نقاشی شوروی - تاریخ هنر معاصر. دایره المعارف مدرسه عکس های قدیمی 20 دهه 30

این بخش نقاشی های هنرمندان شوروی را ارائه می دهد، نقاشی های ژانرهای مختلف جمع آوری شده است: در اینجا می توانید منظره و طبیعت بی جان، پرتره و صحنه های ژانرهای مختلف را بیابید.

نقاشی شوروی در حال حاضر محبوبیت زیادی در بین حرفه ای ها و هنردوستان به دست آورده است: نمایشگاه ها و حراج های متعددی در حال برگزاری است. در بخش ما از نقاشی شوروی، می توانید یک تصویر را نه تنها برای تزئین داخلی، بلکه برای مجموعه انتخاب کنید. بسیاری از آثار دوران رئالیسم سوسیالیستی دارای اهمیت تاریخی هستند: به عنوان مثال، مناظر شهری ظاهر گمشده مکان های آشنا را از دوران کودکی برای ما حفظ کرده است: در اینجا مناظری از مسکو، لنینگراد و سایر شهرهای اتحاد جماهیر شوروی سابق را خواهید دید.

صحنه های ژانر از جذابیت خاصی برخوردار است: مانند فیلم های خبری مستند، آنها ویژگی های زندگی یک فرد شوروی را ثبت کردند. پرتره های این زمان نیز کاملاً حال و هوای دوران را منتقل می کند ، در مورد افراد حرفه ها و سرنوشت های مختلف می گوید: اینجا کارگران و زنان دهقان و رهبران نظامی و البته رهبران پرولتاریا هستند. پرتره های کودکان از دوران رئالیسم سوسیالیستی تجسم مستقیم مفهوم "کودکی شاد" است. این سایت همچنین به طور گسترده ژانر منظره صنعتی را که مشخصه هنر شوروی است ارائه می دهد.

کارشناسان ما به شما کمک می کنند تا یک تابلوی نقاشی مناسب را انتخاب کنید یا آثاری از مجموعه خود را در وب سایت ما بفروشید.

دسته عتیقه جات "هنر زیبای شوروی" بیش از 2 هزار اثر مختلف از استادان را از دوره انقلاب 1917 تا 1991 ارائه می دهد. پدیدآورندگان این دوره به شدت تحت تأثیر تفکر ایدئولوژیک رسمی بودند که در بسیاری از آثار موضوعی ارائه شده در این فهرست منعکس شده است. هنر به مردم عادی نزدیکتر شده است، همانطور که توسط پرتره های منحصر به فرد کارگران عادی، پیشگامان، اعضای کومسومول گواه است. این آثار است که فروشگاه عتیقه فروشی در صفحات خود ارائه می دهد.

موضوعات نظامی به حوزه ای جداگانه از هنر اختراعی شوروی تبدیل شده است. چنین عتیقه‌هایی نه تنها از نظر تکنیک اجرا، بلکه به دلیل خود تاریخ نمایش داده شده روی بوم نیز ارزشمند هستند. هزینه هر بوم بسته به عوامل مهم زیر به صورت جداگانه تعیین می شود:

• منحصر به فرد بودن طرح آن؛
• جهت موضوعی؛
• تکنیک نوشتن انتخاب شده و کیفیت اجرای آن.

"یک تابلوی نقاشی بخرید" به کاربران فرصتی بی نظیر می دهد تا عتیقه های آن زمان را با قیمت های مقرون به صرفه خریداری کنند. این نقاشی ها احساسات و تجربیات یک فرد شوروی را کاملاً منتقل می کند و زندگی روزمره او را منعکس می کند. به کاربر عتیقه هایی ارائه می شود که نیروهای محرک بزرگ اتحاد جماهیر شوروی را به تصویر می کشد، پوسترهایی با شعارهای شناخته شده در سراسر کشور، طبیعت بی جان، تصاویر کتاب ها، آثار گرافیکی و البته مناظر زیبا از مناطق مختلف کشور شوروی.

در مغازه عتیقه فروشی می توانید نقاشی های سنتی آن دوره را پیدا کنید. بسیاری از هنرمندان شوروی در ژانر رئالیسم کار می کردند و از دهه 60 ، جهت "سبک شدید" محبوب شد. نقاشی های طبیعت بی جان با موضوعات مختلف نیز بسیار محبوب بودند. این قبیل عتیقه ها نیز در سایت ارائه می شوند و می توانید تمامی پیشنهادات را مشاهده کنید.

شایان ذکر است که پوسترهایی با موضوعات سیاسی به نوع جداگانه ای از هنرهای زیبای دوره شوروی تبدیل شده است. نقش مهم اجتماعی و ایدئولوژیک داشتند. این عتیقه جات تا به امروز باقی مانده است، برخی از نمونه ها در دسته بندی مربوطه "خرید یک نقاشی" ارائه شده است. مناظر زیبای استادان برجسته شوروی از ارزش هنری بالایی برخوردار است؛ امروزه آنها بهترین گالری های داخلی را تزئین می کنند. در کاتالوگ می توانید نمونه های آنها را بیابید و خرید کنید.

در سال 1934، در اولین کنگره سراسری نویسندگان شوروی، ماکسیم گورکی اصول اساسی رئالیسم اجتماعی را به عنوان روشی در ادبیات و هنر شوروی تدوین کرد. این لحظه آغاز دوره جدیدی از هنر شوروی با کنترل ایدئولوژیک و طرح های تبلیغاتی شدیدتر است.

اصول اساسی:

• - ملیت به عنوان یک قاعده، قهرمانان آثار رئالیستی سوسیالیستی کارگران شهر و روستا، کارگران و دهقانان، نمایندگان روشنفکران فنی و پرسنل نظامی، بلشویک ها و افراد غیر حزبی بودند.
• - ایدئولوژی زندگی مسالمت آمیز مردم، جستجوی راه هایی برای زندگی جدید، بهتر، اقدامات قهرمانانه برای دستیابی به زندگی شاد برای همه مردم را نشان دهید.
• - اختصاصی. در تصویر واقعیت، روند توسعه تاریخی را نشان دهید که به نوبه خود باید با درک مادی تاریخ مطابقت داشته باشد (مردم در روند تغییر شرایط وجودی خود آگاهی و نگرش خود را نسبت به واقعیت اطراف تغییر می دهند).

در سالهای پس از این قطعنامه کمیته مرکزی حزب کمونیست اتحاد بلشویکها در مورد تجدید ساختار سازمانهای ادبی و هنری، تعدادی رویداد مهم با هدف توسعه هنر در جهت مورد نیاز دولت برگزار شد. اعمال سفارشات دولتی، سفرهای تجاری خلاقانه، نمایشگاه های موضوعی و سالگرد در مقیاس بزرگ در حال گسترش است. هنرمندان شوروی برای آینده VDNKh آثار زیادی (پانل، یادبود، تزئینی) خلق می کنند. این به معنای مرحله مهمی در احیای هنر یادبود به عنوان یک هنر مستقل بود. در این آثار، آشکار شد که جذب هنر شوروی به آثار تاریخی تصادفی نیست، بلکه منعکس کننده "چشم انداز بزرگ برای توسعه یک جامعه سوسیالیستی" است.

در سال 1918، لنین، در گفتگو با K. Zetkin، وظایف هنر را در جامعه شوروی تعریف کرد: «هنر متعلق به مردم است. این باید عمیق ترین ریشه های خود را در اعماق توده های گسترده کارگر داشته باشد. باید توسط این توده ها درک شود و مورد علاقه آنها باشد. باید احساس، فکر و اراده این توده ها را متحد کند، آنها را بالا ببرد. این باید هنرمندان را در آنها بیدار کند و آنها را توسعه دهد."

در دوره مورد بررسی، همراه با حوزه های هنری موجود، چندین مورد اساساً جدید ظاهر شد، به عنوان مثال، آوانگارد.

در چارچوب سبک یادگاری، مجسمه سازی بیشترین علاقه را دارد. مانند تمام گرایش های دیگر در هنر شوروی، مجسمه سازی آن دوره دارای تمرکز تحریک آمیز و محتوای میهن پرستانه در طرح ها بود. طرح لنین برای تبلیغات یادبود، که در سال 1918 به تصویب رسید، برای توسعه مجسمه سازی از اهمیت زیادی برخوردار بود و بر اساس این طرح، بناهای یادبود ترویج ارزش های انقلابی جدید در سراسر کشور نصب می شد. مجسمه سازان برجسته در کار نقش داشتند: N.A. آندریف (که بعدها خالق مجسمه لنینیانا شد). یکی دیگر از مجسمه سازان برجسته این دوره ایوان شادر است. او در سال 1922 مجسمه های "کارگر"، "بذرکار"، "دهقان"، "ارتش سرخ" را ساخت. اصالت روش او تعمیم تصویر بر اساس یک طرح ژانر خاص، مدل سازی قدرتمند حجم ها، بیان حرکت، ترحم عاشقانه است. برجسته‌ترین اثر او «سنگ‌فرش ابزار پرولتاریا است. 1905" (1927). در همان سال، در قلمرو یک نیروگاه برق آبی در قفقاز، ZAGES بنای یادبودی برای لنین از کار خود - "یکی از بهترین ها" برپا کرد. ورا موخینا نیز به عنوان استاد در دهه 20 شکل گرفت. در این دوره، او پروژه ای برای بنای یادبود "کار آزاد شده" (1920، حفظ نشده)، "زن دهقان" (1927) ایجاد می کند. از استادان بالغ تر، کار سارا لبدوا، که پرتره ها را خلق کرد، مورد توجه قرار گرفته است. او در درک خود از فرم، سنت ها و تجربه امپرسیونیسم را در نظر می گیرد. الکساندر ماتویف با وضوح کلاسیک در درک اساس سازنده شکل پذیری، هماهنگی توده های مجسمه سازی و نسبت حجم ها در فضا ("زن درآوردن لباس"، "زنی که کفش می پوشد") و همچنین معروف "اکتبر" مشخص می شود. (1927)، که در آن 3 مرد برهنه در ترکیب گنجانده شده است. چهره ها - ترکیبی از سنت های کلاسیک و ایده آل "مرد دوران انقلاب" (ویژگی ها - داس، چکش، بودنوفکا).

اشکال هنری که قادر به «زندگی» در خیابان ها در سال های اول پس از انقلاب بودند، نقش مهمی در «شکل دادن آگاهی اجتماعی و زیبایی شناختی مردم انقلابی» داشتند. بنابراین، همراه با مجسمه های یادبود، پوستر سیاسی فعال ترین توسعه را دریافت کرد. معلوم شد که متحرک ترین و عملیاتی ترین شکل هنری است. در طول جنگ داخلی، این ژانر با ویژگی های زیر مشخص شد: "تیزبینی ارائه مطالب، واکنش آنی به رویدادهای به سرعت در حال تغییر، جهت گیری تبلیغاتی، که به لطف آن ویژگی های اصلی زبان پلاستیکی پوستر بود. شکل گرفت. معلوم شد که آنها لاکونیسم، متعارف بودن تصویر، وضوح شبح و ژست هستند. پوسترها بسیار متداول بودند که در تعداد زیاد چاپ می شدند و در همه جا نصب می شدند. جایگاه ویژه ای در توسعه پوستر توسط ROSTA Windows of Satire اشغال شده است که در آن چرمنیخ ، میخائیل میخائیلوویچ و ولادیمیر مایاکوفسکی نقش برجسته ای داشتند. اینها پوسترهای شابلون، دست رنگ و با کتیبه های شاعرانه در موضوع روز است. آنها نقش بزرگی در تبلیغات سیاسی ایفا کردند و به شکل فیگوراتیو جدیدی تبدیل شدند. طراحی هنری جشن ها یکی دیگر از پدیده های جدید هنر شوروی است که سنت نداشت. این تعطیلات شامل سالگرد انقلاب اکتبر، 1 مه، 8 مارس و سایر تعطیلات شوروی بود. این یک هنر غیر سنتی جدید ایجاد کرد که به نقاشی فضا و کارکرد جدیدی داد. برای تعطیلات، پانل های یادبودی ایجاد شد که با ترحم تبلیغاتی عظیمی مشخص می شد. هنرمندان طرح هایی را برای طراحی میدان ها و خیابان ها خلق کردند.

افراد زیر در طراحی این تعطیلات شرکت کردند: پتروف-ودکین، کوستودیف، ای. لانسر، اس. وی. گراسیموف.

تاریخ هنر شوروی، استادان نقاشی شوروی این دوره را به دو گروه تقسیم کرد:

• - هنرمندانی که به دنبال این بودند که توطئه ها را به زبان تصویری معمول نمایش واقعی تصویر کنند.
• - هنرمندانی که ادراک پیچیده تر و مجازی تری از مدرنیته به کار می بردند.

آنها تصاویر نمادینی را خلق کردند که در آن سعی کردند برداشت "شاعرانه، الهام گرفته" خود را از دوران در حالت جدید آن بیان کنند. کنستانتین یوون یکی از اولین آثار اختصاص داده شده به تصویر انقلاب (سیاره جدید، 1920، گالری دولتی ترتیاکوف) را ایجاد کرد، جایی که این رویداد در مقیاس جهانی و کیهانی تفسیر می شود. پتروف-ودکین در سال 1920 نقاشی "1918 در پتروگراد (پتروگراد مدونا)" را خلق کرد و مشکلات اخلاقی و فلسفی آن زمان را در آن حل کرد. همانطور که اعتقاد بر این بود، آرکادی رایلوف در چشم انداز خود "در فضای آبی" (1918) نیز به طور نمادین می اندیشد و "نفس آزاد بشریت را بیان می کند، فرار به پهنه های وسیع جهان، به اکتشافات عاشقانه، به تجربیات آزاد و قوی. "

گرافیک نیز تصاویر جدیدی را نشان می دهد. نیکولای کوپریانوف "در تکنیک پیچیده حکاکی روی چوب به دنبال بیان برداشت های خود از انقلاب است" ("ماشین های زرهی" ، 1918؛ "رگبار شفق قطبی" ، 1920). در دهه 1930، نقاشی یادبود به بخشی ضروری از کل فرهنگ هنری تبدیل شد. به توسعه معماری بستگی داشت و محکم با آن در ارتباط بود. سنت های پیش از انقلاب در آن زمان توسط هنرمند سابق دنیای هنر، اوگنی لانسر، ادامه یافت - نقاشی سالن رستوران ایستگاه کازان (1933) ولع او را برای یک فرم باروک متحرک نشان می دهد. از صفحه سقف می شکند و فضا را به بیرون گسترش می دهد. دینکا، که در این زمان نیز سهم زیادی در نقاشی یادبود دارد، به شیوه ای متفاوت کار می کند. موزاییک های او در ایستگاه مایاکوفسکایا (1938) با استفاده از سبک مدرن ایجاد شد: وضوح ریتم، پویایی نقاط رنگارنگ محلی، انرژی زوایا، متعارف بودن تصویر چهره ها و اشیاء. موضوعات بیشتر ورزشی است. فاورسکی، یک گرافیست مشهور، نیز در نقاشی یادبود سهمی داشت: او سیستم ساخت فرم خود را که در تصویرسازی کتاب توسعه داده بود، برای کارهای جدید به کار برد. نقاشی های او در موزه مادری و نوزادی (1933، همراه با لو برونی) و خانه مدل ها (1935) نشان دهنده درک او از نقش هواپیما، ترکیب نقاشی دیواری با معماری بر اساس تجربه نقاشی باستانی روسیه است. (هر دو اثر باقی نمانده است).

کنستراکتیویسم به سبک غالب در معماری دهه 1920 تبدیل شد.

سازنده ها سعی کردند از امکانات فنی جدید برای ایجاد اشکال ساده، منطقی، توجیه عملکردی، طرح های مصلحتی استفاده کنند. نمونه ای از معماری سازه گرایی شوروی پروژه های برادران وسنین است. باشکوه ترین آنها - کاخ کار هرگز عملی نشد، اما تأثیر قابل توجهی در توسعه معماری داخلی داشت. متأسفانه بناهای معماری نیز از بین رفتند: فقط در دهه 30. در مسکو، برج سوخارف، کلیسای جامع مسیح منجی، صومعه معجزه در کرملین، دروازه سرخ و صدها کلیسای مبهم شهری و روستایی که بسیاری از آنها دارای ارزش تاریخی و هنری بودند، ویران شدند.

در ارتباط با ماهیت سیاسی هنر شوروی، انجمن ها و گروه های هنری بسیاری با پلت فرم ها و مانیفست های خاص خود ایجاد می شوند. هنر در جستجو بود و متنوع بود. گروه بندی های اصلی AHRR، OST و همچنین "4 هنر" بودند. انجمن هنرمندان انقلابی روسیه در سال 1922 تأسیس شد. هسته اصلی آن از سرگردانان سابق تشکیل شده بود که شیوه آنها تأثیر زیادی بر رویکرد گروه داشت - زبان نوشتاری روزمره واقع گرایانه واندرزهای متاخر، "رفتن به سوی مردم" و نمایشگاه های موضوعی. علاوه بر مضامین نقاشی ها (که توسط انقلاب دیکته شده است)، سازمان AHRR با سازماندهی نمایشگاه های موضوعی مانند "زندگی و زندگی کارگران"، "زندگی و زندگی ارتش سرخ" مشخص شد.

استادان و آثار اصلی گروه: ایزاک برادسکی ("سخنرانی لنین در کارخانه پوتیلوف"، "لنین در اسمولنی")، گئورگی ریاژسکی ("نماینده"، 1927؛ "رئیس"، 1928)، نقاش پرتره سرگئی مالیوتین (" پرتره فورمانوف، 1922)، آبرام آرخیپوف، افیم چپتسف ("ملاقات دهکده"، 1924)، واسیلی یاکولف ("حمل و نقل در حال بهتر شدن است"، 1923)، میتروفان گرکوف ("تاچانکا"، 1925، بعدا "به سوی کوبان" و "ترومپتازان اولین سواره نظام"، 1934). انجمن هنرمندان Easel که در سال 1925 تأسیس شد، شامل هنرمندانی بود که دیدگاه‌های محافظه‌کارانه کمتری از نظر نقاشی داشتند، عمدتاً دانشجویان VKHUTEMAS. اینها عبارتند از: ویلیامز "قیام هامبورگ")، دینکا ("در ساخت کارگاه های جدید"، 1925؛ "پیش از فرود در معدن"، 1924؛ "دفاع از پتروگراد"، 1928)، لاباس لوچیشکین ("توپ پرواز کرد" "، "من زندگی را دوست دارم")، پیمنوف ("صنعت سنگین")، تایشلر، اشترنبرگ و دیگران. آنها از شعار احیاء و توسعه نقاشی سه پایه حمایت کردند، اما نه با رئالیسم، بلکه با تجربه اکسپرسیونیست های معاصر هدایت شدند. از موضوعاتی که آنها به صنعتی شدن، زندگی شهری و ورزش نزدیک بودند. انجمن چهار هنر توسط هنرمندانی که قبلا بخشی از دنیای هنر و رز آبی بودند، تأسیس شد که به فرهنگ و زبان نقاشی اهمیت می دادند. برجسته ترین اعضای انجمن: پاول کوزنتسوف، پتروف-ودکین، ساریان، فاورسکی و بسیاری از استادان برجسته دیگر. جامعه با پیشینه فلسفی با بیان پلاستیکی مناسب مشخص می شد. انجمن هنرمندان مسکو شامل اعضای سابق انجمن های نقاشان مسکو، ماکوتس و پیدایش، و همچنین اعضای جک الماس بود. فعال ترین هنرمندان: پیوتر کونچالوفسکی، ایلیا ماشکوف، لنتولوف، الکساندر کوپرین، رابرت فالک، واسیلی روژدستونسکی، اوسمرکین، سرگئی گراسیموف، نیکولای چرنیشف، ایگور گرابار. هنرمندان با استفاده از "جک الماس" انباشته شده و غیره نقاشی های "موضوعی" خلق کردند. روندهای مکتب آوانگارد خلاقیت این گروه ها نشانه ای از این واقعیت بود که آگاهی استادان نسل قدیم در تلاش برای انطباق با واقعیت های جدید بود. در دهه 1920، دو نمایشگاه در مقیاس بزرگ برگزار شد که روندها را تثبیت کرد - برای دهمین سالگرد اکتبر و ارتش سرخ، و همچنین "نمایشگاه هنر مردمان اتحاد جماهیر شوروی" (1927).

حوزه پیشرو توسعه ادبیات در دهه 20. بی شک شعر است از نظر شکل، زندگی ادبی تا حد زیادی ثابت مانده است. همانطور که در آغاز قرن، محافل ادبی لحن آن را تنظیم کردند، که بسیاری از آنها از دوران سخت خونین جان سالم به در بردند و در دهه 20 به فعالیت خود ادامه دادند: نمادگرایان، آینده پژوهان، آکمیست ها و غیره. محافل و انجمن های جدیدی به وجود آمد، اما رقابت بین آنها اکنون فراتر از حوزه های هنری هستند و اغلب رنگ و بوی سیاسی به خود می گیرند. انجمن های RAPP، Pereval، Serapionov Brothers و LEF بیشترین اهمیت را برای توسعه ادبیات داشتند.

RAPP (انجمن روسی نویسندگان پرولتاریا) در اولین کنفرانس سراسری نویسندگان پرولتاریا در سال 1925 شکل گرفت. این انجمن شامل نویسندگان (از مشهورترین A. Fadeev و D. Furmanov) و منتقدان ادبی بود. سلف RAPP، Proletkult، یکی از عظیم‌ترین سازمان‌هایی بود که در سال 1917 تأسیس شد. آنها تقریباً با تمام نویسندگانی که عضو سازمان آنها نبودند، به‌عنوان «دشمن طبقاتی» رفتار می‌کردند. در میان نویسندگانی که توسط اعضای RAPP مورد حمله قرار گرفتند، نه تنها A. Akhmatova، Z. Gippius، I. Bunin، بلکه حتی "خوانندگان انقلاب" شناخته شده ای مانند M. Gorky و V. Mayakovsky بودند. مخالفت ایدئولوژیک با RAPP را گروه ادبی "پاس" تشکیل می داد.

گروه برادران سراپیون در سال 1921 در خانه هنر پتروگراد ایجاد شد. این گروه شامل نویسندگان مشهوری مانند V. Ivanov، M. Zoshchenko، K. Fedin و دیگران بود.

LEF - جلوی سمت چپ هنرها. مواضع اعضای این سازمان (و. مایاکوفسکی، ن. آسیف، اس. آیزنشتاین و دیگران) بسیار متناقض است. آنها با تلفیق آینده نگری با نوآوری در روح پرلتکالت، ایده بسیار خارق العاده ای برای ایجاد نوعی هنر "مولد" به وجود آوردند که قرار بود در جامعه کارکرد سودمندی ایجاد فضای مطلوب برای تولید مادی را انجام دهد. هنر به عنوان عنصری از ساختار فنی، بدون هیچ گونه زیرمجموعه، داستان روانشناسی و غیره در نظر گرفته می شد.

برای توسعه ادبیات روسی قرن بیستم اهمیت زیادی دارد. کار شاعرانه V. Ya. Bryusov، E. G. Bagritsky، O. E. Mandelstam، B. L. Pasternak، D. Poor، شاعران "دهقان" را بازی کرد که درخشان ترین نماینده آنها دوست Yesenin N. A. Klyuev بود. یک صفحه خاص در تاریخ ادبیات روسیه آثار شاعران و نویسندگانی است که انقلاب را نپذیرفتند و مجبور به ترک کشور شدند. در میان آنها نام هایی مانند M. I. Tsvetaeva، Z. N. Gippius، I. A. Bunin، A. N. Tolstoy، V. V. Nabokov وجود دارد. برخی از آنها با درک عدم امکان زندگی دور از وطن خود ، متعاقباً بازگشتند (تسوتایوا ، تولستوی). گرایش های مدرنیستی در ادبیات خود را در آثار E. I. Zamyatin، نویسنده رمان دیستوپیایی فوق العاده "ما" (1924) نشان داد. ادبیات طنز دهه 20. نشان داده شده توسط داستان های M. Zoshchenko. رمان های نویسندگان مشترک I. Ilf (I. A. Fainzilberg) و E. Petrov (E. P. Kataev) "دوازده صندلی" (1928)، "گوساله طلایی" (1931) و غیره.

در دهه 30. چندین اثر بزرگ ظاهر شد که وارد تاریخ فرهنگ روسیه شد. شولوخوف رمان‌های «دان را آرام جریان می‌دهد»، «خاک بکر واژگون» را خلق می‌کند. آثار شولوخوف در سراسر جهان به رسمیت شناخته شد: برای شایستگی های ادبی او، جایزه نوبل به او اعطا شد. در دهه سی، ام گورکی آخرین رمان حماسی خود، زندگی کلیم سامگین را به پایان رساند. کار N. A. Ostrovsky نویسنده رمان "فولاد چگونه خیس شد" (1934) بسیار محبوب بود. A. N. تولستوی ("پیتر اول" 1929-1945) به یک رمان کلاسیک تاریخی شوروی تبدیل شد. دهه بیست و سی اوج شکوفایی ادبیات کودک بود. چندین نسل از مردم شوروی بر اساس کتاب های K. I. Chukovsky، S. Ya. Marshak، A. P. Gaidar، S. V. Mikhalkov، A. L. Barto، V. A. Kaverin، L. A. Kassil، V. P. Kataeva بزرگ شدند.

در سال 1928، م. ا.. بولگاکف، تحت آزار و اذیت انتقاد شوروی، بدون هیچ امیدی به انتشار، شروع به نوشتن بهترین رمان خود، استاد و مارگاریتا کرد. کار بر روی این رمان تا زمان مرگ نویسنده در سال 1940 ادامه یافت. این اثر تنها در سال 1966 منتشر شد. در اواخر دهه 80، آثار A.P. Platonov (Klimentov) Chevengur، Pit، Juvenile Sea منتشر شد. شاعران A. A. Akhmatova، B. L. Pasternak "روی میز" کار کردند. سرنوشت ماندلشتام (1891-1938) غم انگیز است. شاعری با قدرت خارق‌العاده و دقت فیگوراتیو عالی، از جمله نویسندگانی بود که با پذیرش انقلاب اکتبر در زمان خود، نتوانست در جامعه استالین کنار بیاید. در سال 1938 سرکوب شد.

در دهه 30. اتحاد جماهیر شوروی به تدریج شروع به حصار کشیدن خود از سایر نقاط جهان می کند. پشت «پرده آهنین» بسیاری از نویسندگان روسی بودند که علیرغم همه چیز به کار خود ادامه می دهند. نویسنده قدر اول شاعر و نثرنویس ایوان الکسیویچ بونین (1870-1953) بود. بونین از همان ابتدا انقلاب را نپذیرفت و به فرانسه مهاجرت کرد (داستان "عشق میتیا" ، رمان "زندگی آرسنیف" ، مجموعه داستان کوتاه "کوچه های تاریک"). در سال 1933 جایزه نوبل را دریافت کرد.

در اوایل دهه 30. وجود حلقه ها و گروه های خلاق آزاد به پایان رسید. در سال 1934، در اولین کنگره سراسری نویسندگان اتحاد جماهیر شوروی، "اتحادیه نویسندگان" تشکیل شد که همه افرادی که به کار ادبی مشغول بودند مجبور به عضویت در آن شدند. اتحادیه نویسندگان به ابزاری برای کنترل کامل قدرت بر فرآیند خلاقیت تبدیل شده است. عدم عضویت در اتحادیه غیرممکن بود، زیرا در این صورت نویسنده از فرصت انتشار آثار خود محروم می شد و علاوه بر این، می توانست به دلیل "انگلی" تحت تعقیب قرار گیرد. ام.گورکی در خاستگاه این سازمان قرار داشت، اما ریاست او در آن دیری نپایید. پس از مرگ او در سال 1936، A. A. Fadeev رئیس شد. علاوه بر اتحادیه نویسندگان، اتحادیه های "خلاق" دیگری تشکیل شد: اتحادیه هنرمندان، اتحادیه معماران، اتحادیه آهنگسازان. دوره یکنواختی در هنر شوروی آغاز شد.

انقلاب نیروهای خلاق قدرتمندی را آزاد کرد. این نیز بر توسعه هنر تئاتر داخلی تأثیر گذاشت. گروه های تئاتری متعددی به وجود آمدند. نقش مهمی در توسعه هنر تئاتر توسط تئاتر درام بولشوی در لنینگراد ایفا کرد که اولین مدیر هنری آن A. Blok ، تئاتر بود. V. Meyerhold، تئاتر. E. Vakhtangov، تئاتر مسکو. شورای شهر مسکو

در اواسط دهه 1920، ظهور دراماتورژی شوروی، که تأثیر زیادی بر توسعه هنر تئاتر داشت، به عقب باز می‌گردد. رویدادهای مهم فصل های تئاتر 1925-1927. فولاد "طوفان" V. Bill-Belotserkovsky در تئاتر. MGSPS، "Love Yarovaya" اثر K. Trenev در تئاتر Maly، "The Rupture" اثر B. Lavrenev در تئاتر. E. Vakhtangov و در تئاتر درام بولشوی، "قطار زرهی 14-69" اثر V. Ivanov در تئاتر هنر مسکو. کلاسیک ها جایگاه محکمی در کارنامه تئاتر داشتند. تلاش برای بازخوانی آن هم توسط تئاترهای آکادمیک (قلب داغ آ. اوستروفسکی در تئاتر هنری مسکو) و هم توسط "چپ"ها ("جنگل" اثر A. Ostrovsky و N. Gogol "بازرس کل" در V. تئاتر میرهولد).

اگر تئاترهای نمایشی تا پایان دهه اول شوروی رپرتوار خود را بازسازی کردند، جایگاه اصلی در فعالیت های گروه های اپرا و باله همچنان در اختیار کلاسیک ها بود. تنها موفقیت عمده در انعکاس موضوع معاصر، روی صحنه بردن باله خشخاش سرخ (گل سرخ) اثر R. Glière بود. در کشورهای اروپای غربی و آمریکا، L.V. سوبینوف، A.V. نژدانوا، N.S. گولوانوف، گروه تئاتر هنر مسکو، تئاتر مجلسی، استودیو. E. Vakhtangov، کوارتت سازهای باستانی روسیه

زندگی موسیقایی کشور در آن سال‌ها با نام‌های اس. پروکوفیف، د. شوستاکوویچ، آ. خاچاتوریان، ت. خرنیکوف، د. کابالوفسکی، ای. دونایفسکی و دیگران همراه است. به میدان آمد. گروه های موسیقی ایجاد شدند که بعدها فرهنگ موسیقی ملی را تجلیل کردند: کوارتت. بتهوون، ارکستر سمفونیک دولتی بزرگ، ارکستر فیلارمونیک دولتی و ... در سال 1932 اتحادیه آهنگسازان اتحاد جماهیر شوروی تشکیل شد.

همراه با بازیگران نسل قدیمی (M. N. Ermolova، A. M. Yuzhin، A. A. Ostuzhev، V. I. Kachalov، O. L. Knipper-Chekhova)، یک تئاتر انقلابی جدید در حال ظهور بود. جست‌وجوی اشکال جدید بیان صحنه، مشخصه تئاتری است که زیر نظر وی. ای. میرهولد (تئاتر میرهولد کنونی) کار می‌کرد. نمایشنامه‌های وی. مایاکوفسکی Mystery Buff (1921)، ساس (1929) و دیگران در این تئاتر به روی صحنه رفتند. برگزار کننده و رهبر تئاتر مجلسی، اصلاحگر هنر صحنه A. Ya. Tairov.

یکی از مهمترین و جالب ترین پدیده های تاریخ فرهنگ دهه 20. آغاز توسعه سینمای شوروی بود. فیلمسازی مستند در حال توسعه است که در کنار پوستر به یکی از موثرترین ابزار مبارزه و تحریک ایدئولوژیک تبدیل شده است. نقطه عطف مهم در توسعه فیلم های بلند، فیلم سرگئی میخایلوویچ آیزنشتاین (1898 - 1948) "نبرد کشتی پوتمکین" (1925) بود که به یکی از شاهکارهای جهان تبدیل شد. سمبولیست ها، فوتوریست ها، امپرسیونیست ها، تخیل گرایان و غیره تحت هجوم انتقادات قرار گرفتند و آنها را متهم به "عجیب های فرمالیستی" کردند، که هنرشان مورد نیاز مردم شوروی نیست، که با سوسیالیسم خصمانه است. آهنگساز دا.

فرهنگ سیاسی ایدئولوژی تمامیت خواهی

مقدمه ص3
1. هنرمندان و انجمن های هنری دهه 1920 ص.5
2. هنرمندان و انجمن های هنری دهه 30 ص.11
مراجع ص20

مقدمه

اکتبر 1917 دوران جدیدی را نه تنها در زندگی اجتماعی، بلکه در زندگی هنری نیز گشود. هر انقلابی چیزی را نابود می کند و سپس ایجاد انقلاب جدید آغاز می شود. آنچه در حال وقوع است یک توسعه ساده نیست، بلکه تجهیز مجدد قاطع پایه های ساختارهای اجتماعی، سیاسی، ایدئولوژیک و دیگر انواع سابق، از جمله هنر است.
انقلاب حداقل دو مشکل ایجاد کرد. اولین مشکل ماهیت طبقاتی هنر است. تلاش برای پیوند نزدیک آن با مبارزه طبقاتی منجر به تحریف ماهیت چند کارکردی آن شد. درک بسیار ساده شده ای از ماهیت طبقاتی هنر در فعالیت های Proletcult بدنام ظاهر شد. عنصر مبارزه منجر به تخریب بناهای فرهنگی شد که نه تنها به دلیل عملیات نظامی در طول جنگ داخلی و مداخله خارجی، بلکه به دلیل سیاستی با هدف درهم شکستن فرهنگ بورژوایی ایجاد شد. بنابراین، بسیاری از آثار مجسمه‌سازی، آثار معماری باستانی مرتبط با عبادت مذهبی تخریب یا از بین رفتند.
مشکل دوم مشکل سیاست طبقاتی در هنر است. همه نیروها در راه حل آن دخیل بودند: «بورژوایی» و «پرولتری»، مخرب و سازنده، شوروی و غیرشوروی، «چپ» و «راست»، فرهنگی و جاهل، حرفه ای و آماتور.
اصول توسعه اجتماعی که توسط دولت اعلام شده بود تا حد زیادی حرکت تدریجی هنر را تعیین کرد. نوعی قشربندی نیروها اتفاق افتاد که از افزودن آنها بردار وضعیت واقعی هنر شکل گرفت. از یک سو، این نیروی خودسازی هنر است که بر الگوهای حرکت فرم های موجود در ماهیت خلاقیت هنری تأثیر می گذارد. از سوی دیگر، تأثیر نیروهای اجتماعی، نهادهای عمومی، علاقه مند به این و نه جنبش دیگری از هنر، در اشکال خاص آن. در مورد سوم - دستورات سیاست دولتی، که با اتکا به نیروهای اجتماعی یا عدم اتکا به آنها، تأثیر بی قید و شرطی بر ساختار هنر، بر ماهیت آن، بر پتانسیل تکاملی و انقلابی آن داشت. از اواخر دهه 1920، سیاست آشکارا شروع به تحریف روند عادی توسعه هنر کرد و با ممنوع کردن یا محکوم کردن برخی مظاهر "غیر پرولتری"، فشار خاصی را بر آن اعمال کرد.

1. هنرمندان و انجمن های هنری دهه 20.

دهه 1920 دوران پرتلاطمی برای هنر بود. جناح های مختلف زیادی وجود داشت. هر کدام از آنها یک پلتفرم را مطرح کردند، هر کدام با مانیفست خود صحبت کردند. هنر، وسواس فکری برای جستجو، متنوع بود. آن را می جوشید و می جوشید، سعی می کرد همگام با دوران و نگاه به آینده باشد.
مهم‌ترین گروه‌هایی که بیانیه‌ها و عملکرد خلاقانه‌شان منعکس‌کننده فرآیندهای خلاقانه اصلی آن زمان بود، AHRR، OST و «4 هنر» بودند (8، ص 87).
گروه AHRR (انجمن هنرمندان روسیه انقلابی) در سال 1922 بوجود آمد (در سال 1928 به AHRR - انجمن هنرمندان انقلاب تغییر نام داد). هسته AHRR عمدتا از اعضای سابق انجمن نمایشگاه های مسافرتی تشکیل شده است. اعلامیه AHRR در کاتالوگ نمایشگاه سال 1922 آمده است: «وظیفه مدنی ما در قبال بشریت، ثبت هنری و مستند بزرگترین لحظه تاریخ در انگیزه انقلابی آن است. ما امروز را به تصویر خواهیم کشید: زندگی ارتش سرخ، زندگی کارگران، دهقانان، رهبران انقلاب و قهرمانان کار.
هنرمندان AHRR به دنبال این بودند که نقاشی خود را در دسترس مخاطبان انبوه آن زمان قرار دهند. آنها در کار خود اغلب به صورت مکانیکی از زبان نوشتاری روزمره مرحوم سرگردان استفاده می کردند. AHRR تعدادی نمایشگاه موضوعی هنری ترتیب داد که نام آنها عبارتند از: "زندگی و زندگی کارگران" (1922)، "زندگی و زندگی ارتش سرخ" (1923)، "انقلاب، زندگی و کار" (1924 - 1925)، "زندگی و زندگی مردم اتحاد جماهیر شوروی" (1926) - آنها در مورد وظایف بازتاب مستقیم واقعیت مدرن صحبت می کنند.
ویژگی عملکرد "اخرووی ها" این بود که آنها به کارخانه ها و کارخانه ها، به پادگان ارتش سرخ می رفتند تا زندگی و زندگی قهرمانان خود را در آنجا مشاهده کنند. در طول آماده سازی نمایشگاه "زندگی و زندگی مردمان اتحاد جماهیر شوروی"، شرکت کنندگان آن از دورافتاده ترین گوشه های کشور شوروی بازدید کردند و تعداد قابل توجهی از طرح ها را که اساس آثار آنها را تشکیل می داد، با خود آوردند. هنرمندان AHRR نقش مهمی در تسلط بر مضامین جدید ایفا کردند و بر نمایندگان گروه های هنری مختلف آن زمان تأثیر گذاشتند.
در میان هنرمندان AHRR، کار I. I. Brodsky (1883 - 1939) برجسته است که وظیفه خود را بازتولید دقیق و مستند از وقایع و قهرمانان انقلاب قرار داده است. بوم های او که به فعالیت های V.I. لنین اختصاص یافته بود محبوبیت زیادی به دست آورد. تولد لنینیانا زیبا بر اساس نقاشی برادسکی "سخنرانی لنین در کارخانه پوتیلوف"، نقاشی شده در سال 1929، و یکی از مشهورترین آثار او، لنین در اسمولنی (1930) بود که لنین را در دفتر کارش در محل کارش به تصویر می کشید. برادسکی بارها لنین را دید و طرح هایی از او ساخت (12، ص 92).
آثار برادسکی کیفیت مهمی دارند - اصالت، که از اهمیت تاریخی و شناختی بالایی برخوردار است. با این حال، میل به مستند گاهی منجر به تفسیر تجربی و طبیعت گرایانه از این رویداد می شد. اهمیت هنری نقاشی‌های برادسکی نیز به دلیل طبیعت گرایی خشک و رنگ‌آمیزی غذایی مشخصه بخش قابل توجهی از آثار او کاهش یافت.
استاد پرتره G. G. Ryazhsky (1895 - 1952) در سال 1923 به AHRR پیوست. مشهورترین آثار او Delegate (1927) و Chairwoman (1928) هستند که در آنها هنرمند ویژگی های اجتماعی-روانشناختی یک زن را آشکار می کند. جامعه جدید، مشارکت کننده فعال در حیات صنعتی و اجتماعی کشور. "رئیس" او یک کارگر فعال است. در ژست او، ژست، عزت نفس، سستی به عنوان شواهدی از موقعیت یک زن در یک جامعه کارگری جدید آشکار می شود.
S. V. Malyutin (1859 - 1937) نقش مهمی در میان نقاشان پرتره AHRR ایفا کرد. گالری پرتره ای که او قبل از انقلاب راه اندازی کرد در زمان شوروی با پرتره های V.K.Byalynitsky-Biruli، A.V. Lunacharsky و بسیاری دیگر تکمیل شد. در میان آنها، جالب ترین پرتره دیمیتری فورمانوف، که در سال 1922 کشیده شد، به طور قانع کننده ای تصویر یک نویسنده جنگجو، نماینده روشنفکران جدید شوروی را نشان می دهد.
یکی از شرکت کنندگان فعال در نمایشگاه های AHRR یک نقاش بزرگ روسی در قرن نوزدهم - بیستم بود. A. E. Arkhipov. در دهه 1920 ، آرخیپوف تصاویری از زنان دهقان خلق کرد - "زنی با کوزه" ، "زن دهقانی با پیش بند سبز" ، "زن دهقانی با روسری صورتی در دست" و غیره. با خلق و خو و رنگارنگ
E. M. Cheptsov (1874 - 1943) که سنت های سرگردان را در زمینه ژانر روزمره ادامه داد، کار E. M. Cheptsov را با مشاهده دقیق و توجه به پدیده های جدید زندگی مشخص کرد. تابلوی "ملاقات سلول روستا" (1924) او که فعالان روستا در سالهای اول انقلاب را به تصویر می کشد، بسیار شناخته شده است. مشاهده و صمیمیت نویسنده، سادگی ظاهر شخصیت‌های او، بی‌هنر بودن لوازم اطراف، کار نقاشی کوچک و متواضع Cheptsov را به یکی از جالب‌ترین نمونه‌های هنر AHRR تبدیل کرده است.
همین را می توان در مورد یکی از آثار نقاش منظره B. N. Yakovlev (1880 - 1972) گفت. «حمل و نقل بهتر می‌شود» (۱۹۲۳) او داستانی متواضع و در عین حال عمیق درباره دوران سخت سال‌های اول انقلاب، درباره کار روزمره مردم است. این نقاشی با آرامش و ساده نقاشی یکی از اولین نمونه های منظره صنعتی در نقاشی شوروی است.
جایگاه ویژه ای در نقاشی AHRR توسط کار M. B. Grekov (1882-1934) بنیانگذار ژانر نبرد در هنر شوروی اشغال شده است. او به مدت یک دهه و نیم - تا پایان عمرش - مشغول خلق چرخه ای از نقاشی های اختصاص یافته به ارتش سواره نظام اول بود که هنرمند در مبارزات و نبردهای آن شرکت داشت. در کار او، به ویژه در دوره اولیه، سنت های ورشچاگین به وضوح خود را احساس می کند. قهرمان گرکوف افرادی هستند که تمام مشکلات جنگ را بر عهده گرفتند. آثار گرکوف موید زندگی هستند. در نقاشی های اواسط دهه 20 مانند "تاچانکا" (1925)، دقت تصویر دوره گرد با شادی رمانتیک ترکیب شده است. بعداً ، با ادامه وقایع نگاری اصلی اولین ارتش سواره نظام ، گرکوف بوم های حماسی ایجاد می کند که در میان آنها نقاشی های "به کوبان" و "ترومپتازان ارتش اول سواره نظام" (هر دو - 1934) برجسته می شوند.
در کنار AHRR که شامل هنرمندان نسل قدیمی و متوسط ​​بود که در زمان انقلاب تجربه خلاقیت زیادی داشتند، گروه OST (انجمن نقاشان Easel) نقش فعالی در زندگی هنری آن سال ها داشت. ، در سال 1925 سازماندهی شد. جوانان هنری اولین دانشگاه هنر شوروی - VHU-TEMAS را متحد کرد. (3)
وظیفه اصلی انجمن مبارزه برای احیای و توسعه بیشتر نقاشی های سه پایه با موضوع مدرن یا با محتوای مدرن بود، هنرمندان OST، مانند "اخروویت ها"، مبارزه برای احیا و توسعه بیشتر را در نظر گرفتند. نقاشی سه پایه با این حال، آرمان‌ها و روش‌های خلاقانه هنرمندان OST تفاوت‌های مشخصی داشت. آنها کوشیدند تا کیفیت های جدید دوران معاصر خود را در رابطه با دوره قبلی در واقعیت های فردی منعکس کنند. موضوع اصلی آنها صنعتی شدن روسیه بود، اخیراً هنوز کشاورزی و عقب مانده، تمایل به نشان دادن پویایی رابطه بین تولید مدرن و انسان.
یکی از با استعدادترین نمایندگان گروه OST A. A. Deineka بود. نزدیکترین اظهارات OST نقاشی های او است: "در ساخت کارگاه های جدید" (1925)، "پیش از فرود در معدن" (1924)، "بازیکنان فوتبال" (1924)، "کارگران نساجی" (1926). ترحم فیگوراتیو Deineka - Ostovets راهی برای خروج از گرافیک روزنامه نگاری پیدا کرد که در آن هنرمند به عنوان تصویرگر در مجلات برای خواندن عمومی عمل می کرد - مانند "در ماشین ابزار"، "بی خدا در ماشین ابزار"، "Spotlight"، "جوانی" و غیره. اثر مرکزی Deineka دوره استوو به نقاشی "دفاع از پتروگراد" تبدیل شد که در سال 1928 برای نمایشگاه موضوعی "10 سال ارتش سرخ" نوشته شد. این اثر، ترحم و معنای اصلی سنت‌های نوآورانه OST را نشان می‌دهد، که حیات بخش‌ترین و توسعه‌یافته‌ترین سنت در دوره‌های بعدی در هنر شوروی است. دینکا تمام اصالت سبک خود را در این تصویر مجسم کرد، وسایل بیان را به حداقل رساند، اما آنها را بسیار فعال و مؤثر ساخت (8، ص 94).
از دیگر اعضای OST، از نظر سبک، از نظر سبک، به Deineka نزدیک‌تر هستند: Yu. I. Pimenov، P. V. Williams، S. A. Luchishkin. آثار «صنعت سنگین» پیمنوف، «قیام هامبورگ» نوشته ویلیامز، «توپ پرواز کرد» و «من زندگی را دوست دارم» اثر لوچیشکین که در همان دوره خلق شده‌اند، ویژگی‌های مهم واقعیت مدرن را آشکار کرده و به شکلی نوآورانه منعکس می‌کنند.
بر خلاف Ostovo، یک گروه جوانان در ترکیب آن، دو گروه خلاق دیگر وجود دارد که جایگاه مهمی در زندگی هنری آن سال ها اشغال کردند - "4 Arts" و OMX. (انجمن هنرمندان مسکو) - استادان نسل قدیم را که خلاقانه در دوران پیش از انقلاب شکل گرفته بودند متحد کرد و با احترام خاصی به مشکلات حفظ فرهنگ تصویری پرداختند و زبان و شکل پلاستیکی آن را بسیار مهم می دانستند. بخشی از کار انجمن هنر 4 در سال 1925 به وجود آمد. برجسته ترین اعضای این گروه عبارتند از P. V. Kuznetsov، K. S. Petrov-Vodkin، M. S. Saryan، N. P. Ulyanov، K. N. Istomin، V. A. Favorsky.
آثار پتروف-ودکین - مانند "پس از نبرد" (1923)، "دختری در پنجره" (1928)، "اضطراب" (1934)، به طور کامل بیانگر معنای اخلاقی دوره های مختلف - نقاط عطف در توسعه است. جامعه شوروی نقاشی او "مرگ یک کمیسر" (1928)، مانند "دفاع از پتروگراد" دینکا، که در ارتباط با نمایشگاه "10 سال ارتش سرخ" نقاشی شده است، برخلاف تبلیغات خاص - اساس تصمیمات فیگوراتیو دینکا - راه‌حل فلسفی خود را برای این کار ارائه می‌کند: از طریق حقایقی که ایده‌های مربوط به رویدادهایی را که در کل سیاره زمین اتفاق می‌افتد، تعمیم می‌دهند، از طریق آشکار کردن جوهر اخلاقی این رویدادها. کمیسر کسی است که هم در زندگی و هم در مرگش به نام انسانیت شاهکاری می کند. تصویر او بیان شکست ناپذیری ایده های درخشانی است که بدون توجه به و با وجود مرگ فعال ترین حاملان این ایده ها در آینده پیروز خواهند شد. نگاه فراق کمیسر در حال مرگ مانند یک کلمه فراق برای یک گروه از مبارزان قبل از حمله است - او سرشار از ایمان به پیروزی است.
ایده های فلسفی پتروف-ودکین بیان پلاستیکی مناسبی پیدا می کند. فضای تصویر شده، همانطور که بود، بر روی سطح کروی سیاره گسترش می یابد. ترکیبی از پرسپکتیو مستقیم و معکوس به طور قانع کننده و تیز پانورامای "سیاره ای" از آنچه اتفاق می افتد را منتقل می کند. مسائل تصویری به وضوح در سیستم رنگی حل می شوند. در نقاشی خود، هنرمند به اصل سه رنگ پایبند است، گویی رنگ های اصلی زمین را مجسم می کند: هوای آبی سرد، آب آبی. زمین قهوه ای قرمز؛ سرسبزی دنیای گیاهان
آثار قابل توجهی در تاریخ نقاشی شوروی توسط هنرمندان گروه OMX که در سال 1927 سازماندهی شد به جای گذاشتند. بسیاری از آنها در سالهای قبل از انقلاب در انجمن جک الماس به یکدیگر نزدیک شدند. P. P. Konchalovsky، I. I. Mashkov، A. V. Lentulov، A. V. Kuprin، R. R. Falk، V. V. Rozhdestvensky و A. A. Osmerkin فعالترین افراد در OMC بودند.
هنرمندان OMHa در بیانیه خود گفتند: "ما از هنرمند بیشترین تأثیرگذاری و بیان جنبه های رسمی کارش را می خواهیم که بخشی جدایی ناپذیر از جنبه ایدئولوژیک دومی است." در این برنامه قرابتی با گروه هنر 4 وجود دارد.
یکی از برجسته ترین بازیگران این برنامه در هنر شوروی در سالهای اولیه P. P. Konchalovsky بود. او تلاش کرد تا گرایش‌های «جک الماس» را با میراث هنرمندان واقع‌گرای روسی ترکیب کند، که دامنه خلاقیت او را بسیار گسترش داد و به او کمک کرد تا به صورت ارگانیک‌تر وارد هنر شوروی دهه 1920 شود. یکپارچگی رنگی با شدت رنگ های فردی آثار استاد مانند "خود پرتره با همسرش" (1922)، "پرتره O. V. Konchalovskaya" (1925)، "پرتره دختر ناتاشا" (1925) را متمایز می کند. در همان سال ها ، P. P. Konchalovsky تلاش کرد تا نقاشی های موضوعی ایجاد کند که در میان آنها بهترین ها Novgorodians (1921) و From the Fair (1926) هستند. این هنرمند به تصاویر سنتی "دهقانان روسی" علاقه مند است - قدرتمند، ضخیم، زندگی احاطه شده توسط اشیاء آشنا، مطابق با قوانین آداب و رسوم قدیمی و همراه با محیط آنها، چیزی که معمولاً ملی است.

2. هنرمندان و انجمن های هنری دهه 30.

دهه 1930 در تاریخ هنر شوروی دوره دشواری است که منعکس کننده تضادهای خود واقعیت است. استادان هنر با درک تغییرات قابل توجهی که در جامعه رخ داده است، در عین حال به تضادهای اجتماعی عمده توجه نکردند، تضادهای اجتماعی مرتبط با تقویت کیش شخصیت استالین را بیان نکردند (1). .
در 23 آوریل 1932، کمیته مرکزی حزب قطعنامه "در مورد تجدید ساختار سازمان های ادبی و هنری" را تصویب کرد. این فرمان تمام گروه های هنری موجود را حذف کرد و راه ها و اشکال کلی تثبیت و توسعه همه نیروهای خلاق هنر شوروی را نشان داد. این قطعنامه رویارویی بین انجمن های فردی را تضعیف کرد، که در اواخر دهه 1920 و 1930 تشدید شد. اما از سوی دیگر گرایش های وحدت آفرینی در زندگی هنری تشدید شد. آزمایش‌های آوانگارد که در دهه 1920 خود را احساس می‌کردند، متوقف شدند. مبارزه ای علیه به اصطلاح فرمالیسم شکل گرفت که در نتیجه بسیاری از هنرمندان مجبور به ترک فتوحات قبلی خود شدند.
ایجاد یک اتحادیه واحد با استقرار اصل رئالیسم سوسیالیستی که توسط A.M. گورکی در اولین کنگره سراسری نویسندگان شوروی. رئالیسم سوسیالیستی میراث سنت های هنر رئالیستی قرن نوزدهم را به خود اختصاص داد. و هنرمندان را در به تصویر کشیدن واقعیت در تحول انقلابی آن هدف قرار داد. با این حال، همانطور که تمرین بیشتر هنر شوروی نشان داد، اصطلاح "رئالیسم سوسیالیستی" به اندازه کافی ظرفیت ندارد و برای گرایش های پیچیده و چند لایه فرهنگ جدید کافی نیست. کاربرد رسمی آن در تمرین هنری اغلب به آن نقش یک ترمز جزمی در توسعه هنر می داد. تحت شرایط بازسازی اجتماعی در دهه 1980، اصطلاح "رئالیسم سوسیالیستی" در محافل حرفه ای در سطوح مختلف مورد بحث قرار گرفت.
بسیاری از روندهای مترقی که در دهه 20 ظاهر شدند، در دهه 30 نیز به توسعه خود ادامه می دهند. به عنوان مثال، این به تعامل ثمربخش مدارس مختلف ملی مربوط می شود.
هنرمندانی از تمام جمهوری های اتحاد جماهیر شوروی در نمایشگاه های هنری بزرگی که در دهه 1930 ترتیب داده شد، شرکت می کنند. همزمان، نمایشگاه های جمهوری در ارتباط با دهه های هنر ملی در مسکو برگزار می شود. مسائل هنر ملی مورد توجه ویژه هنرمندان جمهوری های برادر است.
در دهه 1930، دستورات دولتی و سفرهای تجاری خلاقانه برای هنرمندان گسترش یافت. نمایشگاه های بزرگی برگزار می شود: "15 سال ارتش سرخ"، "20 سال ارتش سرخ"، "20 سال کومسومول"، "صنعت سوسیالیسم"، "نمایشگاه بهترین آثار نقاشی شوروی" و غیره. هنرمندان اتحاد جماهیر شوروی در نمایشگاه های بین المللی در پاریس و نیویورک شرکت می کنند، آثاری را برای نمایشگاه کشاورزی اتحادیه در مسکو اجرا می کنند که در ارتباط با آماده سازی آن تعداد قابل توجهی از آثار تاریخی و تزئینی ایجاد شده است که در اصل به معنای مهم است. مرحله احیای نقاشی یادبود به عنوان یک هنر مستقل با اهداف و الگوهای خاص خود. در این آثار جذابیت هنر شوروی به یادگاری نمود پیدا کرد.
یکی از مهمترین نمایندگان نقاشی سه پایه در این دوره هنرمند بوریس ولادیمیرویچ یوگانسون (1893 - 1973) است که در کار خود به بالاترین سنت های نقاشی روسی قرن 19 روی آورد. او میراث سوریکوف و رپین را تفسیر می کند و محتوای انقلابی جدیدی را به آثارش وارد می کند، همخوان با دوران. از این منظر، نقاشی های یوگانسون «بازجویی از کمونیست ها» (1933) و «در کارخانه قدیمی اورال» (1937) اهمیت ویژه ای دارند.
نقاشی "بازجویی از کمونیست ها" برای اولین بار در نمایشگاه "15 سال ارتش سرخ" به نمایش گذاشته شد. در آن، این هنرمند کمونیست هایی را نشان داد که برای دفاع از میهن انقلابی ایستادند، و مخالفان آنها - گاردهای سفید، که سعی کردند دولت شوروی را در طول جنگ داخلی خفه کنند. هنرمند تعمیم تاریخی خود را در سنت رپین از طریق نمایش یک عمل خاص در یک محیط خاص انجام می دهد. ما نام افرادی که در اینجا به تصویر کشیده شده اند را نمی دانیم، هر چه از نظر تاریخی تصویر به عنوان یک کل توسط ما جهانی تلقی شود. کمونیست های نقاشی ایوگانسون محکوم به مرگ هستند. اما هنرمند آرامش، شجاعت، قدرت و استقامت خود را نشان می دهد که در تضاد با اضطراب، عصبیت، گسست روانی حاکم بر گروه گارد سفید است که نه تنها در این موقعیت، بلکه در برابر تاریخ ناتوان هستند. .
در نقاشی "در کارخانه اورال قدیم" که برای نمایشگاه "صنعت سوسیالیسم" کشیده شده است، یوگانسون تصاویر پرورش دهنده و کارگر را در تضاد قرار می دهد که در آن حسی از آگاهی طبقاتی نوپا و برتری درونی بر استثمارگر را آشکار می کند. هنرمند با این نقاشی کشمکش تاریخی قدیم و جدید، مرتجع و مترقی را نشان داد و بر قدرت پیروز انقلابی و مترقی صحه گذاشت. اینها ویژگیهای جدید ژانر تاریخی-انقلابی شوروی در نمونه نقاشی یوگانسون است.
در این دوره آثار چند جانبه سرگئی واسیلیویچ گراسیموف از نظر تصاویر، مضامین و ژانرها جایگاه ویژه ای را به خود اختصاص داده است. برجسته ترین اثر ژانر تاریخی در کار او نقاشی "سوگند پارتیزان های سیبری" (1933) است که از نظر بیان باز ، بیان رنگی آشکار ، طراحی تیز و ترکیب پویا قابل توجه است. S. V. Gerasimov با کار در ژانر روزمره ، توجه اصلی را به موضوع دهقانی معطوف کرد. برای حل آن، هنرمند از پرتره عبور کرد و تعدادی تصویر دهقانی قانع کننده ایجاد کرد. در طول دوره ساخت دهکده مزرعه جمعی، او یکی از برجسته ترین پرتره های نگهبان مزرعه جمعی (1933) را به تصویر کشید. از جمله مهمترین آثار نقاشی ژانر دهه 1930، نقاشی تعطیلات مزرعه جمعی (1937) بود که در نمایشگاه صنعت سوسیالیسم به نمایش گذاشته شد. آکادمیک I. E. Grabar، بزرگترین منتقد هنری شوروی، به طور دقیق و مختصر این تصویر را توصیف می کند: "وقتی بوم شگفت انگیز "تعطیلات مزرعه جمعی"، یکی از بهترین نقاشی های نمایشگاه "صنعت سوسیالیسم" ظاهر شد، رشد جدید و خارق العاده ای از استاد آشکار شد. به سختی هیچ یک از هنرمندان شوروی، به جز سرگئی گراسیموف، با چنین کار ترکیبی، نورپردازی و رنگی و حتی با کمک ابزار و تکنیک های ساده کنار می آمدند. این عکس آفتابی ترین عکس در هنر روسیه در طول انقلاب بود، علیرغم این واقعیت که در یک نقشه مهار شده اجرا شد» (1، ص 189).
"خواننده" دهقانان شوروی آرکادی الکساندرویچ پلاستوف (1893 - 1983) بود که با منشأ خود با روستای روسیه مرتبط بود. او در طول زندگی خود بسیار تحت تأثیر تأثیرات دوران کودکی قرار گرفت که در تماس نزدیک با طبیعت، با زمین، با دهقانانی که در این سرزمین زندگی می کردند.
پس از انقلاب کبیر سوسیالیستی اکتبر، پلاستوف که در روستای زادگاهش پریسلونیخه مشغول کار شد و اوقات فراغت خود را به نقاشی اختصاص داد، طرح ها و برداشت هایی را برای کارهای آینده خود که به زندگی دهقانی اختصاص داده شده است، جمع آوری کرد. یکی از اولین آثار قابل توجه پلاستوف - پر از هوا و نور، نقاشی "حمام کردن اسب ها" - توسط او برای نمایشگاه "20 سال ارتش سرخ" ساخته شد. برای نمایشگاه "صنعت سوسیالیسم" پلاستوف یک بوم بزرگ "تعطیلات مزرعه جمعی" را نقاشی کرد. یکی دیگر از کارهای درخشان پلاستوف در آن زمان "گله مزرعه جمعی" (1938) است. همه این نقاشی ها برخی از ویژگی های مشترک را نشان می دهند. پلاستوف به صحنه ژانر خارج از منظره، خارج از طبیعت روسیه فکر نمی کند، همیشه به شیوه ای غنایی تفسیر می شود و زیبایی آن را در ساده ترین جلوه ها آشکار می کند. یکی دیگر از ویژگی های آثار ژانر پلاستوف، عدم وجود هرگونه درگیری یا لحظه خاص در طرح انتخاب شده توسط هنرمند است. گاهی در نقاشی های او، مثلاً در «گله مزرعه جمعی» اصلاً اتفاقی نیست، هیچ اتفاقی نمی افتد. اما در عین حال، هنرمند همیشه به بیان شاعرانه تصویر دست می یابد.
در دهه 1930، استعداد A. A. Deineka به روش خاص خود رشد کرد. او همچنان به تم ها، طرح ها، تصاویر مورد علاقه، رنگ و سیستم ترکیب بندی قبلی خود پایبند بود. درست است، شیوه تصویری او تا حدودی نرم می شود، نمونه هایی از آن بهترین آثار دهه 30 هستند - "مادر" (1932)، "وقفه ناهار در دونباس" (1935)، "خلبانان آینده" (1938). ورزش، هوانوردی، بدن ورزیده برهنه، لکونیسم و ​​سادگی زبان زیبا، ترکیب‌های پر صدا از قهوه‌ای-نارنجی و آبی در برخی موارد با غزل، لحظه‌ای تأمل، ملایم‌تر می‌شوند. دینکا همچنین چارچوب موضوعی کار خود را گسترش داد، از جمله صحنه هایی از زندگی کشورهای خارجی، که در نتیجه سفر به ایالات متحده آمریکا، فرانسه، آلمان و ایتالیا ظاهر شد.
یکی دیگر از اعضای سابق OST، یو. آی پیمنوف (1903-1977)، یکی از بهترین نقاشی های دهه 30، مسکو جدید (1937) را خلق کرد. به نظر می رسد چشم انداز مرکز مسکو (میدان Sverdlov) از یک ماشین تندرو که توسط یک زن جوان با پشت به بیننده رانندگی می شود، دیده می شود. ساختمان‌های جدید ساخته شده، حرکت سریع یک ماشین، رنگ‌های روشن، هوای فراوان، وسعت فضا و چارچوب ترکیب - همه چیز با یک جهان‌بینی خوش‌بینانه آغشته است.
در دهه 1930، هنر منظره G. G. Nissky (1903 - 1987)، یکی از پیروان استووی ها، که از آنها لکونیسم، وضوح راه حل های ترکیبی و ریتمیک را اتخاذ کرد، آشکار شد. اینها نقاشی های او "پاییز" (1932) و "در راه" (1933) هستند. در مناظر نیسا، فعالیت دگرگون کننده انسان همیشه نمایان است.
از نقاشان منظره نسل قدیم، کار N. P. Krymov (1884 - 1958) که در سال 1937 نقاشی معروف "صبح در پارک مرکزی فرهنگ و تفریح ​​گورکی در مسکو" را خلق کرد جالب است. نمای پانورامای وسیعی از پارک، فواصل باز شده در پشت آن، خط افقی صافی که چشم بیننده را فراتر از بوم می برد - همه چیز طراوت و وسعت را تنفس می کند.
A. Rylov که کارش در آغاز قرن بیستم شکل گرفت، در نقاشی "لنین در رازلیو" (1934) منظره را با ژانر تاریخی ترکیب می کند و به احساس گستردگی طبیعت، فکر، احساس، تایید تاریخی می رسد. خوش بینی
جذابیت مناظر پانوراما در آثار بسیاری از نقاشان از جمهوری های مختلف ظاهر شد. این گرانش با آن حس شدید از سرزمین مادری، سرزمین مادری همراه بود که در دهه 1930 تقویت و رشد کرد. D. N. Kakabadze (1889 - 1952) در "چشم انداز ایمرتی" خود (1934) گسترش گسترده ای از کوه های قفقاز را ارائه می دهد که تا دوردست کشیده شده است - خط الراس پشت خط الراس، شیب پس از شیب. در آثار M. S. Saryan، دهه 1930 نیز با علاقه به منظره ملی، به مناظر پانوراما از ارمنستان مشخص شد.
در این دوره ، ژانر پرتره نیز توسعه پرباری را دریافت کرد ، که در آن هنرمندان نسل قدیمی P. P. Konchalovsky ، I. E. Grabar ، M. V. Nesterov و برخی دیگر خود را با ظرفیت بیشتری نشان می دهند.
P. P. Konchalovsky که به خاطر آثارش در متنوع ترین ژانرهای نقاشی شناخته می شود، مجموعه ای کامل از پرتره های چهره های علم و هنر شوروی را در دهه های 1930 و 1940 خلق کرد. از بهترین پرتره های V. V. Sofronitsky در پیانو (1932)، S. S. Prokofiev (1934)، V. E. Meyerhold (1937). در این آثار، کنچالوفسکی توانایی عالی خود را در بیان زندگی از طریق سیستم رنگ پلاستیکی به ارمغان می آورد. او بهترین سنت های هنر قدیمی را با وضوح نوآورانه دید رنگی، موید زندگی و صدای قدرتمند عاطفی تصویر ترکیب می کند.
اوج واقعی توسعه پرتره در آن دوره آثار M. V. Nesterov بود. نستروف در طول کار خود، که قرن 19 و 20 را متحد کرد، ارتباط زنده با زندگی را حفظ کرد. در دهه 1930، او رشد درخشانی را تجربه کرد و استعداد خود را به عنوان یک نقاش پرتره دوباره کشف کرد. معنای مجازی در پرتره‌های نستروف، تأیید روح خلاق زمانه از طریق شناسایی حیثیت خلاقانه‌ترین مردمی است که این زمان را نمایندگی می‌کنند. دایره قهرمانان نستروف نمایندگانی از روشنفکران شوروی از نسل قدیم، افرادی از حرفه های خلاق هستند. بنابراین، از مهمترین آثار نستروف می توان به پرتره های هنرمندان - برادران کورین (1930)، مجسمه ساز I. D. Shadr (1934)، آکادمیک I. P. Pavlov (1935)، جراح S. S. Yudin (1935)، مجسمه ساز V. I. Mukhina (1940) اشاره کرد. ). نستروف به عنوان جانشین سنت های پرتره V.A. Serov عمل می کند. او بر ویژگی ها تأکید می کند، بر ژست ها، وضعیت های مشخص شخصیت هایش تأکید می کند. آکادمیک پاولوف مشت های خود را که روی میز گذاشته بود محکم گره کرد و این ژست قدرت ذهن را نشان می دهد که با پیری آشکار در تضاد است. جراح یودین نیز در نمایه ای به تصویر کشیده شده است که پشت میز نشسته است. اما بیان این تصویر بر اساس ژست مشخص و "پرواز" دست بلند شده است. انگشتان دراز شده یودین، انگشتان جراح معمولی، زبردست و قوی هستند و آماده انجام اراده او هستند. موخینا در لحظه خلقت به تصویر کشیده شده است. او مجسمه ای را می سازد - با تمرکز، عدم توجه به هنرمند، به طور کامل از انگیزه او پیروی می کند.
لوازم جانبی به طور مختصر در این پرتره ها آورده شده است. آنها به درستی و فعالانه در ویژگی های افراد به تصویر کشیده شده با رنگ، روشنایی، شبح خود قرار می گیرند. رنگ‌آمیزی پرتره‌ها به‌طور چشمگیری فعال است، اشباع شده با زنگ‌های صوتی و هماهنگ‌شده اضافی. بنابراین، رنگ پیچیده در پرتره پاولوف، که بر اساس ترکیبی از بهترین سایه‌های رنگ‌های سرد و گرم ساخته شده است، وضوح معنوی و یکپارچگی دنیای درونی دانشمند را مشخص می‌کند. و در پرتره برادران کورین به آبی تیره، سیاه و قهوه ای پررنگ ضخیم می شود و ماهیت دراماتیک حالت خلاق آنها را بیان می کند. پرتره های نستروف آغازی اساساً جدید و تأیید کننده زندگی را به هنر معرفی کردند، سوزش خلاقانه به عنوان معمولی ترین و واضح ترین جلوه های وضعیت مردم در عصر شور و شوق بالای کار.
هنرمند پاول دیمیتریویچ کورین (1892 - 1967) نزدیکترین فرد به نستروف است. او در میان نقاشان پالخ پرورش یافت، کار خود را با نقاشی نمادها آغاز کرد و در سال 1911 به توصیه نستروف وارد مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو شد. کورین که به شدت از خود و مردم مطالبه می کرد، این ویژگی را در تمام کارهایش به همراه داشت. آ. ام. گورکی که در سال 1931 با او آشنا شد، نقش مهمی در رشد خلاقانه او و در واقع در زندگی هنرمند به طور کلی ایفا کرد. گورکی به کورین کمک کرد تا برای مطالعه بهترین آثار هنری جهان به خارج از کشور سفر کند.
شاید به همین دلیل است که گالری پرتره دانشمندان، هنرمندان، نویسندگان زمان ما، که کورین سال هاست ایجاد کرده است، با تصویر A. M. Gorky (1932) آغاز شد. در اصل، در حال حاضر در این اثر، ویژگی های اصلی کورین نقاش پرتره آشکار می شود. پرتره گورکی یک اثر واقعاً تاریخی است که در آن یک شبح به وضوح تعریف شده، یک پس زمینه متضاد، یک پر رنگ گسترده از مناطق وسیعی از بوم، یک نقاشی واضح بیانگر تعمیم تاریخی شخصیت نویسنده را بیان می کند. برای این، مانند سایر پرتره‌های کورین، طیف شدید با انبوهی از رنگ‌های خاکستری تیره، آبی تیره، گاهی به سیاهی مشخص است. این گستره، و همچنین شکل به وضوح حجاری شده سر و پیکر شخصی که به تصویر کشیده می شود، بیانگر ویژگی های عاطفی ذات هنرمند است (6).
در دهه 1930، کورین پرتره هایی از بازیگران L. M. Leonidov و V. I. Kachalov، هنرمند M. V. Nesterov، نویسنده A. N. Tolstoy و دانشمند N. F. Gamaleya خلق کرد. بدیهی است که برای او و همچنین برای معلم معنوی او M.V. Nesterov، علاقه به یک فرد خلاق به دور از تصادف است.
موفقیت های نقاشی در دهه 1930 به این معنی نیست که مسیر توسعه آن ساده و عاری از تضاد بود. در بسیاری از آثار آن سالها، ویژگی های ایجاد شده توسط فرقه I.V. استالین ظاهر شد و تثبیت شد. این یک نگرش کاذب از یک نگرش شبه قهرمانانه، شبه عاشقانه، شبه خوش بینانه به زندگی است که ماهیت و معنای هنر "تشریفاتی" را تعیین می کند. رقابتی بین هنرمندان در مبارزه برای "ابر طرح های" غیرقابل انکار مرتبط با تصویر I. V. استالین ، موفقیت های صنعتی سازی ، موفقیت های دهقانان و جمعی سازی به وجود آمد. تعدادی از هنرمندان ظهور کرده اند که در این موضوع "تخصص" دارند. متمایل ترین در این زمینه الکساندر گراسیموف («استالین و ک. ای. وروشیلوف در کرملین» و دیگر آثار او) بود.

کتابشناسی - فهرست کتب

1. Vereshchagin A. Artist. زمان. داستان. مقالاتی در مورد تاریخ نقاشی تاریخی روسیه هجدهم - اوایل. قرن XX - L .: هنر، 1973.
2. نقاشی 20 - 30-ies / ویرایش. V.S.manin. - سنت پترزبورگ: هنرمند RSFSR، 1991.
3. Zezina M. R.، Koshman L. V.، Shulgin V. S. تاریخ فرهنگ روسیه. - م.: بالاتر. مدرسه، 1990.
4. لبدف پی.آی. هنر شوروی در دوره مداخله خارجی و جنگ داخلی. - م.، 1987.
5. لیخاچف D. S. هنر روسیه از دوران باستان تا آوانگارد. - م.: هنر، 1992.
6. Ilyina T. V. تاریخ هنر. هنر داخلی - م.: بالاتر. مدرسه، 1994.
7. تاریخ هنر مردمان اتحاد جماهیر شوروی. در 9 جلد - م.، 1971 - 1984.
8. تاریخ هنر روسیه و شوروی / ویرایش. M.M. Allenova. - م .: دبیرستان، 1987.
9. Polikarpov V.M. فرهنگ شناسی. - م.: گرداریکا، 1997.
10. روزین وی.م. مقدمه ای بر مطالعات فرهنگی. - M.: انجمن، 1997.
11. Stepanyan N. هنر روسیه قرن XX. نگاهی از دهه 90. - مسکو: EKSMO-PRESS، 1999.
12. سوزدالف پ.ک. تاریخ نقاشی شوروی. - م.، 1973.

© قرار دادن مطالب در سایر منابع الکترونیکی فقط با یک لینک فعال همراه است

مقالات آزمون در Magnitogorsk، مقالات تست برای خرید، مقالات ترمی در حقوق، مقالات ترم در حقوق، مقالات ترم در RANEPA، مقالات ترم در حقوق در RANEPA، مقالات فارغ التحصیلی در رشته حقوق در Magnitogorsk، دیپلم حقوق در MIEP، مقالات دیپلم و مقالات ترم در VSU، آزمون های SGA، پایان نامه های کارشناسی ارشد در حقوق در چلگا.

نمایشگاه "هنرمندان مسکو. دهه 20-30» که توسط سازمان مسکو اتحادیه هنرمندان RSFSR و اتحادیه هنرمندان اتحاد جماهیر شوروی سوسیالیستی سازماندهی شده است، تصویری از زندگی هنری مسکو در دو دهه اول پس از انقلاب را به بیننده ارائه می دهد.

در این نمایشگاه نقاشی ها، طراحی ها، مجسمه هایی از مجموعه های قدیمی ترین هنرمندان مسکو، وارثان و مجموعه داران آنها به نمایش گذاشته می شود.

دوران بازاندیشی عمیق ما در تاریخ کشور، فرهنگ و هنر آن مستلزم مطالعه گذشته بدون قید و بند و کلیشه و تنها با هدف شناخت حقیقت است. این نمایشگاه چنین فرصتی را فراهم می کند و طیف گسترده ای از ایده های تصویری و پلاستیکی، انواع جهت های خلاقانه را نشان می دهد. آثار هنرمندان درخشان و اصیل را معرفی می کند که برای مدت طولانی برای عموم مردم و حتی گاهی برای متخصصان ناشناخته بودند. آثار M. B. Verigo، L. N. Agalakova، M. F. Shemyakin، M. V. Lomakina، D. E. Gurevich، N. I. Prokoshev و بسیاری از هنرمندان فراموش شده دیگر در نمایشگاه جایگاه شایسته ای را در کنار آثار نقاشان، گرافیست ها، مجسمه سازان مشهور به خود اختصاص داده اند.

این نمایشگاه به مطالعه هنر مسکو ادامه می دهد که با نمایشگاه های اختصاص یافته به 30 و 50 سالگرد اتحادیه هنرمندان مسکو RSFSR آغاز شد.

علاقه به آوانگارد روسی که در سال های اخیر بیدار شده است، منجر به نمایشگاه های بنیادی گسترده و نمایشگاه های انفرادی اساتید برجسته شده است. این نمایشگاه در موضوعات بسیاری با این موضوع مرتبط است و باید با پس‌زمینه نمایش‌های مختلف که هنر سال‌های اول پس از انقلاب را برجسته می‌کنند، درک شود.

مسکو قرن ها مرکز فرهنگی و معنوی این کشور بوده است. او نه تنها حافظ سنت ها، بلکه زادگاه جدیدترین ایده ها در هنر اوایل قرن بیستم است که با شورش درخشان و جسورانه جک الماس، با کار خالقان آخرین گرایش ها در ارتباط است. کوبو- فوتوریسم، سوپرماتیسم، رایونیسم. در مسکو در دهه 1920، یک پیرزن مو خاکستری هنوز زندگی می کرد که در معماری، شیوه زندگی عامیانه حفظ شده بود. و در همان زمان، اینجا بود که S. I. Shchukin و I. A. Morozov اولین مجموعه های کشور از آخرین نقاشی اروپایی را جمع آوری کردند. در مسکو، مهم ترین مسائل فرهنگ و هنر عصر به شکل متمرکز خاصی تجلی یافت و در عین حال، متنوع ترین پدیده ها طعم مسکوی عجیبی پیدا کردند. هر آنچه در مسکو اتفاق افتاد در هنر کل کشور منعکس شد. مسکو به عنوان یک مرکز هنری با تمام منحصر به فرد بودن و منحصر به فرد بودنش، هنوز به اندازه کافی مورد مطالعه قرار نگرفته است.

ما اطلاعات کاملی در مورد بسیاری از رویدادهای مهم آن سالها نداریم که به طور مستقیم یا غیرمستقیم بر فرهنگ و هنر تأثیر گذاشته است و در واقع در ابتدای خلقت تاریخ هنر شوروی هستیم، زمانی که هنوز چیزهای زیادی برای جمع آوری و کشف وجود دارد. . و مطالعه هنر مسکو ضروری است و این باید فوراً انجام شود، نه تنها برای معاصران، بلکه به خاطر نسل های آینده، که ما را به خاطر غفلت از میراث گرانبهایی که هنوز در دستان ماست نخواهند بخشید. زمان غیرقابل گذشت است، آثار دوران پیشین را محو می‌کند، آثار هنری را ویران می‌کند، آثار هنرمندان را در مجموعه‌های خصوصی و گاه ناشناخته پراکنده می‌کند و حتی اگر به موزه‌های کشور بروند، دسترسی به آن‌ها سخت می‌شود. با گذشت زمان، بازسازی تصویری کامل از زندگی هنری مسکو، بازیابی پتانسیل خلاقانه منحصر به فرد آن، که در آغاز قرن بیستم متولد شد، در دهه 1920 رشد کرد و به تدریج محو شد، دشوارتر خواهد شد. هنوز در دهه 1930 وجود داشت.

طبیعتاً چنین موضوع عظیم و تقریباً بی حد و حصری مانند زندگی هنری مسکو را نمی توان تنها با یک نمایشگاه تمام کرد، به خصوص که فقط کمی بیش از دو دهه را در بر می گیرد. برخی از پدیده ها به طور کامل نشان داده می شوند، برخی دیگر فقط به صورت تکه ای. سرنوشت خود هنرمندان و آثارشان یکی نبود. میراث برخی با دقت حفظ شد، میراثی که دیگران ایجاد کردند فقط در آثار پراکنده فرود آمد و گاه یکی دو مورد که تصادفاً در سرنوشت دشوار هنرمند جان سالم به در بردند. مروری بر زندگی هنری مسکو، که برای معرفی یک نمایشگاه بزرگ و چند وجهی ضروری است، ادعا نمی کند که جامع باشد. او فقط نقاط عطف اصلی را ترسیم می کند و پدیده هایی را برجسته می کند که قابل توجه و مشخصه مسکو هستند.

یکی از اولین اقدامات هنرمندان مسکو پس از انقلاب، مشارکت در نجات آثار هنری و آثار باستانی بود. این اثر استادان گروه ها و گرایش های مختلف را جمع کرد. آنها در حفاظت از کرملین شرکت کردند، جایی که ارزش های عظیم دولتی و هنری در طول جنگ جهانی اول (مجموعه هرمیتاژ، ذخایر طلا و غیره) متمرکز بود. آنها درگیر ثبت ارزش های هنری و تاریخی متعلق به افراد خصوصی بودند، آثار هنری دوره های مختلف را جستجو و به انبارهای دولتی منتقل کردند، آرشیوهایی که ممکن بود از بین بروند. کار نیاز به فداکاری داشت، زمان و تلاش زیادی را صرف کرد و گاهی اوقات با خطری برای زندگی همراه بود. شخصیت های فرهنگی و روشنفکران مسکو فعالیت و شهروندی زیادی از خود نشان دادند.

در پایان سال 1917، به منظور حفظ میراث، ایده ایجاد آکروپلیس هنر روسی در کرملین به منظور جمع آوری کتابخانه ها، موزه ها، آرشیوها در پشت دیوارهای آن مطرح شد. این ایده به گرمی مورد حمایت مردم مسکو قرار گرفت. اما حرکت دولت در مارس 1918 از پتروگراد به مسکو و تبدیل کرملین به اقامتگاه دولتی اجازه تحقق این ایده را نداد.

به ابتکار شخصیت های فرهنگی و آموزشی در اولین سال های پس از انقلاب، موزه های موسوم به پرولتاریا در مسکو ایجاد شد که بسیاری از آنها در حومه شهر قرار داشتند. آنها گاهی اوقات بر اساس کل مجموعه های هنری ملی شده بودند، به عنوان مثال، موزه A.V. Lunacharsky در عمارت کلکسیونر I.S. افتتاح شد. مجموعه‌های موزه‌های دیگر که از مجموعه‌های مختلف و نمایشگاه‌های پراکنده تشکیل شده بودند، از نظر کیفیت بسیار متفاوت بودند. به گفته برگزارکنندگان، چنین موزه هایی قرار بود فرهنگ را به توده ها بیاورند تا آنها را با هنر آشنا کنند. این وظایف ارتباط نزدیکی با ایده‌های تحول عمیق فرهنگی و هنری جامعه داشت که در آن زمان بسیار مرتبط بود. در سال 1919 در مسکو، به ابتکار هنرمندان، اولین موزه فرهنگ نقاشی کشور ایجاد شد. آنها خودشان فهرستی تهیه کردند که بر اساس آن دولت آثار هنرمندان روسی از تمام گرایشات چپ را در آغاز قرن به دست آورد. در آینده برنامه ریزی شده بود که نمایشگاه توسعه یابد و مجموعه با آثار همه زمان ها و مردم تکمیل شود. این موزه تا پایان دهه 1920 وجود داشت و یک مدرسه مهم برای هنرمندان، یک باشگاه مناظره، یک آزمایشگاه تحقیقاتی و خلاق بود. بسیاری از موزه‌های دیگر در مسکو به حیات خود ادامه دادند - عمومی و خصوصی، باز برای همه بازدیدکنندگان، با نمایشگاه‌های مختلف، از هنر باستانی روسیه تا نقاشی مدرن غربی.

یکی از صفحات درخشان و اولیه هنر شوروی و همچنین زندگی هنری مسکو، مشارکت هنرمندان در تبلیغات و هنرهای توده ای، ایجاد پوستر انقلابی، طراحی شهرها برای جشن ها بود. استادان تقریباً همه جهات در این کار نقش داشتند. این آثار شکننده و کوتاه مدت از دیرباز در اختیار آرشیوها، موزه ها و کتابخانه ها بوده است. فقط تعداد کمی از آنها در نمایشگاه به نمایش گذاشته می شوند، اما حتی آنها ایده ای از این حوزه از فعالیت هنرمندان ارائه می دهند (پوسترهای V. A. و G. A. Stenberg، G. G. Klutsis، طراحی های هنرمندان مختلف).

زندگی هنری مسکو به دلیل اصالت، تنوع ایده‌ها و تنوع جسارت مدیون دوران پیش از انقلاب است. در سال‌های اول قدرت شوروی، گویی با انگیزه‌های دوران قبل به جلو حرکت کرد و همه آنچه را که از انقلاب معنوی اوایل قرن بیستم متولد شد، در خاکی جدید تکمیل کرد.

نیاز به اتحاد یک روند زمان بود و نه تنها در هنرمندان روسی، بلکه در هنرمندان اروپایی نیز ذاتی است. آنها گروه هایی از افراد همفکر را ایجاد کردند تا به طور مشترک برنامه های خلاقانه را تدوین کنند، نمایشگاه ها را سازماندهی کنند، از ایده های خود در بحث های داغ دفاع کنند.

در مسکو، از سال 1917 تا 1932، بیش از 60 انجمن با ماهیت، ترکیب و دوام متفاوت وجود داشت. برخی از آنها در دوره قبل از انقلاب به وجود آمدند، بعدها در شرایط یک جامعه جدید، بر اساس ایده های جدید شکل گرفتند. اما مهمتر از همه، همه چیز در فضای زندگی هنری مسکو جا افتاد، جای خود را پیدا کرد و چند صدایی خاص آن را مشخص کرد.

مبارزه ایده ها در هنر پیچیده و چند بعدی بود. از یک سو، تقابل رئالیست ها و هنرمندان آوانگارد ادامه یافت و رئالیسم را به عنوان تنها جریان واقعی انکار می کرد. با ادای احترام به استادان بزرگ ادوار گذشته، آنها در کار خود به دنبال راه های جدیدی در هنر، همسو با دوران بودند.

ورود به عرصه زندگی سازان، کارگران تولید و سازه گرایی که به دنبال دگرگونی جهان بودند، سایه جدیدی به مبارزه و تغییر تأکید داد. با شروع از ساخت و ساز در هنر، آنها آرزو داشتند که نه تنها به ساخت شهرهای جدید، پوشاک، مبلمان، بلکه حتی شیوه زندگی یک فرد ادامه دهند. ایده های آنها آرمان شهر بود. زندگی به آنها فرصت تحقق نداد. کارگران تولید و سازه گرایان حق وجود هنر سه پایه را هم در جامعه مدرن و هم در دنیای آینده ای که تصور می کردند انکار می کردند. در دفاع از او نه تنها حامیان رئالیسم، بلکه هنرمندان آوانگارد تشکیلات مختلف نیز حضور داشتند. A. V. Shevchenko در بحث با مخالفان هنر سه پایه وظایف خود را به طور واضح و مختصر بیان کرد: "اکنون است که نقاشی سه پایه می تواند بیش از هر زمان دیگری زنده بماند ، زیرا نقاشی سه پایه یک تصویر است ، تزئین نیست ، هنر کاربردی نیست ، زینت نیست. که امروز مورد نیاز است نه فردا.

یک عکس یک فکر است، شما می توانید جان یک نفر را بگیرید، اما نمی توانید او را مجبور به فکر کردن نکنید.

توجه به این نکته حائز اهمیت است که با وجود پیچیدگی رویارویی و درخشندگی رد ایده های یکدیگر، انجمن ها و گروه ها در حیطه هنر، به خاطر خود، برای زندگی آن مبارزه کردند. در آینده، مبارزه از هنر خارج شد - به سیاست. هنر، توسعه آن شروع به تحریف کرد و در امتداد یک کانال طبیعی هدایت نشد و به هیچ وجه توسط نیازهای خود هنر تعیین نشد، بلکه توسط ایده های سیاسی تعیین شد.

سیاستی که دولت در پنج سال اول دنبال کرد، مبتنی بر به رسمیت شناختن حق برابر هنرمندان از همه جهات برای مشارکت در خلق هنر جامعه جدید بود. این نه تنها در مطبوعات اعلام شد، بلکه در زندگی واقعی نیز انجام شد، همانطور که توسط کسب های دولتی از بهترین نمایندگان همه گروه ها به شیوه ای منصفانه گواه است. دولت نقش تنها حامی هنر را بر عهده گرفت. مجموعه های موزه را تکمیل کرد، نمایشگاه هایی ترتیب داد. در طول 1918-1919، بخش هنرهای زیبای کمیساریای آموزش مردمی بیش از 20 نمایشگاه - گذشته نگر و مدرن، شخصی و گروهی را افتتاح کرد. آنها میزبان هنرمندان گرایش های مختلف از رئالیست ها تا چپ های افراطی بودند. این اولین بررسی گسترده این کشور از هنر بود.

از سال 1922، ایالت نمایشگاه های بین المللی هنرهای زیبای شوروی را سازماندهی کرده است که در بسیاری از کشورهای اروپا و آمریکا و همچنین در ژاپن موفقیت زیادی داشته است. هنرمندان مسکو همیشه به اندازه کافی در آنها حضور داشته اند.

برای درک بهتر ویژگی‌های زندگی هنری مسکو در این سال‌ها، لازم است با گاه‌شماری نمایشگاه‌های انجمن‌های مختلف، که در آن هنرمندانی که عضو یک گروه یا گروه دیگری نبودند، آشنا شوید.

در پایان سال 1917، نمایشگاه های انجمن های تشکیل شده قبل از انقلاب در مسکو برگزار شد. برخی از آنها - "پیوند"، "خلاقیت رایگان" - در این مورد وجود نداشتند. دیگران - سالن مسکو، جک الماس، انجمن نمایشگاه های هنری مسافرتی، اتحادیه هنرمندان روسیه، دنیای هنر - به زندگی جدیدی پیوستند و به نمایش بیشتر ادامه دادند. به زودی تشکیلات کاملاً جدیدی بر اساس نیروهای مختلف متحد کننده شروع به ظهور کردند. صف بندی جدید نیروها ایجاد شده است.

در سال 1919 انجمن هنرمندان جوان (Obmohu) برای اولین بار اقدام کرد. فارغ‌التحصیلان وخوتماس، دانش‌آموزان A. V. Lentulov، A. M. Rodchenko، G. B. Yakulov، آنها وظیفه انجام سفارشات تولید اجتماعی مهم، مانند پوسترهای فیلم، شابلون برای پوسترها برای مبارزه با بی‌سوادی، نشان‌ها، و غیره و همچنین طراحی نمایش های تئاتر، خیابان ها و میدان ها برای جشن ها. در این نمایشگاه ترکیب بندی های انتزاعی و همچنین سازه های فضایی فلزی به نمایش گذاشته شد. Obmohu چهار نمایشگاه ترتیب داد و سپس بسیاری از شرکت کنندگان آن شروع به کار در تئاتر، صنعت چاپ کردند و دیگران به انجمن های تازه سازماندهی شده پیوستند. برادران G. A. و V. A. Stenberg از اعضای این انجمن در نمایشگاه حضور دارند.

در همان سال، 1919، انجمن "Tsvetodynamos و Tectonic Primitivism" به نمایش گذاشته شد. شاگردان A. V. Shevchenko و A. V. Grishchenko در کار خود از ضرورت و ماندگاری نقاشی سه پایه دفاع کردند. نقاشان جالب و درخشان، آنها خود را به عنوان یک پدیده جدی اعلام کردند. اما کار آنها به اندازه کافی شناخته شده و مطالعه نشده است (به جز رهبران برجسته). در سال 1923، این گروه نمایشگاهی از انجمن هنرمندان Easel ترتیب داد و سپس اساس انجمن کارگاه نقاشان شد که تا سال 1930 وجود داشت. اعضای انجمن R. N. Barto، N. I. Viting، B. A. Golopolosov، V. V. Kapterev، V. V. Pochitalov، K. N. Suryaev، G. M. Shegal و دیگران بودند.

انجمن های جدید اغلب توسط دانش آموزان Vkhutemas، یک موسسه آموزشی هنری جدید ایجاد می شد. بزرگترین هنرمندان کشور در اولین سال های پس از انقلاب در اصلاح آموزش هنر شرکت کردند و سیستم و روش های آموزشی را به طور اساسی به روز کردند. آنها در مؤسسات آموزشی جدیدی که ایجاد کردند، که بر آموزش هنرمندان جهانی متمرکز بود، کار کردند. آنها مجبور بودند در آینده در زمینه های مختلف هنری - نقاشی سه پایه، گرافیک، مجسمه سازی، و همچنین در چاپ، تئاتر، هنرهای یادبود و طراحی کار کنند. همانطور که زندگی بعداً نشان داد، دانش به دست آمده در این مؤسسه باعث شد تا استعداد او به طور گسترده و متنوع به کار رود. وخوتماس مسکو برای چندین سال توسط V. A. Favorsky اداره می شد. اکثر معلمان برجسته Vkhutemas-Vkhutein در این نمایشگاه حضور دارند: L. A. Bruni، P. V. Miturrich، R. R. Falk و دیگران. معلمان نسل های بعدی نیز نماینده هستند که سنت های خوتم های عالی را در کار خود حفظ کرده اند - P. G. Zakharov، V. V. Pochitalov، I. I. Chekmazov، V. V. Favorskaya.

مسکو همیشه برای هنرمندان جذاب بوده است. تا دهه 1920 به همین شکل باقی ماند. در اینجا یک زندگی هنری طوفانی وجود داشت ، بسیاری از استادان برجسته هنر کار کردند ، موسسات آموزشی و استودیوهای خصوصی افتتاح شدند ، موزه ها افتتاح شدند ، نمایشگاه های مختلفی ترتیب داده شد. از سراسر کشور پهناور، جوانانی به اینجا آمدند که مشتاق تحصیل هنر بودند و جریان تازه ای را به زندگی فرهنگی پایتخت وارد کردند. هنرمندان جوان به دنبال پیوستن به هنر معاصر اروپا بودند، اما سفرهای سنتی به خارج از کشور در این سال ها غیرممکن شد. و برای اکثر دانشجویان، مجموعه‌های هنر جدید روسی و غربی، که فقط در مسکو موجود بود، به دانشگاه اصلی تبدیل شد. در دهه 1920، این مجموعه ها توسط جوانان مورد مطالعه عمیق قرار گرفت و به آنها فرصتی داد تا با ایده های جدید تصویری و پلاستیکی آشنا شوند تا آثار خود را غنی کنند.

در سال 1921، گروهی از جوانان آینده نگر - A. A. Vesnin، L. S. Popova، A. M. Rodchenko، V. F. Stepanova، A. A. Exter - نمایشگاهی با عنوان "5x5 = 25" ترتیب دادند و با اعلام اعلامیه از هنر سه پایه، هنرمندان به سمت تولید حرکت کردند. آنها با ایده های گنجاندن خلاقیت خود در سازماندهی مجدد محیط و زندگی روزمره هدایت شدند، آنها شروع به فعالیت در معماری، تئاتر، فتومونتاژ، مبلمان، لباس کردند. حامیان جدید بیشتر و بیشتری مانند وی. ای. تاتلین و شاگردانش به کارگران تولید و فعالیت های آنها متصل شدند.

دوره جدیدی در زندگی کشور در سال 1922 پس از پایان جنگ داخلی آغاز شد. زندگی شروع به بهبود کرد، صنعت احیا شد، زندگی فرهنگی دوباره احیا شد. مسکو به عنوان پایتخت رسمی این کشور چند ملیتی تایید شده است. از این پس، هر چیزی که در هنر و فرهنگ کشور قابل توجه است، به نوعی با مسکو مرتبط خواهد شد.

فصل 1922-1923 با فراوانی و تنوع ویژه ای از نمایشگاه ها متمایز شد.

نمایشگاه های اتحادیه هنرمندان روسیه، دنیای هنر، انجمن نمایشگاه های مسافرتی برگزار شد. برای اولین بار اعضای انجمن های جدید "پیدایش"، KNIFE، AHRR، "Makovets" آثار خود را به نمایش گذاشتند.

"انجمن جدید نقاشان" (NOZh) تنها نمایشگاهی را برپا کرد که اعتراض عمومی را به همراه داشت. هنرمندان جوان، شاگردان V. E. Tatlin، K. S. Malevich، A. A. Esther با رها کردن جستجوهای بیهوده، با استفاده از تکنیک های مشخصه بدوی گرایی به موضوعات اجتماعی حاد روی آوردند. استقبال مبهم از این نمایشگاه شد. در لحن طنزآمیز آثار، مقامات مسخره ای از شیوه زندگی شوروی دیدند. در همان زمان، برخی از منتقدان به احیای تصویرسازی و احساسات در آثار هنرمندان اشاره کردند. A. M. Gluskin، N. N. Popov، A. M. Nurenberg، M. S. Perutsky اعضای این انجمن هستند. در سال های بعد، بسیاری از آنها وارد پیدایش شدند. "پیدایش"، گروهی از فارغ التحصیلان وخوتماس، سنت های مدرسه منظر مسکو را در کار خود تأیید کردند. دانش آموزان P. P. Konchalovsky و پیروان "Jack of Diamonds" به نقاشی منظره واقع گرایانه روی آوردند و در تلاش برای به دست آوردن قدرت خلاقانه در نزدیک شدن به زمین بودند ، پس از فارغ التحصیلی به منطقه ای زیبا در نزدیکی مسکو رفتند و پس از کار در آنجا برای تابستان ، اولین نمایشگاه خود را برپا کردند. این انجمن تا سال 1930 دوام آورد و هفت نمایشگاه برگزار کرد. پیدایش شامل: F. S. Bogorodsky، A. M. Gluskin، V. V. Kapterev، P. P. Konchalovsky، A. V. Kuprin، N. A. Lakov، A. A. Lebedev-Shuisky، S. G. Mukhin، A. A. Osmerkin، M. S. Perutsky، N.S. ، M. F. Shemyakin و دیگران.

"هنر زندگی است" یا "Makovets"، یکی از انجمن های هنری مهم آن سال ها، در سال 1921 به وجود آمد. یک سال بعد، در اولین نمایشگاه خود، گروهی از نقاشان و گرافیست های با استعداد و با استعداد را به نمایش گذاشت که اکثر آنها حتی در سال های قبل از انقلاب در نمایشگاه هایی مانند دنیای هنر، سالن مسکو و غیره شرکت داشتند. ترکیب انجمن پیچیده و ناهمگن بود. نیروهای مستحکم، ارادت عمیق به هنر بودند، تا حدی روابط دوستانه. انجمن مجله "Makovets" را منتشر کرد و دو شماره را منتشر کرد. در مانیفست منتشر شده «پرداخت ما» اعلام کردند: «ما با کسی دعوا نداریم، ما خالق هیچ «ایسم» نیستیم. زمانی از خلاقیت درخشان فرا می رسد، زمانی که هنر در حرکت بی پایان خود دوباره متولد می شود، فقط به خرد ساده الهام گرفته نیاز دارد.

"Makovets" در کار خود حرفه ای بودن ، معنویت ، تداوم بی وقفه سنت ها در هنر را تأیید کرد ، از دوران باستان تا امروز در تمام دوران بزرگ. هنر روسیه باستان برای آنها ارزشی ماندگار و منبع ایده های هنری داشت. "رئالیسم عمیق" - چنین تعریفی از کار این گروه بود که توسط منتقدان برجسته ارائه شد. رهبر آن هنرمند با استعداد V. N. Chekrygin بود که زود درگذشت. "Makovets" سه نمایشگاه نقاشی و یک طراحی ترتیب داد. بسیاری از شرکت کنندگان آن بعداً به انجمن هنر 4، OMX و دیگران نقل مکان کردند. شرکت کنندگان آن T. B. Aleksandrova، P. P. Babichev، E. M. Belyakova، L. A. Bruni، S. V. Gerasimov، L. F. Zhegin، K. K. Zefirov، K. N. Istomin، N. K. Maksimov، V. E. Pestel، M. S. Rodionovh N.E.-E.S. N. V. Sinezubov، R. A. Florenskaya، A. V. Fonvizin، V. N. Chekrygin، N. M. Chernyshev، A. V. Shevchenko، A. S. Yastrzhembsky و دیگران. در سال 1926 گروهی از هنرمندان از او جدا شدند و انجمن "مسیر نقاشی" را ایجاد کردند.

در سال 1922، برای اولین بار، انجمن هنرمندان انقلابی روسیه (AHRR) با یک برنامه فعال اجتماعی، از سال 1928 انجمن هنرمندان انقلاب (AHR) نمایشگاه هایی را یکی پس از دیگری ترتیب داد. AHRR چیز جدیدی به زندگی هنری آورد. دوره اولیه فعالیت او دارای نکات مثبت زیادی بود: اتحادیه هنرمندان مستعد، ایجاد شعبه در شهرهای مختلف، برپایی نمایشگاه های سیار. برنامه AHRR بر اساس وظیفه مستندسازی واقعیت انقلابی بود، اما رئالیسم تاریخی قهرمانانه ای که آنها اعلام کردند همیشه در بوم های نقاشی آنها مجسم نمی شد. به تدریج، هنر مستند بدون بال و بدون بال در آثار هنرمندان AHRR-AHR شروع به غلبه کرد.

AHRR از زمان پیدایش خود برای رهبری در زندگی هنری مبارزه کرده است و تلاش می کند به سخنگوی دولت تبدیل شود، داور سرنوشت هنر. انجمن هنر را ابزار مبارزه ایدئولوژیک اعلام کرد. F. S. Bogorodsky, V. K. Byalynitsky-Birulya, B. A. Zenkevich, B. V. Ioganson, E. A. Katsman, P. I. Kotov, S. M. Luppov, I. I. Mashkov, V. N. Meshkov, N. M. Nikonov, A. M., N. یوون، V. N. Yakovlev. AHRR انتشارات، کارگاه های هنری و تولیدی خود را داشت. همه اینها برای محبوبیت گسترده خلاقیت اعضای انجمن در بازتولید پرتیراژ نقاشی ها، کپی های آنها استفاده شد. او اغلب از شورای نظامی انقلاب برای برپایی نمایشگاه ها یارانه و دستور دریافت می کرد. اساس فنی و مادی AHRR-AHR به طرز بی‌اندازه‌ای قدرتمندتر از همه انجمن‌های دیگر بود و هنرمندان گروه‌های دیگر را در شرایط نابرابر زندگی و کار قرار می‌داد. این شرایط و از همه مهمتر، ادعای رهبری انجمن باعث شد تا تقریباً همه گروه‌هایی که به مفهوم خلاقانه دیگری تعلق داشتند، به شدت منفی و مخالفت شود.

سال بعد، 1923، هنرمندان "جک الماس" در "نمایشگاه نقاشی" توسط گروهی نزدیک به دوره کلاسیک (1910-1914)، بلکه به سال های بعدی، در "نمایشگاه نقاشی" اجرا کردند. در سال 1925 آنها سازماندهی کردند. انجمن نقاشان مسکو، و سه سال بعد آنها اساس انجمن بزرگ "انجمن هنرمندان مسکو" (OMH) شدند.

در مبارزه انجمن های هنری، "جک الماس" به نمایندگی از دروین، کنچالوفسکی، کوپرین، لنتولوف، اوسمرکین، اودالتسووا، فالک، فدوروف مرکز بود. طیف وسیعی از ایده های او از اکسپرسیونیسم تا بدوی گرایی هم در کار خود اعضای این جامعه و هم در انجمن ها و گروه های دیگر وجود داشت.

در سال 1923، انجمن های کمتر قابل توجهی نیز به نمایش گذاشته شد - "مجمع"، "جامعه هنرمندان مدرسه مسکو" و دیگران.

در سال 1924، "1 نمایشگاه قابل بحث از انجمن های هنر انقلابی فعال" بیننده را با فارغ التحصیلان وخوتماس آشنا کرد که در سال 1925 بعدی در انجمن نقاشان Easel (OST) متحد شدند - یکی از مهم ترین در دهه 20. هنرمندان A. O. Barshch، P. V. Williams، K. A. Vyalov، A. D. Goncharov، A. A. Deineka، A. N. Kozlov، A. A. Labas، S. A. Luchishkin، Yu I. Pimenov، N. A. Shifrin، D. N. Shterenberg - یکی از بنیانگذاران بعدی این انجمن، یکی از بنیانگذاران بعدی این انجمن بود. استادان - M. M. Axelrod، V. S. Alfeevsky، G. S. Berendhof، S. N. Bushinsky، M. E. Gorshman، M. S. Granavtsev، E. S. Zernov، I. V. Ivanovsky، S. B. Nikritin، A. V. Shchipitsen و دیگران.

OST در برنامه و کار خود ارزش نقاشی سه پایه را به معنایی جدید تأیید کرد، نه به عنوان یک انعکاس آینه ای غیرفعال از واقعیت، بلکه به عنوان یک بازتاب خلاقانه دگرگون شده، اشباع از تفکر و احساسات وجود در ذات، غنا و پیچیدگی آن. مفهوم آنها دستاوردهای هنر چپ را با ادراک تیز رنگ، فرم و ریتم و با افزایش احساسات همراه می کرد. همه اینها با مضامین جدید نقاشی های آنها، منظر شهری، موضوع تولید و ورزش مطابقت داشت. هنرمندان این گروه در تئاتر، چاپ (پوستر، تصویرسازی) بسیار کار کردند. متعاقباً ، در سال 1931 ، گروه ایزوبریگاد از OST - ویلیامز ، ویالوف ، زرنووا ، لوچیشکین ، نیکریتین ظاهر شد.

در سال 1925، یک انجمن جدی و قابل توجه جدید "4 هنر" وارد عرصه نمایشگاه شد که شامل نمایندگان "دنیای هنر"، "انجمن هنرمندان مسکو"، "رز آبی"، "Makovets" و دیگران بود.

برنامه اتحاد شامل فرمول‌بندی‌ها و درخواست‌های تند نبود و با خویشتنداری متمایز بود. شروع مشترک اول از همه حرفه ای بودن بالا بود. این منجر به طیف گسترده ای از جستجوهای خلاقانه شد که در انجمن هنرمندان گنجانده شد - M. M. Axelrod، V. G. Bekhteev، L. A. Bruni، A. D. Goncharov، M. E. Gorshman، E. V. Egorova، I. V. Ivanovsky، K. N. Istomin، P. V. Kuznetsov، N.Kuznetsov، N. ماتویف، وی. ام. میدلر، وی. آ. میلاسفسکی، پی. وی. میتوریچ، وی. آی. موخینا، آی. آی. نیوینسکی، پی. یا. پاولینوف، ن. آی. پادالیتسین، اس. ام. رومانوویچ، ن. یا. سیمونوویچ-افیمووا، ام. ام. V. A. Favorsky و دیگران. تا سال 1928 انجمن چهار نمایشگاه برگزار کرد.

در سال 1926، برای اولین بار، مجسمه سازان مسکو نمایشگاهی از مجسمه سازی ترتیب دادند، سپس انجمن مجسمه سازان روسی (ORS) را تشکیل دادند که آثار خود را چهار بار در نمایشگاه ها به نمایش گذاشتند.

در اولین سال های پس از انقلاب، مجسمه سازان مسکو در اجرای طرح تبلیغات یادبود شرکت کردند. آنها بیست و پنج بنای تاریخی را در پایتخت و همچنین در شهرهای دیگر برپا کردند. بسیاری از آنها زنده نمانده اند، زیرا مجسمه از مواد شکننده ساخته شده است و برخی بناهای تاریخی عمدا تخریب شده اند. در سالهای بعد، مجسمه سازان در مسابقات مختلفی شرکت کردند: برای بنای یادبود کارل مارکس در میدان خودینسکویه در مسکو (1919)، "کار رهایی یافته"، برای بنای یادبود A.N. Ostrovsky در مسکو (1924). مجسمه سازان آثار خود را در نمایشگاه های انجمن های مختلف به نمایش گذاشتند.

S. F. Bulakovsky، A. S. Golubkina، I. S. Efimov، A. E. Zelensky، L. A. Kardashev، B. D. Korolev، S. D. Lebedeva، V. I. Mukhina، A. I. Teneta، I. G. Frikh-Har، D. A. Yakerson - اعضای این نمایشگاه با طرح و طرح OPC ارائه شده اند. کارهای کوچک

در سال 1926، با ادامه روند ایجاد گروه های جدید هنرمندان، تعدادی انجمن مانند "انجمن هنرمندان رئالیست" (OHR)، - V. P. Bychkov، V. K. Byalynitsky-Berulya، P. I. Kelin، E V. Oranovsky، به نمایش گذاشته شد. P. I. Petrovichev، L. V. Turzhansky و دیگران.

گروه راه نقاشی از ماکوتس جدا شد. این گروه جالب اما کمتر شناخته شده از هنرمندان دو نمایشگاه (1927، 1928) برگزار کردند. این شامل T. B. Aleksandrova، P. P. Babichev، S. S. Grib، V. I. Gubin، L. F. Zhegin، V. A. Koroteev، G. V. Kostyukhin، V. E. Pestel بود.

در سال 1928، گروهی از جوانان، شاگردان R. R. Falk، نمایشگاهی از جامعه روست ترتیب دادند. این شامل: E. Ya. Astafieva، N. V. Afanasyeva، L. Ya. Zevin، N. V. Kashina، M. I. Nedbaylo، B. F. Rybchenkov، O. A. Sokolova، P. M. Pusher، E. P. Shibanova، A. V. Shchipitsyn.

یکی از بزرگترین و مهم ترین در آهنگسازی، "انجمن هنرمندان مسکو" (OMH) در سال 1928 تشکیل شد که نمایندگان "جک الماس"، "ماکوتس" و سایر انجمن ها را که تا آن زمان از هم پاشیده بودند، تشکیل داد. OMX پایه تولید و فنی خود را داشت. پس از ترتیب دادن دو نمایشگاه (1928، 1929)، سپس مانند سایر انجمن ها منحل شد. ترکیب OMC شامل هنرمندانی بود: S. V. Gerasimov، A. D. Drevin، K. K. Zefirov، V. P. Kiselev، A. V. Kuprin، P. P. Konchalovsky، B. D. Korolev، A. V. Luntulov، A. A. Lebedev-Shuisky، N. I. Kh. Maksi. Osmerkin، M. S. Rodionov، S. M. Romanovich، G. I. Rublev، S. M. Taratukhin، N. A. Udaltsova، R. R. Falk، G. V. Fedorov، A. V. Fonvizin، V. V. Favorskaya، I. I. Chekmazov، N. M.، M.. Sheekmazov، N. در سال 1929، "گروه هنرمندان 13" به نمایش گذاشته شد - هنرمندان گرافیست و نقاشان، افراد همفکر خلاقی که با هنر مدرن اروپایی هدایت می شدند و در کار خود یک طراحی و نقاشی روان روان از طبیعت را پرورش می دادند، یک واقعیت زنده و در حال تغییر را تثبیت می کردند. گذرا بودن آن ظاهر این انجمن با استقبال عمومی مواجه شد. اما هنرمندان این فرصت را داشتند که حملات انتقاد مبتذل خصمانه علیه جریانات چپ و هرگونه توسل به هنر غرب را به طور کامل تجربه کنند. "13" دو نمایشگاه (1928، 1929) برگزار کرد. این گروه شامل دی. N. A. Udaltsova. در سال 1930 انجمن های "اکتبر" و "اتحادیه هنرمندان شوروی" ایجاد شدند. Oktyabr شامل A. A. Daineka، G. G. Klutsis، D. S. Moor، A. M. Rodchenko، V. F. Stepanova بود.

اتحادیه هنرمندان شوروی توسط هنرمندان V.K. Byalynitsky-Birulya، K. S. Eliseev، P. I. Kotov، M. V. Matorin، A. A. Plastov، V. S. Svarog، V. N. Yakovlev و دیگران. انجمن یک نمایشگاه داشت (1931).

در اواخر دهه 1920 و 1930، ایده ایجاد فدراسیونی از گروه های خلاق به طور مداوم شروع به توسعه کرد. یکی از تلاش ها انجمن هنرمندان پرولتری روسیه (RAPH) بود که شامل AHR، OMAHR و OKhS بود. فدراسیون انجمن های هنرمندان شوروی (FOSH) که در سال 1931 بوجود آمد، شامل AHR، RAPH، OKhK، MAHR، OMKh، ORS، OST، Izobrigad، ORP بود. FOSH "نمایشگاه ضد امپریالیستی" را به مناسبت روز جهانی سرخ ترتیب داد.

در سال 1932 آخرین نمایش های انجمن های خلاق هنرمندان برگزار شد.

در پایان دهه 1920، حضور در مطبوعات به شدت شخصیت آنها را تغییر داد، ابتذال به طور فزاینده ای در صفحات بسیاری از مجلات، مانند بریگاد هنرمندان، برای هنر پرولتری و دیگران نفوذ کرد. هنرمندان و چهره‌های فرهنگی مورد انتقاد گستاخانه‌ای قرار گرفتند و بی‌مورد و بدون اساس اتهامات سیاسی به آنها وارد شد.

این اتهامات در حوزه فرهنگ مستقیماً ناشی از تغییرات سیاسی در کشور بود. در سالهای 1927-1928، یک سبک توتالیتر جدید برای اداره زندگی کشور شروع به توسعه کرد و بوروکراسی استالینیستی به طور فعال در حال شکل گیری بود. یک زیبایی شناسی معمولی جدید در حال شکل گیری بود که بر اساس آن هنرمندان و شخصیت های فرهنگی نقش تصویرگر آن مواضع ایدئولوژیکی را که مستقیماً توسط استالین و اطرافیانش بیان می شد، تعیین کردند. هنرمندان باید در تبلیغ اندیشه های حزب شرکت می کردند، بدون اینکه در پاسخگویی به پدیده های لحظه ای زندگی کوتاهی کنند. همه اینها نه تنها در مورد هنر تبلیغاتی- توده ای با واکنش پویای آن به رویدادهای واقعیت، بلکه در مورد هنر سهل نیز صدق می کرد. بنابراین، هنرمندان از حق درک عمیق فردی خلاقانه از واقعیت، مشکلات معنوی آن، برای بیان افکار و احساسات خود محروم شدند. نمایشگاه های موضوعی مانند «ضد الکل»، «هنر سومین سال تعیین کننده برنامه پنج ساله» و... شروع به برپایی کردند که برای چنین نمایشگاه هایی هنرمندان باید در کمترین زمان ممکن آثاری را خلق می کردند.

در مورد نمایشگاه های موضوعی اختصاص داده شده به هر پدیده، رویداد، سالگرد خاص، این افتتاحیه دهه 1920 است. اعضای AHRR اولین کسانی بودند که آنها را سازماندهی کردند، به عنوان مثال، "از زندگی و زندگی ارتش سرخ کارگران و دهقانان" و "زندگی و زندگی کارگران" (1922)، سپس نمایشگاه های اختصاص داده شده به سالگردها. ارتش سرخ که سنتی شد. شورای نظامی انقلابی تا دهمین سالگرد تأسیس خود، موضوعات آثار را توسعه داد و با هنرمندان قرارداد امضا کرد. برای توسعه هنر اتحاد جماهیر شوروی، نمایشگاه "هنر خلق های اتحاد جماهیر شوروی" که در سال 1927 توسط آکادمی دولتی هنر برگزار شد، مهم بود، که در آن آثار بسیاری از ملیت های کشور به طور کامل ارائه شد.

در اواخر دهه 1920، طرح ها و طرح هایی از طبیعت، پرتره های کارگران و دهقانان، معدنچیان و ماهیگیران در نمایشگاه ها ظاهر شد. آنها حاصل سفر هنرمندان مسافرتی در سفرهای کاری برای مطالعه زندگی کشور بودند. هنرمندان غنی ترین مواد را برای خلاقیت دریافت کردند، با فرآیندهای تولید در کارخانه ها و معادن، در مزارع و هنرهای ماهیگیری آشنا شدند. با افراد جالبی آشنا شد. اما هنرمندان نتوانستند از این ماده با فداکاری خلاقانه واقعی استفاده کنند. برنامه‌ریزی ایدئولوژیک قبلاً شروع به تأثیرگذاری کرده است - برای دیدن و به تصویر کشیدن یک زندگی زیبا، بدون درگیری و شاد.

از اواسط دهه 1920، روندهای منفی در زمینه فرهنگ و هنر بیش از پیش در مسکو آشکار شده است. آنها شروع به شلوغ کردن و حتی تخریب مؤسسات فرهنگی کردند. یکی یکی موزه های پرولتاریا منحل شدند. اولین موزه نقاشی جدید غربی تعطیل شد و ساختمان آن به ادارات نظامی منتقل شد. با وجود درخواست گالری ترتیاکوف، خانه گالری Tsvetkova که مخصوص موزه ساخته شده بود، به مسکن واگذار شد. موزه عمومی و رومیانتسف مسکو با انتقال محل و مجموعه کتاب آن به کتابخانه اتحاد جماهیر شوروی بسته شد. V. I. لنین. و مجموعه‌های نقاشی و گرافیک، و همچنین مجموعه‌های موزه‌های منحل‌شده، به گالری دولتی ترتیاکوف و موزه دولتی هنرهای زیبا در اتاق‌های شلوغ و شلوغ، عمدتاً در انبارها، منتقل شدند. در سال 1928 موزه فرهنگ نقاشی منحل شد. همه اینها نمی توانست زندگی هنری کشور و مسکو را در سال های بعدی به منفی ترین شکل تحت تأثیر قرار دهد. موزه ها نه تنها ضروری ترین مدرسه برای هنرمندان بودند، بلکه نقش مهمی در شکل گیری مخاطب جدید داشتند. موزه های مسکو از نظر شخصیت، مجموعه و مقیاس متنوع بودند. به تدریج، آنها دستخوش یکسان سازی و استانداردسازی شدند، فعالیت پرشور آنها بعداً در چارچوبی سختگیرانه که توسط مقامات هنری تعیین شده بود، وارد شد. انحلال موزه ها و سایر اقدامات در عرصه فرهنگ مردم را از هنر اصیل و فرهنگ عالی طرد کرد.

در 23 آوریل 1932، کمیته مرکزی حزب کمونیست تمام اتحادیه بلشویک ها قطعنامه ای "در مورد تجدید ساختار سازمان های ادبی و هنری" را تصویب کرد که همه انجمن های هنری را منحل کرد و سازمان جدیدی را جایگزین آنها کرد - اتحادیه هنرمندان شوروی. با ساختار و مدیریتی همگن، مشابه هر دستگاه استاندارد بوروکراتیک برای نظارت بر فعالیت هنرمندان و اجرای تصمیمات از بالا. به خصوص آسیب بزرگی به مسکو وارد شد ، جایی که زندگی معنوی از زمان های بسیار قدیم با روح آزادی ، استقلال و تنوع متنوع ترین پدیده ها مشخص می شد.

دهه 1930 غم انگیزترین سالهای زندگی مردم ما بود. زمان بی تفاوتی فرا رسیده است. با یک غلتک ایدئولوژیک سنگین، همه چیز در فرهنگ خرد و یکسان شد و به یکنواختی رسید. از این پس، همه چیز باید از دستورات اداری برخاسته از بالا پیروی کند که مسئولان هنری با عصبانیت آن را در زندگی پیاده کردند.

از اواخر دهه 1920، سرکوب هنرمندان را ربود، اکنون آنها با قدرت بیشتری به چهره های فرهنگی ضربه می زنند. بسیاری از هنرمندان در اردوگاه ها جان خود را از دست دادند و آثار آنها بدون هیچ ردی در روده های دستگاه تحقیق ناپدید شد. در این نمایشگاه آثار هنرمندانی که تحت سرکوب قرار گرفتند - A. I. Grigoriev، A. D. Drevin، A. K. Vingorsky، L. L. Kvyatkovsky، G. I. Klyunkov، G. D. Lavrov، E. P. Levina-Rozengolts، Z. I. Oskolkova، P. F. Oskolkova، P. F. E. V. Safonova، M. K. Sokolov، Ya. I. Tsirelson، A. V. Shchipitsyn.

فعالیت‌ها و ژانرهای معتبر اجتماعی در هنر تشویق شدند: یک نقاشی موضوعی که مطابق با قوانین ایدئولوژیک ساخته شده است، پرتره‌های اعضای دولت، رهبران حزب و غیره.

شور و شوق زحمتکشان برای ساختن زندگی جدید به هر طریقی در کشور برانگیخته شد. به همین ترتیب از شور و شوق هنرمندان و هنرمندانی که در جوانه های ضعیف نو، مشتاق دیدن آینده ای خوش برای کشور و همه بشریت بودند که از تریبون رهبر حزب وعده داده بود، بهره برداری شد. آنها به دنبال تجسم این رویاها در آثار خود بودند و زندگی شاد خیالی را به تصویر می کشند، بدون اینکه به زندگی واقعی مردم نگاه کنند. نمایشگاه‌ها تحت سلطه بوم‌هایی مملو از ترس‌های کاذب، محتوای جعلی، جدا از زندگی، درخشیدن با وسایل تازه نقاشی شده بودند. افسانه های خارق العاده غیر واقعی در مورد شادی و سعادت عمومی مردم تحت رهبری خردمندانه حزب و رهبر آن شروع به تولد و به طور مصنوعی در جامعه ایجاد کردند.

حال و گذشته کشور، تاریخ، قهرمانان آن تحریف شد. یک فرآیند تغییر شکل شخصیت وجود داشت، یک فرد جدید "جعل" شد، یک چرخ دنده در ماشین، عاری از نیازهای معنوی فردی. فرامین اخلاق عالی انسانی مملو از موعظه های مبارزه طبقاتی بود. همه اینها پیامدهای غم انگیزی برای هنر و فرهنگ کشور داشت.

ماهیت نمایشگاه های مسکو در دهه 1930 به طرز چشمگیری تغییر کرد. نمایش‌های بی‌نظیر و بدیع گروه‌ها و هنرمندان منفرد، آغشته به انرژی اکتشافات خلاقانه، جای خود را به نمایشگاه‌های بی‌شکل مانند «پاییز»، «بهار»، نمایشگاه‌های مناظر، پیمانکاران، زنان هنرمند و غیره دادند. ، آثار با استعداد. با این حال، آنها لحن را تعیین نکردند، بلکه "از نظر ایدئولوژیک تایید شده بودند"، حتی اگر به اندازه کافی هنری نباشند. نمایشگاه های موضوعی هنوز ترتیب داده می شد. در میان آنها، نمایشگاه های قابل توجه و جالب بودند: "هنرمندان RSFSR برای 15 سال" (1933)، که هنوز هم تا حد زیادی به دوره قبل تبدیل شده است، و همچنین "صنعت سوسیالیسم" (1939).

بیشتر آثار نمایشگاه های بزرگ به دستور دولت انجام شد. مبارزه برای نظم، و در نتیجه، برای شناخت، برای رفاه مادی اشکال زشتی به خود گرفت. اکنون "حمایت" دولتی برای بسیاری از هنرمندان با استعدادی که هدایت رسمی در هنر و دستورات بخش پیشرو را نپذیرفتند ، تراژدی تکفیر از بیننده ، از به رسمیت شناختن کار خود روی آورده است.

بسیاری از هنرمندان مجبور بودند زندگی مضاعفی داشته باشند و کارهایی را طبق سفارش طبق «دستورالعمل‌های» تنظیم شده اجرا کنند و برای خودشان در خانه، مخفیانه از همه، آزادانه و بدون ممانعت کار کنند، بدون اینکه بهترین آثار خود را به نمایش بگذارند و امیدوار نباشند که بتوانند آنها را به نمایش بگذارند. نام آنها برای مدت طولانی از صفحات کاتالوگ نمایشگاه خارج شد. T. B. Aleksandrova، B. A. Golopolosov، T. N. Grushevskaya، L. F. Zhegin، A. N. Kozlov، V. A. Koroteev، G. V. Kostyukhin، E. P. Levina-Rozengolts، M. V. Lomakina، V. E. Pestel، M.N.Pestel، M.K. ، محروم از کارگاه ها، سفارش ها و گاه حتی ابزار وجود، گرسنه، اما در اراده خلاق خود آزادند. آنها جدا از جامعه و حتی از یکدیگر، جدا از هم، شاهکار خلاق خود را به تنهایی انجام دادند. آنها با تدریس، کار در صنعت چاپ، تئاتر، سینما امرار معاش می کردند و حرفه ای، ذوق و مهارت بالا را به هر زمینه ای از فعالیت می رساندند.

آثار هنرمندان رسمی شناخته شده اغلب در موزه ها به پایان می رسد و فضای داخلی موسسات رسمی در رده های مختلف را تزئین می کند. در این نمایشگاه چنین آثاری وجود ندارد. آثار هنرمندانی که از انجام سفارشات دور شده‌اند، سال‌ها در خانه نگهداری می‌شد.

این نقاشی ها، به عنوان یک قاعده، بزرگ نیستند، بر روی بهترین بوم ها ساخته نشده اند، رنگ ها از بالاترین کیفیت برخوردار نیستند. اما آنها زندگی واقعی می دمند، دارای جذابیت پایدار هستند و تجربه معنوی عظیم زمان خود را در خود حمل می کنند. آنها جهان بینی پیچیده و گاه تراژیک یک نسل کامل را بیان می کنند، نه در ظاهر، نه به صورت توصیفی، بلکه با تمام ابزارهای هنری اصیل. اگر محتوای نقاشی‌های رسمی به سوی آینده‌ای شاد ناشناخته هدایت می‌شود، با دور زدن امروز، هنرمندان واقعی زندگی واقعی معاصران خود را در آن فضای دشوار فقدان آزادی، آزار و اذیت و نه در بهشت ​​موعود شادی جهانی آینده نشان دادند. آنها قهرمانی روزمره غلبه بر مشکلات بی شمار، تحقیرها، غیرانسانی بودن را آشکار کردند، ارزش های واقعی را تأیید کردند - مهربانی و عشق به همسایه، ایمان، صلابت.

مناظر K. N. Istomin، V. A. Koroteev، A. I. Morozov، O. A. Sokolova، B. F. Rybchenkov غنایی، صنعتی، شهری، پر از احساسات عمیق، تأملات فلسفی است. حتی طبیعت بی جان M. M. Sinyakova-Urechina، A. N. Kozlov، I. N. Popov به طرز شگفت آوری جالب است و افکاری در مورد سرنوشت و زمان دارد. این پرتره درخشان ترین و مهم ترین در آثار E. M. Belyakova، D. E. Gurevich، L. Ya. Zevina، K. K. Zefirova، E. P. Levina-Rozengolts، A. I. Rubleva، R. A. Florenskaya، بسیاری از استادان دیگر است. اینها بیشتر پرتره های افراد نزدیک، اقوام هستند. به عنوان یک قاعده، آنها یک احساس تماس عمیق بین فرد به تصویر کشیده شده و هنرمند منتقل می کنند. آنها گاهی با نیروی زیادی لایه های درونی زندگی معنوی را آشکار می کنند. اغلب هنرمندان آن سال ها به موضوعات کتاب مقدس روی آوردند. شاید آنها سعی کردند که دوران و اعمال آن را از طریق منشور ارزش های جهانی درک کنند (L. F. Zhegin، S. M. Romanovich، M. K. Sokolov).

در سال‌های اخیر، آثار این هنرمندانی که زمانی رسماً شناخته نشده بودند، در نمایشگاه‌های زیادی به نمایش درآمده است. آنها با بیرون آمدن از زیرزمین، تصاویر پلان رسمی را کنار زدند، به لطف کمال هنری بالا، انرژی معنوی قدرتمندی که در کمین آنها بود، حس حقیقتی که در بیننده بیدار می شود. اینها آثار هنرمندان R. N. Barto، B. A. Golopolosov، A. D. Drevin، K. K. Zefirov، L. F. Zhegin، K. N. Istomin، M. V. Lomakina، A. I. Rubleva، G. I. Rubleva، N. V. Sinezubova، N. Yaf. R. A. Florenskaya و دیگران.

این نمایشگاه مطالب زیادی را برای تأمل فراهم می کند، مشکلات زیادی را مطرح می کند که نیاز به تحقیقات دقیق بیشتری دارد. همچنین مهمترین سوال را در مورد سرنوشت آینده هنر مسکو به عنوان یک کل مطرح می کند. مسکو، یک مولد قدرتمند ایده های هنری، یک مدرسه هنر و آموزش، یک مرکز موزه کشور، در حال حاضر فرصت ایستادن در برابر بیننده را با تمام غنا و یکپارچگی خود ندارد. او سال هاست که به طور خستگی ناپذیر کشور را غنی می کند، موزه های همه مناطق را با آثار هنرمندان خود پر می کند، همه چیز را می بخشد و چیزی برای خود باقی نمی گذارد. از این دست هنرمندان بسیارند که آثارشان کاملاً در موزه های مختلف کشور پراکنده است و اصلاً در پایتخت نمایندگی ندارند.

آثار به نمایش گذاشته شده در این نمایشگاه موادی هستند که می توانند مبنای ایجاد موزه هنر مسکو شوند. این صندوق بالقوه اوست. اما همچنین می تواند بدون هیچ ردی ناپدید شود و در انبارهای موزه های مختلف و مجموعه های خصوصی پراکنده شود. مسکو باید از ایجاد موزه خود مراقبت کند و فوراً این کار را انجام دهد.

L. I. Gromova

جزئیات دسته: هنرهای زیبا و معماری دوره شوروی ارسال شده در 1397/09/14 ساعت 13:37 بازدید: 1845

از دهه 1930 قرن XX. هنر رسمی در روسیه مطابق با رئالیسم سوسیالیستی توسعه یافت. تنوع سبک های هنری پایان یافت.

دوره جدید هنر شوروی با کنترل شدید ایدئولوژیک و عناصر تبلیغاتی مشخص شد.
در سال 1934، در اولین کنگره سراسری نویسندگان شوروی، ماکسیم گورکی اصول اساسی رئالیسم سوسیالیستی را به عنوان روشی در ادبیات و هنر شوروی تدوین کرد:

ملیت
ایدئولوژی
بتن ریزی.

اصول رئالیسم سوسیالیستی نه تنها اعلام شد، بلکه توسط دولت نیز حمایت شد: دستورات دولتی، سفرهای تجاری خلاقانه برای هنرمندان، نمایشگاه های موضوعی و سالگرد، احیای هنر تاریخی به عنوان یک هنر مستقل، زیرا. منعکس کننده "چشم انداز بزرگ برای توسعه جامعه سوسیالیستی".
مهمترین نمایندگان نقاشی سه پایه این دوره بوریس یوگانسون، سرگئی گراسیموف، آرکادی پلاستوف، الکساندر دینکا، یوری پیمنوف، نیکولای کریموف، آرکادی رایلوف، پیوتر کنچالوفسکی، ایگور گرابار، میخائیل نستروف، پاول کورین و دیگران بودند. مقالاتی برای برخی از هنرمندان

بوریس ولادیمیرویچ یوگانسون (1893-1973)

ب. آیوگانسون. سلف پرتره

یکی از نمایندگان برجسته رئالیسم سوسیالیستی در نقاشی. او در سنت های نقاشی روسی قرن نوزدهم کار کرد، اما "محتوای انقلابی جدید، همخوان با دوران" را به آثار خود وارد کرد.
او همچنین معلم نقاشی، مدیر گالری دولتی ترتیاکوف در 1951-1954، دبیر اول اتحادیه هنرمندان اتحاد جماهیر شوروی، سردبیر دایره المعارف "هنر کشورها و مردمان جهان" بود. ، دارای جوایز و عناوین دولتی بسیاری بود.
دو تا از نقاشی های او به ویژه معروف هستند: "بازجویی از کمونیست ها" و "در کارخانه قدیمی اورال" (1937).

B. Ioganson "بازجویی از کمونیست ها" (1933). بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 211 × 279 سانتی متر (مسکو)
تاریخچه ایجاد تصویر در این مورد برای درک ایده آن ضروری است. «من شخصاً با ایده کنار هم قرار دادن طبقات، با تمایل به بیان تضادهای طبقاتی آشتی ناپذیر در نقاشی دنبال شدم.
گارد سفید یک محصول خاص در تاریخ است، این گارد بزرگی است که در آن بقایای افسران قدیمی، سودجویان با لباس نظامی و راهزنان آشکار و غارتگران جنگ با هم مخلوط شده اند. کمیسرهای نظامی ما، کمونیست‌ها، که رهبران ایدئولوژیک و مدافعان میهن سوسیالیستی خود و زحمتکشان بودند، چه تضاد قابل توجهی با این باند داشتند. این وظیفه خلاقانه من بود که این تضاد را بیان کنم، مقایسه کنم» (بی. یوگانسون).
یکی از افسران گارد سفید روی یک صندلی طلاکاری شده و پشتش به بیننده نشسته است. بقیه افسران سفید روبه رو هستند. برای تقویت جلوه دراماتیک، هنرمند نور مصنوعی در شب می دهد. شکل اسکورت در لبه تاریک بالای گوشه سمت چپ قرار گرفته است و شبح به سختی قابل توجه است. در گوشه سمت راست پنجره ای با پرده وجود دارد که نور شب اضافی از آن عبور می کند.
به نظر می‌رسد که کمونیست‌ها در مقایسه با سفیدپوستان در سطح بالایی قرار دارند.
کمونیست ها یک دختر و یک کارگر هستند. آنها در نزدیکی ایستاده اند و با آرامش به چهره دشمنان خود نگاه می کنند، هیجان درونی آنها پنهان است. کمونیست های جوان نماد نوع جدیدی از مردم شوروی هستند.

سرگئی واسیلیویچ گراسیموف (1885-1964)

اس. گراسیموف. سلف پرتره (1923). بوم، روغن. 88 × 66 سانتی متر موزه هنر خارکف (خارکوف، اوکراین)
هنرمند روسی، نماینده امپرسیونیسم روسی، به ویژه در مناظر خود آشکار می شود. او همچنین تعدادی نقاشی استاندارد سوسیالیستی رئالیستی خلق کرد.

S. Gerasimov "بهار. مارس". بوم، روغن
در ژانر تاریخی مشهورترین اثر او سوگند پارتیزان های سیبری است.

S. Gerasimov "سوگند پارتیزان های سیبری" (1933). بوم، روغن. موزه دولتی روسیه (پترزبورگ) 173 × 257 سانتی متر
تصویر از نظر محتوا شدید، اما رسا و رسا است. دارای ترکیب مشخص و جهت گیری ایدئولوژیک است.
ژانر نقاشی S. Gerasimov "تعطیلات مزرعه جمعی" (1937) یکی از برجسته ترین آثار هنر شوروی دهه 30 قرن بیستم محسوب می شود.

S. Gerasimov "تعطیلات مزرعه جمعی" (1937). بوم، روغن. 234 x 372 سانتی متر گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)
یکی از معروف ترین نقاشی های مربوط به جنگ، نقاشی اس. گراسیموف "مادر یک پارتیزان" بود.

S. Gerasimov "مادر یک پارتیزان" (1943-1950). بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)
خود این هنرمند در مورد ایده این نقاشی چنین صحبت کرد: "من می خواستم تمام مادرانی را که پسران خود را به جنگ فرستادند در تصویر او نشان دهم."
زن در حق خود استوار است، او قدرت عظیم خشم مردم را به تصویر می کشد. او رنج می برد، اما این رنج یک فرد مغرور و قوی است، بنابراین چهره او در این لحظه غم انگیز آرام به نظر می رسد.

آرکادی الکساندرویچ پلاستوف (1893-1972)

پی. بندل. پرتره هنرمند Plastov

هنرمند A. Plastov "خواننده دهقانان شوروی" نامیده می شود. تمام نقاشی های ژانر او در پس زمینه یک منظره خلق شده اند. طبیعت روسی این هنرمند همیشه غنایی و متحرک است. نقاشی های او با بیان شاعرانه و تقریباً بدون درگیری متمایز است.

A. Plastov "اولین برف" (1946)
این هنرمند قطعه کوچکی از زندگی روستایی را به تصویر کشید. در آستانه یک خانه چوبی، دو کودک دهقان، به احتمال زیاد یک خواهر و یک برادر قرار دارند. صبح که از خواب بیدار شدند، برف را دیدند و به ایوان دویدند. دختر حتی وقت نداشت یک شال زرد گرم ببندد، فقط آن را روی یک لباس مجلسی روشن انداخت و پاهایش را داخل چکمه های نمدی گذاشت. بچه ها با تعجب و لذت به اولین برف نگاه می کنند. و این شادی، این لذت کودکانه از زیبایی طبیعت به مخاطب منتقل می شود.
پلاستوف یک رئالیست سرسخت است. جستجو برای چیزی کاملاً جدید و بی سابقه برای او بیگانه بود. او در دنیا زندگی می کرد و زیبایی آن را تحسین می کرد. پلاستوف معتقد بود: مهمترین چیز برای یک هنرمند دیدن این زیبایی و انتقال آن بر روی بوم است. نیازی به زیبا نوشتن نیست، باید حقیقت را بنویسید و از هر خیالی زیباتر خواهد بود.

A. Plastov "لبه طلایی" (1952). بوم، روغن. 57 × 76 سانتی متر موزه ایالتی کرملین روستوف-رزرو

A. Plastov "Haymaking" (1945). بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 193 × 232 سانتی متر (مسکو)
این هنرمند مجموعه ای از نقاشی ها را در مورد جنگ بزرگ میهنی خلق کرد. بوم "فاشیست پرواز کرد" مملو از تراژدی است، آن را شاهکار هنر شوروی دوره نظامی و پس از جنگ می دانند.

A. Plastov "فاشیست پرواز کرد" (1942). بوم، روغن. 138 × 185 سانتی متر گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)
هنرمند A. Deineka به کار بر روی موضوعات مورد علاقه خود ادامه می دهد.

یوری ایوانوویچ پیمنوف (1903-1977)

معروف به نقاش، هنرمند تئاتر، طراح صحنه و گرافیست، هنرمند پوستر، معلم.
مشهورترین نقاشی او مسکو جدید است.

Y. Pimenov "مسکو جدید" (1937). بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 140 × 170 سانتی متر (مسکو)
نوشته شده در بحبوحه بازسازی پایتخت. یک زن پشت فرمان برای آن سال ها اتفاق نسبتاً نادری است. این نماد زندگی جدید است. راه حل ترکیبی نیز غیرمعمول است: تصویر شبیه یک قاب دوربین است. زن از پشت نشان داده می شود و این زاویه، انگار که بیننده را به تماشای شهر صبحگاهی از چشم او دعوت می کند. احساس شادی، طراوت و حال و هوای بهاری را ایجاد می کند. این امر با سبک نگارش امپرسیونیستی هنرمند و رنگ آمیزی ملایم نقاشی تسهیل می شود. تصویر آغشته به نگرش خوش بینانه، مشخصه آن زمان است.
این هنرمند هنگام نقاشی نقاشی "جاده جلو" نیز از این تکنیک استفاده کرد. محتوای عاطفی تصویر بر روی تضاد بین تصویر مسکو صلح آمیز و در حال تغییر و شهر غارت شده و ویران شده در نتیجه تهاجم فاشیست ها ساخته شده است که در نقاشی "جاده جلو" به تصویر کشیده شده است.

Y. Pimenov "جاده جلویی" (1944)
پیمنوف در اوایل کار خود تحت تأثیر اکسپرسیونیسم آلمانی قرار گرفت، که تا حد زیادی وضوح دراماتیک بهترین نقاشی‌های او را در این سال‌ها توضیح می‌دهد: «معتبران جنگ»، «صنعت سنگین بدهید!» (1927)، "سربازان به طرف انقلاب می روند" (1932). او به تدریج به سمت امپرسیونیسم رفت و به اصل خلاقانه "لحظه زیبا" پایبند بود.

یو پیمنوف "معتبران جنگ" (1926). موزه دولتی روسیه (پترزبورگ)

گئورگی گریگوریویچ نیسکی (1903-1987)

گئورگی نیسکی در این دوره به طور فعال در هنر منظره مشغول بود. نقاشی های او به دلیل لاکونیسم زیبا، پویایی، ترکیب بندی روشن و راه حل های ریتمیک قابل توجه است. طبیعت هنرمند همیشه به دست انسان دگرگون می شود.

G. Nissky "پاییز. سمافورها" (1932)

G. Nissky "منطقه مسکو. فوریه» (1957). بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)
از نقاشان منظره نسل قدیم می توان به نیکولای کریموف اشاره کرد.

نیکولای پتروویچ کریموف (1884-1958)

نیکولای کریموف (1921)
N.P. کریموف در خانواده یک هنرمند دوره گرد متولد شد، بنابراین جهت اصلی کار او یکسان بود. در سال های تحصیل (1905-1910) او به تصویری امپرسیونیستی از طبیعت تمایل داشت، رنگ های لطیف پاستلی و ضربه های روشن به بوم های نقاشی او جلوه ای معنوی و بی وزن می بخشید. در دهه 1920 او یکی از طرفداران نقاشی رئالیستی روسی شد.

N.P. کریموف "صبح در پارک مرکزی فرهنگ و اوقات فراغت به نام I. ام گورکی در مسکو» (1937). بوم، روغن. 81 × 135 سانتی متر گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)
آخرین دوره کار این نقاش با رودخانه اوکا و شهر کوچک تاروسا، جایی که کریموف برای بازدید از آن آمده است، مرتبط است. او مجذوب مناظر محلی و رودخانه اوکا بود که «دم از آزادی می زد».

N. Krymov "خیابان در تاروسا" (1952)
نقاشی های "پیش از گرگ و میش"، "Polenovo. رودخانه اوکا "و تعدادی دیگر. این هنرمند مناظر زمستانی زیادی دارد.

N. Krymov "زمستان. سقف ها" (1934)

آرکادی الکساندرویچ رایلوف (1870-1939)

A. Rylov. سلف پرتره با سنجاب (1931). کاغذ، جوهر، مداد ایتالیایی. گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)

نقاش منظره، گرافیست و معلم روسی و شوروی.
مشهورترین نقاشی او «لنین در رازلیو» است.

A. Rylov "V.I. لنین در رازلیو در سال 1917 (1934). بوم، روغن. 126.5 × 212 سانتی متر. موزه دولتی روسیه (پترزبورگ)
این یکی از بهترین آثار این هنرمند در اواخر دوره خلاقیت او است. هنرمند در این تابلو منظره را با ژانر تاریخی ترکیب می کند. اقامت لنین در رازلیو در تابستان 1917 یکی از موضوعات اصلی موضوع لنینیستی در هنرهای زیبای شوروی است. در منظر و در چهره پویای رهبر می توان هیجان و تنش لحظه را احساس کرد. ابرها بر فراز آسمان هجوم می آورند، باد درختان نیرومند را خم می کند، در مبارزه با این نیروهای طبیعی، چهره لنین با عزمی راسخ برای پیروزی به نام آینده به سوی باد می تازد.
دریاچه طوفانی و آسمان پریشان نماد طوفان است. گرگ و میش روی زمین فرود می آید. لنین که متوجه هیچ یک از اینها نمی شود، به شدت به دوردست ها نگاه می کند. این تعبیر از تصویر رهبر، نظم ایدئولوژیک دوران شوروی است.
ژانر پرتره شوروی در این زمان به طور فعال در حال توسعه است، که در آن پیوتر کونچالوفسکی، ایگور گرابار، میخائیل نستروف به وضوح خود را نشان می دهند.

P. Konchalovsky. پرتره سرگئی سرگیویچ پروکوفیف آهنگساز (1934). بوم، روغن. 181 × 140.5 سانتی متر گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)

P. Konchalovsky. پرتره V.E. میرهولد (1938). بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 211 × 233 سانتی متر (مسکو)
در دوره سرکوب جمعی، اندکی قبل از دستگیری و مرگ میرهولد، پی. کنچالوفسکی پرتره ای از این شخصیت برجسته تئاتر خلق کرد. در 7 ژانویه 1938، کمیته هنرها قطعنامه ای را برای انحلال تئاتر ایالتی Meyerhold تصویب کرد.
این هنرمند تضاد شخصیت با واقعیت اطراف را از طریق یک راه حل ترکیبی پیچیده منتقل کرد. این بوم نه یک رویاپرداز، بلکه مردی را به تصویر می کشد که سرنوشت او در تعادل است و او آن را می داند. کنچالوفسکی از طریق کنار هم قرار گرفتن یک فرش روشن، پوشیده از زیورآلات متراکم، و چهره تک رنگ کارگردان، تصویر تراژیک کارگردان- اصلاح طلب را آشکار می کند.

من. گرابار. پرتره آکادمیسین N.D. زلینسکی (1935). بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 95 × 87 سانتی متر (مسکو)

من. گرابار. پرتره ولادیمیر ایوانوویچ ورنادسکی (1935)

پاول دیمیتریویچ کورین (1892-1967)

پاول کورین (1933)
نقاش روسی و شوروی، نقاشی دیواری، استاد پرتره، مرمتگر و معلم، استاد.
او در پالخ بزرگ شد و با نقاشی نمادها شروع کرد. او در مدرسه مجسمه سازی و معماری مسکو تحصیل کرد، در نهایت به یکی از مهم ترین استادان پرتره اولیه شوروی تبدیل شد، یک گالری کامل از پرتره های روشنفکران زمان خود را ایجاد کرد.
ویژگی آثار این هنرمند به یاد ماندنی بودن، دامنه خشن و فرم‌های به وضوح مجسمه‌سازی شده است.
معروف ترین آثار پی کورین: سه گانه "الکساندر نوسکی"، پرتره های گئورگی ژوکوف و ماکسیم گورکی.

پی کورین. سه گانه "الکساندر نوسکی"
این سه‌گانه در سال جنگ بزرگ میهنی به این هنرمند سفارش داده شد، زمانی که موضوع مقابله با مهاجم در هنر اصلی بود.
در سمت چپ و راست سه‌گانه، سربازان به جنگ می‌روند. آنها توسط زنان اسکورت می شوند: یک مادر پیر، یک همسر که یک کودک کوچک را در آغوش گرفته است. آنها و همچنین سرزمین مادری خود نیاز به محافظت دارند.

در وسط تصویر یک جنگجو دیده می شود. الکساندر نوسکی در دوران باستان شوالیه های آلمانی را متوقف کرد، بنابراین او می تواند مدافعان را برای مبارزه با مهاجمان فاشیست الهام بخشد. شکل او به یاد ماندنی است - این خاطره قهرمانان روسی است. بنر با چهره مسیح تقدس سرزمین روسیه را به یاد می آورد. او با تکیه بر شمشیر ایستاده است - دشمنان باید از شمشیری که با آن آمده اند بمیرند.
پشت سر او سرزمین مادری اوست که باید از آن محافظت کرد.
نقاشی های موضوعی و پرتره های اجرا شده توسط استاد با معنویت و ترکیب تصاویر، سخت گیری ترکیب و طراحی مشخص می شود.
علاقه به شخصیت های خلاق از ویژگی های فضای این دوره است.