Ерата на импресионизма в живописта. Живопис в импресионизма: характеристики, история

Импресионизъм в живописта

произход

Появата на името

Първата важна изложба на импресионистите се състоя от 15 април до 15 май 1874 г. в студиото на фотографа Надар. Бяха представени 30 автора, общо 165 творби. Платно Моне - „Импресия. Изгряващо слънце " ( Импресия, soleil levant), сега в Musée Marmottin, Париж, написан през 1872 г., дава началото на термина „импресионизъм“: малко известният журналист Луи Лероа в статията си в списание Le Charivari нарича групата „импресионисти“, за да изрази своето презрение . Художниците от предизвикателство приемат този епитет, по-късно той се вкоренява, губи първоначалния си негативен смисъл и влиза в активна употреба.

Името "импресионизъм" е доста безсмислено, за разлика от името "Барбизонска школа", където поне има указание за географското местоположение на артистичната група. Още по-малко яснота има с някои художници, които формално не са включени в кръга на първите импресионисти, въпреки че техните техники и средства са напълно „импресионистични“ Уислър, Едуард Мане, Йожен Буден и др.) Освен това техническите средства на Импресионистите са били известни много преди XIX век и са били (частично, ограничено) използвани от Тициан и Веласкес, без да скъсват с доминиращите идеи на тяхната епоха.

Имаше друга статия (с автор Емил Кардон) и друго заглавие – „Бунтовническата изложба“, абсолютно неодобрително и осъдително. Именно тя точно възпроизвежда неодобрителното отношение на буржоазната публика и критиката към художниците (импресионисти), които доминират години наред. Импресионистите веднага бяха обвинени в неморалност, бунтарски настроения, липса на уважение. В момента това е изненадващо, защото не е ясно какво е неморалното в пейзажите на Камий Писаро, Алфред Сислей, ежедневните сцени на Едгар Дега, натюрмортите на Моне и Реноар.

Минаха десетилетия. И едно ново поколение художници ще стигне до истински колапс на формите и обедняване на съдържанието. Тогава и критиците, и публиката видяха в осъдените импресионисти - реалисти, а малко по-късно и класиците на френското изкуство.

Спецификата на философията на импресионизма

Френският импресионизъм не повдига философски проблеми и дори не се опитва да проникне в цветната повърхност на ежедневието. Вместо това импресионизмът се фокусира върху повърхностността, плавността на момента, настроението, осветлението или зрителния ъгъл.

Подобно на изкуството на Ренесанса (Ренесанса), импресионизмът се основава на характеристиките и уменията за възприемане на перспектива. В същото време ренесансовата визия експлодира с доказаната субективност и относителност на човешкото възприятие, което превръща цвета и формата в автономни компоненти на образа. За импресионизма не е толкова важно какво е показано на фигурата, а как е показано.

Техните картини представят само положителните аспекти на живота, без да засягат социални проблеми, включително глад, болести, смърт. Това по-късно води до разцепление сред самите импресионисти.

Ползите от импресионизма

Предимствата на импресионизма като тенденция включват демокрацията. По инерция изкуството през 19 век се смята за монопол на аристократите, висшите слоеве на населението. Именно те са били основните клиенти на стенописи, паметници, именно те са били основните купувачи на картини и скулптури. Парцелите с тежкия труд на селяните, трагичните страници на нашето време, срамните аспекти на войните, бедността, социалните сътресения бяха осъдени, не одобрени, не купени. Критиката на богохулния морал на обществото в картините на Теодор Жерико, Франсоа Миле намери отговор само от поддръжници на художници и няколко експерти.

Импресионистите по този въпрос заемат доста компромиси, междинни позиции. Бяха изхвърлени библейски, литературни, митологични, исторически сюжети, присъщи на официалния академизъм. От друга страна, те горещо желаеха признание, уважение, дори награди. Показателна е дейността на Едуар Мане, който години наред търси признание и награди от официалния Салон и неговата администрация.

Вместо това се появи визия за ежедневието и модерността. Художниците често рисуват хора в движение, по време на забавление или почивка, представят си изглед към определено място в определена светлина, природата също е мотивът на тяхната работа. Те взеха теми като флирт, танци, престой в кафенета и театри, разходки с лодка, по плажовете и в градините. Съдейки по картините на импресионистите, животът е поредица от малки празници, партита, приятни забавления извън града или в приятелска среда (редица картини на Реноар, Мане и Клод Моне). Импресионистите са сред първите, които рисуват във въздуха, без да завършват работата си в ателието.

Техника

Новата тенденция се различава от академичната живопис както технически, така и идеологически. На първо място, импресионистите изоставят контура, заменяйки го с малки отделни и контрастни щрихи, които прилагат в съответствие с теориите за цвета на Chevreul, Helmholtz и Rude. Слънчевият лъч се разделя на компонентите си: виолетово, синьо, синьо, зелено, жълто, оранжево, червено, но тъй като синьото е разновидност на синьото, техният брой е намален до шест. Два цвята, поставени един до друг, се подсилват взаимно и обратно, когато се смесят, губят интензитета си. Освен това всички цветове са разделени на първични, или основни, и двойни, или производни, като всяка двойна боя е допълнителна към първата:

Синьо - Оранжево
Червено зелено
Жълто - лилаво

Така стана възможно да не се смесват цветовете на палитрата и да се получи желан цвятчрез правилното им наслагване върху платното. Това по-късно стана причина за отхвърлянето на черното.

Тогава импресионистите спряха да концентрират цялата си работа върху платната в работилниците, сега предпочитат открито, където е по-удобно да грабнат мимолетно впечатление от видяното, което стана възможно благодарение на изобретяването на стоманени тръби за боя, които за разлика от кожените чанти можеха да се затварят, за да не изсъхне боята.

Освен това художниците са използвали непрозрачни бои, които не пропускат добре светлината и са неподходящи за смесване, защото бързо посивяват, това им позволява да създават картини не с " вътрешни", a " външен» светлина, отразяваща се от повърхността.

Техническите различия допринесоха за постигането на други цели, на първо място, импресионистите се опитаха да уловят мимолетно впечатление, най-малките промени във всеки обект в зависимост от осветлението и времето на деня, най-високото въплъщение беше циклите от картини на Моне "Копи сено", "Руанската катедрала" и "Лондонският парламент".

Като цяло много майстори са работили в стила на импресионизма, но в основата на движението са Едуард Мане, Клод Моне, Огюст Реноар, Едгар Дега, Алфред Сисли, Камил Писаро, Фредерик Базил и Берта Моризо. Въпреки това Мане винаги се е наричал „независим художник“ и никога не е участвал в изложби, и въпреки че Дега е участвал, той никога не е рисувал своите творби на пленер.

Хронология по художник

Импресионисти

Изложби

Първа изложба(15 април - 15 май)

Втора изложба(Април )

Адрес: ул. Lepeletier, 11 (галерия Durand-Ruel). Членове: Базил (посмъртно, художникът умира през 1870 г.), Белиар, Бюро, Дебютен, Дега, Кайбот, Калс, Левер, Легрос, Лепик, Миле, Моне, Моризо, Л. Отен, Писаро, Реноар, Руар, Сисли, Тило, Франсоа

Трета изложба(Април )

Адрес: ул. Лепелетие, 6. Членове: Гийомен, Дега, Кайбот, Калс, Кордей, Левър, Лами, Моне, Моризо, Моро, Пиет, Писаро, Реноар, Руар, Сезан, Сисли, Тило, Франсоа.

Четвърта изложба(10 април - 11 май)

Адрес: Opera Avenue, 28. Членове: Bracquemont, Madame Bracquemont, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cals, Cassatt, Lebourg, Monet, Piette, Pissarro, Rouart, Somm, Tillo, Forain.

Пета изложба(1 април - 30 април)

Адрес: ул. Пирамидите, 10. Членове: Брейкмонт, г-жа Брейкмонт, Видал, Виньон, Гийомен, Гоген, Дега, Зандоменеги, Кайбот, Касат, Лебур, Левер, Моризо, Писаро, Рафаели, Руар, Тило, Форен.

Шеста изложба(2 април - 1 май)

Адрес: Boulevard des Capucines, 35 (студио на фотографа Надар). Членове: Видал, Виньон, Гийом, Гоген, Дега, Зандоменеги, Касат, Моризо, Писаро, Рафаели, Руар, Тило, Форен.

Седма изложба(Март )

Адрес: Faubourg-Saint-Honoré, 251 (At Durand-Ruel). Членове: Виньон, Гийом, Гоген, Кайбот, Моне, Моризо, Писаро, Реноар, Сисли.

Осма изложба(15 май - 15 юни)

Адрес: ул. Лафит, 1. Членове: Мадам Бракмон, Виньон, Гийомен, Гоген, Дега, Зандоменеги, Касет, Моризо, Камий Писаро, Люсиен Писаро, Редон, Руар, Сьора, Синяк, Тило, Форейн, Шуфенекер.

Импресионизмът в литературата

В литературата импресионизмът не се развива като отделна тенденция, но неговите характеристики са отразени в натурализма и символизма.

На първо място, той се характеризира с изразяването на личното впечатление на автора, отхвърлянето на обективна картина на реалността, изобразяването на всеки момент, което трябваше да доведе до липса на сюжет, история и замяна на мисълта с възприятие, и разум с инстинкт. Основните характеристики на импресионистичния стил са формулирани от братята Гонкур в произведението им "Дневник", където известна фраза « Да видиш, да почувстваш, да изразиш - всичко това е изкуствосе превърна в централна позиция за много писатели.

В натурализма основният принцип беше истинността, верността към природата, но тя е обект на впечатление и следователно появата на реалността зависи от всеки отделен човек и неговия темперамент. Това е най-пълно изразено в романите на Емил Зола, неговите подробни описания на миризми, звуци и зрителни възприятия.

Символизмът, напротив, изисква отхвърляне на материалния свят и връщане към идеала, но преходът е възможен само чрез мимолетни впечатления, разкриващи се в видими нещатайна същност. Ярък пример за поетичен импресионизъм е колекцията на Пол Верлен „Романси без думи“ (). В Русия влиянието на импресионизма е изпитано от Константин Балмонт и Инокентий Аненски.

Също така, тези настроения докоснаха драматургията (импресионистична драма), пасивното възприемане на света нахлува в пиесите, анализът на настроенията, душевните състояния, цялата композиция се разпада на редица сцени, изпълнени с лиризъм, а мимолетните разнородни впечатления са концентрирани в диалози. . Драмата става едноактна, предназначена за интимни театри. Тези знаци са напълно отразени в работата на Артър Шницлер.

Импресионизъм в музиката

Музикалният импресионизъм беше едно от теченията на музикалната модерност. Характеризира се с предаване на мимолетни впечатления, настроения, фини психологически нюанси.

Основоположник на импресионизма в музиката е френският композитор Ерик Сати, който публикува „Три мелодии“ през 1886 г. и „Три сарабанди“ през 1887 г., които носят всички основни черти на новия стил. Смелите открития на Ерик Сати пет и десет години по-късно са подхванати и развити от двама негови приятели, най-ярките представители на импресионизма Клод Дебюси и Морис Равел.

Литература

Жан-Пол Креспел. Ежедневният живот на импресионистите 1863-1883, Москва "Млада гвардия",
Морис Серул и Арлет Серул. Енциклопедия на импресионизма, Москва "Република",
"Импресионизъм", Бродская. Н. В. Санкт Петербург, Аврора, 2002 г. (254 страници, 269 илюстрации, 7 листа с авторски текст)

Връзки

Импресионизъм, Н. В. Бродская, изд. Аврора 2010 г

Импресионизъм
Представители
Американски импресионизъм
Колекционери
Музеи
други

Насоки в западното изкуство
Средна възраст
ново време
Модернизъм
Съвременен изкуство

Фондация Уикимедия. 2010 г.

Синоними:

Европейското изкуство от края на 19 век се обогатява с появата на модернистичното изкуство.По-късно влиянието му се разпростира върху музиката и литературата. Наричат го „импресионизъм“, защото се основава на най-тънките впечатления на художника, образи и настроения.

Произход и история на възникване

Няколко млади художници сформират група през втората половина на 19 век. Те имаха обща цел и съвпадащи интереси. Основното нещо за тази компания беше да работи сред природата, без стените на цеха и различни възпиращи фактори. В своите картини те се стремят да предадат цялата чувственост, впечатлението от играта на светлина и сянка. Пейзажите и портретите отразяват единството на душата с Вселената, с околния свят. Техните картини са истинска поезия от цветове.

През 1874 г. имаше изложба на тази група художници. Пейзаж от Клод Моне „Впечатление. Изгрев” привлече вниманието на критика, който в рецензията си за първи път нарече тези творци импресионисти (от френското импресия – „впечатление”).

Предпоставките за раждането на стила на импресионизма, картините на чиито представители скоро ще намерят невероятен успех, са произведенията на Ренесанса. Творчеството на испанците Веласкес, Ел Греко, англичаните Търнър, Констабъл оказва безусловно влияние върху французите, които са основоположници на импресионизма.

Писаро, Мане, Дега, Сисли, Сезан, Моне, Реноар и други стават видни представители на стила във Франция.

Философията на импресионизма в живописта

Художниците, които рисуват в този стил, не си поставят задачата да привлекат общественото внимание към проблемите. В техните творби не се откриват сюжети по актуална тема, не се получава морализаторство или се забелязват човешки противоречия.

Картините в стила на импресионизма са насочени към предаване на моментно настроение, разработване на цветови схеми с мистериозен характер. В произведенията има само място за положително начало, мракът заобиколи импресионистите.

Всъщност импресионистите не са си направили труда да обмислят сюжета и детайлите. Основният фактор беше не какво да нарисувате, а как да изобразите и предадете настроението си.

Техника на рисуване

Има колосална разлика между академичния стил на рисуване и техниката на импресионистите. Те просто изоставиха много методи, някои бяха променени до неузнаваемост. Ето какви нововъведения направиха:

Изоставен контур. Той беше заменен с щрихи - малки и контрастни.
Спряхме да използваме палитри за Избрахме цветове, които се допълват взаимно и не изискват сливане за получаване на определен ефект. Например жълтото е лилаво.
Спрете да рисувате в черно.
Напълно изоставена работа в цеховете. Пишеха изключително върху природата, за да може по-лесно да се улови момент, образ, чувство.
Използвани са само бои с добра покривност.
Не чакайте следващият слой да изсъхне. Веднага бяха поставени пресни цитонамазки.
Те създават цикли от творби, за да следват промените в светлината и сянката. Например „Купа сено“ от Клод Моне.

Разбира се, не всички художници изпълняват точно чертите на стила на импресионизма. Картини на Едуард Мане, например, никога не са участвали в общи изложби, а самият той се позиционира като отделен художник. Едгар Дега работи само в работилници, но това не навреди на качеството на произведенията му.

Представители на френския импресионизъм

Първата изложба на импресионистични творби е от 1874 г. След 12 години се състоя последната им експозиция. Първата работа в този стил може да се нарече „Закуска на тревата“ от Е. Мане. Тази картина беше представена в Салона на отхвърлените. Бе посрещнато враждебно, защото беше много различно от академичните канони. Ето защо Мане се превръща във фигура, около която се събира кръг от последователи на това стилистично направление.

За съжаление, съвременниците не оцениха такъв стил като импресионизма. Картините и художниците съществуват в противоречие с официалното изкуство.

Постепенно в екипа от художници на преден план излиза Клод Моне, който по-късно става техен лидер и основен идеолог на импресионизма.

Клод Моне (1840-1926)

Работата на този художник може да се опише като химн на импресионизма. Той беше първият, който отказа да използва черно в своите картини, твърдейки, че дори сенките и нощта имат други тонове.

Светът в картините на Моне е неясни очертания, обемни щрихи, гледайки които можете да усетите целия спектър от играта на цветовете на деня и нощта, сезоните, хармонията на подлунния свят. Само миг, който е грабнат от потока на живота, в разбирането на Моне, е импресионизмът. Картините му сякаш нямат материалност, всички са наситени с лъчи светлина и въздушни течения.

Клод Моне създава невероятни произведения: „Гара Сен Лазар“, „Руанската катедрала“, цикълът „Чаринг Крос Бридж“ и много други.

Огюст Реноар (1841-1919)

Творбите на Реноар създават впечатление за необикновена лекота, ефирност, ефирност. Сюжетът се ражда сякаш случайно, но е известно, че художникът внимателно обмисля всички етапи от работата си и работи от сутрин до вечер.

Отличителна черта на творчеството на О. Реноар е използването на остъкляване, което е възможно само при писане Импресионизмът в творбите на художника се проявява във всеки удар. Той възприема човека като частица от самата природа, затова има толкова много картини с голи тела.

Любимото забавление на Реноар беше образът на жена в цялата й привлекателна и привлекателна красота. Портретите заемат особено място в творчески животхудожник. „Чадъри”, „Момиче с ветрило”, „Закуската на гребците” са само малка част от невероятната колекция от картини на Огюст Реноар.

Жорж Сьора (1859-1891)

Seurat свързва процеса на създаване на картини с научното обосноваване на теорията на цветовете. Светловъздушната среда е начертана въз основа на зависимостта на основните и допълнителните тонове.

Въпреки факта, че J. Seurat е представител на последния етап на импресионизма и неговата техника е в много отношения различна от основателите, той по същия начин създава илюзорно представяне на обективната форма с помощта на щрихи, които могат да се гледа и вижда само от разстояние.

Шедьоври на творчеството могат да се нарекат картината "Неделя", "Канкан", "Модели".

Представители на руския импресионизъм

Руският импресионизъм възниква почти спонтанно, смесвайки много явления и методи. Основата обаче, подобно на французите, беше пълномащабна визия на процеса.

В руския импресионизъм, въпреки че чертите на френския език бяха запазени, характеристиките на националната природа и душевното състояние направиха значителни промени. Например, визията на сняг или северни пейзажи беше изразена с помощта на необичайна техника.

В Русия малко художници са работили в стила на импресионизма, техните картини привличат окото и до днес.

Импресионистичният период може да се разграничи в творчеството на Валентин Серов. Неговото "Момиче с праскови" е най-яркият образец и еталон на този стил в Русия.

Картините покоряват със своята свежест и съзвучие на чисти цветове. основна тематворчеството на този художник е образът на човека в природата. "Северна идилия", "В лодката", "Фьодор Шаляпин" са ярки етапи в дейността на К. Коровин.

Импресионизмът в съвремието

В момента тази посока в изкуството е получила нов живот. В този стил няколко художници рисуват своите картини. Съвременният импресионизъм съществува в Русия (Андре Кон), във Франция (Лоран Парселие), в Америка (Даяна Леонард).

Андре Кон е най-яркият представител на новия импресионизъм. Маслените му картини са поразителни със своята простота. Художникът вижда красотата в обикновените неща. Създателят интерпретира много обекти през призмата на движението.

Акварелните творби на Лоран Парселие са известни по целия свят. Неговата поредица от творби „Странният свят“ е издадена под формата на пощенски картички. Разкошни, жизнени и чувствени, те спират дъха.

Както през 19 век, така и в момента за художниците остава пленерната живопис. Благодарение на нея импресионизмът ще живее вечно. творците продължават да вдъхновяват, впечатляват и вдъхновяват.

Импресионизъм (от френски " впечатление"- впечатление) е направление в изкуството (литература, живопис, архитектура), появява се в края на 19 и началото на 20 век във Франция и бързо става широко разпространено в други страни по света. Последователите на новото направление, които вярваха, че академичните, традиционни техники, например в живописта или архитектурата, не могат напълно да предадат пълнотата и най-малките детайли на света около тях, преминаха към използването на напълно нови техники и методи, преди всичко в живопис, след това в литературата и музиката. Те направиха възможно най-ярко и естествено да изобразят цялата мобилност и променливост на реалния свят, като предадоха не неговия фотографски облик, а през призмата на впечатленията и емоциите на авторите от видяното.

За автор на термина "импресионизъм" се смята френският критик и журналист Луи Лероа, който под впечатлението от посещението на изложбата на група млади художници "Салон на изгнаниците" през 1874 г. в Париж ги нарича импресионисти в неговият фейлетон, един вид "импресионисти", и това твърдение е донякъде пренебрежително и иронично. Основата за името на този термин е картината на Клод Моне, видяна от критика „Впечатление. Изгряващо слънце". И въпреки че първоначално много от картините в тази изложба бяха остро критикувани и отхвърлени, по-късно тази посока получи по-широко признание от обществеността и стана популярна в целия свят.

Импресионизъм в живописта

(Клод Моне "Лодки на плажа")

Новият стил, начин и техника на изобразяване не са измислени от френските художници импресионисти от нулата, той се основава на опита и постиженията на художниците на най-талантливите художници на Ренесанса: Рубенс, Веласкес, Ел Греко, Гоя. От тях импресионистите са взели такива методи за по-ярко и по-ярко предаване на света около тях или изразителността на метеорологичните условия като използването на междинни тонове, използването на ярки или обратно техника на тъпи удари, големи или малки, характеризиращи се с абстрактност. Привържениците на новото направление в живописта или напълно изоставиха традиционния академичен начин на рисуване, или напълно преработиха методите и методите на изобразяване по свой начин, въвеждайки такива нововъведения като:

Предмети, предмети или фигури бяха изобразени без контур, той беше заменен с малки и контрастни щрихи;
Не е използвана палитра за смесване на цветовете, избрани са цветове, които се допълват взаимно и не изискват сливане. Понякога боята се изстисква върху платното директно от метална тръба, образувайки чист, искрящ цвят с ефект на мазка;
Практическото отсъствие на черно;
Платната са рисувани предимно на открито, от натура, за да предадат по-ярко и изразително своите емоции и впечатления от видяното;
Използването на бои с висока покривна способност;
Нанасяне на свежи щрихи директно върху все още мократа повърхност на платното;
Създаване на цикли от картини с цел изследване на промените в светлината и сянката ("Купа сено" на Клод Моне);
Липса на изобразяване на остри социални, философски или религиозни проблеми, исторически или значими събития. Творбите на импресионистите са изпълнени с положителни емоции, няма място за мрак и тежки мисли, има само лекота, радост и красота на всеки момент, искреност на чувствата и откровеност на емоциите.

(Едуард Мане "Четене")

И въпреки че не всички художници от тази посока се придържаха към особена точност при изпълнението на всички точни характеристики на стила на импресионизма (Едуард Мане се позиционира като отделен художник и никога не участва в съвместни изложби (има общо 8 от 1874 до 1886 г.). Едгар Дега работи само в собствената си работилница) това не им попречи да създават шедьоври визуални изкуствавсе още се съхраняват в най-добрите музеи и частни колекции по света.

Руски художници импресионисти

Впечатлен от креативни идеи френски импресионисти, руските художници в края на 19 и началото на 20 век създават свои оригинални шедьоври на изобразителното изкуство, по-късно известни под общото наименование „руски импресионизъм“.

(В. А. Серов "Момиче с праскови")

Най-ярките му представители са Константин Коровин („Портрет на хористка“, 1883, „Северна идилия“, 1886), Валентин Серов („Отворен прозорец. Люляк“, 1886, „Момиче с праскови“, 1887), Архип Куинджи ( „Север“, 1879 г., „Днепър сутринта“ 1881 г.), Абрам Архипов („Северно море“, „Пейзаж. Етюд с дървена къща“), „късен“ импресионист Игор Грабар („Бреза алея“, 1940 г., „Зима“ Пейзаж“, 1954).

(Борисов-Мусатов "Есенна песен")

Методите и начинът на изобразяване, присъщи на импресионизма, се състояха в творчеството на такива видни руски художници като Борисов-Мусатов, Богданов Белски, Нилус. Класическите канони на френския импресионизъм в картините на руски художници претърпяха някои промени, в резултат на което тази посока придоби оригинална национална специфика.

Чужди импресионисти

Едно от първите произведения, направени в стила на импресионизма, е картината на Едуард Мане „Обяд на тревата“, изложена на публиката през 1860 г. в Парижкия салон на отхвърлените, където платна, които не са преминали селекцията на Парижкия салон на изкуствата може да бъде демонтиран. Картината, нарисувана в стил, коренно различен от традиционния начин на изобразяване, предизвика много критики и събра около художника последователи на новото художествено направление.

(Едуард Мане "В таверната на татко Латюй")

Най-известните художници импресионисти включват Едуард Мане („Бар във Фоли Бержер“, „Музика в Тюйлери“, „Закуска на тревата“, „Папа Латюй“, „Аржантьой“), Клод Моне („Поле с макове в Аржантьой“ ”, „Разходка до скалата в Пурвил”, „Жени в градината”, „Дама с чадър”, „Булевард Капуцин”, поредица от творби „Водни лилии”, „Импресия. Изгряващо слънце”), Алфред Сисли ( „Селски авеню“ , „Слана в Лувесиен“, „Мостът в Аржантьой“, „Ранен сняг в Лувесиен“, „Морави през пролетта“), Пиер-Огюст Реноар („Закуска на гребците“, „Бал в Мулен дьо ла“ Галет", "Танц в селото", "Чадъри", "Танц в Бугивал", "Момичета на пианото"), Камий Писаро ("Булевард Монмартър през нощта", "Жътва в Ерани", "Жътвари почиват", " Градина в Понтоаз“, „Входът на село Воазен“), Едгар Дега („Клас по танци“, „Репетиция“, „Концерт в кафене Ambassador“, „Оркестър на Операта“, „Танцьори в синьо“, „Пиячи на абсент“ ), Жорж Сьора („Неделя”, „Кан-кан”, „Моделите”) и др.

(Пол Сезан "Пиеро и Арлекин"")

Четирима художници през 90-те години на 19 век създават ново направление в изкуството, базирано на импресионизма и наричащи себе си постимпресионисти (Пол Гоген, Винсент Ван Гог, Пол Сезан, Анри дьо Тулуз-Лотрек). Тяхното творчество се отличава с пренос не на мимолетни усещания и впечатления от заобикалящия свят, а с познанието за истинската същност на нещата, която се крие под външната им обвивка. Техните най известни произведения: Пол Гоген („Палава шега“, „La Orana Maria“, „Борбата на Яков с ангел“, „Жълтият Христос“), Пол Сезан („Пиеро и Арлекин“, „Големи къпещи се“, „Дамата в синьо“) , Винсент Ван Гог ( Звездна нощ”, „Слънчогледи”, „Ириси”), Анри дьо Тулуз-Лотрек („Перачка”, „Тоалетна”, „Да се уча да танцувам в Мулен Руж”).

Импресионизъм в скулптурата

(Огюст Роден "Мислителят")

Като отделна тенденция в архитектурата, импресионизмът не се развива, можете да намерите неговите индивидуални черти и знаци в някои скулптурни композициии паметници. Скулптурата в този стил дава свободна пластичност на меките форми, те създават невероятна игра на светлина върху повърхността на фигурите и дават известно усещане за незавършеност, скулптурните герои често се изобразяват в момента на движение. Творбите в тази посока включват скулптурите на известния френски скулптор Огюст Роден (Целувката, Мислителят, Поетът и музата, Ромео и Жулиета, Вечната пролет), италианския художник и скулптор Медардо Росо (фигури от глина и гипс). запълнени с восък за постигане на уникален светлинен ефект: „Пазачът и сводницата“, „Златен век“, „Майчинство“), руският брилянт на Павел Трубецкой (бронзов бюст на Лев Толстой, паметник Александър IIIВ Петербург).

През последната третина на XIX век. Френското изкуство все още играе водеща роляв художествения живот на западноевропейските страни. По това време в живописта се появяват много нови тенденции, чиито представители търсят свои собствени начини и форми на творческо изразяване.

Най-забележителното и значимо явление на френското изкуство от този период е импресионизмът.

Импресионистите се обявиха на 15 април 1874 г. на Парижката изложба, проведена на открито на булевард Капуцини. Тук изложиха свои картини 30 млади художници, чиято работа беше отхвърлена от Салона. Централно място в експозицията зае картината на Клод Моне „Импресия. Изгрев". Тази композиция е интересна, защото за първи път в историята на живописта художникът се опита да предаде своето впечатление върху платното, а не обекта на реалността.

Изложбата беше посетена от представител на изданието Sharivari, репортер Луи Лероа. Именно той за първи път нарече Моне и неговите съмишленици „импресионисти“ (от френското импресия – впечатление), като по този начин изрази негативната си оценка за тяхната живопис. Скоро това иронично име губи първоначалния си отрицателен смисъл и влиза завинаги в историята на изкуството.

Изложбата на Boulevard des Capucines се превърна в своеобразен манифест, който провъзгласи появата на нова тенденция в живописта. В него участваха О. Реноар, Е. Дега, А. Сислей, К. Писаро, П. Сезан, Б. Моризо, А. Гийомен, както и майстори от по-старото поколение - Е. Буден, К. Добини, И. Джонкинд.

Най-важното нещо за импресионистите беше да предадат впечатлението от това, което виждат, да уловят на платното кратък момент от живота. По този начин импресионистите приличат на фотографите. Сюжетът нямаше особено значение за тях. Художниците са взели теми за картини от заобикалящата ги среда. Ежедневието. Те рисуваха тихи улици, вечерни кафенета, селски пейзажи, градски сгради, занаятчии на работа. Важна роля в техните картини играе играта на светлина и сянка, слънчеви лъчи, които скачат над предмети и им придават малко необичаен и изненадващо жив вид. За да видят обектите в естествена светлина, да предадат промените, които се случват в природата по различно време на деня, художниците импресионисти напуснаха работилниците си и излязоха на открито (пленер).

Импресионистите използваха нова техника на рисуване: те не смесваха боите на статива, а веднага ги нанасяха върху платното в отделни удари. Тази техника позволява да се предаде усещане за динамика, леки колебания във въздуха, движение на листата по дърветата и водата в реката.

Обикновено картините на представители на тази посока нямаха ясна композиция. Художникът пренася върху платното момент, изтръгнат от живота, така че творбата му прилича на случайно заснет фотокадър. Импресионистите не се придържаха към ясните граници на жанра, например портретът често приличаше на домашна сцена.

От 1874 до 1886 г. импресионистите организират 8 изложби, след което групата се разпада. Що се отнася до публиката, тя, подобно на повечето критици, възприе новото изкуство с враждебност (например картината на К. Моне се наричаше "маза"), така че много художници, представляващи тази тенденция, живееха в крайна бедност, понякога без средства да завършат каквото започнаха снимка. И едва в края на XIX - началото на XX век. ситуацията се промени коренно.

В работата си импресионистите използват опита на своите предшественици: романтични художници (E. Delacroix, T. Gericault), реалисти (C. Corot, G. Courbet). Голямо влияние върху тях оказват пейзажите на Дж. Констабъл.

Е. Мане изигра значителна роля в появата на нова тенденция.

Едуард Мане

Едуар Мане, роден през 1832 г. в Париж, е една от най-значимите фигури в историята на световната живопис, поставила началото на импресионизма.

Формирането на неговия художествен мироглед до голяма степен е повлияно от поражението на Френската буржоазна революция от 1848 г. Това събитие толкова развълнува младия парижанин, че той решава да предприеме отчаяна стъпка и да избяга у дома, като става моряк на морски ветроход. Въпреки това, в бъдеще той не пътува много, давайки цялата си умствена и физическа сила на работа.

Родителите на Мане, културни и богати хора, мечтаеха за административна кариера за сина си, но надеждите им не бяха предопределени да се сбъднат. Живопис - това е, което интересува младежа и през 1850 г. той влиза в училището изящни изкуства, в работилницата на Couture, където получава добра професионална подготовка. Именно тук начинаещият художник изпитва отвращение към академичните и салонни клишета в изкуството, които не могат напълно да отразят това, което е подвластно само на истински майстор с неговия индивидуален стил на писане.

Ето защо, след като учи известно време в работилницата на Couture и натрупва опит, Мане я напуска през 1856 г. и се обръща към платната на своите велики предшественици, изложени в Лувъра, като ги копира и внимателно ги изучава. Произведенията на такива майстори като Тициан, Д. Веласкес, Ф. Гоя и Е. Делакроа оказаха голямо влияние върху творческите му възгледи; младият художник се поклони пред последния. През 1857 г. Мане посещава великия маестро и моли за разрешение да направи няколко копия на неговия „Барк на Данте“, които са оцелели и до днес в Музея на изкуствата Метрополитън в Лион.

втората половина на 1860 г. художникът се посвещава на изучаването на музеи в Испания, Англия, Италия и Холандия, където копира картини на Рембранд, Тициан и др.. През 1861 г. творбите му „Портрет на родители” и „Китарист” получават признание от критиката и са наградени „Почетно споменаване“.

Изучаването на работата на стари майстори (главно венецианци, испанци от 17-ти век и по-късно Ф. Гоя) и нейното преосмисляне води до факта, че до 1860 г. има противоречие в изкуството на Мане, проявяващо се в налагането на музеен отпечатък върху някои от неговите ранни картини, които включват: "Испанският певец" (1860), отчасти "Момчето с кучето" (1860), "Старият музикант" (1862).

Що се отнася до героите, художникът като реалистите средата на деветнадесетиин., ги намира в кипящата парижка тълпа, сред разхождащите се в градината Тюйлери и редовните посетители на кафенето. По принцип това е ярък и колоритен свят на бохема - поети, актьори, художници, модели, участници в испанската корида: „Музика в Тюйлери“ (1860), „Уличен певец“ (1862), „Лола от Валенсия“ ( 1862), „Закуска на трева“ (1863), „Флейтист“ (1866), „Портрет на Е. Zsl“ (1868).

Сред ранните платна специално място заема "Портретът на родителите" (1861), който е много точна реалистична скица на външния вид и характера на възрастната двойка. Естетическото значение на картината се състои не само в подробното проникване в духовния свят на героите, но и в това колко точно е предадена комбинацията от наблюдение и богатство на живописното развитие, което показва познаване на художествените традиции на Е. Делакроа.

Друго платно, което е програмна работа на художника и трябва да се каже, че е много характерно за ранното му творчество, е "Закуска на тревата" (1863). В тази картина Мане взе определена сюжетна композиция, напълно лишена от всякакво значение.

Картината може да се разглежда като изображение на закуската на двама художници в лоното на природата, заобиколени от женски модели (всъщност братът на художника Юджийн Мане, Ф. Ленкоф и един женски модел, Куиз Меран, позираха за картина, до чиито услуги Мане прибягва доста често). Единият влезе в потока, а другият, гол, седи в компанията на двама артистично облечени мъже. Както знаете, мотивът за сравняване на облечено мъжко и голо женско тяло е традиционен и се връща към картината на Джорджоне "Кънтри концерт", намираща се в Лувъра.

Композиционното разположение на фигурите частично възпроизвежда известната ренесансова гравюра на Маркантонио Раймонди от картина на Рафаело. Това платно като че ли полемично отстоява две взаимосвързани позиции. Едната е необходимостта от преодоляване на клишетата на салонното изкуство, загубило истинската си връзка с голямото художествена традиция, пряко обръщение към реализма на Ренесанса и 17-ти век, т.е. истинският произход на реалистичното изкуство на новото време. Друга разпоредба потвърждава правото и задължението на художника да изобразява заобикалящите го герои от ежедневието. По това време тази комбинация носи известно противоречие. Повечето вярваха, че нов етап в развитието на реализма не може да бъде постигнат чрез запълване на старите композиционни схеми с нови типове и герои. Но Едуард Мане успява да преодолее двойствеността на принципите на живописта в ранния си период на творчество.

Но въпреки традиционния характер на сюжета и композицията, както и наличието на картини на салонни майстори, изобразяващи голи митични красавици в откровени съблазнителни пози, картината на Мане предизвика голям скандал сред съвременните буржоа. Публиката беше шокирана от съпоставянето на голо женско тяло с прозаично всекидневно, модерно мъжко облекло.

Що се отнася до изобразителните норми, „Обяд на тревата“ е написан в компромис, характерен за 1860-те. маниер, характеризиращ се с тенденция към тъмни цветове, черни сенки, както и не винаги последователно привличане към пленерно осветление и открит цвят. Ако се обърнем към предварителна скица, направена в акварел, тогава върху нея (повече от самата картина) се забелязва колко голям е интересът на майстора към нови изобразителни проблеми.

Картината "Олимпия" (1863), която дава очертания на легнала гола жена, изглежда се отнася до общоприетите композиционни традиции - подобно изображение се среща при Джорджоне, Тициан, Рембранд и Д. Веласкес. В работата си обаче Мане следва различен път, следвайки Ф. Гоя („Голата Маха“) и отхвърляйки митологичната мотивация на сюжета, интерпретацията на образа, въведена от венецианците и частично запазена от Д. Веласкес („Венера“ с огледало”).

„Олимпия“ изобщо не е поетично преосмислен образ на женската красота, а изразителен, майсторски изпълнен портрет, точно и, дори може да се каже, донякъде студено предаващ приликата с Куиз Меран, постоянен модел на Мане. Художникът достоверно показва естествената бледност на тялото на съвременната жена, която се страхува от слънчевите лъчи. Докато старите майстори подчертават поетичната красота на голото тяло, музикалността и хармоничността на неговите ритми, Мане се фокусира върху предаването на мотивите на житейската специфика, напълно се отклонява от поетичната идеализация, присъща на неговите предшественици. Така например жестът на Венера на Георги с лявата ръка в Олимпия придобива почти вулгарен оттенък в безразличието си. Изключително характерен е равнодушният, но същевременно приковаващ вниманието зрителски поглед на модела, противопоставен на самовглъбеността на Венера Джорджоне и чувствителната мечтателност на Тицианова Венера от Урбино.

Тази картина показва признаци на преход към следващия етап на развитие. творчески маниерхудожник. Има преосмисляне на обичайната композиционна схема, която се състои в прозаично наблюдение и живописно-художествено виждане на света. Съпоставянето на мигновено уловени резки контрасти допринася за разрушаването на балансираната композиционна хармония на старите майстори. Така се сблъскват статиката на позиращия модел и динамиката в образите на чернокожа жена и превила гръб черна котка. Промените засягат и техниката на рисуване, която дава ново разбиране за образните задачи на художествения език. Едуард Мане, подобно на много други импресионисти, по-специално Клод Моне и Камил Писаро, изоставя остарялата система на рисуване, която се развива през 17 век. (подрисуване, писане, остъкляване). От този момент нататък платната започват да се рисуват с техника, наречена „а ла прима“, която се отличава с по-голяма непосредственост, емоционалност, близка до етюдите и скиците.

Периодът на преход от ранно към зряло творчество, който заема почти цялата втора половина на 1860-те за Мане, е представен от картини като Флейтист (1866), Балкон (ок. 1868-1869) и др.

На първото платно на неутрален маслиненосив фон е изобразено момче-музикант, вдигащо флейта към устните си. Изразителността на едва доловимото движение, ритмичното ехо на преливащи се златни копчета върху синята униформа с лекото и бързо плъзгане на пръстите по дупките на флейтата говорят за вродената артистичност и тънката наблюдателност на майстора. Въпреки факта, че стилът на рисуване тук е доста плътен, цветът е тежък и художникът все още не се е обърнал към пленера, това платно, повече от всички останали, предусеща зрелия период на творчеството на Мане. Що се отнася до Балкона, той е по-близо до Олимпия, отколкото до творбите от 1870-те.

През 1870-1880г. Мане става водещият художник на своето време. И въпреки че импресионистите го смятаха за свой идеен лидер и вдъхновител, а самият той винаги се съгласяваше с тях в тълкуването на основните възгледи за изкуството, неговото творчество е много по-широко и не се вписва в рамките на нито една посока. Така нареченият импресионизъм на Мане всъщност е по-близо до изкуството на японските майстори. Той опростява мотивите, балансирайки декоративното и реалното, създава обобщена представа за това, което е видял: чисто впечатление, лишено от разсейващи детайли, израз на радостта от усещането („На брега на морето“, 1873 г.).

Освен това, като доминиращ жанр, той се стреми да запази композиционно завършена картина, където основното място е отделено на образа на човек. Изкуството на Мане е последният етап от развитието на вековна традиция на реалистична наративна живопис, възникнала през Ренесанса.

В по-късните произведения на Мане има тенденция да се отдалечи от детайлното тълкуване на детайлите на околната среда около изобразения герой. Така в портрета на Маларме, наситен с нервна динамика, художникът акцентира сякаш случайно върху жеста на поета, който замечтано слага ръката си с димяща пура върху масата. С цялата схематичност, основното в характера и умствения склад на Маларме е уловено изненадващо точно, с голяма убедителност. Задълбочената характеристика на вътрешния свят на индивида, характерна за портретите на Ж. Л. Дейвид и Ж. О. Д. Енгр, тук е заменена от по-рязка и пряка характеристика. Такъв е нежно поетичният портрет на Берт Моризо с ветрило (1872) и изящният пастелен образ на Джордж Мур (1879).

Творчеството на художника включва произведения, свързани с исторически теми и важни събития. Публичен живот. Трябва обаче да се отбележи, че тези платна са по-малко успешни, тъй като проблеми от този вид са били чужди на неговия художествен талант, кръга от идеи и идеи за живота.

Така например достъп до събития гражданска войнамежду Севера и Юга в Съединените щати доведе до образа на потъването на корсарския кораб на южняците от северняците („Битката при Кирсеж“ с „Алабама“, 1864 г.) и епизодът може да се отдаде повече на пейзаж, където бойните кораби играят ролята на личен състав. Екзекуцията на Максимилиан (1867) по същество има характер на жанрова скица, лишена не само от интерес към конфликта на борещите се мексиканци, но и от самия драматизъм на събитието.

Тема съвременна историяе докоснат от Мане в дните на Парижката комуна (Екзекуцията на комунарите, 1871). Симпатичното отношение към комунарите прави заслуга на автора на картината, който никога досега не се е интересувал от подобни събития. Но въпреки това неговата художествена стойност е по-ниска от другите платна, тъй като всъщност тук се повтаря композиционната схема на „Екзекуцията на Максимилиан“ и авторът е ограничен само до скица, която изобщо не отразява смисъла на жестокия сблъсък на два противоположни свята.

По-късно Мане вече не се обръща към чужд за него исторически жанр, предпочитайки да разкрие художественото и изразително начало в епизоди, намирайки ги в потока на ежедневието. В същото време той внимателно подбира особено характерни моменти, търси най-изразителната гледна точка и след това ги възпроизвежда с голямо умение в своите картини.

Очарованието на повечето творби от този период се дължи не толкова на значимостта на изобразеното събитие, колкото на динамичността и остроумната наблюдателност на автора.

Забележителен пример за групова композиция на открито е картината „В лодка“ (1874), където комбинацията от очертанията на кърмата на платноходка, сдържаната енергия на движенията на кормчията, мечтаната грация на седнала дама , прозрачността на въздуха, усещането за свежест на бриза и плъзгащото се движение на лодката създава неописуема картина, пълна светлинарадост и свежест.

Специална ниша в творчеството на Мане заемат натюрмортите, характерни за различни периоди от творчеството му. И така, в ранния натюрморт „Божури“ (1864-1865) са изобразени цъфтящи червени и бяло-розови пъпки, както и цветя, които вече са цъфнали и започват да избледняват, пускайки листенца върху покривката, покриваща масата. По-късните творби се отличават със своята непринудена схематичност. В тях художникът се опитва да предаде сиянието на цветята, обвити в атмосфера, пропита със светлина. Такава е картината „Рози в кристална чаша” (1882-1883).

В края на живота си Мане очевидно е бил недоволен от постигнатото и се е опитал да се върне към писането на големи, завършени сюжетни композиции на различно ниво на умение. По това време той започва да работи върху една от най-значимите картини - "Барът във Folies Bergère" (1881-1882), в който се доближава до ново ниво, нов етап в развитието на своето изкуство, прекъснат от смърт (както е известно, по време на Мане беше сериозно болен по време на работа). В центъра на композицията е фигурата на млада продавачка, обърната с лице към зрителя. Леко уморена, привлекателна блондинка, облечена в тъмна рокля с дълбок отблясък, стои на фона на огромно огледало, което заема цялата стена, което отразява блясъка на трептяща светлина и неясните, размазани очертания на публиката, седяща на маси за кафе. Жената е обърната с лице към залата, в която сякаш се намира самият зрител. Тази особена техника придава на традиционната картина на пръв поглед известна нестабилност, предполагаща съпоставяне на реалния и отразения свят. В същото време централната ос на картината се оказва изместена в десния ъгъл, в който според характерния за 1870 г. рецепция, рамката на картината леко блокира фигурата на мъж с цилиндър, отразен в огледалото, разговарящ с млада продавачка.

Така в тази творба класическият принцип на симетрия и стабилност се съчетава с динамично изместване встрани, както и с фрагментация, когато определен момент (фрагмент) се изтръгва от единен поток на живота.

Би било погрешно да се смята, че сюжетът на „Барът във Фоли Бержер“ е лишен от съществено съдържание и е своеобразна монументализация на незначителното. Фигурата на млада, но вече вътрешно уморена и безразлична към заобикалящия маскарад на жена, блуждаещият й поглед, обърнат наникъде, отчуждението от илюзорния блясък на живота зад нея, внасят значителна семантична сянка в творбата, поразявайки зрителя с неговата неочакваност.

Зрителят се възхищава на уникалната свежест на две рози, стоящи на бара в кристална чаша с искрящи ръбове; и тогава неволно се появява сравнение на тези луксозни цветя с роза, полуувяхнала в близост до залата, забодена на деколтето на роклята на продавачката. Гледайки снимката, можете да видите уникалния контраст между свежестта на полуотворената й гръд и безразличния поглед, бродещ из тълпата. Тази работа се счита за програмна в творчеството на художника, тъй като съдържа елементи от всички негови любими теми и жанрове: портрет, натюрморт, различни светлинни ефекти, движение на тълпа.

Като цяло наследството, оставено от Мане, е представено от два аспекта, които са особено силно изразени в неговия най-новата работа. Първо, със своето творчество той завършва и изчерпва развитието на класическите реалистични традиции на френското изкуство от 19 век, и второ, той полага в изкуството първите кълнове на онези тенденции, които ще бъдат подхванати и развити от търсачите на нов реализъм през 20 век.

Художникът получава пълно и официално признание през последните годиниживота, а именно през 1882 г., когато е награден с Ордена на почетния легион (основната награда на Франция). Мане умира през 1883 г. в Париж.

Клод Моне

Клод Моне, френски художник, един от основоположниците на импресионизма, е роден през 1840 г. в Париж.

Като син на скромен бакалин, преместил се от Париж в Руан, младият Моне рисува забавни карикатури в началото на кариерата си, след което учи при руанския пейзажист Йожен Буден, един от създателите на пленерния реалистичен пейзаж. Буден не само убеди бъдещия художник в необходимостта да работи на открито, но и успя да внуши в него любов към природата, внимателно наблюдение и вярно предаване на видяното.

През 1859 г. Моне заминава за Париж с целта да стане истински художник. Родителите му мечтаеха да влезе в училището за изящни изкуства, но младежът не оправда надеждите им и се потопи с глава в бохемския живот, придобива многобройни познати в артистичната среда. Напълно лишен от материалната подкрепа на родителите си и следователно без препитание, Моне е принуден да отиде в армията. Въпреки това, дори след завръщането си от Алжир, където трябваше да изпълнява тежка служба, той продължава да води същия начин на живот. Малко по-късно той се запознава с И. Йонкинд, който го увлича с работата по природни науки. И тогава той посещава студиото на Suisse, известно време учи в студиото на тогава известния художник на академичната посока - М. Глейр, а също така се сближава с група млади художници (J.F. Basil, C. Pissarro, Е. Дега, П. Сезан, О Реноар, А. Сислей и др.), които, подобно на самия Моне, търсят нови пътища за развитие в изкуството.

Най-голямото влияние върху начинаещия художник не беше училището на М. Глейр, а приятелството с хора с подобно мислене, пламенни критици на салонния академизъм. Благодарение на това приятелство, взаимна подкрепа, възможност за обмяна на опит и споделяне на постижения се ражда нова изобразителна система, която по-късно получава името "импресионизъм".

В основата на реформата беше работата да се извършва сред природата, под открито небе. В същото време художниците рисуват на открито не само скици, но и цялата картина. В пряк контакт с природата те все повече се убеждаваха, че цветът на предметите непрекъснато се променя в зависимост от промяната на осветлението, състоянието на атмосферата, близостта на други обекти, които хвърлят цветни отражения, и много други фактори. Тези промени се опитваха да предадат чрез своите произведения.

През 1865 г. Моне решава да нарисува голямо платно „в духа на Мане, но на открито“. Това беше „Обяд на тревата“ (1866), първата му най-значима творба, изобразяваща елегантно облечени парижани, които напускат града с кола и седят в сянката на едно дърво около покривка, постлана на земята. Творбата се отличава с традиционния характер на своята затворена и балансирана композиция. Вниманието на художника обаче е насочено не толкова към възможността да покаже човешки характери или да създаде експресивна сюжетна композиция, а да впише човешки фигури в околния пейзаж и да предаде атмосферата на непринуденост и релакс, която цари сред тях. За да създаде този ефект, художникът обръща голямо внимание на прехвърлянето на слънчеви отблясъци, пробиващи листата, играещи върху покривката и роклята на младата дама, седнала в центъра. Моне точно улавя и предава играта на цветни отблясъци върху покривки и полупрозрачността на лека дамска рокля. С тези открития започва разчупването на старата система на рисуване, която акцентира върху тъмните сенки и плътния материален начин на изпълнение.

Оттогава подходът на Моне към света се превръща в пейзаж. човешки характер, връзката на хората, които се интересуват от него все по-малко. Събития 1870-1871 принуди Моне да емигрира в Лондон, откъдето пътува до Холандия. След завръщането си рисува няколко картини, станали програмни в творчеството му. Те включват „Впечатление. Изгрев“ (1872), „Люляци в слънцето“ (1873), „Булевардът на Капуцините“ (1873), „Поле с макове в Аржантьой“ (1873) и др.

През 1874 г. някои от тях са изложени на известната изложба, организирана от „Анонимното дружество на художниците, художниците и гравьорите“, ръководено от самия Моне. След изложбата Моне и група негови съмишленици започват да се наричат импресионисти (от френското впечатление - впечатление). По това време художествените принципи на Моне, характерни за първия етап от неговото творчество, най-накрая се оформят в определена система.

В пленерния пейзаж Люляци на слънце (1873), изобразяващ две жени, седнали в сянката на големи храсти цъфнали люляци, техните фигури са третирани по същия начин и със същата наситеност като самите храсти и тревата, върху която те седят. Фигурите на хората са само част от общия пейзаж, докато усещането за меката топлина на ранното лято, свежестта на младата зеленина, мъглата Слънчев денпредадена с необикновена живост и пряка убедителност, неприсъщи за онова време.

Друга картина - "Boulevard des Capucines" - отразява всички основни противоречия, предимства и недостатъци на импресионистичния метод. Тук много точно е предаден един момент, изтръгнат от потока на живота. голям град: усещане за тъп монотонен шум от трафика, влажен прозрачен въздух, лъчите на февруарското слънце, плъзгащи се по голите клони на дърветата, филм от сивкави облаци, покриващи синевата на небето ... Картината е мимолетна, но въпреки това проницателният и всезабелязващ поглед на художника, а художникът е чувствителен, реагиращ на всички явления на живота. Фактът, че погледът наистина е хвърлен случайно, се подчертава от обмислената композиция
рецепция: рамката на картината вдясно, сякаш отрязва фигурите на мъже, стоящи на балкона.

Платната от този период карат зрителя да почувства, че самият той е такъв актьортози празник на живота, изпълнен със слънчева светлина и непрестанен глъч на елегантна тълпа.

След като се установява в Аржантьой, Моне пише с голям интерес за Сена, мостове, леки платноходки, плъзгащи се по водната повърхност ...

Пейзажът го пленява толкова много, че, поддавайки се на неустоимо влечение, той си прави малка лодка и с нея стига до родния си Руан и там, удивен от картината, която вижда, изпръсква чувствата си в скици, които изобразяват околностите на града и големи морски води, навлизащи в устието на р. кораби ("Аржантьой", 1872; "Платоходка в Аржантьой", 1873-1874).

1877 г. е белязана от създаването на поредица от картини, изобразяващи жп гарата Saint-Lazare. Те начертаха нов етапв творчеството на Моне.

Оттогава скиците, отличаващи се със своята пълнота, отстъпват място на произведения, в които основното е аналитичният подход към изобразеното („Gare Saint-Lazare“, 1877). Промяната в стила на рисуване е свързана с промени в личен животхудожник: съпругата му Камила се разболява тежко, бедността се стоварва върху семейството, причинена от раждането на второ дете.

След смъртта на съпругата си Алис Гошеде поема грижите за децата, чието семейство наема същата къща във Ветей като Моне. По-късно тази жена стана втората му съпруга. След като мина известно време финансова ситуацияМоне се възстанови толкова много, че успя да си купи собствена къща в Живерни, където работи през останалото време.

Художникът усеща тънко новите тенденции, което му позволява да предвижда много с удивителна проницателност.
от това, което ще постигнат артистите края на XIX- началото на ХХ век. Променя отношението към цвета и сюжетите
картини. Сега вниманието му е насочено към изразителността на цветовата схема на щриха, изолирана от неговата предметна корелация, и засилването на декоративността. В крайна сметка той създава пана. Прости сюжети 1860-1870 отстъпете място на сложни, наситени с различни асоциативни мотиви: епични изображения на скали, елегични редици на тополи („Скали в Бел-Ил“, 1866; „Тополи“, 1891).

Този период е белязан от многобройни серийни произведения: композиции на „Купа сено“ („Купа сено в снега. Мрачен ден“, 1891; „Хакове. Краят на деня. Есен“, 1891), изображения на Руанската катедрала („Руанската катедрала на обяд", 1894 г. и др.), изгледи към Лондон ("Мъгла в Лондон", 1903 г. и др.). Все още работейки по импресионистичен начин и използвайки разнообразна тоналност на своята палитра, майсторът се стреми да предаде с най-голяма точност и надеждност как осветлението на едни и същи обекти може да се променя при различно време през деня.

Ако се вгледате по-внимателно в поредица от картини за катедралата в Руан, става ясно, че катедралата тук не е въплъщение на сложния свят на мисли, чувства и идеали на хората от средновековна Франция и дори не е паметник на изкуството и архитектура, а своеобразен фон, изхождайки от който авторът предава състоянието на живота светлина и атмосфера. Зрителят усеща свежестта на утринния бриз, обедната жега, меките сенки на предстоящата вечер, които са истинските герои на този сериал.

Въпреки това, в допълнение към това, такива картини са необичайни декоративни композиции, които, благодарение на неволно възникващи асоциативни връзки, създават у зрителя впечатление за динамиката на времето и пространството.

След като се премества със семейството си в Живерни, Моне прекарва много време в градината, правейки своята организация на рисуването. Тази професия повлиява толкова много на възгледите на художника, че вместо обикновения свят, обитаван от хора, той започва да изобразява върху платната си мистериозния декоративен свят на вода и растения („Ириси в Живерни“, 1923 г.; „Плачещи върби“, 1923 г. ). Оттук и изгледите на езера с плуващи в тях водни лилии, показани в най-известната серия от по-късните му пана („Бели водни лилии. Хармония на синьото“, 1918-1921).

Живерни става последното убежище на художника, където той умира през 1926 г.

Трябва да се отбележи, че начинът на писане на импресионистите е много различен от начина на академиците. Импресионистите, по-специално Моне и неговите съмишленици, се интересуваха от изразителността на цветовата схема на мазка, отделно от нейната предметна корелация. Тоест, те са писали в отделни щрихи, използвайки само чисти бои, които не са смесени върху палитрата, докато желаният тон вече е бил оформен във възприятието на зрителя. И така, за листата на дърветата и тревата, заедно със зелено, синьо и жълт цвят, придавайки желания нюанс на зеленото от разстояние. Този метод придаде на произведенията на майсторите импресионисти специална чистота и свежест, присъщи само на тях. Отделно положените щрихи създават впечатление за релефна и, така да се каже, вибрираща повърхност.

Пиер Огюст Реноар

Пиер Огюст Реноар, френски художник, график и скулптор, един от лидерите на импресионистичната група, е роден на 25 февруари 1841 г. в Лимож, в бедно семейство на провинциален шивач, който се премества в Париж през 1845 г. Талантът на младия Реноар е забелязан от родителите му доста рано и през 1854 г. го назначават в работилница за рисуване на порцелан. Посещавайки работилницата, Реноар едновременно учи в училището за рисуване и приложно изкуство, а през 1862 г., след като спести пари (печелейки пари, рисувайки гербове, завеси и ветрила), младият художник влезе в училището за изящни изкуства. Малко по-късно той започва да посещава работилницата на C. Gleyre, където става близък приятел с A. Sisley, F. Basil и C. Monet. Той често посещава Лувъра, изучавайки творбите на такива майстори като А. Вато, Ф. Буше, О. Фрагонар.

Общуването с група импресионисти кара Реноар да развие свой собствен стил на виждане. Така например, за разлика от тях, през цялото си творчество той се обърна към образа на човек като основен мотив на своите картини. Освен това творчеството му, макар и пленерно, никога не се разтваря
пластична тежест на материалния свят в трептящата среда на светлината.

Използването на chiaroscuro от художника, придавайки на изображението почти скулптурна форма, прави ранните му творби да изглеждат като творбите на някои художници реалисти, по-специално на Г. Курбе. Въпреки това, по-лека и по-лека цветова схема, присъща само на Реноар, отличава този майстор от неговите предшественици („Кръчмата на майка Антоний“, 1866 г.). В много от творбите на художника се забелязва опит да се предаде естествената пластичност на движението на човешки фигури на открито. В „Портрет на Алфред Сисли със съпругата му“ (1868) Реноар се опитва да покаже чувството, което свързва двойката, която върви ръка за ръка: Сисли спря за момент и леко се наведе към жена си. В тази картина с композиция, напомняща фотокадър, мотивът за движение е все още случаен и практически неосъзнат. Въпреки това, в сравнение с "Кръчмата", фигурите в "Портрет на Алфред Сислей със съпругата му" изглеждат по-спокойни и живи. Друг важен момент е важен: съпрузите са изобразени в природата (в градината), но Реноар все още няма опит в изобразяването на човешки фигури на открито.

"Портрет на Алфред Сислей със съпругата му" - първата стъпка на художника по пътя към новото изкуство. Следващият етап в творчеството на художника е картината "Къпане в Сена" (ок. 1869 г.), където фигурите на хора, които се разхождат по брега, къпещи се, както и лодки и купи дървета са обединени от светловъздушната атмосфера на прекрасен летен ден. Художникът вече свободно използва цветни сенки и светлоцветни отражения. Намазката му става жива и енергична.

Подобно на К. Моне, Реноар държи на проблема за включването на човешката фигура в света околен свят. Художникът решава този проблем в картината "Swing" (1876), но по малко по-различен начин от К. Моне, в който фигурите на хората сякаш се разтварят в пейзажа. Реноар въвежда в композицията си няколко ключови фигури. Живописният начин, по който е направено това платно, много естествено предава атмосферата на горещ летен ден, омекотена от сянката. Картината е пропита с усещане за щастие и радост.

В средата на 1870г. Реноар рисува произведения като облян в слънце пейзаж „Пътека в ливадите“ (1875), изпълнен със светло живо движение и неуловима игра на ярки светлинни отражения „Мулен де ла Галет“ (1876), както и „Чадъри“ ( 1883), „Хора“ (1874) и „Краят на закуската“ (1879). Тези красиви платна са създадени въпреки факта, че художникът трябваше да работи в трудна среда, тъй като след скандалната изложба на импресионистите (1874 г.), работата на Реноар (както и работата на неговите съмишленици) беше подложена на остър удар атаки от така наречените ценители на изкуството. Но в този труден момент Реноар усети подкрепата на двама близки до него хора: брат Едмон (издател на списание La Vie Moderne) и Жорж Шарпентие (собственик на седмичника). Те помогнаха на художника да получи малка сума пари и да наеме работилница.

Трябва да се отбележи, че в композиционно отношение пейзажът "Пътека в ливадите" е много близък до "Макове" (1873) на К. Моне, но живописната текстура на картините на Реноар е различна по-голяма плътности материалност. Друга разлика в композиционното решение е небето. При Реноар, за когото материалността на природния свят е важна, небето заема само малка част от картината, докато при Моне, който изобразява небето със сиво-сребристи или снежнобели облаци, преминаващи по него, то се издига над склон, осеян с цъфнали макове, засилващи усещането за слънчев летен ден.

В композициите "Мулен дьо ла Галет" (с него истинският успех дойде на художника), "Чадъри", "Ложа" и "Краят на закуската" са ясно показани (както в Мане и Дега) интересът към привидно случайно надникна житейска ситуация; характерно е и привличането към метода за рязане на рамката на композиционното пространство, което е характерно и за Е. Дега и отчасти Е. Мане. Но за разлика от творбите на последния, картините на Реноар се отличават с голямо спокойствие и съзерцание.

Платното „Хижата“, в което, сякаш разглеждайки редиците от фотьойли през бинокъл, авторът неволно се натъква на кутия, в която се намира красавица с безразличен поглед. Нейният спътник, напротив, гледа публиката с голям интерес. Част от фигурата му е отрязана от рамката на картината.

Творбата "Краят на закуската" представя един обикновен епизод: две дами, облечени в бяло и черно, както и техният кавалер закусват в сенчесто кътче на градината. Масата вече е подредена за кафе, което се сервира в чаши от фин бледосин порцелан. Жените очакват продължението на историята, която мъжът прекъсна, за да запали цигара. Тази картина не е драматична или дълбок психологизъм, тя привлича вниманието на зрителя с фино предаване на най-малките нюанси на настроението.

Подобно усещане за спокойна бодрост прониква и в „Закуската на гребците“ (1881), изпълнена със светлина и живо движение. Ентусиазъм и чар лъха от фигурата на красива млада дама, седнала с куче на ръце. Художникът изобрази бъдещата си съпруга на снимката. Платното „Голо” (1876) е изпълнено със същото радостно настроение, само в малко по-различно пречупване. Свежестта и топлината на тялото на млада жена контрастира със синкаво-студената тъкан на чаршафите и бельото, които образуват своеобразен фон.

Характерна черта на творчеството на Реноар е, че човек е лишен от сложната психологическа и морална пълнота, която е характерна за живописта на почти всички художници реалисти. Тази особеност е присъща не само на произведения като "Голо" (където характерът на сюжетния мотив позволява липсата на такива качества), но и на портретите на Реноар. Това обаче не лишава платното му от чар, който се крие в веселостта на героите.

В най-голяма степен тези качества се усещат в известен портретРеноар "Момиче с ветрило" (ок. 1881). Платното е връзката, която свързва ранното творчество на Реноар с по-късното, характеризиращо се с по-студена и изтънчена цветова гама. През този период художникът в по-голяма степен от преди проявява интерес към чистите линии, към чистия рисунък, както и към локалността на цвета. Художникът отрежда голяма роля на ритмичните повторения (полукръг на ветрило - полукръгла облегалка на червен стол - наклонени момичешки рамене).

Но всички тези тенденции в живописта на Реноар се проявяват най-пълно през втората половина на 1880-те години, когато в творчеството му и импресионизма като цяло настъпва разочарование. След като унищожи някои от творбите си, които художникът смяташе за „изсушени“, той започва да изучава работата на Н. Пусен, обръща се към рисунката на Ж. О. Д. Енгр. В резултат на това неговата палитра придобива специална яркост. Така нареченият. „Переден период“, познат ни от произведения като „Момичета на пианото“ (1892), „Спящият къпещ се“ (1897), както и портрети на синове - Пиер, Жан и Клод - „Габриел и Жан“ ( 1895), "Коко" (1901).

Освен това от 1884 до 1887 г. Реноар работи върху поредица от варианти на голямата картина „Къпещите се“. В тях той успява да постигне ясна композиционна завършеност. Въпреки това, всички опити за възраждане и преосмисляне на традициите на великите предшественици, като същевременно се обръщат към далеч от големи проблемимодерност на сюжета, завършила с провал. „Къпещите се” само отчуждават художника от предишното му пряко и свежо възприемане на живота. Всичко това до голяма степен обяснява факта, че от 1890г. Работата на Реноар става по-слаба: оранжево-червените тонове започват да преобладават в оцветяването на творбите му, а фонът, лишен от ефирна дълбочина, става декоративен и плосък.

От 1903 г. Реноар се установява в собствената си къща в Кан сюр Мер, където продължава да работи върху пейзажи, композиции с човешки фигури и натюрморти, в които в по-голямата си част преобладават червеникавите тонове, споменати по-горе. Тъй като е тежко болен, художникът вече не може сам да държи четките и те са вързани за ръцете му. След известно време обаче рисуването трябва да бъде напълно изоставено. Тогава майсторът се обръща към скулптурата. Заедно с асистента на Гуино той създава няколко невероятни скулптури, отличаващи се с красотата и хармонията на силуетите, радостта и жизнеутвърждаващата сила (Венера, 1913; Великата перачка, 1917; Майчинството, 1916). Реноар умира през 1919 г. в имението си в Приморските Алпи.

Едгар Дега

Едгар Илер Жермен Дега, френски художник, график и скулптор, най-големият представител на импресионизма, е роден през 1834 г. в Париж в семейството на богат банкер. Заможен, той получава отлично образование в престижния Лицей на името на Луи Велики (1845-1852). Известно време той е студент в Юридическия факултет на Парижкия университет (1853 г.), но, изпитвайки жажда за изкуство, напуска университета и започва да посещава студиото на художника Л. Ламот (ученик и последовател на Енгр) и в същото време (от 1855 г.) училището
изящни изкуства. Но през 1856 г., неочаквано за всички, Дега напуска Париж и заминава за две години в Италия, където учи с голям интерес и като много художници копира творбите на великите майстори на Ренесанса. Най-голямо внимание е отделено на творбите на А. Мантеня и П. Веронезе, чиято вдъхновена и колоритна живопис младият художник оценява високо.

Ранните творби на Дега (предимно портрети) се характеризират с ясен и прецизен рисунък и фина наблюдателност, съчетани с изящно сдържан начин на писане (скици на брат му, 1856-1857; рисунка на главата на баронеса Белели, 1859) или с удивителен правдивост на изпълнението (портрет на италиански просяци, 1857 г.).

Връщайки се в родината си, Дега се обърна към историческата тема, но й даде интерпретация, нехарактерна за онова време. Така в композицията „Спартански момичета предизвикват млади мъже на състезание“ (1860) майсторът, пренебрегвайки условната идеализация на древния сюжет, се стреми да го въплъти така, както би могъл да бъде в действителност. Античността тук, както и в другите му платна на историческа тема, е сякаш преминала през призмата на модерността: образите на момичета и младежи от Древна Спарта с ъгловати форми, тънки тела и резки движения, изобразени на фона на ежедневието прозаичен пейзаж, са далеч от класическите представи и приличат повече на обикновените тийнейджъри от парижките предградия, отколкото на идеализираните спартанци.

През 1860-те години постепенно се формира творческият метод на начинаещия художник. През това десетилетие, заедно с по-малко значими исторически платна („Семирамида, наблюдаваща изграждането на Вавилон“, 1861 г.), художникът създава няколко портретни произведения, в които са усъвършенствани наблюдателността и реалистичните умения. В това отношение най-показателна е картината „Глава на млада жена“, създадена от
през 1867 г

През 1861 г. Дега се запознава с Е. Мане и скоро става редовен в кафенето Gerbois, където се събират млади новатори от онова време: C. Monet, O. Renoir, A. Sisley и др.. Но ако се интересуват предимно от пейзаж и работа на открито, тогава Дега се фокусира повече върху темата за града, парижки типове. Той е привлечен от всичко, което е в движение; статиката го оставя безразличен.

Дега беше много внимателен наблюдател, тънко улавящ всичко, което е характерно изразително в безкрайната промяна на житейските явления. Така, предавайки лудия ритъм на големия град, той стига до създаването на един от вариантите на битовия жанр, посветен на капиталистическия град.

В творчеството от този период се открояват портретите, сред които има много класифицирани като перлите на световната живопис. Сред тях са портрет на семейство Белели (ок. 1860-1862), портрет на жена (1867), портрет на бащата на художника, слушащ китариста Паган (ок. 1872).

Някои картини от периода на 1870-те се характеризират с фотографска безстрастност в изобразяването на героите. Пример за това е платно, наречено "Урок по танци" (ок. 1874 г.), направено в студени синкави тонове. С удивителна точност авторът улавя движенията на балерините, които взимат уроци от стар майстор на танците. Има обаче картини от различно естество, като например портрет на виконт Лепик с дъщерите му на Place de la Concorde, датиращ от 1873 г. Тук трезвата прозаична фиксация е преодоляна поради подчертаната динамика на композицията и изключителната острота на предаването на характера на Лепик; с една дума, това се случва благодарение на художествено острото и рязко разкриване на характерно изразителното начало на живота.

Трябва да се отбележи, че творбите от този период отразяват възгледа на художника за изобразеното от него събитие. Картините му разрушават обичайните академични канони. Картината на Дега Музикантите на оркестъра (1872) е изградена върху острия контраст, създаден чрез съпоставяне на главите на музикантите (нарисувани в близък план) и малката фигура на танцьорка, която се покланя на публиката. Интересът към експресивното движение и точното му копиране върху платното се наблюдава и в множество скици на фигури на танцьори (не трябва да забравяме, че Дега също е скулптор), създадени от майстора, за да улови същността на движението, неговата логика възможно най-точно колкото е възможно.

Художникът се интересуваше от професионалната специфика на движенията, позите и жестовете, лишени от всякаква поетизация. Това е особено забележимо в творбите, посветени на конните надбягвания („Млад жокей“, 1866-1868; „Конни надбягвания в провинцията. Екипажът на състезанията“, ок. 1872; „Жокеи пред трибуните“, ок. 1879, и т.н.). В „Ездата на състезателни коне“ (1870 г.) анализът на професионалната страна на въпроса е даден с почти репортерска точност. Ако сравним това платно с картината на Т. Жерико "Състезанията в Епсом", веднага става ясно, че поради очевидната си аналитичност работата на Дега губи много от емоционалната композиция на Т. Жерико. Същите качества са присъщи и на пастеля на Дега „Балерина на сцената“ (1876-1878), който не принадлежи към неговите шедьоври.

Но въпреки такава едностранчивост и може би дори благодарение на нея, изкуството на Дега се отличава с убедителност и съдържание. В техните програмата работитой много точно и с голямо умение разкрива цялата дълбочина и сложност вътрешно състояниеизобразеният човек, както и атмосферата на отчуждение и самота, в която живее съвременното общество, включително и самият автор.

За първи път тези настроения са записани в малко платно „Танцьорка пред фотограф“ (1870-те), върху което художникът рисува самотна фигура на танцьорка, замръзнала в мрачна и мрачна атмосфера в заучена поза отпред на обемист фотографски апарат. В бъдеще усещането за горчивина и самота прониква в такива платна като "Абсент" (1876), "Певица от кафенето" (1878), "Гладачници" (1884) и много други.Дега показа две фигури на мъж и жена, самотни и безразлични един към друг и към целия свят. Мътното зеленикаво трептене на чаша, пълна с абсент, подчертава тъгата и безнадеждността, които се виждат в очите и позата на жената. Блед брадат мъж с подпухнало лице е мрачен и замислен.

Творчеството на Дега е присъщо на истински интерес към героите на хората, към особеностите на тяхното поведение, както и добре изградена динамична композиция, която замени традиционната. Основният му принцип е да намери най-изразителните ъгли в самата реалност. Това отличава работата на Дега от изкуството на други импресионисти (по-специално К. Моне, А. Сисли и отчасти О. Реноар) с техния съзерцателен подход към света около тях. Художникът използва този принцип още в ранната си работа The Cotton Receiving Office in New Orleans (1873), която предизвиква възхищението на Е. Гонкур със своята искреност и реализъм. Такива са по-късните му произведения „Госпожица Лала в цирка на Фернандо“ (1879) и „Танцьорки във фоайето“ (1879), където в рамките на същия мотив е даден тънък анализ на смяната на различни движения.

Понякога тази техника се използва от някои изследователи, за да се посочи близостта на Дега с А. Вато. Въпреки че и двамата художници наистина са сходни в някои точки (А. Вато също се фокусира върху различните нюанси на едно и също движение), достатъчно е да сравним рисунката на А. Вато с изображението на движенията на цигуларя от гореспоменатата композиция на Дега , като веднага се усеща противоположността на артистичните им техники.

Ако А. Вато се опитва да предаде неуловимите преходи на едно движение в друго, така да се каже, полутонове, тогава за Дега, напротив, е характерна енергична и контрастна промяна в мотивите на движението. Той се стреми повече към тяхното съпоставяне и остър сблъсък, често правейки фигурата ъглова. По този начин художникът се опитва да улови динамиката на развитието на съвременния живот.

В края на 1880-те - началото на 1890-те. в работата на Дега има преобладаване на декоративни мотиви, което вероятно се дължи на известна тъпота на неговата бдителност художествено възприятие. Ако в платната от началото на 1880-те години, посветени на голото тяло („Жена, излизаща от банята“, 1883), има по-голям интерес към ярката изразителност на движението, то в края на десетилетието интересът на художника се измества значително към изобразяването на женската красота. Това е особено забележимо в картината "Къпане" (1886), където художникът с голямо умение предава очарованието на гъвкавото и грациозно тяло на млада жена, надвесена над таза.

Художници са рисували подобни картини и преди, но Дега поема по малко по-различен път. Ако героините на други майстори винаги са усещали присъствието на зрителя, тогава тук художникът изобразява жена, сякаш напълно незагрижена за това как изглежда отвън. И въпреки че подобни ситуации изглеждат красиви и съвсем естествени, образите в такива произведения често се доближават до гротеската. В крайна сметка всякакви пози и жестове, дори и най-интимните, са напълно подходящи тук, те са напълно оправдани от функционална необходимост: когато миете, протегнете ръка на правилното място, разкопчайте закопчалката на гърба, плъзнете се, хванете се за нещо.

През последните години от живота си Дега се занимава повече със скулптура, отколкото с живопис. Това отчасти се дължи на очно заболяване и зрително увреждане. Той създава същите образи, които присъстват в картините му: извайва фигурки на балерини, танцьорки, коне. В същото време художникът се опитва да предаде динамиката на движенията възможно най-точно. Дега не напуска живописта, която, макар и да изчезва на заден план, не изчезва напълно от творчеството му.

Поради формално експресивната, ритмична конструкция на композициите, желанието за декоративно-плоска интерпретация на изображенията на картините на Дега, направени в края на 1880-те и през 1890-те години. се оказват лишени от реална достоверност и стават като декоративни пана.

Дега прекарва остатъка от живота си в родния си Париж, където умира през 1917 г.

Камил Писаро

Камий Писаро, френски художник и график, е роден през 1830 г. на ок. Свети Тома (Антилски острови) в семейството на търговец. Получава образование в Париж, където учи от 1842 до 1847 г. След като завършва обучението си, Писаро се завръща в Сейнт Томас и започва да помага на баща си в магазина. Това обаче съвсем не беше това, за което младежът мечтаеше. Интересът му беше далеч отвъд гишето. Рисуването беше най-важно за него, но баща му не подкрепяше интереса на сина си и беше против той да напусне семейния бизнес. Пълното неразбиране и нежеланието на семейството да се срещне наполовина доведе до факта, че напълно отчаяният млад мъж избяга във Венецуела (1853 г.). Този акт все пак повлия на непреклонния родител и той позволи на сина си да отиде в Париж, за да учи живопис.

В Париж Писаро влиза в студиото на Suisse, където учи шест години (от 1855 до 1861 г.). На Световното изложение за живопис през 1855 г. бъдещият художник открива Ж. О. Д. Енгр, Г. Курбе, но най-голямо впечатление му правят произведенията на К. Коро. По съвет на последния, продължавайки да посещава студиото на Суис, младият художник влезе в училището за изящни изкуства на А. Мелби. По това време той се запознава с К. Моне, с когото рисува пейзажи от покрайнините на Париж.

През 1859 г. Писаро излага своите картини за първи път в Салона. Ранните му творби са написани под влиянието на К. Коро и Г. Курбе, но постепенно Писаро започва да развива свой собствен стил. Начинаещият художник отделя много време за работа на открито. Той, подобно на други импресионисти, се интересува от живота на природата в движение. Писаро обръща голямо внимание на цвета, който може да предаде не само формата, но и материалната същност на обекта. За да разкрие неповторимото очарование и красота на природата, той използва леки щрихи от чисти цветове, които, взаимодействайки помежду си, създават трептяща тонална гама. Начертани в кръстообразни, успоредни и диагонални линии, те придават на цялото изображение удивително усещане за дълбочина и ритмичен звук („Сена в Марли“, 1871 г.).

Рисуването не носи на Писаро много пари и той едва свързва двата края. В моменти на отчаяние художникът прави опити да скъса завинаги с изкуството, но скоро отново се връща към творчеството.

По време на френско-пруската война Писаро живее в Лондон. Заедно с К. Моне рисува лондонски пейзажи от натура. Къщата на художника в Лувесиен по това време е ограбена от пруските нашественици. Повечето от картините, останали в къщата, са унищожени. Войниците постилаха платната в двора под краката си по време на дъжд.

Връщайки се в Париж, Писаро все още изпитва финансови затруднения. Република, която дойде да замени
империя, не промени почти нищо във Франция. Обеднялата след събитията, свързани с Комуната, буржоазия не може да купува картини. По това време Писаро поема защитата си млад художникП. Сезан. Заедно те работят в Понтоаз, където Писаро създава платна, изобразяващи околностите на Понтоаз, където художникът живее до 1884 г. („Оаз в Понтоаз“, 1873 г.); тихи села, пътища, простиращи се в далечината („Път от Жизор до Понтоаз под снега“, 1873; „Червени покриви“, 1877; „Пейзаж в Понтоаз“, 1877).

Писаро участва активно във всичките осем изложби на импресионистите, организирани от 1874 до 1886 г. Притежавайки педагогически талант, художникът успява да намери общ език с почти всички начинаещи художници и им помага със съвети. Съвременниците казаха за него, че "той дори може да научи как да рисува камъни". Талантът на майстора беше толкова голям, че той можеше да различи дори най-фините нюанси на цветовете, където другите виждаха само сиво, кафеникаво и зелено.

Особено място в творчеството на Писаро заемат платната, посветени на града, показан като жив организъм, постоянно променящ се в зависимост от светлината и сезона. Художникът имаше невероятна способност да вижда много и да улавя това, което другите не забелязват. Така например, гледайки през същия прозорец, той написа 30 творби, изобразяващи Монмартър („Булевард Монмартър в Париж“, 1897 г.). Майсторът страстно обичаше Париж, затова му посвети повечето картини. Художникът успя да предаде в творбите си уникалната магия, превърнала Париж в един от най-великите градове в света. За работа художникът наема стаи на улица Сен Лазар, Големите булеварди и др. Той пренася всичко, което вижда, върху своите платна („Италиански булевард сутрин, осветен от слънцето“, 1897 г.; „Мястото на френския театър в Париж“ , пролет”, 1898; „Пасаж на операта в Париж).

Сред неговите градски пейзажи има творби, които изобразяват други градове. И така, през 1890 г. майсторът е живял дълго време в Диеп, след това в Руан. В картини, посветени на различни части на Франция, той разкрива красотата на древните площади, поезията на алеите и старинните сгради, от които лъха духът на отминали епохи („Големият мост в Руан“, 1896 г.; „Мостът Булдийо в Руан при залез слънце). “, 1896; „Изглед към Руан“, 1898; „Църквата Сен Жак в Диеп“, 1901).

Въпреки че пейзажите на Писаро не са ярко цветни, тяхната живописна текстура е необичайно богата на различни нюанси: например сивият тон на калдъръмена настилка се формира от щрихи на чисто розово, синьо, синьо, златиста охра, английско червено и др. Като В резултат сивото изглежда като седеф, блести и свети, правейки картините да изглеждат като скъпоценни камъни.

Писаро създава не само пейзажи. В работата му има жанрови картинив който беше въплътен интерес към дадена личност.

Сред най-значимите си струва да се отбележат "Кафе с мляко" (1881), "Момиче с клон" (1881), "Жена с дете на кладенеца" (1882), "Пазар: търговец на месо" (1883). ). Работейки върху тези произведения, художникът се стреми да рационализира удара и да въведе елементи на монументалност в композициите.

В средата на 1880-те, вече зрял художник, Писаро, под влиянието на Сьора и Синяк, се интересува от дивизионизма и започва да рисува с малки цветни точки. По този начин такова негово произведение като „Остров Лакроа, Руан. Мъгла" (1888). Хобито обаче не продължи дълго и скоро (1890 г.) майсторът се върна към предишния си стил.

В допълнение към живописта, Писаро работи в акварел, създава офорти, литографии и рисунки.
Художникът умира в Париж през 1903 г.

Импресионизмът е изкуство, което се появява през 70-те години. XIX век във френската живопис, а след това се проявява в музиката, литературата, театъра.

Импресионизмът в живописта започва да се оформя много преди известната изложба от 1874 г. Едуард Мане традиционно се смята за основател на импресионистите. Той е много вдъхновен от класическите произведения на Тициан, Рембранд, Рубенс, Веласкес. Мане изрази своята визия за изображения върху своите платна, добавяйки „вибриращи“ удари, които създават ефекта на незавършеност. През 1863 г. Мане създава "Олимпия", която предизвиква голям скандал в културните среди.

На пръв поглед картината е направена в съответствие с традиционните канони, но в същото време вече носи иновативни тенденции. В различни парижки издания са написани около 87 отзива за Олимпия. Много негативни критики паднаха върху нея - художникът беше обвинен във вулгарност. И само няколко статии могат да бъдат наречени добронамерени.

Мане в работата си използва техниката на наслагване на един слой боя, което създава ефекта на петна. Впоследствие този метод на наслагване на бои е възприет от художниците импресионисти като основа за изображения върху картини.

Отличителна черта на импресионизма беше най-фината фиксация на мимолетни впечатления, по специален начин за възпроизвеждане на светлинна среда с помощта на сложна мозайка от чисти цветове, бегли декоративни щрихи.

Любопитно е, че в началото на търсенето си художниците са използвали цианометър – уред за определяне синевата на небето. Черният цвят беше изключен от палитрата, той беше заменен с други цветови нюанси, което позволи да не се разваля слънчевото настроение на картините.

Импресионистите се фокусираха върху най-новите научни открития на своето време. Теорията на цвета на Шеврел и Хелмхолц се свежда до следното: слънчевият лъч се разделя на съставните си цветове и съответно две бои, поставени върху платно, засилват изобразителния ефект, а при смесване на боите губят интензивността си.

Естетиката на импресионизма се оформя отчасти като опит решително да се освободим от условностите на класицизма в изкуството, както и от устойчивия символизъм и обмисленост на късноромантичната живопис, която канеше всеки да види криптирани идеи, които се нуждаят от внимателна интерпретация . Импресионизмът претендира не само за красотата на ежедневната реалност, но и за фиксирането на цветна атмосфера, без детайли или интерпретации, изобразявайки света като непрекъснато променящ се оптичен феномен.

Художниците импресионисти разработиха цялостна пленерна система. Предшествениците на това стилистични особеностиса пейзажисти, произхождащи от училището в Барбизон, чиито основни представители са Камий Коро и Джон Констабъл.

Работата в открито пространство дава повече възможности за улавяне на най-малките промени в цвета в различни часове на деня.

Клод Моне създава няколко серии от картини на една и съща тема, например „Руанската катедрала“ (серия от 50 картини), „Хакове“ (серия от 15 картини), „Езерце с водни лилии“ и др. Основният индикатор от тези серии имаше промяна в светлината и цветовете в изображението на един и същ обект, написано в различни часове на деня.

Друго постижение на импресионизма е разработването на оригинална живописна система, при която сложните тонове се разлагат на чисти цветове, предавани с отделни щрихи. Художниците не смесват цветовете върху палитрата, а предпочитат да нанасят щрихи директно върху платното. Тази техника придава на картините особен трепет, променливост и релеф. Творбите на художниците бяха изпълнени с цвят и светлина.

Изложбата на 15 април 1874 г. в Париж е резултат от периода на формиране и представяне пред широката публика на нова тенденция. Експозицията беше разположена в студиото на фотографа Феликс Надар на булевард Капуцини.

Името „Импресионизъм“ възниква след изложбата, в която е представена картината на Моне „Импресия. Изгрев". Критикът L. Leroy в рецензията си в Sharivari даде игриво описание на изложбата от 1874 г., цитирайки работата на Моне като пример. Друг критик, Морис Дени, упрекна импресионистите в липсата на индивидуалност, чувства и поезия.

На първата изложба свои творби показаха около 30 художници. Това е най-големият брой в сравнение с последващите изложби до 1886 г.

Невъзможно е да не се каже за положителните отзиви от руското общество. Руските художници и критици-демократи, винаги живо интересуващи се от художествения живот на Франция - И. В. Крамской, И. Е. Репин и В. В. Стасов - високо оцениха постиженията на импресионистите още от първата изложба.

Новият етап в историята на изкуството, започнал с изложбата от 1874 г., не е внезапна експлозия на революционни тенденции - това е кулминацията на бавно и последователно развитие.

Въпреки факта, че всички велики майстори от миналото са допринесли за развитието на принципите на импресионизма, непосредствените корени на течението най-лесно могат да бъдат открити в двадесетте години, предшестващи историческата изложба.

Успоредно с изложбите в Салона набират скорост изложби на импресионистите. Техните творби демонстрираха нови тенденции в живописта. Това беше упрек към салонната култура и изложбените традиции. В бъдеще художниците импресионисти успяха да привлекат на своя страна почитателите на новите тенденции в изкуството.

Теоретичните знания и формулировки на импресионизма започнаха да се оформят доста късно. Художниците предпочитат повече практика и собствени експерименти със светлина и цвят. В импресионизма, предимно изобразителен, може да се проследи наследството на реализма, той ясно изразява антиакадемичната, антисалонна ориентация и инсталация на образа на заобикалящата реалност от онова време. Някои изследователи отбелязват, че импресионизмът се е превърнал в специално разклонение на реализма.

Несъмнено в импресионистичното изкуство, както във всяко художествено движение, възникващо през периода на прелома и кризата на старите традиции, различни и дори противоречиви тенденции са преплетени, въпреки цялата им външна цялост.

Основните черти бяха в тематиката на творбите на художниците, в средствата за художествено изразяване. Книгата на Ирина Владимирова за импресионистите включва няколко глави: „Пейзаж, природа, впечатления“, „Град, места за срещи и раздяли“, „Хобитата като начин на живот“, „Хора и характери“, „Портрети и автопортрети“ , "Натюрморт". Той също така описва историята на създаването и местоположението на всяко произведение.

По време на разцвета на импресионизма художниците намират хармоничен баланс между обективната реалност и нейното възприемане. Художниците се опитаха да уловят всеки лъч светлина, движението на вятъра, променливостта на природата. За да запазят свежестта на картините, импресионистите създават оригинална изобразителна система, която по-късно се оказва много важна за развитието на изкуството в бъдеще. Въпреки общите тенденции в живописта, всеки художник е намерил своя творчески път и основните жанрове в живописта.

Класическият импресионизъм е представен от художници като Едуар Мане, Клод Моне, Пиер Огюст Реноар, Едгар Алфред Сислей, Камий Писаро, Жан Фредерик Базил, Берта Моризо, Едгар Дега.

Помислете за приноса на някои художници за формирането на импресионизма.

Едуард Мане (1832-1883)

Мане получава първите си уроци по рисуване от Т. Кутюр, благодарение на което бъдещият художник придобива много необходими професионални умения. Поради липсата на подходящо внимание на учителя към учениците, Мане напуска майсторското ателие и се занимава със самообразование. Посещава изложби в музеи, творческото му формиране е силно повлияно от старите майстори, особено испанските.

През 60-те години на XIX век Мане написва две произведения, които показват основните принципи на неговия художествен стил. Лола от Валенсия (1862) и Флейтистът (1866) показват Мане като художник, който разкрива характера на модела чрез предаване на цвят.

Неговите идеи за техниката на мазка и отношението към цвета са възприети от други художници импресионисти. През 1870-те години Мане се сближава със своите последователи и работи на пленер без черно върху палитрата. Появата на импресионизма е резултат от творческата еволюция на самия Мане. Най-импресионистичните картини на Мане са В лодка (1874) и Клод Моне в лодка (1874).

Мане рисува и много портрети на различни светски дами, актриси, модели, красиви жени. Във всеки портрет е предадена уникалността и индивидуалността на модела.

Малко преди смъртта си Мане написва един от своите шедьоври - "Bar Folies-Bergere" (1881-1882). Тази картина съчетава няколко жанра наведнъж: портрет, натюрморт, домашна сцена.

Н. Н. Калитина пише: „Магията на изкуството на Мане е такава, че момичето се съпротивлява на околната среда, благодарение на което нейното настроение е толкова ясно разкрито и в същото време е част, защото целият фон, смътно отгатнат, неопределен, развълнуван, е решен и в синьо-черни, синкаво-бели, жълти тонове.

Клод Моне (1840-1926)

Клод Моне е безспорният лидер и основател на класическия импресионизъм. Основният жанр в неговата живопис е пейзажът.

В младостта си Моне обичаше карикатурата и карикатурата. Първи образци за неговото творчество са неговите учители, другари. За проба използва карикатури във вестници и списания. Той копира рисунките в Голоа на Е. Карж, поет и карикатурист, приятел на Гюстав Кубре.

В колежа Моне е преподаван от Жак-Франсоа Хошар. Но е справедливо да се отбележи влиянието върху Моне на Буден, който подкрепя художника, дава му съвети, мотивира го да продължи работата си.

През ноември 1862 г. в Париж Моне продължава обучението си в Париж с Глейр. Благодарение на това Моне се среща в ателието си с Базил, Реноар, Сисли. Младите художници се подготвяха да влязат в училището за изящни изкуства, уважавайки своя учител, който вземаше малко за уроците си и даваше съвети в мека форма.

Моне създава картините си не като история, не като илюстрация на идея или тема. Неговата живопис, както и животът, нямаше ясни цели. Той видя света, без да се фокусира върху детайлите, по някакви принципи, отиде до "пейзажно виждане" (терминът на историка на изкуството А. А. Федоров-Давидов). Моне се стреми към безсюжетност, сливане на жанрове върху платното. Средствата за прилагане на неговите иновации бяха скици, които трябваше да станат завършени картини. Всички скици са рисувани от природата.

Той рисува ливади, и хълмове, и цветя, и скали, и градини, и селски улици, и море, плажове и много други, обърна се към образа на природата в различни часове на деня. Често той рисува едно и също място по различно време, създавайки цели цикли от творбите си. Принципът на неговата работа не беше изображението на обектите в картината, а точното предаване на светлината.

Ето няколко примера от творбите на художника - "Поле с макове в Аржантьой" (1873 г.), "Жаба" (1869 г.), "Езерце с водни лилии" (1899 г.), "Житни купчини" (1891 г.).

Пиер Огюст Реноар (1841-1919)

Реноар е един от изключителните майстори на светския портрет, освен това е работил в жанрове пейзаж, битова сцена, натюрморт.

Особеността на неговата работа е интересът към личността на човек, разкриването на неговия характер и душа. В своите платна Реноар се опитва да подчертае усещането за пълнота на битието. Художникът е привлечен от забавления и празници, рисува топки, разхожда се с тяхното движение и разнообразие от герои, танци.

Повечето забележителни произведенияхудожник - "Портрет на актрисата Жана Самари", "Чадъри", "Къпане в Сена" и др.

Интересно е, че Реноар се отличава със своята музикалност и като дете пее в църковния хор под ръководството на изключителния композитор и педагог Шарл Гуно в Париж в катедралата Сен Есташ. C. Gounod силно препоръчва на момчето да учи музика. Но в същото време Реноар открива своя артистичен талант - от 13-годишна възраст той вече се научава как да рисува порцеланови съдове.

Уроците по музика повлияха на формирането на личността на художника. Редица негови творби са свързани с музикални теми. Отразиха свирене на пиано, китара, мандолина. Това са картините „Урок по китара“, „Млада испанка с китара“, „Млада дама на пиано“, „Жена, свиреща на китара“, „Урок по пиано“ и др.

Жан Фредерик Базил (1841-1870)

Според неговите приятели художници Базил е най-обещаващият и изключителен импресионист.

Творбите му се отличават с ярки цветове и одухотвореност на образите. Голямо влияние върху творческия му път оказват Пиер-Огюст Реноар, Алфред Сисле и Клод Моне. Апартаментът на Жан Фредерик за начинаещи художници беше нещо като ателие и жилище.

Василий рисува предимно на пленер. Основната идея на неговата работа беше образът на човека на фона на природата. Първите му герои в картините са неговите приятели художници; много импресионисти много обичаха да рисуват един друг в своите творби.

Фредерик Базил бележи курса на реалистичния импресионизъм в творчеството си. Най-известната му картина, Семейна среща (1867), е автобиографична. Художникът изобразява върху него членове на своето семейство. Тази работа беше представена в салона и получи одобрителна оценка на публиката.

През 1870 г. художникът загива в Пруско-френската война. След смъртта на художника неговите приятели художници организират третата изложба на импресионистите, където са изложени и неговите платна.

Камий Писаро (1830-1903)

Камий Писаро е един от най-големите представители на пейзажистите след К. Моне. Неговата работа е била постоянно излагана в експозициите на импресионистите. В творбите си Писаро предпочиташе да изобразява разорани полета, селски животи труд. Картините му се отличават със структурата на формите и яснотата на композицията.

По-късно художникът започва да рисува и картини на градски теми. Н. Н. Калитина отбелязва в книгата си: „Той гледа улиците на града от прозорците на горните етажи или от балконите, без да ги въвежда в композициите.“

Под влиянието на Жорж-Пиер Сьора художникът се заема с поантилизма. Тази техника включва налагането на всеки удар отделно, сякаш поставя точки. Но творческите перспективи в тази област не бяха реализирани и Писаро се върна към импресионизма.

Най-известните картини на Писаро са булевард Монмартър. Следобед, слънчево”, „Пасаж от операта в Париж”, „Мястото на френския театър в Париж”, „Градината в Понтоаз”, „Жътва”, „Сенокос” и др.

Алфред Сислей (1839-1899)

Основният жанр в живописта на Алфред Сислей беше пейзажът. В ранните му творби се вижда главно влиянието на К. Коро. Постепенно, в процеса на съвместна работа с К. Моне, Ж. Ф. Базил, П. О. Реноар, в творбите му започват да се появяват светли цветове.

Художникът е привлечен от играта на светлината, промяната в състоянието на атмосферата. Сисли се обръща към един и същ пейзаж няколко пъти, като го улавя в различни часове на деня. В творбите си художникът дава приоритет на образа на водата и небето, които се променят всяка секунда. Художникът успява да постигне съвършенство с помощта на цвета, всеки нюанс в творбите му носи някаква символика.

Най-известните му произведения: „Селска алея“ (1864), „Слана в Лувесиен“ (1873), „Изглед към Монмартър от Острова на цветята“ (1869), „Ранен сняг в Лувесиен“ (1872), „Мостът в Аржантьой“ (1872 г.).

Едгар Дега (1834-1917)

Едгар Дега е художник, който започва своята творческа кариера, като учи в Училището по изящни изкуства. Той е вдъхновен от художниците на италианския Ренесанс, които оказват влияние върху творчеството му като цяло. В началото Дега рисува исторически картини, например „Спартански момичета предизвикват спартански младежи на състезание. (1860). Основният жанр в живописта му е портретът. В творбите си художникът се опира на класическите традиции. Създава творби, белязани с изострено усещане за своето време.

За разлика от своите колеги, Дега не споделя радостния, открит поглед върху живота и нещата, присъщ на импресионизма. Художникът е по-близо до критичната традиция на изкуството: състрадание към съдбата на обикновения човек, способността да се виждат душите на хората, техния вътрешен свят, непоследователност, трагедия.

За Дега предметите и интериорът около човек играят важна роля при създаването на портрет. Ето няколко произведения като пример: "Дезире Дио с оркестър" (1868-1869), "Портрет на жена" (1868), "Двойката Морбили" (1867) и др.

Принципът на портрета в творбите на Дега може да бъде проследен през цялата му кариера. През 1870-те години художникът изобразява обществото на Франция, по-специално Париж, в творбите си в пълен блясък. В интересите на художника – градският живот в движение. „Движението беше за него една от най-важните прояви на живота, а способността на изкуството да го предаде беше най-важното завоевание. модерна живопис”, - пише N.N. Калитина.

През този период са създадени картини като "Звезда" (1878 г.), "Мис Лола в цирка на Фернандо", "Състезания на Епсом" и други.

Нов кръг от творчеството на Дега е неговият интерес към балета. Той показва задкулисен животбалерини, говори за техните тежка работаи тежки тренировки. Но въпреки това художникът успява да намери ефирност и лекота в предаването на своите образи.

В балетната поредица от картини на Дега се виждат постиженията в областта на предаването на изкуствена светлина от прожектора, те говорят за колористичния талант на художника. Повечето известни картини„Сини танцьорки“ (1897), „Клас по танци“ (1874), „Танцьорка с букет“ (1877), „Танцьорки в розово“ (1885) и др.

В края на живота си, поради влошаване на зрението си, Дега опитва ръката си в скулптурата. Същите балерини, жени, коне стават негови обекти. В скулптурата Дега се опитва да предаде движение и за да оцените скулптурата, трябва да я разгледате от различни ъгли.