Абстракционизмът е посока, изведена от образа на реалността. Абстракционизъм

През миналия век абстрактното направление се превърна в истински пробив в историята на изкуството, но съвсем естествено - човек винаги е бил в търсене на нови форми, свойства и идеи. Но дори и в нашия век този стил на изкуство повдига много въпроси. Какво е абстракционизъм? Нека поговорим за това по-нататък.

Абстрактното изкуство в живописта и изкуството

Със стил абстракционизъмхудожникът използва визуалния език на форми, контури, линии и цветове, за да интерпретира обекта. Това е в контраст с традиционните форми на изкуство, които приемат по-литературна интерпретация на темата - предаване на "реалност". Абстракционизмът, от друга страна, отива възможно най-далеч от класическото изобразително изкуство; представя обективния свят по напълно различен начин, отколкото в реалния живот.

Абстракционизмът в изкуството предизвиква ума на наблюдателя, точно както предизвиква неговите емоции – за да оцени напълно едно произведение на изкуството, наблюдателят трябва да се отърве от необходимостта да разбере какво се опитва да каже художникът, но трябва сам да почувства отговорната емоция . Всички аспекти на живота са интерпретируеми чрез абстракционизъм - вяра, страхове, страсти, реакции към музика или природа, научни и математически изчисления и т.н.

Това течение в изкуството се заражда през 20 век, заедно с кубизма, сюрреализма, дадаизма и др. точно временеизвестен. Основните представители на стила на абстрактното изкуство в живописта се считат за художници като Василий Кандински, Робърт Делоне, Казимир Малевич, Франтишек Купка и Пит Мондриан. Тяхната работа и важни картини ще бъдат обсъдени допълнително.

Картини на известни художници: абстрактно изкуство

Василий Кандински

Кандински е един от пионерите на абстрактното изкуство. Той започва търсенето си в импресионизма и едва след това стига до стила на абстракционизма. В работата си той използва връзката между цвят и форма, за да създаде естетическо изживяване, което обхваща както визията, така и емоциите на публиката. Той вярваше, че пълната абстракция дава място за дълбоко, трансцендентно изразяване, а копирането на реалността само пречи на този процес.

Рисуването е дълбоко духовно за Кандински. Той се стреми да предаде дълбочината на човешката емоция чрез универсален визуален език на абстрактни форми и цветове, които биха надхвърлили физическите и културни граници. Той видя абстракционизъмкато идеален визуален режим, който може да изрази „вътрешната нужда“ на художника и да предаде човешки идеи и емоции. Той се смяташе за пророк, чиято мисия е да споделя тези идеали със света в полза на обществото.

"Композиция IV" (1911)

Скрити в ярки цветове и ясни черни линии са изобразени няколко казаци с копия, както и лодки, фигури и замък на върха на хълм. Както в много картини от този период, това представлява апокалиптична битка, която ще доведе до вечен мир.

За да улесни развитието на необективен стил на рисуване, както е описано в неговата За духовното в изкуството (1912), Кандински свежда обектите до пиктографски символи. Чрез премахване на повечето препратки към външен свят, Кандински изразява своята визия по по-универсален начин, превеждайки духовната същност на субекта чрез всички тези форми на визуален език. Много от тези символични фигури бяха повторени и усъвършенствани в по-късните му работи, ставайки още по-абстрактни.

Казимир Малевич

Идеите на Малевич за формата и смисъла в изкуството по някакъв начин водят до концентрация върху теорията на стиловия абстракционизъм. Малевич работи с различни стиловев живописта, но най-вече той се фокусира върху изучаването на чисти геометрични форми (квадрати, триъгълници, кръгове) и тяхното отношение помежду си в изобразителното пространство.

Чрез контактите си на Запад Малевич успява да предаде своите идеи за рисуване на приятели художници в Европа и Съединените щати и по този начин да повлияе дълбоко на еволюцията. съвременно изкуство.

"Черен квадрат" (1915)

Емблематичната картина "Черен квадрат" е показана за първи път от Малевич на изложба в Петроград през 1915 г. Тази работа въплъщава теоретичните принципи на супрематизма, разработени от Малевич в неговото есе „От кубизма и футуризма към супрематизма: нов реализъм в живописта“.

На платното пред зрителя е нарисувана абстрактна форма на бял фон под формата на черен квадрат - това е единственият елемент от композицията. Въпреки че картината изглежда проста, има елементи като пръстови отпечатъци, щрихи с четка, които се виждат през черните слоеве боя.

За Малевич квадратът означава чувства, а белият означава празнота, нищо. Той видя черния квадрат като божествено присъствие, икона, сякаш можеше да се превърне в нов свещен образ за необективното изкуство. Дори на изложбата тази картина беше поставена на мястото, където обикновено се поставя икона в руската къща.

Пит Мондриан

Пит Мондриан, един от основателите на холандското движение De Stijl, е признат за чистотата на своите абстракции и методична практика. Той доста радикално опростява елементите на своите картини, за да покаже това, което вижда не пряко, а фигуративно и да създаде ясен и универсален естетически език в платната си.

В най-много им известни картиниот 1920 г. Мондриан свежда формите до линии и правоъгълници, а палитрата до най-простите. Използването на асиметричен баланс става фундаментално за развитието на съвременното изкуство, а неговите емблематични абстрактни творби продължават да бъдат влиятелни в дизайна и са познати на популярната култура и до днес.

"Сиво дърво" (1912)

„Сивото дърво“ е пример за ранния преход на Мондриан към стила абстракционизъм. 3D дървото е сведено до най-простите линии и равнини, използвайки само сиво и черно.

Тази картина е една от поредицата творби на Мондриан, които възприемат по-реалистичен подход, където например дърветата са представени по натуралистичен начин. Докато по-късните парчета стават все по-абстрактни, например, линиите на дървото са намалени, докато формата на дървото стане едва видима и вторична спрямо цялостната композиция на вертикалата и хоризонтални линии.

Тук все още можете да видите интереса на Мондриан към изоставяне на структурираната организация на линиите. Този ход беше важен за развитието на чистата абстракция на Мондриан.

Робърт Делоне

Делоне е един от най-ранните художници на абстрактния стил. Работата му повлия на развитието на тази посока, основана на композиционното напрежение, причинено от контраста на цветовете. Бързо попада под неоимпресионистичното колоритно влияние и много внимателно следва цветовата система на произведенията в стила на абстракцията. Той счита цвета и светлината за основните инструменти, с които можете да повлияете на обективността на света.

До 1910 г. Делоне е направил своя принос към кубизма под формата на две серии от картини, изобразяващи катедрали и Айфеловата кула, които съчетават кубични форми, динамика на движението и ярки цветове. Това нов начинизползването на цветова хармония помогна да се отдели този стил от ортодоксалния кубизъм, наречен орфизъм, и веднага повлия европейски художници. Съпругата на Делоне, художничката Соня Тюрк-Делоне, продължава да рисува в същия стил.

"Айфеловата кула" (1911)

Основната работа на Делоне е посветена на Айфеловата кула, прочутият символ на Франция. Това е една от най-впечатляващите от поредица от единадесет картини, посветени на Айфеловата кула между 1909 и 1911 г. Тя е боядисана в ярко червено, което веднага я отличава от скуката на околния град. Внушителните размери на платното допълнително подсилват величието на тази сграда. Като призрак кулата се издига над околните къщи, разклащайки образно самите основи на стария ред.

Картините на Делоне предават това усещане за безграничен оптимизъм, невинност и свежест на едно време, което още не е било свидетел на две световни войни.

Франтишек Купка

Франтишек Купка е чехословашки художник, който рисува в стила абстракционизъмзавършва Пражката художествена академия. Като ученик рисува предимно на патриотични теми и пише исторически съчинения. Неговата ранни творбибяха по-академични, но стилът му се разви през годините и в крайна сметка се премести в абстракционизъм. Написани по много реалистичен начин, дори ранните му творби съдържат мистични сюрреалистични теми и символи, които се запазват при писането на абстракции.

Купка вярваше, че художникът и неговата работа участват в непрекъсната творческа дейност, чийто характер не е ограничен, като абсолют.

„Аморфа. Фуга в два цвята" (1907-1908)

В началото на 1907-1908 г. Купка започва да рисува поредица от портрети на момиче, което държи топка в ръката си, сякаш ще играе или танцува с нея. След това той развива все по-схематични изображения на нея и в крайна сметка създава серия от напълно абстрактни рисунки. Изработени са в ограничена палитра от червено, синьо, черно и бяло.

През 1912 г. в Salon d'Automne една от тези абстрактни творби е изложена за първи път публично в Париж.

Стилът на абстракционизма не губи популярността си в живописта на 21 век - любителите на модерното изкуство не са против да украсят домовете си с такъв шедьовър и произведенията в този стил летят под чука на различни търгове за баснословни суми.

Следното видео ще ви помогне да научите още повече за абстрактното изкуство в изкуството:

Текст:Ксюша Петрова

ТАЗИ СЕДМИЦА В ЕВРЕЙСКИЯ МУЗЕЙ И ЦЕНТЪР ЗА ТОЛЕРАНТНОСТзавършва изложбата "Абстракция и образ" на Герхард Рихтер - първата персонална изложба в Русия на един от най-влиятелните и скъпи съвременни художници. Досега наскоро разширената изложба на Рафаело и Караваджо и грузинския авангард в Музея на Пушкин им. А. С. Пушкин е на линия, Рихтер може да се види в удобната компания на няколко дузини посетители. Този парадокс се дължи не само на факта, че Еврейският музей е много по-нисък по популярност от музея на Пушкин или Ермитажа, но и на факта, че много хора все още са скептични към абстрактното изкуство.

Дори тези, които познават съвременния риск и добре разбират значението на Черния квадрат за световната култура, се плашат от „елитарността“ и „недостъпността“ на абстракцията. Ние се присмиваме на творбите на модерни художници, чудим се на аукционните записи и се страхуваме, че зад фасадата на термините в историята на изкуството ще остане празнота - в края на краищата художествените достойнства на произведения, приличащи на детски драсканици, понякога предизвикват съмнения сред професионалистите. Всъщност аурата на "недостъпността" на абстрактното изкуство е лесна за разсейване - в тази инструкция се опитахме да обясним защо абстракцията се нарича "будистка телевизия" и от коя страна да подходим към нея.

Герхард Рихтер. 1/54 ноември. 2012 г

Не се опитвайте да разберете
какво е искал да каже художникът

В залите, където висят ренесансови платна, дори и не много подготвен зрител ще се ориентира: поне, ще може лесно да назове какво е показано на картината - хора, плодове или море, какви емоции изпитват героите, има ли сюжет в това произведение, дали участниците в събитията са му познати. Пред платната на Ротко, Полок или Малевич не се чувстваме толкова уверени - те нямат обект, за който да хванете погледа си и да говорите за него, за да разберете „какво е искал да каже авторът“, както при училище. Това е основната разлика между абстрактната или необективна живопис от по-познатата фигуративна: абстрактният художник изобщо не се стреми да изобразява света около себе си, той не си поставя такава задача.

Ако внимателно се вгледате в последните два века от историята на западното изкуство, става ясно, че отхвърлянето на субекта в живописта не е прищявка на шепа неконформисти, а естествен етап от развитието. През 19 век се появява фотографията и художниците са освободени от задължението да изобразяват света такъв, какъвто е: портрети на роднини и любими кучета започват да се правят във фотостудио - оказва се по-бързо и по-евтино, отколкото да поръчате маслена картина от майстор. С изобретяването на фотографията необходимостта от щателно копиране на това, което виждаме, за да го запазим в паметта, изчезна.

← Джаксън Полък.
Стенописна фигура. 1942 г

До средата на 19 век някои започват да подозират, че реалистичното изкуство е капан. Художниците перфектно усвоиха законите на перспективата и композицията, научиха се да изобразяват хора и животни с изключителна точност, придобиха подходящи материали, но резултатът изглеждаше все по-малко убедителен. Светът започна да се променя бързо, градовете станаха по-големи, започна индустриализацията - на този фон реалистичните изображения на полета, бойни сцени и голи модели изглеждаха остарели, отделени от сложните преживявания на съвременния човек.

Импресионистите, постимпресионистите, фовистите и кубистите са художници, които не се страхуват да преразгледат това, което е важно в изкуството: всяко от тези движения използва опита на предишното поколение, експериментирайки с цвят и форма. В резултат на това някои художници стигнаха до извода, че контактът между автора и зрителя не се осъществява чрез проекции на реалността, а чрез линии, петна и щрихи на боята - така изкуството се освободи от необходимостта да изобразява каквото и да било, предлагайки на зрителя да почувства незамъглената радост от взаимодействието с цвят, форма, линии и текстура. Всичко това беше перфектно съчетано с нови философски и религиозни учения - по-специално теософията, а локомотивите на руския авангард Василий Кандински и Казимир Малевич разработиха свои собствени философски системи, в които теорията на изкуството се свързва с принципите на идеала. общество.

Във всяка неясна ситуация използвайте формален анализ

Ето един кошмар, в който може да попадне всеки любител на съвременното изкуство: представете си, че стоите пред невероятна, както пише в пътеводителя, картина на Агнес Мартин и не усещате абсолютно нищо. Нищо освен раздразнение и лека тъга - не защото картината ви кара да се чувствате така, а защото изобщо не разбирате какво е нарисувано тук и къде трябва да гледате (дори не сте сигурни, че кураторите са окачили работата на правилната страна). В такава ситуация формалният анализ бърза да помогне, от който си струва да започнете да се запознавате с всяко произведение на изкуството. Издишайте и се опитайте да отговорите на няколко детски въпроса: какво виждам пред себе си – картина или скулптура, графика или живопис? С какви материали и кога е създаден? Как могат да бъдат описани тези форми и линии? Как си взаимодействат? Движат ли се или са статични? Има ли дълбочина тук - кои елементи на изображението са на преден план и кои на заден план?

← Барнет Нюман. Без заглавие. 1945 г

Следващият етап също е доста прост: слушайте себе си и се опитайте да определите какви емоции виждате. Тези червени триъгълници смешни ли са или смущаващи? Чувствам ли се спокоен или картината ме притиска? Защитен въпрос: Опитвам ли се да разбера какво е, или оставям ума си свободно да взаимодейства с цвета и формата?

Не забравяйте, че не само картината е важна, но и рамката – или липсата на такава. В случая на същия Нюман, Мондриан или "Амазонката на авангарда" Олга Розанова, отхвърлянето на рамката е съзнателен избор на художника, който ви кани да отхвърлите старите идеи за изкуството и психически да разширите неговите граници, буквално надхвърлят.

За да се почувствате по-уверени, можете да запомните проста класификация на абстрактните произведения: те обикновено се разделят на геометрични (Пийт Мондриан, Елсуърт Кели, Тео ван Дусбург) и лирични (Хелън Франкенталер, Герхард Рихтер, Василий Кандински).

Хелън Франкенталер. Оранжев обръч. 1965 г

Хелън Франкенталер. солариум. 1964 г

Не оценявайте „умения за рисуване“

„Моето дете/котка/маймуна може да се справи също толкова добре“ е фраза, която се казва всеки ден във всеки музей на модерното изкуство (може би са се сетили да поставят специален брояч някъде). лесен начинда отговориш на такова твърдение - да изсумтяваш и да въртиш очи, оплаквайки се от духовната нищета на хората около теб, е сложно и по-продуктивно - да се заемеш сериозно с въпроса и да се опиташ да обясниш защо майсторството на абстракционистите трябва да се оценява по различен начин. Големият семиолог Ролан Барт написа проницателно есе за привидното „детство“ на драскулките на Сай Туомбли, а нашата съвременна Сузи Ходж посвети цяла книга на тази тема.

Много абстрактни художници имат класическо образование и отлични умения академично рисуване- тоест могат да нарисуват красива ваза с цветя, залез на брега на морето или портрет, но по някаква причина не искат. Те избират визуално изживяване, което не е обременено с обективност: художниците сякаш улесняват зрителя, като не му позволяват да се разсейва от обектите, изобразени на картината, и му помагат веднага да се потопи в емоционално преживяване .

← Сай Туомбли. Без заглавие. 1954 г

През 2011 г. изследователите решават да проверят дали картините в жанра на абстрактния експресионизъм (най-много въпроси възникват за тази посока на абстрактното изкуство) са неразличими от рисунките на малки деца, както и изкуството на шимпанзета и слонове. Изследваните бяха помолени да разгледат двойки снимки и да определят кои от тях са направени от професионални художници - в 60-70% от случаите анкетираните избираха "истински" произведения на изкуството. Превесът е малък, но статистически значим - очевидно в произведенията на абстракционистите наистина има нещо, което ги отличава от рисунките умно шимпанзе. Друго ново проучване показа, че децата сами могат да различат работата на абстрактните художници от детските рисунки. За да проверите артистичния си усет, можете да направите тест с подобни условия на BuzzFeed.

Не забравяйте, че цялото изкуство е абстрактно.

Ако мозъкът ви е готов за малко претоварване, помислете, че всяко изкуство по своята същност е абстрактно. Фигуративната живопис, независимо дали е натюрмортът на Пикасо „Момче с лула“ или „Последният ден на Помпей“ на Брюлов, е проекция на триизмерния свят върху плоско платно, имитация на „реалността“, която възприемаме чрез зрението. За обективността на нашето възприятие също не е необходимо да говорим - все пак възможностите на човешкото зрение, слух и други сетива са много ограничени и ние не можем да ги оценим сами.

Мраморният Дейвид не е жив човек, а парче камък, което Микеланджело е оформил, за да ни напомня за мъж (и ние получаваме представа как изглеждат мъжете от нашия житейски опит). Ако се приближите много до Джокондата, пак ще ви се струва, че виждате нейната нежна, почти жива кожа, прозрачен воал и мъгла в далечината - но това е по същество абстракция, просто Леонардо да Винчи много старателно и за дълго време насложени слоеве боя един върху друг, за да създадат много фина илюзия. По-ясно, трикът с експозицията работи при фовистите и поантилистите: ако се доближите до картината на Писаро, ще видите не булевард Монмартър и залеза в Ерагни, а много многоцветни малки щрихи. Посветена е илюзорната същност на изкуството известна картинаРене Магрит "Предателство на образите": разбира се, "това не е тръба" - това са само щрихи от боя, добре разположени върху платното.

← Хелън Франкенталер.
Непенте. 1972 г

Импресионистите, в чиято компетентност днес не се съмняваме, са били абстракционистите на своето време: Моне, Дега, Реноар и техните приятели са били обвинявани в изоставяне на реалистичното представяне в полза на предаването на усещания. „Небрежните“ удари, видими с невъоръжено око, „странната“ композиция и други прогресивни техники изглеждаха богохулни за обществеността от онова време. В края на 19 век импресионистите са сериозно обвинени в „неумение да рисуват“, вулгарност и цинизъм.

Организаторите на Парижкия салон трябваше да окачат Олимпия на Мане практически под тавана - имаше твърде много желаещи да я плюят или да пробият платното с чадър. Тази ситуация много ли се различава от инцидента от 1987 г. в Stedelijk Museum в Амстердам, когато мъж нападна с нож картината „Кой се страхува от червено, жълто и синьо III“ на художника абстрактен художник Барнет Нюман?

Марк Ротко. Без заглавие. 1944-1946 г

Не пренебрегвайте контекста

Най-добрият начин да изпитате произведение на абстрактното изкуство е да застанете пред него и да гледате, и гледате, и гледате. Някои произведения могат да потопят зрителя в дълбоки екзистенциални преживявания или екстатичен транс - това се случва най-често с картините на Марк Ротко и обектите на Аниш Капур, но работи не известни артисти. Въпреки че емоционалният контакт е най-важен, не бива да отказвате да четете етикетите и да се запознавате с историческия контекст: заглавието няма да ви помогне да разберете „смисъла“ на произведението, но може да наведе на интересни мисли. Дори сухите заглавия като „Композиция № 2” и „Обект № 7” ни казват нещо: давайки това име на творбата си, авторът ни подтиква да се откажем от търсенето на „подтекст” или „символизъм” и да се съсредоточим върху духовното преживяване. .

← Юрий Злотников. Композиция № 22. 1979 г

Историята на създаването на произведението също е важна: най-вероятно, ако разберете кога и при какви обстоятелства е създадено произведението, ще видите нещо ново в него. След като прочетете биографията на художника, внимателно подготвена за вас от кураторите на музея, запитайте се какво значение може да има това произведение в тази страна и по времето, когато е работил неговият автор: същият „Черен квадрат“ създава съвсем различно впечатление , ако знаете нещо за философските течения и изкуството от началото на 20 век. Друго, по-малко известен пример- поредица от "Сигнални системи" на пионера на руската следвоенна абстракция Юрий Злотников. Днес цветните кръгове върху бяло платно не изглеждат революционни - но през 50-те години на миналия век, когато официалното изкуство изглеждаше така, абстракциите на Злотников бяха истински пробив.

Забави

Винаги е по-добре да обърнете внимание на няколко произведения, които харесвате, отколкото да галопирате из музея, опитвайки се да схванете необятността. Професор Дженифър Робъртс от Харвард принуждава студентите си да гледат една картина в продължение на три часа - разбира се, никой не изисква такава издръжливост от вас, но тридесет секунди очевидно не са достатъчни за картина на Кандински. В своя манифест - декларация за любов към абстракцията, известният изкуствовед Джери Салц нарича хипнотичните платна на Ротко "будистка телевизия" - разбира се, че човек може да надникне в тях безкрайно.

Повторете го у дома

Най-добрият начин да проверите бунтовната мисъл „Мога да рисувам също толкова добре“, която понякога възниква сред професионалните критици на изкуството, е да проведете експеримент у дома. Ще бъде интересно в обратната ситуация - ако се страхувате да вземете боя поради "неспособност да рисувате" или "липса на способност". Не без причина в арт терапията най-често се използват абстрактни техники: те помагат да се изразят сложни усещания, за които е трудно да се намерят думи. За много художници, страдащи от вътрешни противоречия и собствената си несъвместимост с външния свят, абстракцията се е превърнала в почти единствения начин за примиряване с реалността (с изключение на наркотиците и алкохола, разбира се).

Абстрактните произведения могат да бъдат създадени с помощта на всякаква художествена среда, от акварел до дъбова кора, така че със сигурност ще намерите техника, която отговаря на вашия вкус и бюджет. Може би не трябва да започвате с капе "- анализът на картината на Мондриан" Композиция с червено, синьо и жълто ", даден в нея за най-малките, не се срамува да бъде прочетен от възрастни.Еврейски музей, ART4

Абстракционизъм (лат. абстракция- отстраняване, разсейване) или нефигуративно изкуство- посока на изкуството, която изостави представянето на форми, близки до реалността, в живописта и скулптурата. Една от целите на абстракционизма е да се постигне „хармонизация“ чрез изобразяване на определени цветови комбинации и геометрични фигури, карайки зрителя да почувства пълнотата и завършеността на композицията. Видни фигури: Василий Кандински, Казимир Малевич, Наталия Гончарова и Михаил Ларионов, Пит Мондриан.

История

Абстракционизъм(изкуство под знака на "нулеви форми", необективно изкуство) - художествено направление, което се формира в изкуството от първата половина на 20-ти век, напълно отказващо да възпроизвежда формите на реалния видим свят. За основоположници на абстракционизма се считат В. Кандински , П. Мондриан иК. Малевич.

В. Кандински създава свой собствен тип абстрактна живопис, освобождавайки от всякакви признаци на обективност петната на импресионистите и "дивото". Пит Мондриан стига до своята безсмисленост чрез геометричната стилизация на природата, започната от Сезан и кубистите. Модернистките тенденции на 20-ти век, фокусирани върху абстракционизма, напълно се отклоняват от традиционните принципи, отричайки реализма, но в същото време остават в рамките на изкуството. Историята на изкуството с появата на абстракционизма преживя революция. Но тази революция възниква не случайно, а съвсем естествено и е предсказана от Платон! В по-късната си работа Филеб той пише за красотата на линиите, повърхностите и пространствените форми сами по себе си, независимо от каквато и да е имитация на видими обекти, от какъвто и да е мимезис. Този вид геометрична красота, за разлика от красотата на естествените „неправилни“ форми, според Платон не е относителна, а безусловна, абсолютна.

20 век и настояще

След Първата световна война 1914-18 г. тенденциите на абстрактното изкуство често се проявяват в индивидуални произведенияпредставители на дадаизма и сюрреализма; в същото време се определя желанието да се намерят приложения за неизобразителни форми в архитектурата, декоративното изкуство и дизайна (експерименти на групата Style и Bauhaus). Няколко групи абстрактно изкуство ("Конкретно изкуство", 1930; "Кръг и квадрат", 1930; "Абстракция и творчество", 1931), обединяващи художници от различни националности и направления, възникват в началото на 30-те години, главно във Франция. Въпреки това абстрактното изкуство не е широко разпространено по това време и до средата на 30-те години. групите се разпаднаха. През годините на Втората световна война (1939–45) в Съединените щати възниква школа на така наречения абстрактен експресионизъм (художници Дж. Полък, М. Тобии т.н.), който се развива след войната в много страни (под името тахизъм или „безформено изкуство“) и провъзгласява като свой метод „чист умствен автоматизъм“ и субективна подсъзнателна импулсивност на творчеството, култ към неочаквани цветови и текстурни комбинации.

През втората половина на 50-те години в Съединените щати се ражда изкуството на инсталацията, поп арт, което малко по-късно прослави Анди Уорхол с безкрайното си копиране на портрети на Мерилин Монро и кутии с кучешка храна - колажният абстракционизъм. AT изящни изкустваПрез 60-те години най-малко агресивната, статична форма на абстракция, минимализмът, стана популярна. По същото време Барнет Нюман, основател на американския геометричен абстракционизъм заедно с А. Либерман, А. Хелди К.Ноландуспешно ангажирани по-нататъчно развитиеидеи на холандския неопластицизъм и руския супрематизъм.

Друга тенденция в американската живопис се нарича "хроматичен" или "пост-живописен" абстракционизъм. Неговите представители до известна степен отблъскваха фовизма и постимпресионизма. Твърд стил, подчертани остри очертания на произведенията Е. Кели, Дж. Юнгерман, Ф. Стелапостепенно отстъпи място на рисуването на съзерцателен меланхоличен склад. През 70-те и 80-те години американската живопис се завръща към фигуративното изкуство. Освен това такова екстремно негово проявление като фотореализма стана широко разпространено. Повечето историци на изкуството са съгласни, че 70-те години са моментът на истината за американското изкуство, тъй като през този период то най-накрая се освобождава от европейското влияние и става чисто американско. Но въпреки завръщането на традиционните форми и жанрове, от портрета до историческата живопис, абстрактното изкуство също не е изчезнало.

Картини, произведения на „неизобразителното“ изкуство се създаваха както преди, тъй като връщането към реализма в САЩ не преодоля абстракционизма като такъв, а канонизирането му, забраната на фигуративното изкуство, което се идентифицираше преди всичко с нашия социален реализъм, и следователно не може да се счита за омразно в едно "свободно демократично" общество, забраната на "ниските" жанрове, на социални функцииизкуство. В същото време стилът на абстрактната живопис придоби известна мекота, която му липсваше преди - рационализирането на обемите, размиването на контурите, богатството на полутонове, фините цветови решения ( E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A.Bialobrod).

Всички тези тенденции поставиха основата за развитието на съвременния абстракционизъм. В творчеството не може да има нищо замразено, окончателно, тъй като това би било смърт за него. Но каквито и пътища да поеме абстракционизмът, каквито и трансформации да претърпи, неговата същност винаги остава непроменена. Тя се състои в това, че абстракционизмът в изобразителното изкуство е най-достъпният и благороден начин за улавяне на личното битие и то в най-адекватна форма, като факсимиле. В същото време абстракционизмът е пряка реализация на свободата.

Упътвания

В абстракционизма могат да се разграничат две ясни посоки: геометрична абстракция, базирана главно на ясно дефинирани конфигурации (Малевич, Мондриан), и лирическа абстракция, при която композицията е организирана от свободно течащи форми (Кандински). Също така в абстракционизма има няколко други големи независими тенденции.

Кубизъм

Авангардна тенденция във визуалните изкуства, възникнала в началото на 20-ти век и се характеризира с използването на подчертано условни геометрични форми, желанието да се „разделят“ реални обекти на стереометрични примитиви.

Районизъм (лучизъм)

Направление в абстрактното изкуство от 1910 г., основано на изместването на светлинните спектри и пропускането на светлина. Характерна е идеята за възникването на форми от "пресичането на отразените лъчи на различни обекти", тъй като човек всъщност възприема не самия обект, а "сумата от лъчите, идващи от източника на светлина, отразени от обект."

неопластизъм

Обозначаването на посоката на абстрактното изкуство, съществувала през 1917-1928 г. в Холандия и обединява художниците, групирани около списанието "De Stijl" ("Стил"). Характеризира се с ясни правоъгълни форми в архитектурата и абстрактната живопис в оформлението на големи правоъгълни равнини, боядисани в основните цветове на спектъра.

Орфизъм

Посока в френска живопис 1910-те години. Художниците-орфисти се стремят да изразят динамиката на движението и музикалността на ритмите с помощта на "закономерностите" на взаимното проникване на основните цветове на спектъра и пресичането на криволинейни повърхности.

Супрематизъм

Направление в авангардното изкуство, основано през 1910 г. Малевич. Тя се изразява в комбинации от многоцветни равнини на най-простите геометрични очертания. Комбинацията от многоцветни геометрични формиформи, проникнати вътрешно движениебалансирани асиметрични супрематични композиции.

Тахизъм

Направлението в западноевропейския абстракционизъм от 50-те и 60-те години, което е най-разпространено в САЩ. Това е живопис с петна, които не пресъздават образи от действителността, а изразяват несъзнателната дейност на художника. Щрихи, линии и петна в тахизма се нанасят върху платното с бързи движения на ръцете без предварително обмислен план.

абстрактен експресионизъм

Движението на художници, които рисуват бързо и върху големи платна, използвайки негеометрични щрихи, големи четки, понякога капещи боя върху платното, за да изведат емоциите в най-голяма степен. Експресивният метод на рисуване тук често е толкова важен, колкото и самата картина.

Абстракционизъм в интериора

AT последно времеабстракционизмът започна да се премества от картините на художниците към уютния интериор на къщата, като го актуализира изгодно. Минималистичният стил с използването на ясни форми, понякога доста необичайни, прави стаята необичайна и интересна. Но е лесно да се прекали с цвета. Помислете за комбинацията оранжев цвятв този стил на интериора.

Бялото най-добре разрежда наситено оранжево и, така да се каже, го охлажда. Оранжевият цвят прави стаята по-гореща, така че не много; не предотвратява. Акцентът трябва да бъде върху мебелите или техния дизайн, например оранжево покривало. В този случай белите стени ще заглушат яркостта на цвета, но ще оставят стаята цветна. В този случай картините от същата гама ще послужат като отлично допълнение - основното е да не прекалявате, в противен случай ще има проблеми със съня.

комбинация от портокал и сини цветявредно за всяка стая, ако не се отнася до детската стая. Ако изберете не ярки нюанси, тогава те успешно ще се хармонизират помежду си, ще добавят настроение и няма да повлияят неблагоприятно дори на хиперактивни деца.

Оранжевото върви добре със зелено, създавайки ефекта на мандариново дърво и шоколадов оттенък. Кафявото е цвят, който варира от топъл до студен, така че перфектно нормализира общата температура в помещението. В допълнение, тази комбинация от цветове е подходяща за кухнята и хола, където трябва да създадете атмосфера, но да не претоварвате интериора. След като декорирате стените в бели и шоколадови цветове, можете спокойно да поставите оранжев стол или да окачите ярка картина с наситен цвят на мандарина. Докато сте в такава стая, ще имате страхотно настроение и желание да направите колкото се може повече неща.

Картини на известни абстрактни художници

Кандински е един от пионерите на абстрактното изкуство. Той започва търсенето си в импресионизма и едва след това стига до стила на абстракционизма. В работата си той използва връзката между цвят и форма, за да създаде естетическо изживяване, което обхваща както визията, така и емоциите на публиката. Той вярваше, че пълната абстракция дава място за дълбоко, трансцендентно изразяване, а копирането на реалността само пречи на този процес.

Рисуването е дълбоко духовно за Кандински. Той се стреми да предаде дълбочината на човешката емоция чрез универсален визуален език на абстрактни форми и цветове, които биха надхвърлили физическите и културни граници. Той видя абстракционизъмкато идеален визуален режим, който може да изрази „вътрешната нужда“ на художника и да предаде човешки идеи и емоции. Той се смяташе за пророк, чиято мисия е да споделя тези идеали със света в полза на обществото.

Скрити в ярки цветове и ясни черни линии са изобразени няколко казаци с копия, както и лодки, фигури и замък на върха на хълм. Както в много картини от този период, това представлява апокалиптична битка, която ще доведе до вечен мир.

За да улесни развитието на необективен стил на рисуване, както е описано в неговата За духовното в изкуството (1912), Кандински свежда обектите до пиктографски символи. Премахвайки повечето препратки към външния свят, Кандински изразява своята визия по по-универсален начин, превеждайки духовната същност на субекта чрез всички тези форми на визуален език. Много от тези символични фигури бяха повторени и усъвършенствани в по-късните му работи, ставайки още по-абстрактни.

Казимир Малевич

Идеите на Малевич за формата и смисъла в изкуството по някакъв начин водят до концентрация върху теорията на стиловия абстракционизъм. Малевич работи с различни стилове в живописта, но най-вече се фокусира върху изучаването на чисти геометрични форми (квадрати, триъгълници, кръгове) и тяхното взаимоотношение помежду си в изобразителното пространство. Чрез контактите си на Запад Малевич успява да предаде идеите си за живописта на приятели художници в Европа и Съединените щати и по този начин да повлияе дълбоко върху еволюцията на съвременното изкуство.

"Черен квадрат" (1915)

Емблематичната картина "Черен квадрат" е показана за първи път от Малевич на изложба в Петроград през 1915 г. Тази работа въплъщава теоретичните принципи на супрематизма, разработени от Малевич в неговото есе „От кубизма и футуризма към супрематизма: нов реализъм в живописта“.

На платното пред зрителя е нарисувана абстрактна форма на бял фон под формата на черен квадрат - това е единственият елемент от композицията. Въпреки че картината изглежда проста, има елементи като пръстови отпечатъци, щрихи с четка, които се виждат през черните слоеве боя.

За Малевич квадратът означава чувства, а белият означава празнота, нищо. Той видя черния квадрат като божествено присъствие, икона, сякаш можеше да се превърне в нов свещен образ за необективното изкуство. Дори на изложбата тази картина беше поставена на мястото, където обикновено се поставя икона в руската къща.

Пит Мондриан

Пит Мондриан, един от основателите на холандското движение De Stijl, е признат за чистотата на своите абстракции и методична практика. Той доста радикално опростява елементите на своите картини, за да покаже това, което вижда не пряко, а фигуративно и да създаде ясен и универсален естетически език в платната си. В най-известните си картини от 20-те години на миналия век Мондриан свежда формите до линии и правоъгълници, а палитрата до най-простите. Използването на асиметричен баланс става фундаментално за развитието на съвременното изкуство, а неговите емблематични абстрактни творби продължават да бъдат влиятелни в дизайна и са познати на популярната култура и до днес.

„Сивото дърво“ е пример за ранния преход на Мондриан към стила абстракционизъм. 3D дървото е сведено до най-простите линии и равнини, използвайки само сиво и черно.

Тази картина е една от поредицата творби на Мондриан, които възприемат по-реалистичен подход, където например дърветата са представени по натуралистичен начин. Докато по-късните парчета стават все по-абстрактни, например, линиите на дървото са намалени, докато формата на дървото е едва видима и вторична спрямо цялостната композиция от вертикални и хоризонтални линии. Тук все още можете да видите интереса на Мондриан към изоставяне на структурираната организация на линиите. Този ход беше важен за развитието на чистата абстракция на Мондриан.

Робърт Делоне

Делоне е един от най-ранните художници на абстрактния стил. Работата му повлия на развитието на тази посока, основана на композиционното напрежение, причинено от контраста на цветовете. Той бързо попада под влиянието на неоимпресионизма и много внимателно следва цветовата система на творбите в стила на абстракционизма. Той счита цвета и светлината за основните инструменти, с които можете да повлияете на обективността на света.

До 1910 г. Делоне е направил своя принос към кубизма под формата на две серии от картини, изобразяващи катедрали и Айфеловата кула, които съчетават кубични форми, динамика на движението и ярки цветове. Този нов начин за използване на цветовата хармония помогна за отделянето на стила от ортодоксалния кубизъм, наречен орфизъм, и незабавно повлия на европейските художници. Съпругата на Делоне, художничката Соня Тюрк-Делоне, продължава да рисува в същия стил.

Основната творба на Делоне е посветена на Айфеловата кула – прочутият символ на Франция. Това е една от най-впечатляващите от поредица от единадесет картини, посветени на Айфеловата кула между 1909 и 1911 г. Тя е боядисана в ярко червено, което веднага я отличава от скуката на околния град. Внушителните размери на платното допълнително подсилват величието на тази сграда. Като призрак кулата се издига над околните къщи, разклащайки образно самите основи на стария ред. Картините на Делоне предават това усещане за безграничен оптимизъм, невинност и свежест на едно време, което още не е било свидетел на две световни войни.

Франтишек Купка

Франтишек Купка е чехословашки художник, който рисува в стила абстракционизъмзавършва Пражката художествена академия. Като ученик рисува предимно на патриотични теми и пише исторически съчинения. Ранните му творби са по-академични, но стилът му се развива през годините и в крайна сметка се превръща в абстрактно изкуство. Написани по много реалистичен начин, дори ранните му творби съдържат мистични сюрреалистични теми и символи, които се запазват при писането на абстракции. Купка вярваше, че художникът и неговата работа участват в непрекъсната творческа дейност, чийто характер не е ограничен, като абсолют.

„Аморфа. Фуга в два цвята" (1907-1908)

В началото на 1907-1908 г. Купка започва да рисува поредица от портрети на момиче, което държи топка в ръката си, сякаш ще играе или танцува с нея. След това той развива все по-схематични изображения на нея и в крайна сметка създава серия от напълно абстрактни рисунки. Изработени са в ограничена палитра от червено, синьо, черно и бяло. През 1912 г. в Salon d'Automne една от тези абстрактни творби е изложена за първи път публично в Париж.

Съвременни абстракционисти

От началото на ХХ век художници, включително Пабло Пикасо, Салвадор Дали, Каземир Малевич, Василий Кандински, експериментират с формите на обектите и тяхното възприятие, а също така поставят под съмнение каноните, съществуващи в изкуството. Подготвили сме селекция от най-известните съвременни абстрактни художници, които са решили да разширят своите граници на познанието и да създадат своя собствена реалност.

немски художник Дейвид Шнел(Дейвид Шнел) обича да обикаля места, които преди са били доминирани от природата, а сега са отрупани със сгради от хора - от детски площадки до фабрики и фабрики. Спомените за тези разходки раждат ярките му абстрактни пейзажи. Давайки воля на въображението и паметта си, вместо на снимки и видео, Дейвид Шнел създава картини, наподобяващи компютърна виртуална реалност или илюстрации към научнофантастични книги.

Създаване на вашия голям мащаб абстрактни картини, американски художник Кристин Бейкър(Кристин Бейкър) черпи вдъхновение от историята на изкуството и състезанията Наскар и Формула 1. Първоначално тя придава обем на работата си, като нанася няколко слоя акрилна боя и залепва силуетите. След това Кристин внимателно я отлепва, което разкрива долните слоеве боя и прави повърхността на нейните картини да изглежда като многопластов, многоцветен колаж. На последния етап от работата тя изстъргва всички неравности, правейки картините си да изглеждат като рентгенови лъчи.

В работата си художничката гръцки произходот Бруклин, Ню Йорк, Елена Анагнос(Eleanna Anagnos) изследва аспекти Ежедневиетокоито често се пренебрегват от хората. В хода на нейния „диалог с платното” обикновените понятия придобиват нови значения и аспекти: негативното пространство става позитивно, а малките форми се увеличават. Опитвайки се да вдъхне живот на своите картини по този начин, Елеанна се опитва да събуди човешкия ум, който е спрял да задава въпроси и да е отворен към нещо ново.

Раждане на ярки пръски и петна от боя върху платното, американски художник Сара Спитлер(Сара Спитлър) се стреми да отрази хаоса, бедствието, дисбаланса и безредието в работата си. Тя е привлечена от тези концепции, тъй като те са извън контрола на човек. Затова тяхната разрушителна сила прави абстрактните творби на Сара Спитлър мощни, енергични и вълнуващи. Освен това. полученото изображение с мастило върху платно, акрилни бои, графитни моливи и емайл подчертават ефимерността и относителността на случващото се наоколо.

Черпейки вдъхновение от областта на архитектурата, художникът от Ванкувър, Канада, Джеф Дапнър(Джеф Депнър) създава многослойни абстрактни картини, съставени от геометрични фигури. В създадения от него артистичен "хаос" Джеф търси хармония в цвят, форма и композиция. Всеки от елементите в картините му е свързан помежду си и води до следното: „Моята работа изследва композиционната структура [на една картина] чрез взаимоотношенията на цветовете в избрана палитра...”. Според художника неговите картини са "абстрактни знаци", които трябва да отведат зрителя на ново, несъзнателно ниво.

Абстракционизмът или безпредметното изкуство е едно от многото направления в изкуството, възникнали в началото на ХХ век. В рамките на абстракционизма има отхвърляне на изображението на реални явления и обекти. Върху платното виждаме комбинация от линии, геометрични форми, текстури и цветни петна.

Важно е да се разбере, че абстракционизмът не се е появил от нищото: отхвърлянето на темата в живописта е естествен етап от развитието на изкуството, което започва през 19 век (с появата на фотографията, необходимостта да се направи детайлен изображението изчезва).

Западното изкуство от Ренесанса до средата на деветнадесетивек, разчиташе на логиката на перспективата и беше опит за възпроизвеждане на илюзията видима реалност. До края на 19-ти век много художници чувстват необходимостта да създадат нова форма на изкуство, която да обхване фундаменталните промени, настъпващи в обществото.

Василий Кандински. "Импровизация 28". Платно, масло. Музей на Соломон Гугенхайм, Ню Йорк. 1912 г

Резултатът от бързите промени в света (включително в резултат на глобалната индустриализация) беше бързото напускане на художниците от остарели изображения на голи модели, реалистични пейзажи и бойни сцени. Всичко това беше подсилено от философски трактати като За духовното в изкуството (1910) на Василий Кандински. Отношението на Кандински, заложено от него в книгата „За духовното в изкуството“, е свързано с теософските и антропософските трудове на Елена Блаватска и Рудолф Щайнер, чието творчество Василий Василиевич изучава.

Кандински вярва, че цветовете предизвикват емоции. Червеното беше жизнено и уверено; зелен - спокоен, с вътрешна сила; синьо - дълбоко и свръхестествено; жълтото може да бъде топло, вълнуващо, обезпокоително или направо лудо; и бялото изглеждаше мълчаливо, но пълно с възможности. Той също така приписва инструментални тонове на всеки цвят. Червеното звучеше като тромпет, зеленото - като цигулка в средна позиция, синьото - като флейта, тъмно синьото като виолончело, жълтото - като фанфара, бялото - като пауза в хармонична мелодия.

Тези звукови аналогии произтичат от любовта на Кандински към музиката, особено към произведенията на съвременния виенски композитор Арнолд Шьонберг (1874-1951). Заглавията на Кандински често се отнасят до цветовете в композицията или към музиката, като „Импровизация 28“ и „Композиция II“.

Изключителни представители на течението са М. Ларионов, П. Мондриан, В. Кандински, К. Малевич и много други. Първото платно, нарисувано в новата техника, е акварел на Василий Кандински (1910 г.).

Василий Кандински. "Без заглавие". 49х64 см. Център Жорж Помпиду, Париж. 1910 г

Една от целите на безпредметното изкуство може да се счита за постигане на хармония в създаването на определени цветови комбинации от геометрични форми, за да се постигнат различни асоциации у зрителя. Отклонението от точното представяне в абстракцията може да бъде леко, частично или пълно. Абсолютната абстракция няма нищо общо с нещо разпознаваемо. Художниците се стремят да бъдат обективни, позволявайки на зрителя да тълкува значението на всяко произведение по свой начин. По този начин абстрактното изкуство не е преувеличена или изкривена представа за света, както виждаме в кубистичните картини на Пол Сезан и Пабло Пикасо. Вместо това формата и цветът стават фокусът и темата на произведението.

Всички форми и цветови комбинации, които са в периметъра на изображението, имат идея, собствен израз и семантично натоварване. Без значение как изглежда на зрителя, гледайки картината, в която няма нищо друго освен линии и петна, всичко в абстракцията е подчинено на определени правилаизрази.

Робърт Делоне. Синхронизиран Windows. Музей Соломон Гугенхайм, Ню Йорк 55x46 см. 1912 г

От началото на века културните връзки между художниците от големите европейски градове стават изключително активни, тъй като те се стремят да създадат форма на изкуство, равна на възвишените стремежи на модернизма.

Едно ново художествено движение възниква паралелно в няколко страни в началото на 1910-те години. И така, представители на абстракционизма в Русия са Василий Кандински (който по това време работи в Германия), Михаил Ларионов и Наталия Гончарова (основатели на районизма - едно от ранните направления на абстракционизма), Казимир Малевич (който подобри абстракцията до супрематизъм - пълно не -обективност). Като символ на началото нова ера, абстракционизмът включва: безпредметно изкуство, районизъм, неопластицизъм, супрематизъм, ташизъм.

От 1909 до 1913 г. мн експериментална работав търсене на това "чисто изкуство" са създадени от редица художници: Франсис Пикабиа пише "Каучук" (1909), "Пролет" (1912), "Процесия, Севиля" (1912), Василий Кандински пише "Без заглавие" (1913 ), Франтишек Купка написва творбите „Орфист“, „Дискът на Нютон“ (1912), „Аморфа“ (1912), Робърт Делоне написва поредицата „Прозорци“ и „Форми“ (1912-13), Леополд Сурведж създава „Цветен ритъм “ (1913), Пит Мондриан пише „Композиция № 11“ (1913).

Пит Мондриан. "Композиция № 11". 1913 г

Въпреки че сме склонни да свързваме абстрактното изкуство с живопис и скулптура, то може да се приложи към всяка визуална среда, включително асемблиране и фотография. Но най-голямо внимание в това движение получават художниците.

Отношението към абстракционизма не винаги е било еднозначно - дълго време е било в ъндърграунда, както обикновено се случва, нов жанросмиван и осъждан като изкуство без смисъл. С течение на времето ситуацията се промени - в XXI век абстракцията се възприема наравно с другите форми на живописта.

етикети

това е интересно, Фомирякова Анна, интересни факти, търг, sotheby's, sotheby's, Piet Mondrian, Robert Delaunay, Wassily Kandinsky.

Появата на абстракционизма:

Абстракционизмът като тенденция възниква в началото на 20 век. едновременно в няколко европейски страни. Признатите основатели и вдъхновители на това движение са художниците Василий Кандински, Казимир Малевич, Пит Мондриан, Франтишек Купка и Робърт Делоне, които очертаха основните положения на абстракционизма в своите теоретични трудове и политически изявления. Различни по цели и задачи, техните учения бяха обединени в едно: абстракционизмът, като най-висок етап в развитието на изобразителното изкуство, създава форми, които са уникални за изкуството. „Освободена” от копиране на реалността, тя се превръща в средство за предаване от различни живописни изображениянепонятният духовен принцип на вселената, вечните "духовни същности", "космически сили".

Като художествено явление абстракционизмът оказва огромно влияние върху формирането и развитието на съвременния архитектурен стил, дизайн, промишлени, приложни и декоративни изкуства.

Характеристики на абстракционизма:

Абстракционизъм (от лат. Abstractus - абстрактен) - един от основните художествени направленияв изкуството на 20 век, в което структурата на произведението се основава единствено на формални елементи – линия, цветно петно, абстрактна конфигурация. Творбите на абстракционизма са откъснати от формите на самия живот: безпредметните композиции въплъщават субективните впечатления и фантазии на художника, потока на неговото съзнание, пораждат свободни асоциации, движение на мисълта и емоционална съпричастност.

От появата на абстракционизма в него се очертават две основни линии:

• Първо – геометричен, или логическа абстракция, който създава пространство чрез комбиниране на геометрични фигури, цветни плоскости, прави и начупени линии. Тя е въплътена в супрематизма на К. Малевич, неопластицизма на П. Мондриан, орфизма на Р. Делоне, в произведенията на майстори на пост-живописната абстракция и оп-арт;
• Втората е лирико-емоционална абстракция, в който композициите са организирани от свободно течащи форми и ритми, е представена от творчеството на В. Кандински, творбите на майстори на абстрактния експресионизъм, тахизма и неформалното изкуство.

Магистри на абстрактното изкуство:

Василий Кандински, Казимир Малевич, Франтишек Купка, Пол Клее, Пит Мондриан, Тео Ван Дусбург, Робър Делоне, Михаил Ларионов, Любов Попова, Джаксън Полок, Йозеф Алберс и др.

Картини на художници: