Импресионизмът като изкуство. Значението на думата импресионизъм

Изразът "руски импресионизъм" само преди година проряза ухото на обикновения гражданин на нашата необятна страна. всеки образован човекзнае за светлината, лека и бърза френски импресионизъм, може да различи Моне от Мане и да разпознае слънчогледите на Ван Гог от всички натюрморти. Някой е чувал нещо за американския клон на развитието на тази посока на живописта - по-градски в сравнение с френските пейзажи на Гасам и портретни изображенияГонитба. Но изследователите спорят за съществуването на руски импресионизъм и до днес.

Константин Коровин

Историята на руския импресионизъм започва с картината "Портрет на хористка" на Константин Коровин, както и с неразбиране и осъждане на обществеността. Когато за първи път видях тази работа, И. Е. Репин не повярва веднага, че работата е направена от руски художник: „Испанец! Виждам. Смело, сочно пише. Чудесен. Но това е просто рисуване заради самото рисуване. Испанец обаче с темперамент...“. Самият Константин Алексеевич започва да рисува своите платна по импресионистичен начин още през студентски години, като не е бил запознат с картините на Сезан, Моне и Реноар, много преди пътуването си до Франция. Само благодарение на опитното око на Поленов Коровин разбра, че той използва техниката на французите от онова време, до която стигна интуитивно. В същото време на руския художник се дават сюжетите, които той използва за своите картини - признатият шедьовър "Северна идилия", написан през 1892 г. и съхраняван в Третяковска галерия, ни показва любовта на Коровин към руските традиции и фолклор. Тази любов е внушена на художника от „Кръга на мамута“ - общност от творческа интелигенция, която включва Репин, Поленов, Васнецов, Врубел и много други приятели на известния филантроп Сава Мамонтов. В Абрамцево, където се намира имението Мамонтов и където членовете на артистичен кръг, Коровин имаше късмета да се срещне и да работи с Валентин Серов. Благодарение на това познанство творчеството на вече завършения художник Серов придоби чертите на лек, ярък и стремителен импресионизъм, който виждаме в едно от неговите произведения. ранни творби – « отворен прозорец. Люляк".

Портрет на хористка, 1883 г

Северна идилия, 1886 г

Птича череша, 1912 г

Гурзуф 2, 1915 г

Пристан в Гурзуф, 1914 г

Париж, 1933 г

Валентин Серов

Картината на Серов е проникната от черта, присъща само на руския импресионизъм - картините му отразяват не само впечатлението от видяното от художника, но и състоянието на душата му в момента. Например в картината "Площад Сан Марко във Венеция", рисувана в Италия, където Серов отива през 1887 г. поради тежко заболяване, преобладават студени сиви тонове, което ни дава представа за състоянието на художника. Но въпреки доста мрачната палитра, картината е референтна импресионистична работа, тъй като върху нея Серов успя да улови реалния свят в неговата подвижност и променливост, да предаде мимолетните си впечатления. В писмо до своята булка от Венеция Серов пише: „В този векпишат всичко тежко, нищо насърчително. Искам, искам това, което носи удоволствие, и ще пиша само това, което е удовлетворяващо.”

отворен прозорец. Люляк, 1886 г

Площад Сан Марко във Венеция, 1887 г

Момиче с праскови (Портрет на В. С. Мамонтова)

Коронация. Потвърждение на Николай II в катедралата Успение Богородично, 1896 г

Момиче, огряно от слънцето, 1888 г

Къпане на кон, 1905 г

Александър Герасимов

Един от учениците на Коровин и Серов, възприел техния изразителен мазок, ярка палитра и етюден стил на писане, е Александър Михайлович Герасимов. Разцветът на творчеството на художника идва по времето на революцията, което не може да не се отрази в сюжетите на неговите картини. Въпреки факта, че Герасимов даде четката си в услуга на партията и стана известен с изключителните си портрети на Ленин и Сталин, той продължи да работи върху импресионистични пейзажи, които бяха близки до душата му. Работата на Александър Михайлович „След дъжда“ ни разкрива художника като майстор на предаването на въздух и светлина в картината, което Герасимов дължи на влиянието на своите изтъкнати наставници.

Бояджии в дачата на Сталин, 1951 г

Сталин и Ворошилов в Кремъл, 50-те години на ХХ век

След дъжда. Мокра тераса, 1935

Натюрморт. Полски букет, 1952 г

Игор Грабар

В разговор за късния руски импресионизъм човек не може да не се обърне към творчеството на великия художник Игор Емануилович Грабар, който възприема много от техниките на френските художници от втория век половината на XIXвек благодарение на многобройните си пътувания до Европа. Използвайки техниките на класическите импресионисти, Грабар изобразява в своите картини чисто руски пейзажни мотиви и ежедневни сцени. Докато Моне рисува цъфтящите градини на Живерни, а Дега рисува красиви балерини, Грабар изобразява суровата руска зима и селския живот със същите пастелни цветове. Най-вече Грабар обичаше да изобразява скреж върху платната си и му посвети цяла колекция от творби, състояща се от повече от сто малки многоцветни скици, създадени през различно времедни и при различно време. Трудността при работата върху такива рисунки беше, че боята се втвърди на студа, така че трябваше да работя бързо. Но точно това позволи на художника да пресъздаде „този момент“ и да предаде своето впечатление от него, което е основната идея на класическия импресионизъм. Често стилът на рисуване на Игор Емануилович се нарича научен импресионизъм, защото той даде голямо значениесветлина и въздух върху платната и създава много изследвания върху пренасянето на цвят. Нещо повече, именно на него дължим хронологичното подреждане на картините в Третяковската галерия, на която той е директор през 1920-1925 г.

Брезовата алея, 1940 г

Зимен пейзаж, 1954 г

Слана, 1905 г

Круши върху синя покривка, 1915 г

Ъгъл на имението (Лъч на слънцето), 1901 г

Юрий Пименов

Напълно некласически, но все пак импресионизъм се развива през съветско време, виден представителкоето става Юрий Иванович Пименов, който стигна до образа на "мимолетно впечатление в пастелни цветове", след като работи в стила на експресионизма. Един от най известни произведенияПименов се превръща в картината "Нова Москва" от 30-те години - лека, топла, сякаш нарисувана с въздушните щрихи на Реноар. Но в същото време сюжетът на това произведение е напълно несъвместим с една от основните идеи на импресионизма - отхвърлянето на използването на социални и политически теми. "Нова Москва" Пименов просто перфектно отразява социалните промени в живота на града, които винаги са вдъхновявали художника. „Пименов обича Москва, нейните нови, нейните хора. Художникът щедро дарява това усещане на зрителя“, пише художникът и изследовател Игор Долгополов през 1973 г. И наистина, гледайки картините на Юрий Иванович, ние сме пропити с любов към съветски живот, нови квартали, лирично новодомяване и урбанизъм, уловен в техниката на импресионизма.

Работата на Пименов още веднъж доказва, че всичко "руско", донесено от други страни, има свой специален и уникален път на развитие. По същия начин френският импресионизъм Руска империяи Съветският съюз усвои чертите на руския светоглед, национален характери живота. Импресионизмът, като начин за предаване само на възприемането на реалността в нейната чиста форма, остава чужд на руското изкуство, защото всяка картина на руски художници е изпълнена със смисъл, осъзнатост, състояние на променливата руска душа, а не само мимолетно впечатление . Ето защо следващия уикенд, когато Музеят на руския импресионизъм ще представи отново основната експозиция на московчани и гости на столицата, всеки ще намери нещо за себе си сред чувствените портрети на Серов, урбанизма на Пименов и нетипичните за Кустодиев пейзажи.

Нова Москва

Лирично домакинство, 1965 г

Гардероб Болшой театър, 1972

Рано сутрин в Москва, 1961 г

Париж. Улица Сен Доминик. 1958 г

Стюардеса, 1964 г

Може би за повечето хора имената на Коровин, Серов, Герасимов и Пименов все още не са свързани с определен стил в изкуството, но Музеят на руския импресионизъм, който отвори врати през май 2016 г. в Москва, все пак събра произведенията на тези художници под един покрив.

Днес шедьоврите на художниците импресионисти се възприемат от нас в контекста на световното изкуство: за нас те отдавна са станали класика. Това обаче в никакъв случай не е било така. Случвало се е, че техните картини не са били допускани до официални изложби, те са били критикувани в пресата, те не са искали да купуват дори за символична такса. Имаше години на отчаяние, нужда и лишения. И се борят за възможността да нарисуват света така, както са го виждали. Отне много десетилетия, докато мнозинството успее да разбере и възприеме, да види себе си през техните очи. Какъв беше светът, в който импресионизмът нахлу в началото на 60-те години на 19 век, като весел вятър, който дарява трансформации?

Социалните катаклизми от края на 18 век, революциите във Франция и Америка трансформират самата същност на Западна културакоето не може да не повлияе на ролята на изкуството в едно бързо променящо се общество. Свикнали със социалния ред от управляващата династия или църквата, художниците внезапно откриват, че остават без своите клиенти. Благородството и духовенството, основните клиенти на изкуството, изпитват сериозни затруднения. Установено е ново време, ерата на капитализма, изцялопромяна на правилата и приоритетите.

Постепенно богата средна класа нараства в нововъзникващите републики и демократични сили, в резултат на което започва да процъфтява нов пазар на изкуство. За съжаление, предприемачите и търговците като правило нямаха наследствена култура и възпитание, без които беше невъзможно да се оцени правилно разнообразието от сюжетни алегории или умели изпълнителски умения, които отдавна очароваха аристокрацията.

Не отличаващи се с аристократично възпитание и образование, представителите на средната класа, които станаха потребители на изкуството, бяха принудени първоначално да се съсредоточат върху съображенията на вестникарските критици и официалните експерти. Старите академии на изкуствата, които са пазители на класическите основи, са се превърнали в централни арбитри по въпросите на художествената гравитация. Не е парадоксално, че някои млади и любознателни художници, болни от конформизъм, се бунтуват срещу формалното господство на академизма в изкуството.

Една от основните крепости на академизма от онова време са изложбите на съвременно изкуство, покровителствани от властите. Такива изложби се наричали салони - според традицията, отнасящи се до името на залата в Лувъра, където някога придворни художници са излагали своите картини.

Участието в Салона беше единствената възможност да привлекат интереса на пресата и клиентите към своите творби. Огюст Реноар в едно от писмата си до Дюран-Рюел говори за сегашното състояние на нещата: „В цял Париж едва ли има петнадесет почитатели, които могат да разпознаят художника без помощта на Салона, и осемдесет хиляди души, които ще го направят да не се сдобият дори с квадратен сантиметър платно, ако художникът не бъде допуснат до Салона.

Младите художници нямаха друг избор, освен да се появят в салоните: на изложбата те можеха да чуят неласкавите думи не само на членовете на журито, но и на дълбоко уважавани художници като Йожен Дьолакроа, Гюстав Курбе, Едуард Мане, които бяха любими на младите хора, като по този начин получават тласък за бъдещо творчество. Освен това Салонът беше уникална възможност да спечелите клиент, да бъдете забелязани, да организирате кариера в изкуството. Наградата на Салона бе залог за професионално признание за художника. Обратно, ако журито отхвърли изпратената работа, това е равносилно на естетическо спиране.

Често предложената за разглеждане картина не отговаряше на обичайните канони, поради което журито на салона я отхвърли: в артистичната среда този епизод предизвика скандал и сензация.

Един от художниците, чието участие в Салона неизменно предизвикваше скандал и предизвикваше много тревоги сред академиците, беше Едуар Мане. Голям скандал е придружен от демонстрации на картините му "Закуска на тревата" (1863) и "Олимпия" (1865), създадени по необичайно суров начин, съдържащ естетика, чужда на салона. И в картината "Инцидентът на коридата", представена в салона от 1864 г., засегната е страстта на художника към работата на Гоя. На преден план Мане рисува проснатата фигура на тореадор. Фонът на картината беше арената, простираща се навътре в сушата, и редиците от обезсърчени, онемели зрители. Такава остра и предизвикателна композиция предизвика много саркастични отзиви и карикатури във вестниците. Наранен от критиките, Мане разкъса картината си на две части.

Трябва да се отбележи, че критиците и карикатуристите не се срамуваха да избират думи и методи, за да обидят по-болезнено художника, да го тласнат към някакви реципрочни действия. „Художникът, отхвърлен от салона“, а по-късно и „Импресионистът“, стават любимите мишени на журналистите, които правят пари от публични скандали. Непрестанната борба на Салона с художници с други концепции и гравитации, уморени от строгите граници на остарелия академизъм, ясно означаваше сериозен упадък, назрял по това време в изкуството от втората половина на 19 век. Консервативното жури на Салона от 1863 г. отхвърли толкова много платна, че император Наполеон III намери за необходимо лично да подкрепи друга, паралелна изложба, така че зрителят да може да сравни приетите творби с отхвърлените. Тази изложба, която придобива името „Салон на изгнаниците“, се превръща в изключително модерно място за забавление – хората отиват тук, за да се смеят и да бъдат остроумни.

За да заобиколят академичното жури, подходящите художници могат да направят и самостоятелни самостоятелни изложби. Идеята за изложбата на един художник е обявена за първи път от художника реалист Гюстав Курбе. Той представя поредица от свои творби на Световното изложение в Париж през 1855 г. Селекционната комисия одобри неговите пейзажи, но отхвърли картините от тематичната програма. Тогава Курбе, противно на обичая, издигна личен павилион в близост до Световното изложение. Въпреки че възрастният Дьолакроа беше впечатлен от широкия стил на рисуване на Курбе, в павилиона му имаше малко зрители. По време на Световното изложение през 1867 г. Курбе възобновява това преживяване с голям триумф - този път той окачва всичките си творби в отделна стая. Едуар Мане, следвайки примера на Курбе, отвори собствена галерия по време на същата изложба, за да изложи своите картини ретроспективно.

Създаването на лични галерии и частното публикуване на каталози предполагаше осезаем разход на средства - несравнимо повече от тези, които често притежават художниците. Инцидентите с Курбе и Мане обаче накараха младите художници да планират групова изложба на художници от нови тенденции, които не бяха приети от официалния салон.

Освен социалните промени в изкуството 19 векимаше значителен ефект и Научно изследване. През 1839 г. Луи Дагер в Париж и Хенри Фокс Талбот в Лондон демонстрират фотографски апарати, които са изградили независимо. Малко след това събитие фотографията освобождава художниците и графиците от задължението просто да отбелязват хора, места и събития. Освободени от задължението да копират обекта, много художници се втурнаха към сферата на пренасянето на собствения си субективен израз върху платното на емоциите.

Снимката се появи европейско изкустводруги възгледи. Обективът, с различен ъгъл на видимост от човешкото око, формира фрагментарно представяне на композицията. Промяната в ъгъла на снимане тласка художниците към нови композиционни визии, които стават основата на импресионистичната естетика. Един от основните принципи на тази тенденция беше спонтанността.

През същата 1839 г., когато е създаден фотоапаратът, Мишел Йожен Шеврол, химик от лабораторията на парижката фабрика Gobelin, публикува за първи път логическа интерпретация на възприемането на цвета от човешкото око. Създавайки бои за тъкани, той се увери, че има три основни цвята - червено, жълто и синьо, когато се смесват, възникват всички останали цветове. С помощта на цветното колело Chevreul доказа как се раждат нюансите, което не само перфектно илюстрира една трудна научна идея, но също така представи на художниците работеща концепция за смесване на цветове. Американският физик Огден Руде и немският учен Херман фон Хелмхоли от своя страна допълват това изобретение с разработки в областта на оптиката.

През 1841 г. американският учен и художник Джон Ранд патентова своите калаени туби за нетрайни бои. Преди това художникът, тръгвайки да пише на открито, първо е бил принуден да смеси боите, от които се нуждае, в работилницата и след това да ги излее в стъклени съдове, които често бият, или в мехурчета от вътрешностите на животни, които бързо изтичат. С появата на тръбите на Rand, художниците имат предимството да вземат цялото разнообразие от цветове и нюанси със себе си на открито. Това откритие до голяма степен повлия на изобилието от цветове на художниците и освен това ги убеди да отидат от своите работилници към природата. Скоро, както посочи един остроумник, в провинцията имаше повече пейзажисти, отколкото селяни.

Пионерите на живописта на открито са художниците от школата Барбизон, която е получила името си от село Барбизон близо до гората Фонтенбло, където са създали повечето пейзажи.

Ако по-старите художници от школата на Барбизон (Т. Русо, Ж. Дюпре) в работата си все още се основават на наследството на героичния пейзаж, тогава представителите на по-младото поколение (Ч. Добини, К. Коро) надариха този жанр с чертите на реализма. Техните платна изобразяват пейзажи, които са чужди на академичната идеализация.

В своите картини Барбизоните се опитаха да пресъздадат многообразието на природните състояния. Затова те рисуваха от натура, опитвайки се да уловят в тях непосредствеността на възприятието си. Но използването на остарели академични методи и средства в живописта не им помогна да постигнат това, което по-късно успяха да постигнат импресионистите. Въпреки това приносът на художниците от училището в Барбизон за формирането на жанра е неоспорим: след като напуснаха работилниците на открито, те предложиха на пейзажната живопис нови пътища за развитие.

Един от привържениците на рисуването от природата, Йожен Буден, инструктира своя млад ученик Клод Моне какво трябва да се прави на открито - сред светлина и въздух, за да рисуваш това, което съзерцаваш. Това правило става основата на пленерната живопис. Моне скоро представя на приятелите си Огюст Реноар, Алфред Сисли и Фредерик Базил нова теория: да рисуваш само това, което наблюдаваш на определено разстояние и в определена светлина. Вечер в парижките кафенета младите художници с радост споделяха идеите си и разпалено обсъждаха новите си открития.

Така се появява импресионизмът - революционно течение в изкуството през последната третина на 19 - началото на 20 век. Художниците, които стъпиха по пътя на импресионизма, се опитаха да уловят по-естествено и правдиво в своите творби Светъти ежедневната реалност в тяхната безкрайна подвижност и непостоянство, за да изразят мимолетните си усещания.

Импресионизмът беше отговор на стагнацията на академизма, който доминираше в изкуството през онези години, желанието да се освободи живописта от тази безнадеждна ситуация, в която тя падна по вина на художниците от салона. Че модерно изкуствое в упадък, повториха много прогресивно мислещи хора: Йожен Дьолакроа, Гюстав Курбе, Шарл Бодлер. Импресионизмът беше вид шокова терапия за „страдащия организъм“.

С появата на млади жанрови художници Едуар Мане, Огюст Реноар, Едгар Дега, вятърът на промяната нахлу във френската живопис, давайки непосредственост на съзерцанието на живота, представянето на мимолетни, така да се каже, неочаквани ситуации и движения, илюзорна нестабилност и дисбаланс на формите, фрагментарна композиция, непредвидими гледни точки и ъгли.

Вечер, когато художниците вече нямаха възможност да рисуват платната си поради лошо осветление, те напускаха ателиетата си и седяха зад страстни спорове в парижките кафенета. Така кафенето Guerbois се превръща в едно от неизменните места за срещи на шепа творци, обединили се около Едуар Мане. Редовните срещи се провеждаха в четвъртък, а през останалите дни там можеше да се хване група оживено говорещи или спорещи артисти. Клод Моне описва срещите в Café Gerbois по следния начин: „Няма нищо по-вълнуващо от тези срещи и безкрайния сблъсък на възгледи. Те изостриха умовете ни, стимулираха нашите благородни и сърдечни стремежи, дадоха ни тласък на ентусиазъм, който ни поддържаше в продължение на много седмици, докато идеята беше напълно оформена. Тръгнахме си от тези срещи в приповдигнато настроение, с укрепнала воля, с по-отчетливи и ясни мисли.

В навечерието на 1870 г. импресионизмът е основан и във френския пейзаж: Клод Моне, Камий Писаро, Алфред Сисли са първите, които развиват последователна пленерна система. Те рисуваха своите платна без скици и скици на откритоведнага върху платното, въплъщавайки в картините си искрящото слънчева светлина, приказно изобилие от цветове на природата, разтварянето на обектите, представени в околната среда, вибрациите на светлината и въздуха, бунт от рефлекси. За постигането на тази цел много допринесе изследваната от тях цветова система във всички детайли, в която естественият цвят е разложен на цветовете на слънчевия спектър. За да създадат необичайно ярка, деликатна цветна текстура, художниците прилагат чист цвят върху платното в отделни удари, докато оптичното смесване се очаква в човешкото око. Тази техника, по-късно трансформирана и теоретично аргументирана, става център на друг изключителен художествен стремеж - поантилизма, наречен "дивизионизъм" (от френския "diviser" - разделям).

Импресионистите проявяват повишен интерес към връзките между предмета и околната среда. Предмет на техния щателен творчески анализ беше трансформацията на цвета и характера на обект в променяща се среда. За да се постигне тази идея, един и същ обект е изобразен многократно. С добавянето на чист цвят в сенките и отраженията, черната боя почти напусна палитрата.

Критикът Жул Лафорг говори за феномена на импресионизма по следния начин: „Импресионистът вижда и предава природата такава, каквато е, тоест само с очарователни вибрации. Рисунък, светлина, обем, перспектива, светлосенка - всичко това е отстъпваща класификация. Оказва се, че всичко се определя от вибрациите на цвета и трябва да бъде отпечатано върху платното от вибрациите на цвета.

Благодарение на дейности на открито и срещи в кафенетата на 27 декември 1873 г. "Анонимни, скулптори, гравьори и др." - така в началото те се наричат ​​​​импресионисти. Първата изложба на обществото се състоя през пролетта година по-късно в Търговската галерия на Надар, експериментален фотограф, който също продаваше модерно изкуство.

Дебютът е на 15 април 1874 г. Изложбата беше планирана да се проведе за един месец, време за посещение - от десет до шест и, което също беше нововъведение, от осем до десет вечерта. Входен билетструваше един франк, каталозите можеха да се купят за петдесет сантима. Първоначално изложбата изглеждаше пълна с посетители, но тълпата беше ангажирана само с подигравки. Някои се шегуваха, че задачата на тези художници може да бъде постигната чрез зареждане на пистолет с различни туби с боя, след това стреляне по платното и завършване с подпис.

Мненията бяха разделени: или изложбата изобщо не беше приета на сериозно, или беше критикувана до девет. Общото възприятие може да бъде изразено в следната статия със саркастичен устрем „Импресионистична изложба“, подписана от Луи Лероа, публикувана под формата на фейлетон. Тук е описан диалогът на автора с наградения с медали академик пейзажист, заедно преминават през залите на изложбата:

„... Неблагоразумният художник дойде там, без да предполага нищо лошо, той очакваше да види там платна, които се срещат навсякъде, показателни и безполезни, по-безполезни от показателни, но недалеч от някакви художествени стандарти, култура на форма и уважение за старите майстори.

Уви, форма! Уви, стари майстори! Няма да ги четем повече, горкият ми приятел! Променихме всичко!"

В изложбата беше представен и пейзаж на Клод Моне, показващ утринната зора в залив, обвит в мъгла - художникът го нарече „Импресия. Изгрев“ (Импресия). Ето коментар на един от героите в сатирична статия на Луи Лероа върху това платно, което дава името на най-сензационното и известно движение в изкуството на 19 век:

“...- Какво е нарисувано тук? Погледнете в каталога. – „Впечатление. Изгрев". - Впечатление - както очаквах. Тъкмо си мислех, че щом съм под впечатлението, значи някакво впечатление трябва да се предаде в него ... и каква разхлабеност, каква гладкост на изпълнение! Тапетът в оригиналната степен на обработка е по-съвършен от този морски пейзаж ... ".

Лично Моне по никакъв начин не е бил против това име за художествената техника, която прилага на практика. Основната същност на творчеството му е именно улавянето и улавянето на неуловимите моменти от живота, върху които е работил, давайки началото на безбройните му серии от картини: „Хакове”, „Тополи”, „Руанската катедрала”, „Гара Сен Лазар” , „Езерото в Живерни“ , „Лондон. сградата на парламента и др. Друг случай, Едгар Дега, който обичаше да се нарича "независим", защото не участваше в Салона. Неговият остър, гротесков стил на писане, послужил за пример на много привърженици (сред които особено се отличава Тулуз-Лотрек), беше недопустим за академичното жури. И двамата художници стават най-активните организатори на последващи изложби на импресионистите, както във Франция, така и в чужбина - в Англия, Германия и САЩ.

Огюст Реноар, напротив, появявайки се в първите изложби на импресионистите, не губи надежда да завладее Салона, изпращайки две картини на своите изложби всяка година. Той обяснява характерната двойственост на действията си в кореспонденцията със своя другар и покровител Дюран-Рюел: „... Не поддържам болезнени мнения, че едно произведение е достойно или недостойно в зависимост от мястото, където е показано. Накратко, не искам да губя време напразно и да се ядосвам на Салон. Дори не искам да се правя на сърдита. Просто мисля, че трябва да рисуваш възможно най-скоро, това е всичко. Ако ме упрекват, че съм безскрупулен в изкуството си или поради абсурдна амбиция се отричам от възгледите си, бих приел подобни обвинения. Но тъй като няма нищо дори близо до това, няма защо да ме упреквате.

Не считайки себе си за официално ангажиран в посоката на импресионистите, Едуар Мане се смяташе за художник реалист. Въпреки това, непрекъснатата тясна връзка с импресионистите, посещението на техните изложби, неусетно трансформира стила на художника, доближавайки го до импресиониста. В последните години от живота му цветовете в картините му избистрят, щрихът е помитащ, композицията е фрагментарна. Подобно на Реноар, Мане чакаше благоразположението на официални експерти в областта на изкуството и нямаше търпение да участва в изложбите на Салона. Но против волята си той става идол на парижките авангардни художници, техен некоронован крал. Въпреки всичко той упорито щурмува Салона с платната си. Едва преди смъртта си той имаше късмета да получи официалното местоположение на салона. Откри го и Огюст Реноар.

Описвайки ключовите личности на импресионизма, би било грозно да не си припомним, поне откъслечно, лицето, с чиято помощ многократно опозореният художествено направлениесе превърна в значимо художествено придобиване на 19 век, завладяло целия свят. Името на този човек е Пол Дюран-Рюел, колекционер, търговец на произведения на изкуството, който многократно се озовава на ръба на фалита, но който не се отказва от опитите си да утвърди импресионизма като ново изкуство, което тепърва ще достигне своя зенит. Той организира изложби на импресионистите в Париж и Лондон, организира лични изложби на художници в своята галерия, организира търгове, просто подпомага финансово художниците: имаше времена, когато много от тях нямаха пари за бои и платна. Доказателство за пламенната благодарност и благоговение на художниците са писмата им до Дюран-Рюел, от които са останали много. Личността на Дюран-Рюел е пример за интелигентен колекционер и благодетел.

„Импресионизъм“ е относително понятие. Всички художници, които причисляваме към тази тенденция, са преминали през академично обучение, което включва стриктно изработване на детайлите и гладка, лъскава повърхност за рисуване. Но скоро те предпочитат пред обичайните теми и сюжети, предписани от салона, картини в реалистична посока, отразяващи реалната реалност, ежедневието. Впоследствие всеки от тях пише известно време в стила на импресионизма, опитвайки се обективно да предаде обекти в своите картини при различни условия на осветление. След такъв импресионистичен етап повечето от тези авангардни художници се насочват към независими изследвания, придобивайки общото име "постимпресионизъм"; по-късно тяхната работа допринесе за формирането на абстракционизма на 20 век.

През 70-те години на XIX век Европа се пристрастява към японското изкуство. Едмон дьо Гонкур в своите бележки казва: „... Страстта към японското изкуство ... обхвана всичко - от живописта до модата. Отначало това беше манията на такива ексцентрици като мен и брат ми, ... впоследствие към нас се присъединиха художници импресионисти. Всъщност в картините на импресионистите от онова време атрибутите на японската култура: ветрила, кимона, паравани. От японската гравюра усвоиха и стилови похвати и пластични решения. Много импресионисти са били запалени колекционери на японски гравюри. Например Едуард Мане, Клод Моне, Едгар Дега.

Като цяло т. нар. импресионисти от 1874 до 1886 г. организират 8 изложби с различни времеви интервали; половината от 55-те художници, които принадлежаха към Анонимното дружество, поради различни обстоятелства се появиха само в 1-ви. Изключителен участник във всичките 8 изложби беше Камий Писаро, който се открояваше със своя спокоен, миролюбив характер.

През 1886 г. се провежда последната изложба на импресионистите, но като художествен метод той продължава да съществува. Бояджиите не оставиха тежката работа. Въпреки че предишното партньорство, единството, вече не беше налично. Всеки сам си проправи пътя. Историческите конфронтации приключиха, завършиха с триумфа на новите възгледи и нямаше нужда да обединяват сили. Славното единство на художниците импресионисти се разцепи и няма как да не се разцепи: всички те бяха болезнено различни не само по темперамент, но и по възгледи, по артистични убеждения.

Импресионизмът, като направление, съответстващо на времето си, не пропусна да напусне границите на Франция. Подобни въпроси задават и художници в други страни (Джеймс Уислър в Англия и САЩ, Макс Либерман и Ловис Коринт в Германия, Константин Коровин и Игор Грабар в Русия). Очарованието на импресионизма с мигновеното движение, плавната форма е възприето и от скулпторите (Огюст Роден във Франция, Паоло Трубецкой и Анна Голубкина в Русия).

След като извършиха революция във възгледите на съвременниците, разширявайки своя мироглед, импресионистите по този начин проправиха пътя за последващото формиране на изкуството и появата на нови естетически стремежи и идеи, нови форми, които не отнеха много време. Неоимпресионизмът, постимпресионизмът, фовизмът, възникнали от импресионизма, впоследствие също стимулират формирането и развитието на нови естетически направления и тенденции.

Импресионизмът се появява за първи път във Франция в края на 19 век. Преди появата на тази тенденция натюрморти, портрети и дори пейзажи са рисувани предимно от художници в ателиета. Импресионистичните картини, от друга страна, често са създавани на открито и истински мимолетни сцени от тях модерен живот. И въпреки че първоначално импресионизмът беше критикуван, той скоро събра голям брой последователи и постави основите на подобни движения в музиката и литературата.

Известни френски художници импресионисти

Не е изненадващо, че една от най-известните дестинации визуални изкустватова беше импресионизмът в живописта: художниците, които работеха в този стил, оставиха след себе си невероятно красиви платна, леки като глътка свеж въздух, пълен със светлинаи цветове. Много от тези красиви творби са написани от следните майстори на импресионизма, които всеки уважаващ себе си познавач на световната живопис знае.

Едуард Мане

Въпреки факта, че цялото творчество на Едуар Мане не може да бъде поставено само в рамките на импресионизма, художникът до голяма степен е повлиял на появата тази тенденция, и други френски художници, работещи в този стил, го смятат за основател на импресионизма и техен идеологически вдъхновител. добри приятелимайстори бяха други добре известни френски импресионисти: Едгар Дега, Пиер Огюст Реноар, както и един художник импресионист с подобно фамилно име, който озадачава начинаещите в света на живописта - Клод Моне.

След срещата с тези художници в творчеството на Мане настъпват импресионистични промени: той започва да предпочита да работи на открито, в картините започват да преобладават светли, ярки цветове, изобилие от светлина и фракционна композиция. Въпреки че все още не отказва тъмните цветове и предпочита да рисува в пейзажи пред пейзажи. домашен жанр- това може да се проследи в творбите на художника "Бар във Фоли Бержер", "Музиката в Тюйлери", "Закуска на тревата", "Папа Латюй", "Аржантьой" и др.

Клод Моне

Името на този френски художник, може би, поне веднъж в живота си всеки е чувал. Клод Моне е един от основателите на импресионизма и това е неговата картина „Впечатление: Изгряващо слънцедава името на това движение.

През 60-те години години XIXвек художникът импресионист е един от първите, които се интересуват от рисуване върху свеж въздух, а много по-късно създават нов експериментален подход към работата. Състоеше се в наблюдение и изобразяване на един и същ обект в различни часове на деня: така беше създадена цяла поредица от платна с изглед към фасадата на Руанската катедрала, срещу която художникът дори се настани, за да не изгуби сградата от поглед.

Докато изучавате импресионизма в живописта, не пропускайте Поле с макове на Моне в Аржантьой, Разходка до скалата в Пурвил, Жени в градината, Дама с чадър, Булевард де Капуцини и Водните лилии.

Пиер Огюст Реноар

Този художник импресионист имаше уникално виждане за красотата, което направи Реноар един от най-известните представители на това течение. На първо място, той е известен със своите картини на оживения парижки живот и свободното време. края на XIXвекове. Реноар отлично знаеше как да работи с цвят и chiaroscuro, по-специално се отбелязва изключителната му способност да рисува голи тела, с уникално предаване на тонове и текстури.

Още от 80-те години импресионистът започва да клони повече към класическия стил на рисуване и се интересува от ренесансовата живопис, което го принуждава да включи по-остри линии и ясна композиция в зрелите си творби. През този период Пиер-Огюст Реноар създава някои от най-непреходните творби на своята епоха.

Обърнете специално внимание на такива картини на Реноар като "Закуска на гребците", "Бал в Moulin de la Galette", "Танц в селото", "Чадъри", "Танц в Bougival", "Момичета на пианото".

Едгар Дега

В историята на изкуството Едгар Дега остава като художник импресионист, въпреки че самият той отрича този етикет, предпочитайки да се нарича по-скоро независим художник. Наистина той имаше известен интерес към реализма, което отличаваше художника от другите импресионисти, но в същото време той използваше много импресионистични техники в работата си, по-специално той „играеше“ със светлината по същия начин и обичаше да изобразява сцени от градския живот.

Дега винаги е бил привлечен от човешката фигура, той често изобразява певци, танцьорки, перачки, опитвайки се да изобрази човешкото тялов различни позиции, например на платната „Клас по танци“, „Репетиция“, „Концерт в кафене Ambassador“, „Оркестър на Операта“, „Танцьори в синьо“.

Камил Писаро

Писаро е единственият художник, участвал във всичките осем изложби на импресионисти от 1874 до 1886 г. Докато импресионистичните картини са известни със своите градски и селски сцени, картините на Писаро показват на зрителя ежедневието на френските селяни, изобразявайки селската природа в различни условия и при различни условия на осветление.

Запознавайки се с картините, които този художник импресионист рисува, преди всичко си струва да видите творбите „Булевард Монмартър през нощта“, „Жътва в Ерани“, „Жътварите почиват“, „Градина в Понтоаз“ и „Вход към селото Вуазен”.

Импресионизъм(Френски импресионизъм, от впечатление - впечатление) - тенденция в изкуството от последната третина на 19-ти - началото на 20-ти век, която произхожда от Франция и след това се разпространява в целия свят, чиито представители се стремят да уловят най-естествено реалния свят в неговата мобилност и променливост, за да предадат своите мимолетни впечатления.

1. Освобождаване от традициите на реализма (без митологични, библейски и исторически картини, само модерен живот).

2. Наблюдение и изучаване на заобикалящата действителност. Не какво вижда, а как вижда от позицията на възприетата "визуална същност на нещата"

3. Ежедневиетомодерен град. Психология на градския жител. Динамиката на живота. Темпото, ритъмът на живот.

4. "Ефект на разтегнат момент"

5. Търсене на нови форми. Малки размери на произведения (етюди, рамки). Не типично, а случайно.

6. Сериализиране на картини („Хакове“ на Моне)

7.Новостта на системата за боядисване. Отворен чист цвят. Релеф, най-богатата колекция от рефлекси, треперене.

8. Смесване на жанрове.

Едуард Мане -новатор. От глухи плътни тонове до светло рисуване. Раздробяване на композиции.

"Олимпия" -разчита на Тициан, Джорджоне, Гоя. Позира Виктория Муран. Венера е изобразена като модерен кокот. В краката на черна котка. Черна жена подарява букет. Фонът е тъмен, топъл тон на женското тяло като перла върху сини чаршафи. Обемът е счупен. Няма черно-бяло моделиране.

"Закуска на тревата"- модел и двама художници + пейзаж + натюрморт. Черните потури създават контраст с голото тяло.

"флейтист"- впечатлението от музиката.

"Бар Фоли-Бержер" -момичето е барман. Тръпката от един надникнат момент. Самотата на оживения град. Илюзията за щастие. Слагам го в цялото платно (недостъпно в моите мисли, но достъпно за клиентите на бара). пълна залапосетители - образ на света.

Клод Моне -изостави традиционната последователност (основно покритие, остъкляване и др.) - ала прима

„Впечатление. Изгряващо слънце" - Fieria жълто, оранжево, зелено. Лодката е визуален акцент. Неуловим, недовършен пейзаж, без контури. Променливост на светлинно-въздушната среда. Лъчите на светлината променят зрението.

"Закуска на тревата" -край гората, изживяване за пикник , тъмнозелена гама, осеяна с кафяво и черно. Листата са мокри. Дрехите на жената и покривката са осветени, изпълнени с въздух, светлина през листата.

Булевард де Капуцини в Парижоткъслечен. Отрязва двама души, които гледат към булеварда от балкона. Тълпата от хора е животът на града. Наполовина в светлина от залязващото слънце и наполовина в сянка от сградата. Без визуален център, моментално впечатление.

„Скали в Бел-Ил"- доминира движещата се маса вода (дебели удари). Енергично нанесени преливащи нюанси. Скалите се отразяват във водата, а водата се отразява в скалите. Усещайки силата на стихиите, кипяща зелено-синя вода. Композиция с висок хоризонт.

"Гара Сен Лазар" -вътрешността на гарата е показана, но парният локомотив и парата, която е навсякъде, са по-интересни (увлечение от мъгла, люлякова мъгла).

Пиер Огюст Реноар- художник на радостта, известен преди всичко като майстор на светски портрет, нелишен от сантименталност.

"Люлка"- пропити с топли цветове, показва се младостта, момичето е впечатлено.

"Бал в Мулен дьо ла Галет" -жанрова сцена. ден. Младежи, студенти, продавачки и др. На маси под акациеви дървета, дансинг. Леки преливания (слънчеви зайчета на гърбовете).

"Портрет на Жана Самари" -жени цветя. Очарователна, женствена, грациозна, трогателна, директна актриса. дълбоки очи, светло слънчевоУсмихни се.

"Портрет на мадам Шарпантие с деца"- елегантна светска жена в черна рокля с шлейф и две момичета в синьо. Гобленова маса, куче, паркет - всичко говори за богатството на семейството.

Едгар Дега- не пишеше на открито, култът към линията и рисунката. Композиции по диагонал (отдолу нагоре)); S-образна, спираловидна форма + прозорец, от който се осветява + осветление от прожектори. Масло, след това легло.

"Балетни момичета", "Танцьорки"- нахлува в живота на балерините. Щрихите свързват рисунката и живописта. Постоянно темпо на обучение.

"Сините танцьори"- никаква индивидуалност - единичен венец от тела. В единия ъгъл все още има светлина от рампите, а в другия сянката на крилата. Момент повече актриси и обикновените хора. Експресивни силуети, рокли в цвят метличина. Фрагментация - героите не гледат към зрителя.

"Апсент" -мъж и жена седят в кафене. Пепелна гама. Мъж с лула гледа в една посока, а пияна жена с отстранен поглед - болезнена самота.

Камий Писаро -обичам пейзажи, включително хора, колички в тях. Мотивът за пътя с ходене. Обичаше пролетта и есента.

„Вход на село Войсин» - смътен, мек пейзаж, дървета покрай пътя - рамкират входа, клоните им се смесват, разтварят се в небето. Бавно, спокойно, конят върви. Къщите не са просто архитектурни обекти, а жилища за хората (топли гнезда).

„Опера пасаж в Париж“(серия) - сив облачен ден. Покривите са леко напудрени със сняг, настилката е мокра, сградите тънат в снежна пелена, минувачите с чадъри се превръщат в сенки. Цветът на влажния въздух обгръща. Люляково-сини, маслинови тонове. Малки щрихи.

Алфред Сисли- се стреми да забележи красотата на природата, епичното спокойствие, присъщо на селския пейзаж.

"Слана в Лувесиен" -сутрин, свежо състояние, предметите са окъпани в светлина (фузия). Без сенки (фини нюанси), жълто-оранжеви цветове. Тихо кътче, не забързан град. Усещането за чистота, крехкост, любов към това място

Импресионизмът в Русия. се развива в повече късно времеи то с ускорени темпове, отколкото във Франция

В.А.Серов -безразличен към академично рисуванеиска да покаже красотата на природата в цвят.

„Момиче с праскови“- портрет на Верочка Мамонтова. Всичко е естествено и непринудено, всеки детайл е свързан един с друг. Красотата на лицето на момичето, поезия начин на живот, наситена със светлина цветна живопис. Очарованието и свежестта на изследването органично съчетаха две тенденции, две сили, които формираха единна форма на живописна визия. Всичко изглежда толкова просто и естествено, но има толкова много дълбочина и цялост в тази простота!! С най-голяма изразителност В. Серов предаде светлината, изливаща се в сребрист поток от прозореца и изпълваща стаята. Момичето седи на масата и не е заето с нищо, сякаш наистина седна за момент, автоматично взе праскова и я държи, гледайки те просто и откровено. Но това спокойствие е само мигновено и в него наднича страст към бързо движение.

"деца"- показва духовен святдеца (синове). По-големият гледа към залеза, а по-младият е с лице към зрителя. Различен поглед върху живота.

"Мика Морозов"- седи на стол, но се търкаля върху зрителя. Предава се детско вълнение.

"Момиче на хор"- етюд. Рисува със сочни щрихи на четката, широки щрихи в листата, щрихи вертикални или хоризонтални и различни по текстура ⇒ динамика, въздух и светлина. Комбинацията от природа и момичета, свежест, непосредственост.

„Париж. Boulevard des Capucines" -цветен калейдоскоп от цветове. Изкуствено осветление - забавление, декоративна театралност.

Т. Е. Грабар -волево, емоционално начало.

« Февруарски лазур»- Видях една бреза от нивото на земята и бях шокиран. Камбаните на дъгата са обединени от лазура на небето. Брезата е монументална (в цялото платно).

"Мартенски сняг"- момичето носи кофи на ярема, сянката на дървото върху разтопения сняг.

Импресионизмът отвори ново изкуство - важно е как художникът вижда, нови форми и начини на представяне. Те имат момент, ние имаме разтягане във времето; имаме по-малко динамика, повече романтизъм.

Мане Закуска на тревата Мане Олимпия

Мане "Бар Фоли-Бержер"Грива флейтист"

Моне „Впечатление. Изгряващо слънце Моне "Закуска на тревата" - "Булевард де Капуцини в Париж"

Моне "Скали в Бел-Ил"» Моне Гара Сен Лазар

Monet Boulevard des Capucines в ПарижРеноар"Люлка"

Реноар "Бал в Мулен дьо ла Галет" Реноар "Портрет на Жана Самари"

Реноар "Портрет на мадам Шарпантие с деца"

Дега "Сините танцьори"Дега "отсъстващ"

Писаро -„Опера пасаж в Париж“(серия) Писаро „Вход на село Войсин»

Сисли "Слана в Лувесиен" Серов "Момиче с праскови"

Серов "Деца" Серов "Мика Морозов"

Коровин "Хор момиче" Коровин "Париж. Булевард на Капуцините»

Грабар "Февруарски лазур" Грабар "Мартенски сняг"

„Изложба на импресионистите“, по името на картината на Клод Моне „Импресия. Изгряващо слънце“ (фр. Impression, soleil levant). Първоначално този термин беше донякъде пренебрежителен, показвайки съответното отношение към художници, които пишат по нов "небрежен" начин.

Импресионизъм в живописта

произход

До средата на 1880-те импресионизмът постепенно престава да съществува като единна посока и се разпада, давайки забележим тласък на еволюцията на изкуството. До началото на 20-ти век тенденцията на отдалечаване от реализма набира скорост и ново поколение художници се отвръщат от импресионизма.

Появата на името

Минаха десетилетия. И едно ново поколение художници ще стигне до истински колапс на формите и обедняване на съдържанието. Тогава и критиците, и публиката видяха в осъдените импресионисти - реалисти, а малко по-късно и класиците на френското изкуство.

Спецификата на философията на импресионизма

Френският импресионизъм не повдига философски проблеми и дори не се опитва да проникне в цветната повърхност на ежедневието. Вместо това, импресионизмът, бидейки изкуство до известна степен лагерно и маниеристично, се фокусира върху повърхностността, плавността на момента, настроението, осветлението или зрителния ъгъл.

Подобно на изкуството на Ренесанса (Ренесанса), импресионизмът се основава на характеристиките и уменията за възприемане на перспектива. В същото време ренесансовата визия експлодира с доказаната субективност и относителност на човешкото възприятие, което превръща цвета и формата в автономни компоненти на образа. За импресионизма не е толкова важно какво е показано на фигурата, а как е показано.

Картините на импресионистите не носят социална критика, не засягат социални проблеми като глад, болести, смърт, представяйки само положителните страни на живота. Това по-късно води до разцепление сред самите импресионисти.

Импресионизъм и общество

Импресионизмът се характеризира с демократизъм. По инерция изкуството през 19 век се смята за монопол на аристократите, висшите слоеве на населението. Именно те са били основните клиенти на стенописи, паметници, именно те са били основните купувачи на картини и скулптури. Парцели от тежка работаселяни, трагичните страници на нашето време, срамната страна на войните, бедността, социалните сътресения бяха осъдени, неодобрени, не купени. Критиката на богохулния морал на обществото в картините на Теодор Жерико, Франсоа Миле намери отговор само от поддръжници на художници и няколко експерти.

Импресионистите по този въпрос заемат доста компромиси, междинни позиции. Бяха изхвърлени библейски, литературни, митологични, исторически сюжети, присъщи на официалния академизъм. От друга страна, те горещо желаеха признание, уважение, дори награди. Показателна е дейността на Едуар Мане, който години наред търси признание и награди от официалния Салон и неговата администрация.

Вместо това се появи визия за ежедневието и модерността. Художниците често рисуват хора в движение, по време на забавление или почивка, представят си изглед към определено място в определена светлина, природата също е мотивът на тяхната работа. Те взеха теми като флирт, танци, престой в кафенета и театри, разходки с лодка, по плажовете и в градините. Съдейки по картините на импресионистите, животът е поредица от малки празници, партита, приятни забавления извън града или в приятелска среда (редица картини на Реноар, Мане и Клод Моне). Импресионистите са сред първите, които рисуват във въздуха, без да завършват работата си в ателието.

Техника

Новата тенденция се различава от академичната живопис както технически, така и идеологически. На първо място, импресионистите изоставят контура, заменяйки го с малки отделни и контрастни щрихи, които прилагат в съответствие с теориите за цвета на Chevreul, Helmholtz и Rude. Слънчевият лъч се разделя на компонентите си: виолетово, синьо, синьо, зелено, жълто, оранжево, червено, но тъй като синьото е разновидност на синьото, техният брой е намален до шест. Два цвята, поставени един до друг, се подсилват взаимно и обратно, когато се смесят, губят интензитета си. Освен това всички цветове са разделени на първични, или основни, и двойни, или производни, като всяка двойна боя е допълнителна към първата:

• Синьо - Оранжево
• Червено зелено
• Жълто - лилаво

Така стана възможно да не се смесват цветовете на палитрата и да се получи желан цвятчрез правилното им наслагване върху платното. Това по-късно стана причина за отхвърлянето на черното.

Тогава импресионистите спряха да концентрират цялата работа върху платната в работилниците, сега предпочитат открито, където е по-удобно да грабнат мимолетни впечатления от това, което са видели, което стана възможно благодарение на изобретяването на стоманени тръби за боя, които за разлика от кожените чанти можеха да се затварят, за да не изсъхне боята.

Освен това художниците са използвали непрозрачни бои, които не пропускат добре светлината и са неподходящи за смесване, защото бързо посивяват, това им позволява да създават картини не с " вътрешни", a " външен» светлина, отразяваща се от повърхността.

Техническите разлики допринесоха за постигането на други цели, на първо място, импресионистите се опитаха да уловят мимолетно впечатление, най-малките промени във всеки обект в зависимост от осветлението и времето на деня, най-високото въплъщение беше циклите на картини на Моне "Копи сено", "Руанската катедрала" и "Лондонският парламент".

Като цяло много майстори са работили в стила на импресионизма, но в основата на движението са Едуард Мане, Клод Моне, Огюст Реноар, Едгар Дега, Алфред Сисли, Камил Писаро, Фредерик Базил и Берта Моризо. Въпреки това Мане винаги се е наричал „независим художник“ и никога не е участвал в изложби, и въпреки че Дега е участвал, той никога не е рисувал своите творби на пленер.

Хронология по художник

Импресионисти

Изложби

• Първа изложба(15 април - 15 май)

• Втора изложба(Април )

Адрес: ул. Lepeletier, 11 (галерия Durand-Ruel). Членове: Базил (посмъртно, художникът умира през 1870 г.), Белиар, Бюро, Дебютен, Дега, Кайбот, Калс, Левер, Легрос, Лепик, Миле, Моне, Моризо, Л. Отен, Писаро, Реноар, Руар, Сисли, Тило, Франсоа

• Трета изложба(Април )

Адрес: ул. Лепелетие, 6. Членове: Гийомен, Дега, Кайбот, Калс, Кордей, Левер, Лами, Моне, Моризо, Алфонс Моро, Пиет, Писаро, Реноар, Руар, Сезан, Сисли, Тило, Франсоа.

• Четвърта изложба(10 април - 11 май)

Адрес: Opera Avenue, 28. Членове: Bracquemont, Madame Bracquemont, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cals, Cassatt, Lebourg, Monet, Piette, Pissarro, Rouart, Somm, Tillo, Forain.

• Пета изложба(1 април - 30 април)

Адрес: ул. Пирамидите, 10. Членове: Bracquemont, Mrs.

• Шеста изложба(2 април - 1 май)

Адрес: Boulevard des Capucines, 35 (студио на фотографа Надар). Членове: Видал, Виньон, Гийом, Гоген, Дега, Зандоменеги, Касат, Моризо, Писаро, Рафаели, Руар, Тило, Форен.

• Седма изложба(Март )

Адрес: Faubourg-Saint-Honoré, 251 (At Durand-Ruel). Членове: Виньон, Гийом, Гоген, Кайбот, Моне, Моризо, Писаро, Реноар, Сисли.

• Осма изложба(15 май - 15 юни)

Адрес: ул. Лафит, 1. Членове: Мадам Бракмон, Виньон, Гийомен, Гоген, Дега, Зандоменеги, Касет, Моризо, Камий Писаро, Люсиен Писаро, Редон, Руар, Сьора, Синяк, Тило, Форейн, Шуфенекер.

Импресионизмът в литературата

В литературата импресионизмът не се развива като отделна тенденция, но неговите характеристики са отразени в натурализма и символизма.

На първо място, той се характеризира с изразяването на личното впечатление на автора, отхвърлянето на обективна картина на реалността, изобразяването на всеки момент, което трябваше да доведе до липса на сюжет, история и замяна на мисълта с възприятие, и разум с инстинкт. Основните характеристики на импресионистичния стил са формулирани от братята Гонкур в произведението им "Дневник", където известна фраза « Да видиш, да почувстваш, да изразиш - всичко това е изкуствосе превърна в централна позиция за много писатели.

В натурализма основният принцип беше истинността, верността към природата, но тя е обект на впечатление и следователно появата на реалността зависи от всеки отделен човек и неговия темперамент. Това е най-пълно изразено в романите на Емил Зола, неговите подробни описания на миризми, звуци и зрителни възприятия.

Символизмът, напротив, изисква отхвърляне на материалния свят и връщане към идеала, но преходът е възможен само чрез мимолетни впечатления, разкриващи се в видими нещатайна същност. Ярък примерпоетичен импресионизъм – сб