Импресионистични картини градски пейзажи. Картини на Константин Коровин

Една от най-големите тенденции в изкуството последните десетилетиядеветнадесети век и началото на двадесети е импресионизмът, който се разпространява по света от Франция. Неговите представители се занимаваха с разработването на такива методи и техники на рисуване, които биха позволили най-ярко и естествено да отразяват реалния свят в динамика, да предадат мимолетни впечатления от него.

Много художници създават своите платна в стила на импресионизма, но основателите на движението са Клод Моне, Едуард Мане, Огюст Реноар, Алфред Сислей, Едгар Дега, Фредерик Базил, Камий Писаро. Невъзможно е да се назоват най-добрите им творби, тъй като всички те са красиви, но има най-известните, които ще бъдат обсъдени допълнително.

Клод Моне: „Впечатление. Изгряващо слънце"

Платното, с което да започнем разговор за най-добрите картини на импресионистите. Клод Моне го рисува през 1872 г. от натура в старото пристанище на френския Хавър. Две години по-късно картината е показана за първи път пред публика в бившата работилница на френския художник и карикатурист Надар. Тази изложба се превърна в събитие, променящо живота на света на изкуството. Впечатлен (не в най-добър смисъл) работата на Моне, чието оригинално име звучи като „Impression, soleil levant“, журналистът Луи Лерой за първи път въвежда термина „импресионизъм“, обозначавайки нова посока в живописта.

Картината е открадната през 1985 г. заедно с творбите на О. Реноар и Б. Моризо. Открит пет години по-късно. Текуща импресия. Изгряващо слънце»принадлежи на музея Мармотан Моне в Париж.

Едуард Моне: Олимпия

Създадена е картина на Олимпия Френски импресионистЕдуард Мане през 1863 г. е един от шедьоврите на съвременната живопис. За първи път е представен в Парижкия салон през 1865 г. Художниците импресионисти и техните картини често са в центъра шумни скандали. Олимпия обаче предизвика най-мащабното от тях в историята на изкуството.

На платното виждаме гола жена, обърната с лице и тяло към публиката. Вторият герой е тъмнокожа прислужница, която държи луксозен букет, опакован в хартия. В подножието на леглото има черно коте в характерна поза с извит гръб. За историята на картината не се знае много, до нас са достигнали само две скици. Моделът най-вероятно беше любимият модел на Мане, Quiz Menard. Има мнение, че художникът е използвал образа на Маргьорит Белангер - любовницата на Наполеон.

През този период на творчество, когато е създадена Олимпия, Мане е очарован от японското изкуство и затова съзнателно отказва да изработи нюансите на тъмното и светлото. Поради това неговите съвременници не виждат обема на изобразената фигура, смятат я за плоска и груба. Художникът беше обвинен в неморалност, вулгарност. Никога досега картините на импресионистите не са предизвиквали такова вълнение и подигравки от тълпата. Администрацията беше принудена да постави охрана около нея. Дега сравнява славата на Мане чрез Олимпия и смелостта, с която приема критиката, с историята на живота на Гарибалди.

В продължение на почти четвърт век след изложбата платното беше недостъпно за любопитни очи от майстора-художник. След това отново е изложена в Париж през 1889 г. Почти е изкупена, но приятелите на художника събират необходимата сума и купуват Олимпия от вдовицата на Мане, след което я даряват на държавата. Сега картината е собственост на музея д'Орсе в Париж.

Огюст Реноар: Великите къпещи се

Картината е рисувана от френски художник през 1884-1887 г. Имайки предвид всичко сега известни картиниИмпресионистите между 1863 г. и началото на ХХ век "Великите къпещи се" се нарича най-голямото платно с голи женски фигури. Реноар работи върху него повече от три години и през този период са създадени много скици и скици. Нямаше друга картина в творчеството му, на която да отдели толкова много време.

На преден план зрителят вижда три голи жени, две от които са на брега, а третата е във водата. Цифрите са написани много реалистично и ясно, което е особеностстил на художника. Моделите на Реноар бяха Алина Чаригот (бъдещата му съпруга) и Сузан Валадон, която в бъдеще самата стана известна художничка.

Едгар Дега: Сини танцьорки

Не всички известни картини на импресионисти, изброени в статията, са рисувани с маслени бои върху платно. Снимката по-горе ви позволява да разберете какво представлява картината "Сини танцьори". Изпълнена е с пастел върху хартиен лист с размери 65х65 см и принадлежи към късния период на творчеството на художника (1897 г.). Той го рисува с вече отслабнало зрение, така че декоративната организация е от първостепенно значение: изображението се възприема като големи цветни петна, особено когато се гледа отблизо. Темата за танцьорите беше близка до Дега. Тя многократно се повтаря в работата си. Много критици смятат, че хармонията на цвета и композицията на "Сините танцьори" може да се вземе предвид най-добрата работахудожник по темата. В момента картината се съхранява в Музея на изкуствата. А. С. Пушкин в Москва.

Фредерик Базил: "Розова рокля"

Един от основателите френски импресионизъмФредерик Базил е роден в буржоазно семейство на богат винопроизводител. Още в годините на обучение в лицея той започва да се занимава с рисуване. След като се премества в Париж, той се запознава с К. Моне и О. Реноар. За съжаление, съдбата на художника беше предопределена за кратко житейски път. Загива на 28 години на фронта по време на Френско-пруската война. Но неговите, макар и малко, платна с право са включени в списъка на " Най-добрите картиниимпресионисти“. Една от тях е „Розова рокля“, написана през 1864 г. По всички признаци платното може да се припише на ранен импресионизъм: колористични контрасти, внимание към цвета, слънчева светлина и спрян миг, точно това, което се наричаше "импресия". Един от братовчедите на художника Тереза де Хорс действа като модел. В момента картината е собственост на музея д'Орсе в Париж.

Камий Писаро: Булевард Монмартър. Следобед, слънчево"

Камий Писаро става известен със своите пейзажи, характерна особеносткоето е рисуване на светлина и осветени обекти. Творчеството му оказва значително влияние върху жанра на импресионизма. Художникът самостоятелно развива много от принципите, присъщи на него, които са в основата на творчеството в бъдеще.

Писаро обичаше да пише същия пасаж различно времедни. Има цяла поредица от картини с парижки булеварди и улици. Най-известният от тях е булевард Монмартър (1897). Той отразява цялото очарование, което художникът вижда в кипящия и неспокоен живот на това кътче на Париж. Гледайки булеварда от едно и също място, той го показва на зрителя в слънчев и облачен ден, сутрин, следобед и късно вечер. На снимката по-долу - картината "Булевард Монмартър през нощта".

Впоследствие този стил е възприет от много художници. Ще споменем само кои импресионистични картини са написани под влиянието на Писаро. Тази тенденцияможе ясно да се види в работата на Моне (поредица от картини "Хакове").

Алфред Сисли: Тревни площи през пролетта

„Морави през пролетта“ е една от най-новите картини на пейзажиста Алфред Сислей, написана през 1880-1881 г. На него зрителят вижда горска пътека покрай бреговете на Сена със село на отсрещния бряг. На преден план е момиче - дъщерята на художника Жана Сисли.

Пейзажите на художника предават истинската атмосфера на историческия регион Ил дьо Франс и запазват специална мекота и прозрачност. природен феноменхарактерни за определени периоди от годината. Художникът никога не е бил привърженик на необичайни ефекти и се е придържал към проста композиция и ограничена палитра от цветове. Сега картината се намира в Националната галерия в Лондон.

Изброихме най-известните картини на импресионистите (със заглавия и описания). Това са шедьоври на световното изкуство. Уникалният стил на рисуване, който произхожда от Франция, първоначално се възприема с насмешка и ирония, критиците подчертават крещящата небрежност на художниците при писане на платна. Сега едва ли някой се осмелява да оспори гения им. Картините на импресионистите са изложени в най-престижните музеи в света и са желан експонат за всяка частна колекция.

Стилът не е потънал в забрава и има много последователи. Нашият сънародник Андрей Кох, френският художник Лоран Парселие, американците Даяна Леонард и Карен Тарлтън са известни съвременни импресионисти. Техните картини са направени в най-добрите традиции на жанра, изпълнени с ярки цветове, смели щрихи и живот. На снимката по-горе - работата на Laurent Parcelier "В лъчите на слънцето".

В тази статия ще видите Петербург градскипредставени в художествена галерияАрт Бриз. Тук са събрани произведения на различни автори, които са изработени в различни стилове и техники. Всички тези творби имат едно общо нещо – изобразяват Петербург такъв, какъвто го е виждал художникът.

градски пейзажкато жанр на живописта се формира доста късно, през 18 век. Тогава градовете започнаха да придобиват своите модерен характери броят на градските жители започва бързо да нараства. Преди това само няколко средновековни художници са изобразявали градове върху своите платна. Тези изображения бяха много примитивни, нямаха топографска точност и служеха за указване на мястото на събитията, на които беше посветен сюжетът на картината. Предци градски пейзажв живописта може да се нарече Холандски художници 17 век от Вермеер от Делфт, Й. Гойен и Й. Рейсдал. Именно върху техните творби може да се срещне градският пейзаж такъв, какъвто сме свикнали да го виждаме в съвременните картини.

Съвременните художници, които излагат свои собствени градски пейзажи в галерия Art Breeze в Санкт Петербург, изобразяват Санкт Петербург като предимно мъглив крайбрежен град с оживен живот и великолепна архитектура. Повечето от картините са създадени в стила на импресионизма и класиката. Наситеността на цветовете и способността за запълване на платното със светлина, която се осигурява от импресионистичната живописна техника, най-пълно отразява духа на този град на Нева!

По-нататъчно развитие Европейска живописсвързани с импресионизма. Този термин се роди случайно. Причината беше името на пейзажа на К. Моне „Импресия. Изгрев ”(виж Приложение № 1, фиг. 3) (от френското впечатление - впечатление), което се появи на изложбата на импресионистите през 1874 г. Това е първото ораторствогрупа художници, която включва К. Моне, Е. Дега, О. Реноар, А. Сисли, К. Писаро и др., беше посрещната от официалната буржоазна критика с груби подигравки и тормоз. Вярно е, че още от края на 1880-те формалните методи на тяхното рисуване бяха подхванати от представители на академичното изкуство, което даде на Дега основание да забележи горчиво: „Ние бяхме застреляни, но в същото време джобовете ни бяха претърсени“.

Сега, когато разгорещеният дебат за импресионизма е нещо от миналото, едва ли някой ще се осмели да оспори, че импресионистичното движение е следваща стъпка в развитието на европейската реалистична живопис. „Импресионизмът е преди всичко изкуството за наблюдение на реалността, което е достигнало безпрецедентно усъвършенстване“ (В. Н. Прокофиев). Стремейки се към максимална непосредственост и точност при предаването на видимия свят, те започват да пишат главно в на откритои повишава значението на изследването от природата, което почти измества традиционния тип живопис, внимателно и бавно създавана в ателието.

Последователно избистряйки своята палитра, импресионистите освобождават живописта от земни и кафяви лакове и бои. Условното, "музейно" черно в техните платна отстъпва място на безкрайно разнообразна игра на рефлекси и цветни сенки. Те неизмеримо разшириха възможностите визуални изкуства, откривайки не само света на слънцето, светлината и въздуха, но и красотата на мъглите, неспокойната атмосфера на живота голям град, разпръскване на нощни светлини и ритъм на непрекъснато движение.

По силата на самия метод на работа на открито, пейзажът, включително откритият от тях градски пейзаж, заема много важно място в изкуството на импресионистите. Колко органично се сливат традицията и иновацията в изкуството на импресионистите, свидетелства преди всичко работата на изключителния художник от 19 век Едуард Мане (1832-1883). Вярно, самият той не се е смятал за представител на импресионизма и винаги е бил излаган отделно, но в идеологически и светогледен план несъмнено той е предшественик и идеен водач на това движение.

В началото на кариерата си Е. Мане е остракизиран (подигравка с обществото). В очите на буржоазната публика и критиците неговото изкуство става синоним на грозното, а самият художник е наричан „луд, който рисува картина, треперещ от делириум тременс“ (М. де Монтифо) (виж Приложение № 1, Фиг. 4). Само най-проницателните умове от онова време са успели да оценят таланта на Мане. Сред тях бяха К. Бодлер и младият Е. Зола, които заявиха, че "г-н Мане е предопределен за място в Лувъра".

Импресионизмът получава своя най-последователен, но и широкообхватен израз в творчеството на Клод Моне (1840-1926). Неговото име често се свързва с такива постижения на този изобразителен метод като прехвърлянето на неуловими преходни състояния на осветление, вибрациите на светлината и въздуха, тяхната връзка в процеса на непрекъснати промени и трансформации. „Това несъмнено беше голяма победа за изкуството на Новото време“, пише В. Н. Прокофиев и добавя: „Но и неговата окончателна победа“. Неслучайно Сезан, макар и да изостря донякъде полемично позицията си, по-късно твърди, че изкуството на Моне е „само око“.

Ранната работа на Моне е доста традиционна. Все още имат човешки фигури, които в бъдеще все повече се превръщат в кадри и постепенно изчезват от картините му. През 1870-те години импресионистичният стил на художника най-накрая се оформя, отсега нататък той се посвещава изцяло на пейзажа. Оттогава той работи почти изключително на открито. Именно в неговото творчество окончателно се утвърждава типът голяма живопис - етюдът.

Един от първите Моне започва да създава поредица от картини, в които един и същ мотив се повтаря в различно време на годината и деня, при различно осветление и метеорологични условия (виж Приложение № 1, фиг. 5, 6). Не всички от тях са еднакви, но най-добрите платна от тези серии удивляват със свежестта на цветовете, интензивността на цвета и артистичността на изобразяване на светлинни ефекти.

В късния период на творчество в живописта на Моне се засилват тенденциите на декоративност и плоскост. Яркостта и чистотата на цветовете се превръщат в тяхната противоположност, появява се някаква белезникавост. Говорейки за злоупотребата на късните импресионисти от „светъл тон, който превръща някои произведения в избелено платно“, Е. Зола пише: „И днес няма нищо друго освен открито ... остават само петна: портретът е само петно, фигурите са само петна, само петна” .

Други художници импресионисти също са предимно пейзажисти. Тяхното творчество често незаслужено остава в сянка до наистина колоритната и впечатляваща фигура на Моне, въпреки че не му отстъпват по будно виждане на природата и по живописно майсторство. Сред тях на първо място трябва да бъдат посочени имената на Алфред Сислей (1839-1899) и Камил Писаро (1831-1903). Творбите на Сисли, англичанин по произход, се отличават с особена живописна елегантност. Блестящ майстор на пленера, той успя да предаде прозрачния въздух на ясното зимна сутрин, лека мъгла от мъгла, затоплена от слънцето, облаци, бягащи по небето във ветровит ден. Неговата гама се отличава с богатството на нюанси и прецизността на тоновете. Пейзажите на художника винаги са пропити с дълбоко настроение, отразяващо основното му лирично възприемане на природата (вж. Приложение № 1, фиг. 7, 8, 9).

беше по-сложно творчески начинПисаро, единственият художник, участвал във всичките осем изложби на импресионистите, Дж. Ревалд го нарича "патриарх" на това движение. Започвайки с пейзажи, близки по живопис до Барбизоните, той под влиянието на Мане и неговите млади приятели започва да работи на пленер, като последователно озарява палитрата. Постепенно той развива собствен импресионистичен метод. Един от първите той отказа да използва черна боя. Писаро винаги е бил склонен към аналитичен подход към рисуването, откъдето идват и експериментите му в разграждането на цвета - "дивизионизъм" и "поунтелизъм". Въпреки това, той скоро се връща към импресионистичния маниер, по който е изграден най-добрите работи- прекрасна серия от градски пейзажи Париж (виж Приложение № 1, фиг. 10,11,12,13). Тяхната композиция винаги е обмислена и балансирана, живописта е изискана в колорит и виртуозна в техниката.

В Русия градският пейзаж в импресионизма е просветен от Константин Коровин. „Париж беше шок за мен… импресионистите… в тях видях това, за което ме караха в Москва.“ Коровин (1861-1939), заедно с приятеля си Валентин Серов, са централните фигури на руския импресионизъм. Под голямото влияние на френското движение той създава свой собствен стил, който смесва основните елементи на френския импресионизъм с богатите цветове на руското изкуство от този период (виж Приложение № 1, фиг. 15).

18-19 век бележи разцвета на европейското изкуство. Във Франция император Наполеон III заповяда да се продължи реконструкцията на Париж след военните действия по време на Френско-пруската война. Париж бързо се превръща в същия „блестящ град“, какъвто е бил по времето на Втората империя, и отново се провъзгласява за център на европейското изкуство. Ето защо много художници импресионисти се обърнаха към темата за съвременния град в своите творби. В техните произведения съвременният град не е чудовище, а място на родината, където живеят хората. Много творби са пропити със силно чувство за патриотизъм.

Това може да се види особено в картините на Клод Моне. Той създава повече от 30 картини с изгледи на Руанската катедрала при различни светлинни и атмосферни условия. Така например през 1894 г. Моне рисува две картини – „Руанската катедрала по обяд“ и „Руанската катедрала вечерта“. И двете картини изобразяват един и същ фрагмент от катедралата, но в различни тонове - в топли жълто-розови тонове на обед и в студени синкави нюанси на избледняваща светлина на здрача. В картините цветното петно напълно разтваря линията, художникът предава не материалната тежест на камъка, а сякаш лек цветен воал.

Импресионистите се стремяха да направят картината да изглежда така отворен прозорецпрез които се вижда реалният свят. Често те избират гледната точка от прозореца към улицата. Известният Boulevard des Capucines от К. Моне, рисуван през 1873 г. и показан на първата изложба на импресионистите през 1874 г., е отличен пример за тази техника. Тук има много новаторство – за мотив на пейзажа е избрана гледката на голяма градска улица, но художникът се интересува от нейния облик като цяло, а не от нейните забележителности. Цялата маса от хора е изобразена с плъзгащи се щрихи, обобщено, в които е трудно да се различат отделни фигури.

Моне предава в тази творба мигновено, чисто зрителско впечатление от едва забележимо вибриращия въздух, от хора и напускащи вагони, които навлизат дълбоко в улицата. Разрушава идеята за равнината на платното, създава илюзията за пространство и го изпълва със светлина, въздух и движение. Човешкото око се устремява към безкрая и няма пределна точка, където да спре.

Високата гледна точка позволява на художника да се откаже от предния план и той предава лъчистата слънчева светлина в контраст със синкаво-лилавата сянка на къщите, разположени на уличния тротоар. Моне придава на слънчевата страна оранжево, златисто-топло, сенчесто-лилаво, но една светло-въздушна мъгла придава на целия пейзаж тонална хармония, а контурите на къщите и дърветата се появяват във въздуха, проникнати от слънчевите лъчи.

През 1872 г. в Хавър Моне пише „Впечатление. Изгрев ”- изглед към пристанището на Хавър, представен по-късно на първата изложба на импресионистите. Тук художникът очевидно най-накрая се освободи от общоприетата идея за обекта на изображението като определен обем и се посвети изцяло на предаването на моментното състояние на атмосферата в сини и розово-оранжеви тонове. Всъщност всичко изглежда нематериално: кеят на Хавър и корабите се сливат с петна в небето и отражение във водата, а силуетите на рибарите и лодките на преден план са просто тъмни петна, направени с няколко интензивни щриха. Отхвърлянето на академичната техника, рисуването на открито и изборът на необичайни сюжети се възприемат враждебно от критиците от онова време. Луи Лероа, авторът на яростна статия, появила се в списание Sharivari, за първи път във връзка с тази конкретна картина използва термина "импресионизъм" като определение на ново течение в живописта.

Друг изключителна работа, посветена на града, бе картината на Клод Моне „Гара Сен Лазар“. Моне изпълни над десет картини по мотива на гарата Сен Лазар, седем от които бяха изложени на Третата изложба на импресионистите през 1877 г.

Моне наел малък апартамент на Rue Moncey, недалеч от гарата. Художникът получи пълна свобода на действие. Движението на влаковете беше спряно за известно време и той можеше ясно да види платформите, пещите на димящите парни локомотиви, които бяха пълни с въглища - така че парата се изливаше от тръбите. Моне здраво се "настани" на гарата, пътниците го гледаха с благоговение и страхопочитание.

Тъй като външният вид на станцията непрекъснато се променя, Моне прави само скици върху „природата“, а върху тях в студиото рисува самите картини. На платното виждаме голяма железопътна гара, покрита с навес, монтирана на железни стълбове. Отляво и отдясно има платформи: единият коловоз е за крайградски влакове, другият за влакове голямо разстояние. Специална атмосфера се предава чрез контраста на слабото осветление вътре в гарата и ярката ослепителна улична светлина. Облаци дим и пара, разпръснати из цялото платно, балансират контрастиращите ивици на осветлението. Навсякъде се процежда дим, светещи облаци се въртят на фона на едва забележимите силуети на сгради. Гъстата пара сякаш придава форма на масивни кули, покривайки ги с лек воал, като най-тънката паяжина. Картината е нарисувана в нежни приглушени тонове с най-фини преходи на нюанси. Бързите точни щрихи под формата на запетаи, характерни за това време, се възприемат като мозайка, зрителят има впечатлението, че парата или се разсейва, или се сгъстява.

Друг представител на импресионистите, К. Писаро, като всички импресионисти, обичаше да рисува града, който го плени с безкрайното си движение, потока от въздушни течения и играта на светлината. Той го възприемаше като жив, неспокоен организъм, способен да се променя в зависимост от сезона, степента на осветеност.

През зимата и пролетта на 1897 г. Писаро работи върху поредица от картини, наречени Булевардите на Париж. Тези творби донасят известност на художника и привличат вниманието на критиците, които свързват името му с дивизионисткото движение. Художникът прави скици за поредицата от прозореца на стая в парижки хотел и завършва работата по картините в ателието си в Ерани в края на април. Тази поредица е единствената в творчеството на Писаро, в която художникът се стреми да улови различните условия на времето и слънчевата светлина с максимална точност. Така например художникът рисува 30 картини, изобразяващи булевард Монмартър, гледайки го от същия прозорец.

В картините на булевард Монмартър в Париж майсторът К. Писаро майсторски предаде богатството на атмосферните ефекти, цветната сложност и финес на облачен ден. Динамиката на градския живот, толкова убедително въплътена от бързата четка на художника, създава образ на модерен град - не параден, не официален, а развълнуван и жив. Градският пейзаж става основен жанр в творчеството на този изключителен импресионист - "певецът на Париж".

Столицата на Франция заема специално място в творчеството на Писаро. Художникът постоянно живее извън града, но Париж постоянно го привлича. Париж го пленява с непрестанното и всеобщо движение – ходенето на пешеходци и движението на карети, потока на въздушните течения и играта на светлината. Град Писаро не е списък от забележителни къщи, попаднали в полезрението на художника, а жив и неспокоен организъм. Уловени в този живот, ние не осъзнаваме баналността на сградите, които изграждат булевард Монмартър. Художникът открива неповторимо очарование в безпокойството на Големите булеварди. Сутрин и ден, вечер и нощ, облян в слънце и сив, Писаро заснема булевард Монмартър, разглеждайки го от един и същи прозорец. Ясният и семпъл мотив на отдалечаващата се в далечината улица създава ясен композиционна основа, което не минава от платно на платно. Цикълът от платна, рисувани в следващата годинаот прозореца на хотел Лувър. В писмо до сина си, докато работи върху цикъла, Писаро подчертава характера на това място, което е различно от булевардите, тоест зоната на Френския театър и околността. Наистина там всичко се втурва по оста на улицата. Ето - площадът, служил за крайна спирка на няколко омнибусни маршрута, се пресича в различни посоки и вместо широка панорама с изобилие от въздух, пред очите ни се появява затворено пространство на преден план.

Коровин Константин Алексеевич - изключителен руски художник, декоратор, един от най-големите руски художници от началото на века (19-20). Коровин - майстор на пленера, автор на пейзажи, жанрови картини, натюрморти, портрети. Художникът е роден в Москва. Учи в Петербург и Москва, при Саврасов и Поленов. Константин Коровин беше член на Асоциацията на пътуващите художествени изложби, Съюза на руските художници и Света на изкуството. Смятан за един от най видни представители„Руски импресионизъм“.

В творчеството на Коровин може да се види стремежът към постигане на синтетични изобразителни решения чрез светлинни и сенчести модулации, хармонията на тоналните отношения. Това са „Северна идилия” (1886), „На балкона. Испанките Леонора и Ампара“ (1888), „Хамерфест. Северно сияние (1895) и др. А до него има неща с различна "коровинска" насоченост - портрет на солиста на Руската частна опера Т. С. Любатович (2-ра половина на 1880-те), който привлича с изящна колористична концепция, ликуващо празнична образна система или етюд от началото на 1890 г. „Парижко кафене“, където за първи път Коровин толкова проникновено предаде едва забележимия живописен „аромат“ на самия въздух на френската столица.

Ядрото на метода на Коровин е способността да се превърне най-обикновеният и дори очевидно непривлекателен мотив във високоестетически спектакъл с помощта на точно видяно и сякаш мигновено отпечатано цветово съдържание.

Париж в картините на Коровин

Престоят в Париж по време на подготовката на Световната изложба - този престой беше второстепенен и много по-смислен - отвори очите на художника за съвременното френска живопис. Той изучава импресионистите, така че в унисон с неговите стремежи, но остава непознат за всички постимпресионистични движения. През 1900 г. Коровин създава своя прочут парижки сериал. За разлика от импресионистите, неговите възгледи за Париж са написани много по-директно и емоционално. Те са доминирани от желанието на майстора "да разбие очарованието, което в момента се съдържа в пейзажа" (според ученика на Коровин Б. Йогансон).

Художникът търси най-фините преходни и неочаквани състояния в живота на града – сутрешен Париж, Париж в здрач, вечерен и нощен град („Париж, сутрин“, 1906; „Париж вечер“, 1907; „Здрач в Париж", 1911 г.). Утринна мъгла и трептящата светлина на изгряващото слънце, люляков здрач със зеленината на дърветата, които все още не са потъмнели, и вече запалените фенери, кадифената плътност на мрака синьо небеи ярко, трескаво разпръскване на нощните светлини на Париж ... Коровин в тези малки неща постига почти документална истина на визуалното впечатление, но това води до невероятна духовност, оригиналност на образа на града. Благодарение на метода на сложно цветово-тонално решение, в малка скица той постигна както крайната експресия на нивото на голяма завършена картина, така и ефекта на вълнуващо емоционално ангажиране на зрителя с това, което вижда.

„Искам окото на зрителя също да се наслаждава естетически, както ухото на душата - на музиката“, каза веднъж Коровин.