Градски пейзажи в стил импресионизъм. Картини на Константин Коровин

По-нататъчно развитие Европейска живописсвързани с импресионизма. Този термин се роди случайно. Причината беше името на пейзажа на К. Моне „Импресия. Изгрев ”(виж ​​Приложение № 1, фиг. 3) (от френското впечатление - впечатление), което се появи на изложбата на импресионистите през 1874 г. Това е първото ораторствогрупа художници, която включва К. Моне, Е. Дега, О. Реноар, А. Сисли, К. Писаро и др., беше посрещната от официалната буржоазна критика с груби подигравки и тормоз. Вярно е, че още от края на 1880-те формалните методи на тяхното рисуване бяха подхванати от представители на академичното изкуство, което даде на Дега основание да забележи горчиво: „Ние бяхме застреляни, но в същото време джобовете ни бяха претърсени“.

Сега, когато разгорещеният дебат за импресионизма е нещо от миналото, едва ли някой ще се осмели да оспори, че импресионистичното движение е следваща стъпка в развитието на европейската реалистична живопис. „Импресионизмът е преди всичко изкуството за наблюдение на реалността, което е достигнало безпрецедентно усъвършенстване“ (В. Н. Прокофиев). Стремейки се към максимална непосредственост и точност при предаването на видимия свят, те започват да пишат главно в на откритои повишава значението на изследването от природата, което почти измества традиционния тип живопис, внимателно и бавно създавана в ателието.

Последователно избистряйки своята палитра, импресионистите освобождават живописта от земни и кафяви лакове и бои. Условното, "музейно" черно в техните платна отстъпва място на безкрайно разнообразна игра на рефлекси и цветни сенки. Те неизмеримо разшириха възможностите визуални изкуства, откривайки не само света на слънцето, светлината и въздуха, но и красотата на мъглите, неспокойната атмосфера на живота голям град, разпръскване на нощни светлини и ритъм на непрекъснато движение.

По силата на самия метод на работа на открито, пейзажът, включително откритият от тях градски пейзаж, заема много важно място в изкуството на импресионистите. Колко органично се сливат традицията и иновацията в изкуството на импресионистите, свидетелства преди всичко работата на изключителния художник от 19 век Едуард Мане (1832-1883). Вярно, самият той не се е смятал за представител на импресионизма и винаги е бил излаган отделно, но в идеологически и светогледен план несъмнено той е предшественик и идеен водач на това движение.

В началото на кариерата си Е. Мане е остракизиран (подигравка с обществото). В очите на буржоазната публика и критиците неговото изкуство става синоним на грозното, а самият художник е наричан „луд, който рисува картина, треперещ от делириум тременс“ (М. де Монтифо) (виж Приложение № 1, Фиг. 4). Само най-проницателните умове от онова време са успели да оценят таланта на Мане. Сред тях бяха К. Бодлер и младият Е. Зола, които заявиха, че "г-н Мане е предопределен за място в Лувъра".

Импресионизмът получава своя най-последователен, но и широкообхватен израз в творчеството на Клод Моне (1840-1926). Неговото име често се свързва с такива постижения на този изобразителен метод като прехвърлянето на неуловими преходни състояния на осветление, вибрациите на светлината и въздуха, тяхната връзка в процеса на непрекъснати промени и трансформации. „Това несъмнено беше голяма победа за изкуството на Новото време“, пише В. Н. Прокофиев и добавя: „Но и неговата окончателна победа“. Неслучайно Сезан, макар и да изостря донякъде полемично позицията си, по-късно твърди, че изкуството на Моне е „само око“.

Ранната работа на Моне е доста традиционна. Все още имат човешки фигури, които в бъдеще все повече се превръщат в кадри и постепенно изчезват от картините му. През 1870-те години импресионистичният стил на художника най-накрая се оформя, отсега нататък той се посвещава изцяло на пейзажа. Оттогава той работи почти изключително на открито. Именно в неговото творчество окончателно се утвърждава типът голяма живопис - етюдът.

Един от първите Моне започва да създава поредица от картини, в които се повтаря един и същи мотив различно времегодина и ден, с различно осветление и метеорологични условия (виж Приложение № 1, фиг. 5, 6). Не всички от тях са еднакви, но най-добрите платна от тези серии удивляват със свежестта на цветовете, интензивността на цвета и артистичността на изобразяване на светлинни ефекти.

В късния период на творчество в живописта на Моне се засилват тенденциите на декоративност и плоскост. Яркостта и чистотата на цветовете се превръщат в тяхната противоположност, появява се някаква белезникавост. Говорейки за злоупотребата на късните импресионисти от „светъл тон, който превръща някои произведения в избелено платно“, Е. Зола пише: „И днес няма нищо друго освен открито ... остават само петна: портретът е само петно, фигурите са само петна, само петна” .

Други художници импресионисти също са предимно пейзажисти. Тяхното творчество често незаслужено остава в сянка до наистина колоритната и впечатляваща фигура на Моне, въпреки че не му отстъпват по будно виждане на природата и по живописно майсторство. Сред тях на първо място трябва да бъдат посочени имената на Алфред Сислей (1839-1899) и Камил Писаро (1831-1903). Творбите на Сисли, англичанин по произход, се отличават с особена живописна елегантност. Блестящ майстор на пленера, той успя да предаде прозрачния въздух на ясното зимна сутрин, лека мъгла от мъгла, затоплена от слънцето, облаци, бягащи по небето във ветровит ден. Неговата гама се отличава с богатството на нюанси и прецизността на тоновете. Пейзажите на художника винаги са пропити с дълбоко настроение, отразяващо основното му лирично възприемане на природата (вж. Приложение № 1, фиг. 7, 8, 9).

беше по-сложно творчески начинПисаро, единственият художник, участвал във всичките осем изложби на импресионистите, Дж. Ревалд го нарича "патриарх" на това движение. Започвайки с пейзажи, близки по живопис до Барбизоните, той под влиянието на Мане и неговите млади приятели започва да работи на пленер, като последователно озарява палитрата. Постепенно той развива собствен импресионистичен метод. Един от първите той отказа да използва черна боя. Писаро винаги е бил склонен към аналитичен подход към рисуването, откъдето идват и експериментите му в разграждането на цвета - "дивизионизъм" и "поунтелизъм". Въпреки това, той скоро се връща към импресионистичния маниер, по който е изграден най-добрите работи- прекрасна серия от градски пейзажи Париж (виж Приложение № 1, фиг. 10,11,12,13). Тяхната композиция винаги е обмислена и балансирана, живописта е изискана в колорит и виртуозна в техниката.

В Русия градският пейзаж в импресионизма е просветен от Константин Коровин. „Париж беше шок за мен… импресионистите… в тях видях това, за което ме караха в Москва.“ Коровин (1861-1939), заедно с приятеля си Валентин Серов, са централните фигури на руския импресионизъм. Под голямото влияние на френското движение той създава свой собствен стил, който смесва основните елементи френски импресионизъмс богати цветове на руското изкуство от този период (виж Приложение № 1, фиг. 15).

„Нов свят се роди, когато импресионистите го нарисуваха“

Анри Канвайлер

XIX век. Франция. В живописта се случи немислимото. Група млади художници решиха да разклатят 500-годишната традиция. Вместо ясна рисунка, те използваха широка „небрежна“ мазка.

И те напълно изоставиха обичайните изображения, изобразяващи всички подред. И дами с леко поведение, и господа със съмнителна репутация.

Публиката не беше готова за импресионистичната живопис. Бяха подигравани и мъмрени. И най-важното, нищо не са купили от тях.

Но съпротивата беше сломена. И някои импресионисти доживяха да видят своя триумф. Вярно, вече бяха над 40. Като Клод Моне или Огюст Реноар. Други чакаха признание едва в края на живота си, като Камий Писаро. Някой не го оправда, като Алфред Сисли.

Какъв революционер направи всеки от тях? Защо обществото не ги прие толкова дълго? Ето 7 от най-известните френски импресионисти в света.

1. Едуард Мане (1832-1883)

Едуард Мане. Автопортрет с палитра. 1878 г Частна колекция

Мане беше по-възрастен от повечето импресионисти. Той беше основното им вдъхновение.

Самият Мане не претендира да бъде водач на революционерите. Той беше светски човек. Мечтаех за официални награди.

Но той чакаше много дълго време за признание. Публиката искаше да види Гръцки богиниили в най-лошия случай натюрморти, за да изглеждат красиви в трапезарията. Мане искаше да пише модерен живот. Например куртизанки.

Резултатът беше "Закуска на тревата". Двама дендита си почиват в компанията на дами с лекота. Един от тях, сякаш нищо не се е случило, седи до облечени мъже.

Едуард Мане. Закуска на тревата. 1863 г., Париж

Сравнете неговата „Закуска на тревата“ с „Римляните в упадък“ на Томас Кутюр. Картината на Кутюр направи фурор. Художникът веднага стана известен.

"Закуска на тревата" беше обвинена в вулгарност. Бременните жени абсолютно не се препоръчваха да я гледат.

Томас Кутюр. Римляни в упадък. 1847 г. Музей д'Орсе, Париж. artchive.ru

В живописта на Кутюр виждаме всички атрибути на академизма (традиционна живопис от 16-19 век). Колони и статуи. Аполонови хора. Традиционни приглушени цветове. Маниеризмът на позите и жестовете. Сюжет от един далечен живот на съвсем различен народ.

„Закуска на тревата” на Мане е различен формат. Преди него никой не е изобразявал така лесно куртизанки. В близост до почтени граждани. Въпреки че много мъже от онова време прекарваха свободното си време по този начин. Беше истинския живот истински хора.

Веднъж той изобрази уважавана дама. Грозно. Не можеше да я ласкае с четка. Дамата беше разочарована. Тя го остави разплакана.

Едуард Мане. Анджелина. 1860 г. Музей д'Орсе, Париж. wikimedia.commons.org

Така той продължи да експериментира. Например с цвят. Той не се опита да изобрази така наречения естествен цвят. Ако той видя сиво-кафява вода като ярко синя, тогава той я изобрази като ярко синя.

Това, разбира се, раздразни обществеността. „В края на краищата дори Средиземно море не може да се похвали с такова синьо като водата в Мане“, иронизираха те.

Едуард Мане. Аржантьой. Музей от 1874 г изящни изкуства, Турне, Белгия. wikipedia.org

Но фактът остава. Мане фундаментално промени целта на живописта. Картината се превърна в въплъщение на индивидуалността на художника, който пише, както иска. Забравете за моделите и традициите.

Иновациите не му прощаваха дълго време. Признанието чакаше само в края на живота. Но вече не му трябваше. Той агонизираше от нелечима болест.

2. Клод Моне (1840-1926)

Клод Моне. Автопортрет в барета. 1886 г. Частна колекция

Клод Моне може да се нарече импресионист по учебник. Тъй като той беше верен на тази посока през целия си дълъг живот.

Той рисува не предмети и хора, а едноцветна конструкция от отблясъци и петна. Отделни удари. Треперене на въздуха.

Клод Моне. Басейн за гребане. 1869 Метрополитен музей на изкуствата, Ню Йорк. Metmuseum.org

Моне рисува не само природата. Той също беше добър в градските пейзажи. Един от най-известните - .

В тази картина има много фотография. Например, движението се предава с помощта на размазано изображение.

Обърнете внимание: далечните дървета и фигури изглеждат в мъгла.

Клод Моне. Булевард де Капуцини в Париж. 1873 (Галерия за европейско и американско изкуство от 19-20 век), Москва

Пред нас е спрял миг от кипящия живот на Париж. Без постановка. Никой не позира. Хората са изобразени като набор от щрихи. Такава безсюжетност и ефектът на „замръзнала рамка“ - основна характеристикаимпресионизъм.

До средата на 80-те художниците се разочароваха от импресионизма. Естетиката, разбира се, е добра. Но безсмислието на много потиснати.

Само Моне продължи да упорства, преувеличавайки импресионизма. Това се превърна в серия от картини.

Изобразявал е един и същи пейзаж десетки пъти. По различно време на деня. По различно време на годината. За да покаже колко температура и светлина могат да променят един и същ изглед до неузнаваемост.

Така че имаше безброй купи сено.

Картини на Клод Моне в Музея за изящни изкуства, Бостън. Вляво: Купи сено при залез слънце в Живерни, 1891 г. Вдясно: Купа сено (снежен ефект), 1891 г.

Моля, имайте предвид, че сенките в тези картини са цветни. И не сиво или черно, както беше обичайно преди импресионистите. Това е поредното им изобретение.

Моне успя да се наслади на успех и материално благополучие. След 40 той вече забрави за бедността. Имам къща и красива градина. И го правеше за свое удоволствие дълги години напред.

Прочетете за най-емблематичната картина на майстора в статията

3. Огюст Реноар (1841-1919)

Пиер-Огюст Реноар. Автопортрет. 1875 Стърлинг и Франсин Кларк Институт за изкуство, Масачузетс, САЩ. Pinterest

Импресионизмът е най-позитивната живопис. А най-позитивният сред импресионистите беше Реноар.

В неговите картини няма да откриете драматизъм. Той дори не използва черна боя. Само радостта от съществуването. Дори най-баналният Реноар изглежда красив.

За разлика от Моне, Реноар рисува хора по-често. Пейзажите за него бяха по-малко значими. На картините неговите приятели и познати си почиват и се наслаждават на живота.

Пиер-Огюст Реноар. Закуска на гребци. 1880-1881 г Колекция Филипс, Вашингтон, САЩ. wikimedia.commons.org

Няма да намерите в Реноар и замисленост. Той беше много щастлив да се присъедини към импресионистите, които напълно отказаха теми.

Както самият той каза, най-после има възможност да рисува цветя и да ги нарича просто „Цветя“. И не си измисляйте истории за тях.

Пиер-Огюст Реноар. Жена с чадър в градината. 1875 Музей Тисен-Борменис, Мадрид. arteuam.com

Реноар се чувствал най-добре в женска компания. Той помоли своите прислужници да пеят и да се шегуват. Колкото по-тъпа и наивна беше песента, толкова по-добре за него. Мъжкото бърборене го умори. Не е изненадващо, че Реноар е известен с голи картини.

Моделът в картината „Голо в слънчева светлина” изглежда се появява на цветен абстрактен фон. Защото за Реноар няма нищо второстепенно. Окото на модела или зоната на фона са еквивалентни.

Пиер-Огюст Реноар. Гола на слънчева светлина. 1876 ​​г. Музей д'Орсе, Париж. wikimedia.commons.org

Реноар е живял дълъг живот. И никога не оставяйте четката и палитрата. Дори когато ръцете му бяха напълно оковани от ревматизъм, той завърза четката за ръката си с въже. И той рисува.

Подобно на Моне, той чака признание след 40 години. И видях моите картини в Лувъра, редом с творбите на известни майстори.

Прочетете за един от най-очарователните портрети на Реноар в статията

4. Едгар Дега (1834-1917)

Едгар Дега. Автопортрет. 1863 г. Музей Калуст Гулбенкян, Лисабон, Португалия. културен.com

Дега не е класически импресионист. Не обичаше да работи на открито (на открито). При него няма да намерите умишлено изсветлена палитра.

Напротив, той обичаше ясната линия. Той има много черно. И той работеше изключително в студиото.

Но въпреки това той винаги е поставян наравно с други велики импресионисти. Защото беше импресионист на жеста.

Неочаквани ъгли. Асиметрия в подреждането на обектите. Герои, хванати неподготвени. Ето основните атрибути на неговите картини.

Той спира моментите от живота, не позволявайки на героите да дойдат на себе си. Вижте поне неговия „Оперен оркестър“.

Едгар Дега. Оперен оркестър. 1870 г. Музей д'Орсе, Париж. commons.wikimedia.org

На преден план е облегалката на стол. Музикантът е с гръб към нас. И на заден планбалерините на сцената не се вписваха в „рамката“. Главите им са безмилостно „отсечени“ от ръба на картината.

Така че любимите му танцьори не винаги са изобразени в красиви пози. Понякога просто се разтягат.

Но такава импровизация е въображаема. Разбира се, Дега внимателно обмисля композицията. Това е просто ефект на стоп рамка, а не истинска стоп рамка.

Едгар Дега. Двама балетисти. 1879 Шелбърн музей, Вермут, САЩ

Едгар Дега обичаше да рисува жени. Но болестта или характеристиките на тялото не му позволиха да има физически контакт с тях. Той никога не се жени. Никой не го е виждал с жена.

Липса на реални сюжети в него личен животдобавя фин и интензивен еротик към образите си.

Едгар Дега. Балетна звезда. 1876-1878 г Музей д'Орсе, Париж. wikimedia.comons.org

Моля, обърнете внимание, че в картината „Звезда на балета“ е нарисувана само самата балерина. Колегите й от задкулисието едва се различават. Само няколко крака.

Това не означава, че Дега не е завършил картината. Такъв е приемът. Дръжте само най-важните неща на фокус. Останалото да изчезне, нечетливо.

Прочетете за други картини на майстора в статията.

5. Берта Моризо (1841-1895)

Едуард Мане. Портрет на Берта Моризо. 1873 г. Музей на Мармотан Моне, Париж.

Берта Моризо рядко се поставя в челните редици на великите импресионисти. Сигурен съм, че е незаслужено. Точно в нея ще намерите всички основни характеристики и техники на импресионизма. И ако харесвате този стил, ще обикнете работата й с цялото си сърце.

Моризо работи бързо и устремно, пренасяйки впечатленията си върху платното. Фигурите сякаш са на път да се разтворят в пространството.

Берт Моризо. лято. 1880 г. Музей на Фабр, Монпелие, Франция.

Подобно на Дега, тя често оставя някои детайли недовършени. И дори части от тялото на модела. Не можем да различим ръцете на момичето в картината „Лято“.

Пътят на Моризо към себеизразяването беше труден. Тя не само се занимаваше с „небрежно“ рисуване. Тя все още беше жена. В онези дни една дама трябваше да мечтае за брак. След това всяко хоби беше забравено.

Затова Берта дълго време отказваше брак. Докато не намери мъж, който се отнасяше с уважение към нейната професия. Йожен Мане е брат на художника Едуар Мане. Носеше прилежно статив и бои за жена си.

Берт Моризо. Йожен Мане с дъщеря си в Бугивал. 1881 г. Музей на Мармотан Моне, Париж.

Но това беше още през 19 век. Не, Моризо не носеше панталон. Но тя не можеше да си позволи пълна свобода на движение.

Тя не можеше да отиде в парка на работа сама, без да бъде придружена от близък човек. Не можех да седя сама в кафене. Затова нейните картини са хора от семейния кръг. Съпруг, дъщеря, роднини, бавачки.

Берт Моризо. Жена с дете в градина в Бугивал. 1881 Национален музей на Уелс, Кардиф.

Моризо не дочака признание. Тя почина на 54-годишна възраст от пневмония, като през живота си не е продала почти нищо от творбите си. В смъртния й акт имаше тире в графата „професия“. Беше немислимо една жена да се нарича художник. Дори и наистина да беше.

Прочетете за картините на майстора в статията

6. Камий Писаро (1830 - 1903)

Камил Писаро. Автопортрет. 1873 г. Музей д'Орсе, Париж. wikipedia.org

Камил Писаро. Неконфликтен, разумен. Мнозина го смятаха за учител. Дори най-темпераментните колеги не говореха лошо за Писаро.

Той беше верен последовател на импресионизма. В крайна нужда, със съпруга и пет деца, той все още работи усилено в любимия си стил. И никога не премина към салонно боядисване, за да стане по-популярен. Не е известно откъде е намерил сили да вярва напълно в себе си.

За да не умре изобщо от глад, Писаро рисува ветрила, които нетърпеливо се разпродават. И истинското признание дойде при него след 60 години! Тогава най-накрая успя да забрави за нуждата.

Камил Писаро. Дилижанс в Лувесиен. 1869 г. Музей д'Орсе, Париж

Въздухът в картините на Писаро е гъст и плътен. Необичайно сливане на цвят и обем.

Художникът не се страхуваше да рисува най-променливите природни явления, които се появяват за миг и изчезват. Първи сняг, мразовито слънце, дълги сенки.

Камил Писаро. Слана. 1873 г. Музей д'Орсе, Париж

Най-известните му творби са изгледи от Париж. С широки булеварди, суетна пъстра тълпа. През нощта, през деня, при различно време. В някои отношения те повтарят поредицата от картини на Клод Моне.

Коровин Константин Алексеевич - изключителен руски художник, декоратор, един от най-големите руски художници от началото на века (19-20). Коровин - майстор на пленера, автор на пейзажи, жанрови картини, натюрморти, портрети. Художникът е роден в Москва. Учи в Петербург и Москва, при Саврасов и Поленов. Константин Коровин беше член на Асоциацията на пътуващите художествени изложби, Съюза на руските художници и Света на изкуството. Смятан за един от най видни представители„Руски импресионизъм“.

В творчеството на Коровин може да се види стремежът към постигане на синтетични изобразителни решения чрез светлинни и сенчести модулации, хармонията на тоналните отношения. Това са „Северна идилия” (1886), „На балкона. Испанките Леонора и Ампара“ (1888), „Хамерфест. Северно сияние (1895) и др. А до него има неща с различна "коровинска" насоченост - портрет на солиста на Руската частна опера Т. С. Любатович (2-ра половина на 1880-те), който привлича с изящна колористична концепция, ликуващо празнична образна система или етюд от началото на 1890 г. „Парижко кафене“, където за първи път Коровин толкова проникновено предаде едва забележимия живописен „аромат“ на самия въздух на френската столица.

Ядрото на метода на Коровин е способността да се превърне най-обикновеният и дори очевидно непривлекателен мотив във високоестетически спектакъл с помощта на точно видяно и сякаш мигновено отпечатано цветово съдържание.

Париж в картините на Коровин

Престоят в Париж по време на подготовката на Световната изложба - този престой беше второстепенен и много по-смислен - отвори очите на художника за съвременното френска живопис. Той изучава импресионистите, така че в унисон с неговите стремежи, но остава непознат за всички постимпресионистични движения. През 1900 г. Коровин създава своя прочут парижки сериал. За разлика от импресионистите, неговите възгледи за Париж са написани много по-директно и емоционално. Те са доминирани от желанието на майстора "да разбие очарованието, което в момента се съдържа в пейзажа" (според ученика на Коровин Б. Йогансон).

Художникът търси най-фините преходни и неочаквани състояния в живота на града – сутрешен Париж, Париж в здрач, вечерен и нощен град („Париж, сутрин“, 1906; „Париж вечер“, 1907; „Здрач в Париж", 1911 г.). Утринна мъгла и трептящата светлина на изгряващото слънце, люляков здрач със зеленината на дърветата, които все още не са потъмнели, и вече запалените фенери, кадифената плътност на мрака синьо небеи ярко, трескаво разпръскване на нощните светлини на Париж ... Коровин в тези малки неща постига почти документална истина на визуалното впечатление, но това води до невероятна духовност, оригиналност на образа на града. Благодарение на метода на сложно цветово-тонално решение, в малка скица той постигна както крайната експресия на нивото на голяма завършена картина, така и ефекта на вълнуващо емоционално ангажиране на зрителя с това, което вижда.

„Искам окото на зрителя също да се наслаждава естетически, както ухото на душата - на музиката“, каза веднъж Коровин.

Снимки на картини

Париж в картините на Коровин

string(5796) „Изолиране на ГРАДСКИ ЛАНДШАФТ в отделен жанрдопринесе за архитектурния пейзаж. Майсторите на тази посока, която се формира под влиянието на теорията линейна перспектива, видяха основната си задача в изграждането на сложна, внимателно проектирана композиция, като се вземе предвид една, основната гледна точка. Голям принос за развитието на този жанр имат италианските ренесансови художници - Рафаел, Пиеро дела Франческа, Андреа Мантеня. Почти едновременно с архитектурен пейзажразвива се и друга посока - изображението на градските пейзажи. Немски, холандски и френски художници от 16-17 век донесоха множество албуми със скици от природата от пътуванията си. Към средата на 17 век ГРАДСКИЯТ ПЕЙЗАЖ твърдо заема позиция като самостоятелен жанрпревръщайки се в любима тема Холандски художници. Когато изобразяват ъглите на Амстердам, Делфт, Харлем, художниците се стремят да съчетаят геометричната яснота на градските сгради с ежедневни сцени и пейзажи. Истински градски изгледи могат да бъдат намерени в такива големи холандски художници от 17-ти век като J. Goyen, J. Ruisdal, Vermeer of Delft. Един от най-ярките и успешни примери за ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖ от този период е „Изглед към град Делфт“ от Вермеер от Делфт, който поетично възпява образа на родния си град. През 18 век се формира особен вид пейзажен жанр, тясно свързан с ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖ - ведута. Ведута, в зависимост от естеството на възпроизвеждането на градската територия, беше разделена на реална, идеална или фантастична. В истинска веда художникът усърдно и щателно изобразява реални сгради в реален пейзаж, в идеален реални сгради са изобразени, заобиколени от измислен пейзаж, фантастична ведута е изцяло фантазия на автора. Разцветът на този вид живопис е венецианската ведута, а ръководител на венецианската ведутистка школа е художникът Антонио Каналето. В епохата на романтизма художниците запазват интереса си към изобразяването на археологически обекти, античността и древните храмове. В средата на деветнадесети век пейзажистите се обръщат към жанрови сцени. ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖИ, изобразяващи гледки от Лондон, се намират в гравюрите на френския художник Гюстав Доре. Интересува се от градски гледки, макар и вече Париж, и друг френски художник, майстор на ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖИ, Оноре Домие. нова страницав историята на ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖ е открит от художници импресионисти. Вниманието им беше привлечено от мотивите на улиците в различни часове на деня, гарите, силуетите и очертанията на сградите. Желанието да се предаде ритъмът на градския живот, да се улови постоянно променящото се състояние на атмосферата и осветлението накараха импресионистите да открият нови средства. художествена изразителност.
В раздела картини, посветени на ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖИ, обекти, изобразяващи различни градове, архитектурни паметници, улици и атракции. В този раздел ще намерите гледки към Москва, Санкт Петербург, както и Рим и много други градове. Предлагаме ви да закупите артикули от раздел ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖ в нашия консигнационен антикварен магазин. Секцията ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖ се актуализира постоянно, следете за нови пристигания. "

ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖ - жанр на изобразителното изкуство, в който основен сюжет е изображението на града, неговите улици и сгради. Първоначално градският пейзаж не е бил самостоятелен жанр, средновековните художници са използвали градски гледки само като рамка за библейски сцени. Старите холандски майстори преосмислиха ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖ по нов начин, които запечатаха заобикалящия свят с особено внимание и любов.

Архитектурният пейзаж допринесе за обособяването на ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖ в отделен жанр. Майсторите на тази посока, която се формира под влиянието на теорията за линейната перспектива, виждат основната си задача в изграждането на сложна, внимателно проектирана композиция, като се вземе предвид една основна гледна точка. Голям принос за развитието на този жанр имат италианските ренесансови художници - Рафаел, Пиеро дела Франческа, Андреа Мантеня. Почти едновременно с архитектурния пейзаж се развива и друга посока - изображението на градските пейзажи. Немски, холандски и френски художници от 16-17 век донесоха множество албуми със скици от природата от пътуванията си. До средата на 17 век ГРАДСКИЯТ ПЕЙЗАЖ твърдо заема позицията си като независим жанр, превръщайки се в любима тема на холандските художници. Когато изобразяват ъглите на Амстердам, Делфт, Харлем, художниците се стремят да съчетаят геометричната яснота на градските сгради с ежедневни сцени и пейзажи. Истински градски изгледи могат да бъдат намерени в такива големи холандски художници от 17-ти век като J. Goyen, J. Ruisdal, Vermeer of Delft. Един от най-ярките и успешни примери за ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖ от този период е „Изглед към град Делфт“ от Вермеер от Делфт, който поетично възпява образа на родния си град. През 18 век се формира особен вид пейзажен жанр, тясно свързан с ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖ - ведута. Ведута, в зависимост от естеството на възпроизвеждането на градската територия, беше разделена на реална, идеална или фантастична. В истинска веда художникът усърдно и щателно изобразява реални сгради в реален пейзаж, в идеален реални сгради са изобразени, заобиколени от измислен пейзаж, фантастична ведута е изцяло фантазия на автора. Разцветът на този вид живопис е венецианската ведута, а ръководител на венецианската ведутистка школа е художникът Антонио Каналето. В епохата на романтизма художниците запазват интереса си към изобразяването на археологически обекти, античността и древните храмове. В средата на 19 век пейзажистите се обръщат към жанровите сцени. ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖИ, изобразяващи гледки от Лондон, се намират в гравюрите на френския художник Гюстав Доре. Интересува се от градски гледки, макар и вече Париж, и друг френски художник, майстор на ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖИ, Оноре Домие. Нова страница в историята на ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖ беше открита от художници импресионисти. Вниманието им беше привлечено от мотивите на улиците в различни часове на деня, гарите, силуетите и очертанията на сградите. Желанието да се предаде ритъмът на градския живот, да се улови непрекъснато променящото се състояние на атмосферата и осветлението накараха импресионистите да открият нови средства за художествено изразяване.
В раздела живопис, посветен на ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖИ, са представени обекти, изобразяващи различни градове, архитектурни паметници, улици и забележителности. В този раздел ще намерите гледки към Москва, Санкт Петербург, както и Рим и много други градове. Предлагаме ви да закупите артикули от раздел ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖ в нашия консигнационен антикварен магазин. Секцията ГРАДСКИ ПЕЙЗАЖ се актуализира постоянно, следете за нови пристигания.

ПРОЧЕТЕТЕ ИЗЦЯЛО

Една от най-големите тенденции в изкуството последните десетилетиядеветнадесети век и началото на двадесети е импресионизмът, който се разпространява по света от Франция. Неговите представители се занимаваха с разработването на такива методи и техники на рисуване, които биха позволили най-ярко и естествено да отразяват реалния свят в динамика, да предадат мимолетни впечатления от него.

Много художници създават своите платна в стила на импресионизма, но основателите на движението са Клод Моне, Едуард Мане, Огюст Реноар, Алфред Сислей, Едгар Дега, Фредерик Базил, Камий Писаро. Невъзможно е да се назоват най-добрите им творби, тъй като всички те са красиви, но има най-известните, които ще бъдат обсъдени допълнително.

Клод Моне: „Впечатление. Изгряващо слънце"

Платното, с което да започнем разговор за най-добрите картини на импресионистите. Клод Моне го рисува през 1872 г. от натура в старото пристанище на френския Хавър. Две години по-късно картината е показана за първи път пред публика в бившата работилница на френския художник и карикатурист Надар. Тази изложба се превърна в събитие, променящо живота на света на изкуството. Впечатлен (не в най-добър смисъл) работата на Моне, чието оригинално име звучи като „Impression, soleil levant“, журналистът Луи Лерой за първи път въвежда термина „импресионизъм“, обозначавайки нова посока в живописта.

Картината е открадната през 1985 г. заедно с творбите на О. Реноар и Б. Моризо. Открит пет години по-късно. Текуща импресия. Изгряващо слънце»принадлежи на музея Мармотан Моне в Париж.

Едуард Моне: Олимпия

Създадена е картина на Олимпия Френски импресионистЕдуард Мане през 1863 г. е един от шедьоврите на съвременната живопис. За първи път е представен в Парижкия салон през 1865 г. Художниците импресионисти и техните картини често са в центъра шумни скандали. Олимпия обаче предизвика най-мащабното от тях в историята на изкуството.

На платното виждаме гола жена, обърната с лице и тяло към публиката. Вторият герой е тъмнокожа прислужница, която държи луксозен букет, опакован в хартия. В подножието на леглото има черно коте в характерна поза с извит гръб. За историята на картината не се знае много, до нас са достигнали само две скици. Моделът най-вероятно беше любимият модел на Мане, Quiz Menard. Има мнение, че художникът е използвал образа на Маргьорит Белангер - любовницата на Наполеон.

През този период на творчество, когато е създадена Олимпия, Мане е очарован от японското изкуство и затова съзнателно отказва да изработи нюансите на тъмното и светлото. Поради това неговите съвременници не виждат обема на изобразената фигура, смятат я за плоска и груба. Художникът беше обвинен в неморалност, вулгарност. Никога досега картините на импресионистите не са предизвиквали такова вълнение и подигравки от тълпата. Администрацията беше принудена да постави охрана около нея. Дега сравнява славата на Мане чрез Олимпия и смелостта, с която приема критиката, с историята на живота на Гарибалди.

В продължение на почти четвърт век след изложбата платното беше недостъпно за любопитни очи от майстора-художник. След това отново е изложена в Париж през 1889 г. Почти е изкупена, но приятелите на художника събират необходимата сума и купуват Олимпия от вдовицата на Мане, след което я даряват на държавата. Сега картината е собственост на музея д'Орсе в Париж.

Огюст Реноар: Великите къпещи се

Картината е рисувана от френски художник през 1884-1887 г. Имайки предвид всичко сега известни картиниИмпресионистите между 1863 г. и началото на ХХ век "Великите къпещи се" се нарича най-голямото платно с голи женски фигури. Реноар работи върху него повече от три години и през този период са създадени много скици и скици. Нямаше друга картина в творчеството му, на която да отдели толкова много време.

На преден план зрителят вижда три голи жени, две от които са на брега, а третата е във водата. Цифрите са написани много реалистично и ясно, което е особеностстил на художника. Моделите на Реноар бяха Алина Чаригот (бъдещата му съпруга) и Сузан Валадон, която в бъдеще самата стана известна художничка.

Едгар Дега: Сини танцьорки

Не всички известни картини на импресионисти, изброени в статията, са рисувани с маслени бои върху платно. Снимката по-горе ви позволява да разберете какво представлява картината "Сини танцьори". Изпълнена е с пастел върху хартиен лист с размери 65х65 см и принадлежи към късния период на творчеството на художника (1897 г.). Той го рисува с вече отслабнало зрение, така че декоративната организация е от първостепенно значение: изображението се възприема като големи цветни петна, особено когато се гледа отблизо. Темата за танцьорите беше близка до Дега. Тя многократно се повтаря в работата си. Много критици смятат, че хармонията на цвета и композицията на "Сините танцьори" може да се вземе предвид най-добрата работахудожник по темата. В момента картината се съхранява в Музея на изкуствата. А. С. Пушкин в Москва.

Фредерик Базил: "Розова рокля"

Един от основоположниците на френския импресионизъм, Фредерик Базил е роден в буржоазно семейство на богат винопроизводител. Още в годините на обучение в лицея той започва да се занимава с рисуване. След като се премества в Париж, той се запознава с К. Моне и О. Реноар. За съжаление, съдбата на художника беше предопределена за кратко житейски път. Загива на 28 години на фронта по време на Френско-пруската война. Но неговите, макар и малко, платна с право са включени в списъка на " Най-добрите картиниимпресионисти“. Един от тях е " Розова рокля", написана през 1864 г. По всички признаци платното може да се припише на ранен импресионизъм: колористични контрасти, внимание към цвета, слънчева светлина и спрян миг, точно това, което се наричаше "импресия". Един от братовчедите на художника Тереза ​​​​де Хорс действа като модел. В момента картината е собственост на музея д'Орсе в Париж.

Камий Писаро: Булевард Монмартър. Следобед, слънчево"

Камий Писаро става известен със своите пейзажи, характерна особеносткоето е рисуване на светлина и осветени обекти. Творчеството му оказва значително влияние върху жанра на импресионизма. Художникът самостоятелно развива много от принципите, присъщи на него, които са в основата на творчеството в бъдеще.

Писаро обичаше да пише на едно и също място по различно време на деня. Има цяла поредица от картини с парижки булеварди и улици. Най-известният от тях е булевард Монмартър (1897). Той отразява цялото очарование, което художникът вижда в кипящия и неспокоен живот на това кътче на Париж. Гледайки булеварда от едно и също място, той го показва на зрителя в слънчев и облачен ден, сутрин, следобед и късно вечер. На снимката по-долу - картината "Булевард Монмартър през нощта".

Впоследствие този стил е възприет от много художници. Ще споменем само кои импресионистични картини са написани под влиянието на Писаро. Тази тенденцияможе ясно да се види в работата на Моне (поредица от картини "Хакове").

Алфред Сисли: Тревни площи през пролетта

„Морави през пролетта“ е една от най-новите картини на пейзажиста Алфред Сислей, написана през 1880-1881 г. На него зрителят вижда горска пътека покрай бреговете на Сена със село на отсрещния бряг. На преден план е момиче - дъщерята на художника Жана Сисли.

Пейзажите на художника предават истинската атмосфера на историческия регион Ил дьо Франс и запазват специална мекота и прозрачност. природен феноменхарактерни за определени периоди от годината. Художникът никога не е бил привърженик на необичайни ефекти и се е придържал към проста композиция и ограничена палитра от цветове. Сега картината се намира в Националната галерия в Лондон.

Изброихме най-известните картини на импресионистите (със заглавия и описания). Това са шедьоври на световното изкуство. Уникалният стил на рисуване, който произхожда от Франция, първоначално се възприема с насмешка и ирония, критиците подчертават крещящата небрежност на художниците при писане на платна. Сега едва ли някой се осмелява да оспори гения им. Картините на импресионистите са изложени в най-престижните музеи в света и са желан експонат за всяка частна колекция.

Стилът не е потънал в забрава и има много последователи. Нашият сънародник Андрей Кох, френският художник Лоран Парселие, американците Даяна Леонард и Карен Тарлтън са известни съвременни импресионисти. Техните картини са направени в най-добрите традиции на жанра, изпълнени с ярки цветове, смели щрихи и живот. На снимката по-горе - работата на Laurent Parcelier "В лъчите на слънцето".