عصر امپرسیونیسم در نقاشی. نقاشی در امپرسیونیسم: ویژگی ها، تاریخ

امپرسیونیسم در نقاشی

ریشه ها

پیدایش نام

اولین نمایشگاه مهم امپرسیونیست ها از 15 آوریل تا 15 مه 1874 در آتلیه عکاس نادار برگزار شد. 30 هنرمند، در مجموع - 165 اثر ارائه شد. بوم مونه - "تصویر. خورشید در حال طلوع " ( Impression، soleil levant) اکنون در موزه مارموتین پاریس که در سال 1872 نوشته شده است، اصطلاح "امپرسیونیسم" را به وجود آورد: روزنامه نگار ناشناخته لوئیس لروی در مقاله خود در مجله Le Charivari گروه را "امپرسیونیست ها" نامید تا تحقیر خود را بیان کند. . هنرمندان به دلیل چالش، این لقب را پذیرفتند، بعدها ریشه دوانید، معنای منفی اولیه خود را از دست داد و به کار افتاد.

نام "امپرسیونیسم" برخلاف نام "مکتب باربیزون" که حداقل نشانی از موقعیت جغرافیایی گروه هنری دارد، تقریباً بی معنی است. حتی در مورد برخی از هنرمندانی که به طور رسمی در حلقه اولین امپرسیونیست ها قرار نگرفته اند، وضوح کمتری وجود دارد، اگرچه تکنیک ها و ابزار آنها کاملاً "امپرسیونیستی" ویسلر، ادوارد مانه، اوژن بودن و غیره است.) علاوه بر این، ابزار فنی امپرسیونیست ها مدت ها قبل از قرن نوزدهم شناخته شده بودند و تیتیان و ولاسکوئز (تا حدی، به طور محدود) از آنها استفاده می کردند، بدون اینکه از ایده های غالب عصر خود شکسته شوند.

مقاله دیگری (نویسنده امیل کاردون) و عنوان دیگری - "نمایشگاه شورشی" وجود داشت که کاملاً مخالف و محکوم بود. این بود که نگرش ناپسند مردم بورژوازی و انتقاد نسبت به هنرمندان (امپرسیونیست ها) را که سال ها بر آن حاکم بود، به درستی بازتولید کرد. امپرسیونیست ها بلافاصله متهم به بی اخلاقی، خلق و خوی سرکش، عدم احترام به آنها شدند. در حال حاضر، این تعجب آور است، زیرا مشخص نیست در مناظر کامیل پیسارو، آلفرد سیسلی، صحنه های روزمره ادگار دگا، طبیعت بی جان مونه و رنوار چه چیزی غیراخلاقی است.

دهه ها گذشت. و نسل جدیدی از هنرمندان به یک فروپاشی واقعی اشکال و فقیر شدن محتوا خواهند رسید. سپس هم منتقدان و هم مردم در امپرسیونیست های محکوم - رئالیست ها و کمی بعد، کلاسیک های هنر فرانسه را دیدند.

ویژگی فلسفه امپرسیونیسم

امپرسیونیسم فرانسوی مشکلات فلسفی را مطرح نکرد و حتی سعی نکرد به سطح رنگی زندگی روزمره نفوذ کند. در عوض، امپرسیونیسم بر سطحی بودن، سیال بودن لحظه، حال و هوا، نور، یا زاویه دید تمرکز می کند.

امپرسیونیسم مانند هنر رنسانس (رنسانس)، بر ویژگی ها و مهارت های درک دیدگاه ساخته شده است. در عین حال، بینش رنسانس با سوبژکتیویته و نسبیت اثبات شده ادراک انسان منفجر می شود، که رنگ و اجزای مستقل تصویر را تشکیل می دهد. برای امپرسیونیسم، آنچه در شکل نشان داده شده است، مهم نیست، بلکه نحوه نشان دادن آن مهم است.

نقاشی‌های آنها تنها جنبه‌های مثبت زندگی را نشان می‌داد و بر مشکلات اجتماعی از جمله گرسنگی، بیماری، مرگ تأثیری نداشت. این بعدها به انشعاب در بین خود امپرسیونیست ها منجر شد.

فواید امپرسیونیسم

از مزایای امپرسیونیسم به عنوان یک گرایش می توان به دموکراسی اشاره کرد. با اینرسی، هنر در قرن نوزدهم در انحصار اشراف، طبقات بالای جمعیت در نظر گرفته شد. آنها بودند که به عنوان مشتریان اصلی نقاشی های دیواری، بناهای تاریخی عمل کردند، آنها بودند که خریداران اصلی نقاشی ها و مجسمه ها بودند. توطئه هایی با کار سخت دهقانان، صفحات غم انگیز زمان ما، جنبه های شرم آور جنگ ها، فقر، آشفتگی های اجتماعی محکوم شد، تایید نشد، خریداری نشد. انتقاد از اخلاق کفرآمیز جامعه در نقاشی های تئودور ژریکولت، فرانسوا میله تنها از طرف حامیان هنرمندان و چند متخصص پاسخ یافت.

امپرسیونیست ها در این موضوع مواضع کاملاً سازشکارانه و متوسطی را اشغال کردند. توطئه های کتاب مقدس، ادبی، اسطوره ای، تاریخی که در آکادمیک گرایی رسمی ذاتی بود کنار گذاشته شد. از سوی دیگر، آنها مشتاقانه خواهان شناخت، احترام و حتی جوایز بودند. نشان دهنده فعالیت ادوارد مانه است که سال ها به دنبال شناخت و جوایز از سالن رسمی و مدیریت آن بود.

در عوض، چشم اندازی از زندگی روزمره و مدرنیته ظاهر شد. هنرمندان اغلب افراد را در حال حرکت نقاشی می کردند، هنگام تفریح ​​یا استراحت، منظره ای از یک مکان خاص را در یک نور خاص تصور می کردند، طبیعت نیز انگیزه کار آنها بود. آنها موضوعاتی مانند معاشقه، رقص، اقامت در کافه ها و تئاترها، سفرهای قایق، در سواحل و باغ ها را انتخاب کردند. با قضاوت بر اساس نقاشی های امپرسیونیست ها، زندگی مجموعه ای از تعطیلات کوچک، مهمانی ها، سرگرمی های دلپذیر در خارج از شهر یا در یک محیط دوستانه است (تعدادی از نقاشی های رنوار، مانه و کلود مونه). امپرسیونیست ها جزو اولین کسانی بودند که در هوا نقاشی کردند، بدون اینکه کار خود را در استودیو نهایی کنند.

تکنیک

گرایش جدید با نقاشی آکادمیک هم از نظر فنی و هم از نظر ایدئولوژیک متفاوت بود. اول از همه، امپرسیونیست ها کانتور را رها کردند و آن را با ضربات کوچک جداگانه و متضاد جایگزین کردند، که آنها مطابق با تئوری های رنگی Chevreul، Helmholtz و Rude اعمال کردند. پرتو خورشید به اجزای خود تقسیم می شود: بنفش، آبی، آبی، سبز، زرد، نارنجی، قرمز، اما از آنجایی که آبی از انواع آبی است، تعداد آنها به شش کاهش می یابد. دو رنگ که در کنار هم قرار گرفته اند، یکدیگر را تقویت می کنند و برعکس، در صورت ترکیب، شدت خود را از دست می دهند. علاوه بر این، همه رنگ ها به اصلی یا اولیه و دوگانه یا مشتقات تقسیم می شوند که هر رنگ دوتایی به رنگ اول اضافه می شود:

• آبی - نارنجی
• قرمز سبز
• زرد - بنفش

بنابراین ممکن شد رنگ ها را در پالت مخلوط نکنید و به دست آورید رنگ مورد نظربا پوشاندن مناسب آنها روی بوم. این بعدها دلیلی برای رد سیاه شد.

سپس امپرسیونیست ها تمرکز همه کارها را بر روی بوم های کارگاه ها متوقف کردند، اکنون آنها هوای آزاد را ترجیح می دهند، جایی که راحت تر است که برداشت زودگذر از آنچه می دیدند، که به لطف اختراع لوله های فولادی برای رنگ امکان پذیر شد. که بر خلاف کیف های چرمی قابل بسته شدن بود تا رنگ خشک نشود.

همچنین هنرمندان از رنگ‌های مات استفاده می‌کردند که نور را به خوبی از خود عبور نمی‌دهند و برای مخلوط کردن مناسب نیستند، زیرا به سرعت خاکستری می‌شوند، این به آن‌ها اجازه می‌داد تا نقاشی‌هایی را ایجاد کنند نه با درونی؛ داخلی"، آ " خارجی» بازتاب نور از سطح.

تفاوت های فنی به دستیابی به اهداف دیگر کمک کرد، اول از همه، امپرسیونیست ها سعی کردند یک برداشت زودگذر را به تصویر بکشند، کوچکترین تغییرات در هر موضوع بسته به نور و زمان روز، بالاترین تجسم چرخه های نقاشی مونه "Haystacks" بود. «کلیسای جامع روئن» و «پارلمان لندن».

به طور کلی، بسیاری از استادان به سبک امپرسیونیستی کار می کردند، اما اساس جنبش ادوارد مانه، کلود مونه، آگوست رنوار، ادگار دگا، آلفرد سیسلی، کامیل پیسارو، فردریک بازیل و برت موریسو بودند. با این حال، مانه همیشه خود را «هنرمند مستقل» می‌نامید و هرگز در نمایشگاه‌ها شرکت نمی‌کرد، و با وجود اینکه دگا در آن شرکت می‌کرد، هرگز آثارش را به‌طور کامل نقاشی نمی‌کرد.

جدول زمانی توسط هنرمندان

امپرسیونیست ها

نمایشگاه ها

• اولین نمایشگاه(15 آوریل - 15 مه)

• نمایشگاه دوم(آوریل)

نشانی: خیابان Lepeletier، 11 (گالری Durand-Ruel). اعضا: ریحان (پس از مرگ، هنرمند در سال 1870 درگذشت)، بلیار، بورو، دبیوتین، دگا، کایلبوت، کالز، اهرم، لگروس، لپیک، ارزن، مونه، موریسو، ال. اوتن، پیسارو، رنوار، روآر، سیسلی، تیلو، فرانسوا

• سومین نمایشگاه(آوریل)

نشانی: خیابان لپلتیه، 6. اعضا: گیومین، دگا، کایلبوت، کالز، کوردی، اهرم، لمی، مونه، موریسو، مورو، پیت، پیسارو، رنوار، روآد، سزان، سیسلی، تیلو، فرانسوا.

• نمایشگاه چهارم(10 آوریل - 11 مه)

نشانی: خیابان اپرا، 28. اعضا: براکمون، مادام براکمون، گوگن، دگا، زاندومنقی، کایلبوت، کالز، کاسات، لبورگ، مونه، پیت، پیسارو، روآرت، سوم، تیلو، فورین.

• نمایشگاه پنجم(1 آوریل - 30 آوریل)

نشانی: خیابان اهرام، 10. اعضا: براکمون، خانم براکمون، ویدال، ویگن، گیومین، گوگن، دگا، زاندومنگی، کایلبوت، کاسات، لبور، اهرم، موریسو، پیسارو، رافائلی، روآرت، تیلو، فورین.

• نمایشگاه ششم(2 آوریل - 1 می)

نشانی: Boulevard des Capucines, 35 (استودیوی عکاس نادار). اعضا: ویدال، ویگنون، گیوم، گوگن، دگا، زندومنگی، کاسات، موریسو، پیسارو، رافائلی، روآر، تیلو، فورین.

• هفتمین نمایشگاه(مارس )

نشانی: Faubourg-Saint-Honoré، 251 (در Durand-Ruel). اعضا: ویگن، گیوم، گوگن، کایلبوت، مونه، موریسو، پیسارو، رنوار، سیسلی.

• نمایشگاه هشتم(15 مه - 15 ژوئن)

نشانی: خیابان لافیت، 1. اعضا: خانم براکمون، ویگن، گیومین، گوگن، دگا، زاندومنگی، کاست، موریسو، کامیل پیسارو، لوسین پیسارو، ردون، روآرت، سورات، سیگناک، تیلو، فورین، شوفنکر.

امپرسیونیسم در ادبیات

در ادبیات، امپرسیونیسم به عنوان یک گرایش جداگانه رشد نکرد، اما ویژگی های آن در طبیعت گرایی و نمادگرایی منعکس شد.

اول از همه، با بیان برداشت خصوصی نویسنده، رد تصویر عینی از واقعیت، به تصویر کشیدن هر لحظه مشخص می شود، که باید مستلزم عدم وجود طرح، تاریخ و جایگزینی فکر با ادراک باشد. و با غریزه استدلال کنید. ویژگی های اصلی سبک امپرسیونیستی توسط برادران گنکور در اثر خود "دفترچه خاطرات" فرموله شد. عبارت معروف « دیدن، احساس، بیان - این همه هنر استبرای بسیاری از نویسندگان به جایگاه مرکزی تبدیل شده است.

در طبیعت گرایی اصل اصلی صداقت، وفاداری به طبیعت بود، اما در معرض تأثیرگذاری است و بنابراین ظهور واقعیت به هر فرد و خلق و خوی او بستگی دارد. این به طور کامل در رمان های امیل زولا، توضیحات مفصل او از بوها، صداها و ادراک بصری بیان شده است.

برعکس، نمادگرایی خواستار طرد جهان مادی و بازگشت به ایده آل بود، اما گذار تنها از طریق تأثیرات زودگذر امکان پذیر است، که در چیزهای قابل مشاهدهجوهر مخفی نمونه بارز امپرسیونیسم شاعرانه مجموعه پل ورلن "عاشقانه های بدون کلام" است (). در روسیه، تأثیر امپرسیونیسم توسط کنستانتین بالمونت و اینوکنتی آننسکی تجربه شد.

همچنین، این حالات دراماتورژی (درام امپرسیونیستی) را لمس می کند، درک منفعل از جهان به نمایشنامه ها هجوم می آورد، تجزیه و تحلیل حالات، حالات ذهنی، کل ترکیب بندی به تعدادی صحنه پر از غزل تقسیم می شود و برداشت های ناهمگون زودگذر در دیالوگ ها متمرکز می شود. . این درام تبدیل به تک پرده می شود که برای تئاترهای صمیمی طراحی شده است. این نشانه ها به طور کامل در کار آرتور شنیتزلر منعکس شده است.

امپرسیونیسم در موسیقی

امپرسیونیسم موسیقی یکی از جریان های مدرنیته موسیقی بود. با انتقال برداشت های زودگذر، خلق و خوی، تفاوت های ظریف روانی مشخص می شود.

بنیانگذار امپرسیونیسم در موسیقی، آهنگساز فرانسوی اریک ساتی است که در سال 1886 سه ملودی و سه سارابند در سال 1887 منتشر کرد که همه ویژگی های اصلی سبک جدید را در خود دارند. اکتشافات جسورانه اریک ساتی پنج و ده سال بعد توسط دو تن از دوستان او، برجسته ترین نمایندگان امپرسیونیسم، کلود دبوسی و موریس راول، برداشت و توسعه یافت.

ادبیات

• ژان پل کرسپل. زندگی روزمره امپرسیونیست ها 1863-1883مسکو "گارد جوان"،
• موریس سرول و آرلت سرول. دایره المعارف امپرسیونیسم، مسکو "جمهوری"،
• "امپرسیونیسم"، برودسکایا. N.V. سنت پترزبورگ، آورورا، 2002 (254 صفحه، 269 تصویر، 7 برگه متن نویسنده)

پیوندها

• امپرسیونیسم، N.V. Brodskaya، ed. Aurora 2010

امپرسیونیسم
نمایندگان
امپرسیونیسم آمریکایی
کلکسیونرها
موزه ها
دیگر

جهت گیری در هنر غرب
قرون وسطی
زمان جدید
مدرنیسم
امروزی هنر

بنیاد ویکی مدیا 2010 .

مترادف ها:

هنر اروپایی اواخر قرن نوزدهم با ظهور هنر مدرنیستی غنی شد و بعدها تأثیر آن بر موسیقی و ادبیات نیز گسترش یافت. آن را "امپرسیونیسم" می نامیدند زیرا بر اساس ظریف ترین برداشت های هنرمند، تصاویر و حالات بود.

خاستگاه و تاریخچه وقوع

چند هنرمند جوان در نیمه دوم قرن نوزدهم گروهی را تشکیل دادند. آنها یک هدف مشترک و منافع منطبق داشتند. نکته اصلی برای این شرکت کار در طبیعت، بدون دیوارهای کارگاه و عوامل بازدارنده مختلف بود. آنها در نقاشی های خود به دنبال این بودند که تمام حس و حال، تأثیر بازی نور و سایه را منتقل کنند. مناظر و پرتره ها منعکس کننده وحدت روح با جهان، با جهان اطراف بودند. نقاشی های آنها شعر واقعی رنگ هاست.

در سال 1874 نمایشگاهی از این گروه از هنرمندان برپا شد. منظره اثر کلود مونه “Impression. طلوع آفتاب» توجه منتقدی را به خود جلب کرد که در نقد خود برای اولین بار این سازندگان را امپرسیونیست نامید (از برداشت فرانسوی - "Impression").

پیش نیازهای تولد سبک امپرسیونیسم که نقاشی های نمایندگان آن به زودی موفقیت باورنکردنی پیدا خواهند کرد، آثار رنسانس بود. کار اسپانیایی‌ها ولاسکوز، ال گرکو، ترنر انگلیسی، پاسبان بدون قید و شرط بر فرانسوی‌ها که بنیان‌گذاران امپرسیونیسم بودند، تأثیر گذاشت.

پیسارو، مانه، دگا، سیسلی، سزان، مونه، رنوار و دیگران نمایندگان برجسته این سبک در فرانسه شدند.

فلسفه امپرسیونیسم در نقاشی

هنرمندانی که به این سبک نقاشی می‌کردند، وظیفه جلب توجه عمومی به مشکلات را بر عهده نداشتند. در آثار آنها نمی توان توطئه هایی در مورد موضوع روز پیدا کرد، نمی توان اخلاقی سازی کرد یا متوجه تضادهای انسانی شد.

نقاشی هایی به سبک امپرسیونیسم با هدف انتقال یک حال و هوای لحظه ای، ایجاد طرح های رنگی با ماهیت اسرارآمیز است. در آثار تنها جایی برای شروع مثبت وجود دارد، تاریکی امپرسیونیست ها را دور زد.

در واقع، امپرسیونیست‌ها به خود زحمت ندادند که درباره طرح و جزئیات فکر کنند. عامل اصلی این نبود که چه چیزی را ترسیم کنید، بلکه این بود که چگونه روحیه خود را به تصویر بکشید و منتقل کنید.

تکنیک نقاشی

تفاوت فاحشی بین سبک آکادمیک طراحی و تکنیک امپرسیونیست ها وجود دارد. آنها به سادگی بسیاری از روش ها را کنار گذاشتند، برخی غیرقابل تشخیص تغییر کردند. در اینجا نوآوری هایی است که آنها انجام دادند:

1. کانتور رها شده آن را با سکته مغزی - کوچک و متضاد جایگزین شد.
2. ما استفاده از پالت ها را متوقف کردیم، رنگ هایی را انتخاب کردیم که مکمل یکدیگر هستند و برای به دست آوردن جلوه خاصی نیازی به ادغام ندارند. مثلاً زرد بنفش است.
3. رنگ مشکی را متوقف کنید.
4. کار کاملاً رها شده در کارگاه ها. آنها منحصراً در مورد طبیعت می نوشتند تا ثبت یک لحظه، یک تصویر، یک احساس آسان تر باشد.
5. فقط از رنگ هایی با کدورت خوب استفاده شد.
6. منتظر خشک شدن لایه بعدی نباشید. بلافاصله اسمیر تازه اعمال شد.
7. آنها چرخه هایی از آثار را ایجاد کردند تا تغییرات نور و سایه را دنبال کنند. به عنوان مثال، "Haystacks" اثر کلود مونه.

البته همه هنرمندان دقیقاً ویژگی های سبک امپرسیونیسم را اجرا نکردند. به عنوان مثال، نقاشی های ادوارد مانه هرگز در نمایشگاه های مشترک شرکت نکرد و خود او خود را به عنوان یک هنرمند مجزا معرفی کرد. ادگار دگا فقط در کارگاه ها کار می کرد، اما این به کیفیت آثار او لطمه ای وارد نکرد.

نمایندگان امپرسیونیسم فرانسه

اولین نمایشگاه آثار امپرسیونیستی مربوط به سال 1874 است. پس از 12 سال، آخرین نمایشگاه آنها برگزار شد. اولین اثر در این سبک را می توان "صبحانه روی چمن" اثر E. Manet نامید. این تصویر در سالن رد شدگان ارائه شده است. با خصومت مواجه شد، زیرا بسیار متفاوت از قوانین آکادمیک بود. به همین دلیل است که مانه به چهره ای تبدیل می شود که حلقه ای از پیروان این جهت سبکی دور آن جمع می شوند.

متأسفانه، معاصران از سبکی مانند امپرسیونیسم قدردانی نکردند. نقاشی ها و هنرمندان بر خلاف هنر رسمی وجود داشتند.

کم کم کلود مونه در تیم نقاشان به میدان می آید که بعدها رهبر آنها و ایدئولوگ اصلی امپرسیونیسم می شود.

کلود مونه (1840-1926)

کار این هنرمند را می توان سرود امپرسیونیسم توصیف کرد. این او بود که اولین کسی بود که از استفاده از رنگ سیاه در نقاشی هایش امتناع کرد، با این استدلال که حتی سایه ها و شب نیز رنگ های دیگری دارند.

جهان در نقاشی های مونه خطوط مبهم، سکته های حجیم است که با نگاهی به آن می توان طیف بازی رنگ های روز و شب، فصل ها، هارمونی دنیای زیر قمری را احساس کرد. تنها لحظه ای که از جریان زندگی ربوده شد، در درک مونه، امپرسیونیسم است. به نظر می رسد نقاشی های او هیچ مادیتی ندارند، همه آنها از پرتوهای نور و جریان هوا اشباع شده اند.

کلود مونه آثار شگفت انگیزی خلق کرد: "ایستگاه سنت لازار"، "کلیسای جامع روئن"، چرخه "پل کراس کراس" و بسیاری دیگر.

آگوست رنوار (1841-1919)

خلاقیت‌های رنوار حس سبکی، هواپذیری و اثیری فوق‌العاده را القا می‌کنند. طرح به طور تصادفی متولد شد، اما مشخص است که این هنرمند با دقت در تمام مراحل کار خود فکر کرده و از صبح تا شب کار می کند.

یکی از ویژگی های بارز کار O. Renoir استفاده از لعاب است که تنها زمانی امکان پذیر است که نگارش امپرسیونیسم در آثار هنرمند در هر ضربه ظاهر شود. او یک شخص را به عنوان ذره ای از طبیعت درک می کند، به همین دلیل است که بسیاری از نقاشی های برهنه وجود دارد.

سرگرمی مورد علاقه رنوار تصویر یک زن با تمام زیبایی جذاب و جذابش بود. پرتره ها از جایگاه ویژه ای برخوردارند زندگی خلاقهنرمند "چترها"، "دختری با یک پنکه"، "صبحانه پاروزنان" تنها بخش کوچکی از مجموعه نقاشی های شگفت انگیز آگوست رنوار هستند.

ژرژ سورات (1859-1891)

سورات فرآیند خلق نقاشی ها را با اثبات علمی نظریه رنگ مرتبط کرد. محیط نور-هوا بر اساس وابستگی صداهای اصلی و اضافی ترسیم شد.

علیرغم اینکه جی. سورات نماینده مرحله نهایی امپرسیونیسم است و تکنیک او از بسیاری جهات با بنیانگذاران متفاوت است، او به همین ترتیب با کمک ضربات تصویری توهمی از فرم عینی ایجاد می کند که می تواند فقط از راه دور قابل مشاهده و دیده شدن باشد.

شاهکارهای خلاقیت را می توان نقاشی "یکشنبه"، "Cancan"، "مدل ها" نامید.

نمایندگان امپرسیونیسم روسیه

امپرسیونیسم روسی تقریباً خود به خود بوجود آمد و بسیاری از پدیده ها و روش ها را در هم آمیخت. با این حال، اساس، مانند فرانسوی ها، یک چشم انداز تمام عیار از روند بود.

در امپرسیونیسم روسی، اگرچه ویژگی های فرانسوی حفظ شد، ویژگی های ماهیت ملی و وضعیت روحی تغییرات قابل توجهی ایجاد کرد. به عنوان مثال، دید برف یا مناظر شمالی با استفاده از یک تکنیک غیر معمول بیان شد.

در روسیه، تعداد کمی از هنرمندان به سبک امپرسیونیسم کار می کردند، نقاشی های آنها تا به امروز چشم را به خود جلب می کند.

دوره امپرسیونیستی را می توان در کارهای والنتین سرووف متمایز کرد. «دختری با هلو» او بارزترین نمونه و معیار این سبک در روسیه است.

نقاشی ها با طراوت و همخوانی رنگ های ناب خود پیروز می شوند. موضوع اصلیخلاقیت این هنرمند تصویر انسان در طبیعت است. "Idyll شمالی"، "In the Boat"، "Fyodor Chaliapin" نقاط عطف درخشان در فعالیت K. Korovin هستند.

امپرسیونیسم در دوران مدرن

در حال حاضر این جهت در هنر دریافت شده است زندگی جدید. در این سبک چندین هنرمند نقاشی های خود را می کشند. امپرسیونیسم مدرن در روسیه (آندره کوهن)، در فرانسه (لوران پارسلیه)، در آمریکا (دیانا لئونارد) وجود دارد.

آندره کوهن برجسته ترین نماینده امپرسیونیسم جدید است. نقاشی های رنگ روغن او در سادگی قابل توجه است. هنرمند زیبایی را در چیزهای معمولی می بیند. خالق بسیاری از اشیاء را از منشور حرکت تفسیر می کند.

آثار آبرنگ Laurent Parcelier در سراسر جهان شناخته شده است. مجموعه آثار او «دنیای عجیب» در قالب کارت پستال منتشر شد. زرق و برق دار، پر جنب و جوش و حسی، آنها نفس گیر هستند.

مانند قرن 19، نقاشی هوای معمولی در حال حاضر برای هنرمندان باقی مانده است. به لطف او، امپرسیونیسم برای همیشه زنده خواهد ماند. هنرمندان به الهام بخشیدن، تحت تاثیر قرار دادن و الهام بخشیدن ادامه می دهند.

امپرسیونیسم (از فرانسوی " احساس؛ عقیده؛ گمان"- Impression) گرایشی در هنر (ادبیات، نقاشی، معماری) است، در اواخر قرن نوزدهم و آغاز قرن بیستم در فرانسه ظاهر شد و به سرعت در سایر کشورهای جهان رواج یافت. پیروان مسیر جدید که معتقد بودند تکنیک‌های آکادمیک و سنتی، مثلاً در نقاشی یا معماری، نمی‌توانند تمام و کمال و کوچک‌ترین جزئیات دنیای اطراف خود را به طور کامل منتقل کنند، ابتدا به استفاده از تکنیک‌ها و روش‌های کاملاً جدید روی آوردند. نقاشی، سپس در ادبیات و موسیقی. آنها این امکان را فراهم کردند که به وضوح و به طور طبیعی تمام تحرک و تغییرپذیری دنیای واقعی را با انتقال ظاهر عکاسی آن، بلکه از طریق منشور برداشت ها و احساسات نویسندگان درباره آنچه می دیدند، به تصویر بکشند.

نویسنده اصطلاح امپرسیونیسم را لوئی لروی منتقد و روزنامه نگار فرانسوی می دانند که تحت تاثیر بازدید از نمایشگاه گروهی از هنرمندان جوان در سال 1874 در پاریس، آنها را امپرسیونیست می خواند. فبلتون او نوعی «امپرسیونیست» است و این گفته تا حدودی ماهیت طعنه آمیز و طعنه آمیز دارد. مبنای نامگذاری این اصطلاح، نقاشی کلود مونه بود که توسط منتقد «Impression. خورشید در حال طلوع". و اگرچه در ابتدا بسیاری از نقاشی های این نمایشگاه به شدت مورد انتقاد قرار گرفت و رد شد، اما بعداً این جهت مورد توجه عموم قرار گرفت و در سراسر جهان محبوب شد.

امپرسیونیسم در نقاشی

(کلود مونه "قایق ها در ساحل")

سبک، شیوه و تکنیک جدید تصویرسازی توسط هنرمندان امپرسیونیست فرانسوی از ابتدا اختراع نشد، بلکه بر اساس تجربه و دستاوردهای با استعدادترین نقاشان دوره رنسانس بود: روبنس، ولاسکوئز، ال گرکو، گویا. امپرسیونیست ها از آنها چنین روش هایی را برای انتقال زنده تر و زنده تر از جهان اطراف یا بیان شرایط آب و هوایی مانند استفاده از زنگ های میانی، استفاده از تکنیک های روشن یا برعکس ضربات کسل کننده، بزرگ یا کوچک گرفتند. ، با انتزاع بودن مشخص می شود. طرفداران جهت جدید در نقاشی یا به طور کامل شیوه سنتی آکادمیک طراحی را کنار گذاشتند، یا به طور کامل روش ها و روش های تصویرسازی را به روش خود بازسازی کردند و نوآوری هایی مانند:

• اشیاء، اشیاء یا چهره ها بدون کانتور به تصویر کشیده می شدند، با سکته های کوچک و متضاد جایگزین می شدند.
• یک پالت برای ترکیب رنگ ها استفاده نشد، رنگ هایی انتخاب شدند که مکمل یکدیگر بودند و نیازی به ادغام نداشتند. گاهی اوقات رنگ مستقیماً از یک لوله فلزی بر روی بوم فشرده می شد و رنگ خالص و درخشانی را با یک اثر قلم مو ایجاد می کرد.
• عدم وجود عملی رنگ سیاه؛
• بوم‌ها عمدتاً در فضای باز، از زندگی نقاشی می‌شدند تا احساسات و برداشت‌های خود را از آنچه می‌دیدند، واضح‌تر و واضح‌تر منتقل کنند.
• استفاده از رنگ هایی با قدرت پوشش دهی بالا؛
• اعمال ضربه های تازه به طور مستقیم بر روی سطح هنوز مرطوب بوم.
• ایجاد چرخه های نقاشی به منظور مطالعه تغییرات نور و سایه (کلود مونه "دشت کاه").
• عدم نمایش مسائل حاد اجتماعی، فلسفی یا مذهبی، رویدادهای تاریخی یا مهم. آثار امپرسیونیست ها مملو از احساسات مثبت است، جایی برای تاریکی و افکار سنگین نیست، فقط سبکی، شادی و زیبایی هر لحظه، صداقت احساسات و صراحت احساسات وجود دارد.

(ادوارد مانه "خواندن")

و اگرچه همه هنرمندان این جهت در اجرای تمام ویژگی های دقیق سبک امپرسیونیسم به دقت خاصی پایبند نبودند (ادوار مانه خود را به عنوان یک هنرمند جداگانه قرار داد و هرگز در نمایشگاه های مشترک شرکت نکرد (در مجموع 8 مورد از 1874 تا 1886 وجود داشت). ادگار دگا فقط در کارگاه خود کار می کرد) این مانع از خلق شاهکارهای آنها نشد هنرهای تجسمیهنوز در بهترین موزه ها و مجموعه های خصوصی در سراسر جهان نگهداری می شود.

نقاشان امپرسیونیست روسی

تحت تاثیر ایده های خلاقانه امپرسیونیست های فرانسویهنرمندان روسی در اواخر قرن نوزدهم و اوایل قرن بیستم شاهکارهای اصلی هنرهای زیبای خود را خلق کردند که بعدها با نام عمومی "امپرسیونیسم روسی" شناخته شد.

(V. A. Serov "دختری با هلو")

برجسته ترین نمایندگان آن کنستانتین کرووین ("پرتره یک دختر همخوان"، 1883، "بت شمالی"، 1886)، والنتین سرووف ("پنجره باز. یاس بنفش"، 1886، "دختری با هلو"، 1887)، آرکیپ کویندجی ( "شمال"، 1879، "Dnepr در صبح" 1881)، آبرام آرخیپوف ("دریای شمال"، "منظره. مطالعه با خانه چوبی")، "تأخر" امپرسیونیست ایگور گرابار ("کوچه توس"، 1940، "زمستان" چشم انداز" ، 1954).

(بوریسوف-موساتوف "آهنگ پاییز")

روش ها و نحوه تصویرسازی ذاتی امپرسیونیسم در آثار هنرمندان برجسته روسی مانند بوریسوف-موساتوف، بوگدانوف بلسکی، نیلوس اتفاق افتاد. قوانین کلاسیک امپرسیونیسم فرانسوی در نقاشی های هنرمندان روسی دستخوش تغییراتی شده است که در نتیجه این جهت یک ویژگی اصلی ملی را به دست آورده است.

امپرسیونیست های خارجی

یکی از اولین آثار ساخته شده به سبک امپرسیونیسم، نقاشی ادوارد مانه "صبحانه روی چمن" است که در سال 1860 در سالن رد شدگان پاریس به نمایش عموم گذاشته شد، جایی که بوم هایی که از انتخاب سالن پاریس عبور نکردند. هنر می تواند برچیده شود. این تصویر که به سبکی کاملاً متفاوت از شیوه سنتی ترسیم شده بود، انتقادات زیادی را برانگیخت و پیروان مسیر هنری جدید را در اطراف هنرمند جمع کرد.

(ادوارد مانه "در میخانه پاپا لاتوئیل")

از مشهورترین هنرمندان امپرسیونیست می‌توان به ادوارد مانه ("بار در فولیس برگر"، "موسیقی در تویلری"، "صبحانه روی چمن"، "پاپا لاتوئیل"، "آرژنتویل")، کلود مونه ("مزرعه خشخاش در آرژنتوی" اشاره کرد. "پیاده روی صخره در پورویل"، "زنان در باغ"، "بانوی با چتر"، "بولوار des Capucines"، مجموعه ای از آثار "نیلوفرهای آبی"، "تأثیر. طلوع خورشید")، آلفرد سیسلی ("خیابان کانتری"، "یخبندان در لووسین"، "پل در آرژانتوی"، "برف اولیه در لووسین"، "چمنزارها در بهار")، پیر آگوست رنوار ("صبحانه قایقرانان"، "توپ در مولن دو" لا گالت، "رقص در دهکده"، "چترها"، "رقص در بوگیوال"، "دختران در پیانو")، کامیل پیزارو ("بلوار مون مارتر در شب"، "درو در ارگنی"، "دروها در حال استراحت"، "باغ در Pontoise"، "ورودی به روستای Voisin")، ادگار دگا ("کلاس رقص"، "تمرین"، "کنسرت در کافه سفیر"، "ارکستر اپرا"، "رقصندگان در آبی"، "آبسینت نوشیدنی ها" ")، ژرژ سورات ("یکشنبه"، "Can-Can"، "مدل ها") و دیگران.

(پل سزان "پیرو و هارلکین"")

چهار هنرمند در دهه 90 قرن 19 جهت جدیدی در هنر بر اساس امپرسیونیسم ایجاد می کنند و خود را پست امپرسیونیست می نامند (پل گوگن، ونسان ون گوگ، پل سزان، هانری دو تولوز لوترک). مشخصه کار آنها انتقال احساسات و تأثیرات زودگذر از دنیای اطراف نیست، بلکه با آگاهی از جوهر واقعی اشیا است که در زیر پوسته بیرونی آنها پنهان است. بیشترین آنها آثار معروف: پلز گوگن («یک شوخی شیطنت آمیز»، «لا اورانا ماریا»، «مبارزه یعقوب با یک فرشته»، «مسیح زرد»)، پل سزان («پیرو و هارلکین»، «حمام کنندگان بزرگ»، «بانوی آبی پوش») ونسان ون گوگ ( شب نور ستاره"، "آفتابگردان"، "عنبیه")، هانری دو تولوز لوترک ("لباس لباسشویی"، "توالت"، "یادگیری رقص در مولن روژ").

امپرسیونیسم در مجسمه سازی

(آگوست رودن "متفکر")

امپرسیونیسم به عنوان یک گرایش جداگانه در معماری، توسعه نیافته است؛ شما می توانید ویژگی ها و نشانه های فردی آن را در برخی بیابید ترکیبات مجسمه سازیو بناهای تاریخی مجسمه سازی این سبک به فرم های نرم انعطاف پذیری آزاد می بخشد، آنها بازی شگفت انگیزی از نور را بر روی سطح چهره ها ایجاد می کنند و احساس ناقصی خاصی را ایجاد می کنند، شخصیت های مجسمه ای اغلب در لحظه حرکت به تصویر کشیده می شوند. آثاری در این راستا شامل مجسمه‌های آگوست رودن مجسمه‌ساز مشهور فرانسوی (بوسه، متفکر، شاعر و الهه موسیقی)، رومئو و ژولیت، بهار ابدی)، هنرمند ایتالیایی و مجسمه ساز Medardo Rosso (پیکرهای ساخته شده از خاک رس و گچ پر شده با موم برای رسیدن به یک جلوه نور منحصر به فرد: "دروازه بان و تدارکات"، "عصر طلایی"، "مادرانه")، قطعه درخشان روسی پاول تروبتسکوی (نیم تنه برنزی لئو تولستوی) ، یک بنای تاریخی الکساندر سومدر پترزبورگ).

در یک سوم پایانی قرن نوزدهم. هنر فرانسوی هنوز هم بازی می کند نقش رهبریدر زندگی هنری کشورهای اروپای غربی. در این زمان، بسیاری از روندهای جدید در نقاشی ظاهر شد که نمایندگان آنها به دنبال راه ها و اشکال بیان خلاقانه خود بودند.

بارزترین و شاخص ترین پدیده هنر فرانسه در این دوره امپرسیونیسم بود.

امپرسیونیست ها خود را در 15 آوریل 1874 در نمایشگاه پاریس که در فضای باز در بلوار کاپوسینز برگزار شد اعلام کردند. در اینجا 30 هنرمند جوان که آثارشان توسط سالن رد شده بود، نقاشی های خود را به نمایش گذاشتند. مکان مرکزی در نمایشگاه به نقاشی کلود مونه "Impression. طلوع خورشید". این ترکیب جالب است زیرا برای اولین بار در تاریخ نقاشی، هنرمند سعی کرد برداشت خود را بر روی بوم منتقل کند و نه موضوع واقعیت.

لویی لروی، نماینده چاپ شریوری، از این نمایشگاه بازدید کرد. این او بود که برای اولین بار مونه و همکارانش را "امپرسیونیست" نامید (از فرانسوی impression - impression) و بدین ترتیب ارزیابی منفی خود را از نقاشی آنها بیان کرد. به زودی این نام کنایه دار معنای منفی اصلی خود را از دست داد و برای همیشه وارد تاریخ هنر شد.

نمایشگاه در Boulevard des Capucines به نوعی مانیفست تبدیل شد که ظهور گرایش جدیدی در نقاشی را اعلام می کرد. او. جونکیند.

مهمترین چیز برای امپرسیونیست ها این بود که برداشتی از آنچه می دیدند را منتقل کنند، تا لحظه ای کوتاه از زندگی را روی بوم ثبت کنند. به این ترتیب امپرسیونیست ها به عکاسان شباهت داشتند. طرح داستان واقعاً برای آنها مهم نبود. هنرمندان تم هایی را برای نقاشی ها از محیط اطراف خود می گرفتند. زندگی روزمره. آن‌ها خیابان‌های آرام، کافه‌های عصرانه، مناظر روستایی، ساختمان‌های شهر، صنعت‌گران در محل کار را نقاشی کردند. نقش مهمی در نقاشی های آنها بازی نور و سایه ایفا می کرد، پرتوهای خورشید که از روی اشیاء می پریدند و ظاهری کمی غیر معمول و به طرز شگفت انگیزی سرزنده به آنها می دادند. هنرمندان امپرسیونیست برای دیدن اشیا در نور طبیعی، برای انتقال تغییراتی که در طبیعت در ساعات مختلف روز اتفاق می‌افتد، کارگاه‌های خود را ترک کردند و به هوای آزاد رفتند.

امپرسیونیست ها از یک تکنیک نقاشی جدید استفاده کردند: آنها رنگ ها را روی سه پایه با هم مخلوط نمی کردند، بلکه بلافاصله آنها را در حرکات جداگانه روی بوم می کشیدند. این تکنیک امکان انتقال حس پویایی، نوسانات جزئی در هوا، حرکت برگ ها روی درختان و آب در رودخانه را فراهم می کرد.

معمولاً نقاشی های نمایندگان این جهت ترکیب واضحی نداشتند. این هنرمند لحظه ای را که از زندگی ربوده شده بود به بوم منتقل کرد، بنابراین کارش شبیه یک قاب عکاسی شد که به طور تصادفی گرفته شده بود. امپرسیونیست ها به مرزهای واضح ژانر پایبند نبودند، برای مثال، پرتره اغلب شبیه یک صحنه خانگی به نظر می رسید.

از سال 1874 تا 1886 امپرسیونیست ها 8 نمایشگاه ترتیب دادند و پس از آن گروه از هم پاشید. در مورد عموم مردم، مانند اکثر منتقدان، هنر جدید را با خصومت درک کردند (مثلاً نقاشی سی مونه "داب" نامیده شد)، بنابراین بسیاری از هنرمندانی که این جریان را نمایندگی می کردند در فقر شدید زندگی می کردند، گاهی اوقات بدون ابزاری برای به پایان رساندن آنچه انجام می شود. آنها شروع به تصویر کردند. و فقط در پایان قرن نوزدهم - آغاز قرن بیستم. وضعیت به طور اساسی تغییر کرده است.

امپرسیونیست ها در کار خود از تجربه پیشینیان خود استفاده کردند: هنرمندان رمانتیک (E. Delacroix، T. Gericault)، رئالیست ها (C. Corot، G. Courbet). مناظر J. Constable تأثیر زیادی روی آنها گذاشت.

ای. مانه نقش بسزایی در پیدایش گرایش جدید داشت.

ادوارد مانه

ادوارد مانه، متولد 1832 در پاریس، یکی از برجسته‌ترین چهره‌های تاریخ نقاشی جهان است که پایه‌های امپرسیونیسم را بنا نهاد.

شکل گیری جهان بینی هنری او تا حد زیادی تحت تأثیر شکست انقلاب بورژوازی فرانسه در سال 1848 بود. این رویداد آنقدر جوان پاریسی را به وجد آورد که تصمیم گرفت گامی ناامیدکننده بردارد و از خانه فرار کرد و در یک کشتی بادبانی دریایی ملوان شد. اما در آینده زیاد به سفر نرفت و تمام توان روحی و جسمی خود را به کار داد.

والدین مانه، افراد بافرهنگ و ثروتمند، آرزوی یک شغل اداری برای پسرشان را داشتند، اما سرنوشت آنها محقق نشد. نقاشی - این چیزی است که مرد جوان را مورد علاقه خود قرار داد و در سال 1850 وارد مدرسه شد هنرهای زیبا، به کارگاه کوتور رفت و در آنجا آموزش حرفه ای خوبی دید. اینجا بود که هنرمند مبتدی نسبت به تمبرهای آکادمیک و سالنی در هنر احساس انزجار کرد، که نمی تواند به طور کامل آنچه را که فقط در اختیار یک استاد واقعی است با سبک نویسندگی فردی او منعکس کند.

از این رو مانه پس از مدتی تحصیل در کارگاه کوتور و کسب تجربه، آن را در سال 1856 رها می کند و به سراغ بوم های اسلاف بزرگ خود که در موزه لوور به نمایش گذاشته شده بود، آنها را کپی کرده و به دقت مطالعه می کند. آثار استادانی چون تیتیان، دی. ولاسکوئز، اف. گویا و ای. دلاکروا تأثیر زیادی بر دیدگاه‌های خلاقانه او گذاشت. هنرمند جوان در برابر دومی تعظیم کرد. در سال 1857، مانه از استاد بزرگ دیدن کرد و اجازه خواست تا چندین نسخه از "بارک دانته" او را که تا به امروز در موزه هنر متروپولیتن لیون باقی مانده است، بسازد.

نیمه دوم دهه 1860 این هنرمند خود را وقف مطالعه موزه‌های اسپانیا، انگلستان، ایتالیا و هلند کرد و در آنجا از نقاشی‌های رامبراند، تیتیان و دیگران کپی کرد. در سال 1861، آثار او "پرتره والدین" و "گیتاریست" مورد تحسین منتقدان قرار گرفت و جوایزی دریافت کرد. یک "ذکر افتخاری".

مطالعه آثار استادان قدیمی (عمدتاً ونیزی‌ها، اسپانیایی‌های قرن هفدهم و بعداً ف. گویا) و بازاندیشی آن به این واقعیت منجر می‌شود که تا دهه 1860. در هنر مانه تناقضی وجود دارد که در تحمیل نقش موزه ای بر برخی از آثار او آشکار می شود. نقاشی های اولیهکه عبارتند از: "خواننده اسپانیایی" (1860)، تا حدی "پسری با سگ" (1860)، "موسیقیدان قدیمی" (1862).

در مورد قهرمانان، هنرمند مانند رئالیست هاست اواسط نوزدهمدر، آنها را در میان جمعیت خروشان پاریسی، در میان کسانی که در باغ تویلری قدم می زنند و بازدیدکنندگان همیشگی کافه می یابد. اساسا، این یک دنیای روشن و رنگارنگ از بوهمیا است - شاعران، بازیگران، هنرمندان، مدل ها، شرکت کنندگان در گاوبازی اسپانیایی: "موسیقی در تویلری" (1860)، "خواننده خیابان" (1862)، "لولا از والنسیا" ( 1862)، "صبحانه در چمن" (1863)، "فلوتیست" (1866)، "پرتره E. Zsl" (1868).

در میان بوم‌های اولیه، «پرتره والدین» (۱۸۶۱) جایگاه ویژه‌ای را به خود اختصاص داده است که طرحی واقع گرایانه بسیار دقیق از ظاهر و شخصیت زوج سالمند است. اهمیت زیبایی‌شناختی تصویر نه تنها در نفوذ دقیق به دنیای معنوی شخصیت‌ها، بلکه در نحوه دقیق انتقال مشاهده و غنای توسعه تصویری نهفته است که نشان‌دهنده آگاهی از سنت‌های هنری E. Delacroix است.

بوم دیگری که کار برنامه‌ای این نقاش است و باید گفت که از کارهای اولیه او بسیار متمایز است، «صبحانه روی چمن» (1863) است. در این تصویر، مانه یک ترکیب داستانی خاص را گرفت که کاملاً فاقد هرگونه اهمیت است.

این تصویر را می توان به خوبی تصویری از صبحانه دو هنرمند در آغوش طبیعت در نظر گرفت که توسط مدل های زن احاطه شده اند (در واقع، برادر هنرمند یوجین مانه، F. Lenkof، و یک مدل زن، Quiz Meran، برای مراسم ژست گرفته اند. تصویری که مانه اغلب به خدمات آن متوسل می شود). یکی از آنها وارد جریان شد و دیگری برهنه در جمع دو مرد با لباس های هنری نشسته است. همانطور که می دانید، انگیزه مقایسه یک مرد لباس پوشیده و یک بدن زن برهنه سنتی است و به تابلوی "کنسرت کشوری" جورجیونه، واقع در موزه لوور، برمی گردد.

آرایش ترکیبی فیگورها تا حدی حکاکی معروف رنسانس اثر مارکانتونیو ریموندی را از نقاشی رافائل بازتولید می کند. این بوم، همانطور که بود، به طور جدلی دو موضع مرتبط را مطرح می کند. یکی نیاز به غلبه بر کلیشه های هنر سالن است که ارتباط واقعی خود را با بزرگ از دست داده است سنت هنری، توسل مستقیم به رئالیسم رنسانس و قرن هفدهم، یعنی خاستگاه واقعی هنر رئالیستی زمان جدید. ماده دیگری حق و وظیفه هنرمند را در به تصویر کشیدن شخصیت های اطراف خود از زندگی روزمره تأیید می کند. در آن زمان این ترکیب تناقض خاصی را به همراه داشت. اکثر آنها معتقد بودند که نمی توان با پرکردن طرح های ترکیبی قدیمی با انواع و شخصیت های جدید به مرحله جدیدی در توسعه رئالیسم دست یافت. اما ادوارد مانه در دوره اولیه خلاقیت خود توانست بر دوگانگی اصول نقاشی غلبه کند.

با این حال، با وجود ماهیت سنتی طرح و ترکیب، و همچنین وجود نقاشی‌های استادان سالن که زیبایی‌های اسطوره‌ای برهنه را در ژست‌های اغواگرانه صریح به تصویر می‌کشند، نقاشی مانه باعث رسوایی بزرگی در میان بورژواهای مدرن شد. تماشاگران از کنار هم قرار گرفتن بدن برهنه زن با لباس مردانه روزمره و مدرن شوکه شدند.

در مورد هنجارهای تصویری، ناهار روی چمن در یک مصالحه نوشته شده است که مشخصه دهه 1860 است. شیوه ای که با تمایل به رنگ های تیره، سایه های سیاه و همچنین جذابیت همیشه ثابت به روشنایی هوای معمولی و رنگ باز مشخص می شود. اگر به یک طرح اولیه ساخته شده با آبرنگ بپردازیم ، روی آن (بیش از خود تصویر) قابل توجه است که علاقه استاد به مسائل جدید تصویری چقدر زیاد است.

به نظر می رسد نقاشی "المپیا" (1863) که در آن طرح یک زن برهنه درازکش داده شده است، به سنت های ترکیبی پذیرفته شده اشاره دارد - تصویر مشابهی در جورجیونه، تیتیان، رامبراند و دی. ولازکوئز یافت می شود. با این حال، مانه در آفرینش خود مسیر متفاوتی را دنبال می‌کند، با پیروی از F. Goya («ماها برهنه») و با رد انگیزه اسطوره‌ای طرح، تفسیر تصویری که توسط ونیزی‌ها معرفی شده و تا حدی توسط D. Velasquez حفظ شده است («زهره») با آینه").

«المپیا» اصلاً تصویری شاعرانه بازاندیشی شده از زیبایی زنانه نیست، بلکه پرتره ای رسا و استادانه است که دقیقاً و حتی می توان گفت، تا حدودی سرد شباهت را به کوئیز مران، مدل ثابت مانه، منتقل می کند. نقاش رنگ پریدگی طبیعی بدن زنی مدرن را که از پرتوهای خورشید می ترسد به طور قابل اعتماد نشان می دهد. در حالی که استادان قدیمی بر زیبایی شاعرانه بدن برهنه، موزیکال بودن و هماهنگی ریتم های آن تأکید داشتند، مانه بر انتقال انگیزه های خاص زندگی تمرکز می کند و کاملاً از ایده آل سازی شاعرانه ذاتی پیشینیان خود دور می شود. بنابراین، برای مثال، ژست زهره جورج با دست چپ در المپیا مفهومی تقریباً مبتذل در بی تفاوتی خود پیدا می کند. بسیار مشخصه، بی تفاوتی، اما در عین حال با دقت نگاه بیننده به مدل، مخالف خود جذبی ونوس جورجیونه و رویاپردازی حساس ناهید اوربینوی تیتیان است.

این تصویر نشانه هایی از انتقال به مرحله بعدی توسعه را نشان می دهد. شیوه خلاقانهنقاش بازنگری در طرح ترکیبی معمول وجود دارد که شامل مشاهده عروضی و بینش تصویری و هنری جهان است. کنار هم قرار گرفتن تضادهای تند و فوری به دست آمده به تخریب هماهنگی ترکیبی متعادل استادان قدیمی کمک می کند. بنابراین، استاتیک یک مدل ژست و پویایی در تصاویر یک زن سیاه پوست و یک گربه سیاه که پشت خود را خم می کند، با هم برخورد می کنند. این تغییرات بر تکنیک نقاشی نیز تأثیر می گذارد، که درک جدیدی از وظایف فیگوراتیو زبان هنری به دست می دهد. ادوارد مانه، مانند بسیاری دیگر از امپرسیونیست ها، به ویژه کلود مونه و کامیل پیسارو، سیستم قدیمی نقاشی را که در قرن هفدهم توسعه یافت، کنار گذاشت. (زیر نقاشی، نگارش، لعاب کاری). از آن زمان به بعد، بوم ها شروع به نقاشی با تکنیکی به نام "a la prima" کردند که با بی واسطه بودن، احساسی بودن بیشتر، نزدیک به اتودها و طرح ها متمایز می شد.

دوره گذار از خلاقیت اولیه به بالغ، که تقریباً تمام نیمه دوم دهه 1860 را برای مانه اشغال می کند، با نقاشی هایی مانند فلوتیست (1866)، بالکن (حدود 1868-1869) و دیگران نشان داده شده است.

روی بوم اول، در مقابل پس‌زمینه خاکستری زیتونی خنثی، پسری-موسیقی‌دان به تصویر کشیده شده است که فلوت را تا لب‌هایش بالا می‌برد. رسا بودن یک حرکت به سختی قابل درک، پژواک ریتمیک دکمه های طلایی رنگین کمانی روی یونیفرم آبی با لغزش سبک و سریع انگشتان در امتداد سوراخ های فلوت از هنر ذاتی و قدرت های ظریف مشاهده استاد صحبت می کند. علیرغم اینکه سبک نقاشی در اینجا کاملاً متراکم است ، رنگ وزین است و هنرمند هنوز به هوای آزاد روی نیاورده است ، این بوم به میزان بیشتری از سایر بوم ها دوره بلوغ کار مانه را پیش بینی می کند. در مورد بالکن، آن را به المپیا نزدیک تر از آثار دهه 1870.

در 1870-1880. مانه نقاش برجسته زمان خود می شود. و اگرچه امپرسیونیست ها او را رهبر و الهام بخش ایدئولوژیک خود می دانستند و خود او همیشه در تفسیر دیدگاه های بنیادی در مورد هنر با آنها موافق بود، اما کار او بسیار گسترده تر است و در چارچوب هیچ جهتی نمی گنجد. به اصطلاح امپرسیونیسم مانه در واقع به هنر استادان ژاپنی نزدیکتر است. او انگیزه ها را ساده می کند، تزیینی و واقعی را متعادل می کند، ایده ای کلی از آنچه دیده است ایجاد می کند: یک تصور ناب، عاری از جزئیات حواس پرت کننده، بیانی از لذت احساس ("در ساحل دریا"، 1873).

علاوه بر این، به عنوان ژانر غالب، او به دنبال حفظ یک تصویر کامل از نظر ترکیبی است، جایی که جایگاه اصلی به تصویر یک شخص داده می شود. هنر مانه آخرین مرحله در توسعه سنت صدها ساله نقاشی روایتی واقع گرایانه است که در رنسانس سرچشمه می گیرد.

در آثار بعدی مانه، تمایل به دور شدن از تفسیر دقیق جزئیات محیط پیرامون قهرمان تصویر شده وجود دارد. بنابراین، در پرتره مالارمه، پر از پویایی عصبی، هنرمند بر ژست شاعر تمرکز می کند، گویی به طور تصادفی نیم نگاهی به او می کند، که به شکلی رویایی، دست خود را با سیگار سیگاری روی میز گذاشت. با همه طرح‌ریزی‌ها، نکته اصلی در شخصیت و انبار ذهنی مالارمه به طرز شگفت‌آوری دقیق و با قانع‌کننده‌ای عالی به تصویر کشیده شده است. شخصیت پردازی عمیق دنیای درونی فرد، مشخصه پرتره های جی.ال.دیوید و جی.ا.د.اینگرس، در اینجا با شخصیت پردازی دقیق تر و مستقیم تری جایگزین شده است. چنین است پرتره ملایم شاعرانه برت موریسو با یک فن (1872) و تصویر پاستلی برازنده جورج مور (1879).

آثار این نقاش شامل آثار مرتبط با موضوعات تاریخی و رویدادهای مهم است. زندگی عمومی. با این حال، باید توجه داشت که این بوم ها کمتر موفق هستند، زیرا مشکلاتی از این دست با استعداد هنری او، دایره ایده ها و ایده های زندگی او بیگانه بود.

بنابراین، برای مثال، دسترسی به رویدادها جنگ داخلیبین شمال و جنوب در ایالات متحده منجر به تصویر غرق شدن کشتی کورسیری جنوبی ها توسط شمالی ها شد ("نبرد کیرسژ" با "آلاباما"، 1864) و این قسمت را بیشتر می توان به چشم انداز، که در آن کشتی های جنگی نقش کارکنان را ایفا می کنند. اعدام ماکسیمیلیان (1867)، در اصل، دارای شخصیت یک طرح ژانر است، که نه تنها به درگیری مکزیکی های مبارز، بلکه از درام واقعه نیز خالی است.

موضوع تاریخ مدرنمانه در روزهای کمون پاریس (اعدام کمونارها، 1871) او را لمس کرد. نگرش دلسوزانه نسبت به کموناردها اعتبار نویسنده تصویر را دارد که قبلاً هرگز به چنین رویدادهایی علاقه نداشته است. اما با این وجود ، ارزش هنری آن از سایر بوم ها پایین تر است ، زیرا در واقع طرح ترکیبی "اعدام ماکسیمیلیان" در اینجا تکرار می شود و نویسنده فقط به طرحی محدود می شود که اصلاً معنای برخورد بی رحمانه را منعکس نمی کند. از دو دنیای متضاد

در زمان های بعدی، مانه دیگر به یک ژانر تاریخی بیگانه روی آورد و ترجیح داد شروع هنری و بیانی را در قسمت ها آشکار کند و آنها را در جریان زندگی روزمره بیابد. در همان زمان، او لحظات خاص مشخصه را با دقت انتخاب کرد، به دنبال رساترین دیدگاه بود و سپس آنها را با مهارت زیادی در نقاشی های خود بازتولید کرد.

جذابیت بیشتر آثار این دوره نه به دلیل اهمیت رویداد به تصویر کشیده شده، بلکه به دلیل پویایی و مشاهده زیرکانه نویسنده است.

یک نمونه قابل توجه از یک ترکیب گروهی در فضای باز، نقاشی "در یک قایق" (1874) است، که در آن ترکیبی از طرح کلی قسمت عقب یک قایق بادبانی، انرژی مهار شده از حرکات سکاندار، لطف رویایی یک خانم نشسته است. شفافیت هوا، احساس طراوت نسیم و حرکت لغزشی قایق، تصویری وصف ناپذیر می سازد. نور کاملشادی و طراوت

طاقچه خاصی در کار مانه توسط طبیعت بی جان، مشخصه دوره های مختلف کار او اشغال شده است. بنابراین، طبیعت بی جان اولیه "Peonies" (1864-1865) جوانه های قرمز و سفید-صورتی شکوفه و همچنین گل هایی را به تصویر می کشد که قبلاً شکوفا شده اند و شروع به محو شدن می کنند و گلبرگ ها را روی سفره ای که روی میز را می پوشاند می ریزند. آثار بعدی به دلیل طراحی بی دردسرشان قابل توجه هستند. در آنها، نقاش تلاش می کند تا درخشش گل ها را که در فضایی پر از نور پوشیده شده اند، منتقل کند. چنین نقاشی "رز در یک شیشه کریستال" (1882-1883) است.

ظاهراً مانه در پایان زندگی خود از آنچه به دست آورده بود ناراضی بود و سعی کرد به نوشتن آهنگ های کامل کامل شده بزرگ در سطح متفاوتی از مهارت بازگردد. در این زمان ، او شروع به کار بر روی یکی از مهم ترین بوم ها - "نوار در فولیس برگر" (1881-1882) می کند ، که در آن به سطح جدیدی نزدیک شد ، مرحله جدیدی در توسعه هنر خود ، که توسط آن قطع شد. مرگ (همانطور که مشخص است، مانه در حین کار به شدت بیمار بود). در مرکز ترکیب، نقش یک زن فروشنده زن جوان قرار دارد که رو به روی بیننده است. یک بلوند کمی خسته و جذاب، با لباسی تیره با تابش خیره کننده عمیق، در برابر پس زمینه آینه بزرگی ایستاده است که تمام دیوار را اشغال کرده است، که درخشش نور سوسوزن و خطوط مبهم و مبهم تماشاچیان نشسته را منعکس می کند. میزهای کافه زن به سمت سالنی چرخانده می شود که به قول خود بیننده در آن قرار دارد. این تکنیک عجیب و غریب به تصویر سنتی، در نگاه اول، کمی بی ثباتی می دهد، که نشان دهنده کنار هم قرار دادن دنیای واقعی و دنیای بازتاب شده است. در همان زمان، محور مرکزی تصویر به گوشه سمت راست منتقل می شود، که در آن، طبق معمول برای دهه 1870. قاب عکس کمی جلوی شکل مردی با کلاه بالا را می گیرد که در آینه منعکس می شود و با یک فروشنده جوان صحبت می کند.

بنابراین، در این اثر، اصل کلاسیک تقارن و پایداری با یک جابجایی پویا به کنار، و همچنین با تکه تکه شدن، هنگامی که یک لحظه خاص (قطعه) از یک جریان زندگی ربوده می شود، ترکیب شده است.

اشتباه است اگر فکر کنیم که طرح بار در فولیس برگر فاقد محتوای اساسی است و نوعی به یاد ماندن چیزهای ناچیز است. چهره یک جوان، اما در درون خسته و بی تفاوت به بالماسکه اطراف یک زن، نگاه سرگردان او به ناکجاآباد تبدیل شده است، بیگانگی از درخشش توهمی زندگی پشت سر او، سایه معنایی قابل توجهی را به اثر می بخشد و بیننده را تحت تأثیر قرار می دهد. غیر منتظره بودن آن

بیننده طراوت بی نظیر دو گل رز را که روی میله ای در یک شیشه کریستالی با لبه های درخشان ایستاده اند تحسین می کند. و سپس بی اختیار این گل های فاخر را با گل رز نیمه پژمرده در نزدیکی هال که به یقه لباس خانم فروشنده سنجاق شده است مقایسه می کنند. با نگاهی به تصویر، می توانید تضاد بی نظیری را بین طراوت قفسه سینه نیمه باز او و نگاه بی تفاوتی که در میان جمعیت سرگردان است، مشاهده کنید. این اثر از آنجایی که عناصری از تمام موضوعات و ژانرهای مورد علاقه او را شامل می شود: پرتره، طبیعت بی جان، جلوه های مختلف نورپردازی، حرکت جمعیت، برنامه ای در کار هنرمند محسوب می شود.

به طور کلی، میراث به جا مانده از مانه با دو جنبه نشان داده می شود که به ویژه در او نمایان می شود. آخرین کار. اولاً، او با کار خود، توسعه سنت‌های رئالیستی کلاسیک هنر فرانسه در قرن نوزدهم را تکمیل و به پایان می‌رساند، ثانیاً، او اولین جوانه‌های آن گرایش‌هایی را در هنر می‌ریزد که توسط جویندگان رئالیسم جدید برداشت و توسعه می‌یابد. در قرن بیستم

این نقاش به رسمیت شناخته شده کامل و رسمی در سال های گذشتهزندگی، یعنی در سال 1882، زمانی که به او نشان لژیون افتخار (جایزه اصلی فرانسه) اعطا شد. مانه در سال 1883 در پاریس درگذشت.

کلود مونه

کلود مونه، هنرمند فرانسوی، یکی از بنیانگذاران امپرسیونیسم، در سال 1840 در پاریس به دنیا آمد.

مونه جوان به عنوان پسر یک خواربارفروش متواضع که از پاریس به روئن نقل مکان کرد، در ابتدای کار خود کاریکاتورهای خنده‌داری می‌کشید، سپس با اوژن بودن، نقاش منظره روئن، یکی از خالقان منظره واقعی هوای آزاد، مطالعه کرد. بودین نه تنها نقاش آینده را در مورد نیاز به کار در هوای آزاد متقاعد کرد، بلکه توانست عشق به طبیعت، مشاهده دقیق و انتقال صادقانه آنچه را که می دید در او القا کند.

در سال 1859، مونه با هدف تبدیل شدن به یک هنرمند واقعی به پاریس می رود. والدین او آرزو داشتند که او وارد مدرسه هنرهای زیبا شود ، اما مرد جوان امیدهای آنها را توجیه نمی کند و با سر به زندگی غیرقانونی فرو می رود ، در محیط هنری آشنایان زیادی به دست می آورد. مونه که به طور کامل از حمایت مادی والدینش محروم بود و بنابراین بدون معیشت، مجبور شد به ارتش بپیوندد. با این حال، حتی پس از بازگشت از الجزایر، جایی که باید خدمات دشواری را انجام می داد، همچنان به همان شیوه زندگی ادامه می دهد. اندکی بعد، با I. Ionkind آشنا شد که او را مجذوب کار در زمینه مطالعات طبیعی کرد. و سپس از استودیو سوئیس بازدید می کند ، مدتی در استودیوی نقاش مشهور آن زمان رشته آکادمیک - M. Gleyre درس می خواند و همچنین با گروهی از هنرمندان جوان (J.F. Basil, C. Pissarro, E. Degas، P. Cezanne، O Renoir، A. Sisley و دیگران) که مانند خود مونه به دنبال راه های جدیدی برای پیشرفت در هنر بودند.

بیشترین تأثیر بر روی نقاش تازه کار، مکتب M. Gleyre نبود، بلکه دوستی با افراد همفکر، منتقدان سرسخت آکادمیک سالن بود. به لطف این دوستی، حمایت متقابل، فرصت تبادل تجربه و به اشتراک گذاری دستاوردها بود که یک سیستم تصویری جدید متولد شد که بعداً نام "امپرسیونیسم" را دریافت کرد.

اساس اصلاحات این بود که کار در طبیعت، زیر آسمان باز صورت می گرفت. در همان زمان، هنرمندان در فضای باز نه تنها طرح ها، بلکه کل تصویر را نقاشی کردند. مستقیماً در تماس با طبیعت، آنها بیشتر و بیشتر متقاعد شدند که رنگ اجسام بسته به تغییر نور، وضعیت جو، نزدیکی اشیاء دیگر که بازتاب رنگی ایجاد می کنند و بسیاری از عوامل دیگر دائماً در حال تغییر است. این تغییرات بود که آنها به دنبال انتقال آن از طریق آثار خود بودند.

در سال 1865، مونه تصمیم گرفت یک بوم بزرگ را "به روح مانه، اما در هوای آزاد" نقاشی کند. این ناهار روی چمن (1866) بود، اولین اثر مهم او، که پاریسی‌هایی را با لباس‌های هوشمند در حال خروج از شهر و نشستن در سایه درختی دور سفره‌ای که روی زمین پهن شده بود به تصویر می‌کشید. این اثر با ویژگی سنتی ترکیب بندی بسته و متعادل آن مشخص می شود. با این حال، توجه هنرمند نه چندان به فرصتی برای نشان دادن شخصیت های انسانی یا ایجاد یک ترکیب داستانی رسا معطوف است، بلکه برای جا دادن چهره های انسانی در منظره اطراف و انتقال فضای سهولت و آرامش حاکم بر آنها معطوف است. برای ایجاد این اثر، هنرمند به انتقال نور خورشید که شاخ و برگ را می شکند، بازی روی سفره و لباس بانوی جوانی که در مرکز نشسته است، توجه زیادی می کند. مونه بازی انعکاس رنگ روی رومیزی ها و شفافیت یک لباس زنانه سبک را به دقت به تصویر می کشد و انتقال می دهد. با این اکتشافات، شکستن سیستم قدیمی نقاشی آغاز می شود، که بر سایه های تاریک و شیوه متراکم مادی اجرا تأکید می کند.

از آن زمان، رویکرد مونه به جهان به منظره تبدیل شد. شخصیت انسانی، رابطه افراد علاقه مند به او کمتر و کمتر می شود. وقایع 1870-1871 مونه را مجبور کرد به لندن مهاجرت کند و از آنجا به هلند می رود. او پس از بازگشت چندین تابلو می کشد که در کارش برنامه ای شده است. اینها عبارتند از "Impression. طلوع آفتاب (1872)، یاس بنفش در خورشید (1873)، "بولوار کاپوسین" (1873)، "مزارع خشخاش در آرژانتوی" (1873)، و غیره.

در سال 1874، برخی از آنها در نمایشگاه معروفی که توسط "انجمن ناشناس نقاشان، هنرمندان و حکاکی ها" به رهبری خود مونه برگزار شد، به نمایش گذاشته شد. پس از نمایشگاه، مونه و گروهی از همفکرانش شروع به لقب امپرسیونیست ها کردند (از Impression فرانسوی - Impression). در این زمان، اصول هنری مونه، مشخصه مرحله اول کار او، سرانجام به یک سیستم خاص تبدیل شد.

در منظره هوای آزاد یاس بنفش در خورشید (1873)، که دو زن را در سایه بوته های بزرگ یاس بنفش گل نشسته به تصویر می کشد، با چهره های آنها به همان شیوه و با دقت برخورد می شود که خود بوته ها و علف های روی آن می نشینند چهره افراد تنها بخشی از منظره کلی است، در حالی که احساس گرمای ملایم اوایل تابستان، طراوت شاخ و برگ های جوان، مه. روز آفتابیبا جنب و جوش فوق العاده و اقناع مستقیمی که مشخصه آن زمان نیست، منتقل می شود.

تصویر دیگری - "Boulevard des Capucines" - منعکس کننده تمام تناقضات اصلی، مزایا و معایب روش امپرسیونیستی است. در اینجا لحظه ربوده شده از جریان زندگی بسیار دقیق منتقل می شود. شهر بزرگ: احساس صدای یکنواخت ترافیکی کسل کننده، شفافیت مرطوب هوا، پرتوهای خورشید بهمن ماه که در امتداد شاخه های برهنه درختان سر می زند، فیلمی از ابرهای خاکستری رنگ که آبی آسمان را می پوشانند ... تصویر زودگذر است، اما با این حال نگاه تیزبین و همه جانبه هنرمند و هنرمند حساس است و به همه پدیده های زندگی پاسخ می دهد. این واقعیت که نگاه واقعاً تصادفی پرتاب می شود توسط ترکیب بندی متفکرانه تأکید می شود
پذیرش: قاب عکس سمت راست، همانطور که بود، چهره مردان ایستاده در بالکن را قطع می کند.

بوم های این دوره به بیننده احساس می کند که خودش هست بازیگراین جشن زندگی، پر از نور خورشید و هیاهوی بی وقفه جمعیتی زیبا.

مونه پس از استقرار در Argenteuil، با علاقه فراوان به رودخانه سن، پل ها، قایق های بادبانی سبک که روی سطح آب می چرخند می نویسد.

مناظر آنقدر او را مجذوب خود می کند که با تسلیم شدن به یک جاذبه غیرقابل مقاومت، قایق کوچکی برای خود می سازد و با آن به زادگاهش روئن می رسد و در آنجا متعجب از تصویری که می بیند، احساسات خود را در طرح هایی که محیط اطراف را به تصویر می کشد پاشیده می شود. ورود شهر و آبهای بزرگ دریا به دهانه رودخانه، کشتی ها ("Argenteuil"، 1872؛ "Sailboat in Argenteuil"، 1873-1874).

سال 1877 با خلق مجموعه‌ای از نقاشی‌ها که ایستگاه راه‌آهن سنت لازار را به تصویر می‌کشد مشخص می‌شود. آنها نمودار شدند مرحله جدیددر کار مونه

از آن زمان، طرح ها، که به دلیل کامل بودنشان متمایز می شوند، جای خود را به آثاری داده اند که در آنها نکته اصلی رویکردی تحلیلی به تصویر است ("گار سن لازار"، 1877). تغییر در سبک نقاشی با تغییراتی همراه است زندگی شخصیهنرمند: همسرش کامیلا به شدت بیمار می شود، فقر بر خانواده وارد می شود که ناشی از تولد فرزند دوم است.

پس از مرگ همسرش، آلیس گوشه سرپرستی فرزندان را بر عهده گرفت که خانواده آن‌ها همان خانه را در Vetheuil به عنوان مونه اجاره کردند. این زن بعدها همسر دوم او شد. بعد از گذشت مدتی موقعیت مالیمونه آنقدر بهبود یافت که توانست خانه خود را در گیورنی بخرد و بقیه زمان را در آنجا کار کرد.

نقاش به طور ظریف روندهای جدید را احساس می کند، که به او اجازه می دهد تا با بینش شگفت انگیز چیزهای زیادی را پیش بینی کند.
از آنچه هنرمندان به دست خواهند آورد اواخر نوزدهم- آغاز قرن بیستم. نگرش به رنگ و طرح ها را تغییر می دهد
نقاشی ها اکنون توجه او به بیان طرح رنگ قلم مو جدا از همبستگی موضوعی آن متمرکز شده است و جلوه تزئینی را تقویت می کند. در نهایت، او تابلوهای تابلویی خلق می کند. نقشه های ساده 1860-1870 جای خود را به نقوش پیچیده و اشباع شده از نقوش تداعی مختلف بدهید: تصاویر حماسی از صخره ها، ردیف های مرثیه ای از صنوبرها ("صخره ها در Belle-Ile"، 1866، "Poplars"، 1891).

این دوره با آثار سریالی متعدد مشخص شده است: ترکیبات "Hacks" ("Haystack in the snow. Gloomy day"، 1891؛ "Hacks. End of day. Autumn"، 1891)، تصاویری از کلیسای جامع روئن ("کلیسای جامع روئن" در ظهر»، 1894، و غیره، نماهایی از لندن («مه در لندن»، 1903، و غیره). استاد همچنان به شیوه امپرسیونیستی کار می کند و با استفاده از تونالیته های مختلف پالت خود، هدف استاد این است که با بیشترین دقت و اطمینان بیان کند که چگونه روشنایی یک اجسام می تواند در آب و هوای مختلف در طول روز تغییر کند.

اگر به مجموعه‌ای از نقاشی‌های مربوط به کلیسای جامع روئن با دقت بیشتری نگاه کنید، مشخص می‌شود که کلیسای جامع اینجا تجسم دنیای پیچیده افکار، احساسات و آرمان‌های مردم فرانسه قرون وسطی نیست و حتی یک بنای هنری نیست. و معماری، اما نوعی پس‌زمینه است که نویسنده از آن شروع می‌کند، نور و فضای زندگی را منتقل می‌کند. تماشاگر طراوت نسیم صبحگاهی، گرمای نیمروز، سایه های ملایم عصر قریب الوقوع را حس می کند که قهرمانان واقعی این سریال هستند.

با این حال، علاوه بر این، چنین نقاشی هایی ترکیبات تزئینی غیرمعمولی هستند که به لطف پیوندهای انجمنی ناخواسته به وجود آمده، تصور پویایی زمان و مکان را به بیننده القا می کنند.

مونه که با خانواده اش به گیورنی نقل مکان کرد، زمان زیادی را در باغ گذراند و سازمان نقاشی خود را انجام داد. این شغل چنان بر دیدگاه های هنرمند تأثیر گذاشت که به جای دنیای معمولی که مردم در آن زندگی می کردند، او شروع به ترسیم دنیای تزئینی اسرارآمیز آب و گیاهان روی بوم های خود کرد ("Irises at Giverny" ، 1923؛ "Weeping Willows" ، 1923. ). از این رو، مناظر حوض‌هایی با نیلوفرهای آبی شناور در آن‌ها، در معروف‌ترین سری تابلوهای بعدی او ("نیلوفرهای آبی سفید. هارمونی آبی"، 1918-1921) نشان داده شده است.

گیورنی آخرین پناهگاه این هنرمند شد، جایی که در سال 1926 درگذشت.

لازم به ذکر است که شیوه نگارش امپرسیونیست ها با شیوه آکادمیک ها بسیار متفاوت بود. امپرسیونیست‌ها، به‌ویژه مونه و همفکرانش، جدا از همبستگی موضوعی به بیان طرح رنگ قلم مو علاقه‌مند بودند. یعنی با حرکات جداگانه فقط از رنگ‌های خالصی استفاده می‌کردند که روی پالت مخلوط نشده بودند، در حالی که لحن مورد نظر قبلاً در درک بیننده شکل گرفته بود. بنابراین، برای شاخ و برگ درختان و علف، به همراه سبز، آبی و رنگ زرد، سایه سبز مورد نظر را در فاصله ایجاد می کند. این روش به آثار استادان امپرسیونیست خلوص و طراوت خاصی بخشید که فقط ذاتی آنها بود. ضربات به طور جداگانه گذاشته شده تصور یک تسکین و، به عنوان آن، سطح ارتعاشی ایجاد می کند.

پیر آگوست رنوار

پیر آگوست رنوار، نقاش، گرافیست و مجسمه ساز فرانسوی، یکی از رهبران گروه امپرسیونیست، در 25 فوریه 1841 در لیموژ در خانواده ای فقیر از یک خیاط استانی متولد شد که در سال 1845 به پاریس نقل مکان کرد. استعداد رنوار جوان خیلی زود مورد توجه والدینش قرار گرفت و در سال 1854 او را به یک کارگاه نقاشی چینی منصوب کردند. رنوار در حین بازدید از کارگاه به طور همزمان در مدرسه طراحی و هنرهای کاربردی تحصیل کرد و در سال 1862 با پس انداز پول (کسب درآمد از طریق نقاشی نشان، پرده و فن) هنرمند جوان وارد دانشکده هنرهای زیبا شد. کمی بعد، او شروع به بازدید از کارگاه C. Gleyre کرد و در آنجا با A. Sisley، F. Basil و C. Monet دوست صمیمی شد. او اغلب از لوور بازدید می کرد و آثار استادانی مانند A. Watteau، F. Boucher، O. Fragonard را مطالعه می کرد.

ارتباط با گروهی از امپرسیونیست ها، رنوار را به سمت توسعه سبک بینش خود سوق می دهد. بنابراین، به عنوان مثال، بر خلاف آنها، او در سراسر کار خود به تصویر یک شخص به عنوان انگیزه اصلی نقاشی های خود روی آورد. علاوه بر این، کار او، با وجود این که ساده بود، هرگز منحل نشد
وزن پلاستیک دنیای مواد در محیط درخشان نور.

استفاده از کیاروسکورو توسط نقاش، که به تصویر شکل تقریباً مجسمه ای می بخشد، آثار اولیه او را شبیه کارهای برخی از هنرمندان رئالیست، به ویژه G. Courbet می کند. با این حال، یک طرح رنگ روشن تر و روشن تر، که فقط ذاتی رنوار است، این استاد را از پیشینیانش متمایز می کند ("میخانه مادر آنتونی"، 1866). تلاش برای انتقال انعطاف طبیعی حرکت پیکرهای انسان در فضای باز در بسیاری از آثار این هنرمند قابل توجه است. رنوار در «پرتره آلفرد سیسلی با همسرش» (1868) سعی می‌کند احساسی را نشان دهد که این زوج دست در دست راه می‌روند: سیسلی لحظه‌ای مکث کرد و به آرامی به سمت همسرش خم شد. در این تصویر با ترکیبی که یادآور قاب عکاسی است، موتیف حرکت همچنان تصادفی و عملاً ناخودآگاه است. با این حال، در مقایسه با "میخانه"، چهره های موجود در "پرتره آلفرد سیسلی با همسرش" راحت تر و زنده تر به نظر می رسند. نکته مهم دیگر قابل توجه است: همسران در طبیعت (در باغ) به تصویر کشیده می شوند، اما رنوار هنوز تجربه ای در به تصویر کشیدن چهره های انسانی در فضای باز ندارد.

"پرتره آلفرد سیسلی با همسرش" - اولین قدم این هنرمند در مسیر هنر جدید. مرحله بعدی در کار این هنرمند، نقاشی «حمام کردن در سن» (حدود 1869) بود، که در آن چهره‌های افرادی که در امتداد ساحل قدم می‌زنند، حمام‌کنندگان، و همچنین قایق‌ها و دسته‌ای از درختان توسط فضای هوای سبک گرد هم می‌آیند. یک روز زیبای تابستانی نقاش در حال حاضر آزادانه از سایه های رنگی و بازتاب های رنگ روشن استفاده می کند. اسمیر او زنده و پرانرژی می شود.

رنوار نیز مانند سی مونه به مشکل گنجاندن شخصیت انسان در جهان علاقه دارد محیط. هنرمند این مشکل را در نقاشی "Swing" (1876) حل می کند، اما به روشی کمی متفاوت از سی مونه، که در آن چهره های مردم به نظر می رسد در منظره حل می شوند. رنوار چندین چهره کلیدی را در ترکیب خود معرفی می کند. شیوه زیبایی که در آن این بوم ساخته شده است بسیار طبیعی حال و هوای یک روز گرم تابستانی را که توسط سایه نرم شده است را منتقل می کند. تصویر سرشار از احساس شادی و شادی است.

در اواسط دهه 1870. رنوار آثاری مانند منظره آفتاب‌گرفته «مسیر در مراتع» (1875)، پر از حرکت پر جنب و جوش نور و بازی گریزان بازتاب‌های نور درخشان «مولن د لا گالت» (1876) و همچنین «چترها» را نقاشی می‌کند. 1883)، "لژ" (1874) و پایان صبحانه (1879). این بوم های زیبا علیرغم اینکه هنرمند مجبور بود در محیطی دشوار کار کند، خلق شد، زیرا پس از نمایشگاه رسوایی امپرسیونیست ها (1874)، آثار رنوار (و همچنین کارهای همفکران او) در معرض تیزبینی قرار گرفت. حملات از سوی به اصطلاح خبره های هنر. با این حال، در این دوران سخت، رنوار حمایت دو نفر از نزدیکان خود را احساس کرد: برادر ادموند (ناشر مجله La Vie Moderne) و ژرژ شارپنتیه (صاحب هفته نامه). آنها به این هنرمند کمک کردند تا پول کمی بگیرد و یک کارگاه اجاره کند.

لازم به ذکر است که از نظر ترکیب بندی، منظره «مسیر در مراتع» به «خشخاش» (1873) اثر سی مونه بسیار نزدیک است، اما بافت زیبای نقاشی های رنوار متفاوت است. تراکم بیشترو مادی بودن تفاوت دیگر در مورد راه حل ترکیبی آسمان است. در رنوار، که برای او مادی بودن جهان طبیعی مهم بود، آسمان تنها بخش کوچکی از تصویر را اشغال می کند، در حالی که در مونه، که آسمان را با ابرهای خاکستری-نقره ای یا سفید برفی در حال اجرا در آن به تصویر می کشد. از بالای یک شیب پر از خشخاش های گلدار بالا می رود و احساس آفتاب خیس شدن روز تابستان را افزایش می دهد.

در ساخته‌های «مولن د لا گالت» (با موفقیت واقعی برای هنرمند)، «چترها»، «لژ» و «پایان صبحانه» به وضوح نشان می‌دهد (مانند مانه و دگا) علاقه به ظاهراً به طور تصادفی نگاه می‌کند. وضعیت زندگی; همچنین جذابیت به روش برش قاب فضای ترکیب بندی که مشخصه E. Degas و تا حدودی E. Manet نیز می باشد، مشخص است. اما، بر خلاف آثار دومی، نقاشی های رنوار با آرامش و تعمق زیاد متمایز می شوند.

بوم "لژ" که در آن نویسنده، گویی از میان دوچشمی ردیف صندلی ها را نگاه می کند، ناخواسته به جعبه ای برخورد می کند که زیبایی با ظاهری بی تفاوت در آن قرار دارد. برعکس همراه او با علاقه زیاد به تماشاگران نگاه می کند. قسمتی از شکل او توسط قاب عکس بریده شده است.

اثر «پایان صبحانه» یک اپیزود ابتدایی را ارائه می‌کند: دو بانوی سفید و سیاه پوشیده و همینطور آقایانشان، صبحانه کاملی در گوشه‌ای از باغ دارند. میز از قبل برای قهوه چیده شده است که در فنجان های ساخته شده از چینی آبی کم رنگ سرو می شود. زن ها منتظر ادامه ماجرا هستند که مرد برای روشن کردن سیگار حرفش را قطع کرد. این تصویر روانشناسی دراماتیک یا عمیق نیست، با انتقال ظریف کوچکترین سایه های خلقی توجه بیننده را به خود جلب می کند.

احساس مشابهی از نشاط آرام در "صبحانه پاروزنان" (1881) پر از نور و حرکت پر جنب و جوش نفوذ می کند. اشتیاق و جذابیت از شکل یک بانوی جوان زیبا که با سگی در بغل نشسته است نشات می گیرد. این هنرمند همسر آینده خود را در این تصویر به تصویر کشیده است. بوم "برهنه" (1876) با همان حال و هوای شاد پر شده است، فقط در انکساری کمی متفاوت. طراوت و گرمای بدن یک زن جوان در تضاد با پارچه سرد مایل به آبی ملحفه و کتانی است که نوعی پس زمینه را تشکیل می دهد.

ویژگی بارز آثار رنوار این است که فرد از کامل بودن پیچیده روانی و اخلاقی خود محروم می شود که ویژگی نقاشی تقریباً همه هنرمندان رئالیست است. این ویژگی نه تنها در آثاری مانند «برهنه» (جایی که ماهیت موتیف پیرنگ اجازه فقدان چنین کیفیت هایی را می دهد)، بلکه در پرتره های رنوار نیز وجود دارد. با این حال، این بوم او را از جذابیت محروم نمی کند، که در شادی شخصیت ها نهفته است.

تا حد زیادی این ویژگی ها در آنها احساس می شود پرتره معروفرنوار «دختری با فن» (حدود 1881). بوم پیوندی است که آثار اولیه رنوار را با آثار متأخر پیوند می‌دهد، که با رنگ‌بندی سردتر و ظریف‌تر مشخص می‌شود. در این دوره، هنرمند بیش از گذشته به خطوط واضح، به طراحی واضح و همچنین به محلی بودن رنگ علاقه دارد. این هنرمند نقش بزرگی را به تکرارهای ریتمیک (نیم دایره پنکه - پشت نیم دایره ای یک صندلی قرمز - شانه های دخترانه شیب دار) اختصاص می دهد.

با این حال، همه این روندها در نقاشی رنوار به طور کامل در نیمه دوم دهه 1880، زمانی که ناامیدی در کار او و به طور کلی امپرسیونیسم ایجاد شد، ظاهر شد. با از بین بردن برخی از آثار خود که این هنرمند آنها را "خشک شده" می دانست، شروع به مطالعه آثار N. Poussin می کند و به نقاشی J. O. D. Ingres روی می آورد. در نتیجه، پالت او درخشندگی خاصی به دست می آورد. به اصطلاح. "دوره مروارید"، که برای ما از آثاری مانند "دختران در پیانو" (1892)، "حمام خواب" (1897)، و همچنین پرتره های پسران - پیر، ژان و کلود - "گابریل و ژان" ( 1895)، "کوکو" (1901).

علاوه بر این، از سال 1884 تا 1887، رنوار در حال کار بر روی یک سری از انواع نقاشی بزرگ "Bathers" است. در آنها، او موفق می شود به یک کمال ترکیبی واضح دست یابد. با این حال، تمام تلاش ها برای احیای و بازاندیشی سنت های پیشینیان بزرگ، در حالی که به دور از مشکلات بزرگمدرن بودن طرح، با شکست به پایان رسید. «حمام‌کنندگان» تنها هنرمند را از برداشت مستقیم و تازه‌اش از زندگی بیگانه کرد. همه اینها تا حد زیادی این واقعیت را توضیح می دهد که از دهه 1890. کار رنوار ضعیف‌تر می‌شود: رنگ‌های نارنجی-قرمز در رنگ آثار او غالب می‌شوند و پس‌زمینه، خالی از عمق هوا، تزئینی و مسطح می‌شود.

از سال 1903، رنوار در خانه خود در Cagnes-sur-Mer مستقر شد، جایی که او به کار بر روی مناظر، ترکیب‌بندی‌هایی با پیکره‌های انسانی و طبیعت‌های بی‌جان ادامه داد، که در آنها رنگ‌های مایل به قرمز که قبلاً در بالا ذکر شد غالب است. این هنرمند که به شدت بیمار است، دیگر نمی تواند برس ها را به تنهایی نگه دارد و آنها به دستان او بسته می شوند. با این حال، پس از مدتی، نقاشی باید به طور کامل رها شود. سپس استاد به مجسمه سازی روی می آورد. او به همراه دستیار گینو چندین مجسمه شگفت‌انگیز خلق می‌کند که با زیبایی و هماهنگی شبح‌ها، شادی و قدرت تأییدکننده زندگی متمایز می‌شوند (ونوس، 1913؛ لباس‌شوینده بزرگ، 1917؛ مادری، 1916). رنوار در سال 1919 در ملک خود در آلپ-ماریتیمز درگذشت.

ادگار دگا

ادگار هیلر ژرمن دگا، نقاش، گرافیست و مجسمه ساز فرانسوی، بزرگترین نماینده امپرسیونیسم، در سال 1834 در پاریس در خانواده یک بانکدار ثروتمند به دنیا آمد. او که از وضع مالی خوبی برخوردار بود، تحصیلات عالی را در لیسیوم معتبر به نام لویی کبیر (1845-1852) دریافت کرد. مدتی دانشجوی دانشکده حقوق دانشگاه پاریس (1853) بود، اما با احساس اشتیاق به هنر، دانشگاه را ترک کرد و شروع به حضور در استودیوی هنرمند L. Lamotte (دانشجو و پیرو) کرد. از انگرس) و در همان زمان (از سال 1855) مدرسه
هنرهای زیبا با این حال، در سال 1856، به طور غیرمنتظره برای همه، دگا پاریس را ترک کرد و به مدت دو سال به ایتالیا رفت و در آنجا با علاقه فراوان تحصیل کرد و مانند بسیاری از نقاشان، از آثار استادان بزرگ رنسانس کپی کرد. بیشترین توجه او به آثار A. Mantegna و P. Veronese است که هنرمند جوان از نقاشی الهام گرفته و رنگارنگ آنها بسیار استقبال کرد.

آثار اولیه دگا (عمدتاً پرتره‌ها) با طراحی واضح و دقیق و مشاهدات ظریف همراه با شیوه نگارش بسیار محدود (طرح‌های برادرش، 1856-1857؛ طراحی سر بارونس بللی، 1859) یا با شگفت‌انگیز مشخص می‌شوند. صداقت اعدام (پرتره یک گدای ایتالیایی، 1857).

دگا با بازگشت به وطن خود به موضوع تاریخی روی آورد، اما تفسیری از آن ارائه کرد که برای آن زمان مشخص نبود. بنابراین ، در ترکیب "دختران اسپارتانی مردان جوان را به رقابت می کشند" (1860) ، استاد با نادیده گرفتن ایده آل سازی مشروط طرح باستانی ، به دنبال تجسم آن است که می تواند در واقعیت باشد. دوران باستان در اینجا، مانند دیگر بوم‌های نقاشی او با موضوعی تاریخی، گویی از منشور مدرنیته عبور کرده است: تصاویر دختران و مردان جوان اسپارت باستان با فرم‌های زاویه‌دار، بدن‌های لاغر و حرکات تند، که در پس‌زمینه روزمرگی به تصویر کشیده شده‌اند. مناظر پروزائیک، دور از ایده های کلاسیک هستند و بیشتر به نوجوانان معمولی حومه پاریس شباهت دارند تا اسپارتی های ایده آل.

در طول دهه 1860، روش خلاقانه نقاش تازه کار به تدریج شکل گرفت. در این دهه، همراه با بوم‌های تاریخی کم‌اهمیت ("Semiramide Watching the Construction of Babylon"، 1861)، این هنرمند چندین اثر پرتره خلق کرد که در آنها مشاهده و مهارت‌های واقع‌گرایانه برجسته شد. در این راستا، نشان دهنده ترین نقاشی "سر یک زن جوان" است که توسط
در سال 1867

در سال 1861، دگا با E. Manet آشنا شد و به زودی در کافه Gerbois، جایی که نوآوران جوان آن زمان جمع می شوند، تبدیل شد: سی. مونه، او. رنوار، آ. سیسلی و دیگران. در هوای آزاد، سپس دگا بیشتر بر موضوع شهر، انواع پاریسی تمرکز می کند. او به هر چیزی که در حرکت است جذب می شود. استاتیک او را بی تفاوت می گذارد.

دگا ناظر بسیار دقیقی بود و همه چیز را که به طور مشخص در تغییر بی پایان پدیده های زندگی بیان می کند را به شکلی ظریف به تصویر می کشید. بنابراین، او با انتقال ریتم دیوانه وار شهر بزرگ، به خلق یکی از انواع ژانر روزمره اختصاص یافته به شهر سرمایه داری می رسد.

در آثار این دوره پرتره هایی به چشم می خورند که در میان آنها بسیاری از مرواریدهای نقاشی جهان طبقه بندی می شوند. از جمله پرتره ای از خانواده بللی (حدود 1860-1862)، پرتره ای از یک زن (1867)، پرتره ای از پدر هنرمند در حال گوش دادن به گیتاریست Pagan (حدود 1872).

مشخصه برخی از نقاشی‌های مربوط به دهه 1870، عدم تحمل عکاسی در به تصویر کشیدن شخصیت‌ها است. یک نمونه بوم به نام "درس رقص" (حدود 1874) است که با رنگ های سرد مایل به آبی ساخته شده است. نویسنده با دقت شگفت انگیزی از حرکات بالرین هایی که از یک استاد قدیمی رقص درس می گیرند، عکس می گیرد. با این حال، نقاشی هایی با ماهیت متفاوتی وجود دارد، مانند، برای مثال، پرتره ویسکونت لپیک با دخترانش در میدان کنکورد، که قدمت آن به سال 1873 برمی گردد. ترکیب و وضوح فوق العاده انتقال شخصیت لپیک؛ در یک کلام، این به دلیل آشکارسازی هنرمندانه تیز و تیز آغاز مشخص زندگی است.

لازم به ذکر است که آثار این دوره بازتاب نگاه هنرمند به رویدادی است که توسط وی به تصویر کشیده شده است. نقاشی های او قوانین معمول آکادمیک را از بین می برد. نقاشی دگا به نام نوازندگان ارکستر (1872) بر اساس کنتراست شدیدی ساخته شده است که با مقایسه سر نوازندگان (نقاشی شده در نمای نزدیک) و شکل کوچک رقصنده ای که به تماشاگران تعظیم می کند ایجاد شده است. علاقه به حرکت بیانی و کپی برداری دقیق آن بر روی بوم نیز در مجسمه های طرحی متعددی از رقصندگان مشاهده می شود (نباید فراموش کنیم که دگا یک مجسمه ساز نیز بوده است) که توسط استاد ساخته شده است تا ماهیت حرکت و منطق آن را با دقت به تصویر بکشد. تا حد ممکن.

این هنرمند به ویژگی حرفه ای حرکات، حالت ها و ژست ها عاری از هرگونه شاعرانه علاقه مند بود. این امر به ویژه در آثار اختصاص داده شده به مسابقات اسب دوانی ("جوکی جوان"، 1866-1868؛ "مسابقه اسب دوانی در استان. خدمه در مسابقات"، حدود 1872، "جوکی ها در مقابل جایگاه ها"، حدود 1879، قابل توجه است. و غیره.). در The Ride of Race Horses (دهه 1870)، تحلیل جنبه حرفه ای موضوع تقریباً با دقت خبرنگاری ارائه شده است. اگر این بوم را با نقاشی T. Géricault "The Races at Epsom" مقایسه کنیم، بلافاصله مشخص می شود که به دلیل تحلیل آشکار، کار دگا در ترکیب عاطفی T. Géricault بسیار از دست می دهد. همین ویژگی‌ها در پاستل «بالرین روی صحنه» (1878-1876) دگا وجود دارد که به تعداد شاهکارهای او تعلق ندارد.

با این حال، با وجود چنین یک جانبه و شاید حتی به لطف آن، هنر دگا به دلیل متقاعدکننده بودن و محتوایی متمایز است. در آنها برنامه کار می کنداو بسیار دقیق و با مهارت تمام عمق و پیچیدگی را آشکار می کند حالت داخلیشخص به تصویر کشیده شده، و همچنین فضای بیگانگی و تنهایی که جامعه معاصر در آن زندگی می کند، از جمله خود نویسنده.

برای اولین بار، این حالات در بوم کوچک "رقصنده در مقابل یک عکاس" (دهه 1870) ثبت شد، که روی آن هنرمند چهره تنهایی یک رقصنده، یخ زده در فضایی غم انگیز و غم انگیز در یک ژست آموخته شده در مقابل، نقاشی کرد. از یک دستگاه عکاسی حجیم در آینده، احساس تلخی و تنهایی در بوم‌هایی مانند «آبسنت» (1876)، «خواننده کافه» (1878)، «آهن‌ها» (1884) و بسیاری دیگر رخنه می‌کند. دگا دو شکل از یک مرد را نشان داد و زنی تنها و بی تفاوت نسبت به یکدیگر و نسبت به تمام دنیا. سوسو زدن کم رنگ مایل به سبز یک لیوان پر از آبسنت بر غم و ناامیدی که در چشمان زن و در وضعیت او دیده می شود تأکید می کند. یک مرد ریش پریده با صورت پف کرده، عبوس و متفکر است.

خلاقیت دگا علاقه واقعی ذاتی به شخصیت افراد، ویژگی های عجیب و غریب رفتار آنها، و همچنین یک ترکیب پویا به خوبی ساخته شده است که جایگزین سنتی می شود. اصل اصلی آن یافتن گویاترین زوایا در خود واقعیت است. این کار دگا را از هنر دیگر امپرسیونیست ها (به ویژه سی. مونه، آ. سیسلی و تا حدی او. رنوار) ​​با رویکرد متفکرانه آنها به دنیای اطرافشان متمایز می کند. این هنرمند قبلاً از این اصل در کار اولیه خود دفتر دریافت پنبه در نیواورلئان (1873) استفاده کرد که تحسین E. Goncourt را به دلیل صداقت و واقع گرایی آن برانگیخت. آثار بعدی او «خانم لالا در سیرک فرناندو» (1879) و «رقصنده‌ها در سرسرای» (1879) از این قبیل هستند، جایی که با همین انگیزه تحلیلی ظریف از تغییر حرکات متنوع ارائه شده است.

گاهی اوقات این تکنیک توسط برخی از محققان به منظور نشان دادن نزدیکی دگا با A. Watteau استفاده می شود. اگرچه هر دو هنرمند در برخی موارد واقعاً شبیه به هم هستند (A. Watteau همچنین بر سایه های مختلف همان حرکت تمرکز می کند)، کافی است نقاشی A. Watteau را با تصویر حرکات ویولن از ترکیب فوق الذکر دگا مقایسه کنیم. ، همانطور که عکس تکنیک های هنری آنها بلافاصله احساس می شود.

اگر A. Watteau سعی می کند انتقال گریزان یک حرکت را به نیمه آهنگ های دیگر، به اصطلاح، منتقل کند، برعکس، برای دگا، یک تغییر پر انرژی و متضاد در انگیزه های حرکتی مشخص است. او بیشتر برای مقایسه و برخورد شدید آنها تلاش می کند و اغلب شکل را زاویه دار می کند. به این ترتیب هنرمند تلاش می کند تا پویایی توسعه زندگی معاصر را به تصویر بکشد.

در اواخر دهه 1880 - اوایل دهه 1890. در آثار دگا نقوش تزیینی غلبه دارد که احتمالاً ناشی از کسالت هوشیاری اوست. ادراک هنری. اگر در بوم های اوایل دهه 1880 که به برهنگی اختصاص داده شده بود ("زنی که حمام را ترک می کند"، 1883)، علاقه بیشتری به بیان واضح حرکت وجود دارد، پس از پایان دهه علاقه هنرمند به طور قابل توجهی به سمت تصویر تغییر کرد. از زیبایی زنانه این امر به ویژه در نقاشی "حمام کردن" (1886) قابل توجه است، جایی که نقاش با مهارت بسیار جذابیت بدن منعطف و برازنده زنی جوان را که بر روی لگنش خم شده است، منتقل می کند.

هنرمندان قبلاً نقاشی‌های مشابهی کشیده‌اند، اما دگا مسیری متفاوت را طی می‌کند. اگر قهرمانان سایر استادان همیشه حضور بیننده را احساس می کردند ، در اینجا نقاش یک زن را به تصویر می کشد ، گویی کاملاً نگران این نیست که چگونه از بیرون به نظر می رسد. و اگرچه چنین موقعیت هایی زیبا و کاملاً طبیعی به نظر می رسند، تصاویر در چنین آثاری اغلب به گروتسک نزدیک می شوند. از این گذشته ، هر ژست و حرکتی ، حتی صمیمی ترین آنها ، در اینجا کاملاً مناسب است ، آنها کاملاً با یک ضرورت کاربردی توجیه می شوند: هنگام شستن ، به جای مناسب دراز کنید ، گیره را در پشت باز کنید ، بلغزید ، روی چیزی بگیرید.

دگا در سال های آخر عمرش بیشتر به مجسمه سازی می پرداخت تا نقاشی. این تا حدی به دلیل بیماری چشم و اختلال بینایی است. او همان تصاویری را خلق می کند که در نقاشی هایش وجود دارد: او مجسمه هایی از بالرین ها، رقصندگان، اسب ها را مجسمه می کند. در عین حال، هنرمند تلاش می کند تا پویایی حرکات را با دقت هر چه تمامتر منتقل کند. دگا نقاشی را رها نمی‌کند، که اگرچه در پس‌زمینه محو می‌شود، اما به‌طور کامل از آثارش محو نمی‌شود.

با توجه به ساختار رسمي رسمي و موزون تركيب ها، ميل به تفسير تزئيني- مسطح از تصاوير نقاشي هاي دگا، ساخته شده در اواخر دهه 1880 و طي دهه 1890. معلوم می شود که فاقد اعتبار واقعی است و مانند پانل های تزئینی می شود.

دگا بقیه عمر خود را در زادگاهش پاریس گذراند و در سال 1917 در آنجا درگذشت.

کامیل پیسارو

کامیل پیسارو، نقاش و گرافیست فرانسوی، در سال 1830 به دنیا آمد. سنت توماس (آنتیل) در خانواده یک تاجر. او در پاریس تحصیل کرد و از سال 1842 تا 1847 در آنجا تحصیل کرد. پیسارو پس از اتمام تحصیلات خود به سنت توماس بازگشت و شروع به کمک به پدرش در فروشگاه کرد. با این حال ، این به هیچ وجه آن چیزی نبود که مرد جوان آرزویش را داشت. علاقه او بسیار فراتر از پیشخوان بود. نقاشی برای او از همه مهمتر بود، اما پدرش از علاقه پسرش حمایت نکرد و با ترک شغل خانوادگی او مخالف بود. سوء تفاهم کامل و عدم تمایل خانواده برای ملاقات در نیمه راه به این واقعیت منجر شد که مرد جوان کاملاً ناامید به ونزوئلا فرار کرد (1853). این عمل همچنان بر پدر و مادر سرسخت تأثیر گذاشت و او به پسرش اجازه داد برای تحصیل در رشته نقاشی به پاریس برود.

پیسارو در پاریس وارد استودیوی سوئیس شد و به مدت شش سال (از 1855 تا 1861) در آنجا تحصیل کرد. در نمایشگاه جهانی نقاشی در سال 1855، هنرمند آینده J. O. D. Ingres، G. Courbet را کشف کرد، اما آثار C. Corot بیشترین تأثیر را بر او گذاشت. به توصیه دومی، در ادامه بازدید از استودیوی سوئیس، نقاش جوان وارد دانشکده هنرهای زیبا به آ. ملبی شد. در این زمان با سی مونه آشنا شد و با او مناظر حومه پاریس را نقاشی کرد.

در سال 1859، پیسارو نقاشی های خود را برای اولین بار در سالن به نمایش گذاشت. آثار اولیه او تحت تأثیر سی.کورو و جی.کوربه نوشته شد، اما به تدریج پیسارو سبک خود را توسعه داد. یک نقاش تازه کار زمان زیادی را به کار در فضای باز اختصاص می دهد. او مانند دیگر امپرسیونیست ها به زندگی طبیعت در حرکت علاقه مند است. پیسارو توجه زیادی به رنگ دارد که می تواند نه تنها فرم، بلکه ماهیت مادی جسم را نیز منتقل کند. او برای آشکار ساختن جذابیت و زیبایی منحصر به فرد طبیعت، از ضربات سبک از رنگ های خالص استفاده می کند که در تعامل با یکدیگر، یک محدوده تونال ارتعاشی ایجاد می کنند. آنها که در خطوط متقاطع، موازی و مورب ترسیم شده اند، به کل تصویر حس شگفت انگیزی از عمق و صدای ریتمیک می دهند ("سن در مارلی"، 1871).

نقاشی پول زیادی برای پیسارو به ارمغان نمی آورد و او به سختی خرج زندگی را می رساند. در لحظات ناامیدی، هنرمند تلاش می کند تا برای همیشه از هنر جدا شود، اما به زودی دوباره به خلاقیت باز می گردد.

در طول جنگ فرانسه و پروس، پیسارو در لندن زندگی می کند. او به همراه سی مونه مناظر لندن را از زندگی نقاشی می کند. خانه این هنرمند در Louveciennes در آن زمان توسط مهاجمان پروس غارت شد. بیشتر نقاشی هایی که در خانه باقی مانده بود از بین رفت. سربازان در هنگام بارندگی بوم ها را در حیاط زیر پای خود پهن کردند.

با بازگشت به پاریس، پیسارو همچنان مشکلات مالی را تجربه می کند. جمهوری که جایگزین شد
امپراتوری، تقریبا هیچ چیز را در فرانسه تغییر نداد. بورژوازی که پس از وقایع مرتبط با کمون فقیر شده است، نمی تواند نقاشی بخرد. در این زمان، پیسارو تحت حمایت او قرار می گیرد هنرمند جوانپی سزان. آنها با هم در Pontoise کار می کنند، جایی که پیسارو بوم هایی را خلق می کند که اطراف Pontoise را به تصویر می کشد، جایی که هنرمند تا سال 1884 در آن زندگی می کرد ("Oise in Pontoise"، 1873). دهکده‌های آرام، جاده‌هایی که به دوردست کشیده می‌شوند ("جاده از گیسور به پونتوا زیر برف"، 1873؛ "بام‌های قرمز"، 1877؛ "منظره در پونتوا"، 1877).

پیسارو در هر هشت نمایشگاه امپرسیونیست ها که از سال 1874 تا 1886 برگزار شده بود، شرکت فعال داشت. نقاش با داشتن استعداد آموزشی، تقریباً با همه هنرمندان تازه کار زبان مشترکی پیدا کرد و با مشاوره به آنها کمک کرد. معاصران در مورد او گفتند که "او حتی می تواند نحوه کشیدن سنگ را آموزش دهد." استعداد استاد به قدری بود که می توانست حتی ظریف ترین سایه های رنگ را که دیگران فقط خاکستری، قهوه ای و سبز می دیدند، تشخیص دهد.

جایگاه ویژه ای در کار پیسارو بوم های اختصاص داده شده به شهر است که به عنوان یک موجود زنده نشان داده شده است که بسته به نور و فصل دائماً تغییر می کند. این هنرمند توانایی شگفت انگیزی برای دیدن چیزهای زیادی و گرفتن چیزهایی داشت که دیگران متوجه آن نمی شدند. بنابراین، برای مثال، از همان پنجره به بیرون نگاه کرد، 30 اثر نوشت که مونمارتر را به تصویر می‌کشید ("بلوار مون مارتر در پاریس"، 1897). استاد عاشقانه پاریس را دوست داشت، بنابراین بیشتر نقاشی ها را به او تقدیم کرد. این هنرمند توانست در آثار خود جادوی بی نظیری را که پاریس را به یکی از بزرگترین شهرهای جهان تبدیل کرده است، منتقل کند. نقاش برای کار، اتاق هایی را در خیابان سن لازار، بلوارهای بزرگ و غیره اجاره کرد. او هر آنچه را که می دید به بوم های نقاشی خود منتقل کرد ("بلوار ایتالیایی در صبح، روشن شده توسط خورشید"، 1897؛ "مکان تئاتر فرانسوی در پاریس". ، بهار، 1898؛ "گذر اپرا در پاریس).

از مناظر شهری او آثاری است که شهرهای دیگر را به تصویر می کشد. بنابراین، در دهه 1890. استاد مدت طولانی در دیپه و سپس در روئن زندگی کرد. او در نقاشی‌هایی که به بخش‌های مختلف فرانسه اختصاص داده شده بود، زیبایی میدان‌های باستانی، شعر خطوط و ساختمان‌های باستانی را آشکار کرد که روح دوران گذشته از آن دمیده می‌شود ("پل بزرگ در روئن"، 1896؛ "پل بویلدیو در روئن" در غروب، 1896؛ «منظره روئن»، 1898؛ «کلیسای سنت ژاک در دیپ»، 1901).

اگرچه مناظر پیسارو رنگارنگ روشنی ندارند، اما بافت تصویری آن‌ها به‌طور غیرمعمول در سایه‌های مختلف غنی است: برای مثال، رنگ خاکستری یک سنگفرش از خطوط صورتی خالص، آبی، آبی، اخرایی طلایی، قرمز انگلیسی و غیره تشکیل شده است. در نتیجه، خاکستری مروارید به نظر می رسد، می درخشد و می درخشد و نقاشی ها را مانند جواهرات نشان می دهد.

پیسارو نه تنها مناظر را خلق کرد. در کار او وجود دارد ژانر نقاشیکه در آن علاقه به یک شخص تجسم یافته بود.

از مهمترین آنها می توان به "قهوه با شیر" (1881)، "دختری با یک شاخه" (1881)، "زنی با یک کودک در چاه" (1882)، "بازار: یک تاجر گوشت" (1883) اشاره کرد. ). با کار بر روی این آثار، نقاش به دنبال ساده سازی سکته مغزی و وارد کردن عناصر یادبود در ترکیب بندی ها بود.

در اواسط دهه 1880، پیسارو یک هنرمند بالغ، تحت تأثیر سورات و سیگناک، به تقسیم‌گرایی علاقه مند شد و شروع به نقاشی با نقاط کوچک رنگی کرد. به این ترتیب، اثری از او به عنوان «جزیره لاکروا، روئن. مه» (1888). با این حال، این سرگرمی زیاد دوام نیاورد و به زودی (1890) استاد به سبک سابق خود بازگشت.

پیسارو علاوه بر نقاشی، در آبرنگ کار می کرد، حکاکی، لیتوگرافی و طراحی خلق می کرد.
این هنرمند در سال 1903 در پاریس درگذشت.

امپرسیونیسم یک جنبش هنری است که در دهه 70 ظهور کرد. قرن نوزدهم در نقاشی فرانسوی، و سپس در موسیقی، ادبیات، تئاتر تجلی یافت.

امپرسیونیسم در نقاشی مدت ها قبل از نمایشگاه معروف 1874 شکل گرفت. ادوارد مانه را به طور سنتی بنیانگذار امپرسیونیست ها می دانند. او از آثار کلاسیک تیتیان، رامبراند، روبنس، ولازکز بسیار الهام گرفت. مانه دید خود را از تصاویر بر روی بوم هایش بیان کرد و ضربات "ارتعاشی" را اضافه کرد که اثر ناقص بودن را ایجاد کرد. در سال 1863، مانه "المپیا" را ایجاد کرد که باعث رسوایی بزرگی در جامعه فرهنگی شد.

در نگاه اول، تصویر مطابق با قوانین سنتی ساخته شده است، اما در عین حال دارای روندهای نوآورانه است. حدود 87 نقد در مورد المپیا در نشریات مختلف پاریس نوشته شد. انتقادات منفی زیادی متوجه او شد - این هنرمند به ابتذال متهم شد. و تنها چند مقاله را می توان خیرخواهانه نامید.

مانه در کار خود از تکنیک پوشاندن یک لایه رنگ استفاده کرد که باعث ایجاد اثر لکه ها می شد. پس از آن، این روش پوشش رنگ توسط هنرمندان امپرسیونیست به عنوان پایه ای برای تصاویر روی نقاشی ها اتخاذ شد.

یکی از ویژگی های بارز امپرسیونیسم، تثبیت ظریف ترین تأثیرات زودگذر، به شیوه ای خاص برای بازتولید محیط نور با کمک موزاییک پیچیده ای از رنگ های خالص، ضربات تزئینی گذرا بود.

جالب است که در ابتدای جستجوی خود، هنرمندان از یک سیانومتر استفاده کردند - ابزاری برای تعیین آبی بودن آسمان. رنگ سیاه از پالت حذف شد، با سایه های رنگی دیگری جایگزین شد، که باعث می شد حال و هوای آفتابی نقاشی ها خراب نشود.

امپرسیونیست ها بر آخرین اکتشافات علمی زمان خود تمرکز کردند. تئوری رنگ شورل و هلمهولتز به موارد زیر خلاصه می شود: یک پرتو خورشید به رنگ های تشکیل دهنده خود تقسیم می شود و بر این اساس، دو رنگ قرار داده شده روی بوم جلوه تصویری را افزایش می دهند و هنگامی که رنگ ها با هم مخلوط می شوند، شدت خود را از دست می دهند.

زیبایی شناسی امپرسیونیسم تا حدی به عنوان تلاشی برای رهایی قاطعانه از قراردادهای کلاسیک در هنر، و همچنین از نمادگرایی مداوم و متفکر نقاشی رمانتیک متاخر شکل گرفت، که همه را به دیدن ایده های رمزگذاری شده دعوت می کرد که نیاز به تفسیر دقیق داشتند. . امپرسیونیسم نه تنها مدعی زیبایی واقعیت روزمره بود، بلکه تثبیت فضایی رنگارنگ، بدون تفصیل یا تفسیر، جهان را به عنوان یک پدیده نوری همیشه در حال تغییر به تصویر می‌کشید.

هنرمندان امپرسیونیست یک سیستم هوای کامل ایجاد کردند. پیشگامان این ویژگی های سبکینقاشان منظره ای بودند که از مکتب باربیزون آمده بودند که نمایندگان اصلی آن کامیل کوروت و جان کنستبل بودند.

کار در فضای باز فرصت بیشتری برای ثبت کوچکترین تغییرات رنگی در زمان های مختلف روز می دهد.

کلود مونه چندین سری نقاشی با موضوع مشابه خلق کرد، به عنوان مثال، کلیسای جامع روئن (مجموعه 50 نقاشی)، انبار کاه (مجموعه 15 نقاشی)، حوضچه با نیلوفرهای آبی و غیره. شاخص اصلی این مجموعه ها وجود داشت. تغییر در نور و رنگ ها در تصویر یک شیء که در زمان های مختلف روز نوشته شده است.

یکی دیگر از دستاوردهای امپرسیونیسم توسعه یک سیستم نقاشی اصلی است که در آن تن های پیچیده به رنگ های خالص تجزیه می شوند که با ضربات جداگانه منتقل می شوند. هنرمندان رنگ‌ها را روی پالت با هم ترکیب نکردند، اما ترجیح دادند که خطوط را مستقیماً روی بوم اعمال کنند. این تکنیک به نقاشی ها وحشت، تنوع و تسکین خاصی بخشید. آثار هنرمندان مملو از رنگ و نور بود.

نمایشگاه 15 آوریل 1874 در پاریس حاصل دوره شکل گیری و ارائه یک جریان جدید به عموم مردم بود. این نمایشگاه در استودیوی عکاس فلیکس نادار در بلوار des Capucines مستقر شد.

نام "امپرسیونیسم" پس از نمایشگاهی که نقاشی مونه "Impression" را به نمایش گذاشته بود، به وجود آمد. طلوع خورشید". لروی منتقد در نقد خود در شریوری توصیفی بازیگوش از نمایشگاه 1874 ارائه می دهد و کار مونه را نمونه می داند. منتقد دیگری، موریس دنیس، امپرسیونیست ها را به خاطر نداشتن فردیت، احساس و شعر سرزنش کرد.

در اولین نمایشگاه حدود 30 هنرمند آثار خود را به نمایش گذاشتند. این بیشترین تعداد در مقایسه با نمایشگاه های بعدی تا سال 1886 بود.

در مورد بازخورد مثبت جامعه روسیه نمی توان گفت. هنرمندان روسی و منتقدان دموکراتیک، که همیشه علاقه زیادی به زندگی هنری فرانسه داشتند - I. V. Kramskoy، I. E. Repin و V. V. Stasov - از اولین نمایشگاه از دستاوردهای امپرسیونیست ها بسیار قدردانی کردند.

مرحله جدید در تاریخ هنر، که با نمایشگاه 1874 آغاز شد، یک انفجار ناگهانی گرایشات انقلابی نبود - بلکه اوج یک پیشرفت آرام و مداوم بود.

علیرغم اینکه همه استادان بزرگ گذشته در توسعه اصول امپرسیونیسم سهیم بوده اند، ریشه های بی واسطه جریان را می توان به راحتی در بیست سال قبل از نمایشگاه تاریخی یافت.

به موازات نمایشگاه‌های سالن، نمایشگاه‌های امپرسیونیست‌ها شتاب بیشتری می‌گرفت. آثار آنها روندهای جدیدی را در نقاشی نشان داد. این یک سرزنش برای فرهنگ سالن و سنت های نمایشگاهی بود. در آینده، هنرمندان امپرسیونیست توانستند طرفداران گرایش های جدید در هنر را به سمت خود جذب کنند.

دانش نظری و فرمول بندی امپرسیونیسم بسیار دیر شکل گرفت. هنرمندان تمرین بیشتر و آزمایشات خود را با نور و رنگ ترجیح می دادند. امپرسیونیسم، عمدتاً تصویری، میراث رئالیسم را ردیابی می کند، به وضوح جهت گیری ضد آکادمیک، ضد سالن و نصب تصویر واقعیت پیرامون آن زمان را بیان می کند. برخی از محققان خاطرنشان می کنند که امپرسیونیسم به شاخه خاصی از رئالیسم تبدیل شده است.

بی‌تردید در هنر امپرسیونیستی، مانند هر حرکت هنری که در دوران نقطه عطف و بحران سنت‌های قدیمی پدید می‌آید، گرایش‌های گوناگون و حتی متناقض با تمام تمامیت ظاهری‌اش در هم تنیده شدند.

ویژگی های اصلی در مضامین آثار هنرمندان، در ابزار بیان هنری بود. کتاب ایرینا ولادیمیروا درباره امپرسیونیست ها شامل چندین فصل است: "منظره، طبیعت، برداشت ها"، "شهر، مکان های ملاقات و جدایی"، "سرگرمی ها به عنوان یک روش زندگی"، "مردم و شخصیت ها"، "پرتره ها و خودنگاره ها" ، "طبیعت بی جان". همچنین تاریخچه خلقت و محل هر اثر را شرح می دهد.

در دوران اوج امپرسیونیسم، هنرمندان تعادلی هماهنگ بین واقعیت عینی و ادراک آن یافتند. هنرمندان سعی کردند هر پرتو نور، حرکت نسیم، تغییرپذیری طبیعت را به تصویر بکشند. برای حفظ طراوت نقاشی ها، امپرسیونیست ها یک سیستم تصویری اصلی ایجاد کردند که بعداً برای توسعه هنر در آینده بسیار مهم بود. با وجود گرایش های کلی در نقاشی، هر هنرمندی مسیر خلاقانه خود و ژانرهای اصلی در نقاشی را یافته است.

امپرسیونیسم کلاسیک توسط هنرمندانی مانند ادوارد مانه، کلود مونه، پیر آگوست رنوار، ادگار آلفرد سیسلی، کامیل پیسارو، ژان فردریک باسیل، برت موریسو، ادگار دگا نشان داده شده است.

سهم برخی از هنرمندان در شکل گیری امپرسیونیسم را در نظر بگیرید.

ادوارد مانه (1832-1883)

مانه اولین درس های نقاشی خود را از T. Couture دریافت کرد که به لطف آن هنرمند آینده بسیاری از مهارت های حرفه ای لازم را به دست آورد. مانه به دلیل عدم توجه مناسب معلم به شاگردانش، آتلیه استاد را رها می کند و به خودآموزی می پردازد. او از نمایشگاه ها در موزه ها بازدید می کند، شکل گیری خلاقانه او بسیار تحت تأثیر استادان قدیمی، به ویژه اساتید اسپانیایی قرار گرفت.

در دهه 1860، مانه دو اثر نوشت که اصول اولیه سبک هنری او را نشان می دهد. لولا از والنسیا (1862) و فلوتیست (1866) مانه را به عنوان هنرمندی نشان می دهند که شخصیت مدل را از طریق رندر رنگ آشکار می کند.

ایده های او در مورد تکنیک قلم مو و نگرش به رنگ توسط دیگر نقاشان امپرسیونیست پذیرفته شد. در دهه 1870، مانه به پیروان خود نزدیک شد و بدون رنگ مشکی بر روی پالت به طور کامل کار کرد. ظهور امپرسیونیسم نتیجه تکامل خلاقانه خود مانه بود. امپرسیونیست ترین نقاشی های مانه در قایق (1874) و کلود مونه در قایق (1874) است.

مانه همچنین پرتره های بسیاری از خانم های سکولار، بازیگران، مدل ها، زنان زیبا نقاشی کرد. در هر پرتره، منحصر به فرد بودن و فردیت مدل منتقل شد.

اندکی قبل از مرگش، مانه یکی از شاهکارهای خود را می نویسد - "Bar Folies-Bergere" (1881-1882). این تصویر چندین ژانر را به طور همزمان ترکیب می کند: پرتره، طبیعت بی جان، صحنه خانگی.

N. N. Kalitina می نویسد: "جادوی هنر مانه به گونه ای است که دختر در برابر محیط مقاومت می کند که به لطف آن حال و هوای او به وضوح آشکار می شود و در عین حال بخشی است؛ زیرا کل پس زمینه ، به طور مبهم حدس زده شده ، نامشخص ، آشفته است. همچنین در رنگ های آبی-سیاه، آبی-سفید، زرد حل می شود.

کلود مونه (1840-1926)

کلود مونه رهبر بلامنازع و بنیانگذار امپرسیونیسم کلاسیک بود. ژانر اصلی نقاشی او منظره بود.

مونه در جوانی به کاریکاتور و کاریکاتور علاقه داشت. اولین الگوهای کار او معلمان، رفقای او بودند. برای نمونه از کاریکاتور در روزنامه ها و مجلات استفاده کرد. او نقاشی‌های ای. کارژ، شاعر و کاریکاتوریست، دوست گوستاو کوبره را در Golois کپی کرد.

در کالج، مونه توسط ژاک فرانسوا هاشار تدریس می شد. اما منصفانه است که به تأثیر مونه بودین توجه داشت که از این هنرمند حمایت کرد، به او توصیه کرد و او را برای ادامه کار تشویق کرد.

در نوامبر 1862 در پاریس، مونه تحصیلات خود را در پاریس نزد Gleyre ادامه داد. به لطف این، مونه در استودیوی خود با باسیل، رنوار، سیسلی ملاقات کرد. هنرمندان جوان در حال آماده شدن برای ورود به مدرسه هنرهای زیبا بودند و به معلم خود احترام می‌گذاشتند، معلمی که برای درس‌هایش کم می‌گرفت و نصیحت می‌کرد.

مونه نقاشی های خود را نه به عنوان یک داستان، نه به عنوان تصویری از یک ایده یا موضوع خلق کرد. نقاشی او مانند زندگی اهداف مشخصی نداشت. او جهان را بدون تمرکز بر جزئیات دید، بر روی برخی از اصول، به "دید منظر" (اصطلاح مورخ هنر A. A. Fedorov-Davidov) رفت. مونه برای بی پیرنگی، تلفیقی از ژانرها روی بوم تلاش کرد. ابزار اجرای نوآوری های او طرح هایی بود که قرار بود به نقاشی های تمام شده تبدیل شوند. همه طرح ها از طبیعت کشیده شده اند.

او مراتع و تپه ها و گل ها و صخره ها و باغ ها و خیابان های روستا و دریا و سواحل و خیلی چیزهای دیگر را نقاشی می کرد و در ساعات مختلف روز به تصویر طبیعت روی آورد. او اغلب یک مکان را در زمان‌های مختلف نقاشی می‌کرد، بنابراین چرخه‌های کاملی از آثارش ایجاد می‌کرد. اصل کار او نه تصویر اشیاء در تصویر، بلکه انتقال دقیق نور بود.

در اینجا چند نمونه از کارهای این هنرمند وجود دارد - "مزرعه خشخاش در آرژانتوی" (1873)، "قورباغه" (1869)، "برکه با نیلوفرهای آبی" (1899)، "انباشته گندم" (1891).

پیر آگوست رنوار (1841-1919)

رنوار یکی از استادان برجسته پرتره سکولار است، علاوه بر این، او در ژانرهای منظره، صحنه خانگی، طبیعت بی جان کار می کرد.

ویژگی کار او علاقه به شخصیت یک فرد، افشای شخصیت و روح او است. رنوار در بوم هایش سعی می کند بر احساس پر بودن هستی تاکید کند. این هنرمند توسط سرگرمی ها و تعطیلات جذب می شود، او توپ ها را نقاشی می کند، با حرکت آنها و شخصیت های مختلف راه می رود، می رقصد.

اکثر آثار قابل توجههنرمند - "پرتره بازیگر زن ژان سامری"، "چترها"، "حمام کردن در سن" و غیره.

جالب است که رنوار به واسطه موسیقیایی اش متمایز بود و در کودکی در گروه کر کلیسا زیر نظر آهنگساز و معلم برجسته شارل گونود در پاریس در کلیسای جامع سنت یوستا می خواند. سی گونود اکیداً توصیه کرد که این پسر موسیقی بخواند. اما در همان زمان ، رنوار استعداد هنری خود را کشف کرد - از 13 سالگی او قبلاً یاد گرفت که چگونه ظروف چینی را نقاشی کند.

درس های موسیقی بر شکل گیری شخصیت این هنرمند تأثیر گذاشت. تعدادی از آثار او مربوط به مضامین موسیقی است. آنها نواختن پیانو، گیتار، ماندولین را منعکس کردند. اینها نقاشی های "درس گیتار"، "زن جوان اسپانیایی با گیتار"، "بانوی جوان در پیانو"، "زنی در حال نواختن گیتار"، "درس پیانو" و غیره هستند.

ژان فردریک باسیل (1841-1870)

به گفته دوستان هنرمندش، باسیل امیدوارکننده ترین و برجسته ترین امپرسیونیست بود.

آثار او با رنگ های روشن و معنویت تصاویر متمایز می شوند. پیر آگوست رنوار، آلفرد سیسلی و کلود مونه تأثیر زیادی در مسیر خلاقیت او داشتند. آپارتمان ژان فردریک برای نقاشان تازه کار نوعی آتلیه و مسکن بود.

ریحان بیشتر با هوای معمولی نقاشی می‌کرد. ایده اصلی کار او تصویر انسان در پس زمینه طبیعت بود. اولین قهرمانان او در نقاشی ها دوستان هنرمندش بودند. بسیاری از امپرسیونیست ها علاقه زیادی به نقاشی یکدیگر در آثار خود داشتند.

فردریک بازیل سیر امپرسیونیسم رئالیستی را در آثار خود مشخص کرد. معروف‌ترین نقاشی او، اتحاد خانواده (1867)، زندگی‌نامه‌ای است. این هنرمند اعضای خانواده خود را بر روی آن به تصویر کشیده است. این اثر در سالن ارائه شد و مورد تایید مردم قرار گرفت.

در سال 1870، این هنرمند در جنگ پروس و فرانسه درگذشت. پس از مرگ این هنرمند، دوستان هنرمند او سومین نمایشگاه امپرسیونیست ها را ترتیب دادند که در آن بوم های نقاشی او نیز به نمایش گذاشته شد.

کامیل پیسارو (1830-1903)

کامیل پیسارو یکی از بزرگترین نمایندگان نقاشان منظره پس از سی مونه است. آثار او دائماً در نمایشگاه های امپرسیونیست ها به نمایش گذاشته می شد. پیسارو در آثار خود ترجیح می داد مزارع شخم زده را به تصویر بکشد. زندگی دهقانیو کار نقاشی های او با ساختار فرم ها و وضوح ترکیب متمایز بود.

بعدها این هنرمند شروع به نقاشی و نقاشی با موضوعات شهری کرد. کالیتینا در کتاب خود خاطرنشان می کند: "او از پنجره های طبقات بالا یا از بالکن ها به خیابان های شهر نگاه می کند، بدون اینکه آنها را در ترکیب بندی ها وارد کند."

این هنرمند تحت تأثیر ژرژ پیر سورات به سمت پوینتیلیسم رفت. این تکنیک شامل تحمیل هر ضربه به طور جداگانه، گویی نقطه گذاری است. اما چشم اندازهای خلاقانه در این زمینه محقق نشد و پیسارو به امپرسیونیسم بازگشت.

معروف ترین نقاشی های پیسارو بلوار مونمارتر است. بعد از ظهر، آفتابی، «گذرگاه اپرا در پاریس»، «مکان تئاتر فرانسوی در پاریس»، «باغ در پونتوا»، «درو»، «هی‌سازی» و غیره.

آلفرد سیسلی (1839-1899)

ژانر اصلی نقاشی آلفرد سیسلی منظره بود. در آثار اولیه او عمدتاً می توان تأثیر K. Corot را دید. به تدریج در روند کار مشترک با سی مونه، جی اف باسیل، پی او رنوار، رنگ های روشن در آثار او ظاهر می شوند.

هنرمند با بازی نور، تغییر حالت جو جذب می شود. سیسلی چندین بار به یک منظره اشاره کرد و آن را در زمان های مختلف روز به تصویر کشید. این هنرمند در آثار خود به تصویر آب و آسمان که هر ثانیه تغییر می کرد، اولویت می داد. این هنرمند با کمک رنگ توانست به کمال برسد، هر سایه در آثار او نوعی نمادگرایی را به همراه دارد.

معروف ترین آثار او: "کوچه روستا" (1864)، "یخبندان در لووسین" (1873)، "منظره مونمارتر از جزیره گل" (1869)، "برف اولیه در لووسین" (1872)، "پل". در Argenteuil" (1872).

ادگار دگا (1834-1917)

ادگار دگا هنرمندی است که فعالیت خلاقانه خود را با تحصیل در دانشکده هنرهای زیبا آغاز کرد. او از هنرمندان رنسانس ایتالیا الهام گرفت که به طور کلی بر آثار او تأثیر گذاشت. در آغاز، دگا نقاشی‌های تاریخی می‌کشید، به عنوان مثال، «دختران اسپارتی، جوانان اسپارتی را به رقابت می‌کشند. (1860). ژانر اصلی نقاشی او پرتره است. هنرمند در آثار خود بر سنت های کلاسیک تکیه می کند. او آثاری را خلق می کند که با حس عمیق زمان خود مشخص شده است.

دگا بر خلاف همکارانش، دیدگاه شاد و باز نسبت به زندگی و چیزهای ذاتی امپرسیونیسم را ندارد. هنرمند به سنت انتقادی هنر نزدیکتر است: دلسوزی برای سرنوشت انسان عادی، توانایی دیدن روح مردم، دنیای درونی آنها، ناسازگاری، تراژدی.

برای دگا، اشیا و فضای داخلی اطراف یک فرد نقش مهمی در ایجاد یک پرتره دارند. در اینجا چند اثر به عنوان نمونه آورده شده است: "Desiree Dio با ارکستر" (1868-1869)، "پرتره یک زن" (1868)، "زوج موربیلی" (1867)، و غیره.

اصل پرتره در آثار دگا را می توان در کل زندگی حرفه ای او دنبال کرد. در دهه 1870، این هنرمند جامعه فرانسه، به ویژه پاریس را در آثار خود با شکوه کامل به تصویر می کشد. به نفع هنرمند - زندگی شهری در حرکت. «حرکت برای او یکی از مهمترین جلوه های زندگی بود و توانایی هنر در انتقال آن مهم ترین فتح بود. نقاشی مدرن"- می نویسد N.N. کالیتینا.

در این دوره از زمان، نقاشی هایی مانند "ستاره" (1878)، "خانم لولا در سیرک فرناندو"، "مسابقه اپسوم" و دیگران خلق شد.

دور جدید خلاقیت دگا علاقه او به باله است. او نشان می دهد زندگی پشت صحنهبالرین ها، در مورد آنها صحبت می کند کار سختو تمرین سخت اما، با وجود این، هنرمند موفق می شود در انتقال تصاویر خود هوای و سبکی پیدا کند.

در مجموعه نقاشی های باله دگا، دستاوردهایی در زمینه انتقال نور مصنوعی از نور پا قابل مشاهده است، آنها از استعداد رنگارنگی هنرمند صحبت می کنند. اکثر نقاشی های معروف"رقصندگان آبی" (1897)، "کلاس رقص" (1874)، "رقصنده با یک دسته گل" (1877)، "رقصندگان صورتی" (1885) و دیگران.

دگا در اواخر عمرش به دلیل زوال بینایی اش دست خود را در مجسمه سازی امتحان می کند. همان بالرین ها، زنان، اسب ها تبدیل به اشیاء او می شوند. دگا در مجسمه سازی سعی در انتقال حرکت دارد و برای قدردانی از مجسمه باید آن را از زوایای مختلف در نظر گرفت.