Описание на стила импресионизъм. Impressi - История на импресионизма

За мен стилът на импресионизма е преди всичко нещо ефирно, ефимерно, неумолимо изплъзващо се. Това е онзи невероятен момент, който окото едва успява да фиксира и който след това остава за дълго в паметта като момент на най-висша хармония. Майсторите на импресионизма бяха известни със способността си лесно да прехвърлят този момент на красота върху платното, дарявайки го с осезаеми усещания и фини вибрации, които възникват с цялата реалност при взаимодействие с картината. Когато гледате на работа изключителни артиститози стил винаги оставя известен послевкус на настроение.

Импресионизъм(от импресия - впечатление) е движение в изкуството, възникнало във Франция в края на 1860-те години. Неговите представители се стремяха да уловят реалния свят в неговата подвижност и променливост по най-естествен и непредубеден начин, да предадат мимолетните си впечатления. Особено внимание беше обърнато на предаването на цвят и светлина.

Думата „импресионизъм“ идва от името на картината на Моне „Импресия“. Изгрев, представен на изложбата от 1874 г. Малко известният журналист Луи Лероа в статията си в списанието нарече художниците „импресионисти“, за да изрази своето презрение. Името обаче остана и загуби първоначалното си отрицателно значение.

Първата важна изложба на импресионистите се състоя от 15 април до 15 май 1874 г. в ателието на фотографа Надар. Бяха представени 30 автора, общо 165 творби. Младите художници бяха упрекнати в „незавършеността“ и „небрежността на живописта“, липсата на вкус и смисъл в работата им, „опит за истинско изкуство“, бунтарски настроения и дори безнравственост.

Водещи представители на импресионизма са Алфред Сисли и Фредерик Базил. Заедно с тях, Едуард Мане и изложи свои картини. Хоакин Сорола също е смятан за импресионист.

Пейзажи и сцени от градския живот – може би най-много характерни жанровеимпресионистична живопис - писани са "на пленера", т.е. директно от живота, а не въз основа на скици и подготвителни скици. Импресионистите се взираха внимателно в природата, забелязвайки цветове и нюанси, които обикновено са невидими, като синьо в сенките.

Техният артистичен метод беше да разлагат сложни тонове на съставните им чисти цветове на спектъра. Получиха се цветни сенки и чиста светлинна трепетна живопис. Импресионистите нанасят боя в отделни щрихи, понякога използвайки контрастни тонове в една област на картината. Основната характеристика на импресионистичните картини е ефектът на живо трептене на цветове.

За да предадат промените в цвета на обекта, импресионистите започват да предпочитат да използват цветове, които взаимно се подсилват: червено и зелено, жълто и лилаво, оранжево и синьо. Същите цветове създават ефект на постоянен контраст. Например, ако гледаме известно време червеното, а след това бялото, то ще ни се стори зеленикаво.

Импресионизмът не повдига философски проблеми и дори не се опитва да проникне в цветната повърхност на ежедневието. Вместо това художниците се фокусират върху повърхностността, плавността на момента, настроението, осветлението или зрителния ъгъл. Техните картини представят само положителните аспекти на живота, без да засягат остри социални проблеми.

Художниците често рисуват хора в движение, докато се забавляват или си почиват. Те взеха теми като флирт, танци, престой в кафенета и театри, разходки с лодка, по плажовете и в градините. Съдейки по картините на импресионистите, животът е непрекъсната поредица от малки празници, партита, приятни забавления извън града или в приятелска среда.

Импресионизмът оставя богато наследство в живописта. На първо място, това е интерес към цветни проблеми и нестандартни техники. Импресионизмът изрази желанието да актуализира художествения език и да скъса с традицията, като протест срещу старателната техника на майсторите. класическо училище. Е, вече можем да се възхищаваме на тези великолепни произведения на изключителни художници.

Към най-важните области на модернизма, повлияли върху хода и развитието на изкуството на 20 век. отнасят се кубизъм, абстрактно изкуство, дадаизъм, сюрреализъм, конструктивизъм в архитектурата, додекафония и алеаторика в музиката. Творчеството на Дж. Джойс и М. Пруст оказва решаващо влияние върху развитието на литературата. Значително внимание се отделя и на импресионизма като първи етап от формирането на модернизма. Тъй като кубизмът и абстрактното изкуство са добре известни, те не се разглеждат особено.

Дори кратко описание наОсновните направления и школи на модернизма ни позволяват да визуализираме неговата вътрешна разнородност и в същото време да почувстваме вътрешното, дълбоко единство.

Необходимо е, разбира се, да се вземе предвид, че художествената култура на миналия век не се ограничава до модернизма. Наред с него имаше и изкуство, което продължаваше традициите на предишната култура, по-специално традициите на реализма, и явления от междинен тип, които свързваха модернизма с традиционните форми на изкуството. До началото на 30-те години. имаше и едно напълно различно от модернизма, може да се каже точно негово противоположно изкуство на затвореното общество.

Импресионизъм

Импресионизмът е предшественик на модернизма. Това е началото на движението на изкуството от изобразяване на външни обекти към изобразяване на чувствата на човека, а след това към изобразяване на неговите идеи.

Импресионизъм (от фр. впечатление - впечатление) е направление в изобразителното изкуство, литературата и музиката края на XIX- началото на ХХ век. Оформя се във френската живопис през 60-те и 70-те години на ХХ век. 19 век Името на движението възниква след първата изложба на художници през 1874 г., на която е изложена картината на К. Моне "Импресия. Изгрев". Ядрото на първата група импресионисти са О. Реноар, К. Моне, К. Писаро, Сисли, Дега и др.

Установен като белег на романтизма, импресионизмът никога не се откъсва напълно от идеалите на последния. Импресионистите бяха пряко или косвено повлияни от такива представи на романтизма като отхвърлянето на правилата и законите в изкуството, смелото обявяване на свободата като негов основен и единствен закон, пълната еманципация на чувствата, въвеждането на понятията за време и движение в изкуство, идеята за независимост и индивидуализъм на художника, романтични идеи за завършеност на произведението на изкуството, идеи за човека, творчеството, красотата и грозотата и др. Импресионизмът беше по-трезв от романтизма, но зад тази трезвост все още имаше романтичен оттенък.

Импресионизмът е нестабилна и подвижна система, съчетание от романтизъм и "натурализъм", разум и чувство, субективно и обективно, поезия и наука, свобода и строг закон, необуздан порив и сдържаща рамка.

Един от източниците, които подхранват импресионизма, са японските цветни щампи, които са широко показани през 1867 г. в Париж. В това няма нищо странно: дори романтизмът отново (след рококо) привлече вниманието на европейците към Изтока. Страстта към японското изкуство беше едновременно мода и един от знаците на времето, отразен във вкуса на епохата. Бодлер, Гонкур, Мане, Дега, Уислър са първите ценители и колекционери на японски щампи, кимона, ветрила и порцелан. Както пише Й. Тугенхолд, в японските гравюри нямаше линейна геометрична перспектива, която се преподаваше от Европейската академия, но те имаха въздушна перспектива, слънчевите лъчи струяха в тях, утринната мъгла се въртеше, нежни облаци от пара и дим витаеха. Японците първи разбраха с големия си инстинкт, че природата не е колекция от тела, а безкрайна верига от постоянно променящи се явления. Те са първите, които изобразяват цели серии от един и същ пейзаж при различно осветление и по различно време на годината. Това бяха „100 изгледа на планината Фуджи“ на Хокусай и „53 изгледа на гара Токайдо“ на Хирошиге. Академията учи как да се изгради композиция, сякаш художникът съзерцава сцената, изобразена от него, седнал анфас на балкона на театъра и го вижда в хоризонтални линии. Японците, от друга страна, тълкуват композицията така, сякаш художникът е главният герой на изобразената сцена. Ето защо те са доминирани от наклонени линии над хоризонталните; затова те често се очертават на преден план цъфтяща клонкаили друг детайл, който замъглява цялото, макар и хармонично свързан с него. По примера на японците френски художнициразбираше цялата красота на асиметрията, цялото очарование на изненадата, цялата магия на недоизказаността. По примера на японците те се убедиха в красотата на светлинните скици, моментни снимки, направени с няколко линии и няколко петна.

Влиянието на японското изкуство върху импресионизма обаче не бива да се преувеличава. Японците, за разлика от импресионистите, никога не са рисували директно от природата. Впечатленията на импресионистите идват от пряко сетивно възприятие, а при японците – от емоционално преживяване, съчетано с неотклонното придържане към традиционните методи.

Т. Ман нарича импресионистичната живопис "омагьосана градина", подчертавайки своята преданост към идеалите на земния живот. За естетически открития импресионистите имаха достатъчно скромни кътчета на природата, бреговете на Сена, улиците на Париж. Ежедневието, вярваха те, е красиво и художникът няма нужда от изящното или изключителното.

Импресионистите противопоставят своето изкуство на салонното и официалното изкуство, красотата на ежедневната реалност - на помпозната и претенциозна красота на салонната живопис, основана на академични принципи. Те отказаха да пишат митологични сюжети, избягваха "литературен" (тогава тази дума за първи път влезе в употреба), което беше свързано за тях с фалшивостта на салона, където, според Г. дьо Мопасан, стените бяха изпълнени със сантиментални и романтични, исторически и нескромни картини, които разказват, и рецитират, и учат, и морализират, и дори покваряват. Импресионистите избягват сантименталността, патоса, всяка умишлена извисеност на образа. Одобрявайки нова визия за света, те демократизираха идеята за красота.

Сравнявайки импресионистите с руските скитници, които също се борят със салонното академично изкуство, можем да кажем, че резултатите се оказаха напълно различни. Руските скитници отхвърлят, заедно със салонната красота, красотата на живописта като цяло, настоявайки преди всичко върху моралното и революционно значение на изкуството. Импресионистите, отхвърлили сладникавата, сладникава красота на салона, не изоставиха търсенето на красотата като такава, но в други форми.

Преди импресионистите художниците, дори и най-„живописните“, винаги са допълвали видяното върху платното с познатото. Импресионистите, от друга страна, се стремят да уловят непостоянния момент, доближавайки се до чистата видимост. Знанието отстъпи място на впечатлението. Импресионизмът е преди всичко променливост и движение. За да предадат мигновените трансформации на света, импресионистите съкратиха времето за създаване на картина, като я доближиха възможно най-близо до реалното време на изобразения природен феномен. Изискванията за степента на неговата завършеност също бяха свързани с концепцията за скоростта на създаване на произведение.

Импресионизмът промени идеята не само за предмет живопис, но и за снимка.

Художниците импресионисти не поставят като своя специална цел непълнотата, схематичността на картината и голотата. техника на рисуване. В същото време, от гледна точка на изискванията за степен на завършеност, може да се говори за двойна незавършеност на произведенията на импресионистите. Първо, това е външната острота на покритието, което често предизвиква недоволство сред съвременниците. На второ място, незавършеност като отвореност на цялата изобразителна система, постоянна резервираност, дължина във времето, така да се каже, многоточие в края на фразата. Поради своеобразното подценяване, картините на импресионистите е трудно да се характеризират еднозначно, но в това е тяхната вълнуваща привлекателност. Ако е необходимо да се оттегли проста формулаимпресионизъм, може да бъде: "променливост, двойственост, обратимост, подценяване".

Променяйки идеята за рисуване, импресионизмът достига специална степен активиране на зрителя (дори като го дразни с "недовършеност"). Зрителят е станал сякаш съучастник в създаването на образа и съавтор на художника.

В средата на 80-те. 19 век започва кризата на импресионизма. Много артисти, които преди това са се присъединили към течението, намират обхвата му за твърде тесен. Ставаше дума за това, че принципите на импресионизма лишават картината от интелектуалните и моралните компоненти. И въпреки че през 90-те. широкото признание дойде на импресионизма, то съвпадна с началото на неговото разпадане като цялостна тенденция и появата на други направления в него. Някои от тях искаха по някакъв начин да модернизират импресионизма, докато други като цяло търсеха нови пътища. поетична живописимпресионисти, тяхното извисено, светло възприятие Ежедневието, способността да се придаде лирична окраска на нейните променливи, мимолетни прояви започна да отстъпва място на други тенденции и настроения.

Тенденциите, които се опитаха да модернизират импресионизма, включват, по-специално, неоимпресионизъм (или поантилизъм). J. Seurat разработи необичайна техника, а P. Signac се опита да обоснове теоретично новата тенденция. Разликите между неоимпресионизма и импресионизма бяха значителни. Отделни щрихи, характерни за импресионистите, намаляват до точки; Трябваше да се откажа от фиксирането на момента, тъй като живописта, която се стреми да фиксира момента, едва ли е способна да говори за вечното; спонтанността и естествеността на визията и изображението, интересът към внимателно изградена и обмислена, дори статична композиция, приоритетът на цвета над светлината, избледняха на заден план. Художникът поантилист, създавайки всякаква форма или сянка с помощта на огромен брой пунктирани щрихи, не се нуждае нито от линии, нито от контури. Дълбочината на изображението се постига поради факта, че обектите отпред са по-големи и постепенно намаляват, докато се отдалечават в перспектива. От разстояние цветните точки оптически се сливат, създавайки изненадващо естествено впечатление за светлина, сянка, преливане от един тон в друг. Според Сьора не художникът с четката си, а окото на зрителя трябва да смеси цветните точки в жива оптична скала.

Неоимпресионизмът не продължи дълго. Оказа се, че нова технологиякриеше и някои негативи. Тя изравнява индивидуалността на художника. В допълнение, неоимпресионизмът провъзгласи безстрастието на художника, отхвърли спонтанността, характерна за импресионизма. Творбите на художниците поантилисти могат да бъдат трудни за разграничаване едно от друго. Чувствайки това, К. Писаро, който първоначално беше увлечен от тази система, след това унищожи всички свои платна, направени по този начин.

Периодът, продължил приблизително от 1886 до 1906 г., обикновено се нарича постимпресионизъм. Този доста условен термин обозначава период от време, чиито граници се определят, от една страна, от последната изложба на импресионистите, от друга страна, от времето на появата на първите същински модернистични течения, като напр. Фовизъм и кубизъм.

Пол Сезан има много важно влияние върху формирането на модернистичното изкуство. Като съвременник на импресионистите, той проповядва диаметрално противоположен подход към природата: не да улови нейните мимолетни състояния, а да разкрие една устойчива същност. Сезан противодейства на импресионистичната флуктуация, на импресионистичния "красив момент" с кондензирана материалност, продължителност на състоянието и подчертана градивност. Картината на Сезан е волева, тя изгражда картина на света, както се строи сграда. Дадени са елементите: цвят, триизмерна форма, пространствена дълбочина и плоскост на картината. От тези прости начала Сезан изгражда своите светове, в които има нещо впечатляващо грандиозно, въпреки малкия размер на платната му и оскъдния набор от сюжети (планината Сен Виктоар в Екс, езерце с мост, къщи, скали, ябълки и кана върху покривка).

Сезан е бил предимно художник за художници. Нито един от следващите артисти не избяга от влиянието му, въпреки че за мнозинството непрофесионални зрители той е труден и на пръв поглед скучен във външната си монотонност: той няма интересни истории, без лиризъм, без галеща окото палитра.

В устойчива, плътна оранжево-зелено-синя гама Сезан извайва своите пейзажи с цвят. В тях няма "настроение", но редки пейзаж от друг художник може да стои до тях на същата стена. В пейзажите Сезан предпочита висок хоризонт, така че пространството на земята съвпада с равнината на платното; той променя плановете, обобщава масите. Дори отраженията във водата прави масивни, архитектурни. Той не признава аморфност в нищо и вижда мощни формообразуващи сили в природата. Живописта за Сезан е пластична концепция за видимото, концепция, а не имитация. Концепцията възниква от разрешаването на противоречията между свойствата на природата и свойствата на картината. Природата е в постоянно движение и промяна, докато картината е статична по природа и задачата на художника е да доведе движението до стабилност и баланс. В природата има безкрайно разнообразие от причудливи форми, естествено е човешкият дух да ги сведе до няколко по-прости. Сезан съветва: "... Тълкувайте природата чрез цилиндър, топка, конус." Обемите на Сезан наистина гравитират към опростяване, тъй като той не иска илюзорно да унищожи самолета. Неговата цел е да преведе природните феномени на езика на изобразителните категории, като внимава да се запази усещането за плоскост, синтезирано с усещане за обем и дълбочина. Той постига това със специална организация на пространството, като понякога прибягва до деформации и размествания и комбинира няколко гледни точки към изобразените обекти в една композиция.

В натюрмортите на Сезан повърхността на масата сякаш се преобръща към зрителя, утвърждавайки равнината на картината, а плодовете, лежащи на масата, са показани от различен ъгъл. „Приковани“ към равнината, разположени сякаш един над друг, заоблените обеми от плодове се възприемат с удвоена интензивност, а самите плодове изглеждат монументални, първични. В същото време художникът пренебрегва текстурата на предметите: неговите ябълки не са такива, каквито искате да ядете, те изглеждат като направени от някаква твърда, студена и плътна материя, точно като кана и дори покривка.

За разлика от импресионистите, Сезан е привлечен повече от материалността и величието на формите, отколкото от променливата игра на светлина и сянка. Импресионистите поставят на преден план изискването за завършване на картината в една стъпка, за да има време да се фиксира "мигновеното" усещане върху платното. Сезан, от друга страна, предпочита да се връща на избраното място няколко пъти, създавайки по-сложен и "изкуствен" образ. Импресионистите, опитвайки се да „уловят момента“, прибягват до меки, ефирни удари, Сезан използва силни уверени удари, правейки платната си по-обемни. В отказа си да следва сляпо законите линейна перспективаСезан отиде още по-далеч. В стремежа си да изобразя обемен святвърху плоско платно той изкривява пропорциите и перспективата, ако това се изисква от конкретен композиционен принцип.

Сезан успя да създаде специален художествен език. Идеята, че картината не е прозорец, отворен към света (Ренесанс), а двуизмерна равнина със собствени закони изобразителен език, стана централен в авангардната живопис на 20 век. Неслучайно Пикасо нарича себе си "внук на Сезан".

В живописта на Сезан има тенденция за разминаване между пластичните (изобразителни) ценности и човешките ценности: по отношение на неговите търсения планина, ябълка, арлекин, пушач и т.н. се оказват равни в права. Сезан не признава художествени нагласи, които се различават от неговите собствени. Не проявяваше ни най-малък интерес към японското изкуство. Декоративен, стилизиран, отворен цвят, контур, който очарова много от неговите съвременници, му причини негативно отношение. Също като "литературния дух" и жанризма, под влиянието на които, според Сезан, художникът "може да избегне истинското си призвание - конкретното изследване на природата". Не харесваше нито Гоген, нито Ван Гог, май изобщо не забелязваше Тулуз-Лотрек.

Работата на Тулуз-Лотрек е иронична, но и хуманна. Той не "заклеймява порока", но не го представя и като пикантно ястие: и едното, и другото е изключено от чувството за принадлежност, съпричастност към този свят на художника - той също е като тях, "нито по-лош, нито по-добър". Художествен езикЛотрек се характеризира с: ярка характеристика на образа, експресия, изключителна сбитост. Обичаше да рисува плакати. Неговият декоративен дар, лапидарният израз издигна този жанр до висотата на истинското изкуство. Сред основоположниците на "приложната графика" на съвременния град - плакати, плакати, реклами - Лотрек държи първото място.

Само за пет години работа В. Ван Гог създава около 800 картини и безброй рисунки; повечето от тях са създадени през последните две-три години от живота му. Историята на живописта не е познавала подобно нещо. Ван Гог черпи вдъхновение не само от идеите на импресионизма, но и от японската гравюра, която му помага да се отдалечи от натурализма към по-изразителен и ясен начин. Постепенно колоритът в картините му става все по-смел, а маниерът – по-свободен, енергичен, помагайки на художника да предаде върху платното своите непреодолими чувства. За разлика от символистите и П. Гоген, чиято работа е повлияна от символизма, Ван Гог никога не е рисувал измислен свят: той просто не се интересуваше от писането на "неправдоподобни същества", картините му винаги имаха солидна реалистична основа. Ван Гог винаги е работил от природата, малкото платна, които е рисувал, следвайки съветите на Гоген, по памет или въображение, се оказват по-слаби. „Да изразиш себе си“ за Ван Гог означава да изразиш чувства, мисли, асоциации, породени от това, което вижда и наблюдава: хора, природа, неща.

Интензивното търсене на най-висшия смисъл на живота, което никога не е напускало Ван Гог, определя тази рядка комбинация от драматизъм и празничност, която бележи неговата зряла работа. Пропит е с мъченически възторг пред красотата на света, изпълнен с емоционални контрасти. Това намира израз в живописен език, изграден върху контрастиращи цветови хармонии и по-изразителен от всякога. Живописният почерк на Ван Гог ви позволява да влезете в пряк контакт с художника, да усетите неговата страст и висока интензивност на душата. Това се улеснява и от високото темпо на работа, ясно изразено в картините му - удари с четка, като камшик, цветни съсиреци, дисонантни зигзаги, които звучат като изтръгнало се възклицание. Картините свидетелстват и за резки промени в настроението на художника; като религиозен човек, той веднъж отбеляза, че светът, създаден от Бога, е само негово неуспешно изследване.

• См:. Дмитриева Н. А. Разказизкуства. М., 1993. Бр. III. стр. 55-56.
• Виж: Пак там. С. 83.

Европейското изкуство от края на 19 век се обогатява с появата на модернистичното изкуство.По-късно влиянието му се разпростира върху музиката и литературата. Наричат ​​го „импресионизъм“, защото се основава на най-тънките впечатления на художника, образи и настроения.

Произход и история на възникване

Няколко млади художници сформират група през втората половина на 19 век. Те имаха обща цел и съвпадащи интереси. Основното нещо за тази компания беше да работи сред природата, без стените на цеха и различни възпиращи фактори. В своите картини те се стремят да предадат цялата чувственост, впечатлението от играта на светлина и сянка. Пейзажите и портретите отразяват единството на душата с Вселената, с околния свят. Техните картини са истинска поезия от цветове.

През 1874 г. имаше изложба на тази група художници. Пейзаж от Клод Моне „Впечатление. Изгрев” привлече вниманието на критика, който в рецензията си за първи път нарече тези творци импресионисти (от френското импресия – „впечатление”).

Предпоставките за раждането на стила на импресионизма, картините на чиито представители скоро ще намерят невероятен успех, са произведенията на Ренесанса. Творчеството на испанците Веласкес, Ел Греко, англичаните Търнър, Констабъл оказва безусловно влияние върху французите, които са основоположници на импресионизма.

Писаро, Мане, Дега, Сисли, Сезан, Моне, Реноар и други стават видни представители на стила във Франция.

Философията на импресионизма в живописта

Художниците, които рисуват в този стил, не си поставят задачата да привлекат общественото внимание към проблемите. В техните творби не се откриват сюжети по актуална тема, не се получава морализаторство или се забелязват човешки противоречия.

Картините в стила на импресионизма са насочени към предаване на моментно настроение, разработване на цветови схеми с мистериозен характер. В произведенията има само място за положително начало, мракът заобиколи импресионистите.

Всъщност импресионистите не са си направили труда да обмислят сюжета и детайлите. Основният фактор беше не какво да нарисувате, а как да изобразите и предадете настроението си.

Техника на рисуване

Има колосална разлика между академичния стил на рисуване и техниката на импресионистите. Те просто изоставиха много методи, някои бяха променени до неузнаваемост. Ето какви нововъведения направиха:

1. Изоставен контур. Той беше заменен с щрихи - малки и контрастни.
2. Спряхме да използваме палитри за Избрахме цветове, които се допълват взаимно и не изискват сливане за получаване на определен ефект. Например жълтото е лилаво.
3. Спрете да рисувате в черно.
4. Напълно изоставена работа в цеховете. Пишеха изключително върху природата, за да може по-лесно да се улови момент, образ, чувство.
5. Използвани са само бои с добра покривност.
6. Не чакайте следващият слой да изсъхне. Веднага бяха поставени пресни цитонамазки.
7. Те създават цикли от творби, за да следват промените в светлината и сянката. Например „Купа сено“ от Клод Моне.

Разбира се, не всички художници изпълняват точно чертите на стила на импресионизма. Картини на Едуар Мане, например, никога не са участвали в общи изложби, а самият той се позиционира като отделен постоянен артист. Едгар Дега работи само в работилници, но това не навреди на качеството на произведенията му.

Представители на френския импресионизъм

Първата изложба на импресионистични творби е от 1874 г. След 12 години се състоя последната им експозиция. Първата работа в този стил може да се нарече „Закуска на тревата“ от Е. Мане. Тази картина беше представена в Салона на отхвърлените. Бе посрещнато враждебно, защото беше много различно от академичните канони. Ето защо Мане се превръща във фигура, около която се събира кръг от последователи на това стилистично направление.

За съжаление, съвременниците не оцениха такъв стил като импресионизма. Картините и художниците съществуват в противоречие с официалното изкуство.

Постепенно в екипа от художници на преден план излиза Клод Моне, който по-късно става техен лидер и основен идеолог на импресионизма.

Клод Моне (1840-1926)

Работата на този художник може да се опише като химн на импресионизма. Той беше първият, който отказа да използва черно в своите картини, твърдейки, че дори сенките и нощта имат други тонове.

Светът в картините на Моне е неясни очертания, обемни щрихи, гледайки които можете да усетите целия спектър от играта на цветовете на деня и нощта, сезоните, хармонията на подлунния свят. Само миг, който е грабнат от потока на живота, в разбирането на Моне, е импресионизмът. Картините му сякаш нямат материалност, всички са наситени с лъчи светлина и въздушни течения.

Клод Моне създава невероятни произведения: „Гара Сен Лазар“, „Руанската катедрала“, цикълът „Чаринг Крос Бридж“ и много други.

Огюст Реноар (1841-1919)

Творбите на Реноар създават впечатление за необикновена лекота, ефирност, ефирност. Сюжетът се ражда сякаш случайно, но е известно, че художникът внимателно обмисля всички етапи от работата си и работи от сутрин до вечер.

Отличителна черта на творчеството на О. Реноар е използването на остъкляване, което е възможно само при писане Импресионизмът в творбите на художника се проявява във всеки удар. Той възприема човека като частица от самата природа, затова има толкова много картини с голи тела.

Любимото забавление на Реноар беше образът на жена в цялата й привлекателна и привлекателна красота. Портретите заемат особено място в творчески животхудожник. „Чадъри”, „Момиче с ветрило”, „Закуската на гребците” са само малка част от невероятната колекция от картини на Огюст Реноар.

Жорж Сьора (1859-1891)

Seurat свързва процеса на създаване на картини с научното обосноваване на теорията на цветовете. Светловъздушната среда е начертана въз основа на зависимостта на основните и допълнителните тонове.

Въпреки факта, че J. Seurat е представител на последния етап на импресионизма и неговата техника е в много отношения различна от основателите, той по същия начин създава илюзорно представяне на обективната форма с помощта на щрихи, които могат да се гледа и вижда само от разстояние.

Шедьоври на творчеството могат да се нарекат картината "Неделя", "Канкан", "Модели".

Представители на руския импресионизъм

Руският импресионизъм възниква почти спонтанно, смесвайки много явления и методи. Основата обаче, подобно на французите, беше пълномащабна визия на процеса.

В руския импресионизъм, въпреки че чертите на френския език бяха запазени, характеристиките на националната природа и душевното състояние направиха значителни промени. Например, визията на сняг или северни пейзажи беше изразена с помощта на необичайна техника.

В Русия малко художници са работили в стила на импресионизма, техните картини привличат окото и до днес.

Импресионистичният период може да се разграничи в творчеството на Валентин Серов. Неговото "Прасковено момиче" най-ярък примери стандартът на този стил в Русия.

Картините покоряват със своята свежест и съзвучие на чисти цветове. основна тематворчеството на този художник е образът на човека в природата. "Северна идилия", "В лодката", "Фьодор Шаляпин" са ярки етапи в дейността на К. Коровин.

Импресионизмът в съвремието

В момента тази посока в изкуството е получила нов живот. В този стил няколко художници рисуват своите картини. Съвременният импресионизъм съществува в Русия (Андре Кон), във Франция (Лоран Парселие), в Америка (Даяна Леонард).

Андре Кон е най-много виден представителнов импресионизъм. Маслените му картини са поразителни със своята простота. Художникът вижда красотата в обикновените неща. Създателят интерпретира много обекти през призмата на движението.

Акварелните творби на Лоран Парселие са известни по целия свят. Неговата серия от произведения Странен святбяха пуснати като пощенски картички. Разкошни, жизнени и чувствени, те спират дъха.

Както през 19 век, така и в момента за художниците остава пленерната живопис. Благодарение на нея импресионизмът ще живее вечно. творците продължават да вдъхновяват, впечатляват и вдъхновяват.

Импресионизмът е посока в живописта, възникнала във Франция през 19-20 век, която е художествен опит да се улови всеки момент от живота в цялата му променливост и подвижност. Картините на импресионистите са като качествено измита фотография, съживяваща във фантазията продължението на видяната история. В тази статия ще разгледаме 10 от най-много известни импресионистиспокойствие. За щастие има повече от десет, двадесет или дори сто талантливи артисти, така че нека се съсредоточим върху тези имена, които трябва да знаете със сигурност.

За да не обидим нито артистите, нито техните почитатели, списъкът е даден по азбучен ред на руски език.

1. Алфред Сисли

Този френски художник английски произходсмятан за най известен пейзажиствторо половината на XIXвек. В колекцията му има повече от 900 картини, от които най-известните са „Селска алея“, „Слана в Лувесиен“, „Мост в Аржантьой“, „Ранен сняг в Лувесиен“, „Тревни площи през пролетта“ и много други.

2. Ван Гог

Известен на целия свят с тъжната история за ухото си (между другото, той не отряза цялото ухо, а само лобчето), Уанг Гон стана популярен едва след смъртта си. И през живота си успя да продаде една-единствена картина, 4 месеца преди смъртта си. Говори се, че той е бил едновременно предприемач и свещеник, но често е попадал в психиатрични болници поради депресия, така че цялото бунтарство на неговото съществуване е довело до легендарни произведения.

3. Камил Писаро

Писаро е роден на остров Свети Тома, в семейство на буржоазни евреи, и е един от малкото импресионисти, чиито родители насърчават хобито му и скоро го изпращат в Париж да учи. Художникът най-много харесваше природата и я изобразяваше във всички цветове, или по-точно, Писаро имаше специален талант да избира мекотата на цветовете, съвместимостта, след което в картините сякаш се появяваше въздух.

4. Клод Моне

От детството си момчето реши, че ще стане художник, въпреки забраните на семейството. След като се премести сам в Париж, Клод Моне се потопи в сивото ежедневие на тежък живот: две години служба във въоръжените сили в Алжир, съдебни спорове с кредитори поради бедност, болест. Човек обаче има чувството, че трудностите не са потискали, а по-скоро са вдъхновили художника да създаде такива ярки картини като „Импресия, изгрев“, „Камите на парламента в Лондон“, „Мост към Европа“, „Есен в Аржантьой“ , „На брега Трувил“ и много други.

5. Константин Коровин

Хубаво е да се знае, че сред французите, родоначалници на импресионизма, с гордост можем да поставим нашия сънародник Константин Коровин. Страстната любов към природата му помогна интуитивно да придаде невъобразима жизненост на статична картина, благодарение на комбинацията от подходящи цветове, ширина на щрихи, избор на тема. Невъзможно е да се мине покрай картините му "Кей в Гурзуф", "Риба, вино и плодове", " Есенен пейзаж“, „Лунна нощ. Зима” и поредица от творби, посветени на Париж.

6. Пол Гоген

До 26-годишна възраст Пол Гоген дори не си е помислял да рисува. Той беше предприемач и имаше голямо семейство. Въпреки това, когато за първи път видях картините на Камий Писаро, реших, че със сигурност ще започна да рисувам. С течение на времето стилът на художника се променя, но най-известните импресионистични картини са Градина в снега, Край скалата, На плажа в Диеп, Голо тяло, Палми в Мартиника и други.

7. Пол Сезан

Сезан, за разлика от повечето си колеги, става известен приживе. Той успя да организира собствена изложба и да спечели значителни приходи от нея. Хората знаеха много за неговите картини - той, както никой друг, се научи да комбинира играта на светлина и сянка, направи силен акцент върху правилни и неправилни геометрични форми, строгостта на темите на неговите картини беше в хармония с романтиката.

8. Пиер Огюст Реноар

До 20-годишна възраст Реноар работи като декоратор на ветрила за по-големия си брат и едва след това се премества в Париж, където се запознава с Моне, Базил и Сисли. Това познанство му помогна в бъдеще да поеме по пътя на импресионизма и да стане известен по него. Реноар е известен като автор на сантиментален портрет, сред най-забележителните му творби са „На терасата“, „Разходката“, „Портрет на актрисата Жана Самари“, „Хижата“, „Алфред Сисли и неговата жена“, “На люлката”, “Жабата” и много други.

9. Едгар Дега

Ако не сте чували нищо за „Сините танцьорки“, „Балетни репетиции“, „Балетна школа“ и „Абсент“ – побързайте да научите повече за творчеството на Едгар Дега. Избор на оригинални цветове уникални темиза картини, усещането за движение на картината - всичко това и много повече направи Дега един от най- известни артистиспокойствие.

10. Едуард Мане

Не бъркайте Мане с Моне - това са две различен човеккоито са работили по едно и също време и в същото художествено направление. Мане винаги е бил привличан от ежедневни сцени, необичайни изяви и типове, сякаш случайно "уловени" моменти, впоследствие запечатани в продължение на векове. Между известни картиниМане: "Олимпия", "Закуска на тревата", "Бар във Фоли Бержер", "Флейтист", "Нана" и др.

Ако имате и най-малката възможност да видите на живо картините на тези майстори, ще се влюбите в импресионизма завинаги!

В началото на 18-ти и 19-ти век в повечето страни от Западна Европа се извършва нов скок в развитието на науката и технологиите. Индустриалната култура го направи добра работаза укрепване на духовните основи на обществото, преодоляване на рационалистичните насоки и култивиране на човешкото в човека. Тя много остро изпитваше необходимостта от красота, от утвърждаване на естетически развита личност, от задълбочаване на истинския хуманизъм, начинание практически стъпкивърху въплъщението на свободата, равенството, хармонизирането на социалните отношения.

През този период Франция преживява труден период. Френско-пруската война, кратко кърваво въстание и падането на Парижката комуна бележат края на Втората империя.

След разчистване на руините, останали от ужасните пруски бомбардировки и яростни гражданска война, Париж отново се провъзгласява за център на европейското изкуство.

Все пак столицата на Европа артистичен животтой стана още по времето на царя Луи XIV, когато се създават Академията и годишните художествени изложби, които получават имената Салони - от т. нар. Квадратния салон в Лувъра, където всяка година се излагат нови творби на художници и скулптори. През 19 век Салоните, където ще се разгърне остра художествена борба, ще разкрият нови тенденции в изкуството.

Приемането на картината за изложбата, одобрението на журито на Салона е първата стъпка към общественото признание на художника. От 1850-те години салоните все повече се превръщат в грандиозни прегледи на произведения, подбрани според официалните вкусове, поради което дори се появява изразът "салонно изкуство". Снимки, които по никакъв начин не отговаряха на този никъде предписан, но твърд "стандарт", просто бяха отхвърлени от журито. Пресата по всякакъв начин обсъжда кои художници са допуснати до Салона и кои не, превръщайки почти всяка от тези годишни изложби в публичен скандал.

През годините 1800-1830 г. на френски пейзажна живописи изкуствокато цяло холандските и английските пейзажисти започват да влияят. Юджийн Делакроа, представител на романтизма, донесе в картините си нова яркост на цветовете и виртуозност на писането. Той беше почитател на Констабъл, който се стреми към нов натурализъм. Радикалният подход на Дьолакроа към цвета и неговата техника за нанасяне на големи щрихи боя за подобряване на формата по-късно ще бъдат развити от импресионистите.

От особен интерес за Дьолакроа и неговите съвременници са изследванията на Констабъл. Опитвайки се да улови безкрайно променящите се свойства на светлината и цвета, Дьолакроа забеляза, че в природата те "никога не остават неподвижни". Затова френските романтици придобиват навика да рисуват по-бързо с масла и акварели, но в никакъв случай повърхностни скици на отделни сцени.

До средата на века реалистите, начело с Гюстав Курбе, се превръщат в най-значимото явление в живописта. След 1850 г. във френското изкуство в продължение на десетилетие имаше безпрецедентна фрагментация на стилове, отчасти допустима, но никога не одобрена от властите. Тези експерименти тласнаха младите художници по пътя, който беше логично продължение на вече появилите се тенденции, но изглеждаше зашеметяващо революционен за публиката и арбитрите на Салона.

Изкуството, което заемаше доминираща позиция в залите на салона, се отличаваше като правило с външна занаятчийска и техническа виртуозност, интерес към анекдотични, забавно разказани сюжети от сантиментален, ежедневен, бутафорен исторически характер и изобилие от митологични сюжети които оправдават всякакви изображения на голо тяло. Това беше еклектично и забавно безпринципно изкуство. Съответният персонал беше обучен под егидата на Академията от Училището по изящни изкуства, където майстори на късния академизъм като Кутюр, Кабанел и други управляваха целия бизнес. Салонното изкуство се отличаваше с изключителна жизненост, художествена вулгаризация, духовно обединяване и адаптиране към нивото на филистерските вкусове на публиката постиженията на основните творчески търсения на своето време.

Изкуството на салона се противопоставя на различни реалистични тенденции. Техни представители бяха най-добрите майсториФренски художествена културатези десетилетия. С тях се свързва творчеството на художниците реалисти, което продължава и в новите условия тематични традицииреализъм от 40-те и 50-те години на ХХ век. 19 век - Бастиен-Лепаж, Лермит и др. Решаващ за съдбата художествено развитиеФранция и Западна Европа като цяло имаха новаторските реалистични търсения на Едуард Мане и Огюст Роден, остро експресивно изкуствоЕдгар Дега и накрая, работата на група художници, които най-последователно въплъщават принципите на импресионистичното изкуство: Клод Моне, Писаро, Сисли и Реноар. Тяхната работа бележи началото на бурното развитие на периода на импресионизма.

Импресионизмът (от френското впечатление-впечатление), тенденция в изкуството от последната третина на 19-ти - началото на 20-ти век, чиито представители се стремят най-естествено и безпристрастно да уловят реалния свят в неговата подвижност и променливост, да предадат своите мимолетни впечатления.

Импресионизмът представлява епоха във френското изкуство през втората половина на 19 век и след това се разпространява във всички европейски страни. Реформира художествените вкусове, преустройва визуалното възприятие. По същество това беше естествено продължение и развитие на реалистичния метод. Изкуството на импресионистите е също толкова демократично, колкото и изкуството на техните преки предшественици, то не прави разлика между "висока" и "ниска" природа и напълно се доверява на свидетелството на окото. Начинът на "гледане" се променя - той става най-напрегнат и в същото време по-лиричен. Връзката с романтизма се ерозира - импресионистите, както и реалистите от по-старото поколение, искат да се занимават само с модерността, като избягват исторически, митологични и литературни теми. За големи естетически открития им бяха достатъчни най-простите, ежедневно наблюдавани мотиви: парижки кафенета, улици, скромни градини, бреговете на Сена, околните села.

Импресионистите са живели в епоха на борба между модерността и традицията. В техните творби виждаме радикално и зашеметяващо за онова време скъсване с традиционните принципи на изкуството, кулминация, но не и край на търсенето на нов поглед. Абстракционизмът на 20-ти век се ражда от експерименти с изкуството, което съществува тогава, точно както иновациите на импресионистите израстват от работата на Курбе, Коро, Дьолакроа, Констабъл, както и на старите майстори, които ги предхождат.

Импресионистите изоставят традиционното разграничение между изследване, скица и картина. Те започнаха и завършиха работа веднага на открито- на открито. Ако трябваше да довършат нещо в ателието, все пак се стараеха да запазят усещането за уловен момент и да предадат светло-въздушната атмосфера, която обгръща обектите.

Пленерът е ключът към техния метод. По този начин те са достигнали изключителна тънкост на възприятието; те успяха да разкрият във връзката на светлина, въздух и цвят такива очарователни ефекти, които не бяха забелязали преди, и без живописта на импресионистите вероятно нямаше да забележат. Не без причина те казаха, че Моне е измислил мъглите на Лондон, въпреки че импресионистите не са измислили нищо, разчитайки само на свидетелството на окото, без да добавят към тях предварително познание за изобразеното.

И наистина, импресионистите ценят най-вече контакта на душата с природата, придавайки голямо значение на директното впечатление, наблюдението на различни явления от заобикалящата реалност. Нищо чудно, че търпеливо чакаха ясни топли дни, за да пишат на открито на открито.

Но създателите на нов тип красота никога не са се стремили внимателно да имитират, копират, обективно "портретират" природата. В техните произведения има не просто виртуозно боравене със света на впечатляващите изяви. Същността на импресионистичната естетика се крие в удивителната способност да се кондензира красотата, да се подчертае дълбочината на едно уникално явление, факт и да се пресъздаде поетиката на една преобразена реалност, стоплена от топлина. човешка душа. Така се очертава един качествено различен, естетически привлекателен свят, наситен с одухотворено излъчване.

В резултат на импресионистичното докосване до света всичко на пръв поглед обикновено, прозаично, тривиално, моментно се превърна в поетично, привлекателно, празнично, поразяващо всичко с проникващата магия на светлината, богатството на цветовете, трептящите отблясъци, вибрациите на въздуха и лица, излъчващи чистота. За разлика от академичното изкуство, което се основаваше на каноните на класицизма, задължителното поставяне на основните актьорикъм центъра на картината, триизмерността на пространството, използването на исторически сюжет за целите на много специфична семантична ориентация на зрителя - импресионистите спряха да разделят обектите на главни и второстепенни, възвишени и ниски. Отсега нататък картината може да въплъщава многоцветни сенки от предмети, купа сено, люляков храст, тълпа на парижки булевард, цветния живот на пазара, перачки, танцьорки, продавачки, светлина на газени лампи, ж.п. линия, корида, чайки, скали, божури.

Импресионистите се характеризират с силен интерес към всички явления от ежедневието. Но това не означаваше някакво всеядно, нечетливо. В обикновените, ежедневни явления е избран моментът, когато хармонията на околния свят се проявява най-впечатляващо. Импресионистичният светоглед беше изключително отзивчив към най-фините нюанси на същия цвят, състоянието на обект или явление.

През 1841 г. базираният в Лондон американски портретист Джон Гофранд за първи път замисля идеята за тръба за екструдиране на боя и търговците на бои Winsor и Newton бързо подхващат идеята. Пиер Огюст Реноар, според неговия син, е казал: „Без бои в туби нямаше да има Сезан, нито Моне, нито Сисле, нито Писаро, нито един от тези, които журналистите по-късно нарекоха импресионистите.“

Боята в тубите имаше консистенция на прясно масло, идеална за нанасяне на плътни, пастообразни щрихи с четка или дори шпатула върху платното; и двата метода са използвани от импресионистите.

В нови туби на пазара започна да се появява цялата гама от ярки, стабилни бои. Напредъкът в химията в началото на века донесе нови бои, например кобалтово синьо, изкуствен ултрамарин, жълт хром с оранжево, червено, зелено, нюанс, изумрудено зелено, бял цинк, трайно бяло олово. До 1850 г. художниците разполагат с палитра от цветове, която е ярка, надеждна и удобна както никога досега. .

Импресионистите не подминаха научните открития от средата на века относно оптиката, разлагането на цветовете. Допълващите се цветове от спектъра (червено - зелено, синьо - оранжево, лилаво - жълто) се усилват взаимно, когато са съседни, а когато се смесят, стават безцветни. Всякакъв цвят бял фон, изглежда заобиколен от лек ореол от допълнителен цвят; на същото място и в сенките, хвърляни от предмети, когато са осветени от слънцето, се появява цвят, допълнителен към цвета на предмета. Отчасти интуитивно и отчасти съзнателно художниците са използвали подобни научни наблюдения. За импресионистичната живопис те бяха особено важни. Импресионистите са взели предвид законите на възприятието на цветовете от разстояние и, ако е възможно, избягвайки смесването на цветовете в палитрата, подреждат чисти цветни щрихи, така че да се смесват в окото на зрителя. Светлите тонове на слънчевия спектър са една от заповедите на импресионизма. Те отказаха черни, кафяви тонове, защото слънчевият спектър ги няма. Те предаваха сенките с цвят, а не с чернота, оттук и меката блестяща хармония на техните платна. .

Като цяло импресионистичният тип красота отразява факта на противопоставяне на духовния човек на процеса на урбанизация, прагматизъм, поробване на чувствата, което доведе до повишена нужда от по-пълно разкриване на емоционалния принцип, актуализиране на духовните качества. на индивида и събуди желание за по-остро преживяване на пространствено-времевите характеристики на битието.