Барнет Нюман е скъп абстрактен художник. Барнет Нюман - Скъпа абстракционистка Ани Лайт

1. Пабло Пикасо. Сън - 155 милиона долара

Майсторът е написал това произведение през 1932 г. в замъка си Буагелу, разположен на 63 км от Париж. За него позира Мари-Терез Валтер, която по това време е единственият му модел, героиня и муза. „Мечтата“ е създадена през така наречения „период на сюрреализма“, един от най-трудните и неравномерни периоди в творчеството на Пикасо. Платното със средни размери (130x97 см) за първи път е обявено за продажба на търг на Christie's на 11 септември 1997 г. и отива на чук за $48,4 млн. След 9 години картината се появява отново на пазара на изкуството, но с цена от $139 млн. Точно преди продажбата обаче се случи непредвиден инцидент.Собственикът на картината, Стив Уин, ден преди размяната на вече договорената сума, застанал с гръб към картината, разказа на гостите си за живота на художник.Той беше толкова страстен за своята история и толкова емоционално зареден, че жестикулираше през цялото време. Тук в друг импулс Стив Уин неочаквано удари картината с десния си лакът и я разкъса. Естествено, сделката беше анулирана и картината отиде за реставрация В края на март 2013 г. стана известно, че бившият претендент за картината Стивън Коен "Платното отказа да го купи, повтори желанието си да купи реставриран шедьовър. Този път всичко мина гладко и Пикасо " Мечта" беше продадена рекордно за тази картина 155 милиона долара (Стивън Коен изрази мнение, че след реставрацията картината е станала по-добра и той хвърли 16 милиона долара отгоре). Никой не е купувал повече от Пикасо.

2. Франсис Бейкън. Три проучвания за портрет на Лучан Фройд - 142,4 милиона долара

Това произведение е нарисувано от художника през 1969 г. в Кралския колеж по изкуствата в Лондон. Изобразява друг британски художник и близък приятел на Бейкън по онова време, Лучиан Фройд. Всяка част от триптиха е с еднакъв размер 198x147,5 см. За първи път е показан на изложба в Торино, в Galleria d'Arte Galatea. В средата на 70-те години на миналия век, след изложбата в Гран Пале, три части от триптиха тръгват в различни посоки – Рим, Париж и Япония и едва в края на 80-те години, с усилията на италианския колекционер от Рим, Франческо де Симон Никес, бяха отново събрани и показани през 1999 г. в американския Йейлски център за британско изкуство. На 12 ноември 2013 г., в рамките на 6 минути, триптихът беше продаден на търг на Christie's за рекордната цена на открития търг от $ 142,4 милиона Първоначално името на купувача не беше съобщено, но след известно време все пак стана известно. предполагаеми слухове, според които работата на английския художник е закупена от сестрата на емира на Катар Ал-Маяса-бинт-Хамад-бин-Халифа-ал-Тан и всъщност щастливият собственик на триптиха на Франсис Бейкън " Три изследвания на портрет на Лучан Фройд" беше 70-годишната Илейн Уин, бивша съпругаАмериканският магнат Стив Уин, този, който намушка Пикасо с лакът.

3. Барнет Нюман. Anna's Light - 106 милиона долара

Барнет Нюман има само девет публични продажби (за разлика от същия Пикасо, който вече имаше 359), което не пречи на този американец да бъде в елитната дивизия на най-много скъпи артисти. Всъщност Барнет Нюман няма толкова много произведения за продажба - само 120, тъй като той лично е унищожил всичките си ранни творби през 1940 г. Платното "Светлината на Анна", нарисувано от Нюман през 1968 г. и кръстено в памет на майка му, починала през 1965 г., е най-голямото от всички творческо наследствохудожник. Размерите му са наистина впечатляващи – 610,5х275 см. За Нюман това е било много важно, той е отдавал особено значение на размера, като основен компонент на визуалното изживяване. И разбира се, не трябва да забравяме масива от червен цвят, който е навит от художника на няколко слоя, за да постигне желаната наситеност и да го направи физически осезаем за зрителя, доминиращ над него. Художникът се сблъсква с вълна от неделим цвят, който според него трябва да се превърне в градивно начало на нов свят, защото според самия Нюман „човекът е трагично същество и същността на тази трагедия се крие в метафизичното проблем на частта и цялото.”

4. Анди Уорхол. Silver Crash (Double Crash) - 105,4 милиона долара

Това произведение на краля на поп изкуството, датирано от 1963 г., е платно с размери 250x400 см, върху което е пренесена и възпроизведена чрез ситопечат (любимата техника на Уорхол) снимка от вестник на кола, която се блъска в дърво. За тази работа Уорхол използва сребърна отразяваща боя. Това е една от четирите сцени на Уорхол от 1963 г. в две части с автомобилна катастрофа, като едната половина изобразява пътнотранспортно произшествие, а другата монохромна сребърна повърхност. Останалите три творби от поредицата, под общото заглавие „Смърт и катастрофи“, се съхраняват в музейни колекции в САЩ, Швейцария и Австрия. Според мен Уорхол излезе с отлична метафора за живота и смъртта, когато трагедията е в съседство с всеобхватна празнота. Картината вече е преминала през колекциите на Гюнтер Сакс, Чарлз Саачи и Томас Аман, което само увеличава колекционерската й стойност и увеличава цената.

5. Джеф Кунс. куче от балон с горещ въздух- 58,4 милиона долара

Наследникът на Дюшан и ярък представителсимулационизъм в модерното изкуство, Джеф Кунс създава през 90-те години цяла серия от скулптури, които имитираха играчки от продълговати балони. Кучетата бяха хвърлени пет копия. Всички те са изработени от лъскава стомана, полирана до огледало и се различават един от друг само по цвят. Освен оранжевото „Куче с балон“, продадено за 58,4 милиона долара, има още лилаво, червено, жълто и синьо. Височината на гигантските кучета достига три метра, а всяко тежи един тон. Скулптури от тази серия са включени в колекциите на известни колекционери Стивън Коен, Ели Броуд и Франсоа Пино. След продажбата през 2013 г. Джеф Кунс придоби статута на най-скъпия жив художник.

6. Джаксън Полък. Номер 19 - 58,4 милиона долара

Джаксън Полок, който работи в изобретената от него техника на капене (пръскане), създава "Номер 19" през 1948 г., когато абстрактният експресионизъм в Америка току-що се заражда. В същото време трябва да се разбере, че абстрактният експресионизъм не е някаква самостоятелна посока стилистични особености, а по-скоро обща точкавъзглед за самата природа на изкуството – спонтанен израз вътрешен свят, субективни асоциации на подсъзнанието в неорганизирани логично мисленеабстрактни форми. И в този смисъл Полък е най-влиятелният проповедник на това движение и абсолютен класик. Неговата "екшън живопис" дава мощен тласък на зараждащото се ново изкуство. Имайки малък размер (78,4x57,4 cm), картината на Джаксън Полък "Номер 19" е написана в най-продуктивния период от живота на майстора, малко преди първата му самостоятелна изложба в галерия Betty Parsons, която се превърна в сензация и имаше финансов успех. Както се вижда сега, този успех съпътства работата на Полък и до днес.

7. Анди Уорхол. Coca-Cola (3) - 57,3 милиона долара

И отново в списъка е човекът, изобретил диско огледалната топка – Анди Уорхол. Този път с оригиналното черно-бяло изображение на бутилка Coca-Cola в реален размер (176,2 x 137,2 см), създадена през 1962 г. Смята се, че именно с тази творба започва походът на поп изкуството по планетата. Мнозина казват, че Уорхол създава „портрет на едно поколение“, избирайки универсален символ за изображението си върху платно. Самият господар обяснява избора си по следния начин: „Това, което прави Америка велика е, че най-богатите хора купуват абсолютно същите стоки като най-бедните. Знаете, че президентът пие Кока-Кола, Лиз Тейлър е пристрастена към Кока-Кола, а вие, представете си, също можете да пиете Кока-Кола! Coca-Cola винаги е същата Coca-Cola, независимо колко пари плащате." Честно казано, Анди Уорхол не е първият художник, вдъхновен от бутилка кола. Известно е, че Салвадор Дали и Марисол Ескобар също изпитват нежни чувства към нея, но именно Уорхол успява да създаде от нея върховния шедьовър.

8. Рой Лихтенщайн. Жена с шапка на цветя - 56,1 милиона долара

Тази известна малка поп арт творба (127x101,6 см) е базирана на едноименната картина на Пабло Пикасо от 1940 г. Според Лихтенщайн испанският майстор е станал обект на поп културата още приживе и затова вече трябва да принадлежи на всички. Пикасо, между другото, не е единственият художник, когото Лихтенщайн "преведе" по този начин на опростения език на поп културата. Имаше и Моне, Матис, Леже, Мондриан. Но ако основната идея на поп изкуството беше превръщането на стоките в изкуство, тогава цялата ирония беше в обратното движение. Така Рой Лихтенщайн, получил класическо образование в областта изящни изкуства, "отърва" се от влиянието на почтени предшественици, под което попадна в младостта си, като иронично пренесе работата им в регистъра на стереотипното масово съзнание с помощта на крещящи цветове, имитация на индустриален типографски печат и естетика на комиксите. Но както се оказа, шедьоврите, превърнати от ръката на Лихтенщайн във „менте“, сега се завръщат при нас с нови шедьоври.

9. Алберто Джакомети. Голяма тънка глава Голяма главаДиего - 50 милиона долара

Скулптурата на Алберто Джакомети, създадена през 1955 г., представлява бюст с височина 65 см, изобразяващ по-малкия брат на скулптора, който е бил негов любим гледач през целия живот. Излят от бронз, той трябваше да бъде инсталиран на уличен площад в Ню Йорк, но така и не стигна до там. Наред с неговия легендарен „Ходещ човек“, тази скулптура се смята и за знакова за творчеството на Джакомети. Голямата глава на Диего е една от най-радикалните и емоционални творби на автора. Неговата особена техника създава впечатление за непълнота и символизира несъвършенството на света, а уязвимостта, крехкостта и беззащитността на човек в образите на майстора въплъщават идеите на екзистенциализма - околен святкато киселина, тя разяжда и деформира повърхността на тялото, принуждавайки човек смело да живее живота си във вечно движение и вечно търсене на по-добра съдба. За съжаление, работете по голяма главаДиего“ е спрян поради смъртта на автора. Така че всъщност това е един от скорошни творбиДжакомети.

10. Жан-Мишел Баския. Clouded Heads - 48,8 милиона долара

Каквото и да се каже, но неоекспресионистът Жан-Мишел Баския, нюйоркският ъндърграунд певец от първата половина на 80-те, който отвори света на графитите за нас и почина на 27 години от свръхдоза хероин, работи за неговата ярка и разказживот. Художникът най-после е „вкусен“ и вече е поставен наравно с Уорхол и Полок, двама гиганти на американското изкуство от 20 век. Това се потвърждава красноречиво от продажбите на търг. Миналият максимум за продажба на картини на този художник беше регистриран на около 28,97 милиона долара. Сега тя е премината и, съдейки по оценките на експертите, това не е границата - цената само ще расте. Картината "Замъглени глави" (182.8x213.3 cm) - ранна работахудожник, написана от него през 1982 г., точно по времето, когато е очарован от ритуални маски, скелети и хаитянски сюжети и когато среща Анди Уорхол, което определя бъдещия му живот, с когото, между другото, впоследствие създава няколко съвместни върши работа.

Барнет Нюман, също Нюман (англ. Barnett Newman; 29 януари 1905 г., Ню Йорк - 4 юли 1970 г., Ню Йорк) - американски художник, виден представител на абстрактния експресионизъм.

БИОГРАФИЯ НА ХУДОЖНИКА

Нюман е роден в семейство на еврейски имигранти от Полша. След като учи живопис в Лигата на студентите по изкуства (Art Students League) при Дънкан Смит, той успява едва от 1937 г. да се посвети изцяло на изкуството.

Отначало той работи в стила на автоматизма, създавайки през 1944-1945 г. серия от калиграфско-сюрреалистични рисунки и основавайки 3 години по-късно, заедно с Уилям Базиотис и Робърт Мадъруел художествено училище. По това време художникът пише своите абстрактно-експресионистични платна.

Едва през 1950 г. Барнет Нюман организира първата си самостоятелна изложба, която е посрещната с унищожителна критика. След това художникът прави 8-годишна пауза, която посвещава на развитието на уменията си. Резултатът е ретроспекция на творчеството му през 1958 г., която той представя на публиката. Картините му са предимно едноцветни повърхности, сякаш „зашити” с цветни линии, контрастиращи на основния тон.

През 1966 г. Лорънс Алоуей организира изложба в музея Соломон Гугенхайм в Ню Йорк, наречена „Кръстният път“. Тя разсея последните съмнения дори сред онези художници, които ценят техническите качества на Нюман (яркост на цвета, голям формат), а не истинския, метафизичен смисъл на работата му.

„Работилницата е светилище“, заявява художникът.

Последните произведения на Нюман са композиции във формата равнобедрен триъгълник. Ретроспективни изложби на творчеството на Нюман се провеждат през 1972 г. в Ню Йорк, а след това в Лондон, Амстердам и Париж. Негови картини са представени в много частни и обществени колекции в Ню Йорк (Музей съвременно изкуство), Лос Анджелис („Onement VI“, 1953, колекция Weisman), Базел („Ден преди един“, 1951), Лондон („Адам“, 1951-1952, гал. Тейт), Стокхолм („Tertia“, 1964 , Национален музей) и Хюстън (колекция Менил). В Националния музей на модерното изкуство. Центърът Помпиду в Париж съхранява картината "Сияние напред" (1961) и колекция от гравюри.

СЪЗДАВАНЕ

Клемент Грийнбърг пише: „Границите на големите платна на Нюман играят същата роля като вътрешните линии на формите. Те разделят, но нищо не отделят, затварят или изолират. Те поставят граници, но не ограничават нищо.

Нюман е наричан модел на високия модернизъм, предшественик на минимализма, екзистенциалист и духовен художник, който черпи вдъхновение от еврейския мистицизъм. Самият Нюман заявява през 1947 г., когато достига до зрял стил, че всяко изкуство, достойно за името си, трябва да се обръща към „живота“, „човека“, „природата“, „смъртта“ и „трагедията“. Нюман винаги е настоявал за богатото емоционално съдържание на творчеството си, въпреки че приживе творчеството му предизвиква неразбиране и обвинения в "празнота".

Нюман е един от водещите представители на американското следвоенно изкуство. Заедно с Ротко и Стил, той представлява онази част от Нюйоркската школа, която е враждебна към екшън живописта. До 1960 г. той играе доста скромна роля. Въпреки това строгите форми и широките повърхности на Нюман имаха особено забележим ефект върху и, особено, за които основен проблемимаше вертикални цветни полета и разположението им в пространството.

След това художникът започва да работи в голям формат и в ярки цветове, така че вертикалните цветни полета придобиват релеф и разширяването им в пространството напълно поглъща вниманието на публиката („Авраам“, 1949, Ню Йорк, Музей на модерното изкуство) . Така примитивният правоъгълник на картината беше счупен. Вертикалното разделение, вписано в правоъгълника, стана следващият фактор между частите; потвърждава първоначалната схема в равнината: всяка част от картината е в другата по отношение на формалната аналогия, точно както цялата картина е свързана със стената („Кой се страхува от червено, жълто, синьо?“, 1966- 1967, Амстердам, Градски музей).

Но е невъзможно тази посока да се разглежда от чисто формална гледна точка. Самият художник смята творбите си за почти символични. Подобно на други майстори от това поколение, заглавията на неговите картини често са метафорични и двусмислени, в същото време интелектуални и поетични.

СЕРИЯ ONEMENT

„Онемент” (шест картини носят това име) отразява хармонията, цялостността, завършеността. Биографът на художника Томас Хес отбелязва, че през английски езикняма дума "onement", тя идва от "atonement", което означава "изкупление".

Серията Onement е един от основополагащите проекти на Нюман. Платната от тази серия, без да навлизат в тънкости, демонстрират характера на художника творчески методработи: многоцветен или равномерен текстуриран фон с вертикални ивици. Самият художник ги нарича светкавица (цип). Той каза, че този термин е по-подходящ - свързан с движение и незавършеност. Фразата „завършена работа“ Нюман смята за шарлатанска. „Onement1“ (1948) е първата картина, в която посоката на търсене е ясно изразена: голяма оранжева лента, която се спуска от центъра на картината, създава ефект на постоянна динамика.

Освен това художникът работи и върху скулптура, главно в стомана („Тук 1“, 1962; „Тук II“, 1965; „Тук III“, пак там; „Счупен обелиск“, 1963-1967; „ЗимЗум“, 1962 ), над оформлението на синагогата (1963) и литографии („Kantos“, 1963-1964, Париж, Национален музей за модерно изкуство, Център Помпиду). Творчеството на този самобитен художник, който понякога достигаше истинска дълбочина и рядко изпадаше в повърхностност и помпозност, ще остане дълго в паметта.

Американски художник, скулптор, философ и есеист Барнет Нюман (1905-1970)Мислех това „Творчеството е не само най-висшето, но и първичното състояние на човешкото съзнание“.

Но за да докаже това на света, представителят на абстрактния експресионизъм трябваше да издържи вълна от недоволство и неразбиране от страна на критиците, да унищожи творбите си, създадени в продължение на 40 години, да направи осемгодишна пауза и едва след всичко преживяно , се превръщат в образец на високия модернизъм.

И сега за всичко по ред.

Ню Йорк, САЩ. 29 януари 1905 г Бъдещият художник Барнет Нюман е роден в семейство на еврейски емигранти от Полша. Интересът към рисуването се появи в момчето в училище. Постепенно то се превърна в дело на живота, а получената философска степен само засили желанието да се докаже на света, че "Първият човек беше художник!", защото „Адам, след като е ял от Дървото на познанието, се стреми да спечели творчески животза да бъдем като Бог - "творецът на световете".

Ранните творби на художника са свободни асоциации, мечти или, с други думи, маниерът на автоматизма. В стила на Джаксън Полок, Нюман през 1944-1945 г. създава серия от калиграфско-сюрреалистични рисунки Untitled („Без заглавие“), The Blessing („Благословия“).

Платната, представени на самостоятелна изложба през 1950 г., се отличават с използването на алюзии и парадоксална комбинация от форми. Да означаваш много или да не означаваш нищо е принципът на сюрреализма, така че всеки разбира ранния Нюман по свой начин. Самият художник заяви, че творбите му са богати на емоционално съдържание. Той си поставя висока цел - да се обърне към епохалните понятия: човек, природа, живот, смърт.

Заглавията на картините на Нюман имат за цел да събудят онези чувства и емоции, които авторът предава само с един цвят в един необективен свят. За съжаление, критиците обвиниха работата му, че е празна. На свой ред неблагоприятните отзиви принудиха Нюман да напусне арената на изкуството за известно време, но, както се оказа, той не напусна, а се скри. Осемгодишно прекъсване води художника към абстрактния експресионизъм.

Отправната точка на нов кръг от творчеството на експресиониста беше ретроспекция на неговото творчество. Творбите на Барнет Нюман, представени на публиката през 1858 г., са изпълнени по напълно нов начин. Неговите платна станаха по-големи и бяха направени в ярки цветове. Появиха се така нареченият "цип" или вертикална лента - визиткаНов мъж.

Серията Onement („Изкупление“), състояща се от шест картини, отразява хармонията и пълнотата на живота. Художникът черпи вдъхновение от философските ценности, така че всички творби могат да се считат за символични, а заглавията им са метафорични. Границите на тоновете върху тях всъщност не разделят нищо, а прокламират един от основните американски принципи - свободата. Американският изкуствовед Клемент Грийнбърг пише:

„Границите на големите платна на Нюман играят същата роля като вътрешните линии на формите. Те разделят, но нищо не отделят, затварят или изолират. Те поставят граници, но не ограничават нищо.

Освен живопис, Нюман работи и върху скулптура. Broken Obelisk („Счупен обелиск“) впечатлява със своята монументалност. Това е обърнат обелиск, който сякаш се носи във въздуха. Пирамидите и обелиските отдавна са смятани за символ на смъртта, но художникът преосмисля тази концепция, превръщайки смъртта в безкраен живот.

Създавайки абстрактни платна, Барнет Нюман измисля свои собствени инструкции за разбиране на работата си. Той настоява платната му, противно на сегашния принцип, да не се гледат от разстояние, равно на височината на платното, а изключително близо до него. Това създава ефекта на потапяне в света на цветните полета.

Малко по-късно големият представител на абстрактния експресионизъм започва да поставя плочи с инструкции директно на изложби, вярвайки, че в близост до неговата работа те могат да се харесат на самосъзнанието на човек.

Барнет Нюман е най-видният представител на американското направление на абстрактното изкуство. Той е роден през 1905 г. в Ню Йорк. Друго изписване на фамилното му име също е често срещано: Нюман. В англоезичните източници той е известен като Барнет Нюман.

Колко картини са останали

Между другото, художникът Барнет Нюман унищожи абсолютно всички свои ранни картини, около четиридесет години работа бяха зачеркнати и, за съжаление, изобщо не с едно движение на четката. Ето защо днес, говорейки за работата на Нюман, изследователите анализират изключително "оцелелите" платна от късния период в размер на 120 парчета, които се вписват във времевата рамка от почти двадесет и пет години.

Етапи на формиране

Родителите му са емигранти от Полша, евреи по произход. Младият Барнет Нюман учи живопис в Лигата на студентите по изкуства, известна още като Лигата на студентите по изкуства. Този период на творчество се характеризира с експерименти в стила на автоматизма на Джаксън Полок, след това Барнет Нюман се увлича от графиката и той се потапя стремглаво в равнината на рисуване със сюрреалистични тенденции. Трябва да се отбележи, че в същото време той създава художествена школа заедно с такива фигури на американската живопис от ХХ век като Ротко, Мадъруел и Базиотис.

Време е да отворите

Първата самостоятелна изложба, която представя изключително картини на Барнет Нюман, беше буквално смазана от критиците на изкуството в рецензии. Резултатът е продължителна депресия и нежелание да покаже работата си на публиката, с която художникът успява да се справи само осем години по-късно, когато решава да изложи ретроспекция на съществуващи творби. Освен това през този период Нюман унищожи всичките си ранни творби, така че може да се каже, че той беше не само взискателен майстор на четката, но и уязвим.

Повечето забележителни произведенияБарнет Нюман - картини, рисувани между 1947 и 1970 г. Това са софтуерни платна, наречени патетично, разказващи за необективния свят изключително с движението на четката. „Заповедта“, „Единството“, „Бездната на Евклид“, „Среднощно синьо“ и други творби на абстрактния художник днес формират частни колекции, включително колекцията на семейството на художника, а също така са изложени в редица американски музеи . Музеят за модерно изкуство в Ню Йорк притежава може би най-пълната колекция, обхващаща различни периоди от живота на художника.

Нюманов маниер

Критиците го нареждат сред представителите на американската.Такъв виден теоретик като Клемент Грийнбърг даде на тази картина определение за полева живопис, което буквално се придържаше към нея, което ясно показва разликата между големите самолети на Ротко и Нюман, създадени по линеен начин на автоматизъм и искрящи с ярки цветове. „Живопис на полето” изобщо не загатва за пасторални пейзажи, а характеризира любовта на двамата майстори към едноцветните големи хоризонтални плоскости в творбите им. Изследователите считат, че този стил има ясно изразени философски нюанси, а границите на тоновете, представени върху платното, всъщност не разделят нищо, което означава, че това е картина, която провъзгласява един от основните американски принципи - свободата.

Вдъхновение

Вдъхновение Барнет Нюман (художник) черпи от философските ценности. Още през 1947 г. той провъзгласява високата цел на всяко изкуство - да не бъде моментно, да се обърне към епохалните понятия: живот, смърт, човек и природа. Сложните имена, дадени на платната, подчертаха палитрата от чувства и емоции, които художникът се опита да предаде само с един цвят в един необективен свят. За жалост, изкуствоведиуспяха да оценят този подход много по-късно.

Как да гледаме картините на Нюман

Сред художниците и любителите на изкуството има негласно правило: за да получите общо впечатление за платното, е необходимо да се отдалечите от него на разстояние, равно на височината му. Подобен принцип е работил от Средновековието до Ренесанса и много след това, но Барнет Нюман настоява платната му да се гледат само от близко разстояние. Какво дава такъв подход? Ефектът на потапяне на зрителя в света на цветни полета. По-късно нюйоркският майстор дори започна да публикува инструкции как да гледа платната си направо на изложбите.

Скъпа покупка

Това, което не е било прието от съвременниците до късния период на неговото творчество, е оценено по-късно и особено в наше време. Платната на американския майстор на абстрактното изкуство периодично се появяват на най-известните аукциони, включително известния търг на Сотбис. Един от тях, отишъл под чука последно време, беше оценен на 30 милиона долара.

И в същото време работата на художника не предизвиква изключително положителни емоции за всички. Onement VI от Barnett Newman е наречен от някои от най-безполезните и отвратителни предмети на изкуството, излизали някога на търг. Цената на картината при последната продажба през 2013 г. в Sotheby's беше повече от 43 милиона долара, докато произведението представляваше мащабно платно, изпълнено със синя боя с вертикална, доста равномерна ивица.

Сътворението се нарича така наречената светкавица, за разлика от хоризонталните „полета“. Габаритните размери на произведението са 2,6 х 3м.

Барнет Нюман посвети „Светлината на Анна“ на покойната си майка. Строго погледнато, това нещо е хоризонтално платно с впечатляващи размери, изпълнено с карминово червена боя. През 2013 г. „шедьовърът“ също беше изложен на търг и беше продаден за 106 (!) милиона долара.

От техническа страна, платното е забележително с това, че Нюман трябваше да се бори със светлинната сила на червения цвят, който отнема допълнителна яркост от полупрозрачното бяло грундирано платно. Няколко слоя червена боя лишиха цвета от това качество и го направиха "глух" и "траен", както според художника трябва да бъде в тази ситуация.