمند رد شده توسط سالن" و بعدا "امپرسیونیست" به هدف مورد علاقه روزنامه نگارانی تبدیل شد که از رسوایی های عمومی پول در می آورند. نزاع بی وقفه سالن با نقاشان مفاهیم و جاذبه های دیگر، که از مرزهای سخت آکادمیک منسوخ خسته شده بودند، به وضوح نشان دهنده انحطاط جدی بود که در آن زمان در هنر نیمه دوم قرن نوزدهم بالغ شده بود. هیئت داوران محافظه کار سالن 1863 آنقدر نقاشی را رد کرد که امپراتور ناپلئون سوم لازم دید که شخصاً از نمایشگاه موازی دیگری حمایت کند تا بیننده بتواند آثار پذیرفته شده را با آثار رد شده مقایسه کند. این نمایشگاه که نام "سالن مطرودان" را به خود اختصاص داد به یک مکان سرگرمی بسیار شیک تبدیل شد - مردم برای خندیدن و شوخ بودن به اینجا می رفتند.

برای دور زدن هیئت داوران دانشگاهی، نقاشان مناسب می توانند نمایشگاه های انفرادی مستقل نیز برپا کنند. ایده نمایشگاه یک هنرمند اولین بار توسط نقاش رئالیست گوستاو کوربه اعلام شد. او مجموعه ای از آثار خود را به نمایشگاه جهانی پاریس در سال 1855 ارسال کرد. کمیته انتخاب مناظر او را تأیید کرد، اما نقاشی های برنامه موضوعی را رد کرد. سپس کوربه بر خلاف عرف، یک غرفه شخصی در مجاورت نمایشگاه جهانی برپا کرد. اگرچه دلاکروا سالخورده تحت تأثیر سبک نقاشی گسترده کوربه قرار گرفت، اما تماشاگران کمی در غرفه او بودند. در طول نمایشگاه جهانی در سال 1867، کوربه این تجربه را با پیروزی بزرگ از سر گرفت - این بار او تمام آثار خود را در یک اتاق جداگانه آویزان کرد. ادوار مانه، به پیروی از کوربه، گالری خود را در همان نمایشگاه افتتاح کرد تا نقاشی های خود را به صورت گذشته به نمایش بگذارد.

ایجاد گالری های شخصی و انتشار خصوصی کاتالوگ ها مستلزم صرف هزینه ملموس منابع بود - بطور غیرقابل مقایسه ای بیشتر از منابعی که اغلب در اختیار هنرمندان هستند. با این حال، حوادث کوربه و مانه، نقاشان جوان را بر آن داشت تا نمایشگاهی گروهی از هنرمندان گرایش های جدید را که توسط سالن رسمی پذیرفته نشد، برنامه ریزی کنند.

به جز تغییرات اجتماعی در هنر قرن 19تاثیر بسزایی داشت و تحقیق علمی. در سال 1839، لویی داگر در پاریس و هنری فاکس تالبوت در لندن دستگاه های عکاسی را که به طور مستقل ساخته بودند به نمایش گذاشتند. مدت کوتاهی پس از این رویداد، عکاسی هنرمندان و گرافیست ها را از تعهد صرفاً به یاد مردم، مکان ها و رویدادها رها کرد. بسیاری از نقاشان با رها شدن از وظیفه کپی برداری از شی، به حوزه انتقال بیان ذهنی خود بر روی بوم احساسات شتافتند.

عکس بیرون ریخت هنر اروپاییدیدگاه های دیگر عدسی با زاویه دید متفاوتی نسبت به چشم انسان، نمایشی تکه تکه از ترکیب را تشکیل می داد. تغییر در زاویه عکاسی، هنرمندان را به دیدگاه های ترکیبی جدیدی سوق داد که اساس زیبایی شناسی امپرسیونیستی شد. یکی از اصول اصلی این جریان، خودانگیختگی بود.

در همان سال 1839، هنگامی که دوربین ساخته شد، میشل اوژن شورول، شیمیدان آزمایشگاه کارخانه گوبلین پاریس، برای اولین بار تفسیری منطقی از درک رنگ توسط چشم انسان منتشر کرد. او با ایجاد رنگ برای پارچه ها، اطمینان حاصل کرد که سه رنگ اصلی وجود دارد - قرمز، زرد و آبی، هنگامی که مخلوط می شوند، همه رنگ های دیگر بوجود می آیند. با کمک چرخه رنگ، شورول ثابت کرد که چگونه سایه ها متولد می شوند، که نه تنها ایده علمی دشواری را به خوبی نشان می داد، بلکه مفهوم کاری ترکیب رنگ ها را نیز به هنرمندان ارائه داد. فیزیکدان آمریکایی اوگدن راد و دانشمند آلمانی هرمان فون هلمهولی، به نوبه خود، این اختراع را با پیشرفت هایی در زمینه اپتیک تکمیل کردند.

در سال 1841، جان رند، دانشمند و نقاش آمریکایی، لوله های حلبی خود را برای رنگ های فاسد شدنی به ثبت رساند. پیش از این، هنرمند که برای نوشتن در هوای آزاد ترک می‌کرد، ابتدا مجبور می‌شد رنگ‌های مورد نیاز خود را در کارگاه با هم مخلوط کند و سپس آن‌ها را در ظروف شیشه‌ای که غالباً می‌کوبیدند یا در حباب‌هایی از داخل حیوانات می‌ریزد که به سرعت نشت می‌کرد. با ظهور لوله های رند، هنرمندان این مزیت را دارند که همه رنگ ها و سایه های متنوع را با خود به فضای باز ببرند. این کشف تا حد زیادی بر فراوانی رنگ های هنرمندان تأثیر گذاشت و علاوه بر این آنها را متقاعد کرد که از کارگاه های خود به طبیعت بروند. به زودی، همانطور که یکی از دانشمندان اشاره کرد، تعداد نقاشان منظره بیشتر از دهقانان در روستاها بود.

پیشگامان نقاشی در هوای آزاد هنرمندان مکتب باربیزون بودند که نام خود را از روستای باربیزون در نزدیکی جنگل فونتنبلو به دست آوردند، جایی که بیشتر مناظر را خلق کردند.

اگر نقاشان قدیمی مکتب باربیزون (T. Rousseau، J. Dupre) در کار خود هنوز بر اساس میراث منظره قهرمانانه بودند، نمایندگان نسل جوان (Ch. Daubigny، C. Corot) به این ژانر عطا کردند. با ویژگی های رئالیسم بوم های آنها مناظری را به تصویر می کشد که با ایده آل سازی آکادمیک بیگانه است.

باربیزون ها در نقاشی های خود تلاش کردند تا تنوع حالت های طبیعت را بازسازی کنند. به همین دلیل است که آنها از طبیعت نقاشی می کردند و سعی می کردند بی واسطه بودن ادراک خود را در آنها به تصویر بکشند. با این حال، استفاده از روش‌ها و ابزارهای آکادمیک قدیمی در نقاشی به آنها کمک نکرد تا به آنچه امپرسیونیست‌ها بعداً موفق شدند به دست آورند. با وجود این، سهم هنرمندان مکتب باربیزون در شکل گیری این ژانر غیرقابل انکار است: آنها با ترک کارگاه ها به هوای آزاد، نقاشی منظره راه های جدیدی را برای توسعه ارائه کردند.

یکی از حامیان نقاشی در طبیعت، یوجین بودین، به شاگرد جوان خود کلود مونه دستور داد که در هوای آزاد چه کاری باید انجام داد - در میان نور و هوا، تا آنچه را که فکر می کنید نقاشی کند. این قانون اساس نقاشی هوای معمولی شد. مونه به زودی به دوستانش، آگوست رنوار، آلفرد سیسلی و فردریک باسیل، نظریه جدیدی را معرفی کرد: اینکه فقط آنچه را که در یک فاصله مشخص و در یک نور خاص مشاهده می کنید، نقاشی کنید. شب‌ها در کافه‌های پاریس، نقاشان جوان با خوشحالی ایده‌های خود را به اشتراک می‌گذاشتند و با شور و اشتیاق درباره اکتشافات جدید خود بحث می‌کردند.

اینگونه بود که امپرسیونیسم ظاهر شد - یک روند انقلابی در هنر در یک سوم پایانی قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم. نقاشانی که در مسیر امپرسیونیسم قدم گذاشتند، سعی کردند به طور طبیعی و واقعی تری در آثار خود به تصویر بکشند. جهانو واقعیت روزمره در تحرک و ناپایداری بی پایان آنها، برای بیان احساسات زودگذر خود.

امپرسیونیسم پاسخی به رکود آکادمیک گرایی بود که در آن سال ها بر هنر حاکم بود، میل به رهایی نقاشی از وضعیت ناامیدکننده ای که به تقصیر هنرمندان سالن در آن افتاد. که هنر مدرندر حال زوال است، بسیاری از افراد مترقی اندیش تکرار کردند: یوژن دلاکروا، گوستاو کوربه، شارل بودلر. امپرسیونیسم نوعی شوک درمانی برای «ارگانیسم رنج‌دیده» بود.

با ظهور نقاشان ژانر جوان ادوارد مانه، آگوست رنوار، ادگار دگا، باد تغییر به نقاشی فرانسوی نفوذ کرد و بی‌واسطگی تفکر در زندگی، ارائه موقعیت‌ها و حرکات گذرا و گویی غیرمنتظره، بی‌ثباتی وهمی و عدم تعادل فرم ها، ترکیب بندی تکه تکه، دیدگاه ها و زوایای غیرقابل پیش بینی.

عصرها که هنرمندان به دلیل نورپردازی ضعیف دیگر فرصت نقاشی بوم های خود را نداشتند، استودیوهای خود را ترک می کردند و پشت درگیری های پرشور در کافه های پاریس می نشستند. بنابراین کافه Guerbois به یکی از مکان‌های ملاقات ثابت برای تعداد انگشت شماری از هنرمندان تبدیل شد که حول ادوارد مانه متحد شدند. جلسات منظم پنج‌شنبه‌ها برگزار می‌شد و در روزهای دیگر می‌توان گروهی از هنرمندان را که به صورت متحرک صحبت می‌کردند یا با هم بحث می‌کردند، دستگیر کرد. کلود مونه جلسات کافه ژربوا را اینگونه توصیف می کند: «هیچ چیز هیجان انگیزتر از این جلسات و برخورد بی پایان دیدگاه ها وجود ندارد. آنها ذهن ما را تیز کردند، آرزوهای اصیل و قلبی ما را تحریک کردند، شور و شوقی را به ما دادند که ما را برای هفته های متمادی حفظ کرد تا اینکه ایده به طور کامل شکل گرفت. ما این جلسات را با روحیه بالا، با اراده ای قوی تر، با افکاری مشخص تر و روشن تر ترک کردیم.

در آستانه دهه 1870، امپرسیونیسم نیز در چشم انداز فرانسه پایه گذاری شد: کلود مونه، کامیل پیسارو، آلفرد سیسلی اولین کسانی بودند که یک سیستم هوای ثابت را توسعه دادند. آنها بوم های خود را بدون طرح و طرح نقاشی می کردند بیرون از خانهبلافاصله بر روی بوم، تجسم در نقاشی های خود درخشان نور خورشید، فراوانی افسانه ای از رنگ های طبیعت، انحلال اشیاء نشان داده شده در محیط، ارتعاشات نور و هوا، شورش رفلکس ها. برای رسیدن به این هدف، سیستم رنگی مورد مطالعه توسط آنها با تمام جزئیات، که در آن رنگ طبیعی به رنگ های طیف خورشیدی تجزیه می شد، کمک زیادی کرد. هنرمندان برای ایجاد یک بافت رنگارنگ غیرمعمول روشن و ظریف، رنگ خالص را در حرکات جداگانه روی بوم اعمال کردند، در حالی که انتظار می‌رفت اختلاط نوری در چشم انسان وجود داشته باشد. این تکنیک، که بعداً دگرگون شد و به طور نظری مورد بحث قرار گرفت، به مرکز آرمان هنری برجسته دیگری تبدیل شد - پوانتیلیسم، به نام «تقسیم‌گرایی» (از فرانسوی «تقسیم‌کننده» - تقسیم کردن).

امپرسیونیست ها علاقه فزاینده ای به ارتباطات بین جسم و محیط نشان دادند. موضوع تحلیل خلاقانه دقیق آنها تغییر رنگ و شخصیت یک شی در یک محیط در حال تغییر بود. برای رسیدن به این ایده، همان شیء به طور مکرر به تصویر کشیده شد. با اضافه شدن رنگ خالص در سایه ها و بازتاب ها، رنگ سیاه تقریباً از پالت خارج شد.

ژول لافورگ، منتقد، پدیده امپرسیونیسم را این گونه بیان می کند: «امپرسیونیست طبیعت را آن گونه که هست، یعنی فقط با ارتعاشات مسحورکننده می بیند و منتقل می کند. نقاشی، نور، حجم، پرسپکتیو، کیاروسکورو - همه اینها یک طبقه بندی عقب نشینی است. معلوم می شود که همه چیز توسط ارتعاشات رنگ تعیین می شود و باید توسط ارتعاشات رنگ بر روی بوم حک شود.

با تشکر از فعالیت ها و جلسات در فضای باز در کافه ها در 27 دسامبر 1873، "ناشناس، مجسمه ساز، حکاکی، و غیره." - بنابراین در ابتدا آنها خود را امپرسیونیست نامیدند. اولین نمایشگاه انجمن در بهار یک سال بعد در گالری تجاری نادار برگزار شد، عکاس تجربی که هنر مدرن را نیز می فروخت.

اولین نمایش در 15 آوریل 1874 انجام شد. این نمایشگاه قرار بود به مدت یک ماه با زمان بازدید - از ده تا شش و که یک نوآوری هم بود، از هشت تا ده شب برگزار شود. بلیط ورودیقیمت یک فرانک، کاتالوگ ها را می توان به قیمت پنجاه سانتی متر خریداری کرد. در ابتدا به نظر می رسید نمایشگاه مملو از بازدید کنندگان است، اما جمعیت در آنجا فقط به تمسخر مشغول بودند. برخی به شوخی گفتند که وظیفه این هنرمندان را می توان با پر کردن یک تفنگ با لوله های مختلف رنگ، سپس تیراندازی به بوم و اتمام با امضا به دست آورد.

نظرات تقسیم شد: یا نمایشگاه اصلا جدی گرفته نشد و یا به نُه نقد شد. برداشت کلی را می توان در مقاله زیر از آرمان طعنه آمیز "نمایشگاه امپرسیونیستی" با امضای لوئیس لروی که در قالب یک فیلتون منتشر شده است بیان کرد. در اینجا شرح گفتگوی بین نویسنده و آکادمیک - نقاش منظره که مدال دریافت کرده است، با هم در سالن های نمایشگاه قدم می زنند:

«... هنرمند بی تدبیر به آنجا آمد، بدون اینکه چیز بدی را فرض کند، انتظار داشت در آنجا بوم‌هایی را ببیند که همه جا پیدا می‌شود، نشان‌دهنده و بی‌فایده، بی‌فایده‌تر از نشان‌دهنده، اما نه چندان دور از برخی معیارهای هنری، فرهنگ فرم و احترام. برای استادان قدیمی

افسوس، فرم! افسوس استادان قدیمی! دوست بیچاره من دیگه قرار نیست بخونیمشون! ما همه چیز را تغییر دادیم!"

این نمایشگاه همچنین منظره ای از کلود مونه را به نمایش گذاشت که سپیده دم صبح را در خلیجی پوشیده از مه نشان می داد - نقاش آن را «تأثیر» نامید. طلوع خورشید» (تصویر). در اینجا تفسیر یکی از شخصیت ها در مقاله طنز لویی لروی بر روی این بوم است که نام پر شورترین و مشهورترین جنبش در هنر قرن 19 را داده است:

«...- اینجا چه چیزی ترسیم شده است؟ در کاتالوگ نگاه کنید. - "احساس؛ عقیده؛ گمان. طلوع خورشید". - برداشت - همانطور که انتظار داشتم. فقط با خودم فکر می کردم که چون تحت تأثیر قرار گرفته ام، پس باید برداشتی در آن منتقل شود... و چه سستی، چه نرمی اجرا! کاغذ دیواری در درجه اصلی پردازش کامل تر از این منظره است ... ".

شخصاً مونه به هیچ وجه مخالف چنین نامی برای تکنیک هنری که در عمل به کار می برد، نبود. جوهره اصلی کار او دقیقاً ثبت و ضبط لحظات دست نیافتنی زندگی است که او روی آنها کار کرده است و باعث ایجاد مجموعه های بی شماری از نقاشی های او شده است: "هک" ، "صنوبر" ، "کلیسای جامع روئن" ، "ایستگاه سنت لازار". , “Pond at Giverny” , “London. ساختمان مجلس و دیگران. مورد دیگر، ادگار دگا، که دوست داشت خود را "مستقل" خطاب کند زیرا در سالن شرکت نکرد. سبک خشن و غم انگیز او در نوشتن، که به عنوان نمونه ای برای بسیاری از حامیان (که تولوز-لوترک به ویژه برجسته بود)، برای هیئت داوران دانشگاهی قابل قبول نبود. هر دوی این نقاشان به سازمان دهندگان بعدی نمایشگاه های امپرسیونیست ها، چه در فرانسه و چه در خارج از کشور - در انگلستان، آلمان و ایالات متحده تبدیل شدند.

برعکس، آگوست رنوار، با حضور در اولین نمایشگاه امپرسیونیست ها، امید خود را برای تسخیر سالن از دست نداد و هر سال دو نقاشی را به نمایشگاه های خود ارسال کرد. او دوگانگی مشخصه اعمال خود را در نامه نگاری با رفیق و حامی خود دوران روئل توضیح می دهد: «... من از نظرات دردناکی که یک اثر بسته به مکان نمایش آن، شایسته یا نالایق است، حمایت نمی کنم. خلاصه نمیخوام بیهوده وقت تلف کنم و با سالن قهر کنم. من حتی نمی خواهم وانمود کنم که عصبانی هستم. فقط فکر می کنم باید هر چه زودتر نقاشی بکشی، همین. اگر به خاطر بی وجدان بودن در هنرم مورد سرزنش قرار می گرفتم یا از روی جاه طلبی پوچ از نظرات خود چشم پوشی می کردم، چنین اتهاماتی را می پذیرم. اما چون چیزی نزدیک به آن نیست، نیازی به سرزنش من نیست.»

ادوارد مانه که رسماً خود را درگیر جهت گیری امپرسیونیست ها نمی دانست، خود را نقاش رئالیست می دانست. با این حال، رابطه نزدیک بی وقفه با امپرسیونیست ها، بازدید از نمایشگاه های آنها، به طور نامحسوسی سبک نقاش را تغییر داد و آن را به امپرسیونیست نزدیک کرد. در سال‌های رو به مرگ زندگی‌اش، رنگ‌ها در نقاشی‌هایش روشن می‌شوند، سکته مغزی فراگیر است، ترکیب بندی تکه تکه است. مانه نیز مانند رنوار منتظر نظر کارشناسان رسمی در حوزه هنر بود و مشتاق شرکت در نمایشگاه های سالن بود. اما برخلاف میل خود، او بت هنرمندان آوانگارد پاریسی، پادشاه بی تاج و تخت آنها شد. با وجود همه چیز، او سرسختانه با بوم هایش به سالن هجوم برد. فقط قبل از مرگش او به اندازه کافی خوش شانس بود که مکان رسمی سالن را به دست آورد. آن را پیدا کرد و آگوست رنوار.

با توصیف افراد کلیدی امپرسیونیسم، زشت است که حداقل به طور جزئی، فردی را که به کمک او مکرراً رسوا شده اند به یاد نیاوریم. جهت هنریبه یک دستاورد هنری مهم قرن 19 تبدیل شد، تمام جهان را فتح کرد. نام این مرد پل دوراند-روئل، مجموعه دار، دلال آثار هنری است که بارها خود را در آستانه ورشکستگی می بیند، اما تلاش های خود را برای تثبیت امپرسیونیسم به عنوان هنری جدید که هنوز به اوج خود نرسیده است، رها نکرده است. او نمایشگاه هایی از امپرسیونیست ها در پاریس و لندن ترتیب داد، نمایشگاه های شخصی نقاشان را در گالری خود ترتیب داد، حراج ها را سازمان داد، به سادگی به هنرمندان کمک مالی کرد: زمان هایی بود که بسیاری از آنها پولی برای رنگ و بوم نداشتند. گواه قدردانی و احترام پرشور هنرمندان، نامه های آنان به دیورند روئل است که از آنها بسیار باقی مانده است. شخصیت دوراند-روئل نمونه ای از جمع آوری کننده و نیکوکار باهوش است.

"امپرسیونیسم" یک مفهوم نسبی است. همه نقاشانی که ما با این گرایش به حساب می‌آوریم، آموزش آکادمیک را گذرانده‌اند، که شامل شرح دقیق جزئیات و سطح نقاشی صاف و براق است. با این حال، آنها به زودی به مضامین و نقشه های معمولی که توسط سالن تجویز می شد، نقاشی هایی در جهتی واقع گرایانه که منعکس کننده واقعیت واقعی، زندگی روزمره بود، ترجیح دادند. متعاقباً، هر یک از آنها برای مدت معینی به سبک امپرسیونیسم نوشتند و سعی کردند به طور عینی اشیاء را در نقاشی های خود تحت شرایط نوری مختلف منتقل کنند. پس از چنین مرحله امپرسیونیستی، اکثر این هنرمندان آوانگارد به تحقیقات مستقل روی آوردند و نام جمعی "پست امپرسیونیسم" را به خود گرفتند. بعداً کار آنها به شکل گیری انتزاع گرایی قرن بیستم کمک کرد.

در دهه 70 قرن نوزدهم، اروپا به هنر ژاپنی معتاد شد. ادموند دو گونکور در یادداشت های خود می گوید: «... اشتیاق به هنر ژاپنی ... همه چیز را در بر گرفت - از نقاشی گرفته تا مد. در ابتدا، این شیدایی افراد غیرعادی مانند من و برادرم بود، ... پس از آن، هنرمندان امپرسیونیست به ما پیوستند. در واقع، در نقاشی های امپرسیونیست های آن زمان، ویژگی های فرهنگ ژاپنی: فن، کیمونو، صفحه نمایش. آنها همچنین روش های سبک و راه حل های پلاستیکی را از حکاکی ژاپنی یاد گرفتند. بسیاری از امپرسیونیست ها مجموعه داران مشتاق چاپ های ژاپنی بودند. به عنوان مثال، ادوارد مانه، کلود مونه، ادگار دگا.

به طور کلی، به اصطلاح امپرسیونیست ها از سال 1874 تا 1886، 8 نمایشگاه با فواصل زمانی نامساوی برگزار کردند. نیمی از 55 نقاش که به انجمن گمنام تعلق داشتند، به دلیل شرایط مختلف، فقط در اول ظاهر شدند. یک شرکت کننده استثنایی در هر 8 نمایشگاه، کامیل پیسارو بود که به خاطر روحیه آرام و صلح آمیز خود متمایز بود.

در سال 1886، نمایشگاه نهایی امپرسیونیست ها برگزار شد، اما به عنوان یک روش هنری، به حیات خود ادامه داد. نقاشان کار سخت را ترک نکردند. اگرچه شراکت سابق، وحدت، دیگر در دسترس نبود. هر کدام راه خود را هموار کردند. رویارویی های تاریخی به پایان رسید، به پیروزی دیدگاه های جدید ختم شد و نیازی به اتحاد وجود نداشت. اتحاد باشکوه هنرمندان امپرسیونیست از هم جدا شد و نمی‌توانست از هم جدا شود: همه آنها نه تنها از نظر خلق و خو، بلکه در دیدگاه‌ها و اعتقادات هنری به‌طور دردناکی متفاوت بودند.

امپرسیونیسم به عنوان یک جهت منطبق با زمان خود، در خروج از مرزهای فرانسه کوتاهی نکرد. سوالات مشابهی توسط نقاشان در کشورهای دیگر (جیمز ویستلر در انگلستان و ایالات متحده آمریکا، ماکس لیبرمن و لوویس کورینث در آلمان، کنستانتین کرووین و ایگور گرابار در روسیه) پرسیده شد. شیفتگی امپرسیونیسم با حرکت آنی، شکل سیال نیز توسط مجسمه سازان (آگوست رودن در فرانسه، پائولو تروبتسکوی و آنا گلوبکینا در روسیه) پذیرفته شد.

امپرسیونیست ها با انجام انقلابی در دیدگاه معاصران و گسترش جهان بینی خود ، راه را برای شکل گیری بعدی هنر و ظهور آرمان ها و ایده های زیباشناختی جدید هموار کردند ، اشکال جدیدی که طولی نکشید. نئو امپرسیونیسم، پست امپرسیونیسم، فوویسم که از امپرسیونیسم برخاسته بود، متعاقباً شکل‌گیری و توسعه روندها و گرایش‌های زیبایی‌شناختی جدید را تحریک کرد.

امپرسیونیسم اولین بار در اواخر قرن نوزدهم در فرانسه ظاهر شد. قبل از ظهور این گرایش، طبیعت بی جان، پرتره و حتی مناظر بیشتر توسط هنرمندان در استودیوها نقاشی می شد. از سوی دیگر، نقاشی‌های امپرسیونیستی اغلب در فضای باز خلق می‌شوند و صحنه‌های واقعی و زودگذر از آن‌ها ساخته می‌شوند زندگی مدرن. و اگرچه امپرسیونیسم در ابتدا مورد انتقاد قرار گرفت، اما به زودی طرفداران زیادی جمع کرد و پایه و اساس جنبش های مشابه در موسیقی و ادبیات را گذاشت.

نقاشان معروف امپرسیونیست فرانسوی

جای تعجب نیست که یکی از معروف ترین مقاصد هنرهای تجسمیاین امپرسیونیسم در نقاشی بود که تبدیل شد: هنرمندانی که در این سبک کار می کردند بوم های شگفت انگیز زیبایی را از خود به جای گذاشتند، نوری مانند نفسی از هوای تازه، پر از نورو رنگ ها بسیاری از این آثار زیبا توسط استادان امپرسیونیسم زیر نوشته شده است که هر خبره نقاشی جهان با احترام به خود آنها را می شناسد.

ادوارد مانه

با وجود این واقعیت که کل کار ادوارد مانه را نمی توان تنها در چارچوب امپرسیونیسم قرار داد، نقاش تا حد زیادی بر ظهور تأثیر گذاشت. این روندو دیگر هنرمندان فرانسوی که در این سبک کار می کردند او را پایه گذار امپرسیونیسم و ​​الهامات ایدئولوژیک آنها می دانستند. دوستان خوباستادان مشهور دیگری بودند امپرسیونیست های فرانسوی: ادگار دگا، پیر آگوست رنوار، و همچنین یک نقاش امپرسیونیست با نام خانوادگی مشابهی که مبتدیان را در دنیای نقاشی گیج می کند - کلود مونه.

پس از آشنایی با این هنرمندان، تغییرات امپرسیونیستی در آثار مانه رخ داد: او شروع به ترجیح کار در فضای باز کرد، نور، رنگ های روشن، نور فراوان و ترکیب کسری در نقاشی ها غالب شد. اگرچه او هنوز رنگ های تیره را رد نمی کند و نقاشی در مناظر را به مناظر ترجیح می دهد. ژانر داخلی- این را می توان در آثار نقاش "Bar at the Folies Bergère"، "Music at the Tuileries"، "Barfast on the Grass"، "Papa Lathuille's"، "Argenteuil" و دیگران ردیابی کرد.

کلود مونه

نام این هنرمند فرانسوی، شاید، حداقل یک بار در زندگی او همه شنیده اند. کلود مونه یکی از بنیانگذاران امپرسیونیسم بود و این نقاشی او بود "Impression: خورشید در حال طلوعنام خود را به این جنبش داد.

در دهه 60 سال نوزدهمقرن، هنرمند امپرسیونیست یکی از اولین کسانی بود که به نقاشی روی آن علاقه مند شد هوای تازهو بسیاری بعداً یک رویکرد تجربی جدید برای کار ایجاد کردند. این شامل مشاهده و به تصویر کشیدن یک شی در زمان های مختلف روز بود: به این ترتیب مجموعه ای کامل از بوم ها مشرف به نمای کلیسای جامع روئن ایجاد شد که هنرمند حتی در مقابل آن مستقر شد تا دید ساختمان را از دست ندهد.

همانطور که امپرسیونیسم را در نقاشی مطالعه می کنید، مزرعه خشخاش مونه در آرژانتوی، پیاده روی تا صخره در پورویل، زنان در باغ، بانوی چتر، بلوار کاپوسین، و نیلوفرهای آبی را از دست ندهید.

پیر آگوست رنوار

این هنرمند امپرسیونیست دید منحصر به فردی از زیبایی داشت که رنوار را به یکی از مشهورترین نمایندگان این جنبش تبدیل کرد. اول از همه، او به خاطر نقاشی هایش از زندگی شلوغ و اوقات فراغت پاریسی مشهور است. اواخر نوزدهمقرن ها رنوار به خوبی می دانست که چگونه با رنگ و کیاروسکورو کار کند، به ویژه، به توانایی استثنایی او در نقاشی برهنه، با انتقال منحصر به فرد تن ها و بافت ها اشاره شده است.

از دهه 80، نقاش امپرسیونیست بیشتر به سمت سبک کلاسیک نقاشی متمایل شد و به نقاشی رنسانس علاقه مند شد، که او را مجبور کرد خطوط تندتر و ترکیب بندی واضح را در آثار بالغ خود بگنجاند. در این دوره بود که پیر آگوست رنوار برخی از فنا ناپذیرترین آثار دوران خود را خلق کرد.

به نقاشی های رنوار مانند "صبحانه قایقرانان"، "توپ در مولن د لا گالت"، "رقص در دهکده"، "چترها"، "رقص در بوگیوال"، "دختران در پیانو" توجه ویژه ای داشته باشید.

ادگار دگا

در تاریخ هنر، ادگار دگا به عنوان یک هنرمند امپرسیونیست باقی ماند، اگرچه خودش این برچسب را انکار کرد و ترجیح داد خود را یک هنرمند مستقل بنامد. در واقع، او علاقه خاصی به رئالیسم داشت که این هنرمند را از سایر امپرسیونیست ها متمایز می کرد، اما در عین حال از بسیاری از تکنیک های امپرسیونیستی در کار خود استفاده می کرد، به ویژه، او به همان شیوه با نور "بازی" می کرد و به تصویر کشیدن علاقه داشت. صحنه هایی از زندگی شهری

دگا همیشه توسط شخصیت انسانی جذب می شد، او اغلب خوانندگان، رقصندگان، لباسشویی ها را به تصویر می کشید و سعی می کرد به تصویر بکشد. بدن انساندر موقعیت های مختلف، به عنوان مثال، روی بوم های "کلاس رقص"، "تمرین"، "کنسرت در کافه سفیر"، "ارکستر اپرا"، "رقصندگان در آبی".

کامیل پیسارو

پیسارو تنها هنرمندی بود که در هر هشت نمایشگاه امپرسیونیستی از سال 1874 تا 1886 شرکت کرد. در حالی که نقاشی های امپرسیونیستی به خاطر صحنه های شهری و روستایی خود شناخته می شوند، نقاشی های پیسارو زندگی روزمره دهقانان فرانسوی را به بیننده نشان می دهد و طبیعت روستایی را در شرایط مختلف و در شرایط نوری مختلف به تصویر می کشد.

با آشنایی با نقاشی هایی که این هنرمند امپرسیونیست نوشته است، قبل از هر چیز ارزش دیدن آثار "بلوار مونمارتر در شب"، "برداشت در ارگنی"، "استراحت دروها"، "باغ در پونتوا" و "ورودی به روستای" را دارد. Voisin”.

امپرسیونیسم(امپرسیونیسم فرانسوی، از Impression - Impression) - روندی در هنر از یک سوم پایانی قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم، که در فرانسه سرچشمه گرفت و سپس در سراسر جهان گسترش یافت، که نمایندگان آن در صدد بودند تا به طور طبیعی دنیای واقعی را در تحرک آن به تصویر بکشند. و تنوع، برای انتقال برداشت های زودگذر خود.

1. رهایی از سنت های رئالیسم (بدون اسطوره، کتاب مقدس و نقاشی های تاریخی، فقط زندگی مدرن).

2. مشاهده و مطالعه واقعیت پیرامون. نه آنچه را که می بیند، بلکه چگونه می بیند از موضع درک شده "جوهر بصری اشیا"

3. زندگی روزمرهشهر مدرن روانشناسی شهرنشین. پویایی زندگی. سرعت، ریتم زندگی.

4. "اثر یک لحظه کشیده"

5. فرم های جدید را جستجو کنید. اندازه های کوچک آثار (اتود، کادربندی). معمولی نیست، اما تصادفی است.

6. سریال سازی نقاشی ها (هک های مونه)

7. تازگی سیستم نقاشی. رنگ خالص را باز کنید. رلیف، غنی ترین مجموعه رفلکس ها، لرزان.

8. ترکیب ژانرها.

ادوارد مانه -مبتکر از رنگ های متراکم ناشنوا گرفته تا نقاشی روشن. تکه تکه شدن ترکیبات.

"المپیا" -متکی به Titian، Giorgione، Goya است. ارائه شده توسط ویکتوریا موران. زهره به عنوان یک کوکوت مدرن به تصویر کشیده شده است. زیر پای یک گربه سیاه. یک زن سیاه پوست یک دسته گل تقدیم می کند. پس زمینه رنگی گرم و تیره از بدن زن مانند مروارید روی ورقه های آبی است. صدا خراب است. مدل سیاه و سفید وجود ندارد.

"صبحانه روی چمن"- مدل و دو هنرمند + منظره + طبیعت بی جان. کت های روسری مشکی با اندام برهنه تضاد ایجاد می کنند.

"فلوت نواز"- برداشت از موسیقی.

"Bar Folies-Bergere" -دختر ساقی است هیجان لحظه‌ای که نگاه می‌کند. تنهایی یک شهر شلوغ. توهم خوشبختی. من آن را در کل بوم قرار دادم (در افکار من غیرقابل دسترسی است، اما برای مشتریان بار قابل دسترس است). سالن پربازدیدکنندگان - تصویری از جهان.

کلود مونه -توالی سنتی (زیرپوش، لعاب، و غیره) را رها کرد. - آلا پریما

"احساس؛ عقیده؛ گمان. خورشید در حال طلوع" -فیریا زرد، نارنجی، سبز. قایق یک لهجه بصری است. مناظر گریزان، ناتمام، بدون خطوط. تغییرپذیری محیط نور-هوا. پرتوهای نور دید را تغییر می دهند.

"صبحانه روی چمن" -لبه جنگل، تجربه پیک نیک , گامای سبز تیره با قهوه ای و سیاه در هم آمیخته است. برگها خیس هستند. لباس های زن و سفره نورانی، پر از هوا، نور از میان شاخ و برگ.

بلوار کاپوسین در پاریستکه تکه دو نفر را که از بالکن به بلوار نگاه می کنند قطع می کند. ازدحام مردم زندگی شهر است. نیمی در نور از غروب خورشید و نیمی در سایه ساختمان. بدون مرکز بصری، تاثیر فوری.

"صخره ها در Belle-Ile"- توده متحرک آب غالب است (ضربه های ضخیم). سایه های رنگین کمانی به شدت اعمال می شود. سنگ ها در آب منعکس می شوند و آب در سنگ ها منعکس می شود. احساس قدرت عناصر، جوشاندن آب سبز-آبی. ترکیب افق بالا

"گار سن لازار" -فضای داخلی ایستگاه نشان داده شده است، اما لوکوموتیو بخار و بخاری که در همه جا وجود دارد جالب تر است (شذب مه، مه یاسی).

پیر آگوست رنوار- هنرمند شادی، که در درجه اول به عنوان استاد یک پرتره سکولار شناخته می شود، نه خالی از احساسات.

"تاب خوردن"- آغشته به رنگ های گرم، جوانی نشان داده شده است، دختر تحت تاثیر قرار می گیرد.

"توپ در مولن د لا گالت" -صحنه ژانر روز جوانان، دانشجویان، مغازه داران و غیره. روی میزهای زیر درختان اقاقیا، یک زمین رقص. سرریز نور (خرگوش های خورشیدی در پشت).

"پرتره ژان سامری" -زنان گل بازیگر جذاب، زنانه، برازنده، تاثیرگذار، مستقیم. چشمان عمیق، آفتابی روشنلبخند.

"پرتره مادام شارپنتیه با کودکان"- یک زن سکولار ظریف با لباس مشکی با قطار و دو دختر با لباس آبی. میز ملیله، سگ، پارکت - همه چیز از ثروت خانواده صحبت می کند.

ادگار دگا- در فضای باز، فرقه خط و نقاشی ننوشت. ترکیبات مورب (از پایین به بالا))؛ S شکل و مارپیچ + پنجره ای که از آن نورپردازی می شود + نورپردازی از نورافکن. روغن، سپس تخت.

"دختران باله"، "رقصنده ها"- به زندگی بالرین ها حمله می کند. سکته‌ها طراحی و نقاشی را به هم متصل می‌کنند. سرعت ثابت تمرین.

"رقصنده های آبی"- بدون فردیت - یک تاج گل از بدن. در یک گوشه هنوز نور از رمپ ها وجود دارد و در گوشه دیگر سایه بال ها. لحظه بیشتر بازیگران زن و مردم عادی. سیلوئت های رسا، لباس های آبی گل ذرت. تکه تکه شدن - شخصیت ها به بیننده نگاه نمی کنند.

"غیبت" -زن و مرد در یک کافه نشسته اند. خاکستر گاما. مردی با لوله به یک جهت نگاه می کند و زن مست با نگاهی جدا شده - تنهایی دردناک.

کامیل پیسارو -علاقه مند به مناظر، از جمله مردم، چرخ دستی در آنها. انگیزه راه با پیاده روی. بهار و پاییز را دوست داشت.

«ورودی روستای وویسین» - منظره ای کم نور و نرم، درختان در امتداد جاده - ورودی را قاب می کنند، شاخه های آنها مخلوط می شوند و در آسمان حل می شوند. اسب آرام آرام راه می رود. خانه ها فقط اشیای معماری نیستند، بلکه خانه هایی برای مردم هستند (لانه های گرم).

"گذرگاه اپرا در پاریس"(سریال) - یک روز ابری خاکستری. سقف ها کمی پودر شده از برف، سنگفرش خیس است، ساختمان ها در حجابی از برف غرق شده اند، رهگذران با چتر به سایه تبدیل می شوند. رنگ هوای مرطوب را در بر می گیرد. رنگ های آبی یاسی، زیتونی. ضربه های کوچک.

آلفرد سیسلی- به دنبال توجه به زیبایی طبیعت، آرامش حماسی ذاتی در چشم انداز روستایی بود.

"یخبندان در لووسین" -صبح، حالت تازه، اشیاء در نور غرق می شوند (همجوشی). بدون سایه (نقاط ظریف)، رنگ های زرد-نارنجی. گوشه ای ساکت، شهری شتابزده نیست. احساس خلوص، شکنندگی، عشق به این مکان

امپرسیونیسم در روسیه بیشتر توسعه می یابد دیر وقتو با سرعتی شتابان نسبت به فرانسه

V.A.Serov -بی تفاوت به نقاشی آکادمیکمی خواهد زیبایی طبیعت را با رنگ نشان دهد.

"دختری با هلو"- پرتره ای از Verochka Mamontova. همه چیز طبیعی و بدون محدودیت است، هر جزئیات با یکدیگر مرتبط است. زیبایی چهره یک دختر، شعر سبک زندگی، نقاشی رنگارنگ اشباع شده از نور. جذابیت و طراوت مطالعه، به طور ارگانیک دو روند را با هم ترکیب کرد، دو نیرویی که شکل واحدی از دید تصویری را تشکیل دادند. همه چیز خیلی ساده و طبیعی به نظر می رسد، اما عمق و تمامیت در این سادگی بسیار است!! V. Serov با نهایت رسا، نوری را که در جریانی نقره‌ای از پنجره می‌ریخت و اتاق را پر می‌کرد، منتقل کرد. دختر پشت میز نشسته است و مشغول هیچ کاری نیست، انگار که واقعاً یک لحظه نشسته است، به طور خودکار هلویی را برداشت و نگه می دارد و ساده و صریح به شما نگاه می کند. اما این آرامش تنها لحظه ای است و اشتیاق به حرکات تند و تیز از میان آن می نگرد.

"فرزندان"- نشان می دهد دنیای معنویفرزندان (پسران). بزرگتر به غروب آفتاب نگاه می کند و کوچکتر رو به بیننده. نگاهی متفاوت به زندگی

"میکا موروزوف"- روی صندلی می نشیند، اما روی بیننده می غلتد. هیجان کودکانه منتقل می شود.

"دختر کر"- اتود او با ضربات آبدار قلم مو، خطوط پهن در شاخ و برگ، سکته مغزی عمودی یا افقی و در بافت ⇒ پویایی، هوا و نور متفاوت نقاشی می کند. ترکیبی از طبیعت و دختران، طراوت، بی‌درنگ.

"پاریس. بلوار des Capucines" -کالیدوسکوپ رنگارنگ رنگ ها نور مصنوعی - سرگرمی، تئاتر تزئینی.

I.E. Grabar -شروع ارادی و احساسی

« لاجوردی فوریه»- من یک توس از سطح زمین دیدم و شوکه شدم. زنگ های رنگین کمان با لاجوردی آسمان یکی شده است. توس به یاد ماندنی است (در کل بوم).

"برف مارس"- دختر سطل ها را روی یوغ حمل می کند، سایه درخت روی برف های آب شده.

امپرسیونیسم هنر جدیدی را باز کرد - مهم این است که هنرمند چگونه می بیند، اشکال جدید و روش های ارائه. آنها یک لحظه دارند، ما یک کشش در زمان داریم. پویایی کمتر، رمانتیسم بیشتر داریم.

مانه صبحانه روی چمن مانه المپیا

مانه "بار فولیس-برگر"مانه فلوت نواز"

مونه "احساس؛ عقیده؛ گمان. طلوع خورشید مونه "صبحانه روی چمن" - "بولوار des Capucines در پاریس"

مونه "صخره ها در بل ایل"» مونه گار سن لازار

بلوار مونه دس کاپوسین در پاریسرنوار"تاب خوردن"

رنوار "توپ در مولن د لا گالت" رنوار "پرتره ژان سامری"

رنوار "پرتره مادام شارپانتیه با کودکان"

دگا "رقصنده های آبی"دگا "غیبت"

پیسارو -"گذرگاه اپرا در پاریس"(سریال) پیسارو «ورودی روستای وویسین»

سیسلی "یخبندان در لووسین" سروف "دختری با هلو"

سرو "کودکان" سرو "میکا موروزوف"

کورووین "دختر کر" کورووین "پاریس. بلوار کاپوسین ها»

گرابار "لاجوردی فوریه" گرابار "برف مارس"

"نمایشگاه امپرسیونیست ها" بر اساس نام نقاشی کلود مونه "Impression. طلوع خورشید» (fr. Impression, soleil levant). در ابتدا، این اصطلاح تا حدودی تحقیرآمیز بود و نشان دهنده نگرش مشابهی نسبت به هنرمندانی بود که به شیوه ای جدید «بی دقت» می نوشتند.

امپرسیونیسم در نقاشی

ریشه ها

در اواسط دهه 1880، امپرسیونیسم به تدریج به عنوان یک جهت واحد وجود نداشت و از هم پاشید و انگیزه قابل توجهی به تکامل هنر داد. در آغاز قرن بیستم، گرایش به دور شدن از رئالیسم شتاب بیشتری گرفت و نسل جدیدی از هنرمندان از امپرسیونیسم دور شدند.

پیدایش نام

دهه ها گذشت. و نسل جدیدی از هنرمندان به یک فروپاشی واقعی اشکال و فقیر شدن محتوا خواهند رسید. سپس هم منتقدان و هم مردم در امپرسیونیست های محکوم - رئالیست ها و کمی بعد، کلاسیک های هنر فرانسه را دیدند.

ویژگی فلسفه امپرسیونیسم

امپرسیونیسم فرانسوی مشکلات فلسفی را مطرح نکرد و حتی سعی نکرد به سطح رنگی زندگی روزمره نفوذ کند. درعوض، امپرسیونیسم، که تا حدی هنر کمپینگ و منشی است، بر سطحی بودن، سیال بودن یک لحظه، حالت، نور، یا زاویه دید تمرکز دارد.

امپرسیونیسم مانند هنر رنسانس (رنسانس)، بر ویژگی ها و مهارت های درک دیدگاه ساخته شده است. در عین حال، بینش رنسانس با سوبژکتیویته و نسبیت اثبات شده ادراک انسان منفجر می شود، که رنگ و اجزای مستقل تصویر را تشکیل می دهد. برای امپرسیونیسم، آنچه در شکل نشان داده شده است، مهم نیست، بلکه نحوه نشان دادن آن مهم است.

نقاشی های امپرسیونیستی حامل انتقاد اجتماعی نیستند، مشکلات اجتماعی مانند گرسنگی، بیماری، مرگ را لمس نمی کنند و تنها جنبه های مثبت زندگی را ارائه می دهند. این بعدها به انشعاب در بین خود امپرسیونیست ها منجر شد.

امپرسیونیسم و ​​جامعه

امپرسیونیسم با دموکراسی مشخص می شود. با اینرسی، هنر در قرن نوزدهم در انحصار اشراف، طبقات بالای جمعیت در نظر گرفته شد. آنها بودند که به عنوان مشتریان اصلی نقاشی های دیواری، بناهای تاریخی عمل کردند، آنها بودند که خریداران اصلی نقاشی ها و مجسمه ها بودند. قطعه هایی از کار سختدهقانان، صفحات غم انگیز مدرنیته، جنبه های شرم آور جنگ ها، فقر، آشفتگی اجتماعی محکوم شدند، تایید نشدند، خریداری نشدند. انتقاد از اخلاق کفرآمیز جامعه در نقاشی های تئودور ژریکولت، فرانسوا میله تنها از طرف حامیان هنرمندان و چند متخصص پاسخ یافت.

امپرسیونیست ها در این موضوع مواضع کاملاً سازشکارانه و متوسطی را اشغال کردند. توطئه های کتاب مقدس، ادبی، اسطوره ای، تاریخی که در آکادمیک گرایی رسمی ذاتی بود کنار گذاشته شد. از سوی دیگر، آنها مشتاقانه خواهان شناخت، احترام و حتی جوایز بودند. نشان دهنده فعالیت ادوارد مانه است که سال ها به دنبال شناخت و جوایز از سالن رسمی و مدیریت آن بود.

در عوض، چشم اندازی از زندگی روزمره و مدرنیته ظاهر شد. هنرمندان اغلب افراد را در حال حرکت نقاشی می کردند، هنگام تفریح ​​یا استراحت، منظره یک مکان خاص را در یک نور خاص تصور می کردند، طبیعت نیز انگیزه کار آنها بود. آنها موضوعاتی مانند معاشقه، رقص، اقامت در کافه ها و تئاترها، سفرهای قایق، در سواحل و باغ ها را انتخاب کردند. با قضاوت بر اساس نقاشی های امپرسیونیست ها، زندگی مجموعه ای از تعطیلات کوچک، مهمانی ها، تفریحات دلپذیر در خارج از شهر یا در یک محیط دوستانه است (تعدادی از نقاشی های رنوار، مانه و کلود مونه). امپرسیونیست ها جزو اولین کسانی بودند که در هوا نقاشی کردند، بدون اینکه کار خود را در استودیو نهایی کنند.

تکنیک

گرایش جدید با نقاشی آکادمیک هم از نظر فنی و هم از نظر ایدئولوژیک متفاوت بود. اول از همه، امپرسیونیست ها کانتور را رها کردند و آن را با ضربات کوچک جداگانه و متضاد جایگزین کردند، که آنها مطابق با تئوری های رنگی Chevreul، Helmholtz و Rude اعمال کردند. پرتو خورشید به اجزای خود تقسیم می شود: بنفش، آبی، آبی، سبز، زرد، نارنجی، قرمز، اما از آنجایی که آبی از انواع آبی است، تعداد آنها به شش کاهش می یابد. دو رنگ که در کنار هم قرار گرفته اند، یکدیگر را تقویت می کنند و برعکس، در صورت ترکیب، شدت خود را از دست می دهند. علاوه بر این، همه رنگ ها به اصلی یا اولیه و دوگانه یا مشتقات تقسیم می شوند که هر رنگ دوتایی به رنگ اول اضافه می شود:

• آبی - نارنجی
• قرمز سبز
• زرد - بنفش

بنابراین ممکن شد رنگ ها را در پالت مخلوط نکنید و به دست آورید رنگ مورد نظربا پوشاندن مناسب آنها روی بوم. این بعدها دلیلی برای رد سیاه شد.

سپس امپرسیونیست ها تمرکز تمام کارهای خود را بر روی بوم های کارگاه ها متوقف کردند، اکنون آنها هوای آزاد را ترجیح می دهند، جایی که راحت تر است که برداشت زودگذر از آنچه می دیدند، که به لطف اختراع لوله های فولادی برای رنگ امکان پذیر شد. که بر خلاف کیف های چرمی قابل بسته شدن بود تا رنگ خشک نشود.

همچنین هنرمندان از رنگ‌های مات استفاده می‌کردند که نور را به خوبی از خود عبور نمی‌دهند و برای مخلوط کردن مناسب نیستند، زیرا به سرعت خاکستری می‌شوند، این به آن‌ها اجازه می‌داد تا نقاشی‌هایی را ایجاد کنند. درونی؛ داخلی"، آ " خارجی» بازتاب نور از سطح.

تفاوت های فنی به دستیابی به اهداف دیگر کمک کرد، اول از همه، امپرسیونیست ها سعی کردند یک برداشت زودگذر را به تصویر بکشند، کوچکترین تغییرات در هر موضوع بسته به نور و زمان روز، بالاترین تجسم چرخه های نقاشی مونه "Haystacks" بود. «کلیسای جامع روئن» و «پارلمان لندن».

به طور کلی، بسیاری از استادان به سبک امپرسیونیسم کار می کردند، اما اساس جنبش ادوارد مانه، کلود مونه، آگوست رنوار، ادگار دگا، آلفرد سیسلی، کامیل پیسارو، فردریک بازیل و برت موریسو بودند. با این حال، مانه همیشه خود را «هنرمند مستقل» می‌نامید و هرگز در نمایشگاه‌ها شرکت نمی‌کرد، و با وجود اینکه دگا در آن شرکت می‌کرد، هرگز آثارش را به‌طور کامل نقاشی نمی‌کرد.

جدول زمانی توسط هنرمند

امپرسیونیست ها

نمایشگاه ها

• اولین نمایشگاه(15 آوریل - 15 مه)

• نمایشگاه دوم(آوریل)

نشانی: خیابان Lepeletier، 11 (گالری Durand-Ruel). اعضا: باسیل (پس از مرگ، هنرمند در سال 1870 درگذشت)، بلیارد، بورو، دیبوتین، دگا، کایلبوت، کالز، اهرم، لگروس، لپیک، ارزن، مونه، موریسو، ال. اوتن، پیسارو، رنوار، روآر، سیسلی، تیلو، فرانسوا

• نمایشگاه سوم(آوریل)

نشانی: خیابان لپلتیه، 6. اعضا: گیومین، دگا، کایلبوت، کالز، کوردیل، اهرم، لامی، مونه، موریسو، آلفونس مورو، پیت، پیسارو، رنوار، روآر، سزان، سیسلی، تیلو، فرانسوا.

• نمایشگاه چهارم(10 آوریل - 11 مه)

نشانی: خیابان اپرا، 28. اعضا: براکمون، مادام براکمون، گوگن، دگا، زاندومنقی، کایلبوت، کالز، کاسات، لبورگ، مونه، پیت، پیسارو، روآرت، سوم، تیلو، فورین.

• نمایشگاه پنجم(1 آوریل - 30 آوریل)

نشانی: خیابان اهرام، 10. اعضا: بریکمونت، خانم براکمونت، ویدال، ویگنون، گیومین، گوگن، دگا، زاندومنقی، کایلبوت، کاسات، لبورگ، اهرم، موریسو، پیسارو، رافائلی، روآرت، تیلو، فورین.

• نمایشگاه ششم(2 آوریل - 1 می)

نشانی: Boulevard des Capucines, 35 (استودیوی عکاس نادار). اعضا: ویدال، ویگنون، گیوم، گوگن، دگا، زندومنگی، کاسات، موریسو، پیسارو، رافائلی، روآر، تیلو، فورین.

• هفتمین نمایشگاه(مارس )

نشانی: Faubourg-Saint-Honoré، 251 (در Durand-Ruel). اعضا: ویگن، گیوم، گوگن، کایلبوت، مونه، موریسو، پیسارو، رنوار، سیسلی.

• نمایشگاه هشتم(15 مه - 15 ژوئن)

نشانی: خیابان لافیت، 1. اعضا: مادام براکمون، وینیون، گیومین، گوگن، دگا، زاندومنگی، کاست، موریسو، کامیل پیسارو، لوسین پیسارو، ردون، روآرت، سورات، سیگناک، تیلو، فورین، شوفنکر.

امپرسیونیسم در ادبیات

در ادبیات، امپرسیونیسم به عنوان یک گرایش جداگانه رشد نکرد، اما ویژگی های آن در طبیعت گرایی و نمادگرایی منعکس شد.

اول از همه، با بیان برداشت خصوصی نویسنده، رد تصویر عینی از واقعیت، به تصویر کشیدن هر لحظه مشخص می شود، که باید مستلزم عدم وجود طرح، تاریخ و جایگزینی فکر با ادراک باشد. و با غریزه استدلال کنید. ویژگی های اصلی سبک امپرسیونیستی توسط برادران گنکور در اثر خود "دفترچه خاطرات" فرموله شد. عبارت معروف « دیدن، احساس، بیان - این همه هنر استبرای بسیاری از نویسندگان به جایگاه مرکزی تبدیل شده است.

در طبیعت گرایی اصل اصلی صداقت، وفاداری به طبیعت بود، اما در معرض تأثیرگذاری است و بنابراین ظهور واقعیت به هر فرد و خلق و خوی او بستگی دارد. این به طور کامل در رمان های امیل زولا، توضیحات مفصل او از بوها، صداها و ادراک بصری بیان شده است.

برعکس، نمادگرایی خواستار طرد جهان مادی و بازگشت به ایده آل بود، اما گذار تنها از طریق تأثیرات زودگذر امکان پذیر است، که در چیزهای قابل مشاهدهجوهر مخفی یک مثال قابل توجهامپرسیونیسم شاعرانه - مجموعه