Холандия. 17-ти век Страната преживява невиждан просперитет. Така нареченият "Златен век". В края на 16 век няколко провинции на страната постигат независимост от Испания.

Сега протестантската Холандия пое по своя път. И католическата Фландрия (сега Белгия) под крилото на Испания - своя.

В независима Холандия почти никой не се нуждаеше от религиозна живопис. Протестантската църква не одобряваше лукса на украсата. Но това обстоятелство "изигра в ръцете" на светската живопис.

Буквално всеки жител на новата страна събуди любов към този вид изкуство. Холандците искаха да видят на снимките собствен живот. И артистите с охота отидоха да ги посрещнат.

Никога досега заобикалящата действителност не е била изобразявана толкова много. Обикновени хора, обикновени стаи и най-обикновена закуска на градски жител.

Реализмът процъфтява. До 20 век тя ще бъде достоен конкурент на академизма със своите нимфи ​​и гръцки богини.

Тези художници се наричат ​​"малки" холандци. Защо? Картините бяха малки по размер, защото бяха създадени за малки къщи. Така че почти всички картини на Ян Вермеер са високи не повече от половин метър.

Но другата версия ми харесва повече. В Холандия през 17 век той живее и работи Голям майстор, "големият" холандец. А всички останали бяха "малки" в сравнение с него.

Говорим, разбира се, за Рембранд. Да започнем с него.

1. Рембранд (1606-1669)

Рембранд. Автопортрет на 63 години. 1669 Национална галерия в Лондон

Рембранд е имал шанс да изпита най-широката гама от емоции през живота си. Ето защо в ранните му творби има толкова много забавление и бравада. И толкова много сложни чувства – в по-късните.

Тук той е млад и безгрижен в картината „Блудният син в кръчмата“. На колене е любимата жена на Саския. Той - популярен артист. Поръчките валят.

Рембранд. Блудният син в механата. 1635 Галерия на старите майстори, Дрезден

Но всичко това ще изчезне след около 10 години. Саския ще умре от консумация. Популярността ще изчезне като дим. Голяма къща с уникална колекция ще бъде отнета за дългове.

Но ще се появи същият Рембранд, който ще остане за векове. Голите чувства на героите. Най-тайните им мисли.

2. Франс Халс (1583-1666)

Франс Халс. Автопортрет. 1650 Metropolitan Museum of Art, Ню Йорк

Франс Халс е един от най-великите портретисти на всички времена. Затова и него бих причислил към "големите" холандци.

В Холандия по това време е обичайно да се поръчват групови портрети. Така че имаше много подобни произведения, изобразяващи хора, работещи заедно: стрелци от една и съща гилдия, лекари от един и същи град, управляващи старчески дом.

В този жанр най-много се откроява Халс. В крайна сметка повечето от тези портрети изглеждаха като тесте карти. Хората седят на масата с едно и също изражение на лицата и просто гледат. Халс беше различен.

Вижте груповия му портрет „Стрелите на гилдията на Св. Георги“.

Франс Халс. Стрелите на Гилдията на Св. Джордж. 1627 г. Музей на Франс Халс, Харлем, Холандия

Тук няма да намерите нито едно повторение в поза или изражение на лицето. В същото време тук няма хаос. Има много герои, но никой не изглежда излишен. Благодарение на изненадващо правилното подреждане на фигурите.

Да, и в един портрет Халс надмина много художници. Моделите му са естествени. Хората от висшето обществов картините му те са лишени от пресилено величие, а моделите от дъното не изглеждат унизени.

А героите му са много емоционални: усмихват се, смеят се, жестикулират. Като например този "циганин" с лукав поглед.

Франс Халс. циганин. 1625-1630

Халс, подобно на Рембранд, завършва живота си в бедност. По същата причина. Неговият реализъм противоречи на вкусовете на клиентите. Които искаха да украсят външния си вид. Халс не се впусна в откровено ласкателство и по този начин подписа собственото си изречение - "Забвение".

3. Герард Терборх (1617-1681)

Жерар Терборх. Автопортрет. 1668 Кралска галерия Mauritshuis, Хага, Холандия

Терборх беше майстор битов жанр. Богатите и не много бюргери говорят бавно, дамите четат писма, а сводницата наблюдава ухажването. Две или три близко разположени фигури.

Именно този майстор разработи каноните на домашния жанр. Което след това ще бъде заимствано от Ян Вермеер, Питер де Хух и много други "малки" холандци.

Жерар Терборх. Чаша лимонада. 1660-те. Държавен Ермитаж, Санкт Петербург

„Чаша лимонада“ е един от известни произведенияТерборч. Това показва още едно предимство на художника. Невероятно реалистично изображение на материята на роклята.

Терборх също има необичайни творби. Което говори за желанието му да надхвърли изискванията на клиентите.

Неговата "Мелница" показва живота на най-бедните жители на Холандия. Свикнали сме да виждаме уютни дворове и чисти стаи на снимките на „малките“ холандци. Но Терборх се осмели да покаже непривлекателна Холандия.

Жерар Терборх. Мелница. 1653-1655 Берлински държавни музеи

Както разбирате, такива произведения не бяха търсени. А те са рядко явление дори в Терборч.

4. Ян Вермеер (1632-1675)

Ян Вермеер. Работилница на художника. 1666-1667 Художествено-исторически музей, Виена

Как е изглеждал Ян Вермеер не е известно със сигурност. Очевидно е само, че в картината "Работилница на художника" той е изобразил себе си. Вярно отзад.

Ето защо е изненадващо, че наскоро стана известен нов факт от живота на господаря. Свързва се с неговия шедьовър "Улицата на Делфт".

Ян Вермеер. Делфтска улица. 1657 г Държавен музейв Амстердам

Оказа се, че Вермеер е прекарал детството си на тази улица. Къщата на снимката принадлежеше на леля му. Там отгледала петте си деца. Тя може да седи на прага и да шие, докато двете й деца си играят на тротоара. Самият Вермеер е живял в отсрещната къща.

Но по-често той изобразява интериора на тези къщи и техните обитатели. Изглежда, че сюжетите на картините са много прости. Ето една хубава дама, богата жителка на града, проверява работата на своя кантар.

Ян Вермеер. Жена с тежести. 1662-1663 Национална художествена галерия, Вашингтон

С какво Вермеер се откроява сред хилядите други "малки" холандци?

Той беше ненадминат майстор на светлината. В картината „Жена с везни“ светлината нежно обгръща лицето на героинята, тъканите и стените. Придаване на образа на непозната духовност.

А композициите на картините на Вермеер са внимателно проверени. Няма да намерите нито един допълнителен детайл. Достатъчно е да премахнете един от тях, картината ще се „разпадне“ и магията ще изчезне.

Всичко това не беше лесно за Вермеер. Такова невероятно качество изискваше усърдна работа. Само 2-3 картини на година. В резултат на това невъзможността да се изхрани семейството. Вермеер е работил и като търговец на изкуство, продавайки произведения на други художници.

5. Питер де Хух (1629-1684)

Питър де Хуч. Автопортрет. 1648-1649 Rijksmuseum, Амстердам

Хох често е сравняван с Вермеер. Работеха по едно и също време, дори имаше период в един град. И то в един жанр – битов. В Хох също виждаме една или две фигури в уютни холандски дворове или стаи.

отворени вратиа прозорците правят пространството на картините му многопластово и забавно. И фигурите се вписват в това пространство много хармонично. Както например в неговата картина "Слуга с момиче в двора".

Питър де Хуч. Прислужница с момиче в двора. 1658 Лондонска национална галерия

До 20-ти век Hoch е високо ценен. Но малко хора забелязаха малкото произведения на неговия конкурент Вермеер.

Но през 20-ти век всичко се промени. Славата на Hoch избледня. Въпреки това е трудно да не се признаят постиженията му в живописта. Малко хора биха могли да съчетаят средата и хората така компетентно.

Питър де Хуч. Играчи на карти в слънчевата стая. 1658 Royal Art Collection, Лондон

Моля, имайте предвид, че в скромна къща на платното "Играчи на карти" има картина в скъпа рамка.

Това още веднъж говори колко популярна е била живописта сред обикновените холандци. Картините украсяваха всяка къща: къщата на богат бюргер, скромен градски жител и дори селянин.

6. Ян Стийн (1626-1679)

Ян Стан. Автопортрет с лютня. 1670-те Музей Тисен-Борнемиса, Мадрид

Ян Стеен е може би най-веселият "малък" холандец. Но обичайки морализаторството. Той често изобразява таверни или бедни къщи, в които се намира порокът.

Главните герои са веселяци и дами с лекота. Той искаше да забавлява зрителя, но косвено го предупреди срещу порочен живот.

Ян Стан. Хаос. 1663 Музей на историята на изкуството, Виена

Стан има и по-тихи работи. Като, например, "Сутрешна тоалетна". Но и тук художникът изненадва зрителя с твърде откровени детайли. Има следи от дъвка, а не празна тенджера. И някак си изобщо не е така, както кучето лежи точно на възглавницата.

Ян Стан. Сутрешен тоалет. 1661-1665 Rijksmuseum, Амстердам

Но въпреки цялата несериозност, цветовите схеми на Стан са много професионални. В това той надминава много от "малките холандци". Вижте как червеният чорап се съчетава перфектно със синьото сако и ярко бежовия килим.

7. Якобс Ван Рюйсдал (1629-1682)

Портрет на Рюисдал. Литография от книга от 19 век.

Фламандската живопис е една от класическите школи в историята визуални изкуства. Всички заинтересовани класически моделтази фраза е добре известна, но какво се крие зад такова благородно име? Бихте ли могли без колебание да идентифицирате няколко характеристики на този стил, да посочите основните имена? За да се ориентирате по-уверено в залите на големите музеи и да сте малко по-малко срамежливи от далечния 17-ти век, трябва да познавате това училище.

История на фламандското училище

17 век започва с вътрешно разделение в Холандия поради религиозна и политическа борба за вътрешната свобода на държавата. Това доведе до разцепление в културната сфера. Страната е разделена на две части, южна и северна, чиято живопис започва да се развива в различни посоки. Южняците, които останаха в католическа вярапод испанско управление, стават представители Фламандско училище, докато северните художници са историци на изкуството към холандско училище.

Представители на фламандците школи по рисуванепродължи традицията на по-старите колеги италиански ренесансови художници: Рафаел Санти, Микеланджело Буонаротикойто обръща голямо внимание на религиозните и митологични теми. Движейки се по позната писта, допълнена от неорганични груби елементи на реализъм, холандските художници не можаха да създадат изключителни произведенияизкуство. Застоят продължи, докато не се изправи пред статива Питър Паул Рубенс(1577-1640). Какво беше толкова удивително, че този холандец можеше да внесе в изкуството?

известен майстор

Талантът на Рубенс успя да вдъхне живот на живописта на южняците, което не беше много забележително преди него. Запознат отблизо с наследството на италианските майстори, художникът продължава традицията да се обръща към религиозни теми. Но, за разлика от колегите си, Рубенс успя хармонично да вплете в класически теми характеристиките на собствения си стил, гравитиращи към наситеността на цветовете, образа на природата, изпълнен с живот.

От картините на художника, сякаш от отворен прозорец, сякаш се разлива слънчева светлина (« Страшният съд“, 1617). Необичайни решения за изграждане на композицията на класически епизоди от писанията или езическата митология привличат вниманието към нов талант сред неговите съвременници и привличат сега. Подобна иновация изглеждаше свежа в сравнение с мрачните, приглушени нюанси на платната на холандските съвременници.

характерна особеностстомана и модели на фламандския художник. Пълните светлокоси дами, рисувани с интерес без неподходящи украшения, често стават централни герои на картините на Рубенс. Примери могат да бъдат намерени на платната "Присъдата на Париж" (1625), "Сузана и старейшините" (1608), "Венера пред огледало"(1615) и др.

Освен това Рубенс предостави влияние върху формирането на пейзажния жанр. Започва да се развива в рисуването Фламандски художницидо основния представител на школата, но именно творчеството на Рубенс определя основните черти на националното пейзажна живопис, отразявайки местния колорит на Холандия.

Последователи

Бързо прочутият Рубенс скоро се оказва заобиколен от имитатори и ученици. Майсторът ги научи да използват фолклорните особености на района, колорита, да възпяват, може би, необикновената човешка красота. Привличаше зрители и артисти. Последователите се включиха различни жанрове- от портрети ( Гаспаре Де Кейн, Абрахам Янсенс) до натюрморти (Франс Снайдерс) и пейзажи (Ян Вилденс). битова живописПървоначално изпълнена фламандска школа Адриан Брауери Дейвид Тениърс младши

Един от най-успешните и забележителни ученици на Рубенс беше Антъни Ван Дайк(1599 - 1641). Авторският му стил се развива постепенно, отначало напълно подчинен на подражанието на наставника, но с времето се появява голяма точност на цветовете. Ученикът клонеше към меки, приглушени нюанси за разлика от учителя.

От картините на Ван Дайк става ясно, че той не е имал силна склонност към изграждане на сложни композиции, обемни пространства с тежки фигури, които отличават картините на учителя. Галерията от творби на художника е изпълнена с портрети единични или двойни, предни или камерни, което говори за жанровите приоритети на автора, различни от Рубенс.

Реших да направя селекция от холандците, според мен, известни по целия свят ...

И така, нека да започнем:

О, да, на първо място разбира се - Винсент ван Гог, непризнат приживе, но обичан от съвременния свят заради ярките си цветове и въображаемата простота. Днес той е най-популярният изпълнител сред крадците.

Рембранд ван Рейн- великият холандски художник и гравьор. Една от най-известните му картини е Нощната стража, картината се смята за мистериозна. Историците на изкуството и любителите на изкуството са чесали главите си над това платно от векове. Така че един уважаван холандски историк на изкуството от началото на 19 век прекара години, за да докаже, че отрядът отива на парада по случай пристигането на френската кралица Мария де Медичи в Амстердам през 1639 г. Най-примамливата сред мистериите на часовника е образът на странно момиче в златно облекло ... Съвременните холандци много обичат и почитат този художник ... От началото на 20 век има политика за връщане на картините на този художник обратно в родината им.

Ян Вермеер от Делфт.Краткотраен, писа малко, отвори късно. Най-известната и "гастролираща" творба на Вермеер е "Момиче с перлена обица", която принадлежи на музея в Хага. Повечето от картините на Вермеер принадлежат на музеи и частни колекционери в САЩ. В Русия няма нито една работа на този холандски художник.

Ане Франк– Дневникът на холандското момиче Ане Франк е един от най-известните и впечатляващи документи за нацистките зверства. Анна води дневник от 12 юни 1942 г. до 1 август 1944 г. Отначало тя пише само за себе си, докато през пролетта на 1944 г. не чува по радиото реч на министъра на образованието на Холандия Болкенщайн. Той каза, че всички доказателства за холандците по време на окупацията трябва да станат публична собственост. Впечатлена от тези думи, Анна решава след войната да издаде книга по нейния дневник.

Пол Верховенизвестен холандски режисьор. Създателят на такива филми като: фантастичният екшън "Робокоп" (1987), събрал повече от 50 милиона долара в боксофиса, супер екшънът "Total Recall" (1990) с Арнолд Шварценегер в водеща роля. Най-голям успех очаква култовият трилър "Основен инстинкт" (1992), в който Шарън Стоун и Майкъл Дъглас изиграха главните роли. Еротичната драма Showgirls (1995), заснета от Верховен след това, напълно се провали в боксофиса. Режисьорът успява частично да се „възстанови“, като заснема фантастичния екшън Starship Troopers (1997). Фантастичният трилър „Невидимият“ (2000) се оказа също толкова успешен, след излизането на който Верховен направи шестгодишна творческа почивка.

Мата Хари- главната куртизанка на световния шпионаж. Маргарета Гертруд Зеле се омъжи за 38-годишния Рудолф Маклауд. Запознаването на двойката, чиято възрастова разлика беше 20 години, се случи чрез реклама във вестник: самотен офицер Маклауд искаше романтична комуникация с противоположния пол и Маргарета го избра като обект на страст. Въпреки това, известно време след брака и преместването на остров Ява, Маргарета беше разочарована от своя избраник: холандецът от шотландски произход Маклауд страдаше от алкохолизъм, изхвърли целия си гняв и неудовлетвореност във военните дела върху жена си и двете си деца, а също и държали любовници. Бракът се проваляше и Маргарета се съсредоточи върху изучаването на индонезийските традиции, по-специално местните национални танци. Според легендата през 1897 г. тя за първи път започва да свири под псевдонима Мата Хари, което означава "слънце" на малайски ("мата" - око, "хари" - ден, буквално - "око на деня"). От този момент нататък започва превръщането в шпионин ...

Армин ван Бюрен– За всички фенове на електронната музика името на холандеца Armin van Buuren е име на истинска легенда. И това не е преувеличение. Наистина е трудно да се надцени значението на този музикант, DJ и просто изключително енергична личност за цялата транс индустрия.

Тиесто– Истинско име: Thijs Vervest. Tiësto е DJ номер 2 в света (и често номер едно в списъка на DJMag). Тиесто счупи световния рекорд за пиене на Red Bull за един ден, той успя да изпие 31 кутии - почти двойно повече от смъртоносната доза, но той не иска да го приема повече.

Дърк Никълъс Адвокат– холандски футболист (полузащитник) и футболен треньор, бивш селекционер на Холандия, ОАЕ, Южна Корея, Белгия, Русия, както и петербургски Зенит, Рейнджърс и други клубове. След като спечели руското футболно първенство през 2007 г. със Зенит, Адвокаат стана първият чуждестранен треньор, спечелил този турнир. 28 май 2008 г. Дик Адвокат е удостоен със званието почетен гражданин на Санкт Петербург. Освен това за това градският парламент трябваше да издаде специален закон лично за треньора, тъй като законът на Санкт Петербург „За титлата“ Почетен гражданин на Санкт Петербург.

Бенедикт Спиноза- холандски философ-рационалист, натуралист, един от основните представители на философията на новото време. Роден е в еврейско семействоно евреите го отлъчиха от църквата. Християните го мразеха еднакво. Въпреки че идеята за Бог доминира в цялата му философия, църковниците го обвиняват в атеизъм. Годините от живота на Спиноза съвпадат с началото на Модерната епоха. В работата си той осъществява синтез на научните идеи на Ренесанса с гръцката, стоическата, неоплатоническата и схоластична философия.

Кой от известните холандци познавате още, споделете в коментарите)

Забележка. Списъкът включва освен художниците от Холандия и художниците от Фландрия.

Холандско изкуство от 15 век
Първите прояви на ренесансовото изкуство в Холандия датират от началото на 15 век. Първо картини, които вече могат да бъдат класифицирани като ранноренесансови паметници, са създадени от братята Хуберт и Ян ван Ейк. И двамата - Хуберт (починал през 1426 г.) и Ян (около 1390-1441 г.) - играят решаваща роля във формирането на холандския Ренесанс. За Хуберт не се знае почти нищо. Очевидно Ян беше много образован човек, изучаваше геометрия, химия, картография, изпълняваше някои дипломатически мисии на херцога на Бургундия Филип Добрия, в служба на който, между другото, той пътува до Португалия. За първите стъпки на Ренесанса в Холандия може да се съди по живописните творби на братята, направени през 20-те години на 15 век, и сред тях като „Жени, носещи мир в гроба“ (вероятно част от полиптих; Ротердам, музей Boijmans-van Beiningen), „Мадона в църквата“ (Берлин), „Свети Йероним“ (Детройт, Институт по изкуствата).

Братя ван Ейк заемат изключително място в съвременното изкуство. Но те не бяха сами. В същото време с тях работят и други зографи, стилово и проблемно свързани с тях. Сред тях първото място несъмнено принадлежи на така наречения майстор Flemal. Правени са много гениални опити да се определи истинското му име и произход. От тях най-убедителната версия, според която този художник получава името Робърт Кампин и доста развита биография. По-рано наричан Майстор на олтара (или „Благовещение“) Мерод. Съществува и неубедителна гледна точка, която приписва произведенията, които му се приписват, на младия Рогиер ван дер Вейден.

За Кампен се знае, че е роден през 1378 или 1379 г. във Валансиен, получава титлата майстор в Турне през 1406 г., живее там, изпълнява много декоративни работи в допълнение към картините, е учител на редица художници (включително Рожиер ван der Weyden, който ще бъде обсъден по-долу, от 1426 г. и Жак Даре от 1427 г.) и починал през 1444 г. Изкуството на Кампин запазва битови черти в общата "пантеистична" схема и така се оказва много близко до следващото поколение холандски художници. Ранните творби на Рогиер ван дер Вейден и Жак Даре, автор, който беше изключително зависим от Кампен (например неговите Поклонение на влъхвите и Среща на Мария и Елизабет, 1434-1435 г.; Берлин), ясно разкриват интерес към изкуството на този майстор, който със сигурност се появява тенденция във времето.

Рогиер ван дер Вейден е роден през 1399 или 1400 г. и умира през 1464 г. Някои от най-големите художници на холандския Ренесанс (например Мемлинг) са учили при него и той е широко известен не само в родината си, но и в Италия (известният учен и философ Николай от Куза го нарича най-великият артист; Дюрер по-късно отбеляза неговата работа). Работата на Rogier van der Weyden служи като хранителна основа за различни художници от следващото поколение. Достатъчно е да се каже, че неговата работилница - първата толкова широко организирана работилница в Холандия - имаше силно влияние върху разпространението на стила на един майстор, безпрецедентен за 15-ти век, в крайна сметка сведе този стил до сумата от техники на шаблон и дори играе ролята на спирачка за рисуването в края на века. И все пак изкуството от средата на 15-ти век не може да бъде сведено до традицията на Rogier, въпреки че е тясно свързано с нея. Другият начин е въплътен предимно в работата на Дирик Боутс и Алберт Ууотър. На тях, подобно на Рожие, им е някак чуждо пантеистичното възхищение от живота и за тях образът на човека все повече губи връзка с въпросите на Вселената - философски, теологични и художествени въпроси, придобивайки все по-голяма конкретност и психологическа сигурност. Но Рогиер ван дер Вейден, майстор на повишения драматичен звук, художник, който се стреми към индивидуални и същевременно възвишени образи, се интересува главно от сферата на човешките духовни свойства. Постиженията на Bouts и Ouwater са в областта на повишаването на ежедневната автентичност на образа. Сред формалните проблеми те се интересуваха повече от въпроси, свързани с решаването не толкова на изразителни, колкото на визуални проблеми (не остротата на картината и изразяването на цвета, а пространствената организация на картината и естествеността, естествеността на светлината и въздушна среда).

Портрет на млада жена, 1445 г. Галерия със снимки, Берлин

Свети Иво, 1450 г., Национална галерия, Лондон

Свети Лука рисува образа на Мадоната, 1450 г., Музей Гронинген, Брюж

Но преди да преминем към разглеждането на творчеството на тези двама художници, е необходимо да се спрем на едно явление от по-малък мащаб, което показва, че откритията на изкуството от средата на века, като в същото време са продължение на традициите на ван Ейк-Кампен и отстъпничеството от тях бяха дълбоко оправдани и в двете тези качества. По-консервативният художник Петрус Кристус ярко демонстрира историческата неизбежност на това отстъпничество дори за художници, които не са склонни към радикални открития. От 1444 г. Христос става гражданин на Брюж (умира там през 1472/1473 г.) - тоест той вижда най-добрите произведения на ван Ейк и се формира под влиянието на неговата традиция. Без да прибягва до острия афоризъм на Rogier van der Weyden, Christus постига по-индивидуализирана и диференцирана характеристика, отколкото Van Eyck. Въпреки това, неговите портрети (Е. Гримстън - 1446, Лондон, Национална галерия; Картузиански монах - 1446, Ню Йорк, Метрополитен музей на изкуствата) в същото време свидетелстват за известно намаляване на образността в творчеството му. В изкуството стремежът към конкретното, индивидуалното и частното ставаше все по-отчетлив. Може би тези тенденции се проявяват най-ясно в работата на Bouts. По-млад от Rogier van der Weyden (роден между 1400 и 1410), той е далеч от драматичната и аналитична природа на този майстор. И все пак ранните Bouts в много отношения идват от Rogier. Олтарът със „Слизане от кръста“ (Гранада, катедралата) и редица други картини, като „Погребването“ (Лондон, Национална галерия), свидетелстват за задълбочено изследване на творчеството на този художник. Но оригиналността вече се забелязва - Боутс дава повече пространство на героите си, той се интересува не толкова от емоционалната среда, колкото от действието, в самия процес героите му са по-активни. Същото важи и за портретите. В превъзходен портрет на мъж (1462 г.; Лондон, Национална галерия), молитвено повдигнати - макар и без никаква екзалтация - очи, специална линия на устата и спретнато скръстени ръце имат толкова индивидуален цвят, който ван Ейк не е познавал. Дори в детайлите можете да усетите това лично докосване. Донякъде прозаично, но направо реално отражение лежи върху всички творби на майстора. Той е най-забележим в многофигурните си композиции. И особено в най-известната му творба – олтара на лувенската църква Свети Петър (между 1464 и 1467 г.). Ако зрителят винаги възприема работата на ван Ейк като чудо на творчеството, творчеството, тогава пред творбите на Боутс възникват други чувства. Композиторската работа на Боутс говори за него повече като за режисьор. Имайки предвид успехите на такъв "режисьорски" метод (т.е. метод, при който задачата на художника е да подреди, така да се каже, характерни герои, организирайте сцената) през следващите векове трябва да се обърне внимание на това явление в работата на Дирк Боутс.

Следващата стъпка в изкуството на Холандия улавя последните три или четири десетилетия на 15 век - изключително трудно време за живота на страната и нейната култура. Този период започва с творчеството на Йос ван Васенхов (или Йос ван Гент; между 1435-1440 г. - след 1476 г.), художник, който изигра значителна роля във формирането нова картина, но заминава през 1472 г. за Италия, там се аклиматизира и органично се включва в италианското изкуство. Неговият олтар с "Разпятието" (Гент, църквата "Св. Баво") свидетелства за влечението към повествованието, но в същото време за желанието да се лиши историята от студено безстрастие. Последното той иска да постигне с помощта на благодат и декоративност. Неговият олтар е светски по природа, със светла цветова схема, изградена върху изящни преливащи тонове.
Този период продължава с творчеството на майстора с изключителен талант - Хуго ван дер Гоес. Той е роден около 1435 г., става магистър в Гент през 1467 г. и умира през 1482 г. Най-ранните творби на Хус включват няколко изображения на Мадоната с младенеца, които се различават по лиричния аспект на изображението (Филаделфия, Музей на изкуството и Брюксел, музей), както и картината „Света Анна, Мария с младенеца и донор“ (Брюксел, музей). Развивайки констатациите на Rogier van der Weyden, Хус вижда в композицията не толкова начин за хармонична организация на изобразеното, колкото средство за концентрация и разкриване на емоционалното съдържание на сцената. Човек е забележителен за Гас само със силата на личните си чувства. В същото време Гас е привлечен от трагични чувства. Образът на Света Женевиева (на гърба на Оплакването) обаче свидетелства, че в търсене на оголената емоция Хуго ван дер Гоес започва да обръща внимание и на нейното етическо значение. В олтара Портинари Хус се опитва да изрази вярата си в духовните възможности на човека. Но изкуството му става нервно и напрегнато. Художествени техникиГас са разнообразни - особено когато трябва да пресъздаде духовния свят на човек. Понякога, както при предаването на реакцията на овчарите, той съпоставя близки чувства в определена последователност. Понякога, както в образа на Мария, художникът очертава Общи чертипреживявания, според които зрителят довършва усещането като цяло. Понякога - в изображенията на ангел с тесни очи или Маргарита - той прибягва до дешифриране на образа до композиционни или ритмични техники. Понякога самата неуловимост на психологическия израз се превръща за него в средство за характеризиране – както отражение на усмивка играе върху сухото безцветно лице на Мария Барончели. И огромна роля играят паузите - в пространственото решение и в действието. Те позволяват психическото развитие, завършването на чувството, което художникът е очертал в образа. Естеството на образите на Хуго ван дер Гоес винаги зависи от ролята, която те трябва да играят като цяло. Третият пастир е наистина естествен, Йосиф е изцяло психологичен, ангелът отдясно е почти сюрреалистичен, а образите на Маргарита и Магдалена са сложни, синтетични и изградени върху изключително фини психологически градации.

Уго ван дер Гоес винаги е искал да изрази, да въплъти в образите си духовната мекота на човек, неговата вътрешна топлина. Но по същество последните портрети на художника свидетелстват за нарастващата криза в творчеството на Хус, тъй като неговата духовна структура се генерира не толкова от осъзнаването индивидуални качестваличност, колко трагична е за твореца загубата на единството на човека и света. AT най-новата работа- "Смъртта на Мери" (Брюж, музей) - тази криза води до крах на всички творчески стремежи на художника. Отчаянието на апостолите е безнадеждно. Жестовете им са безсмислени. Носещ се в сиянието на Христос, с неговото страдание, той сякаш оправдава тяхното страдание, а прободените му длани са обърнати към зрителя, а фигура с неопределени размери нарушава мащабната структура и усещането за реалност. Също така е невъзможно да се разбере мярката за реалност на опита на апостолите, тъй като всички те имат едно и също чувство. И не е толкова техен, колкото на художника. Но неговите носители все още са физически реални и психологически убедителни. Подобни образи ще бъдат възродени по-късно, когато в края на 15 век в холандската култура вековната традиция (с Бош) приключи. Странен зигзаг формира основата на композицията на картината и я организира: седналият апостол, само неподвижен, гледащ към зрителя, е наклонен отляво надясно, проснатата Мария е отдясно наляво, Христос, плаващ, е от Отляво надясно. И същият зигзаг в цветовете: фигурата на седящия цвят е свързана с Мария, тази, която лежи върху матова синя тъкан, в роба също синя, но синьото е крайната, екстремна, тогава ефирната, нематериална синева на Христос . А наоколо цветовете на одеждите на апостолите: жълто, зелено, синьо – безкрайно студени, чисти, неестествени. Усещането в "Успение Богородично" е голо. Не оставя място за надежда или човечност. В края на живота си Хуго ван дер Гоес отива в манастир, най-много последните годинибяха помрачени от психични заболявания. Очевидно в тези биографични факти може да се види отражение на трагичните противоречия, които определят изкуството на майстора. Работата на Хус беше известна и оценена и привлече вниманието дори извън Холандия. Жан Клуе Стария (майстор на Мулен) е силно повлиян от неговото изкуство, Доменико Гирландайо познава и изучава олтара на Портинари. Съвременниците му обаче не го разбират. Холандското изкуство постоянно се насочваше към различен път и няколко следи от въздействието на творчеството на Хус само подчертаха силата и разпространението на тези други тенденции. Те се проявяват с най-голяма пълнота и последователност в произведенията на Ханс Мемлинг.

Земна суета, триптих, централен панел,

Адът, ляв панел на триптиха "Земна суета",
1485 г., музей изящни изкуства, Страстбург

Ханс Мемлинг, очевидно роден в Селигенщат, близо до Франкфурт на Майн, през 1433 г. (починал 1494 г.), художникът получава отлично обучение от Рожие и след като се премества в Брюж, придобива широка популярност там. Вече сравнително ранни творби разкриват посоката на неговото търсене. Началото на светлото и възвишеното получи от него много по-светски и земен смисъл, а всичко земно - някакво идеално въодушевление. Пример е олтарът с Мадоната, светци и дарители (Лондон, Национална галерия). Мемлинг се стреми да запази ежедневния облик на истинските си герои и да доближи идеалните герои до тях. Възвишеното начало престава да бъде израз на определени пантеистично разбирани общи световни сили и се превръща в естествено духовно свойство на човека. Принципите на работата на Мемлинг се изразяват по-ясно в така наречения Флорейнс-олтар (1479 г.; Брюж, музей Мемлинг), основната сцена и дясното крило на който са по същество безплатни копия на съответните части от мюнхенския олтар на Рожие . Той драстично намалява размера на олтара, отрязва горната част и страните на композицията на Рожие, намалява броя на фигурите и сякаш приближава действието до зрителя. Събитието губи своя величествен размах. Образите на участниците са лишени от представителност и придобиват частни черти, композицията е сянка на мека хармония, а цветът, запазвайки чистота и прозрачност, напълно губи студената, остра звучност на Рожие. Изглежда, че трепти с леки, ясни нюанси. Още по-характерен е Благовещението (около 1482 г.; Ню Йорк, колекция Леман), където е използвана схемата на Роджие; образът на Мария получава чертите на мека идеализация, ангелът е значително жанризиран, а интериорните предмети са изписани с ван ейкианска любов. В същото време в творчеството на Мемлинг все повече навлизат мотивите на италианския Ренесанс - гирлянди, путти и др., а композиционната структура става все по-премерена и ясна (триптих с Мадоната с младенеца, Ангел и дарител, Виена). ). Художникът се опитва да размие границата между конкретното, бюргерско начало и идеализиращото, хармонично.

Изкуството на Мемлинг привлича голямото внимание на майсторите от северните провинции. Но те също се интересуваха от други характеристики - тези, които бяха свързани с влиянието на Хус. Северните провинции, включително Холандия, изостават от южните през този период както икономически, така и духовно. Ранната холандска живопис като цяло не надхвърля късносредновековния, но въпреки това провинциален модел, и нейният занаят никога не се издига до нивото на артистичността на фламандските художници. Едва от последната четвърт на 15 век ситуацията се променя благодарение на изкуството на Hertgen tot sint Jans. Той живее в Харлем, при монасите на Св. Йоан (на които дължи прякора си - Синт Янс в превод означава Св. Йоан) и умира млад - двадесет и осем годишен (роден в Лайден (?) около 1460/65 г., умира в Харлем през 1490-1495 г.). Гертген смътно усети безпокойството, което тревожеше Хус. Но без да достига до трагичните си прозрения, той открива мекото очарование на простото човешко чувство. Той е близо до Гус с интереса си към вътрешния, духовен свят на човека. Към номера основни произведенияГертген включва олтар, написан за харлемските йоанисти. От него е запазено дясното, сега разпиляно двустранно крило. Вътрешната му страна представлява голяма многофигурна траурна сцена. Гертген постига и двете цели, поставени от времето: предаване на топлина, човечност на чувствата и създаване на жизнено убедителен разказ. Последното е особено забележимо от външната страна на листа, където е изобразено изгарянето на тленните останки на Йоан Кръстител от Юлиан Отстъпника. Участниците в действието са надарени с преувеличена характеристика, а действието е разделено на няколко независими сцени, всяка от които е представена с живо наблюдение. По пътя майсторът създава може би един от първите групови портрети в европейското изкуство на новото време: изграден на принципа на проста комбинация характеристики на портрета, то предшества работата от 16 век. За да разберем работата на Гертген, неговото „Семейство на Христос“ (Амстердам, Rijksmuseum), представено в интериор на църква, интерпретирано като истинско пространствена среда. Фигурите на преден план остават значими, без да показват чувства, запазвайки ежедневния си вид със спокойно достойнство. Художникът създава образи, може би най-бюргерските по характер в изкуството на Холандия. В същото време е важно, че Хертген разбира нежността, доброто излъчване и известна наивност не като външни характерни признаци, а като определени свойства на човешкия духовен свят. И това сливане на бюргерското усещане за живот с дълбока емоционалност е важна характеристика на творчеството на Хертген. Неслучайно не е давал умствени движениятехните герои с възвишено-универсален характер. Той съзнателно не позволява на героите си да станат изключителни. Поради това те не изглеждат индивидуални. Те имат нежност и нямат други чувства или странични мисли, самата яснота и чистота на техните преживявания ги прави далеч от ежедневието. Въпреки това идеалността на образа, произтичаща от това, никога не изглежда абстрактна или изкуствена. Тези характеристики също отличават един от най-добрите работихудожник, "Коледа" (Лондон, Национална галерия), малка картина, изпълнена с чувства на вълнение и изненада.
Гертген умира рано, но принципите на неговото изкуство не остават в неизвестност. Майсторът на брауншвайгския диптих, който стои по-близо до него („Свети Баво“, Брауншвайг, музей; „Коледа“, Амстердам, Rijksmuseum) и някои други анонимни майстори не толкова развиват принципите на Хертген, колкото им придават характер на широко разпространен стандарт . Може би най-значимият сред тях е Майсторът Дева между девиците (наречен на картината от амстердамския Rijksmuseum, изобразяваща Мария сред светите девици), който гравитира не толкова към психологическата обосновка на емоцията, колкото към остротата на нейното изразяване в малко, по-скоро ежедневни и понякога почти съзнателно грозни фигури (Погребване, Сейнт Луис, Музей; Плач, Ливърпул; Благовещение, Ротердам). Но също. творчеството му е по-скоро свидетелство за изчерпването на една вековна традиция, отколкото израз на нейното развитие.

Рязък спад в художественото ниво се забелязва и в изкуството на южните провинции, чиито майстори са все по-склонни да се увличат от незначителни битови детайли. По-интересен от други е самият наративен Майстор на легендата за св. Урсула, който работи в Брюж през 80-те и 90-те години на 15 век („Легендата за св. Урсула“; Брюж, манастирът на черните сестри), неизвестен автор на портрети на съпрузите Барончели (Флоренция, Уфици), не без умение, но и много традиционен за Брюж майстор на легендата за Света Лучия ("Олтарът на Света Лусия", 1480 г., Брюж, църквата Св. Яков , а също и полиптих, Талин, музей). Формирането на празното дребно изкуство в края на XV век е неизбежна антитеза на търсенията на Хус и Хертген. Човекът е загубил основния стълб на своя мироглед - вярата в хармоничното и благоприятно устройство на Вселената. Но ако широко разпространената последица от това беше само обедняването на предишната концепция, тогава по-внимателното вглеждане разкри заплашителни и мистериозни черти в света. За да се отговори на неразрешимите въпроси на времето, са включени късносредновековни алегории, демонология и мрачни предсказания на Светото писание. В контекста на нарастващите остри социални противоречия и тежки конфликти възниква изкуството на Бош.

Йероним ван Акен, по прякор Бош, е роден в Хертогенбош (умира там през 1516 г.), тоест далеч от основните художествени центрове на Холандия. Ранните му творби не са лишени от нотка на известна примитивност. Но вече те странно съчетават острото и тревожно усещане за живота на природата със студената гротескност в изобразяването на хората. Bosch отговаря на тенденцията съвременно изкуство- със стремежа си към реалното, с конкретизирането на образа на човек, а след това - принизяването на неговата роля и значение. Той довежда тази тенденция до известна граница. В изкуството на Бош се появяват сатирични или по-добре саркастични образи на човешкия род. Това е неговата "Операция за извличане на камъните на глупостта" (Мадрид, Прадо). Операцията се извършва от монах - и тук се вижда зла усмивка на духовенството. Но този, на когото се прави, гледа напрегнато към зрителя, този поглед ни прави въвлечени в действието. Сарказмът расте в творчеството на Бош, той представя хората като пътници на кораб на глупаците (картина и рисунка към него в Лувъра). Обръща се към народния хумор – и той добива мрачна и горчива сянка под ръката му.
Бош стига до утвърждаването на мрачната, ирационална и долна природа на живота. Той не само изразява своя мироглед, своето усещане за живот, но му дава морално-етична оценка. Купа сено е една от най-значимите творби на Бош. В този олтар голото усещане за реалност се слива с алегоричност. Купата сено загатва за старата фламандска поговорка: „Светът е купа сено: и всеки взема от нея каквото може да грабне“; хора на видно място се целуват и свирят музика между ангел и някакво дяволско създание; фантастични същества теглят каруцата, а папата, императорът я следват радостно и послушно, прости хора : някои тичат напред, втурват се между колелата и умират смазани. Пейзажът в далечината не е нито фантастичен, нито приказен. А над всичко - на облак - малък Христос с вдигнати ръце. Въпреки това би било погрешно да се мисли, че Бош гравитира към метода на алегоричните сравнения. Напротив, той се стреми да гарантира, че идеята му е въплътена в самата същност на художествените решения, така че да се яви пред зрителя не като шифрована поговорка или притча, а като обобщаващ безусловен начин на живот. С изтънченост на фантазията, непозната за Средновековието, Бош изпълва картините си със същества, които причудливо съчетават различни животински форми или животински форми с обекти от неодушевения свят, поставяйки ги в очевидно невероятни отношения. Небето става червено, птици с платна летят във въздуха, чудовищни ​​същества пълзят по лицето на земята. Рибите с конски крака отварят устата си, а плъховете са до тях, носейки на гърба си оживяващи дървени корчове, от които се излюпват хора. Крупата на коня се превръща в гигантска кана, а опашата глава се промъква някъде върху тънки голи крака. Всичко пълзи и всичко е надарено с остри, драскащи се форми. И всичко е заразено с енергия: всяко същество - малко, измамно, упорито - е обхванато от зло и прибързано движение. Бош придава на тези фантасмагорични сцени най-голяма убедителност. Той изоставя образа на действието, развиващо се на преден план, и го разпространява в целия свят. Той придава на своите многофигурни драматични екстравагантности зловещ оттенък на тяхната обобщеност. Понякога вкарва драматизация на някоя поговорка в картината – но в нея не остава хумор. А в центъра поставя малка беззащитна фигура на св. Антоний. Такъв например е олтарът с "Изкушението на св. Антоний" върху централното крило от Лисабонския музей. Но тук Бош проявява безпрецедентно остро, голо чувство за реалност (особено в сцените на външните двери на споменатия олтар). В зрелите творби на Бош светът е безграничен, но неговата пространственост е друга – по-малко стремителна. Въздухът изглежда по-чист и влажен. Така е написана "Йоан на Патмос". На обратната страна на тази картина, където сцените на мъченичеството на Христос са изобразени в кръг, са представени невероятни пейзажи: прозрачни, чисти, с широки открити пространства на реката, високо небе и други - трагични и интензивни (" Разпятие“). Но колкото по-настойчиво Бош мисли за хората. Той се опитва да намери адекватен израз на живота им. Той прибягва до формата на голям олтар и създава странен, фантасмагоричен грандиозен спектакъл на греховния живот на хората - "Градината на насладите".

Последните творби на художника странно съчетават фантазията и реалността на предишните му творби, но в същото време носят усещане за тъжно помирение. Клъстери от зли същества са разпръснати, преди това триумфално се разпространяват по цялото поле на картината. Отделни, малки, те все още се крият под дърво, появяват се от тихи речни струи или бягат през пусти хълмове, обрасли с трева. Но те намаляват по размер, губят активност. Вече не нападат хора. А той (все пак това е св. Антоний) сяда между тях - чете, мисли ("Св. Антоний", Прадо). Бош не се интересуваше от позицията на един човек в света. Свети Антоний в предишните си произведения е беззащитен, жалък, но не сам - всъщност той е лишен от онази част от независимостта, която би му позволила да се чувства самотен. Сега пейзажът се свързва само с един човек и в творчеството на Бош възниква темата за човешката самота в света. С Бош завършва изкуството на 15 век. Работата на Бош завършва този етап от чисти прозрения, след това интензивни търсения и трагични разочарования.
Но тенденцията, олицетворявана от неговото изкуство, не беше единствената. Не по-малко симптоматична е друга тенденция, свързана с творчеството на майстор от неизмеримо по-малък мащаб - Жерар Давид. Умира късно – през 1523 г. (роден около 1460 г.). Но, подобно на Бош, той затвори 15 век. Още ранните му произведения (Благовещението; Детройт) са с прозаично-реален склад; произведения от самия край на 1480-те (две картини по сюжета на двора на Камбиз; Брюж, музей) разкриват тясна връзка с Bouts; по-добре от други композиции от лиричен характер с развита, активна пейзажна среда („Почивка на полета в Египет“; Вашингтон, Национална галерия). Но най-ярко невъзможността на майстора да надхвърли века е видима в неговия триптих с Кръщението Христово (началото на 16 век; Брюж, музей). Близостта, миниатюризацията на живописта изглежда е в пряк конфликт с големия мащаб на картината. Реалността в неговата визия е лишена от живот, емаскулирана. Зад наситеността на цвета не се крие нито духовно напрежение, нито усещане за скъпоценността на Вселената. Емайлът на живописния стил е студен, самостоятелен и лишен от емоционална насоченост.

15-ти век в Холандия е време на велико изкуство. До края на века той се е изчерпал. Нови исторически условия, преходът на обществото към друг етап на развитие предизвика нов етапв еволюцията на изкуството. Възниква в началото на 16 век. Но в Холандия, с характерното за тяхното изкуство първично съчетание на светския принцип, идващ от ван Ейкс, с религиозни критерии за оценка на житейските явления, с неспособността да се възприеме човек в неговото самодостатъчно величие, отвъд въпросите за духовното общение със света или с Бога, има нова ера в Холандия, която неизбежно трябваше да настъпи едва след най-силната и тежка криза на целия предишен мироглед. Ако в Италия Високият Ренесанс е логично следствие от изкуството Куатроченто, то в Холандия няма такава връзка. Преходът към нова ера се оказа особено болезнен, тъй като в много отношения доведе до отричане на предишното изкуство. В Италия разликата с средновековни традициивъзниква още през 14 век, а изкуството на италианския Ренесанс запазва целостта на своето развитие през целия Ренесанс. В Холандия ситуацията е различна. Използването на средновековното наследство през 15 век затруднява прилагането на установените традиции през 16 век. За холандските художници границата между 15-ти и 16-ти век се свързва с радикална промяна в мирогледа.