Не е тайна, че живописта има своя собствена типизация и се дели на жанрове. Това явление възниква в Европа през 15-ти век, тогава се формира концепцията за първокласна живопис, включваща картини с митологична и историческа ориентация, пейзажи, портрети, натюрморти се приписват на второстепенните. Но това сортиране губи своята релевантност около 1900 г., когато имаше твърде много жанрове и стилове и би било твърде старомодно да се използва ясно разделение само на тези две групи. Ето защо искам да говоря за действителните видове живопис днес.

Натюрморт (смъртна природа- "мъртва природа") - снимки на неодушевени неща. Този жанр възниква през 15-ти век, придобива независимост през 17-ти, благодарение на Холандски художници. Жанрът стана независим във връзка с настъпването на Златния век в Холандия, художниците бяха разглезени от изобилие от храна и други неща, които преди се смятаха за лукс и богатство, именно на тази почва такъв тесен жанр като холандския все още животът се появи. Днес натюрмортът е широко разпространен вид живопис и е в голямо търсене сред купувачите на картини.

Портрет- човек или група хора, които са изобразени на картината. Рамките на този стил са много неясни, портретът много често се пресича с други стилове, като пейзаж или натюрморт. Портретите също са исторически, посмъртни, религиозни. Има и автопортрет, това е когато художникът рисува себе си.

Пейзаж- много важен жанр в живописта. В него художникът рисува или първична, или природа, преобразена от човека, или местност. Той отдавна е надхвърлил обичайните морски или планински гледки и днес е един от най-популярните видове боядисване. Пейзажите са градски, селски, морски, планински и др. Преди това пейзажите са рисувани само на открито, когато художникът рисува от природата това, което вижда. В наши дни тази практика става все по-рядка. съвременни художниципредпочитат да работят от фотография.

Марина- същият морски натюрморт, само с правилното име. Марините изобразяват събития, които се случват в морето, битки, големи вълни, товарни кораби и др. ярък представителот този жанр беше Иван Айвазовски.

историческа живопис- възникнали по необходимост, през Ренесанса художниците рисували важни културни и исторически събития. Историческите картини не винаги се основават на историята, тя също включва различни видовекартини, като: митология, евангелие и библейски събития.

Батална живопис- тема, която разкрива темата за войната и военния живот. Художникът се опитва да изобрази важен, епичен, ключов момент от битка или битка. В същото време надеждността може постепенно да изчезне на заден план.

Анимализъм- изображение на животни, най-древните картини са в този жанр, защото дори примитивните художници са рисували животни и лов за тях. Почти винаги в комбинация с пейзажа.

Стилове на рисуване - темата е много обширна, може да се каже вечна. Хората често използват термини, които не разбират съвсем правилно, поради което има объркване и объркване. Ето защо искам кратко и ясно да разкажа всичко, което знам за тенденциите в живописта. За да не превърна статията в скучен урок по история, ще говоря накратко за най-популярните и подходящи области днес. Стилове на рисуване с илюстрации - удобен и бърз начин да се запознаете с най-важните тенденции във визуалните изкуства.

готически

"Олтар на семейство Мероде". Робърт Кампин. 1430-те.

готически- това е течение в изкуството, обхванало всички страни от Западна и Централна Европа. Тогава готиката беше във всичко - в скулптурата, живописта, витражите и т.н. използваше се навсякъде, където беше възможно, имаше "културен бум". Тази популярност се дължи на последна стъпкаеволюция от средновековното изкуство. Център и основен фигурант готически стилимаше архитектура - високи арки, цветни витражи, много детайли. Романската епоха не издържа на такава атака и остава в кулоарите на историята.

Години: 1150 - 1450.
Бартоло ди Фреди, Джото, Ян Полак, Ян ван Ейк.

Ренесанс (Ренесанс)

„Каещата се Мария Магдалена“. Тициан. 1560-те.

Възражданевъзникна от падането Византийска империяи културните сътресения, настъпили по този въпрос в Европа. Принудените да избягат византийци, заедно с културните връзки, донасят произведения на изкуството и библиотеки в земите на Европа. Така се случи своеобразно възраждане на древните възгледи, но на модерен начин. През годините много точки бяха преразгледани и поставени под въпрос. Като цяло царуваше светският хуманизъм и идеите за просперитет.

Години: 1400 - 1600.
Йероним Бош, Леонардо да Винчи, Тициан.

Барок

"Юдит и Олоферн". Караваджо. 1599.

Барок– европейски културно наследствопървоначално от Италия. Характеризира иронична порочна красота, неестествен елитаризъм и претенциозност. Характерните черти на такива картини са високият контраст, напрежението на сюжета, динамиката на героите, опъната до краен предел. Квинтесенцията на барока се смята за църквата Санта Мария дела Витория, тя се намира в Рим.

Години: 1600-1740.
Караваджо, Рембранд, Рубенс, Ян Вермеер.

Класицизъм

„Милосърдието на Сципион Африкански“. Помпео Батони. 1772 г.

Класицизъмиграе огромна роля в изкуството, като основна тенденция в живописта от 18 век. От самото име всичко става ясно (на латински classicus означава образцов, примерен).
Художниците си поставиха за цел да привържат зрителя към високото, а картините им бяха пътеводна звезда. Високият морал, сдържаната култура и традиционните древни ценности станаха основата на класицизма. В епохата на класицизма в Европа се наблюдава културен растеж и преоценка на ценностите, изкуството достига съвсем различно ниво.

Години: 1700 - 1800.
Карл Брюлов, Жан-Батист Грьоз, Никола Пусен.

Реализъм

„Скитащи акробати“. Гюстав Доре. 1874 г

Реализъмсе опитва с най-голяма сигурност да предаде настроението на момента, момент от реалността върху платното. Но той от своя страна не е ограничен от ясни граници, единственото правило е в картината да няма място за неща, които изключват реализма. В хода на експериментите в края на 18 век този стил е разделен на натурализъм и импресионизъм. Но реализмът успя да оцелее и е популярен дори в модерна живопис.

Години: 1800 - 1880.
Уилям Бугро, Гюстав Курбе, Жан-Франсоа Миле.

Импресионизъм

„Впечатление. Изгряващо слънце". Клод Моне. 1872 г

Импресионизъмпроизхождаща от Франция, тази концепция е въведена от Луи Лероа. Импресионистите, които са работили в този стил, са искали да уловят второ впечатление от всеки предмет или момент, те са рисували тук и сега, независимо от формата и смисъла. Снимките показаха изключително положителни и ярки моменти и моменти. Но по-късно на тази основа започват разногласия сред импресионистите и с течение на времето се появяват майстори, които могат да бъдат впечатлени от социалните проблеми, глада и болестите. Въпреки това импресионизмът е мил и позитивен стилживопис, която показва добри и светли моменти.

Години: 1860 - 1920.
Клод Моне, Едуард Мане, Едгар Дега.

постимпресионизъм

„Автопортрет в сива филцова шапка III“. Винсент ван Гог. 1887 г

постимпресионизъмвключва много различни стилове и техники. Европейските майстори със свежи възгледи за живописта породиха нови тенденции и активно се опитаха да се отдалечат от импресионизма и реализма, които тогава бяха скучни.

Години: 1880 - 1920.
Винсент ван Гог, Пол Гоген, Родерик О'Конър.

Пуантилизъм

Рио Сан Тровасо. Венеция“. Анри Едмонд Крос. 1904 г

Пуантилизъм(точка - точка) - Стилистично направление в живописта, което е същият импресионизъм, само в различна черупка. Вместо назъбени щрихи бяха използвани пунктирани или правоъгълни форми. Освен това художниците отказаха да смесват цветове върху палитрата, вместо това чистите цветове бяха насложени върху платното и смесени директно върху самото платно, без да се докосват един друг.

Години: 1885 - 1930.
Анри Едмон Крос, Жорж Сьора, Пол Синяк.

Модернизъм

„Пеперуди близо“. Одилон Редон. 1910 г

модернизъм - основни характеристикина всички жанрове и стилове в живописта 1850-1950. Включва такива направления в живописта като импресионизъм, експресионизъм, нео- и постимпресионизъм, фовизъм, кубизъм, футуризъм, абстрактно изкуство, дадаизъм, сюрреализъм и много други. Съществуването на тези стилове марки пълна грижаизобразително изкуство от академизм. След напускането на академизма стана почти невъзможно да се следят всички течения и стилове, които са се формирали и все още се формират.

Години: 1850 - 1950.
Салвадор Дали, Казимир Малевич, Огюст Реноар и много други.

Академизъм

Академизъм- направление в изкуството, което следва правилата и обичаите на античността и Ренесанса. Академизмът се стреми да наложи ясни основи и граници, изключва фантазията и творческия полет. Вместо това се набляга на подобряването на недостатъците, на „грапавините“ на природата – да се скрият или премахнат. Подобряването на реалността в посока на красивото възприятие е същността на академичността. Сюжетите често се вземат от древната митология, използват се и библейски и исторически мотиви.

Години: 1500 - днес.
Карл Брюлов, Уилям Бугро, Федор Бруни.

Примитивизъм

"В кухнята" Епифаний Дровняк. 1940 ~ година.

Примитивизъм- умишленото опростяване на картината до такава степен, че да изглежда, че е дело на дете. различни народни рисункии илюстрациите могат да бъдат приписани на примитивизма. Само на пръв поглед снимките изглеждат прости и нелепи. Но ако се вгледате внимателно, можете да видите правилни пропорциии спазване на правилата за хоризонта и композицията. Мнозинство известни майсторипримитивизма и наивното изкуство са били големи почитатели на историята на своя народ и неговата култура. Ето защо всичките им картини са наситени с колорита на района, в който са живели. Днес този жанр се е трансформирал в наивно изкуство, често с примес на символика. Това се дължи на факта, че съвременният зрител не е готов да възприеме примитивизма в най-чистата му форма.

Години: 1900 - днес.
Епифаний Дровняк, Анри Русо, Нико Пиросманишвили.

Кубизъм

"Седнала жена в синя рокля." Пабло Пикасо. 1939 г

Кубизъме посока на модернизма, често използвана във връзка с живописта и изобразителното изкуство. Майсторите разбиха своите парцели в геометрични форми, давайки на всеки уникален елемент свой собствен плътен сектор.

Години: 1906 - 1925.
Пабло Пикасо, Фернан Леже, Робер Делоне.

Сюрреализъм

„Устойчивостта на паметта“. Салвадор Дали. 1931 г

Сюрреализъм - смесване на мечта с реалност. В този стил художниците издават мечтите си навън, смесвайки изображения от истинския животедин с друг, съчетавайки несъвместимото. Бяха засегнати и лични теми на сънищата - страхове, тайни желания, несъзнателни фантазии, комплекси. Всичко, което човек може да види в сънищата си. Днес сюрреалистите копират външната обвивка, като използват само красиви форми, без да влагат в тях значението, характерно за майсторите от миналото.

Години: 1920 - днес.
Салвадор Дали, Макс Ернст, Рене Магрит.

Абстракционизъм

"Жълто червено синьо" Василий Кандински. 1925 г

Абстракционизъм- посока в изкуството, където имаше отхвърляне на образа на реалността и коректността на формите. Основната цел е да се изобразят много цветни форми, които заедно могат да разкажат историята на картината. За родина на абстрактното изкуство се считат Русия и Америка.

Години: 1910 - днес.
Василий Кандински, Казимир Малевич, Пит Мондриан.

Експресионизъм

"Вик". Едвард Мунк. 1893 г

Експресионизъмси поставя една-единствена задача, да предаде какво е чувствал авторът на картината по време на нейното написване. Творците в този стил искат да изразят себе си и чувствата си, поради което експресионизмът е противоположност на импресионизма, при който акцентът е върху изразяването на чисто външна обвивка. Експресионистите се характеризират със склонност към мистицизъм, песимизъм и униние.

Години: 1890 - днес.
Егон Шиле, Карл Ойген Каел, Йежи Хулевич.

Поп изкуство

„Зелени бутилки Кока-Кола“. Анди Уорхол. 1962 г

Поп изкуство — Модерен стилв изкуството, използвайки символи масова култураи потребителски продукти. Съвременните технологии помогнаха да се манипулират и комбинират обекти, поради което поп изкуството често беше критикувано от пазачите на старата школа. С течение на времето поп изкуството пое много тенденции в живописта.

Години: 1950 - 1980.
Анди Уорхол, Дейвид Хокни, Робърт Раушенберг.

Минимализъм

Гран Кайро. Франк Стела. 1962 г

Минимализъмтрябва да сведе до минимум намесата на автора в околен свят. Минимализмът обозначава само най-важните точки. Произходът е в конструктивизма, супрематизма, дадаизма. Това е много противоречив жанр в живописта, поради прекалено минималистичните възгледи на някои автори на този стил. Днес минималистичните тенденции в рисуването се трансформират изключително бързо.

Години: 1960 - днес.
Франк Стела, Карл Андре, Сол Леуит.

хиперреализъм

"Плодове". Жак Боден. 2016 г

хиперреализъмсе появи във връзка с популяризирането на фотографията, за художниците беше интересно да се състезават с фотографите. Хиперреалистите създават алтернативна реалност, реалистична илюзия.

Години: 1970 - днес.
Гноли, Герхард Рихтер, Делкол.

Това са всички направления в рисуването

Това е всичко, което можех и исках да кажа по темата 😉 Всъщност тенденциите в рисуването са много повече и те неумишлено се развиват буквално всеки ден. В тази статия исках да говоря за най-популярните и влиятелни. Ако сте харесали материала, споделете го в социалните мрежи, нека заедно да развиваме изкуството. Благодаря на всички за подкрепата!

Въведение………………………………………………………………………….3

1. Рисуването като форма на изкуство……………………………………………….4

2. Вид изобразително изкуство – графика………………………………4

3. Древна форма на изкуство - скулптура…………………………………...6

4.Архитектура - изкуството да се проектира и строи……………………7

5.Основни направления и техники на съвременното изкуство…………..9

6. Кинетично изкуство…………………………………………………..14

Заключение………………………………………………………………….16

Списък на използваната литература……………………………………...17

Въведение

Понятието "изкуство" е художественото творчество като цяло: литература, архитектура, скулптура, живопис, графика, изкуства и занаяти, музика, танци, театър, кино и други видове човешка дейност, съчетани като художествени и въображаеми форми на отразяване на действителността .

В историята на естетиката същността на изкуството се тълкува като подражание (мимезис), чувствено изразяване на свръхсетивното и др.

Естетиката разглежда изкуството като форма на обществено съзнание, специфичен вид духовно-практическо усвояване на света, като органично единство на творчество, познание, оценка и човешко общуване, в тесен смисъл - изобразително изкуство, висока степенумения, майсторство във всяка сфера на човешката дейност.

Основни видове изкуство: живопис, графика, скулптура, архитектура, литература, кино, театър.

Помислете за основните понятия на някои видове, тенденции и техники на съвременното изобразително изкуство.

1. Рисуването като форма на изкуство

Живописта е много древно изкуство, което се е развило в продължение на много векове от скални рисунки до най-новите тенденции в живописта от 11 век. Живописът има широк спектър от възможности за въплъщение на идея от реализъм до абстракционизъм. В хода на нейното развитие са натрупани огромни духовни съкровища.

В края на XIX-XXв. развитието на живописта става особено сложно и противоречиво. Различни реалистични и модернистични движения печелят правото си на съществуване.

Появява се абстрактната живопис (авангард, абстракционизъм, ъндърграунд), която бележи отхвърлянето на фигуративността и активното изразяване на личното отношение на художника към света, емоционалността и условността на цвета, преувеличението и геометризирането на формите, декоративността и асоциативността. на композиционни решения.

През ХХ век. търсенето на нови цветове и технически средства за създаване на картини продължи, което несъмнено доведе до появата на нови стилове в живописта, но маслената живопис все още остава една от най-обичаните техники на художниците.

2. Вид изобразително изкуство – графика

Графика (от гр. grapho - пиша, рисувам) - вид изобразително изкуство, което се свързва с изображение върху плоскост. Графиката съчетава рисуване като отделна област и различни видове печатни графики: гравюра върху дърво (ксилография), гравюра върху метал (офорт), литография, линогравюра, гравюра върху картон и др.

Рисунката принадлежи към уникалната графика, защото всяка рисунка е единствена по рода си. Произведенията на печатната графика могат да бъдат възпроизвеждани (тиражирани) в множество еквивалентни екземпляри – отпечатъци. Всеки отпечатък е оригинал, а не копие на произведението.

Рисунката е в основата на всички видове графика и други видове изобразително изкуство. По правило графичното изображение се изпълнява върху лист хартия. Художникът понякога се нуждае от много прости средства - графитен моливили химикал, за да направите графична рисунка. В други случаи, за да създаде своите произведения, той използва сложни приспособления за печатна преса, литографски камъни, фрези (гравьори) за линолеум или дърво и много други.

Терминът "графика" първоначално е бил използван само за писане и калиграфия. Изкуството на шрифта отдавна се свързва с графиката. Нов смисъл и разбиране получава в края на 19 - началото на 20 век, когато графиката се обособява като самостоятелна форма на изкуство.

Езикът на графиката и нейните основни изразни средства са линия, щрих, контур, петно ​​и тон. Участва активно в създаването на цялостното впечатление от графичното произведение на бял лист хартия. Можете да постигнете изразителен модел, дори когато използвате само черно. Ето защо графиката често се нарича изкуството на черното и бялото. Това обаче не изключва използването на цвят в графиките.

Границите между графиката и живописта са много гъвкави, например техниката на акварел, пастел и понякога гваш се приписва на един или друг вид изкуство, в зависимост от това до каква степен се използва цвят, какво преобладава в работата - линия или петно, какво е предназначението му.

Един от отличителни белезиграфиката е специално отношение на изобразения обект към пространството. Чисто белият фон на листа, незает с изображения, и дори фонът на хартията, който прозира под цветния слой, се възприемат конвенционално като пространство. Това може да се види особено ясно в книжна графикакогато изображение, поставено на празна страница, се възприема като разположено в пространството на интериора, улицата, пейзажа в съответствие с текста, а не върху заснежено поле.

Художествено изразителните достойнства на графиката се състоят в нейната сбитост, капацитет на образи, концентрация и строг подбор на графичните средства. Някакво подценяване, конвенционално обозначение на обект, сякаш намек за него, представляват специална стойност на графично изображение, те са предназначени за активната работа на въображението на зрителя.

В това отношение не само внимателно проследени графични листове, но и бегли скици, скици от природата, скици на композицията имат независима художествена стойност.

Графики, налични в различни жанрове (портрет, пейзаж, натюрморт, исторически жанри т.н.) и практически неограничени възможности за изобразяване и образно тълкуване на света.

.3. Древен вид изкуство – скулптура

Скулптурата е една от най-древните форми на изкуството. Скулптура (лат. sculptura, от sculpo - изрязвам, изрязвам, скулптура, пластика) - вид изобразително изкуство, чиито произведения имат материален триизмерен обем. Самите тези произведения (статуи, бюстове, релефи и други подобни) също се наричат ​​скулптура.

Скулптурата е разделена на два вида: кръгла, свободно разположена в реално пространство, и релефна (барелеф и висок релеф), в която триизмерните изображения са разположени в равнина. По предназначение скулптурата бива стативна, монументална, монументална и декоративна. Отделно се откроява скулптурата на малките форми. По жанр скулптурата се разделя на портретна, битова (жанрова), анималистична, историческа и др. Пейзажът и натюрмортът могат да бъдат пресъздадени със скулптурни средства. Но основният обект за скулптора е човек, който може да бъде въплътен в различни форми (глава, бюст, статуя, скулптурна група).

Технологията за изработване на скулптури обикновено е сложна и многоетапна, включваща голям физически труд. Скулпторът изрязва или издълбава творбата си от твърд материал (камък, дърво и др.), като премахва излишната маса. Друг процес на създаване на обем чрез добавяне на пластична маса (пластилин, глина, восък и др.) се нарича моделиране (пластика). Скулптурите също създават своята работа чрез отливане от вещества, които могат да преминат от течно състояниедо твърдо ( различни материали, гипс, бетон, пластмаса и др.). Неразтопеният метал за скулптура се обработва чрез коване, щамповане, заваряване и рязане.

През ХХ век. има нови възможности за развитие на скулптурата. И така, в абстрактната скулптура, нетрадиционни методии материали (тел, надуваеми фигури, огледала и др.). Художници от много модернистични движения обявяват обикновените предмети за произведения на скулптурата.

Цветът, който отдавна се използва в скулптурата (античност, Средновековие, Ренесанс), днес се използва активно за подобряване на художествената изразителност на стативната скулптура. Обръщението към полихромията в скулптурата или отхвърлянето й, връщането към естествения цвят на материала (камък, дърво, бронз и др.) Се свързват с общата посока на развитието на изкуството в дадена страна и в дадена ера.

Изпратете добрата си работа в базата знания е лесно. Използвайте формата по-долу

Студенти, докторанти, млади учени, които използват базата от знания в обучението и работата си, ще ви бъдат много благодарни.

Хоствано на http://www.allbest.ru/

1. Боядисване

2. Видове живопис

3. Цветознанието

Заключение

Библиография

1. Боядисване

Думата "живопис" се образува от думите "живея" и "пиша". „Живопис“, обяснява Дал, „да изобразява правилно и ярко с четка или с думи, с писалка.“ За художника да изобрази правилно означава точното предаване на външния вид на това, което е видял, неговите най-важни характеристики. Възможно е да се предадат правилно с графични средства - линия и тон. Но е невъзможно с тези ограничени средства да се предаде живо многоцветието на околния свят, пулсацията на живота във всеки сантиметър от цветната повърхност на предмета, очарованието на този живот и постоянното движение и промяна. Живописта, един от видовете изящни изкуства, помага да се отрази истински цвета на реалния свят.

Цветът е основният изобразителен и изразни средствав живописта има тон, наситеност и лекота; тя сякаш слива в едно цяло всичко характерно в предмета: както това, което може да бъде изобразено с линия, така и това, което е недостъпно за нея.

В живописта, подобно на графиката, се използват светли и тъмни линии, щрихи и петна, но за разлика от нея тези линии, щрихи и петна са цветни. Те предават цвета на източника на светлина чрез отблясъци и ярко осветени повърхности, извайват триизмерна форма с предметен (локален) цвят и цвят, отразен от околната среда, установяват пространствени отношения и дълбочина, изобразяват текстурата и материалността на обектите.

Задачата на живописта е не само да покаже нещо, но и да разкрие вътрешната същност на изобразеното, да възпроизведе "типични герои в типични обстоятелства". Следователно истинското художествено обобщение на явленията от живота е в основата на основите на реалистичната живопис.

рисуване флористика рисуване акварел

2. Видове живопис

Особен вид е монументалната живопис картиниширокомащабно декориране на стени и тавани на архитектурни конструкции. Тя разкрива съдържанието на основни обществени явления, оказали положително влияние върху развитието на обществото, възхвалява ги и ги увековечава, съдейства за възпитанието на хората в дух на родолюбие, напредък и човечност. Височината на съдържанието на монументалната живопис, значителният размер на нейните произведения, връзката с архитектурата изискват големи маси от цвят, строга простота и лаконизъм на композицията, яснота на контурите и обобщаване на пластичната форма.

Декоративната живопис се използва за декориране на сгради и интериори под формата на цветни панели, които с реалистично изображение създават илюзията за пробив в стената, визуално увеличаване на размера на стаята или, напротив, умишлено сплескани форми потвърждават плоскостта на стената и изолацията на пространството. Модели, венци, гирлянди и други видове декор, които украсяват произведенията на монументалната живопис и скулптурата, свързват заедно всички елементи на интериора, подчертавайки тяхната красота, съответствие с архитектурата.

Рисуването на театрални декори (декори, костюми, грим, реквизит, направени по скици на художника) помага да се разкрие по-дълбоко съдържанието на представлението. Специалните театрални условия за възприемане на декорите изискват отчитане на множеството гледни точки на публиката, голямото им разстояние, въздействието на изкуственото осветление и цветните акценти. Сценографията дава представа за мястото и времето на действието, активира възприятието на зрителя за случващото се на сцената. Театралната артистка се стреми към рязко изразяване в скици на костюми и грим индивидуален характергерои, социалният им статус, стилът на епохата и много други.

получена миниатюрна картина голямо развитиепрез Средновековието, преди изобретяването на печата. Ръкописните книги бяха украсени с най-добрите заглавия, окончания и подробни миниатюрни илюстрации. Техника на рисуванеминиатюри руски художници от първите половината на XIXвекове умело използвани за създаване на малки (главно акварелни) портрети. Чистите наситени цветове на акварелите, техните изящни комбинации, финеса на живописта отличават тези портрети, пълни с изящество и благородство.

Станковата живопис, изпълнявана на статив, използва като материална основа дърво, картон, хартия, но най-често платно, опънато на носилка. Една стативна картина, като самостоятелно произведение, може да изобрази абсолютно всичко: действително и измислен художник, неодушевени предмети и хора, съвременност и история - с една дума живот във всичките му проявления. За разлика от графиката, стативната живопис има богатство на цветовете, което помага да се предаде емоционално, психологически многостранно и фино красотата на околния свят.

По техника и начин на изпълнение живописта се разделя на масло, темпера, фреска, восък, мозайка, стъклопис, акварел, гваш, пастел. Тези имена са получени от свързващото вещество или от метода на използване на материални и технически средства.

Рисуването с маслени бои се извършва с изтъркана боя растителни масла. Гъстата боя, когато се добавя масло или специални разредители и лакове, се втечнява. маслена бояможете да работите върху платно, дърво, картон, хартия, метал.

Темперното рисуване се извършва с боя, приготвена върху яйчен жълтък или казеин. Темперната боя се разтваря с вода и се нанася пастообразна или течна върху стена, платно, хартия, дърво. Темпера в Русия създава стенописи, икони и шарки върху предмети от бита. В наше време температа се използва в живописта и графиката, в изкуствата и занаятите и в изкуството и дизайна.

Стенописът украсява интериора под формата на монументални и декоративни композиции, нанесени върху мокра мазилка с бои на водна основа. Фреската е с приятна матова повърхност и е издръжлива на вътрешни условия.

Восъчната живопис (енкаустика) е била използвана от художниците древен Египет, както свидетелстват известните "Фаюмски портрети" (I в. сл. Хр.). Свързващото вещество в енкаустика е избелен восък. Восъчните бои се нанасят в разтопено състояние върху загрята основа, след което се обгарят.

Мозаечната картина или мозайката се сглобява от отделни парчета смалта или цветни камъни и се фиксира върху специална циментова основа. Прозрачният смалт, вкаран в земята под различни ъгли, отразява или пречупва светлината, което кара цвета да мига и да блести. Мозаечните панели могат да бъдат намерени в метрото, в театрални и музейни интериори и др. Витражът е произведение на декоративното изкуство, предназначено да украсява прозоречни отвори във всяка архитектурна структура. Витражът е съставен от парчета цветно стъкло, закрепени със здрава метална рамка. Светлинният поток, пробивайки цветната повърхност на стъклописа, рисува декоративно зрелищни, многоцветни шарки върху пода и стените на интериора.

3. Цветознанието

Науката за цвета е наука за "цвета, включително знания за" природата на цвета, основен, съставен и " допълнителни цветове, основни цветови характеристики, цветови контрасти, смесване на цветове, оцветяване, цветова хармония, цветови език и „култура на цветовете.

Цветът е едно от "свойствата на обектите на материалния свят, възприемани като съзнателно визуално усещане. Един или друг цвят се "присвоява" от човек на обекти в "процеса на тяхното" визуално възприятие. "опасни ситуации, намаляване с умора.

В "преобладаващото мнозинство от случаите възниква усещане за цвят в резултат на излагане на" окото на електромагнитно излъчване, потоци от "обхвата на дължината на вълната, в който това излъчване се възприема от окото (видим диапазон" - дължини на вълните от "380 до" 760 "nm). Понякога цветното усещане възниква без влиянието на лъчистия поток върху "окото" - с натиск върху "очната ябълка, шок, електрическа стимулация и т.н., а също и чрез" умствена връзка с "други. Усещания "- звук, топлина и др. Г., а "в" резултат от работата на въображението. Различните цветови усещания се причиняват от различно оцветени обекти, техните "различно осветени зони, както и източници на светлина и" осветлението, което създават.В същото време цветовите възприятия могат да се различават (дори при еднакъв относителен спектрален състав на радиационните потоци) в зависимост върху „дали удря“ „очното излъчване от“ източници на светлина или от „несветещи обекти. В „човешкия език обаче се използват същите“ термини за обозначаване на цвета на тези два различни видовеобекти. Основната част от обектите, които предизвикват цветни усещания, са несветещи тела, които само отразяват или предават светлина, излъчвана от източници. В " общ случайцветът на даден обект се дължи на следните фактори: неговия цвят и "свойствата на неговата повърхност; оптичните свойства на източниците на светлина и" средата, през която се разпространява светлината; свойства на зрителния анализатор и "особености на все още недостатъчно проучения психофизиологичен процес на обработка на зрителни впечатления в" мозъчните центрове.

Основни понятия в цветознанието.

Ахроматичните цветове се различават един от друг само по един начин - по лекота (светло сиво или тъмно сиво). Хроматичните цветове, в допълнение към разликите в лекотата, се характеризират с още две основни характеристики - нюанс и наситеност.

Нюансът е това, което се определя от думите "червено", "жълто" и т.н. и това, което най-много отличава един цвят от друг. Но червеното може да бъде чисто червено или смесено с ахроматично, като например сиво. В същото време той все още ще остане червен - примес от сиво няма да промени цветовия си тон. Ако вземем сиво със същата лекота, тогава лекотата на новото „смесено“ червено също няма да се промени. Цветът обаче все още ще стане различен: третата му характеристика ще се промени в него - наситеността. От примеса на ахроматичен, хроматичният цвят стана по-малко наситен.

И така, всички хроматични цветове се характеризират с три параметъра - лекота, нюанс и наситеност.

Хроматичните цветове условно се разделят на топли и студени. Топлата е жълто-червената част от спектъра, а студената е синьо-синя. Тези групи цветове са получили имената си топли и студени: някои - по асоциация с цвета на слънцето и огъня, други - по асоциация с цвета на небето, водата и леда. лилаво и зелени цветовезаемат междинно положение и в различни специфични случаи, в зависимост от комбинацията, могат да бъдат приписани или на топло, или на студено.

Ако спектралната лента, където всички съседни цветове, постепенно променящи се, преминават един в друг, се вземе и огъне в пръстен, тогава този пръстен няма да се затвори, защото, както вече беше отбелязано, между крайните цветове - червено и виолетово - има липса на преход - червено-виолетово (магента).

Ако ги добавите, кръгът ще се затвори. Такова цветно колело ще ни помогне да разберем много за цветовете.

4. Техника на гваш. акварелна техника

Техника на рисуване с акварел

В старите времена акварелите са били написани върху пергамент от избелена кожа, върху тънки пластини от слонова кост, които все още се използват за миниатюри, върху избелени ленени тъкани, а много по-късно - върху хартия. Сега акварелите се пишат предимно само на хартия.

Античната хартия се прави от ленени влакна от 14 век и е много добро качество. От 17-ти век за производството му започва да се използва памук, който до голяма степен е по-нисък от бельото, а качеството на хартията от това време започва да намалява.

В днешно време се произвеждат голям брой видове хартия. Изработен е не само от памук и лен, но и от материали, които преди това не са били използвани за тези цели: иглолистна дървесина, слама. Но най-ценните материали си остават ленът и памукът. В допълнение към растителните влакна, много видове хартия включват: гипс, шпат, тебешир, каолин, воден алуминиев оксид, бяло олово, а също и за маскиране жълт цвятсини цветове: ултрамарин и пруско синьо.

Хартиената маса се слепва с брашнена паста, нишесте, животински лепило, желатин (последните 2 винаги се комбинират със стипца), колофон. В старите времена се използваше само паста от брашно, най-подходящият материал за тези цели. Сега все по-често се използва желатин. Хартията, залепена с желатин, под въздействието на влага, бързо цъфти и се оцветява. При производството на хартия се използват много химикали, чиито следи често остават в готовата хартия и влияят негативно на мастилото, което я покрива.

Акварелът се нуждае от много добра хартия. Хартиите от дърво и слама бързо стават кафяви и черни на светлина, така че са напълно неподходящи за рисуване с акварел. Памучната хартия няма това отрицателно свойство, но е лошо измита и остъргвана, а боята не лежи равномерно върху нея.

Единствената подходяща хартия за акварелна техника е ленената хартия, която има безупречна белота. Не трябва бързо да абсорбира вода, не трябва да съдържа примеси химически веществаизползвани при производството му. На такава хартия боята ляга равномерно и придобива яркост, може да се измие и изстърже.

По повърхността на хартията много често има следи от мазнина, което пречи равномерно разпределениебои. Затова преди употреба хартията трябва да се измие с дестилирана вода с няколко капки амоняк. Пожълтялата добра ленена хартия може лесно да се избели, ако се измие с водороден прекис.

Техниката на рисуване в акварел по своята сложност се доближава до темпера и дори фреска. От дълго време съществуването на тази техника, техники и методи се появяват сами по себе си, които улесняват работата. Тъй като всяка хартия, когато се намокри, се изкривява, покрива се с вълни, което пречи на рисуването, за да се избегне това, обичайно е хартията да се опъва върху картон, дъска, а също и да се използва „гумичка“.

Рисуване с чист акварел

Само този, в който се използват всички ресурси на тази техника, може да се счита за чист акварел: прозрачност на цветовете, полупрозрачност бял тонхартия, лекота и в същото време силата и яркостта на цветовете. В техниката на чист акварел бялото е напълно неприемливо, тяхната роля се играе от самата хартия. Това налага внимателно да се запази нейната белота на местата, определени за осветяване и т.н., тъй като записаните места върху хартията не могат да бъдат възстановени с бяло, което винаги се различава от тона на хартията. Има редица подходи за облекчаване на това затруднение. Един от тях се състои в изстъргване на записаните места върху хартията със специален скрепер („grattoire”) или нож. Такава операция може да се извърши само върху суха хартия с добро качество.

Друг метод е да се нанесе течен разтвор на каучук в бензин върху зоните, които трябва да бъдат спасени. След изсъхване гумата лесно се отстранява от повърхността на хартията с гумичка.

Тънко нанесените акварелни бои се променят до около една трета от първоначалната си сила след изсъхване и това трябва да се вземе предвид. По време на работа, за по-лесно засенчване на съседни цветове, е полезно хартията да се навлажни отдолу. Французите наричат ​​този метод на работа „travailler dans l"eau" (работа във вода).

За да забавите изсъхването на боите, можете да използвате акварел или акварел. За същите цели във водата, с която се разреждат боите, се добавя мед или глицерин. Въпреки това, голямо количество от тези вещества може да повлияе неблагоприятно на акварелите. В идеалния случай акварелната рисунка е най-добре да се направи отделно и след това да се прехвърли, за да не се разваля повърхността на хартията. Мазната хартия затруднява нанасянето на боя.

Акварелните бои могат да играят и обслужваща роля, например при подрисуване за живопис с маслени бои. Върху лепилни и емулсионни грундове акварелната боя ляга равномерно и добре и в толкова тънък слой, че изобщо не променя текстурата на грунда и не пречи на последващото маслено боядисване.

Рисуване с гваш.

Този древен метод на рисуване, представляващ една от разновидностите на акварела, е разработен за първи път в творбите на художника Паоло Пино (1548 г.). Рисуване в гваш външен видблизка до живописта, изпълнена с темпера гума арабика, но боядисаният й слой е по-рехав. Гвашът е лишен от прозрачност, тъй като боите му се нанасят в по-дебел слой, отколкото в чист акварел, и освен това се смесват с бяло. Рисуването с гваш се извършва или със специални бои, или работата се извършва по метода на гваш с обикновени акварели с добавяне на бяло към тях. И в двата случая пастообразното писане не е допустимо, тъй като дебел слой гваш лесно се напуква, когато изсъхне.

Материали за акварелна техника

Палитри и четки.

Палитрите за акварел се изработват от бял порцелан или фаянс и имат гладка, лъскава повърхност. За тази цел служи и метал, покрит с бял емайл. Често има и пластмасови палети. За да предотвратите събирането на боя върху мазната повърхност на пластмасовата палитра в локви, можете да я натриете леко със сок от чесън, за да я обезмаслите.

Четките за рисуване с акварел са приложими само от мека и еластична коса. Четката трябва да е мека и в същото време еластична. Това са колински, катерица, четки за порове. Четката трябва да има кръгла форма, а когато се намокри, да приеме формата на конус с идеално остър край.

Дъски и гуми.

Когато лепите хартия върху дъската, трябва да огънете листа 2-3 см по ръбовете в посока, обратна на лицевата му страна, така че да изглежда като корито за хартия. След това лицевата страна, върху която ще бъде картината, трябва да се навлажни с вода, а прегънатите краища да се оставят сухи. Не мокрете страната, която ще бъде в съседство с дъската с вода, тъй като лепилото може да потече през водата към противоположната страна и да залепи листа към таблета, което ще затрудни отстраняването на готовата работа от дъската. Извитите ръбове се смазват с вътрепшенична паста, по-често PVA лепило, а хартията се наслагва върху дъската, а краищата се залепват отстрани. Не трябва да се допуска въздух под хартията, в противен случай тя ще се изкриви, когато изсъхне. Също така не трябва да разтягате твърде много мократа хартия, тъй като когато изсъхне, тя се разтяга сама и вълните изчезват сами; но преразтегнатата мокра хартия може да се напука. Необходимо е внимателно да залепите краищата към таблета, без да правите празнини. В противен случай на тези места ще има вълна. За малки работиизползвайте гумички, които са два вида. Един от тях е обикновена дъска, която се вкарва в дървена рамка. Хартията се наслагва върху дъската и се сгъва по краищата, след което дъската се вкарва в рамката. Не е нужно да използвате никакъв вид лепило.

Вторият тип са две дървени рамки, които пасват една в една, като обръч за бродиране. Хартията се наслагва върху по-малка рамка и се притиска към по-голяма.

Запазване на акварели.

Тънките слоеве акварелна боя лесно се обезцветяват, а свързващото вещество не ги предпазва добре. Повечето полупрозрачни бои не са издръжливи сами по себе си.

Те обаче привличат с красотата си и затова хората на изкуството трудно се разделят с тях. Акварелът се страхува от светлината. На светлината цветовете избледняват, а хартията губи своята белота. Акварелите трябва да се съхраняват в помещения с умерена светлина и сух въздух. Поддържането на акварели в силно осветени помещения е естествено варварство. Съхраняват се под стъкло (картината не трябва да се допира до стъклото), където са до известна степен защитени от външни влияния от лицевата страна, но остават незащитени отвътре.

За по-добро запазване на акварелите са предложени методи, които са трудни за прилагане на практика.

Един от тях е да поставите акварела между две запечатани чаши.

Това наистина предпазва бързо избледняващите мастила, но почерняващите мастила почерняват още по-бързо.

Предлага се също така да се изпомпва въздух от пространството между две запечатани чаши, разбира се, този метод ще даде най-добър резултат, но е трудно да се приложи на практика.

Понякога акварелите се лакират с бял шеллак в спирт или вода. Лакът наистина предпазва акварела от влага, придава яркост на боите, но акварелът, покрит с лак, придобива необичаен вид.

5. Рисуване от натура на група предмети. Натюрморт в цвят

Рисуването от живота развива уменията за наблюдение и развива уменията за рисуване в детето. В края на краищата, рисувайки от живи обекти с различни размери, цветове и форми, детето се упражнява в изграждането на композиции.

Можете да рисувате от природата с молив, флумастер и бои.

Първият етап от рисуването от живота е определянето на обекта за рисуване.

За да е по-удобно да рисувате, предметът трябва да бъде поставен пред вас на разстояние три от размера му.

Втората стъпка е да скицирате тези общи форми на обекта върху лист хартия, тоест тяхното правилно разположение.

Третият етап е щрихирането на сянката на изобразения обект. За художниците този етап се нарича изработка. Когато покривате фона и обекта с цвят, не забравяйте за сянката.

Рисуването от живота трябва да започне с прости предмети. Нека се опитаме да нарисуваме кутия от природата. Вземете правоъгълна кутия и я поставете на масата пред вас.

Да видим колко от страните му виждаме - едната страна или също капак? Нека начертаем кутията така, както я виждаме от нашето място.

Сега нека завършим рисунката, като "вържем" кутията с панделка.

Когато рисувате от живота, от време на време е необходимо да проверявате правилността на изображението, като се отдалечавате от рисунката с 2-3 метра.

Натюрморт в цвят.

Натюрмортът се смята за един от най-трудните жанрове. Но същото може да се чуе и за всички други жанрове, но най-много е фактът, че натюрмортът творчески жанр, без съмнение. За да снимате или рисувате натюрморти, имате нужда от вдъхновение. Защото, за разлика от другите, в натюрморта първоначално няма обект за снимане. Просто казано, няма какво да снимате или рисувате, докато сами не измислите сюжет във въображението си и след това не го създадете в действителност. Необходимо е да изберете „участници“, да изградите композиция от тях, да обмислите опциите за осветление и да настроите светлината, като същевременно вземете предвид такива нюанси като средата, в която се намира композицията, взаимодействието на обектите един с друг и среда, тяхната съвместимост по цвят, текстура, размер и, добре, много повече. Тези. процесът на създаване на натюрморт включва не само фотографията като такава, но и създаването на сюжет. Следователно жанрът на натюрморта може безопасно да се нарече творчество на площада.

Заключение

В заключение, нека обобщим горното:

Живописта се дели на монументална, декоративна, театрално-декоративна, миниатюрна и стативна.

По техника и начин на изпълнение живописта се разделя на масло, темпера, фреска, восък, мозайка, стъклопис, акварел, гваш, пастел.

В съвременната живопис има следните жанрове: портрет, исторически, митологичен, битка, бит, пейзаж, натюрморт, анималистичен жанр.

Историческата живопис е изображение на определени исторически моменти, както и фигури Публичен животот миналото.

Баталната живопис има за цел да заснеме битки, битки и войни. Митологичната живопис изобразява събития, описани в митове, епоси и легенди.

Всекидневната (жанрова) живопис е изображение на сцени от реалния живот, неговите реалности и атрибути.

Пейзажната (пейзажна) живопис е изображение на естествена природа или всяка местност.

Портретна живопис - художествен образчовек. Специфичен вид портрет е автопортретът.

Натюрмортът е изображение на различни неодушевени предмети, например плодове, цветя, предмети от бита, прибори, поставени в реална битова среда и композиционно организирани в една група.

Библиография

1. Батракова С. П. Художник на ХХ век. и езика на живописта. М., 1996.

2. Vipper B.R. Представяне на историческо изследванеизкуство. М., Визуални изкуства, 1985

3. Западното изкуство на ХХ век. Класическо наследство и модерност. М, 1992.

4. История на чуждестранното изкуство. М., Визуални изкуства, 1984

5. История на световното изкуство. 3-то издание, Издателство Академия, М., 1998 г.

6. От конструктивизъм към сюрреализъм. М., 1996.

7. Поляков В.В. История на световното изкуство. Визуалните изкуства и архитектурата на ХХ век. М., 1993.

8. Садохин А.П. Културология: теория и история на културата: Учеб. -- М.: Ексмо, 2007.

9. Съвременно западно изкуство. ХХ век: проблеми и тенденции. М., 1982.

10. Суздалев П. За жанровете на живописта. // Творчество, 2004, № 2, 3. С. 45-49.

Хоствано на Allbest.ru

Подобни документи

Кратък преглед на историята на енкаустиката. Разглеждане на особеностите на тази живописна техника в египетското, гръцкото и римското антично изкуство. Енкаустика в модерен свят. Използването на електричество за развитието на монументалната и стативната восъчна живопис.

резюме, добавено на 22.01.2015 г


Изследване на характеристиките на Khokhloma, декоративна живопис върху дървени изделия. Палех е вид руска народна миниатюрна живопис върху лакирани изделия от папиемаше. Декоративна маслена живопис върху метални подноси. Изпълнение на картината в Городец.

презентация, добавена на 29.11.2016 г


Изследване на представители на италианската живописна школа. Характеристика на характеристиките на основните видове изобразително изкуство: стативна и приложна графика, скулптура, архитектура и фотография. Изучаване на техники и методи за работа с маслени бои.

курсова работа, добавена на 15.02.2012 г


Анализ на историческите аспекти на появата и развитието на лаковата миниатюрна живопис в Русия. Основните теми на ловния жанр. Етапи на работа по създаване на композиция на тема "Лов на патици". Разработване на технологична последователност за боядисване на кутия.

дисертация, добавена на 29.07.2012 г


Историята на развитието на акварела в Европа и Русия. Материали, оборудване и инструменти за рисуване с акварел, характеристики на основните му техники: "мокра" работа, техника "A La Prima", еднослоен "сух" акварел, многослоен акварел (глазуриране).

резюме, добавено на 09.06.2014 г


Ученето историческо развитиеи развитието на гравюрата. Характеристики на дизайнерските техники и методи на печат в средата на XVIII век. Описания на монументални, стативи и декоративни гравюри. Анализ на работата на руските гравьори М. Махаев, И. Соколов.

контролна работа, добавена на 09.11.2014 г


Формиране на умения за рисуване от природата. Изучаване на техниката за рисуване на кленов есенен лист в акварел "мокър". Етапи на извършване на работа в цвят. Общо търсене и усъвършенстване на композицията. Разработване на основните обеми на формите на предмета. Работа по детайлите.

развитие на урока, добавено на 11.06.2016 г


Изследване на характеристиките на развитието китайска живописДинастия Сонг. Характеристики на живописта от периода на Северната и Южната песен. Отражение на идеологическите принципи на чан будизма пейзажна живописот този период. Влиянието на конфуцианското учение върху живописта Сун.

курсова работа, добавена на 27.05.2015 г


Определяне на чертите на Възраждането. Разглеждане на характеристиките на живописта, архитектурата и скулптурата от тази епоха, основните автори. Изследването на нов поглед към мъжа, жената в изкуството, развитието на силата на мисълта и интереса към човешкото тяло.

резюме, добавено на 02/04/2015


Рафаел Санти и неговите творчески начинания. Концепцията за монументалната живопис като жанр на изобразителното изкуство. Сравнителен анализпроизведения на монументалната живопис на Рафаел Санти. Методи на рисуване по примера на фреските "Спор за причастието" и "Атинската школа".

Рисуването е неразделна част от човешкия живот от древни времена. Скалните рисунки ни разказват за живота първобитни хора. Какво е рисуване?

Живопис: определение и видове

Рисуването е форма на изкуство, която включва прилагане на визуални изображения с помощта на бои върху основа.

В съвременния свят този вид изкуство включва също създаването на изображения с помощта на дигитални технологии и самите произведения на изкуството, направени по тези методи.

Освен това рисуването е важен начин за предаване на реалността, чувствата и състоянието на човешката душа. В допълнение към картините, изобразени върху платно, живописта включва и боядисване на стени, съдове със сложна форма, дърво, картон, хартия и други повърхности. Рисунките често съпътстват архитектурата.

Според естеството на изпълнението и предназначението се разграничават следните видове боядисване:

• Монументално-декоративна - това е вид живопис, която помага да се създаде атмосфера на архитектурна структура или ансамбъл (стенни рисунки, пана).
• Декоративни (декорации, костюми).
• Иконопис.
• Миниатюра. Този вид живопис се използва за илюстриране на книги, ръкописи.
• Панорама - писане на изображение с кръгъл изглед и създаване на илюзията за реалност.
• Диорама - създаване на извито изображение.
• Станкова живопис.

Какво е стативна живопис? Това е изображение на картини, които се възприемат отделно от света около тях. Така да се каже, картина, създадена на машинен инструмент - статив. В по-голямата си част произведенията на стативната живопис са изложени в музеите.

В тази статия научихте малко за живописта, за красивата форма на изобразително изкуство, която ни радва от много векове.