Руски стативен пейзаж от XVIII-XIX век. Руски стативен пейзаж от 18-19 век Руска пейзажна живопис от 18 век

18 век е период, в който се извършват колосални трансформации във всички сфери: политическа, социална, обществена. Европа въвежда нови жанрове в руската живопис: пейзаж, история, бит. Реалистичната посока на живописта става преобладаваща. Живият човек е герой и носител на тогавашните естетически идеали.

18 век влиза в историята на изкуството като времето на живописните портрети. Всеки искаше да има свой собствен портрет: от кралицата до обикновен чиновник от провинцията.

Европейски тенденции в руската живопис

Известни руски художници от 18 век са били принудени да следват западната мода по заповед на Петър I, който иска да европеизира Русия. Той отдава голямо значение на развитието на изобразителното изкуство и дори планира изграждането на специализирано учебно заведение.

Руските художници от 18 век усвояват нови техники на европейската живопис и изобразяват върху платната си не само царе, но и различни боляри, търговци, патриарси, които се опитват да бъдат в крак с модата и често поръчват на местни художници да нарисуват портрет. В същото време художниците от онова време се опитват да обогатят портретите с предмети от бита, елементи от националния костюм, природа и др. Вниманието беше насочено към скъпи мебели, големи вази, луксозни дрехи, интересни пози. Образът на хора от онова време днес се възприема като поетичен разказ на творците за своето време.

И все пак портретите на руски художници от 18 век се различават от портретите на поканени чуждестранни художници в поразителен контраст. Заслужава да се отбележи, че художници от други страни бяха поканени да обучават руски художници.

Видове портрети

Началото на 18 век е белязано от привличането на портретистите към полуцеремониални и камерни изгледи.Портретите на художници от втората половина на 18 век пораждат такива типове като предни, полуцеремониални, камерни, интимни.

Предната се различава от другите в образа на човек в пълен ръст. Блясък на лукса - както в дрехите, така и в предметите от бита.

Полу-преден изглед е изображение на модел с дължина до коляното или талията.

Ако човек е изобразен на неутрален фон до гърдите или кръста, тогава този тип портрет се нарича камера.

Интимният вид на портрета предполага обръщане към вътрешния свят на героя на картината, докато фонът е игнориран.

портретни изображения

Често руските художници от 18-ти век са били принудени да въплъщават представата на клиента за себе си в портретно изображение, но по никакъв начин в реално изображение. Важно беше да се вземе предвид общественото мнение за този или онзи човек. Много историци на изкуството отдавна са заключили, че основното правило на онова време е да се изобразява човек не толкова такъв, какъвто е в действителност или какъвто би искал да бъде, а такъв, какъвто може да бъде в най-доброто си отражение. Тоест в портретите на всеки човек, който те се опитаха да изобразят като идеал.

Първи художници

Руски художници от 18 век, чийто списък като цяло е малък, са по-специално И. Н. Никитин, А. П. Антропов, Ф. С. Рокотов, И. П. Аргунов, В. Л. Боровиковски, Д. Г. Левицки.

Сред първите художници на 18 век са имената на Никитин, Антропов, Аргунов. Ролята на тези първи руски художници от 18 век е незначителна. Свежда се само до писане на огромен брой кралски изображения, портрети на руски благородници. Руски художници от 18 век - майстори на портрети. Въпреки че често те просто помагаха на чуждестранни занаятчии да рисуват стените на голям брой дворци и да правят театрални декори.

Името на художника Иван Никитич Никитин се среща в кореспонденцията на Петър I със съпругата му. Неговата четка принадлежи на портрета на самия крал, канцлер Г. И. Головин. В неговия портрет на външния хетман няма нищо изкуствено. Външният вид не се променя от перука или съдебно облекло. Художникът показа хетмана такъв, какъвто го прави в реалния живот. Именно в истината на живота е основното предимство на портретите на Никитин.

Работата на Антропов е запазена в изображенията на катедралата Свети Андрей в Киев и портретите в Синода. Тези творби се отличават със склонността на художника към жълтите, маслинените цветове, защото той е художник, който е учил при майстора на иконописта. Сред известните му творби са портрети на Елизабет Петровна, Петър I, княгиня Трубецкой, атаман Ф. Краснощеков. Творчеството на Антропов съчетава традициите на оригиналната руска живопис от 17-ти век и каноните на изобразителното изкуство от Петровата епоха.

Иван Петрович Аргунов е известен крепостен портретист на граф Шереметьев. Портретите му са изящни, позите на изобразените от него хора са свободни и подвижни, всичко в творчеството му е прецизно и просто. Създател е на камерен портрет, който по-късно ще се превърне в интимен. Значими произведения на художника: Шереметиеви, П. Б. Шереметьев в детството.

Не трябва да мислите, че по това време в Русия не е имало други жанрове, но големите руски художници от 18 век създават най-значимите творби в жанра на портрета.

Върхът на 18 век е делото на Рокотов, Левицки и Боровиковски. Човекът в портретите на художниците е достоен за възхищение, внимание и уважение. Човещината на чувствата е отличителна черта на техните портрети.

Фьодор Степанович Рокотов (1735-1808)

Почти нищо не се знае за Фьодор Степанович Рокотов, руски художник от 18-ти век от крепостните селяни на княз И. Репнин. Този художник пише портрети на жени меко и ефирно. Вътрешната красота се усеща от Рокотов и той намира средства да я въплъти на платно. Дори овалната форма на портретите само подчертава крехката и елегантна външност на жените.

Основният жанр на творчеството му е портрет в полуоблекло. Сред творбите му са портрети на Григорий Орлов и Петър III, княгиня Юсупова и княз Павел Петрович.

Дмитрий Григориевич Левицки (1735-1822)

Известният руски художник от 18 век Дмитрий Григориевич Левицки, ученик на А. Антропов, успява чувствително да улови и пресъздаде в картините си душевните състояния и характеристики на хората. Изобразявайки богатите, той остава правдив и безпристрастен, портретите му изключват раболепието и лъжата. Неговата четка притежава цяла галерия от портрети на велики хора от 18 век. Именно в парадния портрет Левицки се разкрива като майстор. Той намира изразителни пози, жестове, показващи благородни благородници. Руска история в лица - така често се нарича творчеството на Левицки.
Картини, принадлежащи на четката на художника: портрети на М. А. Лвова, Е. И. Нелидова, Н. И. Новиков, Митрофанови.

Владимир Лукич Боровиковски (1757-1825)

Руските художници от 18-ти и 19-ти век се отличават с привличането си към така наречения сантиментален портрет. Художникът Владимир Лукич Боровиковски рисува замислени момичета, които са изобразени в неговите портрети със светли цветове, те са ефирни и невинни. Неговите героини са не само руски селски жени в традиционна рокля, но и уважавани дами от висшето общество. Това са портрети на Наришкина, Лопухина, княгиня Суворова, Арсеньева. Снимките са донякъде подобни, но е невъзможно да ги забравите. се отличава с удивителната тънкост на предадените герои, почти неуловимите черти на емоционалните преживявания и чувството на нежност, което обединява всички образи. В творбите си Боровиковски разкрива цялата красота на жената от онова време.

Наследството на Боровиковски е много разнообразно и обширно. В творчеството му има както парадни портрети, така и миниатюрни и интимни платна. Сред творбите на Боровиковски най-известни са портретите на В. А. Жуковски, Г. Р. Державин, А. Б. Куракин и Павел I.

Картини на руски художници

Картини от 18-ти век от руски художници са написани с любов към човека, неговия вътрешен свят и уважение към моралните добродетели. Стилът на всеки художник, от една страна, е много индивидуален, от друга страна, има няколко общи черти с другите. Този момент определи самия стил, който подчертава характера на руското изкуство през 18 век.

Повечето руски художници от 18 век:

1. "Млад художник" Втората половина на 1760 г Авторът Иван Фирсов е най-енигматичният художник на 18 век. Картината изобразява момче в униформа, което рисува портрет на малко красиво момиченце.
2. „Сбогуване на Хектор с Андромаха“, 1773 г. Автор Антон Павлович Лосенко. Последната картина на художника. Изобразява сцена от шеста песен на Омировата Илиада.
3. „Каменен мост в Гатчина близо до площад Коннетабъл“, 1799-1801. Автор Семьон Федорович Шчедрин. Картината показва пейзажен изглед.

И все пак

Руските художници от 18-ти век все още се опитват да разкрият истината и истинските характери на хората, въпреки условията на крепостничество и желанията на богатите клиенти. Портретният жанр през 18 век въплъщава специфичните черти на руския народ.

Несъмнено може да се каже, че колкото и изкуството на 18 век да е повлияно от европейската култура, то все пак е довело до развитието на националните руски традиции.

Величествената и разнообразна руска живопис винаги радва публиката с непостоянството и съвършенството на художествените форми. Това е особеността на произведенията на известни майстори на изкуството. Те винаги изненадват с необичайния си подход към работата, благоговейно отношение към чувствата и усещанията на всеки човек. Може би затова руските художници толкова често изобразяват портретни композиции, които ярко съчетават емоционални образи и епично спокойни мотиви. Нищо чудно, че Максим Горки веднъж каза, че художникът е сърцето на страната си, гласът на цялата епоха. Наистина, величествените и елегантни картини на руски художници ярко предават вдъхновението на своето време. Подобно на стремежите на известния писател Антон Чехов, мнозина се стремят да внесат в руската живопис уникалния вкус на своя народ, както и неутолимата мечта за красота. Трудно е да се подценят необикновените платна на тези майстори на величественото изкуство, защото под тяхната четка се раждат наистина необикновени произведения от различни жанрове. Академична живопис, портрет, историческа живопис, пейзаж, произведения на романтизма, модернизма или символизма - всички те все още носят радост и вдъхновение на своите зрители. Всеки намира в тях нещо повече от пъстри цветове, изящни линии и неподражаеми жанрове на световното изкуство. Може би такова изобилие от форми и образи, с които руската живопис изненадва, е свързано с огромния потенциал на заобикалящия свят на художниците. Левитан също каза, че във всяка нотка на буйна природа има величествена и необичайна палитра от цветове. С такова начало пред четката на художника се открива великолепна шир. Следователно всички руски картини се отличават с изящна строгост и привлекателна красота, от които е толкова трудно да се откъснеш.

Руската живопис правилно се отличава от световното изкуство. Факт е, че до седемнадесети век домашната живопис се свързва изключително с религиозна тема. Ситуацията се промени с идването на власт на царя-реформатор - Петър Велики. Благодарение на неговите реформи руските майстори започват да се занимават със светска живопис, а иконописът се отделя като отделна посока. Седемнадесети век е времето на такива художници като Симон Ушаков и Йосиф Владимиров. Тогава в света на руското изкуство се заражда портретът, който бързо става популярен. През осемнадесети век се появяват първите художници, които преминават от портретна към пейзажна живопис. Забелязва се подчертаната симпатия на майсторите към зимните панорами. Осемнадесети век беше запомнен и с раждането на ежедневната живопис. През деветнадесети век в Русия придобиха популярност три направления: романтизъм, реализъм и класицизъм. Както и преди, руските художници продължават да се обръщат към портретния жанр. Тогава се появяват световноизвестните портрети и автопортрети на О. Кипренски и В. Тропинин. През втората половина на деветнадесети век художниците все по-често изобразяват простия руски народ в неговото потиснато състояние. Реализмът става централна тенденция в живописта от този период. Тогава се появиха Странниците, изобразяващи само истинския, истински живот. Е, двадесети век, разбира се, е авангардът. Художниците от онова време значително повлияха както на своите последователи в Русия, така и по света. Техните картини стават предшественици на абстракционизма. Руската живопис е огромен прекрасен свят на талантливи художници, които прославиха Русия със своите творения

Лев Каменев (1833 - 1886) "Пейзаж с хижа"

Пейзажът, като самостоятелен жанр на живописта, се утвърждава в Русия около средата на 18 век. И преди този период пейзажът е бил фон за изображение на иконни композиции или част от илюстрации на книги.

За руския пейзаж от 19 век е писано много и такива, без преувеличение, големи специалисти в областта на живописта пишат, че аз по същество нямам какво да добавя.

Пионерите на руската пейзажна живопис се наричат ​​Семьон Шчедрин, Фьодор Алексеев и Фьодор Матвеев. Всички тези художници са учили живопис в Европа, което оставя определен отпечатък върху бъдещата им работа.

Шчедрин (1749 - 1804) придобива слава като автор на произведения, изобразяващи императорски селски паркове. Алексеев (1753 - 1824) е наречен руския Каналето за пейзажи, изобразяващи архитектурни паметници на Санкт Петербург, Гатчина и Павловск, Москва. Матвеев (1758 - 1826) работи по-голямата част от живота си в Италия и пише в духа на своя учител Хакерт. Творбите на този талантлив италиански художник са имитирани и от М.М. Иванов (1748 - 1828).

Експертите отбелязват два етапа в развитието на руската пейзажна живопис от 19 век, които не са органично свързани помежду си, но са ясно разграничими. Тези две стъпки са:

• реалистичен;
• романтичен.

Границата между тези области е ясно оформена от средата на 20-те години на XIX век. До средата на осемнадесети век руската живопис започва да се освобождава от рационализма на класическата живопис от XVIII век. И руският романтизъм, като отделно явление в руската живопис, има голямо значение в тези промени.

Руският романтичен пейзаж се развива в три посоки:

1. градски пейзаж, базиран на произведения от природата;
2. изучаването на руската природа на базата на "италианска почва";
3. Руски национален пейзаж.

А сега ви каня в галерията с произведения на руски художници от 19 век, които рисуват пейзажи. Взех само по една творба от всеки художник - иначе тази галерия беше безкрайна.

Ако имате желание, тогава можете да прочетете за работата на всеки художник (и съответно да си припомните работата на художника) на този сайт.

Руски пейзажи от 19 век

Владимир Муравьов (1861 - 1940), Синя гора

Владимир Орловски (1842 - 1914), "Летен ден"

Пьотр Суходолски (1835 - 1903), Троица

Иван Шишкин (1832 - 1898), "Ръж"

Ефим Волков (1844 - 1920), Горско езеро

Николай Астудин (1847 - 1925), "Планински път"

Николай Сергеев (1855 - 1919), "Лятно езерце"

Константин Крижицки1 (1858-1911), "Звенигород"

Алексей Писемски (1859 - 1913), "Горска река"

Йосиф Крачковски (1854 - 1914), "Глициния"

Исак Левитан (1860 - 1900), "Бреза горичка"

Василий Поленов (1844-1927), Старата мелница

Михаил Клод (1832 - 1902), Дъбова горичка

Аполинарий Васнецов (1856 - 1933), Охтирка. тип чифлик»

Асоциация на пътуващи художествени изложби: творческа доктрина, художествен маниер, представители.

Асоциацията на пътуващите художествени изложби е асоциация на руските художници от края на 19 век. През ноември 1863 г. четиринадесет възпитаници на Императорската художествена академия изпращат молба до Съвета на Академията с молба да заменят традиционната конкурсна задача, давайки на младите художници свободата да избират тема. През 1870 г. тази асоциация е преименувана на Асоциация на художествените изложби. Н.Н. Ге, И.Н. Крамской, Г.Г. Мясоедов, В.Г. Перов, В.А. Серов, В.Д., Поленов, И.Е. Репин, А.К. Саврасов, В.И. Суриков, И.И. Шишкин и много други. Тези художници успяха да създадат ново, „живо” изкуство, противопоставено на безжизнената живопис на Художествената академия.

Сдружението на пътуващите художествени изложби се обедини около себе си всички най-добри художници и скулпторивтората половина на 19 - началото на 20 век. Това е В.Г. Перов и И.Н. Крамской, Г.Г. Мясоедов и В.Е. Маковски, К.А. Савицки и В.М. Максимов, И.М. Прянишников и Н.Н. Ге, Саврасов и И.И. Шишкин, А.И. Куинджи, В.М. Васнецов и В.Д. Поленов, Н.В. Неврев, И.Е. Репин и Суриков, Серов и И.И. Левитан, Н.А. Ярошенко и Нестеров, Н.А. Касаткин и С.В. Иванов, А.Е. Архипов, В.Н. Бакшеев и много други. През този период няма значими артисти, които да не смятат за висока чест да се присъединят към Партньорството, което от своя страна никога не е било затворено сдружение и на всички етапи от своето съществуване е приемало в редиците си талантливи младежи, и също привлечени за участие в изложби на много художници. Антоколски, Верешчагин, Волнухин, К.А. Коровин, С.А. Коровин, Малявин, Коненков и много други.

Уставът на новата организация е одобрен през 1870 г. Основните идеи на Странниците се основават на постулатите на философския романтизъм. Целта им е да създадат ново изкуство, освободено от сухи, безжизнени рамки. Светът трябваше да види себе си през призмата на историята. Като цяло "Скитниците" се фокусираха върху модерността, създавайки голям брой жанрови и ежедневни теми. Изкуството трябва да бъде пряко свързано с реалността, според принципите на скитниците, така че основните стилове на тяхната работа остават реализъм и импресионизъм. Работата на художници, членове на TPHV, се отличава с остър психологизъм и подчертан социален компонент.

Принципите на движението на скитниците се основават не само на постиженията на руското изкуство, но и на опита на световната живопис. Известно е, че членовете на това партньорство редовно изучават произведенията на други художници, пътуващи в чужбина. Те са работили в различни жанрове: исторически, пейзаж, портрет. Но всяко произведение, независимо от избрания жанр, обърнато към настоящето, се отличаваше със социологическа и психологическа острота. Първата изложба се състоя през 1871 г., а разцветът на движението дойде през 80-те години на 19 век.

1917 е година на промяна и за Уондърърс. Постепенно THPV губи своята независимост и до 1923 г. окончателно се слива с Асоциацията на художниците на революционна Русия.

Руската пейзажна живопис от 18 - началото на 20 век.

Пейзажът, като независим жанр, се развива в руската живопис през последната четвърт на 18 век. Неговото формиране е свързано със сантиментализма - тенденция, която се разпространява в литературата и живописта от онова време, призовавайки към естествеността и откритостта на духовния живот на човека. Влечението към естествеността беше свързано с култа към природата, сред която само човек може да намери мир и вътрешна свобода.

18 век:

В руската живопис от 18 век пейзажът става самостоятелен жанр. Признатите майстори на пейзажите са: Шчедрин и Алексеев. Фините акварели са заснели различни живописни кътчета на руските градове и села.

Сем Ф. Шчедрин е първият художник, който прави опит да изобрази природата в нейната все още условна красота и да я види през очите на искрено възхитен съзерцател.

Наред с пейзажите на сантименталистичното направление се развива и пейзажът. класически.Това бяха образи от природата, композирани по скици от натура - изящни, подбрани, претворени в стените от майсторската творческа мисъл на художника. Представители на изкуството на класицизмасъздадени са много интересни произведения, сред които се отличават героичните пейзажи на Ф. М. Матвеев. Използването на техниките на класическата живопис е забележимо в поетичните възгледи на Санкт Петербург и Москва от Ф.Я.

Културният център на руската живопис от 18 век става Ермитаж. През 1764 г. е поставено началото на формирането на нова колекция от художествени активи.

За да се появи наистина естествен, "жив" пейзаж, беше необходимо ново възприемане на природата, който дойде в руската култура заедно с романтизъм.

Най-последователните романтични пейзажистиса М. И. Лебедев и Силв Ф. Шчедрин, които заминават като пенсионери от Художествената академия в Италия. Изпълнявайки своите произведения от природата, те предават в тях радостното единство на въздух, вода, земя, светлина и цвят.

19 век:

А. Г. Венецианов (средата на 19 век), който издига естетическите достойнства на националната природа до невъобразими преди това висоти. Венецианските пейзажи като такива не са запазени. Въпреки това незабележимата, скромна природа на централната руска зона за първи път се появява в неговите творби (често съчетаващи битови и пейзажни жанрове) като онази любяща майчина пазва, в която тече животът на човека. Вътрешната основа на творчеството на Венецианов винаги е била ясната и целомъдрена чистота на земята и човека, свързан със земята - селянинът. Това усещане за "неприкосновеност" на природата той предава и на своите ученици, за които стойността на художественото въплъщение на видяното никога не надвишава стойността, която изпитват от самия обект.

През втората половина на XIXвек романтичната живопис продължава да съществува в късната си версия, тясно свързана със законите на академичното изкуство. от най-много виден представителМ. Н. Воробьов, който възпита цяла плеяда руски пейзажисти, беше в тази посока. Братята му Г.Г. и И.Г. Чернецов, И. К. Айвазовски, Л. Ф. Лагорио, А. П. Боголюбов и др.

През 1870-те години настъпи времето за зрелостта на вътрешния национален пейзаж.По това време такива класици като А. К. Саврасов, Ф. А. Василиев, И. И. Шишкин, редица по-малки майстори - М. К. Клод, А. П. и много други. Повечето от тях свързан с Асоциацията на пътуващите художествени изложби.

Замислен, сериозен и взискателен, Шишкин, ( сер 19-късен 19)изглеждаше напълно подвластен на природата. Но тази съзнателна строгост и трезвост на художествения метод му помогнаха да създаде епичен и монументален образ на руската гора. Саврасов също беше епичен художник. Но, чувствителен и музикален, той намери хармонична музикалност в природата ..

Пейзаж от последната четвърт на 19 векопределя се от много течения. В платната на най-лиричния от руските пейзажисти И. И. Левитан картината на природата е забележимо психологизирана, става интимно близка до човек, отразява неговите емоционални преживявания.

Пълната противоположност на изкуството на Левитан беше работата на В. А. Серов, който разбра екзистенциалната същност на земята в нейната независимост, независимост от човека. В творбите на М. А. Врубел има желание да се проникне в нейния таен, скрит живот.

До последната третина на 19вруският пейзаж най-накрая пое по пътя на пленерната живопис. В. Д. Поленов, В. А. Серов, И. И. Левитан, К. А. Коровин и други художници въплътиха в своите творби цялата многоцветност и яркост на природната среда.

Късният 19-ти - началото на 20-ти век:

В еволюцията на домашния пейзаж най-важна роля изигра импресионизмът, през който преминаха почти всички сериозни художници от края на 19-ти и началото на 20-ти век. В духа на символистичното изкуство Кримов и Виктор Борисов-Мусатов създават своите пейзажи. Първото десетилетие на ХХ век преминава под мотото на най-смелото търсене на нови изразни средства в живописта.Казимир Малевич и Наталия Гончарова намериха нови форми, нови цветове, нови изразителни средства за предаване на пейзажа. Съветският реализъм продължи традициите на класическия руски пейзаж.Аркадий Пластов, Вячеслав Загонек, братята Ткачеви гледаха на родната си природа внимателно и с оптимизъм.

Славен XVIII век! С него в една увлекателна и драматична книга на руската история започва не просто нова глава, а може би цял том. По-скоро този том трябва да започне от последните десетилетия на миналия век - XVII век, когато страната ни, мъчително колебейки се на кръстопът, започва да прави мощен, невиждан завой - от Средновековието към Новото време. С лице към Европа.

Русия от онова време често се сравнява с кораб. Този кораб се движеше неудържимо напред, разпъвайки великолепните си платна, без да се страхува от никакви бури и не спираше при виковете: „Човек зад борда!“. Той беше воден от твърдата ръка на един блестящ, безстрашен и безпощаден капитан - цар Петър, който направи Русия империя, а себе си - неин първи император. Неговите реформи бяха трудни, дори жестоки. Той наложи волята си на страната, нарушавайки традициите, без колебание, жертвайки хиляди и хиляди животи на държавните интереси.

Беше ли необходимо? Имаше ли друг начин? Въпросът е много сложен, историците все още не са дали отговор на него. За нас обаче сега е важно нещо друго. Фактът, че само за няколко десетилетия, изминали от началото на реформите на Петър до времето на Екатерина Велика, Русия, която в очите на Западна Европа беше чужда, опасна екзотична земя, населена с непредвидими варвари, се превърна не просто европейска сила. Една от първите европейски сили! Бързите промени настъпиха не само в политиката - те засегнаха самите основи на живота на хората, отношението им към света и един към друг, живота, дрехите, много ежедневни малки неща, от които всъщност се състои животът. И, разбира се, изкуството. През тези десетилетия руското изкуство е следвало пътя, по който западноевропейското изкуство е течало от векове.

Неизвестен художник. Портрет на "патриарха" Милак - болярин Матвей Филимонович Наришкин. 1690 Маслени бои върху платно. 86,5 х 75 см Държавен руски музей

Патосът на активното знание, обхванал Русия от времето на Петър Велики, го прави отчасти свързан със Западна Европа от Ренесанса. Тогава в Италия (а след това и в други страни) секуларизацията на културата, развитието на практическите науки вместо средновековната спекулативна философия и силният интерес към самоценната личност (извън корпоративната рамка, отново характерна за Средновековието) стимулират бързо развитие на светското изкуство, което се издига до невиждани висоти.

Това изкуство се характеризира с точно предаване на природата, основано на изучаването на законите на перспективата и човешката анатомия; и най-важното - близко и безразлично вглеждане в човека. Майсторите на Ренесанса ни показват човека преди всичко като чудо, венец на творението, на което трябва да се възхищаваме. До 17 век тази наслада отстъпва място на дълбокия и трезв психологизъм, осъзнаването на трагичните парадокси на битието и самата човешка природа (например в творчеството на Веласкес и Рембранд).

Руското изкуство от 17 век все още е доминирано от традицията и канона. Светската живопис от онова време е парсунски портрети (от латинската дума "персона"), които много напомнят на иконописни лица. Те са плоски, статични, лишени от светлосенки, неточно предават външния вид на портретуваните (известни на авторите, като правило, от слухове). Всичко това, разбира се, не се дължи на липса на талант. Пред нас е различна художествена система, предназначена за духовно изкуство. Някога тя съживява шедьоврите на Теофан Гръцки и Андрей Рубльов. Но времената се промениха и техниките на рисуване, лишени от историческа основа, се превърнаха в архаизъм.

Бързите промени в обществото - и с него в изкуството - започват през 90-те години на XVII век. Като типичен пример може да се посочи портрет на царския шут Яков Тургенев, нарисуван от неизвестен майстор не по-късно от 1695 г. Като цяло това е типична парсуна: замръзнало изображение на равнина, въпреки че светлината и сенките вече са очертани. Но основното е индивидуализацията на външния вид на модела: черти на лицето, изражение на очите; вътрешният свят все още не е отразен в портрета и въпреки това несъмнено имаме жив човек пред себе си.

Иван Никитин. Портрет на княгиня Прасковя Ивановна (?), племенница на Петър I. 1714г.
Платно, масло. 88 х 67,5 cm Държавен руски музей

Иван Никитин. Портрет на барон Сергей Григориевич Строганов. 1726 г
Платно, масло. 87 х 65 см Държавен руски музей

Иван Никитин. Петър I на смъртния си одър. 1725 г
Платно, масло. 36,6 x 54,4 cm Държавен руски музей

Фактът, че портретният жанр започна да се развива много бързо, не е изненадващ. Първо, тя вече съществува в руската живопис (за разлика от повечето други жанрове, които тепърва ще се появяват). Основната причина е, че в епохата на Петър Велики рязко нараства значението на личността – активна, жадна за самоутвърждаване, разчупваща традициите и класовите бариери. Такива бяха „пилетата от гнездото на Петров“ - от Меншиков до Абрам Ханибал - хазартни и талантливи хора от различен произход, благодарение на които руският кораб успя да преодолее бурното море от радикални реформи. Съдбата на тези хора често се развива трагично. Такава съдба очакваше първия известен художник от 18 век, който излезе на преден план при Петър, Иван Никитин.

Той е роден в средата на 1680-те (точната дата не е известна) в семейството на московски свещеник. Той рано проявява необикновени способности: като много млад преподава аритметика и рисуване в "артилерийското училище" в Москва. Сериозно започва да учи рисуване по указание на Петър I, който разбира за неговия талант.

Ранните творби на Никитин (например портрет, за който се предполага, че изобразява племенницата на Петър Прасковия Йоановна (1714)) все още в много отношения приличат на парсуни с тяхната плоскост, условност и незачитане на анатомията. Но в тях все повече се забелязват нови черти: внимателно внимание към модела, опити за предаване на неговия характер, вътрешен живот. През 1716 г. Никитин е включен в броя на пенсионерите на Петър - младежи, изпратени в чужбина да учат на държавни разноски.

Иван Никитин. Портрет на външен хетман. 1720-те
Платно, масло. 76 х 60 см Държавен руски музей

Преди да замине, царят лично се среща с художника и след това пише на съпругата си (която тогава е в Берлин), за да му нареди да нарисува няколко портрета, включително пруския крал, „за да знаят, че има добри майстори от нашия народ ." И след завръщането си от чужбина Петър не остави Никитин с вниманието си: той му даде къща в центъра на Санкт Петербург и го нарече "Хофмалер на личните дела".

Художникът изпитваше не само благодарност към императора - той се възхищаваше на тази могъща личност, дълбоко уважаваше държавническия му гений. Това отношение е много забележимо в известния портрет на Петър на Никитин. Човекът на портрета вече не е млад; горчивина се вижда в очите му и упорито стиснати устни. Очевидно той успя да види и оцени обратната страна на грандиозните постижения. Но да се откажа? В никакъв случай! Той все още е въплъщение на силата на духа и неукротимата енергия. И през 1725 г. художникът трябваше да изпълни траурно задължение: да улови императора на смъртния му одър. Тази картина прави силно впечатление. Лицето на починалия, тревожно осветено от пламъците на свещи (оставащи "зад кулисите" на картината), е изписано строго реалистично и в същото време изпълнено с истинско величие.

Тези и други произведения на Никитин свидетелстват за бързото развитие на неговото умение. Ето, например, портрет на канцлера G.I. Головкин. Какъв умен, фин и двусмислен човек е изобразен на него! Погледът на тъмните му внимателни очи, насочени към зрителя, е просто хипнотизиращ. Или великолепният "Портрет на външен хетман". Тези картини са лаконични, пълни с вътрешна динамика и необичайно изразителни. Техният автор вече не е обвързан от канона, той е подчинен на най-сложни техники.

Тази скованост, скованост може да се види дори в творбите на друг пенсионер на Петър - Андрей Матвеев, например в "Автопортрет със съпругата си" (1729?). Позите и мимиките на изобразената на нея млада двойка са статични и преднамерени. В същото време портретът привлича с някаква дълбока искреност и чистота. Когато го погледнем, далечна епоха изведнъж се появява наблизо и ни говори директно...

След смъртта на Петър I в Русия започват трудни времена. Неговите наследници, погълнати от борбата за власт, не се вълнуваха много от съдбата на държавата и нейните талантливи поданици. Тъжно завърши творческият живот на Иван Никитин. По време на управлението на Анна Йоановна той е арестуван за участие в московски опозиционен кръг, от който излиза брошура за Феофан Прокопович. Прекарва пет години в крепостта, след което през 1737 г. е бит с камшици и заточен в Сибир. Прошка е получена след 1742 г., когато свадливата императрица умира; уви, твърде късно.

Изтощен и болен, художникът така и не успява да се прибере - умира по пътя.

Ерата на дворцовите преврати, която почти взриви всичко, постигнато при Петър, приключи през 1741 г. с присъединяването на дъщеря му Елизабет. След като получи трона чрез узурпация (младият император Йоан Антонович беше отстранен и затворен в крепостта), тя решително се зае да възстанови реда в държавата. Подобно на баща си, тя иска Русия да заеме полагащото й се място сред европейските сили. Тя умееше да намира и подкрепя талантливи хора - хора от различни социални слоеве. И за разлика от баща си, по време на цялото управление тя не подписа нито една смъртна присъда.

Не е изненадващо, че по това време започва висок възход на националната култура. Московският университет е основан през 1755 г., националният театър е основан през 1756 г., а Академията на изкуствата е основана през 1757 г. Руското изобразително изкуство става наистина професионално.

Водещата роля в живописта от този период все още принадлежи на портрета. През четиридесетте и шейсетте години в тази посока работят И. Вишняков, А. Антропов, И. Аргунов, М. Колоколников, Е. Василевски, К. Головачевски. Портретното изкуство се развива в два жанра: церемониален и камерен.

Церемониалният портрет е до голяма степен продукт на бароковия стил (тази тенденция, възникнала през 16-ти век, след това доминираща в Русия), с неговата масивна пищност и мрачно величие. Неговата задача е да покаже не просто човек, а важна личност в целия блясък на нейното високо обществено положение. Оттук и изобилието от аксесоари, предназначени да подчертаят тази позиция, театралното великолепие на позата. Моделът е изобразен на фона на пейзаж или интериор, но със сигурност на преден план, често в пълен ръст, сякаш потиска околното пространство със своето величие.

Иван Вишняков. Портрет на М. С. Бегичев. 1825 Маслени бои върху платно. 92 х 78,5 см
Музей на V.A. Тропинин и московските художници от неговото време, Москва

Именно с церемониални портрети един от водещите портретисти от онова време, И.Я. Вишняков (1699-1761). Творбите му следват традициите на жанра, но имат и редица особености, присъщи само на този майстор. На първо място, изтънчеността на цвета, изтънчената грация, леката орнаменталност, тоест характеристиките, характерни за стила рококо. Особено показателен в това отношение е портретът на младата Сара Елеонора Фермор, написан през 1749 г. (няколко години по-късно художникът създава и портрет на нейния брат).

Стройно тъмнооко момиче с напудрена перука и издута рокля от твърд сатен замръзна на фона на драперии и колони. Именно този контраст на крехка младост и церемониална декоративност е впечатляващ, подчертан от цялата розово-сребриста гама на картината, седефени преливания на твърди гънки, деликатен рисунък, който изглежда леко встрани от тъканта - като скреж върху стъкло и прозрачен пейзаж на заден план. Това платно донякъде напомня на ваза от фин порцелан, на която се възхищавате, като се страхувате да докоснете, за да не я повредите с небрежно движение.

Вишняков е първият от руските художници, който толкова ясно проявява лиризъм в интерпретацията на образите. Тази линия ще бъде продължена в творчеството на неговите по-млади съвременници и художници от втората половина на века.

Алексей Антропов. Портрет на Анна Василиевна Бутурлина. 1763 г
Платно, масло. 60,3 х 47 см Държавна Третяковска галерия

Най-значимите произведения на портретното изкуство от 18 век са създадени в жанра не на церемониални, а на камерни портрети. Разцветът на този жанр започва през четиридесетте години. Характеризира се със сбитост, малък брой детайли (всеки от които става особено значим, добавяйки нещо към характеристиките на модела), като правило - глух тъмен фон. Основното внимание на майсторите на камерния портрет е насочено към лицето в близък план, внимателно отбелязвайки чертите на външния вид, постигайки възможно най-голямо сходство, опитвайки се да проникне във вътрешния свят на изобразения човек.

Основните постижения в този жанр принадлежат на двама художници, които заедно с Вишняков се считат от историците на изкуството за най-големите художници от средата на 18 век - Антропов и Аргунов.

А.П. Антропов (1716-1795) учи живопис при своя роднина Андрей Матвеев, един от пенсионерите на Петър. Още в младостта си той започва да работи в екипа по боядисване на канцлерството от сгради под ръководството първо на Матвеев, след това на Вишняков. Тези майстори имаха голямо влияние върху него, а той от своя страна беше учител на Левицки, произведенията му повлияха на творчеството на Рокотов, а по-късно Боровиковски и Шчукин. Така се осъществява приемственост в руския портрет, преминаващ през целия 18 век.

Най-известните картини на Антропов са създадени през петдесетте и шестдесетте години. По това време, според изследователите, той може да се счита за централна фигура в руската живопис. Портрети на семейство Бутурлин, А.М. Измайлова, М.А. Румянцева, А.К. Воронцова, атаман Краснощеков изобразяват много различни, но донякъде подобни хора - представители на един социален слой, една епоха. Понякога тези картини ни карат да мислим за парсуни: на тях (както в творбите на Вишняков) понякога липсва въздух и динамика; Неизменно точните външни характеристики на моделите не винаги са придружени от вътрешна такава.

Въпреки това, когато тази характеристика присъства, тя достига впечатляваща сила. Както например в портрета на държавната дама A.M. Измайлова. Лицето на тази жена на средна възраст е скрито зад гладка маска от бяло и руж. Той е величествен, пълен с властна сила и ведро съзнание за собственото си превъзходство. Неволно идва мисълта: колко трудно трябва да е за тези, които са й подчинени. Но художникът показва неяснотата на човешката природа: вглеждайки се по-внимателно, забелязваме, че очите на арогантната дама са по-мъдри и меки, отколкото изглеждаше на пръв поглед...

Друг пример е парадният портрет на император Петър III. Този холщайнски принц е избран от бездетната Елизабет за наследник само поради родство (той е неин племенник, внук на Петър I), а не заради лични качества, уви - незначителни. След няколко месеца безславно царуване той е свален от престола от собствената си съпруга, бъдещата велика императрица Екатерина. Тази незначителност на личността е толкова ясно видима в портрета (въпреки факта, че той просто прелива от драперии, ордени, хермелинови одежди и други атрибути на пищност и власт), че, честно казано, става жалко за нещастния император.

Едва ли Антропов си е поставил задачата да детронира монарха. Просто той, като истински майстор, не можеше да прикрива. Такава безстрашна прецизност струва на художника кариерата му: той никога не става член на новооткритата Академия на изкуствата.

С името И.П. Аргунов (1729-1802) е свързан със специална страница в историята на руското изкуство. През целия си живот е бил крепостен селянин. Крепостничеството се консолидира през 18 век, като всъщност се превръща във форма на робство. Благородниците от блестящия императорски двор, състезавайки се помежду си, издигнаха луксозни дворци, поставиха театри и художествени галерии. Творчеството на крепостни архитекти, художници, музиканти, актьори беше много търсено. Търсиха и отглеждаха талантливи хора, създаваха условия за работа, но по прищявка на майстора лесно можеха да загубят всичко. Аргунов също беше в тази позиция, често принуден да се отвлича от работа или за копиране на картини, или за управление на имуществото на господаря.

Иван Аргунов. Майчице. 1753 (?). Платно, масло. 202 х 70,7 cm Държавен руски музей
Иван Аргунов. Исус Христос. 1753 (?). Платно, масло. 198 x 71 cm Държавен руски музей

За щастие собствениците му не бяха най-лошите - Шереметеви. Сега говорим и за двете фамилии - Шереметеви и Аргунови - че те прославиха името си в руската история: едните дадоха на Русия командири и политици, другите - архитекти и художници. Архитектите са братовчед на Иван Аргунов и синът му Павел, те са участвали в изграждането на дворцовите комплекси Кусково и Останкино. Като баща, вторият син на Аргунов, Николай, станал известен в началото на 18-19 век, става портретист.

Според творческия маниер на I.P. Аргунов е близък до Антропов. Неговите портрети - особено церемониалните - също понякога ви карат да си спомняте парсуните. Изобразените на тях важни личности са княз и княгиня Лобанов-Ростовски, генерал-адмирал княз М.М. Голицин, представители на семейство Шереметеви и други - гледат зрителя неподвижно, окован от собствения си блясък. Подобно на Антропов, Аргунов внимателно рисува текстури, възхищавайки се на преливките на тъканите, блясъка на бижутата и каскадите от ефирна дантела. (Възхищението от красотата на материалния свят, отбелязваме между другото, е характерно не само за тези майстори: това е една от характерните черти на цялата живопис от 18-ти век.)

Психологическите характеристики на моделите са скрити зад този блясък, но те съществуват и са напълно достъпни за погледа на внимателен зрител. В камерните портрети на Аргунов именно тази характеристика излиза на преден план. Такива са портретите на Толстой, съпруг и съпруга на Хрипунови, неизвестна селянка и редица други, изобразяващи хора с най-различен социален статус, възраст и темперамент. Художникът се вглежда в лицата на тези хора внимателно и с интерес, забелязвайки най-малките черти на външния вид и характера, понякога откровено се възхищава на красотата им, особено вътрешната (това е особено забележимо в портретите на Хрипунова и непозната селянка в руска носия) .

Иван Аргунов спечели признанието на съвременниците си както като художник (не случайно след възкачването на престола на Екатерина II Сенатът му поръча параден портрет на младата императрица, от който тя беше много доволна), и като учител. Негови ученици бяха, освен сина му Николай, К.И. Головачевски, И.С. Саблуков, А.П. Лосенко - в бъдеще, известни художници и видни фигури на Академията на изкуствата.

Жанрът, появил се в руското изкуство през последните години от царуването на Петър Велики, заслужава специално обсъждане.
Става дума за натюрморт.

Този жанр в европейското изкуство от 18 век (когато между другото възниква самият термин) е много популярен. Особено известни са луксозните натюрморти на фламандски и холандски художници: лъскави чаши с вино, купчини плодове и убит дивеч - своеобразен символ на плътска радост и материално изобилие. Светът на нещата не спира да учудва и радва художниците, както и в Русия, когато светското изобразително изкуство започва да се развива бързо.

Първите руски натюрморти са рисувани от няколко майстори, включително анонимни. Сред тях най-известното име е Григорий Теплов. Семинарист, ученик на Феофан Прокопович, по-късно държавник и учен, той създава няколко оригинални и по своему много привлекателни картини. Те изобразяват ежедневни неща, разпръснати сякаш в произволен ред върху дървена дъска, под която е маскирано платното. Те са написани толкова внимателно, че се създава илюзия за реалност, не напразно изкуствоведите наричат ​​този вид натюрморт „измама“.

Гравиране, часовници, бележки, бутилка лекарство, химикалка и тетрадка, тоест основно тези предмети, които са влезли в употреба наскоро, са признаци на нов начин на живот, който все още не е познат. Това е животът на хората, които са водени от жив интерес към света и жажда за знания; за когото вещта не е просто битова вещ, а мистерия, достойна за разбиране. Ето защо тези на пръв поглед неизкуствени картини имат толкова силна енергия. Те ни карат необичайно силно да усещаме привлекателността на онези далечни времена. Сякаш „трикът“ наистина е истинско, живо същество, което точно сега, преди малко, е било докоснато от ръката на своя отдавна изчезнал собственик ...

Минаха доста години - и сега животът влезе в обичайния си коловоз и патосът на откривателя е заменен от празничен възторг от радостите на живота. Такава е била атмосферата на Елизабетския двор - "весела Елизабет", както я наричат ​​нейните съвременници. Наред с барока на мода навлиза и стилът рококо – лек, закачлив, закачлив. Анфиладите на дворцовите зали са украсени с причудлив декор.

Борис Суходолски. Астрономия. Около 1754 г. Desudeportes
Платно, масло. 100 х 210 см Държавна Третяковска галерия

Тогава в руското изкуство се развива особен вид натюрморт - desudeportes или панели над вратата. Те изобразяват вази, цветя и плодове, изящни пейзажи, драперии и орнаменти. Създадени да украсяват и хармонизират интериора, те рядко могат да бъдат разглеждани като самостоятелни произведения на изкуството, извън цялостното архитектурно и, както сега биха казали, дизайнерско пространствено решение. В същото време те бяха изпълнени, като правило, на много високо ниво.

В обучението на майстори, които са работили в тази област, такава институция като гореспоменатата служба за сгради в Санкт Петербург, която имаше архитектурен и живописен екип, изигра голяма роля. Художниците от зографския екип изпълняват множество поръчки за изписване на дворци, църкви, триумфални и празнични сгради. Сред тях се откроиха такива майстори като Иван Фирсов, братята Алексей и Иван Белски, Борис Суходолски.

Творбите на Фирсов и А. Белски са подчертано декоративни; изобразявайки вази, плодове и драперии, те изобщо не се стремят да ги направят да изглеждат като истински. Интериорът, украсен с произведенията на тези майстори, придоби завършеност и блясък.

Суходолски разгледа проблема си малко по-различно. Неговите desudéportes обикновено са пейзажи. Умело вписани в интериора, те все пак се възприемат доста отделно. Градини и паркове в късен бароков стил - със замислена зеленина, пещери, руини и фонтани, украсени с антични статуи и бюстове на велики хора. Такива градини са били много популярни през 18 век; някои от тях, например известният парк в Павловск, са оцелели и до днес. В този парк, между другото, по време на царуването на Екатерина II имаше специални градински библиотеки: гледайки бюстовете на великите, е толкова приятно да се занимавате със сериозно четене и размисъл върху възвишеното. На панелите на Суходолски можем да видим и фигури на четящи хора (например „Разходката“, ок. 1754 г.).

„Faux pas“ и desudeportes може да не изглеждат много сериозна тема за разглеждане до високите постижения на портрета, историята и жанровата живопис.

Но без тях представата за изкуството на XVIII век би била непълна. Те са тясно свързани с времето, което ги е родило. Може би няма да е преувеличено, ако кажем, че те съдържат душата на това време, неговия неповторим чар.

Иван Съблуков. Портрет на Екатерина II. 1770 Маслени бои върху платно. 85 х 65,5 см

През 1762 г. руският престол е зает от бившата немска принцеса София Фредерика - императрица Екатерина II. Тя свали съпруга си, който не беше в състояние да управлява държавата или да поддържа поне някакъв престиж на императорския двор, с помощта на гвардията. „Епохата на жените“, както понякога се нарича 18 век, продължава и достига своя връх.

Именно при Екатерина Русия стана наистина велика сила. Успехите съпътстват нейната армия и дипломация. Анексирани са нови земи, включително Северното Черноморие, Крим и Северен Кавказ; границите на империята се преместили далеч на юг и запад. В Европа на Русия се гледаше като на желан съюзник и много опасен враг;
конфликтите, засягащи европейските страни, не бяха решени без нейното участие.

Вътрешната политика на Екатерина беше решителна и твърда. Тя избра Петър I като пример за себе си (по нейна заповед е издигнат известен паметник на него на Дворцовия площад в Санкт Петербург). Укрепвайки основите на абсолютната монархия, тя дава привилегии на благородството - основната му опора - и засилва поробването на селяните. Като фен на френското Просвещение, тя, за да предотврати разклащането на основите на държавата (с началото на революцията във Франция тази задача стана особено актуална!), Тя преследва свободомислието и безмилостно потушава селските бунтове.

Катрин, подобно на Петър и Елизабет, знаеше как да оцени талантите. Суворов, Дашкова, Потьомкин, Ушаков, Державин - това е само малка част от съзвездието от имена, прославили нейното време. В това съзвездие са вплетени и блестящите имена на руски художници.

Иван Съблуков. Портрет на графиня Л.Н. Кушелева. 1770-те. Платно, масло. 65 х 50 см
Държавен художествен музей на Нижни Новгород

Руската живопис, както и културата като цяло, по това време е под силното влияние на идеите на Просвещението. Тази социално-философска тенденция, чието родно място е Франция, се основава на култа към разума, способен да познава света и да го трансформира въз основа на справедливост, целесъобразност и прогрес. За просветителите всички тези концепции са били недвусмислено положителни. Това, което пречеше на прогреса, трябваше да бъде осъдено; ирационалното, необяснимото се смяташе за невярно.

Класицизмът става изразител на тези идеи в изкуството. Въз основа на възприемането на античността като идеал, тази посока, за разлика от барока и рококо, се стреми към яснота и строга простота. Красотата е изчислима - това е кредото на класицизма. Има закони, стриктно спазвайки които можете да създадете перфектно произведение на изкуството. От една страна, това е точност, пропорционалност, единство на частите; от друга страна, „общественото е по-високо от личното“, „задължението е по-високо от любовта“.

Във Франция художници, драматурзи, архитекти следват принципите на класицизма още през 17 век - много преди Просвещението; в Русия разцветът на класическото изкуство се случи през втората половина на 18 век. Важна роля за това играе дейността на Академията на изкуствата, основана през 1757 г. в Санкт Петербург.

Значението на Академията в историята на руското изкуство е изключително голямо. В продължение на много десетилетия той остава единственото висше художествено учебно заведение в Русия. След като получи статут на император през 1764 г., тя беше под неизменната опека на властите, което, от една страна, й даде възможност да плаща за дълги пътувания в чужбина за най-добрите ученици, а от друга, да ограничи " идеологическо объркване и колебания“.

Кирил Головочевски. Портрет на графиня София Дмитриевна Матюшкина като дете. 1763 г.
Платно, масло. 61,2 х 47,5 см Държавна Третяковска галерия

Антон Лосенко. Портрет на поета и драматурга Александър Петрович Сумароков
Платно, масло. 74 х 64,5 cm Държавен руски музей

Системата за приемане на студенти обаче беше доста демократична, необременена с формалности. Сред първите, които влязоха в Академията, бяха трима ученици на И.П. Аргунов - Лосенко, Саблуков и Головачевски. Имайки добра подготовка, те не само учеха, но и помагаха на учителите да водят академични занятия, а по едно време дори ръководеха уроци по рисуване.

Обучението в Академията се основава, разбира се, на принципите на класицизма. Младите мъже, които учеха, бяха вдъхновени с идеята за необходимостта да се разчита на опита от миналото, стойността на традициите, особено древните. Изкуството, обясниха учителите, трябва да се стреми към идеал, който, уви, малко съответства на околния живот. Той обаче съдържа и идеални модели; добрият художник ще ги разкрие и ще представи върху платното коригираната природа, такава, каквато трябва да бъде.

При такива принципи не е изненадващо, че академиците поставят историческия жанр на първо място в живописта (библейски, легендарни и митологични сюжети също се считат за исторически). След откриването на Академията този жанр започва да процъфтява в руското изкуство.

Сред учениците на I.P. Аргунов, който влезе в Академията по изкуствата, A.P. Лосенко. Той се показа като изключителен портретист: за него позираха Сумароков, Иван Шувалов, основателят на руския театър Фьодор Волков. Но преди всичко ние го познаваме и ценим като исторически художник - основоположник на този жанр в руското изкуство.

Рано осиротял син на малкоруски селянин, Антон Лосенко успя да пробие в живота единствено благодарение на таланта си. В ранната си младост пее в придворния хор, оттам става ученик на Аргунов. Тогава той беше изпратен в Академията. Винаги се е отличавал с наблюдателност, живо любопитство и алчно желание за знания. Докато е в чужбина (през 60-те години два пъти посещава Париж, след това в Рим), Лосенко води „Дневник на забелязаните от мен забележителни произведения на живописта и скулптурата“, където внимателно анализира впечатленията си от произведенията на великите европейски майстори - Рафаело, Рубенс , Рембранд, Пусен, изучава паметниците на античността, определяйки собствения си път в изкуството.

Антон Лосенко. Смъртта на Адонис. 1764 Маслени бои върху платно. 77,6 х 105,2 см

Антон Лосенко. Зевс и Тетида. 1769 г
Платно, масло. 172 x 126 cm Държавен руски музей

И по-късно, преподавайки млади художници в Академията, той не спря да се учи сам. Той се стреми към съвършено владеене на техниката, прецизно познаване на анатомията и перспективата. Рисунките му се смятат за едно от най-високите постижения на графиката на 18 век; дълго време служеха за модел на студентите от Академията в часовете по рисуване. Първото ръководство по пластична анатомия, съставено от него - „Обяснение на късата пропорция на човек ... в полза на младежите, практикуващи рисуване ...“ - също се използва в Академията в продължение на няколко десетилетия.

Художествените принципи на Лосенко се определят в края на шейсетте години. Ясната логика на класицизма по това време изглеждаше като глътка свеж въздух на фона на декоративна претенциозност и задръстване с късни барокови и рококо алегории, в духа на които работеха чуждестранни художници, поканени в Русия по това време (например С. Торели и Ф. Фонтенбасо). През 1768 г. Лосенко рисува две „академични фигури с размерите на обикновен човек“ – етюди на голо тяло, условно наречени „Каин“ и „Авел“, а година по-късно – картина „Зевс и Тетида“. В тези творби той за първи път се обявява за художник от класицизма.

Най-добрите творби на Лосенко са платна от историческия жанр, написани на тема древна и най-важното - вътрешна история. През 1770 г. той излага картината "Владимир и Рогнеда" в Академията. Сюжетът му се основава на събитията от далечния 10 век, описани в Приказката за отминалите години. Владимир, в бъдеще великият херцог на Киев, ухажва полоцката принцеса Рогнеда и след като получи отказ, я залови насила, след като победи Полоцк и уби баща й и братята й. Обръщението към сюжет от руската история беше новаторско и в същото време много значимо за втората половина на 18 век, когато руското общество в условията на национален подем започна да осъзнава значението и величието на своето историческо минало. Героите на хроники и легенди стояха наравно с древни и библейски герои, демонстрирайки същия пример на силни страсти и високи чувства.

Антон Лосенко. Авраам принася в жертва сина си Исак. 1765 г
Платно, масло. 202 x 157 cm Държавен руски музей

Антон Лосенко. Голям улов на риба. 1762 г
Платно, масло. 159,5 x 194 cm Държавен руски музей

В картината Владимир не се появява като жесток завоевател. Той е влюбен и потиснат от мъката по любимата жена, която сам й е причинил. Съвместими ли са своеволието и любовта? Историята, която Лосенко познаваше добре, даде отговор: Владимир и Рогнеда живяха в щастлив брак дълги години ... докато принцът не я напусна заради византийската принцеса, за която трябваше да се ожени по политически причини.

Три години по-късно художникът представя на публиката друга картина на историческа тема - „Сбогуване на Хектор с Андромаха“, сложна многофигурна композиция, изпълнена с професионален блясък и прославяща саможертва в името на Родината.

След Лосенко в руското изкуство навлиза цяла плеяда исторически художници, повечето от които са негови ученици: И. Акимов, П. Соколов, Г. Угрюмов, М. Пучинов. Всички те се отличават с високо ниво на умение: перфектна рисунка, плавност на цвета и светлотеницата, използване на най-сложни техники за композиция.

Това майсторство прави голямо впечатление в картината на деветнадесетгодишния Акимов „Великият княз Святослав целува майка си и децата си при завръщането си от Дунава в Киев“, написана под голямото влияние на учител, но на професионалното ниво на напълно зрял художник. По-късно И.А. Акимов (1754-1814) създава редица картини, главно на митологични теми (например „Самозапалването на Херкулес“), дълго време преподава в Академията, по едно време я ръководи. През 1804 г. той написва един от първите очерци за руското изкуство - "Кратки исторически известия за някои руски художници".

Сред произведенията на P.I. Соколов (1753-1791) е особено заинтересован от картината "Меркурий и Аргус", в която контрастират фигурите на доверчиво задрямал могъщ силен мъж и коварния хитър Меркурий, който се кани да го удари с меч. Соколов е известен и като един от най-добрите академични чертожници: неговите изображения на седящи с италиански молив и тебешир върху тонирана хартия се считат от историците на изкуството за едно от най-високите постижения на руската графика от 18 век.

Творбите на М. Пучинов (1716-1797) се отличават с повишен декоративен ефект, идващ от руската живопис от средата на века и като цяло необичаен за изкуството на класицизма. Пример за такава декоративна, колористично наситена композиция е картината „Назначаването на Александър Велики с Диоген“, изобразяваща среща с философа Александър Велики, за която той получава титлата академик през 1762 г.

Иван Акимов. Прометей прави статуя по заповед на Минерва. 1775 г
Платно, масло. 125 х 93 см Държавен руски музей

Иван Акимов. Сатурн с коса, седнал на камък и подрязва крилете на Купидон. 1802 г
Платно, масло. 44,5 x 36,6 cm Държавна Третяковска галерия

Матю Пучинов. Дата на Александър Велики с Диоген
Маслени бои върху платно 217 х 148 см Държавен руски музей

Специална роля в развитието на вътрешната историческа живопис изигра G.I. Угрюмов (1764-1823). Той беше влюбен в руската история и от нея черпеше сюжети за своите картини. Той рисува предимно големи многофигурни платна, посветени на важни исторически събития, изпълвайки ги с идеи, близки до руското общество в началото на века. Например в картината „Призоваването на Михаил Федорович към царството на 14 март 1613 г.“ (не по-късно от 1800 г.) той развива темата за властта като задължение и бреме, което е актуално по всяко време. Младият Михаил, макар и неуверен в своите способности, се подчинява на волята на народа, който го е избрал на царството, защото се чувства отговорен пред народа и Отечеството.

Героите на Угрюмов могат да бъдат не само владетели и пълководци („Тържественото влизане на Александър Невски в град Псков след победата му над немците“, „Превземането на Казан“), но и обикновени хора, като легендарния киевски кожар Ян Усмар ( „Изпробване на силата на Ян Усмар“). Неговите платна се характеризират, в допълнение към семантичното съдържание, с изразителни композиционни решения, богат цвят и ярка игра на светлосенка.

Угрюмов става преподавател по историческа живопис в Академията в началото на 90-те години (малко след като самият той завършва) и остава такъв повече от двадесет години. Той подобри метода на преподаване на рисуване, правейки го по-свободен, по-близо до природата. Отличната техническа подготовка, която Академията дава на своите студенти през следващия век, до голяма степен се дължи на негова заслуга.

Григорий Угрюмов. Призоваването на Михаил Федорович Романов в царството на 14 март 1613 г. Не по-късно от 1800 г
Платно, масло. 510 x 393 cm Държавен руски музей

Григорий Угрюмов. Превземането на Казан на 2 октомври 1552 г. Не по-късно от 1800 г. Маслени бои върху платно. 510 х 380 см
Национален художествен музей на Република Беларус, Минск

Григорий Угрюмов. Тържествено влизане на Александър Невски в град Псков след победата му над немците. 1793 (1794?). Маслени бои върху платно 197,5 × 313,5 cm Държавен руски музей

Григорий Угрюмов. Jan Usmar's Trial of Strength 1796 (1797?)
Маслени бои върху платно 283 х 404 см Държавен руски музей

Втората половина на 18 век е времето на високия възход на руското портретно изкуство. Идва ново поколение майстори, с нови идеи и представи за това какъв трябва да бъде един портрет. Класицизмът им влияе, но в много по-малка степен от историческите художници. Водени от жив интерес към човешката личност, те се стремят да я покажат възможно най-задълбочено и изчерпателно. Типологията на портрета се разширява: към вече съществуващите парадни и камерни портрети се добавят костюмирани и митологични портрети. Социалният кръг на моделите се увеличава - и, което е типично, главно поради хора на творчеството, които са спечелили слава с таланта и знанията си, а не с високия си произход. Изкуството на портрета престава да бъде елитарно, то излиза извън столиците: жителите на руските провинции също искат да се увековечат за потомството и чрез усилията на многобройни провинциални художници се създава обширна галерия от изображения; интересен материал за изкуствоведи и историци.

С една дума, изкуството на портрета може спокойно да се нарече върхът на руската живопис от втората половина на века. Преди всичко на този връх има две имена: Рокотов и Левицки.

Рокотов и Левицки. Всеки, който някога е виждал създадените от тях портрети, ще остане завинаги под техния чар. Толкова подобни и толкова различни. Грациозният Левицки, играещ с образи, щедро използвайки детайли, алегории, ъгли - понякога не е против да се подиграва на своите модели с напълно любящо, но отношение към тях. А мистериозният Рокотов – лицата в неговите картини изплуват от неясния здрач, вълнуват и привличат необикновено... С привидната монотонност на техниките той постига удивителна психологическа дълбочина и сила на емоционалното въздействие. Историците на изкуството понякога сравняват тези художници с двама други велики портретисти - английските Рейнолдс и Гейнсбъроу. Наистина, паралелите са очевидни. Разбира се, не говорим за някакво влияние или заем. Това е интимност. Една епоха, подобни исторически процеси... Хората, живеещи в различни части на Европа, често намират много повече общи неща, отколкото по някаква причина се смята.

Нас. 65:

Федор Рокотов. Портрет на Прасковя Николаевна Ланской. Началото на 1790-те. Платно, масло. 74 х 53 см (опал). Държавна Третяковска галерия
Федор Рокотов. Портрет на Варвара Ермолаевна Новосилцева. 1780 Маслени бои върху платно. 70,5 х 59 см (овал). Държавна Третяковска галерия

Не знаем толкова много за живота на Фьодор Степанович Рокотов. Рождената му дата е спорна: 1732 или 1735 г.; и може би 1736 г. (художникът умира през 1808 г.). Известно е, че той е роден в семейство на крепостни селяни и получава свободата си, след като започва да рисува. Славата достига рано: в края на петдесетте години, когато все още е далеч от тридесетте, той е инструктиран да изпълни церемониален портрет на великия княз Петър Федорович (бъдещият Петър III). В същото време той рисува и необичайна за работата си картина - един от първите руски интериори „I.I. Шувалов. Това не е просто интериор, това е един вид „портрет без модел“ (но все още виждаме Шувалов: портретът му от J.-L. de Velli виси на стената на кабинета). Граф Иван Шувалов беше не само голям държавник, но и един от най-образованите хора на своето време, основател на Московския университет, познавач и познавач на изкуството. Картината на Рокотов, която пресъздава атмосферата на кабинета му с документална точност, възкресява нейната атмосфера, помагайки ни да разберем по-добре този изключителен човек.

До средата на шейсетте години Рокотов живее в Санкт Петербург. Още тогава той имаше толкова много поръчки, че въпреки че работеше много бързо, второстепенните детайли на портретите трябваше да бъдат довършени от ученици. Един от неговите съвременници с ентусиазъм пише за великолепния портрет на А.П. Сумароков, създаден само за три сесии: „... вие, почти играейки, отбелязахте само външния вид на лицето и остротата на окото (око) на Ево, в този час и огнената душа на Ево, с цялата нежност на сърцето на анимираното от теб платно, не скри Ася...“.

Федор Рокотов. Портрет на Варвара Николаевна Суровцева. Втората половина на 1780 г.
Платно, масло. 67,5 х 52 см (овал). Държавен руски музей

Федор Рокотов. Портрет на Аграфена (Агрипина?) Михайловна Писарева (?),
родена Дурасова. Първата половина на 1790 г.
Платно, масло. 63,5 х 49,5 см (овал). Държавен руски музей
Федор Рокотов. Портрет на графиня Елизабет Василиевна Санти, родена Лачинова. 1785 г
Платно, масло. 72,5 х 56 см (овал). Държавен руски музей

Портретът на великия княз Павел Петрович, рисуван през 1761 г., е много добър. Този човек няколко десетилетия по-късно ще се превърне в руския император-мистерия с непонятен нрав и трагична съдба. Междувременно това е просто малко момче, жизнено и капризно; очарованието на детството е подчертано от топла комбинация от златисти и червени тонове, върху които е изграден колоритът на картината.

Около 1766 г. художникът се премества в Москва. Там през шейсетте и осемдесетте години са написани най-добрите му творби: портрети на В.И. Майкова, А.И. Воронцова, А.М. Обрескова, А.Ю. Квашина-Самарина, В.Е. Новоселцева, П.Н. Ланской, Е.В. Санти, съпруг и съпруга на Струйски и Суровцеви и много други. Пише строго камерно, като с течение на времето проявява все по-голяма склонност към класическата простота. Минимум детайли, прост тъмен фон. Цялото внимание на зрителя е привлечено от лицето на модела. Тези лица са много различни, обединява ги това, че всички са вдъхновени. Рокотов не пише малки хора, или по-скоро той умее да разпознава дълбочината си във всеки, който му позира. Живи очи ни гледат ту насмешливо, ту жално, ту с мъчителна тревога. В тях винаги има някаква мистерия, непозната за нас мистерия на живота. Невъзможността да го разрешите тревожи, кара ви да търсите отново и отново ...

Може би най-доброто от всичко за този хипнотичен ефект, който портретите на Рокотов оказват върху зрителя, каза поетът Николай Заболотски:

... Помниш ли как от мрака на миналото,
Едва увит в сатен
Отново от портрета на Рокотов
Струйская погледна ли ни?
Очите й са като два облака
Наполовина усмивка, наполовина плач
Очите й са като две лъжи
Покрит в мъгла от провали.
Комбинация от две мистерии
Наполовина наслада, наполовина уплаха
Пристъп на безумна нежност,
Прелюдия към смъртните мъки...
(Из поемата "Портрет", 1954 г.).

Дмитрий Григориевич Левицки (1735-1822) е роден и прекарва ранните си години в Украйна. Изкуството го придружава от детството: баща му, свещеник, обичаше гравирането и беше смятан за един от най-добрите украински гравьори. Трудно е обаче да се каже как би се развила съдбата на Левицки, ако не беше срещата с A.P. Антропов, който дойде в Киев, за да ръководи картините в църквата "Свети Андрей". Антропов забеляза таланта на Дмитрий и го взе като ученик.

Левицки научи много от своя учител. На първо място – умението да се даде точна и категорична характеристика на портретуваното лице. Но той отива много по-далеч от Антропов, изпълвайки творбите си с дълбочина, влагайки в тях хуманизма и широтата на погледа, които го сродяват с Рокотов.

Първите картини, които ни позволяват да говорим за Левицки като зрял художник, той пише в началото на шейсетте и седемдесетте години. Това са портрети на А.Ф. Кокоринов (известен архитект, строител на сградата на Художествената академия) и Н.А. Сеземов. В портрета Сеземова обръща внимание на необичайния за тогавашното изкуство външен вид на изобразения човек - родом от селяните. Изключително интересен е портретът на Дени Дидро, рисуван през 1773 г., когато френският философ идва в Санкт Петербург.

През същата 1773 г. Левицки получава голяма поръчка от Екатерина II. До 1776 г. продължава работата му върху "Смолянки" - поредица от портрети на учениците на Смолния институт, този, който завинаги ще прослави името му, дори и да не пише нищо друго. Общото впечатление, което възниква при разглеждането на тези удивителни портрети един по един, може да се изрази с няколко думи: щастие, наслада, празник! Тези хитри момичета в театрални костюми, сдържано разиграващи пасторални сцени пред артиста, са цяло чудо колко са добри. Това е мястото, където роденият в слънчева Малка Русия даде свобода на любовта си към живота, оптимизма, възхищението от самия факт на съществуване. Всеки портрет е самостоятелно произведение, всяка смолянка има свой характер. Но всички заедно образуват прекрасно смислово и стилово единство и с не по-малък възторг от лицата художникът изписва техните тоалети, майсторски предавайки характеристиките на тъканите: коприна и сатен, кадифе, дантела и брокат.

И ето още една красива картина, рисувана през същата 1773 г. В него Левицки показа не само умение и чувство за хумор, но и, може би, изключителна смелост. Това е портрет на известния селекционер P.A. Демидов. Портрет - церемониален: Демидов е изобразен в горда поза, в пълен ръст, зад него, както се очаква, има колони и драперии. Той обаче е облечен не в униформа с ордени, а в домашна шапка и пеньоар и разчита не на някакъв фолио или бюст на велик художник, а на лейка. Царственият жест на ръката е отправен към саксиите: ето го основното постижение и делото на живота! Ироничното значение на портрета, разбира се, не е само в потапянето на модела в домашна среда: такава техника, която се среща повече от веднъж в портрета на 18 век, само ще добави искреност и топлина към картината. Но именно комбинацията от несъответстващо помага да се даде смъртоносно точна характеристика на Демидов, който, от една страна, имаше необикновен ум, а от друга, много странен характер с ясно изразени признаци на нелепа тирания.

Тази точност на характеристиките е характерна за всички портрети на Левицки. Той перфектно знае как да забележи основното в човек и да създаде холистичен ярък образ. И никога не се отнася към своя модел със студена обективност. Ако харесва човек, той рисува картина, излъчваща топлина (портрети на М. А. Дякова-Лвова, бащата на художника и дъщеря му, съпруг и съпруга Бакунин и други).

Дмитрий Левицки. Портрет на свещеник (Г. К. Левицки?). 1779 г
Платно, масло. 71,2 х 58 см Държавна Третяковска галерия

Дмитрий Левицки. Портрет на архитекта Александър Филипович Кокоринов. 1769 г

Дмитрий Левицки. Портрет на Феодосия Степановна Ржевская и Настася Михайловна Давидова, ученички на Императорското образователно дружество за благородни девици. 1772 г
Платно, масло. 161 x 103 cm Държавен руски музей

Дмитрий Левицки. Портрет на Екатерина Ивановна Нелидова, възпитаничка на Императорското образователно общество за благородни девици, 1773 г.
Маслени бои върху платно 164 х 106 см Държавен руски музей

Дмитрий Левицки. Портрет на Екатерина Ивановна, възпитаничка на Императорското образователно дружество за благородни девици
Молчанова. 1776. Маслени бои върху платно. 181,5 x 142,5 cm Държавен руски музей

Дмитрий Левицки. Портрет на ученичка от Императорското образователно дружество за благородни девойки Наталия Семьоновна
Боршчова. 1776. Маслени бои върху платно. 196,5 x 134,5 cm Държавен руски музей

Дмитрий Левицки. Портрет на Иван Логинович Голенищев-Кутузов
Платно, масло. 80,3 x 63,2 cm Държавен исторически музей, Москва

Дмитрий Левицки. Портрет на Александър Василиевич Суворов. 1786 г
Платно, масло. 80,5 х 62,5 см. Музей на В.А. Тропинин и московските художници от неговото време, Москва

Дмитрий Левицки. Портрет на Анна Степановна Протасова, бивша прислужница на Екатерина II. 1800 г
Платно, масло. 81,5 x 64,5 cm Държавен руски музей

Дмитрий Левицки. Портрет на Екатерина II. Около 1782г
Платно, масло. Държавен музей-резерват "Павловск"

Петър Дрождин. Портрет на Екатерина II. 1796 г
Платно, масло. 251 x 187 cm Държавна Третяковска галерия

Ермолай Камеженков. Портрет на почетен свободен член на Художествената академия художник Йохан Фридрих Грот. 1780 г
Платно, масло. 134 x 102 cm Държавен руски музей

Но най-ослепителният външен блясък не може да го накара да скрие арогантност, безчувственост или предателство там, където ги забелязва (например в портретите на Урсула Мнишек и Анна Давия).

Въпреки това сред произведенията на Левицки има едно, в което той не си позволява проявата на художествена пристрастност. Говорим за известния портрет на Екатерина II (първата версия е създадена през 1783 г.). Тук той имаше ясно определена задача: да създаде образа на императрицата-законодател, въплъщение на идеята за просветена монархия. Тази идея е популярна в тогавашното общество. Самият Левицки го споделя - затова успява да създаде това платно с такъв блясък, като тържествена ода, в духа на Державинова Фелица.

Повече от петнадесет години (от 1771 до 1787 г.) Левицки преподава портретна живопис в Художествената академия. Негов ученик е забележителният портретист Шчукин, който вече принадлежи към следващото поколение руски художници. Разбира се, не само тези, на които той е преподавал рисуване, са изпитали влиянието му. Можем да говорим за цял кръг художници от онова време, близки до Левицки по стил и възгледи за портретното изкуство.
На първо място, това е P.S. Дрождин (1745-1805), който освен Левицки учи и при Антропов, рисува през 1776 г. много топла и психологически точна картина, изобразяваща Антропов със сина си пред портрет на съпругата му. Известни са и неговите портрети на млад мъж в син кафтан (1775 г.), тверец (1779 г.) и редица други, които съставят галерия от много различни човешки характери.

Невъзможно е да не споменем E.D. Камеженков (1760-1818), чиито най-добри творби („Портрет на непознат мъж в пурпурна роба“, „Автопортрет с дъщеря Александра“, портрети на дъщеря му с бавачка И. Ф. Грот) също го характеризират като художник на кръгът Левицки.

Михаил Шибанов. Селски обяд. 1774 г
Платно, масло. 103 х 120 см Държавна Третяковска галерия

Разбира се, не сме изброили всички портретисти, работили в Русия по времето на Екатерина. Имаше много от тях в столиците и провинциите. Включително и чуждестранни художници, които с по-голям или по-малък успех се вписват в цялостната картина на руската живопис (като пример може да се посочи К. Христинек, който по своя начин е близък до Рокотов). Портретното изкуство продължи да се развива непрекъснато. До деветдесетте години на XVIII век навлиза в нов етап.

За разлика от портрета, битовият жанр се заражда едва през 18 век. Неговият разцвет ще дойде през следващия век, известен с демократичните си тенденции. Междувременно художници, които ценят красотата на ежедневието, търсят нови теми и сюжети и гледат към откриващите се перспективи с предпазливо любопитство.

Пред тях се разкрива животът на обикновените хора, особено на селяните.

Селският проблем в Русия винаги е бил остър. Особено след опустошителната война на Пугачов. Образованото общество обаче не искаше да вижда в селяните само разбойници или безлични и безправни носители на материално богатство. В него се роди осъзнаването, че това е руският народ. Оттук и събуденият интерес към селския бит, носия, обреди и традиции. В много отношения той все още носи, така да се каже, етнографски характер: руското дворянство (образованото общество от 18 век, както знаете, е почти изключително благородно) се запознава с една страна от живота, която им е практически непозната .

В светлината на този интерес разглеждаме творчеството на основоположника на битовия жанр в руската живопис Михаил Шибанов.

Не знаем почти нищо за живота му, с изключение на произхода на крепостните селяни (вероятно княз Потьомкин) и факта, че той е написал най-добрите си произведения през седемдесетте години. И работата е страхотна. Картини като "Селска вечеря", "Заговор" и особено "Тържеството на сватбения договор" го поставят наравно с най-добрите художници на своето време. Разбира се, той познаваше много добре живота, който изобразяваше в картините си. На гърба на един от тях е посочено, че представлява "Суздалска губерния на селяните" и е написано "в същата губерния, в село Татаров". На платната руските костюми, ежедневни и празнични, са красиво изписани, детайлите от ежедневието са показани автентично. Но основното при Шибанов е лицето му. Те са напълно живи. Какво разнообразие от герои и настроения! А лицето на възрастната жена от „Тържеството на сватбения договор“ – според нас, е просто истински шедьовър.

Михаил Шибанов. Портрет на граф А.М. Дмитриев-Мамонов. 1787 г
Платно, масло. Държавен художествен музей на Нижни Новгород

Михаил Шибанов Портрет на Екатерина II. 1787. Маслени бои върху платно. 70 х 59 см
Държавен дворец и парк музей-резерват "Гатчина"

Майсторството на характеристиките се проявява у Шибанов не само в битовата живопис. Той рисува няколко блестящи портрета: Екатерина II в пътен костюм, любимата й А.М. Дмитриев-Мамонов, Спиридонови, Нестерови. Но той влезе в историята на руското изкуство, разбира се, като откривател на фолклорната тема.

По тази тема работи И. Ерменев (1746 - след 1789), акварелист и график, син на младоженец, завършил Художествената академия и известен с участието си в превземането на Бастилията на 14 юли 1789 г. по съвсем различен начин. Много малко от творчеството му е оцеляло: множество графични листове, сред които необичайна серия, развиваща образите на селяните. Може да се нарече „Просяци“. Именно просяците Ерменев изобразява в различни варианти и ъгли, по своеобразен монументално-гротесков начин. Когато погледнете листовете на поредицата, човек получава впечатлението, че срещата с тези нещастни хора някога дълбоко шокира художника. Не беше ли този шок, който най-накрая го хвърли в кървавата буря на революционна Франция? ..

Историята на ежедневната живопис от 18 век ще бъде непълна, ако не споменем прекрасната картина на И. Фирсов "Младият художник" - една от първите, свързани с този жанр. Няколко мистерии са свързани с тази картина и нейния автор. Това ли е същият Фирсов, който през 50-те години, като част от живописния екип на канцлерството от сгради, създава барокови дезюдепорти? Кога и къде е нарисувана картината? Има предположение, че в Париж и че изобразява френско семейство. Последното обаче не е важното. Картината е наистина прекрасна - със свежия колорит, лекотата на композицията, очарователната жизненост на героите, особено на децата. Създаде се сякаш на един дъх. И подобно на „Смолянки“ на Левицки ни кара да усетим лекия, опияняващ въздух, който е дишала Русия през 18 век.

Ерата на Екатерина Велика завършва през 1796 г. Тя остави Русия мощна, просперираща, но натежала от сериозни проблеми, все още тлеещи, но осезаеми - те трябваше да се проявят с пълна сила през следващия век. Външната среда също беше трудна. Революцията, която избухна във Франция, напълно помете мира и равновесието в Европа. Това, което се възприемаше като непоклатимо, се оказа крехко и краткотрайно.

При тези условия симетрията и моралната сигурност на класицизма вече не могат да съответстват на духовните търсения на обществото. Светът се оказа много по-противоречив. Модата (отново първо във Франция) включва трансформиран класицизъм - стил ампир, "имперски" - подчертано ориентиран към античността, но вече лишен от строгата, пропорционална яснота, характерна за него преди.

Художниците от онова време се характеризират с желание за естественост и жив интерес към най-фините движения на човешката душа. Неслучайно в края на века пейзажът се превръща в самостоятелен жанр в руската живопис.

В дизайна на пейзажа като жанр играят роля изгледите на градове, паркове, дворци и различни паметни места, които са създадени по-рано и, така да се каже, са имали когнитивно-топографски характер; както и - театрални декори, интериорни картини и пана, пейзажни компоненти на портрети и многофигурни картини. Пейзажът служи като украса или фон, като в най-добрия случай засилва емоционалното впечатление от произведението. Но към края на века руското изкуство започва да осъзнава, че, първо, образът на природата е ценен сам по себе си, и второ, че чрез него могат да бъдат изразени най-сложните човешки настроения.

Семьон Федорович Шчедрин (1745-1804) може да се счита за основател на руската пейзажна живопис. Той е първият представител на династия художници, прославена от гениалния пейзажист от първата половина на 19 век Силвестър Шчедрин, но собствените му творби също изиграха много важна роля в развитието на руското изкуство.

Следвайки принципите на класицизма, Шчедрин смята, че в картините си трябва да „коригира“ природата, разкривайки в нея пропорционалността, скрита зад хаотичното и случайното. Същевременно, в духа на настроенията, характерни за художествената среда от края на века, той търси поезия и неповторима красота в природата.

Неговите пейзажи от 70-те и 80-те години на миналия век са предимно изображения на въображаеми места, подчертано експресивни, с красиви дървета в ярка дантелена зеленина. От деветдесетте години насам възгледите му за пейзажната живопис се променят, ставайки новаторски в много отношения. Разкрива красота в реални пейзажи. Той рисува изгледи на известни паркове в околностите на Санкт Петербург - Гатчина, Павловск, Петерхоф: "Изглед към двореца Гатчина от Лонг Айлънд" (1796), "Каменен мост в Гатчина близо до площад Коннетабъл" (1799-1801). И също така - самият Петербург (например "Изглед към Болшая Невка и дачата на Строганови", 1804 г.), в образа на който природата остава основното нещо за него, а архитектурните структури се възприемат като част от нея.

Разбира се, това беше природата, поръчана от човешки ръце. Пренасяйки го върху платното, Шчедрин внимателно наблюдава класицистичната симетрия, разделянето на пространството на три равнини и т.н. Но цветът на небето и облаците, мъглата, замъгляваща хоризонта, блясъкът на слънцето върху водата на Нева, накратко, онази светлинна и въздушна среда, в изображението на която художниците от следващия век ще постигнат съвършенство, придобити все по-голямо значение за него.

Шчедрин подготви пътя на тези творци не само с произведенията си. От 1799 г., заедно с И. Клаубер, той ръководи класа по пейзажна гравюра в Академията на изкуствата, от който прекрасни гравьори S.F. Галактионов, А.Г. Ухтомски, братя Козма и Иван Чески. Скоро този клас започна да подготвя и пейзажисти - пейзажът в стените на Академията най-накрая придоби пълноценен статут.

Най-добрите постижения на руската живопис в края на века все още са свързани с портрета. По това време има смяна на поколенията, появяват се нови господари. Художниците все повече се стремят да изобразят вътрешния живот на човек, неговите най-дълбоки преживявания. Портретът става по-интимен. Отразява идеите на сантиментализма - течение, популярно в началото на века и в първите години на 19 век. Тези тенденции бяха най-пълно изразени в работата на V.L. Боровиковски (1757-1825) - един от най-добрите майстори на портретния жанр в руското изкуство.

Боровиковски е роден в Украйна, учи рисуване при баща си. И може би той щеше да остане провинциален портретен художник до края на живота си, ако не беше пътуването на императрицата до южната част на Русия, което тя предприе през 1787 г. Катрин хареса стенописите на временния дворец, направени от Боровиковски. И художникът отиде в Санкт Петербург - да се усъвършенства в живописта. Учи при И.Б. Лумпи-старши и, вероятно, Левицки. Той бързо стана известен, получи много поръчки. Неговите четки принадлежат към блестящите церемониални портрети на княз Куракин (1801-1802), Павел I в костюма на Великия магистър на Малтийския орден (1800) и др. Ярки психологически характеристики са дадени и в камерни портрети - G.R. Державин, Д.П. Трошчински, генерал Ф.А. Боровски.

Владимир Боровиковски. Портрет на графиня Анна Ивановна Безбородко с дъщерите си Любов и Клеопатра. 1803 г
Платно, масло. 134 х 104,5 cm Държавен руски музей

Но преди всичко Боровиковски е майстор на женската камера, по-точно на домашния портрет. Той дори рисува Екатерина II под формата на "казански земевладелец", който се разхожда в градината в топло палто. Неговите героини са замечтани млади дами и дами с лукава усмивка на устни, с цвете или ябълка в ръка, позиращи на фона на замислени пейзажи. Техните къдрици, в съответствие с вкусовете на сантиментализма, са леко разрошени, тоалетите им са умишлено семпли. Характерът на всеки се чете точно, единият не може да бъде объркан с другия. Това са портретите на О.К. Филипова, В.А. Шидловская, Е.А. Наришкина, М.И. Лопухина, E.N. Арсеньева, сестрите Гагарин, селянката Кристина (последната е забележителна и с това, че за Боровиковски не е важен „етнографският“ образ на крепостна жена, а, както в портретите на благородни момичета, вътрешният свят) .

С течение на годините погледът на художника става по-твърд, размиването на неговата картина, основано на полутонове, се заменя със строго пластично моделиране (например в портретите на „Дамата с тюрбан“ - вероятно от френския писател А.-Л. .-J.de Stael - Д.А.Державина и М.И.Долгоруки, написани през десетите години на XIX век).

Името на Боровиковски в руското портретно изкуство в края на века съвсем не е самотно. Много ярък и оригинален портретист беше ученик на Левицки С.С. Шукин (1762-1828). Целият му живот е свързан с Художествената академия, където попада като момче от Дома за сираци, а по-късно ръководи класа по портрет. В неговите портрети, дори и в ранните, се усеща романтизъм - течение в културата, което ще се наложи едва в началото на следващия век, измествайки класицизма и сантиментализма. Особено показателен в това отношение е автопортрет от 1786 г. и портрет на император Павел I в проста офицерска униформа, с бастун в ръка.

Много интересна е работата на M.I. Белски (1753-1794). Той, подобно на някои от съвременните му художници, вярваше, че истината за живота е по-ценна от поетичната хармония на образа и, следвайки верността на характера, не избягваше суровостта и противоречията. Тези възгледи бяха отразени например в портрет на композитора D.S. Бортнянски.

Владимир Боровиковски. Портрет на Дарья Алексеевна Державина. 1813 г
Платно, масло. 284 x 204,3 cm Държавна Третяковска галерия

Нас. 117:

Степан Шукин. Портрет на архитекта Адриан Дмитриевич Захаров. Около 1804г
Маслени бои върху платно 25,5 х 20 см Държавна Третяковска галерия

Михаил Белски. Портрет на композитора Дмитрий Степанович Бортнянски. 1788 г
Платно, масло. 65,7 х 52,3 cm Държавна Третяковска галерия

Николай Аргунов. Портрет на генерал-адютант граф Александър Матвеевич Дмитриев-Мамонтов. 1812 г
Платно, масло. 151 x 125,6 cm Държавна Третяковска галерия

Николай Аргунов. Портрет на Матрена Ивановна Соколова. 1820 Маслени бои върху платно. 67,1 x 52,8 cm Държавна Третяковска галерия
Николай Аргунов. Портрет на Т.В. Шликова. 1789 Маслени бои върху платно. 79 х 55 см (овал)
Държавен музей на керамиката и имението Кусково от 18 век, Москва

Накрая Н.И. Аргунов (1771 - след 1829). Самият Николай Аргунов, син и ученик на известния крепостен художник-портретист, е крепостен селянин до четиридесет и пет годишна възраст. Още от младежките му творби свидетелстват за изключителния му талант: „Смеещият се селянин“, „Селянинът с чаша в ръка“ и особено поетичният портрет на крепостната танцьорка от Театър „Шереметев“ Татяна Шликова-Гранатова, написан, когато художникът е бил на около осемнадесет години. В бъдеще Аргунов създава още много прекрасни творби, сред които се открояват портрети на известната Прасковя Ковалева-Жемчугова - също крепостна актриса, станала съпруга на граф Н.П. Шереметева и почина в младостта си, малко след раждането на сина си. Портретът, в който е изобразена в последните седмици от бременността - на черен фон, с черно-червена качулка, с тревожно изражение на измършавялото й лице - е пропит с предчувствие за трагизъм.

Творчеството на тези художници, като магически мост, обедини отминаващите и наближаващите векове. Бързият път, по който руското изкуство върви от времето на Петър Велики, води до отлични резултати. Предстоеше нов път. Страстни хобита, отчаяно търсене на новост, жестоки конфликти и истински битки за възгледи за изкуството - всичко това предстоеше. Руската живопис от 18 век все още не знае това. Нейната задача беше да разбере човека. И тази задача тя изпълни с блясък.

Николай Аргунов. Портрет, Иван Якимов, облечен като Купидон. 1790 г
Платно, масло. 142 х 98 см Държавен руски музей

Николай Аргунов. Портрет на Калмик Анушка. 1767 г
Платно, масло. 62 х 50 см. Държавният музей на керамиката и имението Кусково от 18 век, Москва

Николай Аргунов. Портрет на частния съветник на сенатор Павел Степанович Руних. 1817 г
Платно, масло. 134 x 103 cm Държавен руски музей

Николай Аргунов. Портрет на император Павел I. 1797г
Платно, масло. 285 х 206 см. Московски музей-имение Останкино