Чуждестранни художници от 19 век: най-ярките фигури на изобразителното изкуство и тяхното наследство. Европейска живопис Западноевропейски художници от 19 век

Тенденциите в живописта от 19 век са тясно свързани с тенденциите от предишния век. В началото на века водещата посока в много страни беше. Възникнал през 18 век, този стил продължава да се развива, освен това в различни страниразвитието му беше индивидуално.

Класицизъм

Художниците, работили в тази посока, отново се обръщат към образите на античността. Чрез класическите сюжети обаче те се опитват да изразят революционни настроения - желание за свобода, патриотизъм, хармония между човека и обществото. ярък представителреволюционен класицизъм е художникът Луи Давид. Вярно е, че с течение на времето класицизмът се превърна в консервативна посока, която беше подкрепена от държавата, което означава, че стана безлична, изгладена от цензурата.

Особено ярък разцвет на живописта през 19 век се наблюдава в Русия. По това време тук се формират много нови стилове и тенденции. Аналогът на класицизма в Русия беше академизмът. Този стил имаше характеристиките на класическия европейски стил - обръщение към образите на античността, възвишени теми, идеализация на образите.

Романтизъм

В началото на 30-те години на 19 век романтизмът се появява в опозиция на класицизма. В тогавашното общество имаше много повратни точки. Художниците се стремят да се абстрахират от грозната реалност, създавайки свой собствен идеален свят. Въпреки това романтизмът се счита за прогресивна тенденция на своето време, тъй като желанието на романтичните художници е да предадат идеите на хуманизма и духовността.

Това е обемна тенденция, отразена в изкуството на много страни. Неговият смисъл е възвисяването на революционната борба, създаването на нови канони на красотата, рисуването на картини не само с четка, но и със сърце. Тук емоционалността е на преден план. Романтизмът се характеризира с въвеждането на алегорични образи в много реален сюжет, умела игра на chiaroscuro. Представители на тази тенденция са Франсиско Гоя, Йожен Дьолакроа, Русо. В Русия произведенията на Карл Брюлов се класифицират като романтизъм.

Реализъм

Задачата на тази посока беше образът на живота такъв, какъвто е. Художниците реалисти се обърнаха към образите на обикновените хора, основните характеристики на техните творби са критичността и максималната правдивост. Те изобразяват в детайли парцалите и дупките в дрехите на обикновените хора, изкривените от страдание лица на обикновените хора и дебелите тела на буржоазата.

Интересен феномен на 19 век е Барбизонската школа на художниците. Този термин обедини няколко френски майстори, които развиха свой собствен, различен стил. Ако в посоките на класицизма и романтизма природата различни начиниидеализирани, тогава барбизонците се стремят да изобразяват пейзажи от природата. В техните снимки - изображения родна природа, и прости хорана този фон. Повечето известни артистиБарбизонците са Теодор Русо, Жул Депре, Вергил ла Пеня, Жан-Франсоа Миле, Шарл Добини.

Жан Франсоа Миле

Творчеството на Барбизоните повлия по-нататъчно развитиеживопис от 19 век. Първо, художниците от тази тенденция имат последователи в редица страни, включително Русия. Второ, барбизонците дадоха тласък на появата на импресионизма. Те са първите, които рисуват на пленер. В бъдеще традицията за изобразяване на реални пейзажи беше възприета от импресионистите.

Той се превърна в последния етап в живописта на 19 век и падна в последната третина на века. Художниците импресионисти подходиха още по-революционно към изобразяването на реалността. Те се стремяха да предадат не самата природа и не изображения в детайли, а впечатлението, което създава това или онова явление.

Импресионизмът е пробив в историята на живописта. Този период дава на света много нови техники и уникални произведения на изкуството.

множественост художествени направленияпрез 19 век е резултат от процес на модернизация. Художественият живот на обществото сега се определя не само от църковния диктат и модата на дворцовите среди. промяна социална структурадоведе до промяна във възприемането на изкуството в обществото: нови социални слоеве на богатите и образовани хоракоито са в състояние самостоятелно да оценяват произведенията на изкуството, като се съсредоточават само върху изискването за вкус. Именно към XIX векзапочва да се оформя Масова култура; вестници и списания от брой на брой, които отпечатват дълги романи със забавен сюжет, се превръщат в прототип на телевизионните сериали в изкуството на 20 век.

През първото полувреме 19 векв Европа се разгърна безпрецедентно по мащаб градско планиране. Повечето европейски столици – Париж, Санкт Петербург, Берлин – са придобили своя характерен облик; в техните архитектурни ансамбли ролята на обществени сгради. Известната Айфелова кула, построена през 1889 г. за откриването на Световното изложение, се превърна в символ на Париж. Айфеловата кула демонстрира техническите възможности на нов материал - метал. Оригиналното художествено решение обаче не беше разпознато веднага, кулата беше призована да бъде разрушена, наречена чудовищна.

Неокласицизмът през първата половина на XIX век. преживява късен разцвет, сега получава името ампир (от френския "империя"), този стил изразява величието на империята, създадена от Наполеон. До средата на века основният проблем на европейската архитектура беше търсенето на стил. Поради романтичното очарование от античността, много майстори се опитаха да възродят традициите на архитектурата от миналото - така се появиха нео-готиката, нео-ренесансът, необарокът. Усилията на архитектите често водят до еклектизъм - механично свързване на елементи различни стилове, старо с ново.

AT артистичен животпърви половината на XIXвек надделява романтизмът, отразяващ разочарованието в идеологията на Просвещението. Романтизмът се превърна в специален мироглед и начин на живот. романтичен идеалличността, неразбрана от обществото, формира начина на поведение на неговите висши слоеве. Романтизмът се характеризира с противопоставянето на два свята: реалния и въображаемия. Реалността се смята за бездушна, нехуманна, недостойна за човека и противопоставяща му се. „Прозата на живота” на реалния свят е противопоставена на света на „поетическата действителност”, света на идеала, мечтите и надеждите. Виждайки света на пороците в съвременната действителност, романтизмът се опитва да намери изход за човека. Това излизане е същевременно отклонение от обществото различни варианти: героят отива в своето вътрешен свят, извън границите на реалното пространство и грижа в друго време. Романтизмът започва да идеализира миналото, особено Средновековието, виждайки реалността, културата и ценностите в него като скреж.

Йожен Делакроа (1798-1863) е предопределен да стане глава на френския романтизъм в живописта. Неизчерпаемото въображение на този художник създаде цял свят от образи, които все още живеят върху платното със своя интензивен, изпълнен с борба и страсти живот. Дьолакроа често черпеше мотиви от произведенията на Уилям Шекспир, Йохан Волфганг Гьоте, Джордж Байрон, Уолтър Скот, обърна се към събитията от Френската революция, други епизоди национална история("Битката при Поатие"). Дьолакроа засне множество изображения на хората от Изтока, главно алжирци и мароканци, които видя по време на пътуването си до Африка. В „Клането на остров Хиос“ (1824 г.) Делакроа отразява борбата на гърците срещу турското владичество, която тогава тревожи цяла Европа. Групата страдащи пленени гърци на преден план на картината, сред които има обезумяла от скръб жена и дете, пълзящо до гърдите на мъртва майка, художникът контрастира с арогантните и жестоки фигури на наказателите; в далечината се вижда горящ разрушен град. Картината порази съвременниците със спиращата дъха сила на човешкото страдание и с необичайно смелия и звучен колорит.

Събитията от Юлската революция от 1830 г., завършили с поражението на революцията и възстановяването на монархията, вдъхновяват Дьолакроа да твори широко известна картина"Свобода на барикадите" (1830). Жената, издигнала трикольорното знаме на Френската република, символизира свободата. Образът на свободата на барикадите 0 олицетворение на борбата.

Испанският художник Франсиско Гоя (1746-1828) е световно известен представител на романтизма.Гоя се превръща в голям художник сравнително късно. Първият значителен успех му донасят две серии (1776-1791) от многобройни гоблени, създадени за кралската фабрика на Санта Барбара в Мадрид („Чадър“, „Слепият китарист“, „Продавач на ястия“, „Блъфът на слепия“, „Сватба“ "). През 90-те години. XVIII век в творчеството на Гоя нарастват чертите на трагизма, враждебността към феодално-клерикалната Испания на "стария ред". Уродливостта на неговите морални, духовни и политически устои Гоя разкрива в гротескно-трагична форма, подхранвайки се от фолклорни източници, в голяма поредица от офорти „Капричос” (80 листа с коментари на художника); смелата новост на художествения език, острата изразителност на линиите и щрихите, контрастите на светлината и сянката, комбинацията от гротеска и реалност, алегория и фантазия, социална сатира и трезв анализ на реалността откриха нови пътища за развитие. на европейската гравюра. През 1790-те - началото на 1800-те години портретът на Гоя достига изключителен разцвет, в който тревожното чувство на самота (портрет на сеньора Бермудес), смела конфронтация и предизвикателство към околната среда (портрет на Ф. Гимарде), аромат на мистерия и скрита чувственост („Облечена Мая“ и „Гола Маха“). С удивителна сила на убеденост художникът е уловил арогантността, физическата и духовна нищета на кралското семейство в груповия портрет „Семейството на Карл IV”. Дълбок историзъм, пропит със страстен протест големи картиниГояс, посветен на борбата срещу френската интервенция („Въстанието от 2 май 1808 г. в Мадрид“, „Екзекуцията на бунтовниците в нощта на 3 май 1808 г.“), поредица от офорти, философски осмислящи съдбата на хората „ Бедствията на войната” (82 листа, 1810–1820).

Франсиско Гоя "Капричос"

Ако в литературата субективността на възприятието на художника се открива чрез символизма, то в живописта подобно откритие прави импресионизмът. Импресионизмът (от френски impression - впечатление) е течение в европейската живопис, възникнало във Франция в средата на 19 век. Импресионистите избягват всякакви детайли в рисунката и се опитват да уловят общото впечатление от това, което окото вижда в даден момент. Те постигнаха този ефект с помощта на цвят и текстура. Художествената концепция на импресионизма се основава на желанието за естествено и естествено улавяне на света около него в неговата променливост, предавайки мимолетните му впечатления. Плодородна почва за развитието на импресионизма беше подготвена от художниците от училището в Барбизон: те бяха първите, които рисуваха скици от природата. Принципът „да рисуваш това, което виждаш всред светлина и въздух“ е в основата на пленерната живопис на импресионистите.

През 1860-те години младите жанрови художници Е. Мане, О. Реноар, Е. Дега се опитват да вдъхновят френската живопис със свежест и непосредственост на наблюдение на живота, изобразявайки моментални ситуации, нестабилност и дисбаланс на форми и композиции, необичайни ъгли и гледни точки. Работя върху на откритопомогна да се създаде върху платната усещането за искрящ сняг, богатството на естествените цветове, разтварянето на обектите в околната среда, вибрацията на светлината и въздуха. Специално внимание художници импресионистибеше дадено на връзката на обекта с околната среда, изследване на промяната в цвета и тона на обекта в променяща се среда. За разлика от романтиците и реалистите, те вече не са склонни да изобразяват историческото минало. Модерността беше тяхната област на интерес. Животът на малките парижки кафенета, шумните улици, живописните брегове на Сена, железопътните гари, мостовете, незабележимата красота на селските пейзажи. Художниците вече не са склонни да засягат остри социални проблеми.

Работата на Едуард Мане (1832-1883) предвещава нова посока в живописта - импресионизма, но самият художник не се присъединява към това движение, въпреки че донякъде променя мнението си под влиянието на импресионистите. творчески маниер. Мане декларира програмата си: „Изживейте времето си и изобразявайте това, което виждате пред себе си, откривайки истинската красота и поезия в ежедневния ход на живота.“ В същото време в повечето произведения на Мане нямаше действие, дори минимален сюжет. Париж става постоянен мотив за творчеството на Мане: градската тълпа, кафенета и театри, улиците на столицата.

Едуар Мане "Бар във Фоли Бержер"

Едурд Мане "Музика в Тюйлери"

Самото име импресионизъм дължи произхода си на пейзажа на Клод Моне (1840-1926) „Впечатление. Изгрев".

В творчеството на Моне елементът на светлината придобива водеща роля. До 70-те години. 19 век Един от тях е невероятният Boulevard des Capucines, където мазките на четката, хвърлени върху платното, предават както далечната перспектива на оживена улица, безкраен поток от карети, движещи се по нея, така и весела празнична тълпа. Рисува много картини с еднакъв, но различно осветен обект на наблюдение. Например купа сено сутрин, обед, вечер, на лунна светлина, в дъжд и т.н.

Много от постиженията на импресионизма се свързват с творчеството на Пиер-Огюст Реноар (1841-1919), който влиза в историята на изкуството като „художник на щастието“. Той наистина твори в картините си специален святпленителни жени и спокойни деца, радостна природа и красиви цветя. През целия си живот Реноар рисува пейзажи, но неговото призвание остава образът на човека. Обичаше да рисува жанрови картини, където с удивителна жизненост той пресъздава суматохата на парижките улици и булеварди, безделието на кафенетата и театрите, оживлението на селските разходки и почивките на открито. Всички тези картини, рисувани на пленер, се отличават със звучност на цвета. Картината "Мулен дьо ла Галет" (народен бал в градината на танцовата зала на Монмартър) е шедьовър на импресионизма на Реноар. Отгатва живия ритъм на танца, блясъка на млади лица. В композицията няма резки движения, а усещането за динамика се създава от ритъма на цветните петна. Интересна е пространствената организация на картината: предният план е даден отгоре, седящите фигури не закриват танцьорите. Многобройни портрети са доминирани от деца и млади момичета, в тези портрети се разкрива неговото умение: „Момче с котка“, „Момиче с ветрило“.

Активен участник във всички изложби, Едгар Дега (1834 - 1917), беше далеч от всички принципи на импресионистите: той беше противник на пленера, не рисуваше от природата, не се стремеше да улови природата на различни състояния на природата. Значително място в творчеството на Дега заема серия от картини, изобразяващи голо женско тяло. Много от неговите картини от последните години са посветени на "жената в тоалетната". В много творби Дега показва характерното поведение и външен вид на хората, породени от особеностите на техния живот, разкрива механизма на професионален жест, поза, движение на човека, неговата пластична красота („Гладачници“, „Перачки с бельо“). В утвърждаването на естетическото значение на живота на хората, техните ежедневни дейности се отразява особеният хуманизъм на творчеството на Дега. Изкуството на Дега е присъщо на комбинацията от красивото, понякога фантастичното и прозаичното: предавайки в много балетни сценипразничния дух на театъра („Звезда на балета”, „Балетна школа”, „Урок по танци”).

Постимпресионизмът обхваща периода от 1886 г., когато се провежда последната изложба на импресионистите, която представя първите творби на неоимпресионистите, до 1910-те години, които възвестяват раждането на напълно ново изкуство във формите на кубизма и фовизма. Терминът "постимпресионизъм" е въведен от английския критик Роджър Фрай, изразявайки общото впечатление от изложбата на съвременното изкуство, организирана от него в Лондон през 1910 г. френско изкуство, където бяха представени произведения на Ван Гог, Тулуз-Лотрек, Сьора, Сезан и други художници.

Постимпресионистите, много от които преди това са се присъединили към импресионизма, започват да търсят методи за изразяване не само на моментното и преходното - всеки момент те започват да разбират дългосрочните състояния на света около тях. Постимпресионизмът се характеризира с различни творчески системии техники, които повлияха на последващото развитие визуални изкуства. Творчеството на Ван Гог очаква появата на експресионизма, Гоген проправя пътя за Арт Нуво.

Винсент ван Гог (1853-1890) създава най-ярките художествени образи чрез синтез (съчетаване) на рисунка и цвят. Техниката на Ван Гог е точки, запетаи, вертикални линии, плътни петна. Неговите пътища, корита и бразди наистина бягат в далечината, а храстите горят на земята като пожари. Той изобрази не един уловен миг, а непрекъснатостта на миговете. Той изобрази не този ефект на дърво, огънато от вятъра, а самото израстване на дърво от земята .. Ван Гог знаеше как да превърне всичко случайно в космическо. Душата на Ван Гог изискваше ярки цветове, той постоянно се оплакваше на брат си за липсата на сила дори на любимия си ярко жълт цвят.

„Звездна нощ“ не е първият опит на Ван Гог да изобрази нощното небе. През 1888 г. в Арл той рисува „Звездна нощ над Рона“. Ван Гог искаше да опише звездната нощ като пример за силата на въображението, което може да създаде по-невероятна природа, отколкото можем да възприемем, когато гледаме реалния свят.

Засиленото възприемане на реалността и психическият дисбаланс водят Ван Гог до психично заболяване. Гоген идва да остане в Арл, но творческите различия предизвикват кавга. Ван Гог хвърля чаша по главата на художника, след което, след като Гоген заявява намерението си да напусне, се хвърля върху него с бръснач. В пристъп на лудост вечерта на същия ден художникът отрязва ухото си („Автопортрет с превързано ухо“).

Творчеството на Пол Гоген (1848-1903) е неотделимо от неговото трагична съдба. Най-важното в стилистичната концепция на Гоген е неговото разбиране за цвета. На около. Таити, където художникът заминава през 1891 г., под влияние на примитивните форми на полинезийското изкуство, той рисува картини, които се отличават с декоративност, плоски форми и изключително чисти цветове. „Екзотичната“ картина на Гоген – „Ревнуваш ли?“, „Името й е Вайраумати“, „Жена, държаща плод“ – отразява не толкова естествените качества на предметите, колкото емоционалното състояние на художника и символичното значение на образи, които е замислил. Особеността на стила на рисуване на Гоген е подчертан декоративен ефект, желанието да се рисуват върху големи равнини на платното с един цвят, влюбен в орнаментиката, която присъстваше върху тъканите на дрехите, и върху килимите, и на фона на пейзажа.

Пол Гоген "Кога да се оженим" "Жена, държаща плод"

Най-важното постижение на културата на XIX век. е появата на изкуството на фотографията и дизайна. Първата камера в света е направена през 1839 г. от Луи Жак Манде Дагер.

Първите опити на Дагер да направи работеща камера бяха неуспешни. През 1827 г. той среща Джоузеф Ниепс, който също се опитва (и дотогава не е постигнал много). повече успех) изобретява камерата. Две години по-късно стават партньори. Ниепс умира през 1833 г., но Дагер продължава да работи усилено. До 1837 г. той най-накрая успя да се развие практическа системаснимка, наречена дагеротип. Изображението (дагеротип) се получава върху сребърна плоча, обработена с йодни пари. След излагане в продължение на 3-4 часа плочата се проявява в живачни пари и се фиксира с горещ разтвор на готварска сол или хипосулфит. Дагеротипите бяха много различни високо качествоизображения, но може да се направи само един кадър.

През 1839 г. Дагер публикува своето изобретение, но не подава патент. В отговор френското правителство присъди на него и на сина на Ниепс доживотни пенсии. Съобщението за изобретението на Дагер предизвика голяма сензация. Дагер стана герой на деня, славата падна върху него и методът на дагеротипа бързо намери широко приложение.

Развитието на фотографията доведе до ревизия художествени принципиграфика, живопис, скулптура, комбиниране на артистичност и документалистика, което не е постижимо в други форми на изкуството. Основата за дизайна е положена от Международното индустриално изложение в Лондон през 1850 г. Неговият дизайн бележи сближаването на изкуството и технологиите и полага основата за нов вид творчество.

Луи Дагер, Никифор Ниепс и Камера обскура на Ниепс

Жозеф Никифор Ниепс. Първата снимка в света, направена върху сплав от калай и олово, 1826 г.

„Ателието на художника“ на Дагер, 1837 г

През 1870 г. двама изобретатели, Елиша Грей и Александър Греъм Бел, независимо един от друг разработват устройства, които могат да предават реч чрез електричество, което по-късно наричат ​​телефон. И двамата изпратиха съответните си патенти до патентните служби, като разликата в заявките беше само няколко часа. Въпреки това Александър Греъм Бел) получи патента първи.

Телефонът и телеграфът са електрически системи, базирани на проводници. Успехът на Александър Бел, или по-скоро неговото изобретение, беше съвсем естествено, тъй като, изобретявайки телефона, той се опита да подобри телеграфа. Когато Бел започва да експериментира с електрически сигнали, телеграфът вече е бил използван като средство за комуникация от около 30 години. Въпреки че телеграфът беше доста успешна комуникационна система, базирана на морзовата азбука с нейното показване на букви с помощта на точки и тирета, обаче, големият недостатък на телеграфа беше, че информацията беше ограничена до получаване и изпращане на едно съобщение наведнъж.

Александър Бел говори в първия модел телефон

Първият телефон, създаден от Александър Греъм Бел, е устройство, чрез което звуците на човешката реч се предават с помощта на електричество (1875 г.). На 2 юни 1875 г. Александър Греъм Бел, докато експериментира с техниката си, наречена от него „хармоничен телеграф“, открива, че може да чува звук през жица. Беше звук на часовник.

Най-големият успех на Бел е постигнат на 10 март 1876 г. Говорейки по тръба със своя асистент Томас Уотсън, който беше в съседната стая, Бел произнесе думите, които са известни на всички днес „Mr. Уотсън - ела тук - искам да те видя ”(г-н Уотсън - ела тук - искам да те видя). По това време се ражда не само телефонът, но и многократният телеграф също умира. Потенциалът на комуникацията да демонстрира, че е възможно да се говори чрез електричество, беше много различен от това, което телеграфът можеше да предложи със своята система за предаване на информация с помощта на точки и тирета.

Понятието кино се появява за първи път във френския си вариант - "cinema", обозначаващ система за създаване и показване на филм, разработена от братята Луи Жан и Огюст Люмиер. Първият филм е заснет с кинокамера от французина Луи Еме Огюстен Льо Принеси (1842–1890) през ноември 1888 г. във Великобритания и се състои от два фрагмента: първият има 10-12 снимки в секунда, а вторият - 20 снимки в секунда. Но официално се смята, че киното възниква на 28 декември 1895 г. На този ден в индийския салон "Гранд кафе" на булевард "Капуцини" (Париж, Франция) се състоя публична прожекция на "Кинематографията на братя Люмиер". През 1896 г. братята правят околосветска обиколка с изобретението си, като посещават Лондон, Ню Йорк, Бомбай.

Луи Жан Люмиер е завършил индустриално училище, бил е фотограф и е работил във фотографска фабрика, собственост на баща му. През 1895 г. Люмиер изобретява филмовата камера за заснемане и прожектиране на „движещи се снимки“. Брат му Огюст Люмиер участва активно в работата му по изобретяването на киното. Устройството е патентовано и се нарича кино. Първите филмови програми на Люмиер показват сцени, заснети на място: „Излизане на работниците от фабрика Люмиер“, „Пристигане на влака“, „Детска закуска“, „Пръскана поливка“ и др. Интересното е, че думата lumiere на френски означава „светлина“. Може би това е инцидент или може би съдбата на създателите на киното е решена предварително.

Европейска живопис

От незапомнени времена живописта се смята за показател за културното развитие на човечеството и талантливи художницибяха оценени от истинските фенове на красотата на стойност злато. Този вид изобразително изкуство процъфтява през 19 век, включвайки основните канони на класицизма и неокласицизма. Експертите не се съмняват, че европейската живопис до голяма степен е повлияла на развитието на местната живопис, но руските художници не изостават от чуждестранните си колеги, създавайки и развивайки нови тенденции в изкуството, намирайки съмишленици, ученици и последователи.

През втората половина на 19 век в областта на живописта се извършва революция, в резултат на която художниците масово преминават към реализма, който се нарича още натурализъм. Майсторите, които започнаха да работят върху пейзажи, не можаха да получат одобрение от представители на академичната общност. Играта на светлина, въздух, сенки, способността да се въплъщават най-фините цветови преходи върху платното - всичко това плени майсторите на четката и боята и те забравиха за критиката.

Интересен факт е, че живописта на 19 век (първата му половина) в много отношения е плод на Френската революция. Военните събития допринесоха за развитието на нови тенденции в изкуството и като цяло вдъхнаха живот в него. Но бойните сцени в крайна сметка се промениха на романтични, както през 18 век. Романтизмът, реализмът и упадъкът са популярни до последната третина на 19 век, а след това, на кръстопътя на три посоки, възниква нова - импресионизъм (от френското "импресия" - впечатление). Импресионизмът стана търсен и запази лидерската си позиция за около 12 години. През това време художниците, работещи в духа на новото течение, успяха да организират 8 изложби, посветени на техните произведения. Според френски писателСтендал, живописта на деветнадесети век е уникална, защото може да изобрази пламенно и точно човешкото сърце. Човек не може да не се съгласи с думите на великия майстор - той най-точно е описал посланията на картините на баталните художници.

Романтизмът с неговото живо оцветяване, идеализация и поезия на сцени, реализъм, изобразяващ ежедневната, неукрасена реалност в прости композиции, както и мрачен и депресиращ упадък все още не са успели да намерят такъв отговор. Но всички тези линии на изкуството, заедно с неясния и емоционален импресионизъм, са най-голямото европейско наследство. Античен магазин "Lavka antiquities" разполага с всичко, за което един колекционер на редки картини може само да мечтае: премерени градски и динамични морски пейзажи, цветни изображения на животни и монохромни портретни картини, създадени с техниката на копринен печат. Нашите витрини съдържат изключителни европейски картини, които можете да закупите с два клика.

За изкуството от първата половина на XIX век. повлиян от Френската революция (1789-1799), войната с Наполеон, войната с Испания. През този период се наблюдава голям напредък в науката. Основни стилове: империя, романтизъм, френски реализъм.

В архитектурата от първата половина на 19 век неокласицизмът преживява своя последен разцвет. До средата на века основният проблем на европейската архитектура беше търсенето на стил. Поради романтичното очарование от античността много майстори се опитаха да възродят традициите на архитектурата от миналото - така се появиха нео-готика, нео-ренесанс, необарок. Усилията на архитектите често водят до еклектика - механична комбинация от елементи от различни стилове, стари с нови. Архитектурата е доминирана от строителството на фабрики, офиси, жилищни сгради, универсални магазини, изложбени зали, библиотеки, гари, покрити пазари, банки и др. Банките са украсени с древногръцки портици, универсалните магазини - с готически ланцетни прозорци и кули. На фабриките се придава вид на замъци.

19.1.1 Изкуство на Франция

Архитектура.През годините на Френската революция във Франция не е построена нито една устойчива конструкция. Това беше ерата на временните сгради, обикновено дървени. В началото на революцията Бастилията е разрушена, паметниците на кралете са разрушени. През 1793 г. кралските академии са затворени, включително Академията по архитектура. Вместо това се появиха Националното жури по изкуствата и Републиканският клуб по изкуствата, чиито основни задачи бяха да организират масови празници и да украсяват парижките улици и площади.

На площад Бастилия е издигнат павилион с надпис: „Тук танцуват“. Площад Луи XV е наречен Place de la Révolution и добавя триумфални арки, статуи на свободата, фонтани с емблеми. Марсово поле става място за обществени събирания с олтара на Отечеството в центъра. Домът на инвалидите и неговата катедрала са се превърнали в храм на човечеството. Улиците на Париж бяха украсени с нови паметници.

Също така през годините на Френската революция е сформирана Комисията на художниците, която се занимава с подобряването на града, планира промени в неговия облик. Играе значителна роля в историята на архитектурата.

Изкуството на Наполеонова Франция е доминирано от стила ампир. Основното събитие на Наполеон в областта на архитектурата беше реконструкцията на Париж: тя трябваше да свърже средновековните квартали със система от алеи, пресичащи града по оста изток-запад. Построени са: Avenue Champs Eisées, Rue Rivoli, триумфалната колона на Place Vendôme (1806–1810, архитекти Jean-Baptiste Leper, Jacques Gonduin), входната порта на двореца Tuileries (1806–1807, архитекти Ch. Persier, P. F. L. Fontaine), триумфалната арка на Великата армия (1806-1837, архитекти Жан-Франсоа Шалиен и др.).

Рисуване.През първата половина на XIX век. френската живописна школа затвърждава първенството си в изкуството на Западна Европа. Франция пред другите европейски държавии в демократизацията на художествения живот. От 1791 г. всеки автор получава правото да участва в изложбите на салона на Лувъра, независимо от членството си в академиите. От 1793 г. залите на Лувъра са отворени за широката публика. Държавното академично образование беше изместено от обучение в частни работилници. Властите прибягват до по-гъвкави методи на художествена политика: разпределението на големи поръчки за декориране на обществени сгради придобива специален обхват.

Представители на живописта на френския романтизъм - Давид, Енгр, Жерико, Делакроа, Грос.

Жак Луи Давид (1748-1825) - най-последователният представител на неокласицизма в живописта. Учи в Кралската академия за живопис и скулптура през 1775-1779 г. посети Италия. През 1781 г. Дейвид е приет за член на Кралската академия и получава правото да участва в нейните изложби - салоните на Лувъра. През 1792 г. Дейвид е избран за депутат в Конвента, най-висшият законодателен и изпълнителен орган на Първата република.

Още през 1776 г. е разработена правителствена програма, която насърчава създаването на големи картини. Дейвид получи поръчка за картина около подвиг на тримабратя от благородното семейство на Хорации - „Клетвата на Хораций“ (1784). Действието на картината се развива в двора на древна римска къща: поток от светлина се излива върху героите на картината отгоре, маслиненосив здрач около тях. Цялата композиция се основава на числото три: три арки (във всяка от арките са вписани една или повече фигури), три групи герои, трима сина, стрелбище на меч, три жени. Плавните очертания на женската група са в контраст с изсечените линии на фигурите на воини.

През 1795–1799г Дейвид и неговите ученици работеха върху картина „Сабините спират битката между римляните и сабините“. Художникът отново избира сюжет, съобразен с модерността: историята на жените, които спират войната между римляните (техните съпрузи) и сабините (техните бащи и братя), звучи във Франция по това време като призив за граждански мир. Въпреки това огромната картина, претоварена с фигури, предизвика само подигравки от публиката.

През 1812 г. заминава за Брюксел, където живее до смъртта си. Рисува портрети и творби на антични теми - „Смъртта на Марат“ (1793), „Портрет на мадам Рекамие“ (1800). Картината "Смъртта на Марат" е завършена от художника за по-малко от три месеца и окачена в заседателната зала на Конгреса. Марат беше намушкан до смърт в апартамента си от благородничка на име Шарлот Кордай. По време на смъртта си Марат седеше във ваната: поради кожно заболяване той беше принуден да работи по този начин и да приема посетители. Изкърпените чаршафи и простата дървена кутия, която замени масата, не са изобретение на художника. Самият Марат обаче, чието тяло беше обезобразено от болест, под четката на Давид се превърна в благороден спортист, като древен герой. Простотата на обстановката придава на спектакъла особена трагична тържественост.

В грандиозна картина „Коронацията на Наполеон I и императрица Жозефина в катедралата Нотр Дам на 2 декември 1804 г.“ (1807)Дейвид създаде друг мит - блясъкът на олтара и великолепието на дрехите на придворните въздействат на зрителя не по-лошо от окаяните мебели и старите чаршафи на Марат.

Жан Огюст Доминик Енгр(1780-1867) е привърженик на класическите идеали, оригинален художник, чужд на фалша, скуката и рутината. През 1802 г. е удостоен с Римската награда и получава правото да пътува до Италия. През 1834 г. става директор на Френската академия в Рим. Постигна най-високото умение в портретния жанр - "Портрет на Ривиерата".

Енгрес се опита да предаде декоративни възможности в живописта. различни видовестаро изкуство, като изразителността на силуетите древногръцка вазова живопис, - "Едип и сфинксът" (1808)и "Юпитер и Тетида" (1811).

В монументално платно „Обет на Луи XIII с молба за покровителството на Дева Мария за Кралство Франция“ (1824), той имитира живописния стил на Рафаело. Картината донесе на Енгрес първия голям успех. на снимката "Одалиска и роб" (1839)Избрах композиция, близка до „Жените от Алжир в своите покои“ на Делакроа и я реших по негов начин. Пъстрото, многоцветно оцветяване на платното възниква в резултат на страстта на художника към ориенталските миниатюри. През 1856 г. Енгр завършва картината "Източник"замислен от него през 20-те години на ХХ век. в Италия. Грациозното цъфтящо момичешко тяло олицетворява чистотата и щедростта на природния свят.

Теодор Жерико(1791–1824) - основоположник на революционния романтизъм в френска живопис. Първата творба, изложена в Салона - „Офицер от конните рейнджъри на императорската гвардия, отиващ в атака“ („Портрет на лейтенант Р. Дюдоне“, 1812 г.). Стремителният ездач на платното не позира, а се бие: бързият диагонал на композицията го отвежда дълбоко в картината, в синкаво-пурпурния разгар на битката. По това време стана известно за поражението на армията на Наполеон Бонапарт в Русия. Чувствата на французите, които познават горчивината на поражението, отразяват нова картина млад художник - „Ранен кирасир, напускащ бойното поле“ (1814).

През 1816–1817г Жерико е живял в Италия. Художникът е особено очарован от състезанията на неоседлани коне в Рим. В поредица от картини „Бягането на свободните коне“ (1817)достъпна и изразителна точност на репортажите и сдържан героизъм в неокласически дух. В тези творби неговият индивидуален стил най-накрая се формира: мощни, груби форми се предават от големи движещи се светлинни петна.

Връщайки се в Париж, художникът създава картина "Салът на Медуза" (1818-1819). През юли 1816 г., близо до островите Кабо Верде, корабът Meduza, под командването на неопитен капитан, получил позиция под патронаж, заседна. Тогава капитанът и неговият антураж отплаваха с лодки, оставяйки на произвола на съдбата сал със сто и петдесет моряци и пътници, от които оцеляха само петнадесет. В картината Жерико търси максимална достоверност. В продължение на две години той търси хора, оцелели от трагедията в океана, прави скици в болници и морги и рисува етюди на морето в Хавър. Салът на снимката му се повдига от вълна, зрителят веднага вижда всички хора, сгушени върху него. На преден план - фигурите на мъртвите и обезумели; написани са в пълен размер. Погледите на онези, които още не са се отчаяли, са обърнати към далечния край на сала, където африканец, застанал върху разклатена цев, размахва червена кърпа на екипажа на Аргус. Или отчаяние, или надежда изпълват душите на пътниците на сала „Медуза“.

През 1820–1821г Жерико посети Англия. Повлиян от писанията на Констабъл, той пише „Състезание в Епсом“ (1821). Картината е пронизана от движение: конете препускат, едва докосвайки земята, фигурите им са се слели в една бърза линия; подвижни са ниските облаци, подвижни са сенките им, плъзгат се по влажното поле. Всички контури в пейзажа са размити, цветовете са размазани. Жерико показа света такъв, какъвто го вижда жокей на галопиращ кон.

Йожен Дьокроа(1798–1863) - френски художник. Основата на картината на Делакроа са цветни петна, които съставляват хармонично единство; всяко петно, освен цвета си, включва нюанси на съседните.

Делакроа рисува първата си картина по сюжета на Божествената комедия на Данте - "Данте и Вергилий" ("Лодката на Данте") (1822). Делакроа създава картината "Клането на Хиос" (1824)под влияние на събитията от освободителната революция в Гърция 1821-1829г. През септември 1821 г. турските наказатели избиват цивилното население на Хиос. На преден план на картината са фигурите на обречените чианци в пъстри дрипи; на фона са тъмните силуети на въоръжени турци. Повечето пленници са безразлични към съдбата си, само децата напразно молят родителите си да ги защитят. Турският конник, който влачи след себе си гръцка девойка, изглежда като своеобразен символ на поробването. Други фигури са не по-малко символични: гол ранен грък - кръвта му отива в сухата земя, а наблизо лежат счупена кама и изпразнена от разбойници торба.

След събитията през юли 1830 г. в Париж Делакроа създава картина „Свободата води народа (28 юли 1830 г.)“. Художникът придаде вечен, епичен звук на прост епизод от улични битки. Бунтовниците се издигат до барикадата, отвоювана от кралските войски, и самата Свобода ги води. Критиците виждат в нея "кръстоска между търговец и древногръцка богиня". Тук се усеща романтичният стил: Свободата е изобразена като богинята на победата, тя издига трикольорното знаме на Френската република; последван от въоръжена тълпа. Сега всички те са войници на свободата.

През 1832 г. Делакроа придружава дипломатическа мисия в Алжир и Мароко. След завръщането си в Париж художникът създава картина „Жените на Алжир в своите стаи“ (1833). Фигурите на жените са изненадващо пластични. Златистите лица са меко очертани, ръцете са плавно извити, цветните тоалети ярко изпъкват на фона на кадифени сенки.

Антоан Грос (1771–1835) - френски художник, портретист. Гро изостави класическите предмети - той беше привлечен от съвременната история. Той създава поредица от картини, посветени на египетско-сирийската експедиция на наполеонската армия (1798-1799) - „Бонапарт посещава жертвите на чумата в Яфа“ (1804). Други картини, посветени на Наполеон - „Наполеон на моста Аркол“ (1797), „Наполеон на бойното поле при Еяу“ (1808). През 1825 г. Гро завършва боядисването на купола на Пантеона в Париж, заменяйки образа на Наполеон с фигурата на Луи XVIII.

17.3 Европейската живопис от 19 век

17.3.1 Френска живопис . първите две десетилетия на деветнадесети век. в историята на френската живопис се определят като революционен класицизъм. Неин виден представител е J.L. Дейвид (1748 г- 1825), чиито основни произведения са създадени от него през 18 век. Произведения от 19 век. - е работа при придворен художник Наполеон- "Наполеон при прохода Сан Бернар", "Коронация", "Леонид при Термопилите". Давид е автор и на отлични портрети, като портрета на мадам Рекамие. Той създаде голяма школа от ученици и предопредели чертите артистиченот стила на империята.

Ученик на Дейвид е Ж. О. Енгрес (1780 г- 1867), който превръща класицизма в академично изкуство и в продължение на много години противопоставениромантици. Енгр е автор на правдив остърпортрети (“L. F. Bertin”, “Madame Rivière” и др.) и картини в стила на академичен класицизъм ("Апотеозът на Омир", "Юпитер и Темида").

Романтизъм на френската живопис през първата половина на 19 век- това са платната на Т. Жерико (1791 - 1824) ("Салът на Медуза" и "Дерби в Епсом и други") и Е. Делакроа (1798-1863), автор на известната картина „Свободата, водеща народа“.

Реалистичното направление в живописта през първата половина на века е представено от произведенията на Г. Курбе (1819 г.- 1877), автор на термина "реализъм" и картини "Каменни трошачи" и "Погребение в Орнан", както и произведенията на Дж. Ф . Милет (1814 - 1875), писател на селски живот и ("Събирачи на класове", "Човекът с мотиката", "Сеячът").

Важен феномен на европейската култура през втората половина на XIX век. беше арт стилимпресионизъм, получил широко разпространение не само в живописта, но и в музиката и белетристиката. И все пак възниква в живописта.

Във временните изкуства действието се развива във времето. Живописта, така да се каже, е в състояние да улови само един единствен момент във времето. За разлика от киното винаги има един „кадър“. Как да предадем движение в него? Един от тези опити за улавяне на реалния свят в неговата подвижност и променливост беше опитът на създателите на посоката в живописта, наречена импресионизъм (от френски впечатление). Тази посока обедини различни художници, всеки от които може да се характеризира по следния начин. Импресионисте художник, който предава своите незабавновпечатление от природата, вижда в нея красотата на изменчивостта и непостоянството, в създава визуално усещане за яркост слънчева светлина, игри на цветни сенки, използвайки палитра от чисти несмесени цветове, от които черното и сивото са прогонени.

В картините на такива импресионисти като К. Моне (1840-1926) и О. Реноар (1841-1919), в началото на 70-те години на XIX век. появява се въздушна материя, притежаваща не само определена плътност, която изпълва пространството, но и подвижност. Слънчевите лъчи струят, изпаренията се издигат от влажната земя. Водата, топящият се сняг, разораната земя, люлеещата се трева по поляните нямат ясни замръзнали очертания. Движение, което преди това е въведено в пейзажа като изображение на движещи се фигури, в резултат на действието на природни сили- вятърът, гонещ облаци, люлеещи се дървета, сега е заменен от мир. Но този мир на неживата материя е една от формите на нейното движение, което се предава от самата текстура на живописта - динамични щрихи от различни цветове, които не са ограничени от твърдите линии на рисунката.

Новият стил на рисуване не беше приет веднага от публиката, която обвини художниците, че не могат да рисуват, хвърляйки боя, изстъргана от палитрата върху платното. И така, розовите руански катедрали на Моне изглеждаха неправдоподобни както за публиката, така и за колегите художници.- най-доброто от живописната поредица на художника ("Утро", "С първите слънчеви лъчи", "Обед"). Художникът не е иска да изобрази на платно катедралата в различно времедни- той се състезаваше с майсторите на готиката, за да погълне зрителя със съзерцанието на магически светлинни и цветни ефекти. Фасадата на Руанската катедрала, подобно на повечето готически катедрали, крие мистична гледка на x от слънчевата светлина на ярки цветни витражи на интериора. Осветлението вътре в катедралите варира в зависимост от посоката, от която грее слънцето, облачно или ясно време. Слънчевите лъчи, проникващи през наситения син, червен цвят на витражите, са боядисани и лежат с цветни отблясъци на пода.

Една от картините на Моне дължи появата си на думата "импресионизъм". Това платно наистина беше екстремен израз на новаторството на възникващия изобразителен метод и беше наречено „Изгрев в Хавър“. Компилаторът на каталога с картини за една от изложбите предложи художникът да го нарече по друг начин, а Моне, като зачеркна „в Хавър“, постави „впечатлението“. И няколко години след появата на творбите му те написаха, че Моне "разкрива живот, който никой преди него не успя да улови, за който никой дори не знаеше". В картините на Моне започва да забелязва тревожния дух на раждането нова ера. Така в творчеството му се появи "сериалът" като нов феномен на живописта. И обърна внимание на проблема с времето. Картината на художника, както беше отбелязано, изтръгва един "кадър" от живота, с цялата му незавършеност и незавършеност. И това даде тласък на развитието на сериала като последователни кадри. В допълнение към „Руанските катедрали“, Моне създава поредицата „Gare Saint-Lazare“, в която картините са свързани помежду си и се допълват. Въпреки това беше невъзможно да се комбинират „рамките“ на живота в една лента от впечатления в живописта. Това се превърна в задача на киното. Историците на киното смятат, че причината за появата и широкото му разпространение не е само технически открития, но и спешна артистична нужда от движещ се образ. И картините на импресионистите, по-специално на Моне, станаха симптом на тази необходимост. Известно е, че един от сюжетите на първата филмова сесия в историята, организирана от братя Люмиер през 1895 г., е "Пристигането на влака". Парни локомотиви, гара, релси са обект на серия от седем картини „Гара Сен Лазар“ на Моне, изложена през 1877 г.

О. Реноар е изключителен художник импресионист. Към творбите му („Цветя“, „Млад мъж, който се разхожда с кучета в гората на Фонтенбло“, „Ваза с цветя“, „Къпане в Сена“, „Лиза с чадър“, „Дама в лодка“, „ Ездачи в Булонския лес", "Бал в Le Moulin de la Galette", "Портрет на Жана Самари" и много други) думите са доста приложими френски художникЕ. Делакроа „Първото достойнство на всяка картина- бъдете празник м за очите. Името на Реноар- синоним на красота и младост, това време от човешкия живот, когато духовната свежест и разцветът на физическата сила са в пълна хармония. Живеейки в епоха на остри социални конфликти, той ги оставя извън своите платна, фокусирайки се събуждане от красивите и светли страни на човешкото съществуване. И на тази позиция той не беше сам сред художниците. Дори двеста години преди него великият фламандски художник Питър Паул Рубенс рисува картини с огромно животоутвърждаващо начало („Персей и Андромеда“). Снимки като тази дават надежда на хората. Всеки човек има право на щастие и Основната точкаИзкуството на Реноар се крие във факта, че всяко негово изображение утвърждава неприкосновеността на това право.

AT края на XIXвекове се формира постимпресионизмът в европейската живопис. Неговите представители- П . Сезан (1839 - 1906), В. Ван Гог (1853 - 1890), П. Гоген (1848 - 1903), поемайки поста от импресионистичистота на цвета, претърсен трайни начала на битието, обобщаващи изобразителни методи, философски и символни аспекти на творчеството. Картини на Сезан- това са портрети ("Пушач"), пейзажи ("Бреговете на Марна"), натюрморти ("Натюрморт с кошница с плодове").

Картини на Ван Гог- "Хижи", "След дъжд", "Разходка на затворници".

Гоген има чертите на идейния романтизъм. AT последните годинизапленен от живота на полинезийските племена, които според него са запазили своята примитивна чистота и почтеност, той заминава за островите на Полинезия, където създава няколко картини, в основата на които е примитивизацията на формата, желанието да се получи по-близо до художествените традиции на местните („Жена, държаща плод“, „Таитянски пасторал“, „Чуден източник“).

Велик скулптор от 19 век е О. Роден (1840 г- 1917), съчетавайки в работата си импресионистиченромантизъм и експресионизъм реалистичентърсения. Жизненост на образите, драматизъм, изразителност на напрегнат вътрешен живот, жестове, продължаващи във времето и пространството (какво правиш не е възможно да поставите тази скулптура на музика и балет), улавяйки нестабилността на момента- всичко това заедно създава по същество романтичен образ и изцяло импресионистиченвизия Желанието за дълбоки философски обобщения ("Бронзовата епоха", " Гражданите на Кале", скулптура, посветен на герояСтогодишната война, който се жертва, за да спаси обсадения град, работи за Портите на ада, включително Мислителят) и желанието да се покажат моменти на абсолютна красота и щастие (Вечна пролет, Па де дьо)– основните характеристики на творчеството на този художник.

17.3.2 Английска живопис. Изящното изкуство на Англия през първата половина на XIX век.е пейзажна живопис, ярка представителикоито бяха Дж. Констабъл (1776 - 1837), английски предшественик импресионисти(„Каруцата със сено пресича форда“ и „Ръженото поле“) и У. Търнър (1775 - 1851), чиито картини като "Дъжд, пара и скорост" "Корабокрушение", отличава пристрастието към цветни фантастични планини.

През втората половина на века Ф. М. Браун създава своите творби (1821 г- 1893), който с право е смятан за "Холбейн на 19 век". Браун е известен с историческите си произведения („Чосър в двора на Едуард III“ и „Лийр и Корделия“), както и с картини върху акта обичайни ежедневни теми („Последен поглед към Англия”, „Труд”).

Творческата асоциация "Прерафаелитско братство" ("Прерафаелити") възниква през 1848 г. Въпреки че обединяващото ядро ​​​​е страстта към произведенията на художниците ранен ренесанс(преди Рафаел), но всеки член на това братство имаше своя собствена тема и художествено кредо. Теоретикът на братството е английският културолог и естетик Дж. Ръскин, който очертава концепцията за романтизма във връзка с условията на Англия в средата на века.

Ръскин, свързвайки изкуството в своите произведения с общото ниво на култура на страната, виждайки изкуството като проява на морални, икономически и социални фактори, се опита да убеди британците, че предпоставките за красота са скромност, справедливост, честност, чистота и непретенциозност .

Прерафаелитите създават картини върху религиозни и литературни сюжети, художествено оформени книги и развито декоративно изкуство, се стремят да възродят принципите на средновековните занаяти. Осъзнавайки опасността декоративни изкустватенденция- неговото обезличаване чрез машинно производство, английски художник, поет и общественик У. Морис (1834 - 1896) организира художествени и промишлени работилници за производство на гоблени, тъкани, витражи и други битови предмети, за които се използват рисунки самият той и прерафаелитските художници завършиха.

17.3.3 Испанска живопис. Гоя . Работата на Франсиско Гоя (1746 г- 1828) принадлежи към два века - XVIII и XIX. Има голямо значение за формирането на европейския романтизъм. творчески ни Творчеството на художника е богато и разнообразно: живопис, портрети, графики, фрески, гравюри, офорти.

Гоя използва най-демократичните теми (разбойници, контрабандисти, просяци, участници в улични битки и игри- героите на неговите картини). Получавайки през 1789г титла на адв известен художник, Гоя изпълнява огромен брой портрети: крал, кралица, придворни („Семейството на крал Чарлз IV“). Влошеното здравословно състояние на художника предизвиква промяна в тематиката на творбите. Така картините, отличаващи се със забавна и странна фантазия („Карнавал“, „Блъфът на слепия“), се заменят с платна, пълни с трагедия („Трибуналът на инквизицията“, „Къщата на лунатите“). А следват 80 офорта „Капричио“, върху които художникът работи над пет години. Значението на много от тях остава неизяснено и до днес, а други са тълкувани в съответствие с идеологическите изисквания на своето време.

На символичен, алегоричен език Гоя рисува ужасяваща картина на страната в началото на века: невежество, суеверие, ограничен народ, насилие, мракобесие, зло. Офорт "Сънят на разума произвежда чудовища"- ужасни чудовища заобикалят спящ човек, прилепи, сови и други зли духове. Самият художник дава следното обяснение на своята работа: „Убеден, че критиката човекпороциизаблуди, макар чеиИзглеждаполето на ораторството и поезията, също може да бъде предмет на живо описание, художникът избира за своето творчество от многото екстравагантности и абсурди, присъщи на всяко гражданско общество, както и от предразсъдъците и суеверията на обикновените хора, узаконени от обичая, невежество или личен интерес, онези, които смяташе за особено подходящи за присмех и в същото време за упражняване на нечие въображение.

17.3.4 Модерен – финал стил европейски живопис XIX в . от най-много известни произведениясъздадени в европейската живопис от XIX век. в стил Арт Нуво, бяха произведенията на английския художник О. Биърдсли (1872 г.– 1898). ТойилюстриранработаО. Уайлд ("Саломе"), създаденоелегантенграфикафантазии, омагьосанцялопоколениеевропейци. самочеренибялоса билиинструментинапрза труда: лист бяла хартия и бутилка черно мастило и техника, подобна на най-фината дантела („Тайнствената розова градина“, 1895 г.). Илюстрациите на Биърдсли са повлияни от японските щампи и френското рококо, както и от декоративния маниеризъм на Арт Нуво.

Стил Арт Нуво, възникнал около 1890г– 1910 gg., характеризираприсъствиенавиванелинии, напомнящкъдрицикоса, стилизиранцветяирастения, езиципламък. стилтовабешеширокчесто срещаниивживописивархитектура. тоилюстрацииангличанинбъдаrdsli, плакати и билбордове от чеха А. Муха, картини от австриеца Г. Климт, лампи и метални изделия от Тифани, архитектура от испанеца А. Гауди.

Друг изключителен феномен на модерността от края на века– норвежкихудожникд. Мунк (1863 – 1944). известенживописМунк« Scream (1893)– композитенчастнеговиятфундаменталенцикъл„Фризживот", по-горекойтохудожникработешедългогодини. В последствиеработа"Вик"Мункповтаря севлитографии. Рисуване"Вик"предавасъстояниеекстремниемоционаленволтажчовек, тя елицасъздава отчаянието на самотния човек и неговия вик за помощ, която никой не може да предостави.

Най-големият художник във Финландия А. Гален-Калела (1865 г– 1931) встилмодеренилюстриранепичен"Калевали". Наезикемпириченреалностзабранено еказвамза легендарния старец– ковачИлмаринен, което наизкованинебе, чукнати заеднонебесен свод, окованотогънорел; относномайкиLemminkäinen, възкръсналнеговиятубитсин; относнопевицаVäinämöinien, което на"тананикашезлатистКоледна елха", Галел- Калелауправляванапредавамдвуетажно леглоедна сила на древните карелски руни в съвременния език.