चित्रकला में प्रभाववाद का युग। प्रभाववाद में पेंटिंग: विशेषताएं, इतिहास

पेंटिंग में प्रभाववाद

मूल

नाम का उदय

प्रभाववादियों की पहली महत्वपूर्ण प्रदर्शनी 15 अप्रैल से 15 मई 1874 तक फोटोग्राफर नादर के स्टूडियो में हुई। 30 कलाकार प्रस्तुत किए गए, कुल मिलाकर - 165 कार्य। कैनवास मोनेट - "इंप्रेशन। उगता हुआ सूरज " ( इंप्रेशन, एकमात्र लेवेंट), अब मुसी मर्मोटिन, पेरिस में, जिसे 1872 में लिखा गया था, ने "प्रभाववाद" शब्द को जन्म दिया: अल्पज्ञात पत्रकार लुई लेरॉय ने ले चरिवारी पत्रिका में अपने लेख में अपने तिरस्कार को व्यक्त करने के लिए समूह को "इंप्रेशनिस्ट" कहा। . कलाकारों ने, एक चुनौती से बाहर, इस विशेषण को स्वीकार किया, बाद में इसने जड़ पकड़ ली, अपना मूल नकारात्मक अर्थ खो दिया और सक्रिय उपयोग में आ गया।

"बार्बिज़ोन स्कूल" नाम के विपरीत, "इंप्रेशनिज़्म" नाम अर्थहीन है, जहाँ कम से कम कलात्मक समूह की भौगोलिक स्थिति का संकेत है। कुछ कलाकारों के साथ भी कम स्पष्टता है जो औपचारिक रूप से पहले प्रभाववादियों के सर्कल में शामिल नहीं थे, हालांकि उनकी तकनीक और साधन पूरी तरह से "प्रभाववादी" व्हिस्लर, एडौर्ड मानेट, यूजीन बौडिन, आदि हैं।) इसके अलावा, के तकनीकी साधन प्रभाववादियों को XIX सदियों से बहुत पहले जाना जाता था और वे (आंशिक रूप से, सीमित रूप से) टिटियन और वेलास्केज़ द्वारा अपने युग के प्रमुख विचारों को तोड़े बिना उपयोग किए जाते थे।

एक और लेख था (एमिल कार्डन द्वारा लिखित) और एक अन्य शीर्षक - "द रिबेल एग्जिबिशन", बिल्कुल अस्वीकार और निंदा करने वाला। यह वह था जिसने बुर्जुआ जनता के निराशाजनक रवैये और कलाकारों (प्रभाववादियों) के प्रति आलोचना को सटीक रूप से पुन: प्रस्तुत किया, जो वर्षों तक हावी रहा। प्रभाववादियों पर तुरंत अनैतिकता, विद्रोही मनोदशा, सम्मानजनक होने में विफलता का आरोप लगाया गया। फिलहाल, यह आश्चर्य की बात है, क्योंकि यह स्पष्ट नहीं है कि केमिली पिसारो, अल्फ्रेड सिसली, एडगर डेगास के रोजमर्रा के दृश्य, मोनेट और रेनॉयर के स्थिर जीवन के परिदृश्य में क्या अनैतिक है।

दशक बीत चुके हैं। और कलाकारों की एक नई पीढ़ी रूपों के वास्तविक पतन और सामग्री की दुर्बलता के लिए आएगी। तब आलोचकों और जनता दोनों ने निंदा किए गए प्रभाववादियों - यथार्थवादी, और थोड़ी देर बाद, फ्रांसीसी कला के क्लासिक्स को देखा।

प्रभाववाद के दर्शन की विशिष्टता

फ्रांसीसी प्रभाववाद ने दार्शनिक समस्याओं को नहीं उठाया और रोजमर्रा की जिंदगी की रंगीन सतह में घुसने की कोशिश भी नहीं की। इसके बजाय, प्रभाववाद सतहीपन, क्षण की तरलता, मनोदशा, प्रकाश या देखने के कोण पर केंद्रित है।

पुनर्जागरण (पुनर्जागरण) की कला की तरह, प्रभाववाद परिप्रेक्ष्य को समझने की विशेषताओं और कौशल पर बनाया गया है। उसी समय, पुनर्जागरण दृष्टि मानव धारणा की सिद्ध व्यक्तिपरकता और सापेक्षता के साथ विस्फोट करती है, जो रंग बनाती है और छवि के स्वायत्त घटक बनाती है। प्रभाववाद के लिए, यह इतना महत्वपूर्ण नहीं है कि चित्र में क्या दिखाया गया है, लेकिन इसे कैसे दिखाया जाता है यह महत्वपूर्ण है।

उनके चित्रों ने जीवन के केवल सकारात्मक पहलुओं का प्रतिनिधित्व किया, भूख, बीमारी, मृत्यु जैसी सामाजिक समस्याओं को प्रभावित नहीं किया। इससे बाद में स्वयं प्रभाववादियों में फूट पड़ गई।

प्रभाववाद के लाभ

एक प्रवृत्ति के रूप में प्रभाववाद के लाभों में लोकतंत्र शामिल है। जड़ता से, 19 वीं शताब्दी में कला को अभिजात वर्ग का एकाधिकार माना जाता था, जो आबादी का ऊपरी तबका था। यह वे थे जिन्होंने भित्ति चित्रों, स्मारकों के लिए मुख्य ग्राहकों के रूप में काम किया, यह वे थे जो चित्रों और मूर्तियों के मुख्य खरीदार थे। किसानों की मेहनत के साथ भूखंड, हमारे समय के दुखद पृष्ठ, युद्ध के शर्मनाक पहलू, गरीबी, सामाजिक उथल-पुथल की निंदा की गई, स्वीकृत नहीं, खरीदी नहीं गई। थियोडोर गेरिकॉल्ट, फ्रेंकोइस मिलेट के चित्रों में समाज की ईशनिंदा नैतिकता की आलोचना को केवल कलाकारों के समर्थकों और कुछ विशेषज्ञों की प्रतिक्रिया मिली।

इस मामले में प्रभाववादियों ने काफी समझौता, मध्यवर्ती पदों पर कब्जा कर लिया। आधिकारिक शिक्षावाद में निहित बाइबिल, साहित्यिक, पौराणिक, ऐतिहासिक भूखंडों को त्याग दिया गया। दूसरी ओर, वे मान्यता, सम्मान, यहाँ तक कि पुरस्कारों की भी लालसा रखते थे। सांकेतिक एडौर्ड मानेट की गतिविधि है, जिन्होंने वर्षों से आधिकारिक सैलून और उसके प्रशासन से मान्यता और पुरस्कार मांगे थे।

इसके बजाय, रोजमर्रा की जिंदगी और आधुनिकता की दृष्टि दिखाई दी। कलाकार अक्सर लोगों को गति में चित्रित करते हैं, मस्ती या विश्राम के दौरान, एक निश्चित प्रकाश में एक निश्चित स्थान के दृश्य की कल्पना करते हैं, प्रकृति भी उनके काम का मकसद था। उन्होंने छेड़खानी, नृत्य, कैफे और थिएटर में रहना, नाव यात्राएं, समुद्र तटों और बगीचों में विषय लिया। प्रभाववादियों के चित्रों को देखते हुए, जीवन छोटी छुट्टियों, पार्टियों, शहर के बाहर सुखद शगल या एक दोस्ताना माहौल (रेनॉयर, मानेट और क्लाउड मोनेट द्वारा कई पेंटिंग) की एक श्रृंखला है। स्टूडियो में अपने काम को अंतिम रूप दिए बिना, प्रभाववादी हवा में पेंट करने वाले पहले लोगों में से थे।

तकनीक

नया चलन तकनीकी और वैचारिक रूप से अकादमिक पेंटिंग से अलग था। सबसे पहले, प्रभाववादियों ने समोच्च को छोड़ दिया, इसे छोटे अलग और विपरीत स्ट्रोक के साथ बदल दिया, जिसे उन्होंने शेवरूल, हेल्महोल्ट्ज़ और रूड के रंग सिद्धांतों के अनुसार लागू किया। सनबीम अपने घटकों में विभाजित होता है: बैंगनी, नीला, नीला, हरा, पीला, नारंगी, लाल, लेकिन चूंकि नीला एक प्रकार का नीला है, इसलिए उनकी संख्या कम होकर छह हो जाती है। अगल-बगल रखे गए दो रंग एक दूसरे को मजबूत करते हैं और इसके विपरीत, मिश्रित होने पर, वे अपनी तीव्रता खो देते हैं। इसके अलावा, सभी रंगों को प्राथमिक, या प्राथमिक, और दोहरे, या व्युत्पन्न में विभाजित किया गया है, प्रत्येक दोहरी पेंट पहले के अतिरिक्त है:

• नीला - नारंगी
• लाल, हरे
• पीला - बैंगनी

इस प्रकार पैलेट पर रंगों को न मिलाना और प्राप्त करना संभव हो गया वांछित रंगउन्हें कैनवास पर ठीक से ओवरले करके। यही बाद में काले रंग को नकारने का कारण बना।

तब प्रभाववादियों ने कार्यशालाओं में कैनवस पर सभी कामों पर ध्यान केंद्रित करना बंद कर दिया, अब वे खुली हवा को पसंद करते हैं, जहां उन्होंने जो देखा, उसकी क्षणभंगुर छाप को पकड़ना अधिक सुविधाजनक है, जो पेंट के लिए स्टील ट्यूबों के आविष्कार के लिए संभव हो गया, जो, चमड़े के बैग के विपरीत, बंद किया जा सकता था ताकि पेंट सूख न जाए।

इसके अलावा, कलाकारों ने अपारदर्शी पेंट का इस्तेमाल किया जो प्रकाश को अच्छी तरह से प्रसारित नहीं करते हैं और मिश्रण के लिए अनुपयुक्त हैं क्योंकि वे जल्दी से ग्रे हो जाते हैं, इससे उन्हें पेंटिंग बनाने की अनुमति नहीं मिली " आंतरिक", एक " बाहरी» सतह से परावर्तित प्रकाश।

तकनीकी अंतर ने अन्य लक्ष्यों की उपलब्धि में योगदान दिया, सबसे पहले, प्रभाववादियों ने एक क्षणभंगुर छाप को पकड़ने की कोशिश की, प्रत्येक विषय में सबसे छोटे परिवर्तन प्रकाश और दिन के समय के आधार पर, उच्चतम अवतार मोनेट के चित्रों के चक्र "हेस्टैक्स" थे, "रूएन कैथेड्रल" और "लंदन की संसद"।

सामान्य तौर पर, कई आचार्यों ने प्रभाववादी शैली में काम किया, लेकिन आंदोलन का आधार एडौर्ड मानेट, क्लाउड मोनेट, अगस्टे रेनॉयर, एडगर डेगास, अल्फ्रेड सिसली, केमिली पिसारो, फ्रेडरिक बाज़िल और बर्थे मोरिसोट थे। हालांकि, मानेट ने हमेशा खुद को एक "स्वतंत्र कलाकार" कहा और कभी भी प्रदर्शनियों में भाग नहीं लिया, और हालांकि डेगास ने भाग लिया, उन्होंने कभी भी अपने कार्यों को हवा में चित्रित नहीं किया।

कलाकारों द्वारा समयरेखा

प्रभाववादियों

प्रदर्शनियों

• पहली प्रदर्शनी(अप्रैल 15 - मई 15)

• दूसरी प्रदर्शनी(अप्रैल )

पता: अनुसूचित जनजाति। लेपेलेटियर, 11 (डूरंड-रूएल गैलरी)। सदस्यों: तुलसी (मरणोपरांत, 1870 में कलाकार की मृत्यु हो गई), बेलियर, ब्यूरो, डेब्यूटिन, डेगास, कैलेबोटे, कैल्स, लीवर, लेग्रोस, लेपिक, बाजरा, मोनेट, मोरिसोट, एल। ओटेन, पिसारो, रेनॉयर, रूअर, सिसली, टिलो, फ्रंकोइस

• तीसरी प्रदर्शनी(अप्रैल )

पता: अनुसूचित जनजाति। लेपेलेटियर, 6. सदस्यों: गिलौमिन, डेगास, कैलेबोटे, कैल्स, कॉर्डे, लीवर, लैमी, मोनेट, मोरिसोट, मोरो, पिएट, पिसारो, रेनॉयर, राउर्ड, सीज़ेन, सिसली, टिलो, फ्रेंकोइस।

• चौथी प्रदर्शनी(10 अप्रैल - 11 मई)

पता: ओपेरा एवेन्यू, 28. सदस्यों: ब्रैक्वेमोंट, मैडम ब्रैक्वेमोंट, गाउगिन, डेगास, ज़ांडोमेनेगी, कैलेबोट, कैल्स, कसाट, लेबोर्ग, मोनेट, पिएट, पिसारो, रूआर्ट, सोम, टिलो, फ़ोरेन।

• पांचवी प्रदर्शनी(1 अप्रैल - 30 अप्रैल)

पता: अनुसूचित जनजाति। पिरामिड, 10. सदस्यों: ब्रैक्वेमोंट, मिसेज ब्रैक्वेमोंट, विडाल, विग्नॉन, गिलाउमिन, गौगुइन, डेगास, ज़ांडोमेनेगी, कैलेबोटे, कसाट, लेबोर, लीवर, मोरिसोट, पिसारो, रैफ़ेली, रूआर्ट, टिलो, फ़ोरेन।

• छठी प्रदर्शनी(2 अप्रैल - 1 मई)

पता: Boulevard des Capucines, 35 (फोटोग्राफर नादर का स्टूडियो)। सदस्यों: विडाल, विग्नन, गिलाउम, गाउगिन, डेगास, ज़ांडोमेनेगी, कसाट, मोरिसोट, पिसारो, रैफ़ेली, रूअर, टिलो, फ़ोरेन।

• सातवीं प्रदर्शनी(मार्च )

पता: Faubourg-सेंट-होनोरे, 251 (डुरंड-रूएल में)। सदस्यों: विग्नन, गिलाउम, गाउगिन, कैलेबोट, मोनेट, मोरिसोट, पिसारो, रेनॉयर, सिसली।

• आठवीं प्रदर्शनी(मई 15 - जून 15)

पता: अनुसूचित जनजाति। लैफिट, 1. सदस्यों: मैडम ब्रैकमोंट, विग्नन, गिलाउमिन, गाउगिन, डेगास, ज़ांडोमेनेगी, कैसेट, मोरिसोट, केमिली पिसारो, लुसिएन पिसारो, रेडॉन, रूआर्ट, सेरात, साइनैक, टिलो, फ़ोरेन, शफ़नेकर।

साहित्य में प्रभाववाद

साहित्य में, प्रभाववाद एक अलग प्रवृत्ति के रूप में विकसित नहीं हुआ, लेकिन इसकी विशेषताएं प्रकृतिवाद और प्रतीकवाद में परिलक्षित हुईं।

सबसे पहले, यह लेखक की निजी छाप की अभिव्यक्ति, वास्तविकता की एक वस्तुनिष्ठ तस्वीर की अस्वीकृति, हर पल के चित्रण की विशेषता है, जिसमें एक कथानक, इतिहास और धारणा के साथ विचार के प्रतिस्थापन की अनुपस्थिति होनी चाहिए। और वृत्ति के साथ कारण। प्रभाववादी शैली की मुख्य विशेषताएं गोनकोर्ट भाइयों ने अपने काम "डायरी" में तैयार की थी, जहां प्रसिद्ध वाक्यांश « देखना, महसूस करना, व्यक्त करना - यह सब कला हैकई लेखकों के लिए एक केंद्रीय स्थान बन गया है।

प्रकृतिवाद में, मुख्य सिद्धांत सत्यता, प्रकृति के प्रति निष्ठा था, लेकिन यह प्रभाव के अधीन है, और इसलिए वास्तविकता की उपस्थिति प्रत्येक व्यक्ति और उसके स्वभाव पर निर्भर करती है। यह एमिल ज़ोला के उपन्यासों, गंधों, ध्वनियों और दृश्य धारणाओं के उनके विस्तृत विवरण में पूरी तरह से व्यक्त किया गया है।

प्रतीकवाद, इसके विपरीत, भौतिक दुनिया की अस्वीकृति और आदर्श की ओर लौटने की मांग करता है, लेकिन संक्रमण केवल क्षणभंगुर छापों के माध्यम से ही संभव है, जिसमें प्रकट होता है दृश्य चीजेंगुप्त सार। काव्यात्मक प्रभाववाद का एक उल्लेखनीय उदाहरण पॉल वेरलाइन का संग्रह है "बिना शब्दों के रोमांस" ()। रूस में, प्रभाववाद के प्रभाव को कॉन्स्टेंटिन बालमोंट और इनोकेंटी एनेन्स्की द्वारा अनुभव किया गया था।

इसके अलावा, इन मनोदशाओं ने नाटकीयता (प्रभाववादी नाटक) को छुआ, दुनिया की निष्क्रिय धारणा नाटकों पर आक्रमण करती है, मनोदशाओं का विश्लेषण, मन की स्थिति, पूरी रचना गीतवाद से भरे कई दृश्यों में टूट जाती है, और क्षणभंगुर असमान छाप संवादों में केंद्रित हैं . नाटक एक-एक्ट बन जाता है, जिसे अंतरंग थिएटरों के लिए डिज़ाइन किया गया है। ये संकेत आर्थर श्निट्ज़लर के काम में पूरी तरह से परिलक्षित होते हैं।

संगीत में प्रभाववाद

संगीत प्रभाववाद संगीत आधुनिकता की धाराओं में से एक था। यह क्षणभंगुर छापों, मनोदशाओं, सूक्ष्म मनोवैज्ञानिक बारीकियों के संचरण की विशेषता है।

संगीत में प्रभाववाद के संस्थापक फ्रांसीसी संगीतकार एरिक सैटी हैं, जिन्होंने 1886 में थ्री मेलोडीज़ और 1887 में थ्री सरबैंड्स को प्रकाशित किया, जिसमें नई शैली की सभी मुख्य विशेषताएं हैं। पांच और दस साल बाद एरिक सैटी की साहसिक खोजों को उनके दो दोस्तों, प्रभाववाद के सबसे उज्ज्वल प्रतिनिधियों, क्लाउड डेब्यू और मौरिस रवेल द्वारा उठाया और विकसित किया गया था।

साहित्य

• जीन-पॉल क्रेस्पेल। प्रभाववादियों का दैनिक जीवन 1863-1883, मास्को "यंग गार्ड",
• मौरिस सेरुल और अर्लेट सेरूल। प्रभाववाद का विश्वकोश, मास्को "गणराज्य",
• "इंप्रेशनिज़्म", ब्रोडस्काया। एन.वी. सेंट पीटर्सबर्ग, एवरोरा, 2002 (254 पृष्ठ, 269 चित्र, 7 लेखक की पाठ्य पत्रक)

लिंक

• प्रभाववाद, एन.वी. ब्रोडस्काया, संस्करण औरोरा 2010

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विकिमीडिया फाउंडेशन। 2010.

समानार्थी शब्द:

उन्नीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध की यूरोपीय कला आधुनिकतावादी कला के उद्भव से समृद्ध हुई। बाद में, इसका प्रभाव संगीत और साहित्य तक फैल गया। इसे "प्रभाववाद" कहा गया क्योंकि यह कलाकार, छवियों और मनोदशाओं के सूक्ष्मतम छापों पर आधारित था।

उत्पत्ति और घटना का इतिहास

19वीं सदी के उत्तरार्ध में कई युवा कलाकारों ने एक समूह बनाया। उनके पास एक सामान्य लक्ष्य और संयोग हित थे। इस कंपनी के लिए मुख्य बात कार्यशाला की दीवारों और विभिन्न निरोधक कारकों के बिना प्रकृति में काम करना था। अपने चित्रों में, उन्होंने सभी कामुकता, प्रकाश और छाया के खेल की छाप को व्यक्त करने की कोशिश की। परिदृश्य और चित्र ब्रह्मांड के साथ, आसपास की दुनिया के साथ आत्मा की एकता को दर्शाते हैं। उनके चित्र रंगों की सच्ची कविता हैं।

1874 में कलाकारों के इस समूह की एक प्रदर्शनी थी। क्लाउड मोनेट द्वारा लैंडस्केप "इंप्रेशन। सनराइज" ने आलोचक का ध्यान आकर्षित किया, जिसने अपनी समीक्षा में पहली बार इन रचनाकारों को प्रभाववादी कहा (फ्रांसीसी छाप से - "छाप")।

प्रभाववाद शैली के जन्म के लिए आवश्यक शर्तें, जिनके प्रतिनिधियों को जल्द ही अविश्वसनीय सफलता मिलेगी, वे पुनर्जागरण के कार्य थे। स्पेनियों वेलाज़क्वेज़, एल ग्रीको, इंग्लिश टर्नर, कॉन्स्टेबल के काम ने बिना शर्त फ्रांसीसी को प्रभावित किया, जो प्रभाववाद के संस्थापक थे।

पिसारो, मानेट, डेगास, सिसली, सेज़ेन, मोनेट, रेनॉयर और अन्य फ्रांस में शैली के प्रमुख प्रतिनिधि बन गए।

पेंटिंग में प्रभाववाद का दर्शन

इस शैली में चित्रकारी करने वाले कलाकारों ने जनता का ध्यान समस्याओं की ओर आकर्षित करने का कार्य स्वयं को निर्धारित नहीं किया। उनके कार्यों में, किसी को दिन के विषय पर भूखंड नहीं मिल सकते हैं, कोई नैतिकता प्राप्त नहीं कर सकता है या मानवीय अंतर्विरोधों को नोटिस नहीं कर सकता है।

प्रभाववाद की शैली में चित्रों का उद्देश्य एक रहस्यमय प्रकृति की रंग योजनाओं को विकसित करते हुए एक क्षणिक मनोदशा को व्यक्त करना है। कार्यों में एक सकारात्मक शुरुआत के लिए केवल एक जगह है, प्रभाववादियों ने उदासी को दरकिनार कर दिया।

वास्तव में, प्रभाववादियों ने कथानक और विवरण के माध्यम से सोचने की जहमत नहीं उठाई। मुख्य कारक यह नहीं था कि क्या आकर्षित किया जाए, बल्कि यह था कि अपने मूड को कैसे चित्रित और व्यक्त किया जाए।

पेंटिंग तकनीक

ड्राइंग की अकादमिक शैली और प्रभाववादियों की तकनीक में बहुत बड़ा अंतर है। उन्होंने बस कई तरीकों को छोड़ दिया, कुछ को मान्यता से परे बदल दिया गया। यहां उनके द्वारा किए गए नवाचार हैं:

1. परित्यक्त रूपरेखा। इसे स्ट्रोक से बदल दिया गया - छोटा और विषम।
2. हमने पैलेट का उपयोग करना बंद कर दिया है हमने ऐसे रंगों का चयन किया है जो एक दूसरे के पूरक हैं और एक निश्चित प्रभाव प्राप्त करने के लिए विलय की आवश्यकता नहीं है। उदाहरण के लिए, पीला बैंगनी है।
3. काले रंग में रंगना बंद करो।
4. कार्यशालाओं में काम पूरी तरह से छोड़ दिया। उन्होंने प्रकृति पर विशेष रूप से लिखा, ताकि एक पल, एक छवि, एक भावना को पकड़ना आसान हो जाए।
5. केवल अच्छी अपारदर्शिता वाले पेंट का इस्तेमाल किया गया था।
6. अगली परत के सूखने की प्रतीक्षा न करें। ताजा स्मीयर तुरंत लागू किए गए थे।
7. उन्होंने प्रकाश और छाया में परिवर्तन का पालन करने के लिए कार्यों के चक्र बनाए। उदाहरण के लिए, क्लाउड मोनेट द्वारा "हेस्टैक्स"।

बेशक, सभी कलाकारों ने बिल्कुल प्रभाववाद शैली की विशेषताओं का प्रदर्शन नहीं किया। उदाहरण के लिए, एडौर्ड मानेट की पेंटिंग्स ने कभी भी संयुक्त प्रदर्शनियों में भाग नहीं लिया, और उन्होंने खुद को एक अलग कलाकार के रूप में स्थान दिया। एडगर डेगास ने केवल कार्यशालाओं में काम किया, लेकिन इससे उनके कार्यों की गुणवत्ता को कोई नुकसान नहीं पहुंचा।

फ्रांसीसी प्रभाववाद के प्रतिनिधि

प्रभाववादी कार्यों की पहली प्रदर्शनी दिनांक 1874 की है। 12 वर्षों के बाद, उनका अंतिम प्रदर्शन हुआ। इस शैली में पहला काम ई। मानेट द्वारा "नाश्ता ऑन द ग्रास" कहा जा सकता है। यह तस्वीर रिजेक्टेड सैलून में पेश की गई थी। यह शत्रुता के साथ मिला, क्योंकि यह अकादमिक सिद्धांतों से बहुत अलग था। यही कारण है कि मानेट एक ऐसी आकृति बन जाती है जिसके चारों ओर इस शैलीगत दिशा के अनुयायियों का एक समूह इकट्ठा होता है।

दुर्भाग्य से, समकालीनों ने प्रभाववाद जैसी शैली की सराहना नहीं की। आधिकारिक कला से असहमति में पेंटिंग और कलाकार मौजूद थे।

धीरे-धीरे, चित्रकारों की टीम में क्लाउड मोनेट सामने आते हैं, जो बाद में उनके नेता और प्रभाववाद के मुख्य विचारक बन जाते हैं।

क्लाउड मोनेट (1840-1926)

इस कलाकार के काम को प्रभाववाद के भजन के रूप में वर्णित किया जा सकता है। यह वह था जिसने अपने चित्रों में काले रंग का उपयोग करने से इंकार कर दिया था, यह तर्क देते हुए कि छाया और रात में भी अन्य स्वर होते हैं।

मोनेट के चित्रों में दुनिया अस्पष्ट रूपरेखा, विशाल स्ट्रोक है, जिसे देखकर आप दिन और रात के रंगों के खेल के पूरे स्पेक्ट्रम को महसूस कर सकते हैं, मौसम, सबल्यूनर दुनिया का सामंजस्य। मोनेट की समझ में जीवन के प्रवाह से छीन लिया गया एक क्षण ही प्रभाववाद है। उनके चित्रों में कोई भौतिकता नहीं है, वे सभी प्रकाश की किरणों और वायु धाराओं से संतृप्त हैं।

क्लाउड मोनेट ने अद्भुत काम किए: "स्टेशन सेंट-लज़ारे", "रूएन कैथेड्रल", चक्र "चेरिंग क्रॉस ब्रिज" और कई अन्य।

अगस्टे रेनॉयर (1841-1919)

रेनॉयर की रचनाएँ असाधारण हल्कापन, वायुहीनता, ईथरता का आभास देती हैं। कथानक का जन्म संयोग से हुआ था, लेकिन यह ज्ञात है कि कलाकार ने अपने काम के सभी चरणों को ध्यान से सोचा और सुबह से रात तक काम किया।

ओ। रेनॉयर के काम की एक विशिष्ट विशेषता ग्लेज़िंग का उपयोग है, जो तभी संभव है जब कलाकार के कार्यों में प्रभाववाद लिखना हर स्ट्रोक में प्रकट होता है। वह व्यक्ति को प्रकृति के ही कण-कण के रूप में देखता है, यही कारण है कि नग्नता के साथ इतने सारे चित्र हैं।

रेनॉयर का पसंदीदा शगल उसकी सभी आकर्षक और आकर्षक सुंदरता में एक महिला की छवि थी। पोर्ट्रेट्स में एक विशेष स्थान है रचनात्मक जीवनकलाकार। "अम्ब्रेलास", "गर्ल विद ए फैन", "ब्रेकफास्ट ऑफ द रोवर्स" ऑगस्टे रेनॉयर द्वारा चित्रों के अद्भुत संग्रह का एक छोटा सा हिस्सा हैं।

जॉर्जेस सेरात (1859-1891)

सेरात ने रंग सिद्धांत की वैज्ञानिक पुष्टि के साथ पेंटिंग बनाने की प्रक्रिया को जोड़ा। प्रकाश-वायु वातावरण मुख्य और अतिरिक्त स्वरों की निर्भरता के आधार पर तैयार किया गया था।

इस तथ्य के बावजूद कि जे। सेरात प्रभाववाद के अंतिम चरण के प्रतिनिधि हैं, और उनकी तकनीक कई मायनों में संस्थापकों से अलग है, उसी तरह वह स्ट्रोक की मदद से उद्देश्य रूप का एक भ्रामक प्रतिनिधित्व करता है, जो कर सकता है दूर से ही देखा और देखा जा सकता है।

रचनात्मकता की उत्कृष्ट कृतियों को पेंटिंग "रविवार", "कैनकन", "मॉडल" कहा जा सकता है।

रूसी प्रभाववाद के प्रतिनिधि

रूसी प्रभाववाद लगभग अनायास उत्पन्न हुआ, कई घटनाओं और विधियों को मिलाकर। हालांकि, आधार, फ्रेंच की तरह, प्रक्रिया का एक पूर्ण पैमाने पर दृष्टिकोण था।

रूसी प्रभाववाद में, हालांकि फ्रांसीसी की विशेषताओं को संरक्षित किया गया था, राष्ट्रीय प्रकृति और मन की स्थिति की विशेषताओं ने महत्वपूर्ण परिवर्तन किए। उदाहरण के लिए, एक असामान्य तकनीक का उपयोग करके बर्फ या उत्तरी परिदृश्य की दृष्टि व्यक्त की गई थी।

रूस में, कुछ कलाकारों ने प्रभाववाद की शैली में काम किया, उनके चित्र आज भी आंख को आकर्षित करते हैं।

वैलेंटाइन सेरोव के काम में प्रभाववादी अवधि को प्रतिष्ठित किया जा सकता है। उनकी "गर्ल विद पीचिस" रूस में इस शैली का सबसे स्पष्ट उदाहरण और मानक है।

चित्र अपनी ताजगी और शुद्ध रंगों के सामंजस्य से जीतते हैं। मुख्य विषयइस कलाकार की रचनात्मकता प्रकृति में मनुष्य की छवि है। "नॉर्दर्न आइडियल", "इन द बोट", "फ्योडोर चालियापिन" के। कोरोविन की गतिविधि में उज्ज्वल मील के पत्थर हैं।

आधुनिक समय में प्रभाववाद

वर्तमान में कला में यह दिशा प्राप्त हुई है नया जीवन. इस शैली में, कई कलाकार अपने चित्रों को चित्रित करते हैं। आधुनिक प्रभाववाद रूस (आंद्रे कोहन), फ्रांस में (लॉरेंट पार्सलियर), अमेरिका में (डायना लियोनार्ड) में मौजूद है।

आंद्रे कोह्न नए प्रभाववाद के सबसे प्रमुख प्रतिनिधि हैं। उनकी तैलचित्र उनकी सादगी में अद्भुत हैं। कलाकार साधारण चीजों में सुंदरता देखता है। सृष्टिकर्ता गति के प्रिज्म के माध्यम से कई वस्तुओं की व्याख्या करता है।

लॉरेंट पार्सलियर के जल रंग के काम पूरी दुनिया में जाने जाते हैं। उनकी रचनाओं की श्रृंखला "स्ट्रेंज वर्ल्ड" को पोस्टकार्ड के रूप में जारी किया गया था। भव्य, जीवंत और कामुक, वे लुभावने हैं।

19वीं सदी की तरह, इस समय कलाकारों के लिए प्लीन एयर पेंटिंग बनी हुई है। उसके लिए धन्यवाद, प्रभाववाद हमेशा के लिए जीवित रहेगा। कलाकार प्रेरित, प्रभावित और प्रेरित करते रहते हैं।

प्रभाववाद (फ्रांसीसी से " प्रभाव जमाना"- छाप) कला (साहित्य, चित्रकला, वास्तुकला) में एक प्रवृत्ति है, यह 19 वीं के अंत में और 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में फ्रांस में दिखाई दी और जल्दी से दुनिया के अन्य देशों में व्यापक हो गई। नई दिशा के अनुयायी, जो मानते थे कि अकादमिक, पारंपरिक तकनीक, उदाहरण के लिए, पेंटिंग या वास्तुकला में, पूरी तरह से अपने आसपास की दुनिया की पूर्णता और छोटे विवरण को पूरी तरह से व्यक्त नहीं कर सकते हैं, सबसे पहले पूरी तरह से नई तकनीकों और विधियों का उपयोग करने के लिए स्विच किया गया है। पेंटिंग, फिर साहित्य और संगीत में। उन्होंने वास्तविक दुनिया की सभी गतिशीलता और परिवर्तनशीलता को सबसे स्पष्ट रूप से और स्वाभाविक रूप से चित्रित करना संभव बना दिया, इसकी फोटोग्राफिक उपस्थिति को नहीं, बल्कि लेखकों के छापों और भावनाओं के चश्मे के माध्यम से जो उन्होंने देखा।

"प्रभाववाद" शब्द के लेखक को फ्रांसीसी आलोचक और पत्रकार लुई लेरॉय माना जाता है, जो 1874 में पेरिस में युवा कलाकारों के एक समूह "आउटकास्ट के सैलून" की प्रदर्शनी का दौरा करने की छाप के तहत, उन्हें प्रभाववादी कहते हैं। उनका सामंत, एक प्रकार का "इंप्रेशनिस्ट", और यह कथन कुछ हद तक खारिज करने वाला और विडंबनापूर्ण स्वभाव है। इस शब्द के नाम का आधार क्लाउड मोनेट की पेंटिंग थी जिसे आलोचक "इंप्रेशन" ने देखा था। उगता हुआ सूरज". और हालाँकि पहले तो इस प्रदर्शनी में कई चित्रों की तीखी आलोचना की गई और उन्हें अस्वीकार कर दिया गया, बाद में इस दिशा को जनता से व्यापक मान्यता मिली और यह दुनिया भर में लोकप्रिय हो गई।

पेंटिंग में प्रभाववाद

(क्लाउड मोनेट "समुद्र तट पर नावें")

चित्रण की नई शैली, तरीके और तकनीक का आविष्कार फ्रांसीसी प्रभाववादी कलाकारों द्वारा खरोंच से नहीं किया गया था, यह पुनर्जागरण के सबसे प्रतिभाशाली चित्रकारों के अनुभव और उपलब्धियों पर आधारित था: रूबेन्स, वेलास्केज़, एल ग्रीको, गोया। उनसे, प्रभाववादियों ने अपने आस-पास की दुनिया के अधिक विशद और जीवंत संचरण या मौसम की स्थिति की अभिव्यक्ति के ऐसे तरीके लिए, जैसे कि मध्यवर्ती स्वरों का उपयोग, सुस्त स्ट्रोक की उज्ज्वल या इसके विपरीत तकनीक का उपयोग, बड़े या छोटे , अमूर्तता द्वारा विशेषता। पेंटिंग में नई दिशा के अनुयायियों ने या तो ड्राइंग के पारंपरिक शैक्षणिक तरीके को पूरी तरह से त्याग दिया, या अपने तरीके से चित्रण के तरीकों और तरीकों को पूरी तरह से पुनर्निर्मित किया, इस तरह के नवाचारों को पेश किया:

• वस्तुओं, वस्तुओं या आकृतियों को एक समोच्च के बिना चित्रित किया गया था, इसे छोटे और विपरीत स्ट्रोक से बदल दिया गया था;
• रंगों के मिश्रण के लिए पैलेट का उपयोग नहीं किया गया था, ऐसे रंगों का चयन किया गया था जो एक दूसरे के पूरक थे और विलय की आवश्यकता नहीं थी। कभी-कभी पेंट को सीधे धातु की ट्यूब से कैनवास पर निचोड़ा जाता था, जिससे ब्रशस्ट्रोक प्रभाव के साथ एक शुद्ध, स्पार्कलिंग रंग बनता था;
• काले रंग की व्यावहारिक अनुपस्थिति;
• कैनवस ज्यादातर खुली हवा में, जीवन से, अधिक स्पष्ट रूप से और स्पष्ट रूप से अपनी भावनाओं और छापों को व्यक्त करने के लिए चित्रित किए गए थे;
• उच्च आवरण शक्ति वाले पेंट का उपयोग;
• कैनवास की अभी भी गीली सतह पर सीधे ताजा स्ट्रोक लागू करना;
• प्रकाश और छाया में परिवर्तन का अध्ययन करने के लिए चित्रों के चक्रों का निर्माण (क्लाउड मोनेट की "हेस्टैक्स");
• तीव्र सामाजिक, दार्शनिक या धार्मिक मुद्दों, ऐतिहासिक या महत्वपूर्ण घटनाओं के चित्रण का अभाव। प्रभाववादियों के कार्य सकारात्मक भावनाओं से भरे हुए हैं, निराशा और भारी विचारों के लिए कोई जगह नहीं है, हर पल का हल्कापन, आनंद और सुंदरता है, भावनाओं की ईमानदारी और भावनाओं की स्पष्टता है।

(एडौर्ड मानेट "पढ़ना")

और यद्यपि इस दिशा के सभी कलाकारों ने प्रभाववाद शैली की सभी सटीक विशेषताओं के प्रदर्शन में विशेष सटीकता का पालन नहीं किया (एडौर्ड मानेट ने खुद को एक अलग कलाकार के रूप में तैनात किया और कभी भी संयुक्त प्रदर्शनियों में भाग नहीं लिया (1874 से 1886 तक कुल मिलाकर 8 थे)। एडगर डेगस ने केवल अपनी कार्यशाला में काम किया) इसने उन्हें उत्कृष्ट कृतियों को बनाने से नहीं रोका दृश्य कलाअभी भी दुनिया भर के सर्वश्रेष्ठ संग्रहालयों और निजी संग्रहों में रखा गया है।

रूसी प्रभाववादी चित्रकार

रचनात्मक विचारों से प्रभावित फ्रेंच प्रभाववादी 19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत में रूसी कलाकारों ने ललित कला की अपनी मूल कृतियों का निर्माण किया, जिसे बाद में सामान्य नाम "रूसी प्रभाववाद" के तहत जाना गया।

(वी। ए। सेरोव "आड़ू वाली लड़की")

इसके सबसे प्रमुख प्रतिनिधि कॉन्स्टेंटिन कोरोविन ("कोरस गर्ल का पोर्ट्रेट", 1883, "नॉर्दर्न आइडियल", 1886), वैलेन्टिन सेरोव ("ओपन विंडो। लिलाक", 1886, "गर्ल विद पीचिस", 1887), आर्किप कुइंदज़ी ( "नॉर्थ", 1879, "डेनेपर इन द मॉर्निंग" 1881), अब्राम आर्किपोव ("नॉर्थ सी", "लैंडस्केप। स्टडी विद ए लॉग हाउस"), "लेट" इम्प्रेशनिस्ट इगोर ग्रैबर ("बिर्च एले", 1940, "विंटर" लैंडस्केप", 1954)।

(बोरिसोव-मुसातोव "शरद गीत")

प्रभाववाद में निहित चित्रण के तरीके और तरीके बोरिसोव-मुसाटोव, बोगदानोव बेल्स्की, निलस जैसे प्रमुख रूसी कलाकारों के काम में हुए। रूसी कलाकारों के चित्रों में फ्रांसीसी प्रभाववाद के शास्त्रीय सिद्धांतों में कुछ बदलाव आए हैं, जिसके परिणामस्वरूप इस दिशा ने एक मूल राष्ट्रीय विशिष्टता हासिल कर ली है।

विदेशी प्रभाववादी

प्रभाववाद की शैली में किए गए पहले कार्यों में से एक एडौर्ड मानेट की पेंटिंग "नाश्ता ऑन द ग्रास" है, जिसे 1860 में पेरिस सैलून ऑफ द रिजेक्टेड में जनता के लिए प्रदर्शित किया गया था, जहां कैनवस जो पेरिस सैलून के चयन को पारित नहीं करते थे कला को समाप्त किया जा सकता है। चित्र, एक शैली में चित्रित, जो चित्रण के पारंपरिक तरीके से मौलिक रूप से भिन्न था, ने बहुत आलोचना की और कलाकार के चारों ओर नई कलात्मक दिशा के अनुयायियों को लामबंद किया।

(एडौर्ड मानेट "पापा लाथुइल्स टैवर्न में")

सबसे प्रसिद्ध प्रभाववादी कलाकारों में एडौर्ड मानेट ("बार एट द फोलीज़ बर्गेरे", "म्यूज़िक एट द ट्यूलरीज़", "ब्रेकफास्ट ऑन द ग्रास", "पापा लाथुइल्स", "अर्जेंटीयूइल"), क्लाउड मोनेट ("फ़ील्ड ऑफ़ पॉपीज़ एट अर्जेंटीना) शामिल हैं। ”, "वॉक टू द क्लिफ इन पौरविले", "वीमेन इन द गार्डन", "लेडी विद ए अम्ब्रेला", "बुल्वार्ड डेस कैपुसीन्स", "वाटर लिली", "इंप्रेशन। राइजिंग सन") की एक श्रृंखला, अल्फ्रेड सिसली ("कंट्री एवेन्यू", "फ्रॉस्ट एट लौवेसिएन्स", "ब्रिज एट अर्जेंटीना", "अर्ली स्नो एट लौवेसिएन्स", "लॉन्स इन स्प्रिंग"), पियरे-अगस्टे रेनॉयर ("ब्रेकफास्ट ऑफ द रोवर्स", "बॉल एट द मौलिन डे ला गैलेट", "डांस इन द विलेज", "अम्ब्रेलास", "डांस एट बौगिवल", "गर्ल्स एट द पियानो"), केमिली पिजारो ("मोंटमार्ट्रे बुलेवार्ड एट नाइट", "हार्वेस्टिंग एट एरागनी", "रीपर्स रेस्टिंग", "गार्डन इन पोंटोइज़", "एंट्रेंस टू द विलेज ऑफ़ वोइसिन") , एडगर डेगास ("डांस क्लास", "रिहर्सल", "एंबेसडर कैफे में कॉन्सर्ट", "ओपेरा ऑर्केस्ट्रा", "डांसर्स इन ब्लू", "एब्सिन्थ ड्रिंकर्स" ”), जॉर्जेस सेरात ("रविवार", "कैन-कैन", "द मॉडल्स") और अन्य।

(पॉल सेज़ेन "पियरोट और हार्लेक्विन"")

19वीं शताब्दी के 90 के दशक में चार कलाकार प्रभाववाद के आधार पर कला में एक नई दिशा बनाते हैं और खुद को पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट (पॉल गाउगिन, विन्सेंट वैन गॉग, पॉल सेज़ेन, हेनरी डी टूलूज़-लॉट्रेक) कहते हैं। उनके काम को आसपास की दुनिया से क्षणभंगुर संवेदनाओं और छापों के हस्तांतरण की विशेषता नहीं है, बल्कि चीजों के वास्तविक सार के ज्ञान से है, जो उनके बाहरी आवरण के नीचे छिपा हुआ है। उनका सबसे प्रसिद्ध कृतियां: पॉल्स गाउगिन ("ए शरारती जोक", "ला ओराना मारिया", "जैकब का संघर्ष एक परी", "येलो क्राइस्ट"), पॉल्स सेज़ेन ("पियरोट एंड हार्लेक्विन", "बिग बाथर्स", "लेडी इन ब्लू") , विन्सेंट वैन गॉग ( स्टारलाईट नाइट”, "सूरजमुखी", "आइरिस"), हेनरी डी टूलूज़-लॉट्रेक ("लॉन्ड्रेस", "टॉयलेट", "मौलिन रूज में नृत्य करना सीखना")।

मूर्तिकला में प्रभाववाद

(अगस्टे रोडिन "द थिंकर")

वास्तुकला में एक अलग प्रवृत्ति के रूप में, प्रभाववाद विकसित नहीं हुआ; आप इसकी व्यक्तिगत विशेषताओं और संकेतों को कुछ में पा सकते हैं मूर्तिकला रचनाएंऔर स्मारक। मूर्तिकला यह शैली नरम रूपों की एक मुक्त प्लास्टिसिटी देती है, वे आंकड़ों की सतह पर प्रकाश का एक अद्भुत नाटक बनाते हैं और अपूर्णता की एक निश्चित भावना देते हैं, मूर्तिकला के पात्रों को अक्सर आंदोलन के क्षण में चित्रित किया जाता है। इस दिशा में किए गए कार्यों में प्रसिद्ध फ्रांसीसी मूर्तिकार अगस्टे रोडिन ("द किस", "द थिंकर", "द पोएट एंड द म्यूजियम", "रोमियो एंड जूलियट", "इटरनल स्प्रिंग"), इतालवी कलाकार और की मूर्तियां शामिल हैं। मूर्तिकार मेडार्डो रोसो (एक अद्वितीय प्रकाश प्रभाव प्राप्त करने के लिए मोम से भरे मिट्टी और जिप्सम से बने आंकड़े: "द गेटकीपर एंड द प्रोक्योर", "गोल्डन एज", "मातृत्व"), रूसी शानदार नगेट पावेल ट्रुबेत्सोय (लियो टॉल्स्टॉय का कांस्य बस्ट) , एक स्मारक अलेक्जेंडर IIIपीटर्सबर्ग में)।

XIX सदी के अंतिम तीसरे में। फ्रांसीसी कला अभी भी खेलती है अग्रणी भूमिकापश्चिमी यूरोपीय देशों के कलात्मक जीवन में। इस समय, पेंटिंग में कई नए रुझान दिखाई दिए, जिनमें से प्रतिनिधि रचनात्मक अभिव्यक्ति के अपने तरीके और रूपों की तलाश कर रहे थे।

इस अवधि की फ्रांसीसी कला की सबसे महत्वपूर्ण और महत्वपूर्ण घटना प्रभाववाद थी।

15 अप्रैल, 1874 को बुलेवार्ड डेस कैपुसीन पर खुली हवा में आयोजित पेरिस प्रदर्शनी में प्रभाववादियों ने खुद की घोषणा की। यहां 30 युवा कलाकारों, जिनके काम को सैलून ने खारिज कर दिया था, ने अपने चित्रों का प्रदर्शन किया। प्रदर्शनी में केंद्रीय स्थान क्लाउड मोनेट द्वारा पेंटिंग को दिया गया था "इंप्रेशन। सूर्योदय"। यह रचना दिलचस्प है क्योंकि पेंटिंग के इतिहास में पहली बार कलाकार ने कैनवास पर अपनी छाप व्यक्त करने की कोशिश की, न कि वास्तविकता की वस्तु पर।

प्रदर्शनी का दौरा शैवरी संस्करण के प्रतिनिधि, रिपोर्टर लुई लेरॉय ने किया था। यह वह था जिसने पहली बार मोनेट और उसके सहयोगियों को "इंप्रेशनिस्ट" (फ्रांसीसी इंप्रेशन - इंप्रेशन से) कहा, इस प्रकार उनकी पेंटिंग के नकारात्मक मूल्यांकन को व्यक्त किया। जल्द ही इस विडंबनापूर्ण नाम ने अपना मूल नकारात्मक अर्थ खो दिया और हमेशा के लिए कला के इतिहास में प्रवेश कर गया।

Boulevard des Capucines पर प्रदर्शनी एक तरह का घोषणापत्र बन गया जिसने पेंटिंग में एक नई प्रवृत्ति के उद्भव की घोषणा की। इसमें ओ। रेनॉयर, ई। डेगास, ए। सिसली, सी। पिसारो, पी। सेज़ेन, बी। मोरिसोट, ए। गिलाउमिन के साथ-साथ पुरानी पीढ़ी के स्वामी - ई। बौडिन, सी। डौबिनी, आई ने भाग लिया। जॉनकाइंड।

इम्प्रेशनिस्टों के लिए सबसे महत्वपूर्ण बात यह थी कि उन्होंने जो देखा, उसके प्रभाव को कैनवास पर जीवन के एक संक्षिप्त क्षण को कैद करना। इस तरह इम्प्रेशनिस्ट फोटोग्राफर्स से मिलते जुलते थे। साजिश उनके लिए वास्तव में मायने नहीं रखती थी। कलाकारों ने अपने परिवेश से पेंटिंग के लिए थीम ली। रोजमर्रा की जिंदगी. उन्होंने काम पर शांत सड़कों, शाम के कैफे, ग्रामीण परिदृश्य, शहर की इमारतों, कारीगरों को चित्रित किया। उनके चित्रों में एक महत्वपूर्ण भूमिका प्रकाश और छाया के खेल द्वारा निभाई गई थी, सूर्य की किरणें वस्तुओं पर कूदती थीं और उन्हें थोड़ा असामान्य और आश्चर्यजनक रूप से जीवंत रूप देती थीं। प्राकृतिक प्रकाश में वस्तुओं को देखने के लिए, दिन के अलग-अलग समय में प्रकृति में होने वाले परिवर्तनों को व्यक्त करने के लिए, प्रभाववादी कलाकारों ने अपनी कार्यशालाएँ छोड़ दीं और खुली हवा में चले गए।

प्रभाववादियों ने एक नई पेंटिंग तकनीक का इस्तेमाल किया: उन्होंने एक चित्रफलक पर पेंट नहीं मिलाया, लेकिन तुरंत उन्हें अलग-अलग स्ट्रोक में कैनवास पर लागू कर दिया। इस तकनीक ने गतिशीलता की भावना, हवा में मामूली उतार-चढ़ाव, पेड़ों पर पत्तियों की आवाजाही और नदी में पानी को व्यक्त करना संभव बना दिया।

आमतौर पर इस दिशा के प्रतिनिधियों के चित्रों की स्पष्ट रचना नहीं होती थी। कलाकार जीवन से छीन लिया गया एक पल कैनवास पर स्थानांतरित हो गया, इसलिए उसका काम दुर्घटना से लिए गए एक फोटोग्राफिक फ्रेम जैसा था। प्रभाववादियों ने शैली की स्पष्ट सीमाओं का पालन नहीं किया, उदाहरण के लिए, चित्र अक्सर एक घरेलू दृश्य जैसा दिखता था।

1874 से 1886 तक, प्रभाववादियों ने 8 प्रदर्शनियों का आयोजन किया, जिसके बाद समूह टूट गया। जनता के लिए, अधिकांश आलोचकों की तरह, इसने नई कला को शत्रुता के साथ माना (उदाहरण के लिए, सी। मोनेट की पेंटिंग को "डब" कहा जाता था), इस प्रवृत्ति का प्रतिनिधित्व करने वाले कई कलाकार अत्यधिक गरीबी में रहते थे, कभी-कभी बिना किसी साधन के जो समाप्त होता था। उन्होंने चित्र शुरू किया। और केवल XIX के अंत तक - XX सदी की शुरुआत। स्थिति मौलिक रूप से बदल गई है।

अपने काम में, प्रभाववादियों ने अपने पूर्ववर्तियों के अनुभव का उपयोग किया: रोमांटिक कलाकार (ई। डेलाक्रोइक्स, टी। गेरिकॉल्ट), यथार्थवादी (सी। कोरोट, जी। कोर्टबेट)। जे. कांस्टेबल के परिदृश्य का उन पर बहुत प्रभाव था।

ई. मानेट ने एक नई प्रवृत्ति के उद्भव में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

एडौर्ड मानेट

1832 में पेरिस में पैदा हुए एडौर्ड मानेट, विश्व चित्रकला के इतिहास में सबसे महत्वपूर्ण शख्सियतों में से एक हैं, जिन्होंने प्रभाववाद की नींव रखी।

उनकी कलात्मक विश्वदृष्टि का गठन काफी हद तक 1848 की फ्रांसीसी बुर्जुआ क्रांति की हार से प्रभावित था। इस घटना ने युवा पेरिस को इतना उत्साहित किया कि उन्होंने एक हताश कदम पर फैसला किया और घर से भाग गए, एक समुद्री नौकायन जहाज पर नाविक बन गए। हालांकि, भविष्य में, उन्होंने काम करने के लिए अपनी सारी मानसिक और शारीरिक शक्ति देते हुए ज्यादा यात्रा नहीं की।

मानेट के माता-पिता, सुसंस्कृत और धनी लोग, अपने बेटे के लिए एक प्रशासनिक कैरियर का सपना देखते थे, लेकिन उनकी आशाओं का सच होना तय नहीं था। पेंटिंग - यही युवक की दिलचस्पी है, और 1850 में उन्होंने स्कूल में प्रवेश किया ललित कला, कॉउचर की कार्यशाला में, जहाँ उन्होंने अच्छा पेशेवर प्रशिक्षण प्राप्त किया। यह यहां था कि नौसिखिए कलाकार ने कला में अकादमिक और सैलून टिकटों के लिए घृणा महसूस की, जो पूरी तरह से प्रतिबिंबित नहीं कर सकता कि केवल एक वास्तविक मास्टर के लिए उसकी व्यक्तिगत शैली के साथ क्या है।

इसलिए, कॉउचर की कार्यशाला में कुछ समय के लिए अध्ययन करने और अनुभव प्राप्त करने के बाद, मानेट ने इसे 1856 में छोड़ दिया और लौवर में प्रदर्शित अपने महान पूर्ववर्तियों के कैनवस की ओर मुड़ गया, उनकी नकल और ध्यान से अध्ययन किया। टिटियन, डी। वेलाज़क्वेज़, एफ। गोया और ई। डेलाक्रोइक्स जैसे उस्तादों के कार्यों का उनके रचनात्मक विचारों पर बहुत प्रभाव पड़ा; युवा कलाकार बाद के सामने झुके। 1857 में, मानेट ने महान उस्ताद का दौरा किया और अपने "दांते के बार्क" की कई प्रतियां बनाने की अनुमति मांगी, जो आज तक ल्यों में मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट में बची हुई हैं।

1860 के दशक की दूसरी छमाही। कलाकार ने खुद को स्पेन, इंग्लैंड, इटली और हॉलैंड में संग्रहालयों के अध्ययन के लिए समर्पित कर दिया, जहां उन्होंने रेम्ब्रांट, टिटियन और अन्य लोगों द्वारा चित्रों की नकल की। ​​1861 में, उनके कार्यों "पोर्ट्रेट ऑफ पेरेंट्स" और "गिटारिस्ट" को आलोचनात्मक प्रशंसा मिली और उन्हें सम्मानित किया गया एक "माननीय उल्लेख"।

पुराने उस्तादों (मुख्य रूप से वेनेटियन, 17 वीं शताब्दी के स्पेनियों और बाद में एफ। गोया) के काम का अध्ययन और इसके पुनर्विचार से यह तथ्य सामने आता है कि 1860 के दशक तक। मानेट की कला में एक विरोधाभास है, जो उनके कुछ पर संग्रहालय की छाप लगाने में प्रकट होता है प्रारंभिक पेंटिंग, जिसमें शामिल हैं: "द स्पैनिश सिंगर" (1860), आंशिक रूप से "द बॉय विद द डॉग" (1860), "द ओल्ड म्यूज़िशियन" (1862)।

जहां तक ​​नायकों की बात है, कलाकार, यथार्थवादियों की तरह मध्य उन्नीसवींइन।, उन्हें पेरिस की भीड़ में, तुइलरीज गार्डन में चलने वालों और कैफे में नियमित आगंतुकों के बीच पाता है। मूल रूप से, यह बोहेमिया की एक उज्ज्वल और रंगीन दुनिया है - कवि, अभिनेता, कलाकार, मॉडल, स्पेनिश बुलफाइट में भाग लेने वाले: "म्यूजिक एट द ट्यूलरीज" (1860), "स्ट्रीट सिंगर" (1862), "वेलेंसिया से लोला" ( 1862), "नाश्ता घास पर" (1863), "फ्लूटिस्ट" (1866), "पोर्ट्रेट ऑफ ई। ज़सल" (1868)।

प्रारंभिक कैनवस के बीच, "पोर्ट्रेट ऑफ द पेरेंट्स" (1861) द्वारा एक विशेष स्थान पर कब्जा कर लिया गया है, जो बुजुर्ग जोड़े की उपस्थिति और चरित्र का एक बहुत ही सटीक यथार्थवादी स्केच है। चित्र का सौंदर्यात्मक महत्व न केवल पात्रों की आध्यात्मिक दुनिया में एक विस्तृत पैठ में है, बल्कि यह भी है कि चित्रात्मक विकास के अवलोकन और समृद्धि के संयोजन को कितनी सटीक रूप से व्यक्त किया गया है, जो ई। डेलाक्रोइक्स की कलात्मक परंपराओं के ज्ञान का संकेत देता है।

एक अन्य कैनवास, जो चित्रकार का कार्यक्रम का काम है और, यह कहा जाना चाहिए, उसके शुरुआती काम का बहुत विशिष्ट है, "नाश्ता ऑन द ग्रास" (1863) है। इस तस्वीर में, मानेट ने एक निश्चित कथानक रचना ली, जो पूरी तरह से किसी भी महत्व से रहित थी।

तस्वीर को प्रकृति की गोद में दो कलाकारों के नाश्ते की एक छवि के रूप में माना जा सकता है, जो महिला मॉडल से घिरा हुआ है (वास्तव में, कलाकार के भाई यूजीन मानेट, एफ। लेनकोफ, और एक महिला मॉडल, क्विज़ मेरान, के लिए प्रस्तुत किया गया था। चित्र, जिनकी सेवाओं का मैनेट ने अक्सर सहारा लिया)। उनमें से एक ने धारा में प्रवेश किया, और दूसरा, नग्न, कलात्मक ढंग से तैयार दो पुरुषों की संगति में बैठता है। जैसा कि आप जानते हैं, एक कपड़े पहने हुए पुरुष और एक नग्न महिला शरीर की तुलना करने का मकसद पारंपरिक है और लौवर में स्थित जियोर्जियोन की पेंटिंग "कंट्री कॉन्सर्ट" पर वापस जाता है।

आंकड़ों की संरचना व्यवस्था आंशिक रूप से राफेल की एक पेंटिंग से मार्केंटोनियो रायमोंडी द्वारा प्रसिद्ध पुनर्जागरण उत्कीर्णन को पुन: पेश करती है। यह कैनवास, जैसा कि यह था, दो परस्पर संबंधित पदों पर विवाद करता है। एक है सैलून कला के क्लिच को दूर करने की आवश्यकता, जिसने बड़े के साथ अपना सच्चा संबंध खो दिया है कलात्मक परंपरा, पुनर्जागरण के यथार्थवाद और 17वीं शताब्दी के लिए एक सीधी अपील, यानी, नए समय की यथार्थवादी कला की वास्तविक उत्पत्ति। एक अन्य प्रावधान कलाकार के रोजमर्रा के जीवन से उसके आसपास के पात्रों को चित्रित करने के अधिकार और कर्तव्य की पुष्टि करता है। उस समय, इस संयोजन ने एक निश्चित विरोधाभास किया। अधिकांश का मानना ​​​​था कि पुरानी रचना योजनाओं को नए प्रकार और पात्रों से भरकर यथार्थवाद के विकास में एक नया चरण हासिल नहीं किया जा सकता है। लेकिन एडौर्ड मानेट अपनी रचनात्मकता के शुरुआती दौर में पेंटिंग के सिद्धांतों के द्वंद्व को दूर करने में कामयाब रहे।

हालांकि, साजिश और रचना की पारंपरिक प्रकृति के साथ-साथ सैलून के स्वामी द्वारा चित्रों की उपस्थिति के बावजूद, जो कि आकर्षक मोहक मुद्रा में नग्न पौराणिक सुंदरियों का चित्रण करते हैं, मानेट की पेंटिंग ने आधुनिक बुर्जुआ के बीच एक बड़ा घोटाला किया। हर रोज़, आधुनिक पुरुष पोशाक के साथ नग्न महिला शरीर के संयोजन से दर्शक हैरान रह गए।

सचित्र मानदंडों के लिए, लंच ऑन द ग्रास एक समझौते में लिखा गया था, जो 1860 के दशक की विशेषता थी। तरीके, गहरे रंगों, काली छायाओं की प्रवृत्ति के साथ-साथ प्लीन एयर लाइटिंग और खुले रंग के लिए हमेशा सुसंगत अपील की विशेषता नहीं है। यदि हम पानी के रंग में बने प्रारंभिक स्केच की ओर मुड़ते हैं, तो उस पर (चित्र से अधिक) यह ध्यान देने योग्य है कि नई चित्रमय समस्याओं में मास्टर की रुचि कितनी महान है।

पेंटिंग "ओलंपिया" (1863), जिसमें एक झुकी हुई नग्न महिला की रूपरेखा दी गई है, आम तौर पर स्वीकृत रचनात्मक परंपराओं को संदर्भित करती है - एक समान छवि जियोर्जियोन, टिटियन, रेम्ब्रांट और डी। वेलाज़क्वेज़ में पाई जाती है। हालांकि, अपनी रचना में, मानेट एक अलग रास्ते का अनुसरण करते हैं, एफ। गोया ("नग्न महा") का अनुसरण करते हुए और कथानक की पौराणिक प्रेरणा को खारिज करते हुए, वेनेशियन द्वारा पेश की गई छवि की व्याख्या और आंशिक रूप से डी। वेलास्केज़ ("वीनस" द्वारा संरक्षित) एक दर्पण के साथ")।

"ओलंपिया" महिला सौंदर्य की एक काव्यात्मक रूप से पुनर्विचार की गई छवि नहीं है, बल्कि एक अभिव्यंजक, उत्कृष्ट रूप से निष्पादित चित्र, सटीक रूप से और, यहां तक ​​​​कि कोई भी कह सकता है, कुछ हद तक ठंडे रूप से मैनेट के निरंतर मॉडल क्विज़ मेरान के समानता को व्यक्त करता है। चित्रकार मज़बूती से एक आधुनिक महिला के शरीर का प्राकृतिक पीलापन दिखाता है जो सूरज की किरणों से डरती है। जबकि पुराने उस्तादों ने नग्न शरीर की काव्यात्मक सुंदरता, इसकी लय की संगीतमयता और सामंजस्य पर जोर दिया, मानेट ने अपने पूर्ववर्तियों में निहित काव्य आदर्शीकरण से पूरी तरह से प्रस्थान करते हुए, जीवन की विशिष्टता के उद्देश्यों को व्यक्त करने पर ध्यान केंद्रित किया। इस प्रकार, उदाहरण के लिए, ओलंपिया में बाएं हाथ से जॉर्ज वीनस का इशारा अपनी उदासीनता में लगभग अश्लील अर्थ प्राप्त करता है। बेहद विशेषता उदासीन है, लेकिन साथ ही मॉडल के दर्शकों की नजर को ध्यान से ठीक करना, वीनस जियोर्जियोन के आत्म-अवशोषण और उरबिनो के टिटियन के वीनस की संवेदनशील सपने देखने का विरोध करना।

यह तस्वीर विकास के अगले चरण में संक्रमण के संकेत दिखाती है। रचनात्मक तरीकेचित्रकार। सामान्य रचनात्मक योजना पर पुनर्विचार होता है, जिसमें दुनिया के पेशेवर अवलोकन और चित्रमय और कलात्मक दृष्टि शामिल होती है। तत्काल जब्त किए गए तेज विरोधाभासों का जुड़ाव पुराने स्वामी के संतुलित रचनात्मक सद्भाव के विनाश में योगदान देता है। इस प्रकार, एक पोज़िंग मॉडल की स्टैटिक्स और एक काली महिला और एक काली बिल्ली की पीठ को झुकाते हुए छवियों में गतिशीलता टकराती है। परिवर्तन पेंटिंग की तकनीक को भी प्रभावित करते हैं, जो कलात्मक भाषा के आलंकारिक कार्यों की एक नई समझ देता है। एडौर्ड मानेट, कई अन्य प्रभाववादियों की तरह, विशेष रूप से क्लाउड मोनेट और केमिली पिसारो, पेंटिंग की पुरानी प्रणाली को छोड़ देते हैं जो 17 वीं शताब्दी में विकसित हुई थी। (अंडरपेंटिंग, लेखन, ग्लेज़िंग)। उस समय से, कैनवस को "ए ला प्राइमा" नामक एक तकनीक के साथ चित्रित किया जाने लगा, जो कि अधिक से अधिक तात्कालिकता, भावुकता, दृष्टिकोण और रेखाचित्रों के करीब थी।

प्रारंभिक से परिपक्व रचनात्मकता में संक्रमण की अवधि, जो मानेट के लिए 1860 के दशक के लगभग पूरे दूसरे भाग में व्याप्त है, को फ़्लुटिस्ट (1866), बालकनी (सी। 1868-1869) और अन्य जैसे चित्रों द्वारा दर्शाया गया है।

पहले कैनवास पर, एक तटस्थ जैतून-ग्रे पृष्ठभूमि के खिलाफ, एक लड़के-संगीतकार को चित्रित किया गया है, जो उसके होंठों पर एक बांसुरी उठाता है। बमुश्किल बोधगम्य गति की अभिव्यक्ति, नीले रंग की वर्दी पर इंद्रधनुषी सोने के बटनों की लयबद्ध प्रतिध्वनि और बांसुरी के छिद्रों के साथ उंगलियों का तेजी से खिसकना जन्मजात कलात्मकता और गुरु के अवलोकन की सूक्ष्म शक्तियों की बात करता है। इस तथ्य के बावजूद कि यहां पेंटिंग की शैली काफी घनी है, रंग वजनदार है, और कलाकार अभी तक खुली हवा में नहीं गया है, यह कैनवास, अन्य सभी की तुलना में अधिक हद तक, मानेट के काम की परिपक्व अवधि का अनुमान लगाता है। बालकनी के लिए, यह 1870 के दशक के कार्यों की तुलना में ओलंपिया के करीब है।

1870-1880 में। मानेट अपने समय के अग्रणी चित्रकार बन गए। और यद्यपि प्रभाववादियों ने उन्हें अपना वैचारिक नेता और प्रेरक माना, और कला पर मौलिक विचारों की व्याख्या करने में वे हमेशा उनसे सहमत थे, उनका काम बहुत व्यापक है और किसी एक दिशा के ढांचे में फिट नहीं होता है। मानेट का तथाकथित प्रभाववाद, वास्तव में, जापानी आकाओं की कला के करीब है। वह उद्देश्यों को सरल करता है, सजावटी और वास्तविक को संतुलित करता है, जो उसने देखा उसका एक सामान्यीकृत विचार बनाता है: एक शुद्ध प्रभाव, विचलित करने वाले विवरणों से रहित, सनसनी की खुशी की अभिव्यक्ति ("समुद्र तट पर", 1873)।

इसके अलावा, प्रमुख शैली के रूप में, वह एक समग्र रूप से पूर्ण चित्र को संरक्षित करना चाहता है, जहां किसी व्यक्ति की छवि को मुख्य स्थान दिया जाता है। मानेट की कला यथार्थवादी कथा चित्रकला की सदियों पुरानी परंपरा के विकास का अंतिम चरण है, जिसकी उत्पत्ति पुनर्जागरण में हुई थी।

मानेट के बाद के कार्यों में, चित्रित नायक के आसपास के वातावरण के विवरण की विस्तृत व्याख्या से दूर जाने की प्रवृत्ति है। इस प्रकार, नर्वस डायनामिक्स से भरे मल्लार्मे के चित्र में, कलाकार कवि के हावभाव पर ध्यान केंद्रित करता है, जैसे कि गलती से झाँक गया, जिसने एक स्वप्निल तरीके से मेज पर धूम्रपान सिगार के साथ अपना हाथ रखा। सभी स्केचनेस के साथ, मल्लार्मे के चरित्र और मानसिक गोदाम में मुख्य चीज आश्चर्यजनक रूप से सटीक रूप से, बड़ी दृढ़ता के साथ पकड़ी जाती है। व्यक्ति की आंतरिक दुनिया की गहराई से विशेषता, जे एल डेविड और जे ओ डी इंग्रेस के चित्रों की विशेषता, यहां एक तेज और अधिक प्रत्यक्ष लक्षण वर्णन द्वारा प्रतिस्थापित की गई है। एक प्रशंसक (1872) के साथ बर्थे मोरिसोट का सौम्य काव्यात्मक चित्र और जॉर्ज मूर (1879) की सुंदर पेस्टल छवि ऐसी ही है।

चित्रकार के कार्यों में ऐतिहासिक विषयों और प्रमुख घटनाओं से संबंधित कार्य शामिल हैं। सार्वजनिक जीवन. हालांकि, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि ये कैनवस कम सफल हैं, क्योंकि इस तरह की समस्याएं उनकी कलात्मक प्रतिभा, जीवन के बारे में विचारों और विचारों के चक्र से अलग थीं।

इसलिए, उदाहरण के लिए, ईवेंट तक पहुंचना गृहयुद्धसंयुक्त राज्य अमेरिका में उत्तर और दक्षिण के बीच नॉर्थईटर ("अलबामा", 1864 के साथ "किरसेज़ की लड़ाई") द्वारा दक्षिणी लोगों के कोर्सेर जहाज के डूबने की छवि के परिणामस्वरूप, और इस प्रकरण को और अधिक जिम्मेदार ठहराया जा सकता है परिदृश्य, जहां युद्धपोत स्टाफिंग की भूमिका निभाते हैं। मैक्सिमिलियन का निष्पादन (1867), संक्षेप में, एक शैली स्केच का चरित्र है, जो न केवल संघर्षरत मैक्सिकन के संघर्ष में रुचि से रहित है, बल्कि घटना का बहुत नाटक भी है।

विषय आधु िनक इ ितहासपेरिस कम्यून (द एक्ज़ीक्यूशन ऑफ़ द कम्युनार्ड्स, 1871) के दिनों में मानेट द्वारा छुआ गया था। कम्युनिस्टों के प्रति सहानुभूतिपूर्ण रवैया चित्र के लेखक को श्रेय देता है, जिसकी पहले कभी इस तरह की घटनाओं में दिलचस्पी नहीं रही है। लेकिन फिर भी, इसका कलात्मक मूल्य अन्य कैनवस की तुलना में कम है, क्योंकि वास्तव में "मैक्सिमिलियन का निष्पादन" की रचनात्मक योजना यहां दोहराई गई है, और लेखक केवल एक स्केच तक सीमित है जो क्रूर टकराव के अर्थ को बिल्कुल भी प्रतिबिंबित नहीं करता है दो विरोधी दुनिया के।

बाद के समय में, मानेट ने अब उनके लिए एक ऐतिहासिक शैली की विदेशी की ओर रुख नहीं किया, जो कि एपिसोड में कलात्मक और अभिव्यंजक शुरुआत को प्रकट करना पसंद करते हैं, उन्हें रोजमर्रा की जिंदगी के प्रवाह में ढूंढते हैं। उसी समय, उन्होंने ध्यान से विशेष रूप से विशिष्ट क्षणों का चयन किया, सबसे अभिव्यंजक दृष्टिकोण की तलाश की, और फिर उन्हें अपने चित्रों में बड़े कौशल के साथ पुन: पेश किया।

इस काल की अधिकांश रचनाओं का आकर्षण घटना के महत्व के कारण नहीं है, बल्कि लेखक की गतिशीलता और मजाकिया अवलोकन के कारण है।

ओपन-एयर ग्रुप रचना का एक उल्लेखनीय उदाहरण पेंटिंग "इन ए बोट" (1874) है, जहां एक सेलबोट के स्टर्न की रूपरेखा का संयोजन, हेल्समैन के आंदोलनों की संयमित ऊर्जा, एक बैठी हुई महिला की स्वप्निल कृपा हवा की पारदर्शिता, हवा की ताजगी का अहसास और नाव की सरकती गति एक अवर्णनीय तस्वीर बनाती है, पूर्ण प्रकाशखुशी और ताजगी।

मानेट के काम में एक विशेष स्थान पर अभी भी जीवन है, जो उनके काम की विभिन्न अवधियों की विशेषता है। इस प्रकार, प्रारंभिक अभी भी जीवन "Peonies" (1864-1865) में लाल और सफेद-गुलाबी कलियों के साथ-साथ फूल जो पहले से ही खिल चुके हैं और मुरझाने लगे हैं, मेज को ढकने वाले मेज़पोश पर पंखुड़ियों को गिराते हुए दर्शाया गया है। बाद के काम उनके सहज स्केचनेस के लिए उल्लेखनीय हैं। उनमें, चित्रकार प्रकाश से भरे वातावरण में डूबे फूलों की चमक को व्यक्त करने की कोशिश करता है। ऐसी पेंटिंग "गुलाब इन ए क्रिस्टल ग्लास" (1882-1883) है।

अपने जीवन के अंत में, मानेट, जाहिरा तौर पर, जो कुछ भी हासिल किया था उससे असंतुष्ट था और कौशल के एक अलग स्तर पर बड़ी पूर्ण साजिश रचनाएं लिखने के लिए लौटने की कोशिश की। इस समय, उन्होंने सबसे महत्वपूर्ण कैनवस में से एक पर काम करना शुरू कर दिया - "द बार एट द फोलीज़ बर्गेरे" (1881-1882), जिसमें उन्होंने एक नए स्तर पर संपर्क किया, अपनी कला के विकास में एक नया चरण, बाधित किया मृत्यु (जैसा कि ज्ञात है, काम के दौरान मानेट गंभीर रूप से बीमार थे)। रचना के केंद्र में एक युवा महिला सेल्सवुमन की आकृति है, जो दर्शकों के सामने है। थोड़ा थका हुआ, आकर्षक गोरा, गहरी चकाचौंध के साथ एक गहरे रंग की पोशाक पहने हुए, एक विशाल दर्पण की पृष्ठभूमि के खिलाफ खड़ा है, जो पूरी दीवार पर कब्जा कर लेता है, जो टिमटिमाती रोशनी की चमक और दर्शकों की अस्पष्ट, धुंधली रूपरेखा को दर्शाता है। कैफे की मेज। महिला को हॉल का सामना करने के लिए घुमाया जाता है, जिसमें दर्शक स्वयं स्थित होता है। यह अजीबोगरीब तकनीक पारंपरिक तस्वीर को पहली नज़र में, कुछ अस्थिरता देती है, जो वास्तविक दुनिया और प्रतिबिंबित एक के जुड़ाव का सुझाव देती है। उसी समय, चित्र का केंद्रीय अक्ष दाहिने कोने में स्थानांतरित हो जाता है, जिसमें, 1870 के दशक के लिए विशिष्ट के अनुसार। रिसेप्शन, तस्वीर का फ्रेम एक शीर्ष टोपी में एक आदमी की आकृति को थोड़ा अवरुद्ध करता है, दर्पण में परिलक्षित होता है, एक युवा विक्रेता से बात कर रहा है।

इस प्रकार, इस काम में, समरूपता और स्थिरता के शास्त्रीय सिद्धांत को एक गतिशील बदलाव के साथ-साथ विखंडन के साथ जोड़ा जाता है, जब जीवन की एक धारा से एक निश्चित क्षण (टुकड़ा) छीन लिया जाता है।

यह सोचना गलत होगा कि द बार एट द फोलीज़ बर्गेरे का कथानक आवश्यक सामग्री से रहित है और महत्वहीन का एक प्रकार का स्मारक है। एक युवा की आकृति, लेकिन पहले से ही आंतरिक रूप से थका हुआ और एक महिला के आस-पास के मुखौटे के प्रति उदासीन, उसकी भटकती हुई निगाहें कहीं नहीं मुड़ीं, उसके पीछे जीवन की भ्रामक प्रतिभा से अलगाव, काम के लिए एक महत्वपूर्ण अर्थपूर्ण छाया लाता है, दर्शकों को प्रभावित करता है इसकी अप्रत्याशितता।

चमचमाते किनारों वाले क्रिस्टल ग्लास में बार पर खड़े दो गुलाबों की अनूठी ताजगी को दर्शक निहारते हैं; और फिर अनैच्छिक रूप से इन शानदार फूलों की तुलना हॉल की निकटता में आधे सूखे गुलाब के साथ की जाती है, जिसे विक्रेता की पोशाक की गर्दन पर पिन किया जाता है। तस्वीर में आप देख सकते हैं कि उनके आधे खुले सीने की ताजगी और भीड़ में भटकते उदासीन लुक के बीच अनोखा अंतर है। इस काम को कलाकार के काम में एक कार्यक्रम माना जाता है, क्योंकि इसमें उनके सभी पसंदीदा विषयों और शैलियों के तत्व शामिल हैं: चित्र, स्थिर जीवन, विभिन्न प्रकाश प्रभाव, भीड़ आंदोलन।

सामान्य तौर पर, मानेट द्वारा छोड़ी गई विरासत को दो पहलुओं द्वारा दर्शाया जाता है, जो विशेष रूप से उनके में उच्चारित होते हैं नवीनतम काम. सबसे पहले, अपने काम के साथ, वह 19 वीं शताब्दी की फ्रांसीसी कला की शास्त्रीय यथार्थवादी परंपराओं के विकास को पूरा करता है और समाप्त करता है, और दूसरी बात, वह कला में उन प्रवृत्तियों के पहले अंकुर देता है जिन्हें नए यथार्थवाद के साधकों द्वारा उठाया और विकसित किया जाएगा। 20 वीं सदी में।

चित्रकार को पूर्ण और आधिकारिक मान्यता प्राप्त हुई पिछले साल काजीवन, अर्थात् 1882 में, जब उन्हें ऑर्डर ऑफ द लीजन ऑफ ऑनर (फ्रांस का मुख्य पुरस्कार) से सम्मानित किया गया था। 1883 में पेरिस में मानेट की मृत्यु हो गई।

क्लॉड मोनेट

क्लाउड मोनेट, फ्रांसीसी कलाकार, प्रभाववाद के संस्थापकों में से एक, का जन्म 1840 में पेरिस में हुआ था।

एक मामूली ग्रोसर के बेटे के रूप में, जो पेरिस से रूएन चले गए, युवा मोनेट ने अपने करियर की शुरुआत में अजीब कैरिकेचर बनाए, फिर रूएन लैंडस्केप पेंटर यूजीन बौडिन के साथ अध्ययन किया, जो प्लेन एयर रियलिस्टिक लैंडस्केप के रचनाकारों में से एक थे। बौडिन ने न केवल भविष्य के चित्रकार को खुली हवा में काम करने की आवश्यकता के बारे में आश्वस्त किया, बल्कि प्रकृति के प्रति प्रेम, सावधानीपूर्वक अवलोकन और उन्होंने जो देखा उसका सच्चा प्रसारण करने में भी कामयाब रहे।

1859 में, मोनेट एक वास्तविक कलाकार बनने के लक्ष्य के साथ पेरिस के लिए रवाना हुआ। उनके माता-पिता ने सपना देखा कि वह स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में प्रवेश करेंगे, लेकिन युवक अपनी आशाओं को सही नहीं ठहराता है और बोहेमियन जीवन में आगे बढ़ता है, कलात्मक वातावरण में कई परिचितों को प्राप्त करता है। अपने माता-पिता के भौतिक समर्थन से पूरी तरह से वंचित, और इसलिए आजीविका के बिना, मोनेट को सेना में शामिल होने के लिए मजबूर होना पड़ा। हालाँकि, अल्जीरिया से लौटने के बाद भी, जहाँ उन्हें एक कठिन सेवा करनी पड़ी, वे उसी तरह जीवन व्यतीत कर रहे हैं। थोड़ी देर बाद, उनकी मुलाकात आई। आयोनकाइंड से हुई, जिन्होंने उन्हें प्राकृतिक अध्ययन पर काम करने के लिए आकर्षित किया। और फिर वह सुइस के स्टूडियो का दौरा करता है, कुछ समय के लिए वह अकादमिक दिशा के तत्कालीन प्रसिद्ध चित्रकार - एम। ग्लेयर के स्टूडियो में पढ़ता है, और युवा कलाकारों (जेएफ बेसिल, सी। पिसारो, के एक समूह के करीब भी हो जाता है। ई. डेगास, पी. सेज़ेन, ओ रेनॉयर, ए. सिसली और अन्य), जो स्वयं मोनेट की तरह कला में विकास के नए तरीकों की तलाश कर रहे थे।

नौसिखिए चित्रकार पर सबसे बड़ा प्रभाव एम। ग्लेयर के स्कूल का नहीं था, बल्कि समान विचारधारा वाले लोगों के साथ दोस्ती, सैलून शिक्षावाद के उत्साही आलोचक थे। यह इस दोस्ती, आपसी समर्थन, अनुभव का आदान-प्रदान करने और उपलब्धियों को साझा करने के अवसर के लिए धन्यवाद था कि एक नई सचित्र प्रणाली का जन्म हुआ, जिसे बाद में "प्रभाववाद" नाम मिला।

सुधार का आधार यह था कि प्रकृति में काम खुले आसमान के नीचे होता था। उसी समय, कलाकारों ने न केवल रेखाचित्र, बल्कि पूरी तस्वीर को खुली हवा में चित्रित किया। सीधे प्रकृति के संपर्क में, वे अधिक से अधिक आश्वस्त हो गए कि प्रकाश में परिवर्तन, वातावरण की स्थिति, अन्य वस्तुओं की निकटता पर रंग प्रतिबिंब, और कई अन्य कारकों के आधार पर वस्तुओं का रंग लगातार बदल रहा है। इन्हीं परिवर्तनों को वे अपने कार्यों के माध्यम से व्यक्त करना चाहते थे।

1865 में, मोनेट ने "मानेट की भावना में, लेकिन खुली हवा में" एक बड़े कैनवास को चित्रित करने का निर्णय लिया। यह लंचियन ऑन द ग्रास (1866) था, जो उनका पहला सबसे महत्वपूर्ण काम था, जिसमें स्मार्ट कपड़े पहने पेरिसियों को शहर से बाहर निकलते हुए और जमीन पर फैले एक मेज़पोश के चारों ओर एक पेड़ की छाया में बैठे हुए दिखाया गया था। काम को इसकी बंद और संतुलित रचना के पारंपरिक चरित्र की विशेषता है। हालांकि, कलाकार का ध्यान मानवीय पात्रों को दिखाने या एक अभिव्यंजक कथानक रचना बनाने के अवसर पर नहीं, बल्कि आसपास के परिदृश्य में मानव आकृतियों को फिट करने और उनके बीच व्याप्त सहजता और विश्राम के वातावरण को व्यक्त करने के लिए निर्देशित किया जाता है। इस प्रभाव को बनाने के लिए, कलाकार सूरज की चकाचौंध के हस्तांतरण पर बहुत ध्यान देता है, केंद्र में बैठी युवती की मेज़पोश और पोशाक पर खेलता है। मोनेट मेज़पोशों पर रंग के प्रतिबिंबों के खेल और एक हल्के महिलाओं की पोशाक की पारभासी को सटीक रूप से पकड़ता है और बताता है। इन खोजों के साथ, पेंटिंग की पुरानी प्रणाली को तोड़ना शुरू हो जाता है, जो अंधेरे छाया और निष्पादन के घने भौतिक तरीके पर जोर देती है।

उस समय से, मोनेट का दुनिया के प्रति दृष्टिकोण परिदृश्य बन गया है। मानव चरित्र, उसमें रुचि रखने वाले लोगों के संबंध कम और कम। घटनाएँ 1870-1871 मोनेट को लंदन जाने के लिए मजबूर किया, जहां से वह हॉलैंड की यात्रा करता है। अपनी वापसी पर, उन्होंने कई चित्रों को चित्रित किया जो उनके काम में प्रोग्रामेटिक बन गए हैं। इनमें "इंप्रेशन. सनराइज" (1872), "लिलाक्स इन द सन" (1873), "बुल्वार्ड डेस कैपुसीन्स" (1873), "फील्ड ऑफ पोपीज़ एट अर्जेंटीना" (1873), आदि।

1874 में, उनमें से कुछ को "एनोनिमस सोसाइटी ऑफ़ पेंटर्स, आर्टिस्ट्स एंड एनग्रेवर्स" द्वारा आयोजित प्रसिद्ध प्रदर्शनी में प्रदर्शित किया गया था, जिसका नेतृत्व स्वयं मोनेट ने किया था। प्रदर्शनी के बाद, मोनेट और उनके समान विचारधारा वाले लोगों के एक समूह को प्रभाववादी (फ्रांसीसी छाप से - छाप) कहा जाने लगा। इस समय तक, मोनेट के कलात्मक सिद्धांत, उनके काम के पहले चरण की विशेषता, अंततः एक निश्चित प्रणाली में बन गए।

खुली हवा में लीलाक्स इन द सन (1873) में, फूलों की बकाइनों की बड़ी झाड़ियों की छाया में बैठी दो महिलाओं को चित्रित करते हुए, उनकी आकृतियों को उसी तरह से और उसी इरादे से व्यवहार किया जाता है जैसे कि खुद झाड़ियों और घास जिस पर वे बैठते हैं। लोगों के आंकड़े सामान्य परिदृश्य का केवल एक हिस्सा हैं, जबकि शुरुआती गर्मियों की नरम गर्मी की भावना, युवा पत्ते की ताजगी, धुंध गर्म उजला दिनअसाधारण जीवंतता और प्रत्यक्ष अनुनय के साथ व्यक्त किया, उस समय की विशेषता नहीं।

एक और तस्वीर - "बुल्वार्ड डेस कैपुसीन्स" - प्रभाववादी पद्धति के सभी मुख्य विरोधाभासों, फायदे और नुकसान को दर्शाती है। यहाँ जीवन की धारा से छीने गए क्षण को बहुत सटीक रूप से व्यक्त किया गया है। बड़ा शहर: सुस्त नीरस यातायात शोर की भावना, हवा की नम पारदर्शिता, फरवरी की सूरज की किरणें पेड़ों की नंगी शाखाओं के साथ ग्लाइडिंग, आकाश के नीलेपन को ढँकने वाले भूरे बादलों की एक फिल्म ... तस्वीर एक क्षणभंगुर है, लेकिन फिर भी कलाकार का तेज-तर्रार और सर्व-ध्यान देने वाला रूप है, और कलाकार संवेदनशील है, जीवन की सभी घटनाओं का जवाब देता है। तथ्य यह है कि नज़र वास्तव में संयोग से फेंकी गई है, विचारशील रचना द्वारा जोर दिया गया है
रिसेप्शन: दाईं ओर की तस्वीर का फ्रेम, जैसा कि था, बालकनी पर खड़े पुरुषों की आकृतियों को काट देता है।

इस दौर के कैनवस दर्शक को यह महसूस कराते हैं कि वह खुद है अभिनेताजीवन का यह उत्सव, सूरज की रोशनी से भरा और एक सुंदर भीड़ का निरंतर केंद्र।

अर्जेंटीना में बसने के बाद, मोनेट पानी की सतह पर ग्लाइडिंग सीन, पुलों, हल्की सेलबोट्स के लिए बहुत रुचि के साथ लिखता है ...

परिदृश्य उसे इतना आकर्षित करता है कि, एक अप्रतिरोध्य आकर्षण के आगे झुकते हुए, वह खुद को एक छोटी नाव बनाता है और उसमें अपने मूल रूएन के पास जाता है, और वहाँ, वह जो चित्र देखता है, उससे चकित होकर, रेखाचित्रों में अपनी भावनाओं को बिखेर देता है, जो आसपास के चित्रण को दर्शाता है। नदी के मुहाने में प्रवेश करने वाले शहर और बड़े समुद्री जल के। जहाज ("अर्जेंटीना", 1872; "अर्जेंटीना में सेलबोट", 1873-1874)।

1877 को सेंट-लज़ारे रेलवे स्टेशन को चित्रित करने वाले चित्रों की एक श्रृंखला के निर्माण द्वारा चिह्नित किया गया है। उन्होंने चार्ट किया नया मंचमोनेट के काम में।

उस समय से, उनकी पूर्णता से प्रतिष्ठित रेखाचित्रों ने उन कार्यों को रास्ता दिया है जिनमें मुख्य बात चित्रित ("गारे सेंट-लज़ारे", 1877) के लिए एक विश्लेषणात्मक दृष्टिकोण है। चित्रकला शैली में परिवर्तन किसमें परिवर्तन के साथ जुड़ा हुआ है? व्यक्तिगत जीवनकलाकार: उनकी पत्नी कैमिला गंभीर रूप से बीमार पड़ जाती है, दूसरे बच्चे के जन्म के कारण परिवार पर गरीबी आ जाती है।

अपनी पत्नी की मृत्यु के बाद, एलिस गोशेडे ने उन बच्चों की देखभाल की, जिनके परिवार ने मोनेट के रूप में वेथुइल में एक ही घर किराए पर लिया था। यह महिला बाद में उनकी दूसरी पत्नी बनी। कुछ समय बीत जाने के बाद आर्थिक स्थितिमोनेट ने इतनी वसूली की कि वह गिवरनी में अपना घर खरीदने में सक्षम हो गया, जहां उसने बाकी समय काम किया।

चित्रकार सूक्ष्म रूप से नए रुझानों को महसूस करता है, जो उसे अद्भुत अंतर्दृष्टि के साथ बहुत कुछ अनुमान लगाने की अनुमति देता है।
कलाकारों से क्या हासिल होगा देर से XIX- बीसवीं सदी की शुरुआत। यह रंग और भूखंडों के प्रति दृष्टिकोण को बदल देता है
चित्रों। अब उनका ध्यान ब्रशस्ट्रोक की रंग योजना की अभिव्यक्ति पर केंद्रित है, इसके विषय सहसंबंध से अलगाव में, सजावटी प्रभाव को बढ़ाता है। अंत में, वह पैनल पेंटिंग बनाता है। साधारण भूखंड 1860-1870 विभिन्न साहचर्य रूपांकनों के साथ संतृप्त, जटिल को रास्ता दें: चट्टानों की महाकाव्य छवियां, पॉपलर के सुरुचिपूर्ण रैंक ("बेले-इले में चट्टानें", 1866; "पोपलर", 1891)।

इस अवधि को कई धारावाहिक कार्यों द्वारा चिह्नित किया गया है: "हैक्स" ("हिस्टैक इन द स्नो। ग्लॉमी डे", 1891; "हैक्स। दिन का अंत। शरद ऋतु", 1891) की रचनाएं, रूएन कैथेड्रल ("रूएन कैथेड्रल" की छवियां। दोपहर में", 1894, आदि।), लंदन के विचार ("लंदन में कोहरा", 1903, आदि)। अभी भी एक प्रभावशाली तरीके से काम कर रहे हैं और अपने पैलेट की विविधता का उपयोग करते हुए, मास्टर का उद्देश्य सबसे बड़ी सटीकता और विश्वसनीयता के साथ यह बताना है कि दिन के दौरान अलग-अलग मौसम में एक ही वस्तु की रोशनी कैसे बदल सकती है।

यदि आप रूएन कैथेड्रल के बारे में चित्रों की एक श्रृंखला को अधिक बारीकी से देखते हैं, तो यह स्पष्ट हो जाता है कि यहां का गिरजाघर मध्ययुगीन फ्रांस के लोगों के विचारों, भावनाओं और आदर्शों की जटिल दुनिया का अवतार नहीं है, और यहां तक ​​कि कला का एक स्मारक भी नहीं है। और वास्तुकला, लेकिन एक तरह की पृष्ठभूमि, जिससे लेखक जीवन की स्थिति प्रकाश और वातावरण को बताता है। दर्शक सुबह की हवा की ताजगी, दोपहर की गर्मी, आने वाली शाम की कोमल परछाइयों को महसूस करते हैं, जो इस श्रृंखला के सच्चे नायक हैं।

हालांकि, इसके अलावा, ऐसी पेंटिंग असामान्य सजावटी रचनाएं हैं, जो अनैच्छिक रूप से उत्पन्न होने वाले सहयोगी कनेक्शन के लिए धन्यवाद, दर्शकों को समय और स्थान की गतिशीलता का आभास देती हैं।

अपने परिवार के साथ गिवरनी चले जाने के बाद, मोनेट ने अपना पेंटिंग संगठन करते हुए, बगीचे में बहुत समय बिताया। इस व्यवसाय ने कलाकार के विचारों को इतना प्रभावित किया कि लोगों द्वारा बसाए गए सामान्य दुनिया के बजाय, उन्होंने अपने कैनवस पर पानी और पौधों की रहस्यमयी सजावटी दुनिया ("इरिज़ एट गिवरनी", 1923; "वीपिंग विलो", 1923) को चित्रित करना शुरू कर दिया। ) इसलिए उनके बाद के पैनलों ("व्हाइट वाटर लिली। हार्मनी ऑफ ब्लू", 1918-1921) की सबसे प्रसिद्ध श्रृंखला में दिखाए गए पानी के लिली वाले तालाबों के दृश्य।

गिवरनी कलाकार का अंतिम आश्रय स्थल बन गया, जहाँ 1926 में उसकी मृत्यु हो गई।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि प्रभाववादियों के लिखने का तरीका शिक्षाविदों के तरीके से बहुत अलग था। प्रभाववादी, विशेष रूप से मोनेट और उनके समान विचारधारा वाले लोग, ब्रशस्ट्रोक की रंग योजना की अभिव्यक्ति में इसके विषय सहसंबंध से अलगाव में रुचि रखते थे। यही है, उन्होंने अलग-अलग स्ट्रोक में लिखा, केवल शुद्ध पेंट का उपयोग करके जो पैलेट पर मिश्रित नहीं थे, जबकि वांछित स्वर पहले से ही दर्शक की धारणा में बना था। तो, हरे, नीले और के साथ पेड़ों और घास के पत्ते के लिए पीला रंग, दूरी पर हरे रंग की वांछित छाया देना। इस पद्धति ने प्रभाववादी स्वामी के कार्यों को एक विशेष पवित्रता और ताजगी प्रदान की, जो केवल उनमें निहित थी। अलग-अलग रखे गए स्ट्रोक ने राहत की छाप पैदा की और, जैसा कि यह था, कंपन सतह।

पियरे अगस्टे रेनॉयर

पियरे अगस्टे रेनॉयर, फ्रांसीसी चित्रकार, ग्राफिक कलाकार और मूर्तिकार, प्रभाववादी समूह के नेताओं में से एक, का जन्म 25 फरवरी, 1841 को लिमोगेस में एक प्रांतीय दर्जी के एक गरीब परिवार में हुआ था, जो 1845 में पेरिस चले गए थे। युवा रेनॉयर की प्रतिभा को उनके माता-पिता ने बहुत पहले ही देख लिया था, और 1854 में उन्होंने उन्हें एक चीनी मिट्टी के बरतन पेंटिंग कार्यशाला में नियुक्त किया। कार्यशाला का दौरा करते हुए, रेनॉयर ने एक साथ ड्राइंग और एप्लाइड आर्ट के स्कूल में अध्ययन किया, और 1862 में, पैसे बचाकर (हथियारों, पर्दे और प्रशंसकों के कोट को पेंट करके पैसा कमाया), युवा कलाकार ने स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में प्रवेश किया। थोड़ी देर बाद, उन्होंने सी। ग्लेयर की कार्यशाला का दौरा करना शुरू किया, जहाँ वे ए। सिसली, एफ। बेसिल और सी। मोनेट के करीबी दोस्त बन गए। वह अक्सर लौवर का दौरा करते थे, ए। वट्टू, एफ। बाउचर, ओ। फ्रैगनार्ड जैसे उस्तादों के कार्यों का अध्ययन करते थे।

प्रभाववादियों के एक समूह के साथ संचार रेनॉयर को अपनी दृष्टि की शैली विकसित करने के लिए प्रेरित करता है। इसलिए, उदाहरण के लिए, उनके विपरीत, अपने पूरे काम के दौरान उन्होंने अपने चित्रों के मुख्य उद्देश्य के रूप में एक व्यक्ति की छवि की ओर रुख किया। इसके अलावा, उनका काम, हालांकि यह प्लेन एयर था, कभी भंग नहीं हुआ
प्रकाश के झिलमिलाते माध्यम में भौतिक दुनिया का प्लास्टिक वजन।

चित्रकार द्वारा काइरोस्कोरो का उपयोग, छवि को लगभग एक मूर्तिकला रूप देते हुए, उनके शुरुआती कार्यों को कुछ यथार्थवादी कलाकारों के कार्यों की तरह दिखता है, विशेष रूप से जी। कोर्टबेट। हालांकि, एक हल्का और हल्का रंग योजना, जो केवल रेनॉयर के लिए निहित है, इस मास्टर को अपने पूर्ववर्तियों ("मदर एंथोनी के टैवर्न", 1866) से अलग करती है। खुली हवा में मानव आकृतियों की गति की प्राकृतिक प्लास्टिसिटी को व्यक्त करने का प्रयास कलाकार के कई कार्यों में ध्यान देने योग्य है। "पोर्ट्रेट ऑफ अल्फ्रेड सिसली विथ हिज वाइफ" (1868) में, रेनॉयर उस भावना को दिखाने की कोशिश करता है जो हाथ में हाथ जोड़े जोड़े को जोड़ता है: सिसली एक पल के लिए रुका और धीरे से अपनी पत्नी की ओर झुक गया। इस तस्वीर में, एक फोटोग्राफिक फ्रेम की याद ताजा रचना के साथ, आंदोलन का रूप अभी भी आकस्मिक और व्यावहारिक रूप से बेहोश है। हालांकि, "टेवर्न" की तुलना में, "पोर्ट्रेट ऑफ अल्फ्रेड सिसली विद उनकी पत्नी" के आंकड़े अधिक सहज और जीवंत लगते हैं। एक और महत्वपूर्ण बिंदु महत्वपूर्ण है: पति-पत्नी को प्रकृति (बगीचे में) में चित्रित किया गया है, लेकिन रेनॉयर को अभी भी खुली हवा में मानव आकृतियों को चित्रित करने का कोई अनुभव नहीं है।

"अपनी पत्नी के साथ अल्फ्रेड सिसली का पोर्ट्रेट" - नई कला की राह पर कलाकार का पहला कदम। कलाकार के काम में अगला चरण पेंटिंग बाथिंग इन द सीन (सी। 1869) था, जहां किनारे पर चलने वाले लोगों के आंकड़े, स्नान करने वाले, साथ ही नावों और पेड़ों के झुरमुटों को प्रकाश-वायु वातावरण द्वारा एक साथ लाया जाता है एक सुंदर गर्मी का दिन। चित्रकार पहले से ही रंगीन छाया और हल्के रंग के प्रतिबिंबों का स्वतंत्र रूप से उपयोग कर रहा है। उसका स्मीयर जीवंत और ऊर्जावान हो जाता है।

सी मोनेट की तरह, रेनॉयर को दुनिया में मानव आकृति को शामिल करने की समस्या का शौक है वातावरण. कलाकार इस समस्या को "स्विंग" (1876) पेंटिंग में हल करता है, लेकिन सी। मोनेट की तुलना में थोड़ा अलग तरीके से, जिसमें लोगों के आंकड़े परिदृश्य में घुलते हुए प्रतीत होते हैं। रेनॉयर ने अपनी रचना में कई प्रमुख आंकड़े पेश किए। जिस सुरम्य तरीके से इस कैनवास को बहुत स्वाभाविक रूप से बनाया गया है, वह छाया से नरम गर्मी के गर्म दिन के वातावरण को व्यक्त करता है। तस्वीर खुशी और खुशी की भावना के साथ व्याप्त है।

1870 के दशक के मध्य में। रेनॉयर इस तरह के काम करता है जैसे धूप में भीगने वाला परिदृश्य "पाथ इन द मीडोज" (1875), प्रकाश जीवंत आंदोलन से भरा हुआ और उज्ज्वल प्रकाश प्रतिबिंबों का मायावी नाटक "मौलिन डे ला गैलेट" (1876), साथ ही साथ "छतरियां" ( 1883), "लॉज" (1874) और द एंड ऑफ ब्रेकफास्ट (1879)। इन खूबसूरत कैनवस को इस तथ्य के बावजूद बनाया गया था कि कलाकार को एक कठिन वातावरण में काम करना पड़ता था, क्योंकि प्रभाववादियों (1874) की निंदनीय प्रदर्शनी के बाद, रेनॉयर का काम (साथ ही उनके समान विचारधारा वाले लोगों का काम) तेज के अधीन था। तथाकथित कला पारखी के हमले। हालांकि, इस कठिन समय के दौरान, रेनॉयर ने अपने करीबी दो लोगों का समर्थन महसूस किया: भाई एडमंड (पत्रिका ला वी मॉडर्न के प्रकाशक) और जॉर्जेस चार्पेंटियर (साप्ताहिक के मालिक)। उन्होंने कलाकार को थोड़ी सी राशि प्राप्त करने और एक कार्यशाला किराए पर लेने में मदद की।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि रचनात्मक दृष्टि से, परिदृश्य "मीडोज में पथ" सी मोनेट द्वारा "पॉपीज़" (1873) के बहुत करीब है, लेकिन रेनॉयर के चित्रों की सुरम्य बनावट अलग है अधिक घनत्वऔर भौतिकता। रचनात्मक समाधान के संबंध में एक और अंतर आकाश है। रेनॉयर में, जिनके लिए यह प्राकृतिक दुनिया की भौतिकता थी जो महत्वपूर्ण थी, आकाश चित्र के केवल एक छोटे से हिस्से पर कब्जा करता है, जबकि मोनेट में, जिसने आकाश को ग्रे-चांदी या बर्फ-सफेद बादलों के साथ चित्रित किया है, यह एक ढलान से ऊपर उगता है जो फूलों की खसखसों से युक्त होता है, जो धूप में भीगने वाले गर्मी के दिन को बढ़ाता है।

रचनाओं में "मौलिन डे ला गैलेट" (इसके साथ कलाकार को एक वास्तविक सफलता मिली), "छतरियां", "लॉज" और "नाश्ते का अंत" स्पष्ट रूप से (मानेट और डेगास के रूप में) एक गलती से झाँकने में रुचि दिखाते हैं जीवन की स्थिति; संरचना स्थान के फ्रेम को काटने की विधि के लिए अपील भी विशेषता है, जो ई। डेगास और आंशिक रूप से ई। मानेट की भी विशेषता है। लेकिन, बाद के कार्यों के विपरीत, रेनॉयर के चित्रों को बड़ी शांति और चिंतन से अलग किया जाता है।

कैनवास "द लॉज", जिसमें, जैसे कि कुर्सियों की दूरबीन पंक्तियों के माध्यम से, लेखक अनजाने में एक बॉक्स में आता है जिसमें एक उदासीन रूप के साथ एक सौंदर्य स्थित है। उसका साथी, इसके विपरीत, दर्शकों को बड़ी दिलचस्पी से देखता है। उनके फिगर का एक हिस्सा पिक्चर फ्रेम से कट जाता है।

काम "नाश्ता का अंत" एक अल्पविकसित प्रकरण प्रस्तुत करता है: सफेद और काले रंग के कपड़े पहने दो महिलाएं, साथ ही साथ उनके सज्जन, बगीचे के एक छायादार कोने में पूरा नाश्ता करते हैं। टेबल पहले से ही कॉफी के लिए सेट है, जिसे ठीक हल्के नीले चीनी मिट्टी के बरतन से बने कप में परोसा जाता है। महिलाएं कहानी के आगे बढ़ने का इंतजार कर रही हैं, जिसे सिगरेट जलाने के लिए आदमी ने बीच में ही रोक दिया। यह चित्र नाटकीय या गहरा मनोविज्ञान नहीं है, यह मनोदशा के सबसे छोटे रंगों के सूक्ष्म हस्तांतरण के साथ दर्शकों का ध्यान आकर्षित करता है।

शांत प्रफुल्लता की एक समान भावना "नाश्ता ऑफ द रोवर्स" (1881) में व्याप्त है, जो प्रकाश और जीवंत आंदोलन से भरा है। जोश और आकर्षण एक सुंदर युवा महिला की आकृति से निकलता है जो अपनी बाहों में एक कुत्ते के साथ बैठी है। चित्र में कलाकार ने अपनी भावी पत्नी को चित्रित किया। कैनवास "नग्न" (1876) एक ही हर्षित मनोदशा से भरा है, केवल थोड़ा अलग अपवर्तन में। एक युवा महिला के शरीर की ताजगी और गर्मी चादरों और लिनन के नीले-ठंडे कपड़े के विपरीत होती है, जो एक तरह की पृष्ठभूमि बनाती है।

रेनॉयर के काम की एक विशेषता यह है कि एक व्यक्ति अपनी जटिल मनोवैज्ञानिक और नैतिक पूर्णता से वंचित है, जो लगभग सभी यथार्थवादी कलाकारों की पेंटिंग की विशेषता है। यह विशेषता न केवल "नग्न" (जहां कथानक की प्रकृति ऐसे गुणों की अनुपस्थिति के लिए अनुमति देती है) जैसे कार्यों में निहित है, बल्कि रेनॉयर के चित्रों में भी निहित है। हालांकि, यह उनके कैनवास को आकर्षण से वंचित नहीं करता है, जो पात्रों की प्रफुल्लता में निहित है।

सबसे बड़ी हद तक, इन गुणों को महसूस किया जाता है प्रसिद्ध चित्ररेनॉयर "गर्ल विद ए फैन" (सी। 1881)। कैनवास वह कड़ी है जो रेनॉयर के शुरुआती काम को बाद के काम से जोड़ती है, जिसकी विशेषता एक ठंडा और अधिक परिष्कृत रंग योजना है। इस अवधि के दौरान, कलाकार, पहले की तुलना में अधिक हद तक, स्पष्ट रेखाओं में, एक स्पष्ट ड्राइंग में, साथ ही साथ रंग के इलाके में रुचि रखता है। कलाकार लयबद्ध दोहराव (एक पंखे का अर्धवृत्त - एक लाल कुर्सी का अर्धवृत्ताकार पीठ - ढलान वाली लड़की के कंधे) के लिए एक बड़ी भूमिका निभाता है।

हालाँकि, रेनॉयर की पेंटिंग में ये सभी रुझान 1880 के दशक के उत्तरार्ध में पूरी तरह से प्रकट हुए, जब उनके काम और सामान्य रूप से प्रभाववाद में निराशा हुई। अपने कुछ कार्यों को नष्ट करने के बाद, जिसे कलाकार ने "सूखा" माना, वह एन। पॉसिन के काम का अध्ययन करना शुरू कर देता है, जे.ओ.डी. इंग्रेस के चित्र की ओर मुड़ता है। नतीजतन, उसका पैलेट एक विशेष चमक प्राप्त करता है। तथाकथित। "पर्ल पीरियड", जिसे "गर्ल्स एट द पियानो" (1892), "द स्लीपिंग बाथर" (1897) जैसे कार्यों से जाना जाता है, साथ ही बेटों के चित्र - पियरे, जीन और क्लाउड - "गेब्रियल एंड जीन" ( 1895), "कोको" (1901)।

इसके अलावा, 1884 से 1887 तक, रेनॉयर बड़ी पेंटिंग "बाथर्स" के कई रूपों पर काम कर रहा है। उनमें, वह एक स्पष्ट रचनात्मक पूर्णता प्राप्त करने का प्रबंधन करता है। हालाँकि, महान पूर्ववर्तियों की परंपराओं को पुनर्जीवित करने और पुनर्विचार करने के सभी प्रयास, जबकि दूर से मुड़ते हैं बड़ी समस्यासाजिश की आधुनिकता, विफलता में समाप्त हुई। "बाथर्स" ने केवल कलाकार को उसके पहले के प्रत्यक्ष और जीवन की ताजा धारणा से अलग कर दिया। यह सब काफी हद तक इस तथ्य की व्याख्या करता है कि 1890 के दशक से। रेनॉयर का काम कमजोर हो जाता है: उसके कार्यों के रंग में नारंगी-लाल स्वर प्रबल होने लगते हैं, और पृष्ठभूमि, हवादार गहराई से रहित, सजावटी और सपाट हो जाती है।

1903 के बाद से, रेनॉयर कैग्नेस-सुर-मेर में अपने घर में बस गए, जहां उन्होंने परिदृश्य, मानव आकृतियों और अभी भी जीवन के साथ रचनाओं पर काम करना जारी रखा, जिसमें पहले से ही ऊपर वर्णित लाल रंग के स्वर प्रबल होते हैं। गंभीर रूप से बीमार होने के कारण, कलाकार अब ब्रश को अपने आप नहीं पकड़ सकता है, और वे उसके हाथों से बंधे होते हैं। हालांकि, कुछ समय बाद पेंटिंग को पूरी तरह से छोड़ना पड़ता है। फिर गुरु मूर्तिकला की ओर मुड़ता है। गिनी के सहायक के साथ, वह कई अद्भुत मूर्तियां बनाता है, जो सिल्हूट, आनंद और जीवन-पुष्टि शक्ति (शुक्र, 1913; द ग्रेट लॉन्ड्रेस, 1917; मातृत्व, 1916) की सुंदरता और सद्भाव से प्रतिष्ठित हैं। रेनॉयर की 1919 में आल्प्स-मैरीटाइम्स में अपनी संपत्ति पर मृत्यु हो गई।

एडगर देगास

एडगर हिलायर जर्मेन डेगास, फ्रांसीसी चित्रकार, ग्राफिक कलाकार और मूर्तिकार, प्रभाववाद के सबसे बड़े प्रतिनिधि, का जन्म 1834 में पेरिस में एक धनी बैंकर के परिवार में हुआ था। संपन्न होने के कारण, उन्होंने लुइस द ग्रेट (1845-1852) के नाम पर प्रतिष्ठित लिसेयुम में एक उत्कृष्ट शिक्षा प्राप्त की। कुछ समय के लिए वह पेरिस विश्वविद्यालय (1853) में विधि संकाय में एक छात्र थे, लेकिन कला की लालसा महसूस करते हुए, उन्होंने विश्वविद्यालय छोड़ दिया और कलाकार एल। लैमोटे (एक छात्र और अनुयायी) के स्टूडियो में भाग लेने लगे। इंगर्स) और उसी समय (1855 से) स्कूल
ललित कला। हालांकि, 1856 में, अप्रत्याशित रूप से सभी के लिए, डेगस ने पेरिस छोड़ दिया और दो साल के लिए इटली चले गए, जहां उन्होंने बहुत रुचि के साथ अध्ययन किया और कई चित्रकारों की तरह, पुनर्जागरण के महान उस्तादों के कार्यों की नकल की। उनका सबसे बड़ा ध्यान ए। मेंटेग्ना और पी। वेरोनीज़ के कार्यों पर दिया जाता है, जिनकी प्रेरित और रंगीन पेंटिंग युवा कलाकार ने बहुत सराहना की।

डेगस के शुरुआती कार्यों (मुख्य रूप से चित्र) को एक स्पष्ट और सटीक ड्राइंग और सूक्ष्म अवलोकन की विशेषता है, जो लेखन के एक उत्कृष्ट संयमित तरीके से संयुक्त है (उनके भाई द्वारा स्केच, 1856-1857; बैरोनेस बेलेली के सिर का चित्रण, 1859) या अद्भुत के साथ निष्पादन की सच्चाई (एक इतालवी भिखारी का चित्र, 1857)।

अपनी मातृभूमि पर लौटकर, डेगास ने ऐतिहासिक विषय की ओर रुख किया, लेकिन इसे उस समय के लिए एक व्याख्या के लिए अप्राप्य दिया। इस प्रकार, "स्पार्टन गर्ल्स चैलेंज यंग मेन टू ए कॉम्पिटिशन" (1860) की रचना में, मास्टर, प्राचीन कथानक के सशर्त आदर्शीकरण की अनदेखी करते हुए, इसे मूर्त रूप देने का प्रयास करता है जैसा कि वास्तव में हो सकता है। यहां की प्राचीनता, जैसा कि एक ऐतिहासिक विषय पर उनके अन्य कैनवस में है, मानो आधुनिकता के चश्मे से गुजरती है: प्राचीन स्पार्टा की लड़कियों और युवा पुरुषों की छवियों को कोणीय रूपों, पतले शरीर और तेज आंदोलनों के साथ, एक रोजमर्रा की पृष्ठभूमि के खिलाफ चित्रित किया गया है। प्रोसिक परिदृश्य, शास्त्रीय विचारों से बहुत दूर हैं और आदर्श स्पार्टन्स की तुलना में पेरिस के उपनगरों के सामान्य किशोरों से अधिक मिलते-जुलते हैं।

1860 के दशक के दौरान, नौसिखिए चित्रकार की रचनात्मक पद्धति का क्रमिक गठन हुआ। इस दशक में, कम महत्वपूर्ण ऐतिहासिक कैनवस ("सेमीरामाइड वॉचिंग द कंस्ट्रक्शन ऑफ बेबीलोन", 1861) के साथ, कलाकार ने कई चित्र कृतियों का निर्माण किया, जिसमें अवलोकन और यथार्थवादी कौशल का सम्मान किया गया था। इस संबंध में, सबसे सांकेतिक पेंटिंग "एक युवा महिला का सिर" है, जिसे द्वारा बनाया गया है
1867 में

1861 में, डेगास ई. मैनेट से मिले और जल्द ही गेरबोइस कैफे में नियमित हो गए, जहां उस समय के युवा नवप्रवर्तनकर्ता इकट्ठा होते हैं: सी। मोनेट, ओ। रेनॉयर, ए। सिस्ली और अन्य। लेकिन अगर वे मुख्य रूप से परिदृश्य और काम में रुचि रखते हैं खुली हवा में, तब डेगास शहर के विषय, पेरिस के प्रकारों पर अधिक ध्यान केंद्रित करता है। वह हर उस चीज़ की ओर आकर्षित होता है जो गतिमान है; स्थैतिक उसे उदासीन छोड़ देता है।

डेगास एक बहुत ही चौकस पर्यवेक्षक था, जो जीवन की घटनाओं के अंतहीन परिवर्तन में चारित्रिक रूप से अभिव्यंजक हर चीज को सूक्ष्मता से पकड़ रहा था। इस प्रकार, बड़े शहर की पागल लय को व्यक्त करते हुए, वह पूंजीवादी शहर को समर्पित रोजमर्रा की शैली के रूपों में से एक के निर्माण के लिए आता है।

इस अवधि के काम में, चित्र बाहर खड़े हैं, जिनमें से कई ऐसे हैं जिन्हें विश्व चित्रकला के मोती के रूप में वर्गीकृत किया गया है। उनमें से बेलेली परिवार (सी। 1860-1862) का एक चित्र है, एक महिला का चित्र (1867), गिटारवादक मूर्तिपूजक (सी। 1872) को सुनने वाले कलाकार के पिता का एक चित्र।

1870 के दशक की अवधि के कुछ चित्रों को पात्रों के चित्रण में एक फोटोग्राफिक प्रभावहीनता की विशेषता है। एक उदाहरण "डांसिंग लेसन" (सी। 1874) नामक एक कैनवास है, जिसे ठंडे नीले रंग के स्वर में बनाया गया है। अद्भुत सटीकता के साथ, लेखक एक पुराने डांस मास्टर से सबक लेते हुए बैलेरिना की हरकतों को पकड़ लेता है। हालांकि, एक अलग प्रकृति की पेंटिंग हैं, जैसे, उदाहरण के लिए, 1873 में प्लेस डे ला कॉनकॉर्ड पर अपनी बेटियों के साथ विस्काउंट लेपिक का एक चित्र। यहां, स्पष्ट गतिशीलता के कारण शांत पेशेवर निर्धारण को दूर किया गया है लेपिक के चरित्र के हस्तांतरण की रचना और असाधारण तीक्ष्णता; एक शब्द में, यह जीवन की चारित्रिक रूप से अभिव्यंजक शुरुआत के कलात्मक रूप से तीखे और तीखे प्रकटीकरण के कारण होता है।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि इस अवधि के कार्यों में उनके द्वारा चित्रित घटना के बारे में कलाकार के दृष्टिकोण को दर्शाया गया है। उनके चित्र सामान्य शैक्षणिक सिद्धांतों को नष्ट कर देते हैं। डेगास की पेंटिंग द म्यूज़िशियन ऑफ़ द ऑर्केस्ट्रा (1872) तीक्ष्ण कंट्रास्ट पर बनी है जो संगीतकारों के सिर (क्लोज़-अप में चित्रित) और दर्शकों को झुकते हुए एक नर्तक की छोटी आकृति की तुलना करके बनाई गई है। अभिव्यंजक आंदोलन में रुचि और कैनवास पर इसकी सटीक नकल नर्तकियों की कई स्केच मूर्तियों में भी देखी जाती है (हमें यह नहीं भूलना चाहिए कि डेगास एक मूर्तिकार भी थे), मास्टर द्वारा आंदोलन के सार को पकड़ने के लिए बनाया गया था, इसके तर्क को सटीक रूप से यथासंभव।

कलाकार किसी भी काव्यीकरण से रहित, आंदोलनों, मुद्राओं और इशारों की पेशेवर विशिष्टता में रुचि रखते थे। यह घुड़दौड़ ("यंग जॉकी", 1866-1868; "हॉर्स रेसिंग इन द प्रोविंस। क्रू एट द रेस्स", सीए. 1872; "जॉकी इन फ्रंट द स्टैंड्स", सीए. 1879, के लिए समर्पित कार्यों में विशेष रूप से ध्यान देने योग्य है। आदि।)। द राइड ऑफ रेसहॉर्स (1870 के दशक) में, मामले के पेशेवर पक्ष का विश्लेषण लगभग रिपोर्टर की सटीकता के साथ दिया गया है। यदि हम इस कैनवास की तुलना टी. गेरिकॉल्ट की पेंटिंग "द रेसेस एट एप्सम" से करते हैं, तो यह तुरंत स्पष्ट हो जाता है कि, इसकी स्पष्ट विश्लेषणात्मकता के कारण, डेगास का काम टी। गेरिकॉल्ट की भावनात्मक रचना के लिए बहुत कुछ खो देता है। डेगस के पेस्टल "बैलेरिना ऑन स्टेज" (1876-1878) में वही गुण निहित हैं, जो उनकी उत्कृष्ट कृतियों की संख्या से संबंधित नहीं हैं।

हालांकि, इस तरह के एकतरफा होने के बावजूद, और शायद इसके लिए धन्यवाद भी, डेगस की कला को अनुनय और सामग्री से अलग किया जाता है। उनके में कार्यक्रम काम करता हैवह बहुत सटीक और महान कौशल के साथ सभी गहराई और जटिलता को प्रकट करता है आंतरिक स्थितिचित्रित व्यक्ति, साथ ही अलगाव और अकेलेपन का माहौल जिसमें समकालीन समाज रहता है, जिसमें लेखक भी शामिल है।

पहली बार, इन मनोदशाओं को एक छोटे कैनवास "डांसर इन ए फोटोग्राफर" (1870 के दशक) में दर्ज किया गया था, जिस पर कलाकार ने एक नर्तक की एक अकेली आकृति को चित्रित किया, जो एक उदास और उदास वातावरण में सामने एक सीखी हुई मुद्रा में जमी हुई थी। एक भारी फोटोग्राफिक उपकरण की। भविष्य में, कड़वाहट और अकेलेपन की भावना "एब्सिन्थ" (1876), "कैफे से गायक" (1878), "आयरनर्स" (1884) और कई अन्य जैसे कैनवस में प्रवेश करती है। डेगास ने एक आदमी के दो आंकड़े दिखाए और एक औरत, एक दूसरे के प्रति और पूरी दुनिया के लिए एकाकी और उदासीन। चिरायता से भरे गिलास की धुंधली हरी झिलमिलाहट महिला की आंखों और उसके आसन में देखी गई उदासी और निराशा पर जोर देती है। मुरझाए चेहरे वाला पीला दाढ़ी वाला आदमी उदास और विचारशील होता है।

डेगस की रचनात्मकता लोगों के चरित्रों में, उनके व्यवहार की विशिष्ट विशेषताओं के साथ-साथ पारंपरिक एक की जगह एक अच्छी तरह से निर्मित गतिशील रचना में वास्तविक रुचि रखती है। इसका मुख्य सिद्धांत वास्तविकता में ही सबसे अधिक अभिव्यंजक कोण खोजना है। यह डेगस के काम को अन्य प्रभाववादियों (विशेष रूप से, सी। मोनेट, ए। सिसली और, कुछ हद तक, ओ। रेनॉयर) की कला से अलग करता है, उनके आसपास की दुनिया के लिए उनके चिंतनशील दृष्टिकोण के साथ। कलाकार ने अपने शुरुआती काम द कॉटन रिसीविंग ऑफिस इन न्यू ऑरलियन्स (1873) में पहले से ही इस सिद्धांत का इस्तेमाल किया था, जिसने ई। गोंकोर्ट की ईमानदारी और यथार्थवाद की प्रशंसा की। उनकी बाद की रचनाएँ "मिस लाला इन द फर्नांडो सर्कस" (1879) और "डांसर्स इन द फ़ोयर" (1879) हैं, जहाँ एक ही मकसद के भीतर विविध आंदोलनों के परिवर्तन का सूक्ष्म विश्लेषण दिया गया है।

कभी-कभी इस तकनीक का उपयोग कुछ शोधकर्ताओं द्वारा ए. वट्टू के साथ डेगास की निकटता को इंगित करने के लिए किया जाता है। हालांकि दोनों कलाकार वास्तव में कुछ बिंदुओं में समान हैं (ए। वट्टू भी एक ही आंदोलन के विभिन्न रंगों पर ध्यान केंद्रित करते हैं), यह ए। वट्टू द्वारा ड्राइंग की तुलना उपरोक्त डेगास रचना से वायलिन वादक के आंदोलनों की छवि के साथ करने के लिए पर्याप्त है। , जैसा कि उनकी कलात्मक तकनीकों के विपरीत तुरंत महसूस किया जाता है।

यदि ए। वट्टू एक आंदोलन के मायावी संक्रमण को दूसरे में व्यक्त करने की कोशिश करता है, तो बोलने के लिए, सेमीटोन, फिर डेगास के लिए, इसके विपरीत, आंदोलन के उद्देश्यों में एक ऊर्जावान और विपरीत परिवर्तन विशेषता है। वह उनकी तुलना और तेज टक्कर के लिए अधिक प्रयास करता है, अक्सर आकृति को कोणीय बना देता है। इस तरह, कलाकार समकालीन जीवन के विकास की गतिशीलता को पकड़ने की कोशिश करता है।

1880 के दशक के अंत में - 1890 के दशक की शुरुआत में। डेगास के काम में सजावटी रूपांकनों की प्रधानता है, जो शायद उनकी सतर्कता की कुछ नीरसता के कारण है। कलात्मक धारणा. यदि 1880 के दशक की शुरुआत में नग्न ("बाथरूम छोड़ने वाली महिला", 1883) के कैनवस में, आंदोलन की विशद अभिव्यक्ति में अधिक रुचि है, तो दशक के अंत तक कलाकार की रुचि चित्रण की ओर ध्यान देने योग्य हो गई महिला सौंदर्य की। यह पेंटिंग "बाथिंग" (1886) में विशेष रूप से ध्यान देने योग्य है, जहां चित्रकार महान कौशल के साथ अपने श्रोणि पर झुकी हुई एक युवा महिला के लचीले और सुंदर शरीर के आकर्षण को व्यक्त करता है।

कलाकारों ने पहले भी इसी तरह के चित्रों को चित्रित किया है, लेकिन डेगास थोड़ा अलग रास्ता अपनाता है। यदि अन्य आचार्यों की नायिकाएँ हमेशा दर्शक की उपस्थिति को महसूस करती हैं, तो यहाँ चित्रकार एक महिला को चित्रित करता है, जैसे कि वह बाहर से कैसी दिखती है, इस बारे में पूरी तरह से उदासीन है। और यद्यपि ऐसी स्थितियां सुंदर और काफी स्वाभाविक दिखती हैं, ऐसे कार्यों में छवियां अक्सर अजीब होती हैं। आखिरकार, कोई भी पोज़ और इशारों, यहां तक ​​​​कि सबसे अंतरंग, यहां काफी उपयुक्त हैं, वे एक कार्यात्मक आवश्यकता द्वारा पूरी तरह से उचित हैं: धोते समय, सही जगह पर पहुंचें, पीठ पर अकड़न को हटा दें, पर्ची करें, किसी चीज को पकड़ें।

अपने जीवन के अंतिम वर्षों में, डेगास चित्रकला की तुलना में मूर्तिकला में अधिक शामिल थे। यह आंशिक रूप से नेत्र रोग और दृश्य हानि के कारण है। वह वही चित्र बनाता है जो उसके चित्रों में मौजूद हैं: वह बैलेरिना, नर्तकियों, घोड़ों की मूर्तियों को गढ़ता है। साथ ही, कलाकार आंदोलनों की गतिशीलता को यथासंभव सटीक रूप से व्यक्त करने का प्रयास करता है। देगास पेंटिंग नहीं छोड़ता है, हालांकि यह पृष्ठभूमि में फीकी पड़ जाती है, लेकिन अपने काम से पूरी तरह से गायब नहीं होती है।

औपचारिक रूप से अभिव्यंजक, लयबद्ध रचनाओं के निर्माण के कारण, 1880 के दशक के अंत में और 1890 के दशक के दौरान डेगस के चित्रों की छवियों की सजावटी-प्लानर व्याख्या की इच्छा। यथार्थवादी विश्वसनीयता से रहित हो जाते हैं और सजावटी पैनलों की तरह बन जाते हैं।

डेगास ने अपना शेष जीवन अपने मूल पेरिस में बिताया, जहां 1917 में उनकी मृत्यु हो गई।

केमिली पिसारो

फ्रांसीसी चित्रकार और ग्राफिक कलाकार केमिली पिसारो का जन्म लगभग 1830 में हुआ था। एक व्यापारी के परिवार में सेंट थॉमस (एंटिल्स)। उनकी शिक्षा पेरिस में हुई, जहाँ उन्होंने 1842 से 1847 तक अध्ययन किया। अपनी पढ़ाई पूरी करने के बाद, पिस्सारो सेंट थॉमस लौट आए और स्टोर में अपने पिता की मदद करने लगे। हालाँकि, यह बिल्कुल भी नहीं था जो युवक ने सपना देखा था। उनकी रुचि काउंटर से बहुत आगे थी। पेंटिंग उनके लिए सबसे महत्वपूर्ण थी, लेकिन उनके पिता ने अपने बेटे की रुचि का समर्थन नहीं किया और पारिवारिक व्यवसाय छोड़ने का विरोध किया। आधे रास्ते में मिलने के लिए परिवार की पूरी गलतफहमी और अनिच्छा ने इस तथ्य को जन्म दिया कि पूरी तरह से हताश युवक वेनेजुएला (1853) भाग गया। इस अधिनियम ने अभी भी अडिग माता-पिता को प्रभावित किया, और उन्होंने अपने बेटे को पेंटिंग का अध्ययन करने के लिए पेरिस जाने की अनुमति दी।

पेरिस में, पिसारो ने सुइस के स्टूडियो में प्रवेश किया, जहां उन्होंने छह साल (1855 से 1861 तक) का अध्ययन किया। 1855 में पेंटिंग की विश्व प्रदर्शनी में, भविष्य के कलाकार ने J. O. D. Ingres, G. Courbet की खोज की, लेकिन C. Corot के कार्यों ने उन पर सबसे बड़ी छाप छोड़ी। उत्तरार्द्ध की सलाह पर, सुइस के स्टूडियो का दौरा जारी रखते हुए, युवा चित्रकार ने ए मेलबी के स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में प्रवेश किया। इस समय, उनकी मुलाकात सी. मोनेट से हुई, जिनके साथ उन्होंने पेरिस के बाहरी इलाके के परिदृश्य को चित्रित किया।

1859 में, पिसारो ने पहली बार सैलून में अपने चित्रों का प्रदर्शन किया। उनकी प्रारंभिक रचनाएँ सी. कोरोट और जी. कौरबेट के प्रभाव में लिखी गईं, लेकिन धीरे-धीरे पिस्सारो अपनी शैली विकसित करने के लिए आते हैं। एक नौसिखिया चित्रकार खुली हवा में काम करने के लिए बहुत समय देता है। वह, अन्य प्रभाववादियों की तरह, गति में प्रकृति के जीवन में रुचि रखता है। पिसारो रंग पर बहुत ध्यान देता है, जो न केवल रूप, बल्कि वस्तु के भौतिक सार को भी व्यक्त कर सकता है। प्रकृति के अद्वितीय आकर्षण और सुंदरता को प्रकट करने के लिए, वह शुद्ध रंगों के हल्के स्ट्रोक का उपयोग करता है, जो एक दूसरे के साथ बातचीत करते हुए, एक कंपन टोनल रेंज बनाते हैं। क्रॉस-आकार, समानांतर और विकर्ण रेखाओं में खींचे गए, वे पूरी छवि को गहराई और लयबद्ध ध्वनि ("द सीन एट मार्ली", 1871) का एक अद्भुत अर्थ देते हैं।

पेंटिंग से पिसारो को बहुत सारा पैसा नहीं मिलता है, और वह मुश्किल से ही गुजारा करता है। निराशा के क्षणों में, कलाकार हमेशा के लिए कला से अलग होने का प्रयास करता है, लेकिन जल्द ही फिर से रचनात्मकता में लौट आता है।

फ्रेंको-प्रुशियन युद्ध के दौरान, पिस्सारो लंदन में रहता है। सी. मोनेट के साथ, उन्होंने जीवन से लंदन के परिदृश्य को चित्रित किया। उस समय लौवेसिएन्स में कलाकार के घर को प्रशिया के आक्रमणकारियों ने लूट लिया था। घर में बनी अधिकांश पेंटिंग नष्ट हो गईं। सैनिकों ने बारिश के दौरान अपने पैरों के नीचे यार्ड में कैनवास फैला दिया।

पेरिस लौटने पर, पिसारो अभी भी वित्तीय कठिनाइयों का सामना कर रहा है। गणतंत्र जो बदलने आया था
साम्राज्य, फ्रांस में लगभग कुछ भी नहीं बदला। कम्यून से जुड़ी घटनाओं के बाद गरीब, पूंजीपति वर्ग, पेंटिंग नहीं खरीद सकता। इस समय, पिसारो अपने संरक्षण में लेता है युवा कलाकारपी. सीज़ेन। साथ में वे पोंटोइस में काम करते हैं, जहां पिसारो पोंटोइस के परिवेश को दर्शाते हुए कैनवस बनाता है, जहां कलाकार 1884 तक रहता था ("ओइस इन पोंटोइस", 1873); शांत गाँव, दूर तक फैली सड़कें ("बर्फ के नीचे गिसर्स से पोंटोइस तक की सड़क", 1873; "रेड रूफ्स", 1877; "लैंडस्केप इन पोंटोइज़", 1877)।

पिस्सारो ने 1874 से 1886 तक आयोजित प्रभाववादियों की सभी आठ प्रदर्शनियों में सक्रिय भाग लिया। एक शैक्षणिक प्रतिभा रखने के साथ, चित्रकार लगभग सभी नौसिखिए कलाकारों के साथ एक आम भाषा ढूंढ सकता था और सलाह के साथ उनकी मदद करता था। समकालीनों ने उसके बारे में कहा कि "वह पत्थरों को खींचना भी सिखा सकता है।" गुरु की प्रतिभा इतनी महान थी कि वह रंगों के सूक्ष्मतम रंगों में भी भेद कर सकते थे जहाँ दूसरों को केवल ग्रे, भूरा और हरा दिखाई देता था।

पिस्सारो के काम में एक विशेष स्थान पर शहर को समर्पित कैनवस का कब्जा है, जो एक जीवित जीव के रूप में दिखाया गया है, जो प्रकाश और मौसम के आधार पर लगातार बदलता रहता है। कलाकार के पास बहुत कुछ देखने और दूसरों को नोटिस नहीं करने की अद्भुत क्षमता थी। इसलिए, उदाहरण के लिए, एक ही खिड़की से बाहर देखते हुए, उन्होंने मोंटमार्ट्रे ("मॉन्टमार्ट्रे बुलेवार्ड इन पेरिस", 1897) को चित्रित करते हुए 30 रचनाएँ लिखीं। गुरु को पेरिस से बहुत प्यार था, इसलिए उन्होंने अधिकांश पेंटिंग उन्हें समर्पित कर दीं। कलाकार अपने कामों में उस अनोखे जादू को व्यक्त करने में कामयाब रहे जिसने पेरिस को दुनिया के सबसे महान शहरों में से एक बना दिया। काम के लिए, चित्रकार ने सेंट-लज़ारे स्ट्रीट, ग्रैंड्स बुलेवार्ड्स, आदि पर कमरे किराए पर लिए। उन्होंने अपने कैनवस में जो कुछ भी देखा वह सब कुछ स्थानांतरित कर दिया ("सुबह में इतालवी बुलेवार्ड, सूरज से प्रकाशित", 1897; "पेरिस में फ्रेंच थिएटर का स्थान" , वसंत", 1898; "पेरिस में ओपेरा मार्ग)।

उनके शहरी परिदृश्य में ऐसे काम हैं जो अन्य शहरों को दर्शाते हैं। तो, 1890 के दशक में। मास्टर लंबे समय तक डाइपे में रहे, फिर रूएन में। फ्रांस के विभिन्न हिस्सों को समर्पित चित्रों में, उन्होंने प्राचीन चौकों की सुंदरता, गलियों और प्राचीन इमारतों की कविता का खुलासा किया, जिसमें से बीते युगों की भावना सांस लेती है ("रूएन में महान पुल", 1896; "रूएन में बोल्डियू ब्रिज" सनसेट पर", 1896; " रूएन का दृश्य", 1898; "द चर्च ऑफ सेंट-जैक्स इन डाइप", 1901)।

हालांकि पिस्सारो के परिदृश्य चमकीले रंगीन नहीं हैं, उनकी सचित्र बनावट विभिन्न रंगों में असामान्य रूप से समृद्ध है: उदाहरण के लिए, एक कोबलस्टोन फुटपाथ का ग्रे टोन शुद्ध गुलाबी, नीला, नीला, सुनहरा गेरू, अंग्रेजी लाल, आदि के स्ट्रोक से बनता है। नतीजतन, ग्रे मोती की माँ लगता है, झिलमिलाता है और चमकता है, जिससे पेंटिंग रत्नों की तरह दिखती है।

पिसारो ने न केवल परिदृश्य बनाए। उनके काम में हैं शैली पेंटिंगजिसमें एक व्यक्ति में रुचि सन्निहित थी।

सबसे महत्वपूर्ण में, यह "कॉफी विद मिल्क" (1881), "गर्ल विद ए ब्रांच" (1881), "वुमन विद ए चाइल्ड एट द वेल" (1882), "मार्केट: ए मीट ट्रेडर" (1883) पर ध्यान देने योग्य है। ) इन कार्यों पर काम करते हुए, चित्रकार ने स्ट्रोक को सुव्यवस्थित करने और रचनाओं में स्मारकीय तत्वों को पेश करने की मांग की।

1880 के दशक के मध्य में, पहले से ही एक परिपक्व कलाकार, पिसारो, सेरात और साइनैक के प्रभाव में, विभाजनवाद में रुचि रखने लगे और छोटे रंगीन डॉट्स के साथ पेंट करना शुरू कर दिया। इस प्रकार, उनका "लैक्रोइक्स द्वीप, रूएन" के रूप में इस तरह का एक काम। कोहरा" (1888)। हालांकि, शौक लंबे समय तक नहीं चला, और जल्द ही (1890) मास्टर अपनी पूर्व शैली में लौट आए।

पेंटिंग के अलावा, पिसारो ने पानी के रंग में काम किया, नक़्क़ाशी, लिथोग्राफ और चित्र बनाए।
1903 में पेरिस में कलाकार की मृत्यु हो गई।

प्रभाववाद एक कला आंदोलन है जो 70 के दशक में उभरा। फ्रांसीसी चित्रकला में XIX सदी, और फिर संगीत, साहित्य, रंगमंच में प्रकट हुई।

1874 की प्रसिद्ध प्रदर्शनी से बहुत पहले चित्रकला में प्रभाववाद आकार लेना शुरू कर दिया था। एडौर्ड मानेट को पारंपरिक रूप से प्रभाववादियों का संस्थापक माना जाता है। वह टिटियन, रेम्ब्रांट, रूबेन्स, वेलाज़क्वेज़ के शास्त्रीय कार्यों से बहुत प्रेरित थे। मानेट ने अपने कैनवस पर छवियों के बारे में अपनी दृष्टि व्यक्त की, जिसमें "कंपन" स्ट्रोक शामिल थे जो अपूर्णता का प्रभाव पैदा करते थे। 1863 में, मानेट ने "ओलंपिया" बनाया, जिससे सांस्कृतिक समुदाय में एक बड़ा घोटाला हुआ।

पहली नज़र में, चित्र पारंपरिक तोपों के अनुरूप बनाया गया है, लेकिन साथ ही इसने पहले से ही नवीन प्रवृत्तियों को अपनाया है। विभिन्न पेरिस प्रकाशनों में ओलंपिया के बारे में लगभग 87 समीक्षाएँ लिखी गईं। उस पर बहुत सारी नकारात्मक आलोचनाएँ हुईं - कलाकार पर अश्लीलता का आरोप लगाया गया। और कुछ ही लेखों को परोपकारी कहा जा सकता है।

मानेट ने अपने काम में पेंट की एक परत को ओवरले करने की तकनीक का इस्तेमाल किया, जिससे धब्बों का प्रभाव पैदा हुआ। इसके बाद, पेंटिंग पर छवियों के आधार के रूप में प्रभाववादी कलाकारों द्वारा पेंट को ओवरले करने की इस पद्धति को अपनाया गया।

प्रभाववाद की एक विशिष्ट विशेषता क्षणभंगुर छापों का सूक्ष्मतम निर्धारण था, शुद्ध रंगों के जटिल मोज़ेक, सरसरी सजावटी स्ट्रोक की मदद से प्रकाश वातावरण को पुन: उत्पन्न करने के एक विशेष तरीके से।

यह उत्सुक है कि अपनी खोज की शुरुआत में, कलाकारों ने एक साइनोमीटर का उपयोग किया - आकाश के नीलेपन को निर्धारित करने के लिए एक उपकरण। काले रंग को पैलेट से बाहर रखा गया था, इसे अन्य रंगों के रंगों से बदल दिया गया था, जिससे चित्रों के धूप के मूड को खराब नहीं करना संभव हो गया।

प्रभाववादियों ने अपने समय की नवीनतम वैज्ञानिक खोजों पर ध्यान केंद्रित किया। शेवरेल और हेल्महोल्ट्ज़ का रंग सिद्धांत निम्नलिखित तक उबलता है: एक सनबीम को उसके घटक रंगों में विभाजित किया जाता है, और, तदनुसार, कैनवास पर रखे गए दो पेंट सचित्र प्रभाव को बढ़ाते हैं, और जब पेंट मिश्रित होते हैं, तो वे अपनी तीव्रता खो देते हैं।

प्रभाववाद के सौंदर्यशास्त्र ने आंशिक रूप से कला में क्लासिकवाद के सम्मेलनों से निर्णायक रूप से मुक्त करने के प्रयास के रूप में आकार लिया, साथ ही साथ देर से रोमांटिक पेंटिंग की लगातार प्रतीकात्मकता और विचारशीलता से, जिसने सभी को एन्क्रिप्टेड विचारों को देखने के लिए आमंत्रित किया, जिन्हें सावधानीपूर्वक व्याख्या की आवश्यकता थी . प्रभाववाद ने न केवल रोजमर्रा की वास्तविकता की सुंदरता का दावा किया, बल्कि एक रंगीन वातावरण का निर्धारण, बिना विवरण या व्याख्या के, दुनिया को एक सतत बदलती ऑप्टिकल घटना के रूप में चित्रित किया।

प्रभाववादी कलाकारों ने एक पूर्ण वायु प्रणाली विकसित की। इसके अग्रदूत शैलीगत विशेषताएंपरिदृश्य चित्रकार थे जो बारबिजोन स्कूल से आए थे, जिनमें से मुख्य प्रतिनिधि केमिली कोरोट और जॉन कॉन्स्टेबल थे।

खुली जगह में काम करने से दिन के अलग-अलग समय में थोड़े से रंग परिवर्तन को पकड़ने का अधिक अवसर मिलता है।

क्लाउड मोनेट ने एक ही विषय पर चित्रों की कई श्रृंखलाएँ बनाईं, उदाहरण के लिए, रूएन कैथेड्रल (50 चित्रों की एक श्रृंखला), हेस्टैक्स (15 चित्रों की एक श्रृंखला), पानी के लिली के साथ तालाब, आदि। इन श्रृंखलाओं का मुख्य संकेतक एक था दिन के अलग-अलग समय पर लिखे गए एक ही वस्तु की छवि में प्रकाश और रंगों में परिवर्तन।

प्रभाववाद की एक और उपलब्धि एक मूल पेंटिंग प्रणाली का विकास है, जहां जटिल स्वर अलग-अलग स्ट्रोक द्वारा प्रेषित शुद्ध रंगों में विघटित हो जाते हैं। कलाकारों ने पैलेट पर रंगों का मिश्रण नहीं किया, लेकिन सीधे कैनवास पर स्ट्रोक लागू करना पसंद किया। इस तकनीक ने चित्रों को एक विशेष घबराहट, परिवर्तनशीलता और राहत प्रदान की। कलाकारों के काम रंग और रोशनी से भरे हुए थे।

15 अप्रैल, 1874 को पेरिस में प्रदर्शनी एक नई प्रवृत्ति के आम जनता के गठन और प्रस्तुति की अवधि का परिणाम थी। प्रदर्शनी को बुलेवार्ड डेस कैपुसीन पर फोटोग्राफर फेलिक्स नादर के स्टूडियो में तैनात किया गया था।

प्रदर्शनी के बाद "इंप्रेशनिज़्म" नाम आया, जिसमें मोनेट की पेंटिंग "इंप्रेशन" थी। सूर्योदय"। आलोचक एल. लेरॉय ने शैवरी में अपनी समीक्षा में मोनेट के काम का उदाहरण देते हुए 1874 की प्रदर्शनी का एक मज़ेदार विवरण दिया। एक अन्य आलोचक, मौरिस डेनिस ने प्रभाववादियों को उनके व्यक्तित्व, भावना और कविता की कमी के लिए फटकार लगाई।

पहली प्रदर्शनी में लगभग 30 कलाकारों ने अपने काम दिखाए। 1886 तक बाद की प्रदर्शनियों की तुलना में यह सबसे बड़ी संख्या थी।

रूसी समाज से सकारात्मक प्रतिक्रिया के बारे में नहीं कहना असंभव है। रूसी कलाकार और लोकतांत्रिक आलोचक, हमेशा फ्रांस के कलात्मक जीवन में गहरी रुचि रखते हैं - आई। वी। क्राम्स्कोय, आई। ई। रेपिन और वी। वी। स्टासोव - ने पहली प्रदर्शनी से प्रभाववादियों की उपलब्धियों की बहुत सराहना की।

कला के इतिहास में नया चरण, जो 1874 की प्रदर्शनी के साथ शुरू हुआ, क्रांतिकारी प्रवृत्तियों का अचानक विस्फोट नहीं था - यह एक धीमी और लगातार विकास की परिणति थी।

इस तथ्य के बावजूद कि अतीत के सभी महान आचार्यों ने प्रभाववाद के सिद्धांतों के विकास में योगदान दिया है, वर्तमान की तात्कालिक जड़ें ऐतिहासिक प्रदर्शनी से पहले के बीस वर्षों में सबसे आसानी से पाई जा सकती हैं।

सैलून में प्रदर्शनियों के समानांतर, प्रभाववादियों की प्रदर्शनियाँ गति पकड़ रही थीं। उनके कार्यों ने चित्रकला में नई प्रवृत्तियों का प्रदर्शन किया। यह सैलून संस्कृति और प्रदर्शनी परंपराओं का तिरस्कार था। भविष्य में, प्रभाववादी कलाकार कला में नए रुझानों के प्रशंसकों को अपनी ओर आकर्षित करने में कामयाब रहे।

सैद्धांतिक ज्ञान और प्रभाववाद के सूत्र काफी देर से आकार लेने लगे। कलाकारों ने अधिक अभ्यास और प्रकाश और रंग के साथ अपने स्वयं के प्रयोगों को प्राथमिकता दी। प्रभाववाद, मुख्य रूप से सचित्र, यथार्थवाद की विरासत का पता लगाता है, यह स्पष्ट रूप से उस समय की आसपास की वास्तविकता की छवि की स्थापना विरोधी, विरोधी-सैलून अभिविन्यास और स्थापना को व्यक्त करता है। कुछ शोधकर्ता ध्यान दें कि प्रभाववाद यथार्थवाद की एक विशेष शाखा बन गया है।

निस्संदेह, प्रभाववादी कला में, जैसा कि पुरानी परंपराओं के मोड़ और संकट की अवधि के दौरान उत्पन्न होने वाले हर कलात्मक आंदोलन में, विभिन्न और यहां तक ​​​​कि विरोधाभासी प्रवृत्तियों को, इसकी सभी बाहरी अखंडता के लिए, आपस में जोड़ा गया था।

कलात्मक अभिव्यक्ति के साधनों में प्रमुख विशेषताएं कलाकारों के कार्यों के विषयों में थीं। प्रभाववादियों के बारे में इरिना व्लादिमीरोवा की पुस्तक में कई अध्याय शामिल हैं: "लैंडस्केप, प्रकृति, छापें", "शहर, बैठकों और बिदाई के स्थान", "जीवन के एक तरीके के रूप में शौक", "लोग और पात्र", "चित्र और आत्म-चित्र" , "स्थिर वस्तु चित्रण"। यह निर्माण के इतिहास और प्रत्येक कार्य के स्थान का भी वर्णन करता है।

प्रभाववाद के उदय के दौरान, कलाकारों ने वस्तुनिष्ठ वास्तविकता और इसकी धारणा के बीच एक सामंजस्यपूर्ण संतुलन पाया। कलाकारों ने प्रकाश की हर किरण, हवा की गति, प्रकृति की परिवर्तनशीलता को पकड़ने की कोशिश की। चित्रों की ताजगी को बनाए रखने के लिए, प्रभाववादियों ने एक मूल सचित्र प्रणाली बनाई, जो बाद में भविष्य में कला के विकास के लिए बहुत महत्वपूर्ण साबित हुई। चित्रकला में सामान्य प्रवृत्तियों के बावजूद, प्रत्येक कलाकार ने अपना रचनात्मक पथ और चित्रकला में मुख्य शैलियों को पाया है।

शास्त्रीय प्रभाववाद का प्रतिनिधित्व एडौर्ड मानेट, क्लाउड मोनेट, पियरे अगस्टे रेनॉयर, एडगर अल्फ्रेड सिसली, केमिली पिसारो, जीन फ्रेडरिक बेसिल, बर्थे मोरिसोट, एडगर डेगास जैसे कलाकारों द्वारा किया जाता है।

प्रभाववाद के निर्माण में कुछ कलाकारों के योगदान पर विचार करें।

एडौर्ड मानेट (1832-1883)

मानेट ने अपना पहला पेंटिंग सबक टी। कॉउचर से प्राप्त किया, जिसकी बदौलत भविष्य के कलाकार ने बहुत सारे आवश्यक पेशेवर कौशल हासिल किए। शिक्षक द्वारा अपने छात्रों पर उचित ध्यान न देने के कारण, मानेट मास्टर के भवन को छोड़ देता है और स्व-शिक्षा में संलग्न हो जाता है। वह संग्रहालयों में प्रदर्शनियों का दौरा करते हैं, उनका रचनात्मक गठन पुराने उस्तादों, विशेष रूप से स्पेनिश लोगों से बहुत प्रभावित था।

1860 के दशक में, मानेट ने दो रचनाएँ लिखीं जो उनकी कलात्मक शैली के मूल सिद्धांतों को दर्शाती हैं। वालेंसिया से लोला (1862) और द फ्लूटिस्ट (1866) ने मानेट को एक कलाकार के रूप में दिखाया जो रंग के प्रतिपादन के माध्यम से मॉडल के चरित्र को प्रकट करता है।

ब्रशस्ट्रोक तकनीक और रंग के प्रति दृष्टिकोण पर उनके विचारों को अन्य प्रभाववादी चित्रकारों ने अपनाया। 1870 के दशक में, मानेट अपने अनुयायियों के करीब हो गए और पैलेट पर काले रंग के बिना पूरी तरह से काम किया। प्रभाववाद का आगमन स्वयं मानेट के रचनात्मक विकास का परिणाम था। मानेट की सबसे प्रभावशाली पेंटिंग इन ए बोट (1874) और क्लाउड मोनेट इन ए बोट (1874) हैं।

मानेट ने विभिन्न धर्मनिरपेक्ष महिलाओं, अभिनेत्रियों, मॉडलों, खूबसूरत महिलाओं के कई चित्रों को भी चित्रित किया। प्रत्येक चित्र में, मॉडल की विशिष्टता और व्यक्तित्व से अवगत कराया गया था।

अपनी मृत्यु से कुछ समय पहले, मानेट ने अपनी उत्कृष्ट कृतियों में से एक - "बार फोलीज़-बर्गेरे" (1881-1882) लिखी। यह चित्र एक साथ कई शैलियों को जोड़ता है: चित्र, स्थिर जीवन, घरेलू दृश्य।

एन। एन। कलितिना लिखते हैं: "मानेट की कला का जादू ऐसा है कि लड़की पर्यावरण का विरोध करती है, जिसकी बदौलत उसका मूड इतना स्पष्ट रूप से प्रकट होता है, और एक ही समय में एक हिस्सा है, क्योंकि पूरी पृष्ठभूमि, अस्पष्ट रूप से अनुमानित, अनिश्चित, उत्तेजित, नीले-काले, नीले-सफेद, पीले टन में भी हल किया गया है।

क्लाउड मोनेट (1840-1926)

क्लाउड मोनेट निर्विवाद नेता और शास्त्रीय प्रभाववाद के संस्थापक थे। उनकी पेंटिंग की मुख्य शैली परिदृश्य थी।

अपनी युवावस्था में, मोनेट को कैरिकेचर और कैरिकेचर का शौक था। उनके काम के पहले मॉडल उनके शिक्षक, साथी थे। एक नमूने के लिए उन्होंने अखबारों और पत्रिकाओं में कार्टून का इस्तेमाल किया। उन्होंने गोलोइस में एक कवि और व्यंग्यकार, गुस्ताव कूब्रेट के मित्र ई. करज़ द्वारा चित्रों की नकल की।

कॉलेज में, मोनेट को जैक्स-फ्रेंकोइस हॉचर्ड द्वारा पढ़ाया जाता था। लेकिन बौडिन के मोनेट पर प्रभाव को नोट करना उचित है, जिन्होंने कलाकार का समर्थन किया, उन्हें सलाह दी, उन्हें अपना काम जारी रखने के लिए प्रेरित किया।

नवंबर 1862 में पेरिस में मोनेट ने ग्लेयर के साथ पेरिस में अपनी पढ़ाई जारी रखी। इसके लिए धन्यवाद, मोनेट ने अपने स्टूडियो में बेसिल, रेनॉयर, सिसली से मुलाकात की। युवा कलाकार अपने शिक्षक का सम्मान करते हुए स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में प्रवेश की तैयारी कर रहे थे, जिन्होंने अपने पाठ के लिए बहुत कम लिया और नरम सलाह दी।

मोनेट ने अपने चित्रों को एक कहानी के रूप में नहीं बनाया, न कि किसी विचार या विषय के चित्रण के रूप में। उनकी पेंटिंग, जीवन की तरह, स्पष्ट लक्ष्य नहीं थे। उन्होंने विवरण पर ध्यान केंद्रित किए बिना दुनिया को देखा, कुछ सिद्धांतों पर, वे "लैंडस्केप विजन" (कला इतिहासकार ए। ए। फेडोरोव-डेविडोव का शब्द) पर गए। मोनेट ने प्लॉटलेसनेस के लिए प्रयास किया, कैनवास पर शैलियों का एक संलयन। उनके नवाचारों को लागू करने के साधन रेखाचित्र थे, जिन्हें तैयार चित्र बनना था। सभी रेखाचित्र प्रकृति से लिए गए हैं।

उन्होंने घास के मैदानों, और पहाड़ियों, और फूलों, और चट्टानों, और बगीचों, और गाँव की सड़कों, और समुद्र, समुद्र तटों और बहुत कुछ को चित्रित किया, उन्होंने दिन के अलग-अलग समय में प्रकृति की छवि की ओर रुख किया। अक्सर उन्होंने एक ही स्थान को अलग-अलग समय पर चित्रित किया, इस प्रकार अपने कार्यों से पूरे चक्र का निर्माण किया। उनके काम का सिद्धांत चित्र में वस्तुओं की छवि नहीं था, बल्कि प्रकाश का सटीक संचरण था।

यहां कलाकार के कार्यों के कुछ उदाहरण दिए गए हैं - "अर्जेंटीना में पोपियों का क्षेत्र" (1873), "मेंढक" (1869), "पानी के लिली के साथ तालाब" (1899), "गेहूं के ढेर" (1891)।

पियरे अगस्टे रेनॉयर (1841-1919)

रेनॉयर धर्मनिरपेक्ष चित्रांकन के उत्कृष्ट उस्तादों में से एक हैं, इसके अलावा, उन्होंने परिदृश्य, घरेलू दृश्य, स्थिर जीवन की शैलियों में काम किया।

उनके काम की ख़ासियत किसी व्यक्ति के व्यक्तित्व, उसके चरित्र और आत्मा के प्रकटीकरण में रुचि है। अपने कैनवस में, रेनॉयर अस्तित्व की परिपूर्णता की भावना पर जोर देने की कोशिश करता है। कलाकार मनोरंजन और छुट्टियों से आकर्षित होता है, वह गेंदों को पेंट करता है, उनके आंदोलन और विभिन्न पात्रों के साथ चलता है, नृत्य करता है।

अधिकांश उल्लेखनीय कार्यकलाकार - "अभिनेत्री जीन समरी का चित्र", "छाता", "सीन में स्नान", आदि।

यह दिलचस्प है कि रेनॉयर को उनकी संगीतमयता से प्रतिष्ठित किया गया था और एक बच्चे के रूप में उन्होंने सेंट-यूस्टाचे के कैथेड्रल में पेरिस में उत्कृष्ट संगीतकार और शिक्षक चार्ल्स गुनोद के मार्गदर्शन में चर्च गाना बजानेवालों में गाया था। सी. गुनोद ने दृढ़ता से सिफारिश की कि लड़का संगीत का अध्ययन करे। लेकिन साथ ही, रेनॉयर ने अपनी कलात्मक प्रतिभा की खोज की - 13 साल की उम्र से उन्होंने पहले से ही चीनी मिट्टी के बरतन व्यंजन बनाना सीख लिया।

संगीत के पाठों ने कलाकार के व्यक्तित्व के निर्माण को प्रभावित किया। उनकी कई रचनाएँ संगीत विषयों से संबंधित हैं। वे पियानो, गिटार, मैंडोलिन बजाते हुए दिखाई देते थे। ये पेंटिंग "गिटार लेसन", "यंग स्पैनिश वुमन विद गिटार", "यंग लेडी एट द पियानो", "वुमन प्लेइंग द गिटार", "पियानो लेसन", आदि हैं।

जीन फ्रेडरिक बेसिल (1841-1870)

उनके कलाकार मित्रों के अनुसार, तुलसी सबसे होनहार और उत्कृष्ट प्रभाववादी थे।

उनके काम चमकीले रंगों और छवियों की आध्यात्मिकता से प्रतिष्ठित हैं। पियरे-अगस्टे रेनॉयर, अल्फ्रेड सिसली और क्लाउड मोनेट का उनके रचनात्मक पथ पर बहुत प्रभाव था। नौसिखिए चित्रकारों के लिए जीन फ्रेडरिक का अपार्टमेंट एक तरह का स्टूडियो और आवास था।

तुलसी ज्यादातर एन प्लेन एयर चित्रित। उनके काम का मुख्य विचार प्रकृति की पृष्ठभूमि के खिलाफ मनुष्य की छवि थी। चित्रों में उनके पहले नायक उनके कलाकार मित्र थे; कई प्रभाववादियों को अपने कामों में एक दूसरे को चित्रित करने का बहुत शौक था।

फ़्रेडरिक बाज़िल ने अपने काम में यथार्थवादी प्रभाववाद के पाठ्यक्रम को चिह्नित किया। उनकी सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग, फैमिली रीयूनियन (1867), आत्मकथात्मक है। कलाकार इस पर अपने परिवार के सदस्यों को चित्रित करता है। यह काम सैलून में प्रस्तुत किया गया था और जनता का अनुमोदन मूल्यांकन प्राप्त हुआ था।

1870 में, प्रशिया-फ्रांसीसी युद्ध में कलाकार की मृत्यु हो गई। कलाकार की मृत्यु के बाद, उनके कलाकार मित्रों ने प्रभाववादियों की तीसरी प्रदर्शनी का आयोजन किया, जहाँ उनके कैनवस भी प्रदर्शित किए गए।

केमिली पिसारो (1830-1903)

सी मोनेट के बाद केमिली पिसारो लैंडस्केप चित्रकारों के सबसे बड़े प्रतिनिधियों में से एक है। उनके काम को लगातार प्रभाववादियों की प्रदर्शनी में प्रदर्शित किया गया था। अपने कार्यों में, पिसारो ने जोताए गए खेतों को चित्रित करना पसंद किया, किसान जीवनऔर श्रम। उनके चित्रों को रूपों की संरचना और रचना की स्पष्टता से प्रतिष्ठित किया गया था।

बाद में, कलाकार ने शहरी विषयों पर पेंटिंग और पेंटिंग करना शुरू किया। एन. एन. कलितिना ने अपनी पुस्तक में लिखा है: "वह शहर की सड़कों को ऊपरी मंजिलों की खिड़कियों से या बालकनियों से देखता है, उन्हें रचनाओं में पेश किए बिना।"

जॉर्जेस-पियरे सेराट के प्रभाव में, कलाकार ने बिंदुवाद को अपनाया। इस तकनीक में प्रत्येक स्ट्रोक को अलग से लगाना शामिल है, जैसे कि डॉट्स लगाना। लेकिन इस क्षेत्र में रचनात्मक संभावनाओं का एहसास नहीं हुआ और पिसारो प्रभाववाद में लौट आया।

पिसारो की सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे हैं। दोपहर, धूप", "पेरिस में ओपेरा मार्ग", "पेरिस में फ्रांसीसी थिएटर का स्थान", "पोंटोइज़ में उद्यान", "हार्वेस्ट", "हेमेकिंग", आदि।

अल्फ्रेड सिसली (1839-1899)

अल्फ्रेड सिसली की पेंटिंग की मुख्य शैली परिदृश्य थी। उनके प्रारंभिक कार्यों में मुख्य रूप से के. कोरोट का प्रभाव देखा जा सकता है। धीरे-धीरे सी. मोनेट, जे.एफ. बेसिल, पी.ओ. रेनॉयर के साथ संयुक्त कार्य की प्रक्रिया में उनके कार्यों में हल्के रंग दिखाई देने लगते हैं।

कलाकार प्रकाश के खेल, वातावरण की स्थिति में परिवर्तन से आकर्षित होता है। सिसली ने एक ही परिदृश्य को कई बार संबोधित किया, दिन के अलग-अलग समय पर इसे कैप्चर किया। अपने कामों में, कलाकार ने पानी और आकाश की छवि को प्राथमिकता दी, जो हर पल बदल गया। कलाकार रंग की मदद से पूर्णता प्राप्त करने में कामयाब रहा, उसके कार्यों में प्रत्येक छाया एक प्रकार का प्रतीकवाद करती है।

उनकी सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ: "कंट्री एले" (1864), "फ्रॉस्ट इन लौवेसिएन्स" (1873), "व्यू ऑफ़ मोंटमार्ट्रे फ्रॉम द फ्लावर आइलैंड" (1869), "अर्ली स्नो इन लौवेसिएन्स" (1872), "द ब्रिज" अर्जेंटीना में" (1872)।

एडगर डेगास (1834-1917)

एडगर डेगास एक कलाकार हैं जिन्होंने स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में अध्ययन करके अपने रचनात्मक करियर की शुरुआत की। वह इतालवी पुनर्जागरण के कलाकारों से प्रेरित थे, जिसने उनके काम को सामान्य रूप से प्रभावित किया। शुरुआत में, देगास ने ऐतिहासिक चित्रों को चित्रित किया, उदाहरण के लिए, "स्पार्टन लड़कियां स्पार्टन युवाओं को एक प्रतियोगिता के लिए चुनौती देती हैं। (1860)। उनकी पेंटिंग की मुख्य शैली एक चित्र है। अपने कार्यों में, कलाकार शास्त्रीय परंपराओं पर निर्भर करता है। वह अपने समय की गहरी समझ से चिह्नित कार्यों का निर्माण करता है।

अपने सहयोगियों के विपरीत, डेगास जीवन और प्रभाववाद में निहित चीजों पर हर्षित, खुले दृष्टिकोण को साझा नहीं करता है। कलाकार कला की महत्वपूर्ण परंपरा के करीब है: आम आदमी के भाग्य के लिए करुणा, लोगों की आत्माओं को देखने की क्षमता, उनकी आंतरिक दुनिया, असंगति, त्रासदी।

डेगास के लिए, एक व्यक्ति के आस-पास की वस्तुएं और इंटीरियर एक चित्र बनाने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं। उदाहरण के तौर पर यहां कुछ रचनाएं दी गई हैं: "ऑर्केस्ट्रा के साथ देसीरी डियो" (1868-1869), "पोर्ट्रेट ऑफ ए वूमन" (1868), "द मोरबिली कपल" (1867), आदि।

डेगास के कार्यों में चित्रांकन के सिद्धांत का उनके पूरे करियर में पता लगाया जा सकता है। 1870 के दशक में, कलाकार फ्रांस के समाज, विशेष रूप से पेरिस, को अपने कार्यों में पूरी महिमा में दर्शाता है। कलाकार के हित में - गति में शहरी जीवन। "आंदोलन उनके लिए जीवन की सबसे महत्वपूर्ण अभिव्यक्तियों में से एक था, और इसे व्यक्त करने की कला की क्षमता सबसे महत्वपूर्ण विजय थी। आधुनिक पेंटिंग”, - एन.एन. लिखते हैं। कलितिना।

इस अवधि के दौरान, "स्टार" (1878), "मिस लोला एट फर्नांडो सर्कस", "एप्सॉम रेस" और अन्य जैसी पेंटिंग बनाई गईं।

डेगस की रचनात्मकता का एक नया दौर बैले में उनकी रुचि है। वो दिखाता है मंच के पीछे जीवनबैलेरिना, उनके बारे में बात करते हैं कठोर परिश्रमऔर कठिन प्रशिक्षण। लेकिन, इसके बावजूद, कलाकार अपनी छवियों के हस्तांतरण में हवा और हल्कापन खोजने का प्रबंधन करता है।

डेगस द्वारा चित्रों की बैले श्रृंखला में, फुटलाइट से कृत्रिम प्रकाश को प्रसारित करने के क्षेत्र में उपलब्धियां दिखाई देती हैं, वे कलाकार की रंगीन प्रतिभा की बात करते हैं। अधिकांश प्रसिद्ध चित्रकारी"ब्लू डांसर्स" (1897), "डांस क्लास" (1874), "डांसर विद अ बुके" (1877), "डांसर्स इन पिंक" (1885) और अन्य।

अपने जीवन के अंत में, उनकी दृष्टि में गिरावट के कारण, देगास मूर्तिकला में अपना हाथ आजमाता है। वही बैलेरीना, महिलाएं, घोड़े उसकी वस्तु बन जाते हैं। मूर्तिकला में, देगास आंदोलन को व्यक्त करने की कोशिश करता है, और मूर्तिकला की सराहना करने के लिए, आपको इसे विभिन्न कोणों से विचार करने की आवश्यकता है।