با این مقاله، مجموعه ای از مقالات را در مورد تاریخ هنرهای زیبای ژاپن آغاز می کنم. این پست ها عمدتاً بر روی نقاشی از دوره هیان تمرکز دارند و این مقاله مقدمه ای است و پیشرفت هنر را تا قرن هشتم توصیف می کند.

دوره جومون
فرهنگ ژاپنی ریشه های بسیار باستانی دارد - قدیمی ترین یافته ها به هزاره 10 قبل از میلاد باز می گردد. ه. اما رسما آغاز دوره جومون را 4500 سال قبل از میلاد می دانند. ه. در مورد این دوره nekokit پست خیلی خوبی نوشت
منحصر به فرد بودن سفال جومون این است که معمولاً ظاهر سفال همراه با پیشرفت است کشاورزینشان دهنده آغاز دوره نوسنگی است. با این حال، حتی در دوران میان سنگی، چندین هزار سال قبل از ظهور کشاورزی، شکارچیان جومون سفال هایی با شکل نسبتاً پیچیده ایجاد کردند.

با وجود ظهور بسیار اولیه سفال، مردم عصر جومون تکنولوژی را بسیار کند توسعه دادند و در سطح عصر حجر باقی ماندند.

در دوره جومون میانه (2500-1500 قبل از میلاد)، مجسمه های سرامیکی ظاهر شدند. اما در هر دو دوره میانه و متأخر (1000-300 قبل از میلاد) آنها انتزاعی و به شدت سبک شده باقی می مانند.

از Ebisuda، Tajiri-cho، Miyagi.H. 36.0.
دوره جومون، 1000-400 B.C.
موزه ملی توکیو

به هر حال، یوفولوژیست ها معتقدند که اینها تصاویری از موجودات فضایی هستند. در این مجسمه‌ها لباس‌های فضایی، عینک و ماسک‌های اکسیژن را روی صورت خود می‌بینند و تصاویر مارپیچ‌ها روی «لباس‌های فضایی» نقشه‌های کهکشان‌ها محسوب می‌شوند.

دوره یایویی
Yayoi دوره کوتاهی در تاریخ ژاپن است که از 300 قبل از میلاد تا 300 بعد از میلاد به طول انجامید و در طی آن شگرف ترین تغییرات فرهنگی در جامعه ژاپن رخ داد. در این دوره قبایلی که از سرزمین اصلی آمده و آواره شدند مردم بومیجزایر ژاپن فرهنگ و فن آوری های جدید مانند کشت برنج و فرآوری برنز را به ارمغان آوردند. باز هم بیشتر هنر و فناوری دوره یایویی از کره و چین وارد می شد.

دوره کوفون
بین 300 تا 500 سال، رهبران قبایل در تپه هایی به نام "کفون" دفن می شدند. این دوره به این نام خوانده می شود.

چیزهایی که ممکن است مردگان به آن نیاز داشته باشند در قبرها قرار داده شده است. اینها غذا، ابزار و سلاح، جواهرات، ظروف سفالی، آینه و جالب ترین آنها - مجسمه های گلی به نام "هنیوا" هستند.

از Kokai، Oizumi-machi، Gunma.H.68.5.
دوره کوفون، قرن ششم.
موزه ملی توکیو

هدف دقیق مجسمه ها ناشناخته باقی مانده است، اما آنها در تمام دفن های دوران کوفون یافت می شوند. از روی این مجسمه های کوچک می توان تصور کرد که مردم در آن زمان چگونه زندگی می کردند، زیرا مردم با ابزار و سلاح و گاهی در کنار خانه ها به تصویر کشیده می شوند.

این مجسمه ها، تحت تأثیر سنت های چینی، دارای عناصر مستقلی هستند که فقط در هنر محلی ذاتی هستند.

رقصنده زن، سلسله هان غربی (206 قبل از میلاد - 9 پس از میلاد)، قرن دوم قبل از میلاد.
چین
موزه هنر متروپولیتن، نیویورک

در دوره کوفون، مجسمه‌ها اصلاح‌تر و متفاوت‌تر می‌شوند. اینها تصاویر سربازان، شکارچیان، خوانندگان، رقصندگان و غیره هستند.

از Nohara، Konan-machi، Saitama. ارائه H. 64.2، 57.3.
دوره کوفون، قرن ششم.
موزه ملی توکیو

یکی دیگر از ویژگی های این مجسمه ها وجود دارد. هانیوا نه تنها یک کارکرد اجتماعی، بلکه حال و هوای شخصیت را نیز نشان می دهد. به عنوان مثال، یک جنگجو حالتی سخت در چهره دارد. و روی صورت دهقانان لبخندهای عظیمی می زد.

از Iizuka-cho، Ota-shi، Gunma.H. 130.5.
دوره کوفون، قرن ششم.
موزه ملی توکیو

دوره آسوکا
از دوره یایویی، هنر ژاپن از هنر کره ای یا چینی جدایی ناپذیر بوده است. این امر در قرن هفتم و هشتم، زمانی که هنر ژاپنی به سرعت در حال تبدیل شدن به انواع ژانرهای بصری بود، بیشتر قابل توجه است.

در قرن ششم، تغییرات اساسی در جامعه ژاپن رخ داد: سرانجام اولین ایالت ژاپنی یاماتو شکل گرفت و همچنین در سال 552 بودیسم به ژاپن آمد و مجسمه بودایی و مفهوم معبد را با خود آورد که باعث ظاهر شد. معابد در ژاپن - به عنوان شینتو، و همچنین بودایی.
زیارتگاه‌های شینتو از معماری انبارهای انبار پیروی می‌کردند (قدیمی‌ترین زیارتگاه‌های شینتو انبارهایی بودند که در آن جشن‌های برداشت محصول برگزار می‌شد. در اعیاد آیینی، مردم معتقد بودند که خدایان با آنها جشن می‌گیرند.)
خدایان شینتو در درجه اول نیروهای طبیعی هستند، بنابراین معماری این زیارتگاه ها با طبیعت مانند رودخانه ها و جنگل ها ادغام شده است. درک این مهم است. در معماری شینتو، سازه‌های ساخته شده توسط انسان به‌عنوان امتداد دنیای طبیعی در نظر گرفته شده‌اند.

اولین معبد بودایی، شیتننوجی، تنها در سال 593 در اوزاکا ساخته شد. این معابد اولیه تقلیدی از معابد بودایی کره ای بودند که از یک بتکده مرکزی تشکیل شده بود که توسط سه ساختمان و یک راهرو سرپوشیده احاطه شده بود.

گسترش بودیسم باعث ارتقای تماس بین ژاپن و کره با چین و ادغام شد فرهنگ چینیبه ژاپنی

موج بزرگ کاناگاوا اثر کاتسوشیکا هوکوسای (1760-1849) یکی از مشهورترین آثار چاپی و اولین ورق از سری سی و شش دیدگاه فوجی است. در اوایل دهه 1830، Katsushika Hokusai، به سفارش انتشارات Eijudo، شروع به ایجاد یک سری از 46 برگه (36 صفحه اصلی و 10 صفحه اضافی) کرد و The Great Wave off Kanagawa حکاکی بود که کل مجموعه را باز می کند.

چنین مجموعه هایی از حکاکی ها به عنوان نوعی "سفر مجازی" برای مردم شهر آن زمان عمل می کرد، راهی راحت و ارزان برای ارضای کنجکاوی. چاپ‌های فوجی‌مانند حدود 20 ماه قیمت دارند - تقریباً به اندازه یک نودل نودل در یک غذاخوری ژاپنی آن زمان. با این حال، موفقیت آنقدر زیاد بود که تا سال 1838 هزینه صفحات هوکوسای تقریباً به 50 ماه رسید و پس از مرگ استاد، Wave به تنهایی بیش از 1000 بار از روی تابلوهای جدید تجدید چاپ شد.

جای تعجب است که علیرغم مضمون بیان شده در کل مجموعه، فوجی در The Wave اینگونه بازی می کند نقش کم اهمیت. «شخصیت» اصلی در این حکاکی یک موج است و در پیش زمینه صحنه دراماتیک مبارزه مردی با عناصر آشکار می شود. لبه های تاج فوم مانند انگشتان پیچ خورده یک دیو خشمگین خارق العاده به نظر می رسد و بی چهره بودن و بی تحرکی چهره های انسانی در قایق ها هیچ شکی باقی نمی گذارد که چه کسی برنده این مبارزه خواهد بود. با این حال، این تضاد نیست که طرح حکاکی را ایجاد می کند.
هوکوسای با توقف لحظه‌ای که پس از آن قایق‌ها سقوط می‌کنند، به بیننده اجازه می‌دهد تا فوجی را برای لحظه‌ای در مقابل آسمان خاکستری ببیند و به سمت افق تاریک شود. اگرچه حکاکی های ژاپنی تا آن زمان با اصول پرسپکتیو خطی و هوایی اروپایی آشنا بودند، اما نیازی به این تکنیک احساس نمی کردند. پس زمینه تاریک و همچنین سفر طولانی چشم از پیش زمینه با قایق از طریق حرکت موج به فوجی، چشم را متقاعد می کند که کوه مقدس با وسعت دریا از ما جدا شده است.

فوجی به عنوان نمادی از ثبات و پایداری، برخلاف عناصر طوفانی، دور از ساحل بلند می شود. وحدت و وابستگی متقابل اضداد زیربنای ایده نظم کیهانی و هماهنگی مطلق در جهان بینی خاور دور است و آنها بودند که موضوع اصلیچاپ «موج بزرگ کاناگاوا»، که مجموعه‌ای از کاتسوشیکا هوکوسای را افتتاح می‌کند.

"زیبایی نانیوایا اوکیتا" نوشته کیتاگاوا اوتامارو، 1795-1796

کیتاگاوا اوتامارو (1753-1806) را به درستی می توان خواننده نامید زیبایی زندر چاپ ژاپنی ukiyo-e: او تعدادی تصویر متعارف از زیبایی های ژاپنی ایجاد کرد ( بیجینگا) - ساکنان چایخانه ها و محله تفریحی معروف یوشیوارا در پایتخت ژاپن، ادو. edo — نام توکیو قبل از سال 1868..

در حکاکی bijinga، همه چیز کاملاً آنطور که برای بیننده مدرن به نظر می رسد نیست. خانم‌های نجیب با لباس‌های غنی معمولاً به حرفه‌ای شرم‌آور مشغول بودند و به طبقه پایین‌تر تعلق داشتند و حکاکی‌هایی با پرتره‌های زیبایی‌ها یک کارکرد تبلیغاتی آشکار داشت. در عین حال، حکاکی تصوری از ظاهر دختر نداشت و اگرچه اوکیتا از چایخانه نانیوایا در نزدیکی معبد آساکوسا اولین زیبایی ادو در نظر گرفته شد، اما چهره او در حکاکی است. کاملاً خالی از فردیت

از قرن دهم، تصاویر زنانه در هنر ژاپنی تابع قانون مینیمالیسم بوده است. "خط چشم، قلاب بینی" - پذیرایی hikime-kagihanaبه هنرمند اجازه داد فقط نشان دهد که زن خاصی به تصویر کشیده شده است: در فرهنگ سنتی ژاپنی، موضوع زیبایی ظاهری اغلب حذف می شد. در زنان اصیل، "زیبایی قلب" و تحصیلات بسیار ارزشمندتر بود و ساکنان محله های شاد تلاش کردند تا در همه چیز از عالی ترین نمونه ها تقلید کنند. به گفته اوتامارو، اوکیتا واقعا زیبا بود.

ورق "زیبایی نانیوایا اوکیتا" در سالهای 1795-1796 در مجموعه "زیبایی های مشهور شبیه به شش شاعر جاودانه" چاپ شد که در آن یکی از نویسندگان قرن نهم با هر زیبایی مطابقت داشت. روی برگه ای با پرتره اوکیتا در گوشه سمت چپ بالا تصویری از آریوارا نو ناریهیرا (825-880)، یکی از محترم ترین شاعران ژاپنی، که به طور سنتی رمان Ise Monogatari به او نسبت داده می شود، وجود دارد. این بزرگوار و شاعر فرهیخته با عشق ورزیدن که پاره ای از آنها اساس رمان را تشکیل می داد نیز به شهرت رسید.

این برگه یک استفاده خاص از این تکنیک است میت(مقایسه) در حکاکی ژاپنی. ویژگی های یک "نمونه اولیه" معتبر به زیبایی به تصویر کشیده شده منتقل می شود و جلیقه زن ظریف با چهره ای آرام در حال پذیرایی از مهمان یک فنجان چای است و بیننده قبلاً به عنوان یک خانم ماهر در شعر و کارهای عاشقانه خوانده می شود. مقایسه با آریوارا نو ناریهیرا واقعاً نشان دهنده برتری او در بین زیبایی های ادو بود.

در همان زمان، اوتامارو یک تصویر غنایی شگفت انگیز خلق می کند. او با ایجاد تعادل بین نقاط تیره و روشن روی برگ و ترسیم فرم با خطوط آهنگین و زیبا، یک تصویر واقعی ایجاد می کند. تصویر کامللطف و هماهنگی "تبلیغات" کاهش می یابد و زیبایی که توسط اوتامارو به ثبت رسیده است بی انتها می ماند.

صفحه نمایش "Irises" اثر اوگاتا کورین، دهه 1710

یک جفت صفحه عنبیه شش صفحه ای - که اکنون گنجینه ملی ژاپن است - توسط اوگاتا کورین (1658-1716) در حدود سال 1710 برای معبد نیشی هونگان جی در کیوتو ساخته شد.

از قرن شانزدهم، نقاشی روی صفحات دیواری و صفحات کاغذی به یکی از ژانرهای برجسته هنر تزئینی در ژاپن تبدیل شده است و اوگاتا کورین، بنیانگذار مدرسه هنری رینپا، یکی از بزرگترین استادان آن بود.

صفحه نمایش ها در فضای داخلی ژاپن نقش مهمی ایفا کردند. محوطه های بزرگ کاخ از نظر ساختاری با خانه های یک ژاپنی ساده تفاوتی نداشت: آنها تقریباً هیچ دیوار داخلی نداشتند و فضا با صفحه های تاشو پهن شده بود. فقط کمی بیش از یک و نیم متر ارتفاع، صفحه نمایش ها برای سنت رایج ژاپنی همه طبقات برای زندگی روی زمین طراحی شده اند. در ژاپن تا قرن نوزدهم از صندلی های بلند و میز استفاده نمی شد و ارتفاع صفحه نمایش و همچنین ترکیب بندی نقاشی آن برای دید فردی که روی زانو نشسته است طراحی شده است. با این دیدگاه است که یک اثر شگفت انگیز ایجاد می شود: به نظر می رسد عنبیه ها فرد نشسته را احاطه کرده اند - و فرد می تواند خود را در سواحل رودخانه که توسط گل احاطه شده است احساس کند.

زنبق ها به روشی غیر کانتور رنگ می شوند - تقریباً امپرسیونیستی، سکته های گسترده ای از رنگ آبی تیره، بنفش و بنفش، شکوه و عظمت این گل را منتقل می کند. جلوه زیبا با درخشش کسل کننده طلا، که در برابر آن عنبیه ها به تصویر کشیده شده است، تقویت می شود. صفحه‌ها چیزی جز گل‌ها را به تصویر نمی‌کشند، اما خط زاویه‌ای رشد آنها نشان می‌دهد که گل‌ها در اطراف مسیر پیچ در پیچ رودخانه یا زیگزاگ‌های پل‌های چوبی خم می‌شوند. برای ژاپنی ها طبیعی است که یک پل از صفحه نمایش گم شده باشد، یک "پل هشت تخته" ویژه ( یاتسوهاشیگوش کنید))، مرتبط با زنبق در ادبیات کلاسیک ژاپن است. رمان Ise Monogatari (قرن نهم) سفر غم انگیز یک قهرمان رانده شده از پایتخت را شرح می دهد. قهرمان پس از استقرار با همراهان خود در ساحل رودخانه در نزدیکی پل Yatsuhashi ، با دیدن زنبق ها ، محبوب خود را به یاد می آورد و شعر می سرود:

معشوق من در لباس
برازنده آنجا، در پایتخت،
عشق رفت...
و من با حسرت چقدر فکر می کنم
من از او دورم... ترجمه N.I Konrad.

نویسنده و قهرمان غزل داستان، آریوارا نو ناریهیرا، می‌افزاید: «پس او تا کرد و همه روی برنج خشک‌شان اشک ریختند، به طوری که از رطوبت متورم شد».

برای یک ژاپنی تحصیل کرده، ارتباط بین زنبق های کنار پل و ایسه مونوگاتری، زنبق ها و مضمون عشق جدا شده واضح بود و اوگاتا کورین از پرحرفی و تشریح پرهیز می کند. او با کمک نقاشی تزئینی تنها فضای ایده آلی را خلق می کند که پر از نور، رنگ و مفاهیم ادبی است.

غرفه طلایی کینکاکوجی، کیوتو، 1397

معبد طلایی یکی از نمادهای ژاپن است که از قضا بیشتر با تخریبش تجلیل شد تا ساختش. در سال 1950، یک راهب از نظر روانی ناپایدار صومعه Rokuonji، که این ساختمان به آن تعلق دارد، حوضچه ای را که روی سطح صومعه ایستاده بود، آتش زد.
غرفه در جریان آتش سوزی در سال 1950، معبد تقریباً ویران شد. کار بازسازی در Kinkaku-ji در سال 1955 آغاز شد، تا سال 1987 بازسازی به طور کلی به پایان رسید، اما بازسازی دکوراسیون داخلی کاملاً از بین رفته تا سال 2003 ادامه یافت.. انگیزه های واقعی اقدام او نامشخص بود، اما به تعبیر نویسنده یوکیو میشیما، زیبایی دست نیافتنی و تقریباً عرفانی این معبد مقصر بود. در واقع، برای چندین قرن، Kinkakuji مظهر زیبایی ژاپنی در نظر گرفته می شد.

در سال 1394، شوگون آشیکاگا یوشیمیتسو (1358-1408) که تقریباً تمام ژاپن را تحت فرمان خود درآورده بود، رسماً بازنشسته شد و در یک ویلای هدفمند در شمال کیوتو ساکن شد. ساختمان سه طبقه روی دریاچه مصنوعی کیوکوتی ("دریاچه-آینه") نقش نوعی آرامگاه را ایفا می کرد، یک آلاچیق منزوی برای استراحت، مطالعه و دعا. این مجموعه شامل مجموعه ای از نقاشی های شوگون، یک کتابخانه و مجموعه ای از آثار بودایی بود. کینکاکوجی که بر روی آب نزدیک ساحل قرار داشت، تنها با قایق ارتباط داشت و همان جزیره ای بود که جزایر مصنوعی با سنگ ها و درختان کاج پراکنده در اطراف کیوکوتی بود. ایده "جزیره آسمان ها" از اساطیر چینی وام گرفته شده است، که در آن جزیره پنگلای، جزیره جاودانه ها، به عنوان تصویر اقامتگاه بهشتی عمل می کند. انعکاس غرفه در آب از قبل تداعی بودایی را با ایده هایی در مورد ماهیت توهم آمیز دنیای فانی تداعی می کند، که فقط انعکاسی کم رنگ از شکوه و عظمت دنیای حقیقت بودایی است.

اگرچه همه این مضامین اساطیری حدس و گمان هستند، مکان غرفه هارمونی و هارمونی شگفت انگیزی به آن می بخشد. انعکاس، چمباتمه بودن ساختمان را پنهان می کند و آن را بلندتر و باریک تر می کند. در عین حال، این ارتفاع غرفه است که امکان دیدن آن را از هر کرانه ای از حوض، همیشه در پس زمینه ای تاریک از سبزه فراهم می کند.

با این حال، هنوز کاملاً مشخص نیست که این غرفه در شکل اولیه خود چقدر طلایی بوده است. احتمالاً، تحت آشیکاگا یوشیمیتسو، واقعاً با ورق طلا و یک لایه محافظ لاک پوشانده شده بود. اما اگر عکس‌های قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم و یوکیو میشیما را باور کنید، در اواسط قرن بیستم طلاکاری تقریباً کنده شده بود و بقایای آن فقط در طبقه بالایی ساختمان قابل مشاهده بود. در این هنگام، او بیشتر روح را با جذابیت مهجوریت لمس کرد، ردپای زمان، حتی به زیباترین چیزها غیرقابل اغماض. این جذابیت مالیخولیایی با اصل زیبایی شناسی مطابقت داشت سابیدر فرهنگ ژاپن بسیار مورد احترام است.

به هر شکلی، شکوه و جلال این بنا اصلاً در طلا نبود. شدت بدیع فرم های کینکاکوجی و هماهنگی بی عیب و نقص آن با چشم انداز آن را به یکی از شاهکارهای معماری ژاپن تبدیل کرده است.

کاسه "Iris" به سبک کاراتسو، قرن XVI-XVII

کلمه میبوتسو- چیزی با نام فقط نام این جام واقعاً باقی مانده است، زیرا نه زمان و مکان دقیق ایجاد آن و نه نام استاد حفظ شده است. با این وجود، به عنوان گنجینه ملی ژاپن طبقه بندی می شود و یکی از آنهاست نمونه های روشنسرامیک به سبک ملی

در پایان قرن شانزدهم، مراسم چای چا-نو-یوچینی و سرامیک ظریف چینی رها شده با لعاب هایی که یادآور مواد گرانبها هستند. زیبایی تماشایی آنها برای استادان چای بیش از حد مصنوعی و صریح به نظر می رسید. اقلام عالی و گران قیمت - کاسه ها، ظروف آب و کیسه های چای - با قوانین روحانی تقریباً زاهدانه ذن بودا مطابقت نداشتند، که در روح آن مراسم چای شکل گرفت. یک انقلاب واقعی در عمل چای جذابیت به سرامیک های ژاپنی بود، بسیار ساده تر و بی هنرتر در زمانی که کارگاه های ژاپن تازه شروع به تسلط بر فناوری های سفالگری قاره ای کرده بودند.

شکل کاسه زنبق ساده و نامنظم است. انحنای جزئی دیوارها، فرورفتگی‌های سفالگر که در سرتاسر بدن قابل مشاهده است، به کاسه راحتی تقریبا ساده‌ای می‌دهد. خرده خاک رس با لعاب سبک با شبکه ای از ترک ها - کراکلور پوشیده شده است. در قسمت جلویی که در مراسم چای به میهمان خطاب می کند، تصویری از زنبق زیر لعاب اعمال می شود: نقاشی ساده لوحانه است، اما با قلموی پرانرژی، دقیقاً، گویی در یک حرکت، با روح ذن اجرا شده است. خوشنویسی به نظر می رسد که هم فرم و هم دکور می توانست به صورت خودجوش و بدون استفاده از نیروهای ویژه ساخته شود.

این خودانگیختگی منعکس کننده ایده آل است وابی- سادگی و بی هنری بودن که باعث ایجاد حس آزادی معنوی و هماهنگی می شود. هر شخص یا حتی یک شیء بی جان در دیدگاه پیروان ژاپنی ذن بودا دارای ماهیت نورانی بودا است و تلاش های ماهر در جهت کشف این طبیعت در خود و دنیای اطرافش است. چیزهایی که در مراسم چای استفاده می‌شوند، با همه ناشیانه‌شان، باید تجربه‌ای عمیق از حقیقت، مرتبط بودن هر لحظه را برانگیخته می‌کردند، مجبور می‌شد به معمولی‌ترین شکل‌ها نگاه کند و زیبایی واقعی را در آنها ببیند.

تضاد با بافت خشن کاسه و سادگی آن، ترمیم با یک لاک طلای خرد شده کوچک است (این تکنیک نام دارد. کینتسوگی). این بازسازی در قرن هجدهم انجام شد و نشان دهنده احترامی است که استادان چای ژاپنی با ظروف مراسم چای رفتار می کردند. بنابراین مراسم چای "راهی" برای شرکت کنندگان برای کشف زیبایی واقعی چیزهایی مانند کاسه زنبق فراهم می کند. ضمنی، پنهان کاری اساس مفهوم زیبایی شناختی وابی و بخش مهمی از جهان بینی ژاپنی شده است.

پرتره راهب گاندزین، نارا، 763

در قرن هشتم، مجسمه سازی به شکل اصلی بیان هنری دوران، عصر نارا (710-794) تبدیل شد که با تشکیل دولت ژاپن و تقویت بودیسم همراه بود. استادان ژاپنی قبلاً مرحله شاگردی و تقلید کورکورانه از تکنیک ها و تصاویر قاره ای را پشت سر گذاشته اند و شروع به بیان آزادانه و واضح روح زمان خود در مجسمه سازی کرده اند. گسترش و رشد اقتدار بودیسم باعث ظهور یک پرتره مجسمه‌سازی بودایی شد.

یکی از شاهکارهای این ژانر، پرتره گاندزین است که در سال 763 خلق شده است. این مجسمه با تکنیک لاک خشک (با ساختن لایه‌هایی از لاک بر روی قاب چوبی پوشیده شده با پارچه) ساخته شده بود، مجسمه تقریباً در اندازه واقعی به صورت واقعی نقاشی شد و گنجین در گرگ و میش معبد در حالت مراقبه نشست. اگر زنده است». این واقعی بودن کارکرد فرقه اصلی چنین پرتره هایی بود: معلم باید همیشه در داخل دیوارهای صومعه تودایجی در شهر نارا باشد و در مهمترین خدمات الهی حضور داشته باشد.

بعدها، در قرن XI-XIII، پرتره های مجسمه ایبه توهم گرایی تقریباً بی رحمانه ای دست یافت که ناتوانی سالخورده معلمان ارجمند، دهان فرورفته، گونه های افتاده و چین و چروک های عمیق آنها را به تصویر می کشید. این پرتره ها با چشمانی زنده به پیروان آیین بودا می نگرند که با کریستال سنگ و چوب منبت کاری شده اند. اما چهره گاندزین تار به نظر می رسد، خطوط مشخص و فرم های واضحی در آن وجود ندارد. پلک‌های چشم‌های نیمه بسته و بدون پوسته متورم به نظر می‌رسند. تنش دهان و چین های عمیق بینی بیانگر احتیاط همیشگی است تا تمرکز مراقبه.

همه این ویژگی ها آشکار می شود بیوگرافی دراماتیکاین راهب، داستان زهد و فجایع شگفت انگیز است. گانجین، یک راهب بودایی چینی، برای مراسم تقدیس بزرگترین صومعه نارا، تودایجی، به ژاپن دعوت شد. کشتی توسط دزدان دریایی تسخیر شد، طومارهای گرانبها و مجسمه های بودایی که برای معبد دور ژاپنی در نظر گرفته شده بود در آتش گم شدند، گنجین صورت خود را سوزاند و بینایی خود را از دست داد. اما او تمایل به موعظه در حاشیه های دور تمدن را ترک نکرد - یعنی اینکه ژاپن در آن زمان چگونه توسط قاره درک می شد.

چندین تلاش دیگر برای عبور از دریا به همین روش ناموفق به پایان رسید و تنها در تلاش پنجم، گنجین میانسال، نابینا و بیمار به پایتخت ژاپن نارا می رسد.

در ژاپن، گنجین برای مدت طولانی قانون بودایی را تدریس نکرد: وقایع دراماتیک زندگی او سلامت او را تضعیف کرد. اما قدرت او آنقدر بالا بود که احتمالاً حتی قبل از مرگش تصمیم گرفته شد مجسمه او را بسازد. بدون شک راهبان هنرمند به دنبال شباهت هر چه بیشتر مجسمه به مدل بودند. اما این کار نه برای حفظ ظاهر بیرونی یک شخص، بلکه برای تسخیر تجربه معنوی فردی او انجام شد، مسیر دشواری که گنجین طی کرد و آموزه بودایی به آن دعوت می کرد.

دایبوتسو - بودای بزرگ معبد تودایجی، نارا، اواسط قرن هشتم

در اواسط قرن هشتم، ژاپن از بلایای طبیعی و بیماری های همه گیر رنج می برد و دسیسه های خانواده تأثیرگذار فوجیوارا و شورشی که آنها به راه انداختند، امپراتور شومو را مجبور به فرار از پایتخت، شهر نارا کرد. در تبعید، او عهد کرد که مسیر تعالیم بودایی را دنبال کند و در سال 743 دستور ساخت معبد اصلی کشور و ریخته‌گری مجسمه عظیم برنزی بودا Vairochana (خورشید بزرگ بودا یا تمام نور روشنگر) را صادر کرد. این خدا را تجسم جهانی بودا شاکیامونی، بنیانگذار آموزه های بودایی می دانستند و قرار بود در دوران ناآرامی و شورش، ضامن حفاظت از امپراتور و کل کشور شود.

کار در سال 745 آغاز شد و از مجسمه بودای غول پیکر در معابد غار لانگمن در نزدیکی پایتخت چین لوئویانگ الگوبرداری شد. مجسمه موجود در نارا، مانند هر تصویری از بودا، قرار بود "نشانه های بزرگ و کوچک بودا" را نشان دهد. این قانون نمادین شامل لاله‌های گوش دراز بود که یادآور این واقعیت بود که بودا شاکیامونی از یک خانواده شاهزاده می‌آمد و از کودکی گوشواره‌های سنگین، برافراشته در بالای سر (وشنیشا)، نقطه‌ای روی پیشانی (قطعه) می‌بست.

ارتفاع مجسمه 16 متر، عرض صورت 5 متر، طول کف دست کشیده 3.7 متر و کوزه بزرگتر از سر انسان بود. این ساخت و ساز 444 تن مس، 82 تن قلع و مقدار زیادی طلا مصرف کرد که جستجوی آن به طور ویژه در شمال کشور انجام شد. یک سالن به نام Daibutsuden در اطراف مجسمه برای محافظت از حرم ساخته شد. در فضای کوچکش، یک شکل بودای نشسته با کمی تعظیم تمام فضا را پر می کند، که یکی از اصول اصلی بودیسم را به تصویر می کشد - این ایده که الوهیت همه جا حاضر و فراگیر است، همه چیز را در آغوش گرفته و پر می کند. آرامش ماورایی چهره و حرکت دست خدا (مودرا، ژست اعطای محافظت) احساس عظمت و قدرت آرام بودا را تکمیل می کند.

با این حال، امروزه تنها چند قطعه از مجسمه اصلی باقی مانده است: آتش‌سوزی‌ها و جنگ‌ها صدمات زیادی به مجسمه در قرن‌های 12 و 16 وارد کردند، و مجسمه مدرن عمدتاً یک قالب ریخته‌گری در قرن 18 است. در طول بازسازی قرن 18، مجسمه برنز دیگر با طلا پوشانده نشد. غیرت بودایی امپراتور شومو در قرن هشتم عملاً خزانه را خالی کرد و کشوری را که از قبل شوکه شده بود را خون کرد و حاکمان بعدی دیگر توان پرداخت چنین هزینه های بی حد و حصر را نداشتند.

با این وجود، اهمیت دایبوتسو نه در طلا و نه حتی در اصالت قابل اعتماد نهفته است - خود ایده چنین تجسم باشکوهی از آموزه های بودایی یادگار دورانی است که هنر یادبود ژاپنی شکوفایی واقعی را تجربه کرد و خود را از شر آن رها کرد. کپی کورکورانه از نمونه های قاره ای و دستیابی به یکپارچگی و بیانی که بعدها از بین رفت.

ژاپن خیلی حالت جالب، که به خاطر طیف گسترده ای از سنت ها و آداب و رسوم شناخته شده است. موقعیت جغرافیاییکشور طلوع خورشید آن را تا حدودی از سایر کشورها منزوی کرد و به لطف آن بدون توجه به کشورهای اروپایی توسعه یافت. فرهنگ ژاپن بسیار غنی و متنوع است. سنت های عجیب و غریب ژاپنی تحت تأثیر تاریخ شکل گرفت رویدادهای مهم. به تدریج، ژاپن به یک کشور قدرتمند و منسجم با ویژگی های مشخصه و ذهنیت خاصی از جمعیت تبدیل شد.

جنبه های اصلی فرهنگ ژاپنی

فرهنگ کشور در بسیاری از حوزه های اجتماعی متجلی است. در ژاپن، جنبه های آن عبارتند از؛

روند نوشیدن چای برای ژاپنی ها ارضای ساده نیازهای فیزیولوژیکی بدن نیست، بلکه یک فرقه واقعی است. مراسم چای در ژاپن با ویژگی های خاصی همراه است و سنت های زیادی را در خود جای داده است. به نظر می رسد چنین نگرش محترمانه ای نسبت به روند روزمره رشد خود را از مراقبه راهبان بودایی گرفته است. آنها بودند که اهمیت زیادی به روند نوشیدن چای دادند.

برای اروپایی ها، مفهوم "کیمونو" لباس ملی ژاپن را مشخص می کند. با این حال، در خود سرزمین خورشید طلوع، دو معنی از این کلمه وجود دارد - به معنای محدود و وسیع. کلمه "کیمونو" در ژاپن نه تنها به لباس ملی، بلکه به طور کلی به تمام لباس ها اشاره دارد. در زیر کیمونو، به عنوان یک قاعده، یک لباس مخصوص و هفت کمربند پوشیده می شود. کیمونویی که در تابستان پوشیده می شود یوکاتا نام دارد. بسته به سن زن، مدل لباس نیز ممکن است متفاوت باشد.

در ژاپن، دو جنبش مذهبی به طور همزمان با موفقیت تبلیغ می شوند - شینتوئیسم و ​​بودیسم. شینتوئیسم در ژاپن باستان ظاهر شد، آن را بر اساس پرستش موجودات مختلف است. بودیسم به نوبه خود به انواع مختلفی تقسیم می شود. در ژاپن، مدارس بسیاری وجود دارد که یکی از گرایش های بودیسم را ترویج می کنند.

باغ های صخره ای در فرهنگ ژاپن از اهمیت ویژه ای برخوردار هستند. آنها تنها نیستند آفرینش معماریجلب توجه گردشگران، بلکه مکانی برای رشد معنوی است. در اینجا ژاپنی ها از تأمل در سازه های سنگی که با نظم خاصی قرار گرفته اند، روشنگری می یابند. باغ‌های صخره‌ای شامل یک نقشه خاص است که فقط یک فرد روشن فکر می‌تواند آن را باز کند.

Tango no sekku جشنی به افتخار پسران است. این نه تنها به همه نمایندگان کوچک مرد، بلکه به مردانگی و قدرت کل مردم ژاپن اختصاص داده شده است. مرسوم است که تعطیلات را در بهار جشن می گیرند، زمانی که طبیعت از خواب بیدار می شود و از زیبایی خود خوشحال می شود. در روز تانگو نو سککو، پسرها توسط والدینشان مراقبت می شوند. پدر باید همه چیز را به پسرش بگوید جنگجویان ژاپنیو بهره برداری های آنها و مادرش با غذاهای لذیذ برایش سفره می چیند.

شکوفه های گیلاس را زیباترین پدیده طبیعی می دانند. بسیاری از گردشگران فقط برای لذت بردن از تفکر یک گیاه گل به اینجا می آیند. در فصل بهار، جمعیت زیادی از مردم را می توان در پارک های ژاپن مشاهده کرد. بسیاری از خانواده ها به پیک نیک می روند و زیبایی درخت گیلاس ژاپنی را تماشا می کنند.

کمان ها را می توان به سنت های عجیب و غریب کشور نسبت داد. آنها نماینده قوانین هستند رفتار خوب. مرسوم نیست که ژاپنی ها خداحافظی کنند، در عوض به همان اندازه که طرف مقابل انجام داد تعظیم می کنند.

سامورایی ها نشان دهنده طبقه خاصی از جامعه هستند که تحت تأثیر سنت ها و آداب و رسوم توسعه یافته اند. ارتباط مستقیمی با فرهنگ کشور دارد. سامورایی ها جنگجویانی هستند که خدمات خاصی را انجام می دهند که می تواند هم نظامی، هم امنیتی یا خانگی باشد. در هر یک از این موارد، سامورایی ها شجاعت، مردانگی و اشراف مردم ژاپن را نشان می دهند.

روند شکل گیری فرهنگ ژاپن باستان

فرهنگ ژاپن باستان با تولد زبان و نوشتار ژاپنی شروع به توسعه کرد. سرزمین طلوع خورشید اساس این کار را از چین به عاریت گرفته است. نوشتار ژاپنی همچنین حاوی هیروگلیف است، برای درک کدام شهروند خارجیبی اثر خواهد بود. پس از مدتی در ژاپنیکلمات، صداها و عبارات جدید اضافه شد. بنابراین کاملاً متحول شده است، اما هنوز ویژگی های مشترک با چین وجود دارد.

دینداری کشور نیز از آن سرچشمه می گیرد قرون باستان. شینتوئیسم نتیجه توسعه اسطوره های مختلف بود. در حال حاضر این آموزش باعث ترویج فرقه رهبران و افراد مرده می شود. از سوی دیگر بودیسم ریشه های عمیقی دارد که نظرات دانشمندان و مورخان در مورد پیدایش این نوع دین بسیار متفاوت است.

هنر ژاپنی

تقریباً تمام انواع هنری که در ژاپن انجام می شود یک ایده اصلی دارد - آرامش و آرامش. این دقیقاً هماهنگی یک شخص با خودش است که هنر را بدون توجه به نحوه ارائه اطلاعات در خود دارد. بسیاری از اشکال هنری شناخته شده در سراسر جهان توسعه خود را در ژاپن آغاز کردند. در میان آنها، اوریگامی را می توان متمایز کرد - توانایی تا کردن اشکال مختلف از کاغذ.

Ikebana به یکی دیگر از بخش های محبوب هنر ژاپن تبدیل شده است. این یک مهارت برای تشکیل دسته گل با استفاده از یک فناوری خاص است. از اینجا یک فعالیت به همان اندازه محبوب به وجود آمد که به آن بونسای می گویند. این ایجاد انواع ترکیبات از درختان کوتوله است. در اومیا، نه چندان دور از توکیو، یک پارک کامل بونسای وجود دارد. هر درخت کوتوله ای که در اینجا ارائه می شود به روش خود منحصر به فرد و زیبا است.

نقاشی ژاپن سزاوار اهمیت ویژه ای خواهد بود، زیرا هر نقاشی حامل آن است معنای پنهان. به عنوان یک طرح، به عنوان یک قاعده، از رنگ های روشن، انتقال متضاد و خطوط واضح استفاده می شود. ژاپن همچنین دارای هنر خوشنویسی است. این مهارت نوشتن زیبای هیروگلیف است. هنرهای کاربردی در ژاپن نیز رواج دارد. یک موزه کامل در توکیو به این هنر اختصاص داده شده است. در اینجا می توانید محصولات ساخته شده از کاغذ، شیشه یا فلز را مشاهده کنید. و این لیست کاملی از مواد مورد استفاده برای این منظور نیست.

سبک ژاپنی طراحی داخلی نیز شایسته توجه ویژه است. این شامل عملکرد و سادگی، همراه با اصالت عملکرد است. علاوه بر این، طراحی داخلی حمل می کند فلسفه دینیمانند هر نوع هنر ژاپنی دیگری.

معماری ژاپنی

سازه های معماری در ژاپن، به نوعی با دین مرتبط هستند. ساختمان های معبد در ابتدا، اغلب، فاقد هر گونه گل بودند. این به دلیل استفاده از چوب بدون رنگ در ساخت و ساز بود. بعداً آنها شروع به استفاده از سایه های قرمز و آبی کردند.

مصالح اصلی ساختمان های معماری در ژاپن چوب است. این به این دلیل است که موجودی این منبع در کشور بسیار زیاد است. علاوه بر این واقعیت که درخت گرما را به خوبی هدایت می کند و رطوبت را جذب می کند، در هنگام زلزله که اغلب در ژاپن اتفاق می افتد نیز کاربردی است. اگر بازسازی خانه سنگی پس از تخریب بسیار دشوار است، خانه چوبی بسیار آسان تر است.

ویژگی اصلی در معماری ژاپن وجود حتی شکل های هندسی. اغلب، اینها مثلث و مستطیل هستند. تقریباً غیرممکن است که در هر سازه ای صافی و گرد بودن خطوط وجود داشته باشد. اصل اصلی که ژاپنی ها بر اساس آن خانه های خود را تجهیز می کنند، وجود جدایی ناپذیر داخل خانه و بیرون است. این در مورد باغ های ژاپنی صدق می کند. آنها باید دقیقاً به همان سبک خود خانه تزئین شوند. در غیر این صورت بد مزه و بد مزه کامل محسوب می شود. ژاپنی ها توجه ویژه ای به باغ های خود دارند.

موسیقی ژاپنی

به لحاظ توسعه موسیقیژاپن با استفاده از هر ابزار موسیقی به کشورهای دیگر نگاه کرد. اما بعداً تحت تأثیر سلیقه ها و سنت های محلی آنها را مدرن کرد. اولین تأثیر بر شکل گیری موسیقی کلاسیک در ژاپن، فولکلور محلی دنگاکو بود که با تأثیرات خارجی آمیخته شد و باعث پیدایش موسیقی ای شد که در حال حاضر برای ژاپن آشناست.

جنبه مذهبی موضوع نیز به منشأ موسیقی کمک کرد. به لطف مسیحیت، ارگ نوازی رواج یافت. و بودیسم نواختن فلوت را ترویج کرد.

در حال حاضر موسیقی کلاسیک در ژاپن محبوبیت پیدا کرده است. بسیاری از اعضای این سلول خلاقیت به خارج از ژاپن سفر می کنند. اینها عبارتند از گوتو میدوری، اوزاوا سیجی و اوچیدا میتسوکو. اخیراً سالن‌هایی که برای گوش دادن راحت به موسیقی کلاسیک طراحی شده‌اند در ژاپن افتتاح شدند. از جمله آنها می توان به سالن کیو، سالن سمفونی اوزاکا، باغ و غیره اشاره کرد.

سنت های خانگی ژاپن

ژاپنی ها مردمی خوش اخلاق هستند و سنت ها و آداب و رسوم خود را رعایت می کنند. احترام به خود و دیگران در ژاپن یک هنجار محسوب می شود. از دوران کودکی به کودکان هنجارهای رفتار خوب آموزش داده می شود، ارزش های اساسی مردم ژاپن را برای آنها توضیح می دهند و آنها را به هر طریق ممکن روشن می کنند. و همه اینها به نفع جامعه است. هر توریستی که از کشوری دیگر به سرزمین طلوع خورشید بیاید، از رفتار دوستانه، دوستانه و خوش اخلاق ژاپنی ها شگفت زده می شود.

برخلاف کشورهای اروپایی، ژاپن مدت‌هاست استعمال دخانیات در اماکن عمومی را ممنوع کرده است. این در مورد مالکیت خصوصی نیز صدق می کند. سیگار کشیدن در نزدیکی افراد دیگر تنها در صورتی مجاز است که آنها رضایت خود را داده باشند.

از جمله اینکه ژاپنی ها تمام قوانین بهداشتی را که جامعه به آنها دیکته می کند به شدت رعایت می کنند. مثلاً در هر اتاقی از جمله بناهای مذهبی، قالیچه های حصیری مخصوصی وجود دارد. شما نمی توانید با کفش روی آنها راه بروید، آنها نه تنها یک دکوراسیون داخلی، بلکه یک توهین واقعی نیز محسوب می شوند. همچنین ژاپنی ها تصمیم گرفتند از خود در برابر باکتری های احتمالی که از توالت روی پای خود می آورند محافظت کنند. در هر مکان عمومیو آپارتمان ها دارای دمپایی مخصوص سرویس بهداشتی هستند که اجازه انتقال میکروب های مضر به اتاق های دیگر را نمی دهند.

غذا خوردن برای ژاپنی ها یک فرآیند زندگی محسوب نمی شود، بلکه یک فرقه واقعی است. ژاپنی ها همیشه قبل از خوردن غذا دست های خود را با حوله مخصوص آغشته به آب پاک می کنند که به آن اوشیبوری می گویند. تنظیم جدول به طور تصادفی اتفاق نمی افتد، اما طبق یک طرح خاص. حتی هر دستگاهی جایگاه خاص خود را دارد. ژاپنی ها آنها را به نر و ماده تقسیم می کنند و این برای آنها بسیار مهم است. از قاشق در ژاپن فقط برای خوردن سوپ اوزونی استفاده می شود که روی آن پخته می شود سال نو، بقیه دوره های اول، ژاپنی ها ترجیح می دهند منحصراً از کاسه های مخصوص بنوشند. علاوه بر این، زدن لب‌ها در طول وعده‌های غذایی شکل بدی محسوب نمی‌شود. اعتقاد بر این است که به این ترتیب طعم غذا بهتر آشکار می شود.

ارتباط فرم خوب در ژاپن با وجود قوانین زیر ثابت می شود:

• لازم است از قبل در مورد مکان و زمان جلسه صحبت شود. دیر آمدن در ژاپن گستاخی و خارج از مرزهای نجابت تلقی می شود.
• شما نمی توانید گفتگو را قطع کنید، باید صبورانه منتظر بمانید تا شخص صحبت کند، سپس شروع به بیان نظر خود کنید.
• اگر با شماره اشتباه تماس گرفتید، باید عذرخواهی کنید.
• اگر کسی به کمک شما آمد، قطعاً باید از او تشکر کنید.
• برخی از مهمانان ژاپنی را می توان افتخاری دانست. برای آنها، آنها حتی یک مکان ویژه در میز اختصاص می دهند، که، به عنوان یک قاعده، افراطی ترین از ورودی به اتاق است.
• وقتی به ژاپنی ها هدیه می دهید، باید عذرخواهی کرد که علیرغم آنچه هست، فروتن است. اینها قوانین هستند، شما نباید آنها را زیر پا بگذارید.
• با نشستن پشت میز شام، مردان می توانند پاهای خود را روی هم بگذارند، در حالی که زنان به شدت از این کار منع می شوند. پاها باید جمع شوند و در یک جهت باشند.

همچنین، سنت های زندگی ژاپنی شامل احترام به افراد مسن تر است. مهم نیست که حرفه، درآمد، ظاهر یا ویژگی های شخصیتی یک فرد چیست، اگر او بزرگتر است، باید با احترام با او رفتار کرد. پیری در ژاپن باعث احترام و غرور می شود. این بدان معناست که فرد راه طولانی را طی کرده است و اکنون شایسته افتخارات است.

کمک به سایت: روی دکمه ها کلیک کنید

ژاپن همواره با نگرش احترام آمیز خود به حفظ و بازتولید سنت های باستانی خود متمایز بوده است و این ویژگی قابل توجه سرزمین طلوع خورشید را به مکانی منحصر به فرد تبدیل می کند که در آن نوآوری های مدرن به طور هماهنگ با سنت های فرهنگی چند صد ساله در زندگی مردم عادی ترکیب می شود. ژاپنی.

اگر قبلاً به ژاپن سفر کرده باشید، بدون شک با کاسه سوپ قرمز و مشکی، سینی، چاپستیک و سایر اقلام لاکی مواجه شده اید (مثل های نسبتاً بی کیفیت آنها در کشور ما نیز یافت می شود). هنر لاک زدن یکی از صنایع دستی سنتی ژاپنی است که در دوران باستان سرچشمه گرفته است - اولین محصولات در اوایل دوره جومون (14000 تا 300 قبل از میلاد) در ژاپن کشف شد - و تا به امروز باقی مانده است. در دوران مدرن، لاک الکل ژاپنی به طور فعال صادر شد و به نوعی "مارک" کشور تبدیل شد - تصادفی نیست که در دنیای غرب کلمه "ژاپن" معنای دوم را به دست آورد - "لاک، لاک الکل، لاک زدن".

لاک ژاپنی است مواد آلیاز شیره درخت اروشی (漆) که با خراشیدن درخت استخراج می شود. لاک حاصل نیز نامیده می شود. اعتقاد بر این است که این کلمه از دو کلمه ژاپنی دیگر آمده است: uruwashii (麗しい) که به معنای "زیبا، زیبا" و uruosu (潤す) به معنای "مرطوب کردن" است. خود هیروگلیف اوروشی، بر خلاف نام های دیگر درختان که با کلید "درخت" [木] (桜 - ساکورا، 梅 - آلو، 松 - کاج و غیره) نوشته می شود، دارای کلید "آب" [氵] است. که تاکید می کند این درخت به دلیل آب، یعنی شیره موجود در آن، ارزش بیشتری دارد. در ژاپنی، لاک الکل ها را shikki (漆器: 漆 "لاک، چوب لاک" + 器 "ابزار، لوازم جانبی") یا نوریمونو (塗物: 塗る "اعمال کردن، رنگ کردن" + 物 "چیز، شی") می نامند.

لاک خشک شده یک پوشش محافظ تشکیل می دهد که آب را دفع می کند و از پوسیدگی آن جلوگیری می کند و همچنین آن را کمتر در معرض حمله اسیدها، قلیاها، نمک ها و الکل قرار می دهد. به عنوان ماده ای برای محصولات از چوب (متداول ترین ماده)، چرم، کاغذ، سرامیک، شیشه، فلز و حتی پلاستیک استفاده می شود. راه های زیادی برای ایجاد و تزئین ظروف لاکی وجود دارد. بیایید امروز کمی در مورد معروف ترین انواع این صنایع دستی ژاپنی صحبت کنیم.

لاک الکل اوچی

هنر لاک اوچی در استان یاماگوچی (山口県) با تلاش های جنگ سالار اوچی هیرویو (1325-1380) سرچشمه گرفت. در تلاش برای تبدیل قلمرو خود به چیزی شبیه پایتخت آن زمان، کیوتو (京都)، او به طور فعال صنعتگران و صنعتگران مختلفی را دعوت کرد، در نتیجه ترکیب مهارت ها و ایده های صنعتگران کیوتو با سنت های محلی باعث شد. یک فرهنگ منحصر به فرد جدید

لاک الکل کیشو

تقریباً در قرن 14-16. راهبان بودایی در معبد نگوروجی (در منطقه شهر مدرن ایواده (岩出市)، استان واکایاما (和歌山県) شروع به تولید ظروف لاکی سودمند - چاپستیک، سینی، و همچنین کاسه های مذهبی کردند. فرقه - اشیایی برای دعا و مانترا از آنجایی که کاردستی آنها کامل نبود، در بعضی جاها لکه هایی روی اقلام تمام شده وجود داشت. سبک خاصمحصولات Negoro نامگذاری شد. در قرن هفدهم میلادی با حمایت مقامات حکومتی کیشو، لاک الکلی راهبان شهرت یافت و نام این منطقه به آنها اختصاص یافت.

استیک واکاسا لاکی

این ظروف آشپزخانه لاکی در شهر اوباما (小浜市)، استان فوکوی (福井県) ساخته می شوند. بیش از 80 درصد از تمام چاپستیک های لاکی در ژاپن در اینجا تولید می شود. چنین چوبدستی هایی با زیبایی و ظرافت خارق العاده یک هدیه عروسی محبوب در سرزمین آفتاب طلوع است.

لاک الکل اوداوارا

استان کاناگاوا (神奈川県). این نوع هنر لاک زدناز دوره کاماکورا (1185-1333) سرچشمه می گیرد، زمانی که قبیله قوی و با نفوذ هوجو به طور فعال توسعه صنعت را ترویج می کرد و شهر اوداوارا (小田原市) را به مرکزی برای تولید لاک تبدیل می کرد. در دوره ادو (1603-1868)، تعداد زیادی از این محصولات به ادو (توکیو امروزی) صادر شد - کاسه، سینی و حتی زره ​​لاکی.

لاک الکل کاگاوا

استان کاگاوا (香川県). در سال 1638، دایمیو یوریشیگه ماتسودایرا با انتصاب شوگونات به این مکان ها آمد. او با عشق به ظروف لاکی و مجسمه سازی متمایز بود، بنابراین شروع به توسعه این نوع هنرها و صنایع دستی در حوزه خود کرد. دو قرن بعد، به لطف کار استاد تسوکوکو تاماکاجی (1807-1869)، ظروف لاکی کاگاوا در سراسر کشور مشهور شد. استفاده از روش های خاص آسیاب و پرداخت محصولات را با درخشندگی فوق العاده اشباع می کند.

لاک الکل واجیما

استان ایشیکاوا (石川県). قدیمی ترین نمونه باقی مانده از این نوع هنر، دروازه لاکی معبد شیگزو در شهر واجیما (輪島市) است که در حدود سال 1397 ساخته شده است. در دوره ادو (1603-1868)، پودر زینوکو اختراع شد، ساخته شده از خاک رس پخته خرد شده، که این ظروف لاکی را بسیار بادوام می کرد، که به شدت بر تقاضای آنها در بین جمعیت تأثیر می گذاشت.

لاک الکل آیزو

ظروف آیزو یکی از هنرهای سنتی استان فوکوشیما (福島県) است. ظهور این صنعت به سال 1590 برمی گردد، زمانی که فئودال محلی گامو اوجیساتو شروع به جمع آوری استادان از دارایی های قبلی خود کرد و سپس آخرین فنون صنایع دستی آن زمان را به آنها منتقل کرد. در نتیجه آیزو به یکی از بزرگترین تولیدکنندگان ظروف لاکی تبدیل شد. گسترش تولید منجر به امکان صادرات محصولات به چین و هلند شد که باعث شکوه این منطقه در کشورهای دیگر شد.

ظروف لاکی تسوگارو

تسوگارو نام بخش غربی استان آئوموری (青森県) است. هنر لاکی Tsugaru در قرن 17 و 18 آغاز شد، زمانی که توسعه صنعتی در شهرها در دوره ادو تشویق شد. سبک تسوگارو از این جهش پدید آمد، زیرا به صنعتگران و صنعتگران منطقه انگیزه و فرصت هایی برای توسعه بیشتر مهارت های خود داده شد. هنگام ایجاد محصولات، روشی که بیش از 300 سال پیش مورد استفاده قرار می گرفت، امروزه نیز مورد استفاده قرار می گیرد.

ما به چندین مورد از سبک های اصلی هنر لاک ژاپنی نگاه کرده ایم. بدون شک تعداد آنها بسیار زیاد است و بسیاری از آنها با تکنیک های جدید تکمیل و بهبود یافته اند.

صنایع دستی ژاپنی در ساخت ظروف لاکی در دوران باستان سرچشمه گرفته و تا به امروز باقی مانده است و یکی از زیباترین، هماهنگ ترین و دیدنی ترین انواع هنرها و صنایع دستی در جهان است. این یکی از سنت های فرهنگیبدون در نظر گرفتن آن ما قادر به درک کامل بینش جهان، اصول زیبایی شناختی و شخصیت مردم ژاپن نخواهیم بود.

در ابتدا درک انواع لاک الکل برای یک فرد بی تجربه ممکن است دشوار باشد. بنابراین، بهتر است در مغازه‌هایی که در آن‌ها فروخته می‌شوند، سری بزنید، به صورت زنده به آن‌ها نگاه کنید، با فروشنده چت کنید و اگر می‌خواهید برای خود و دوستانتان چیزی به عنوان هدیه بخرید، کالای مورد علاقه خود را انتخاب کنید.

اگر قصد بازدید از سرزمین طلوع خورشید را دارید، دوره های ما ممکن است مفید واقع شوند: همین الان دنبال کنید و ثبت نام کنید!

تشکیل مراسم چای (چانویو) به عنوان یکی از بزرگترین پدیده های فرهنگ ژاپنی در زمانی بسیار دشوار و پر دردسر برای این کشور اتفاق افتاد، زمانی که بین المللی جنگ های خونینو نزاع طوایف فئودالی زندگی را برای مردم غیرقابل تحمل کرد. مراسم چای تحت تأثیر زیبایی شناسی و فلسفه ذن بودیسم به وجود آمد و سعی داشت با پرستش زیبایی با حال و هوای ناامیدی مقابله کند.

در آن روزها، حاکمان طبقه نظامی و بازرگانان ثروتمند، که برای بحث های سیاسی و تجاری گرد هم می آمدند، اغلب از این فرصت برای سرو چای استفاده می کردند. نشستن در اوقات فراغت در یک چایخانه ساکت، جدا از نگرانی ها و نگرانی های زندگی، و گوش دادن به صدای جوشاندن آب روی منقل، لذتی پاک تلقی می شد. معلم بزرگ سن نو ریکیو نوشیدن چای را به هنر تبدیل کرد. او تا حدودی به دلیل پیشینه اجتماعی فوق الذکر که وجود داشت، توانست مانند خودش هنر مراسم چای را توسعه دهد.

اتاق چای ساخته شده توسط Sen no Rikyu در نگاه اول بسیار ساده و حتی خیلی کوچک به نظر می رسید. اما با احتیاط ترین شکل، با خوانایی دقیق، تا ریزترین جزئیات برنامه ریزی شده بود. با درهای کشویی پوشیده شده با کاغذ شفاف ژاپنی سفید برفی تزئین شده بود. سقف با بامبو یا کاهگل تکمیل شده بود و بافت باز دیوارها ارزش زیادی داشت. تکیه گاه ها عمدتاً چوبی بودند و پوست طبیعی خود را حفظ می کردند. برای ایجاد جلوه هرمیتاژ در طراحی چایخانه، تمام تزئینات بیهوده و تزئینات بیش از حد کنار گذاشته شد.

امروز، مراسم چای اصیل ترین، منحصر به فرد ترین هنر است. نقش مهمی در معنویت و زندگی عمومیژاپنی برای چندین قرن. با گذشت زمان، آیین مراسم چای مقدس شد، ترتیب اعمال و رفتار داده شد. مهمانان که از قبل وارد دروازه چوبی ساده شده بودند، داخل آن فرو رفتند دنیای خاصپشت سر گذاشتن همه چیز دنیوی و در تمرکز خاموش فقط از قوانین عمل پیروی می کند.

چانویو کلاسیک یک آیین کاملاً برنامه ریزی شده است که در آن استاد چای (کسی که چای دم می کند و می ریزد) و سایر شرکت کنندگان در مراسم شرکت می کنند. اساساً یک استاد چای کشیشی است که یک عمل چای انجام می دهد، بقیه کسانی هستند که به او می پیوندند. هر کس سبک رفتاری خاص خود را دارد، از جمله حالت نشستن و هر حرکت، تا حالت چهره و نحوه گفتار.

هنگام نوشیدن چای، سخنان حکیمانه ای گفته می شود، شعر خوانده می شود، آثار هنری مورد توجه قرار می گیرد. دسته گل و ظروف مخصوص برای دم کردن نوشیدنی برای هر مناسبت با دقت خاصی انتخاب می شوند.

فضا به خودی خود حال و هوای مناسبی را ایجاد می کند که به طرز شگفت انگیزی ساده و متواضع است: قوری مسی، فنجان، همزن بامبو، جعبه نگهداری چای و غیره. ژاپنی ها اشیاء درخشان براق را دوست ندارند، آنها تحت تاثیر کدر بودن قرار می گیرند. د.تانیزاکی در این باره می نویسد: «اروپایی ها از ظروف نقره ای، فولادی یا نیکل استفاده می کنند و آن را به درخشش خیره کننده ای جلا می دهند، اما ما نمی توانیم چنین درخششی را تحمل کنیم. ما از اقلام نقره ای هم استفاده می کنیم... اما هرگز آنها را براق نمی کنیم. برعکس، وقتی این درخشش از سطح اشیاء می‌افتد، وقتی رنگی از نسخه به دست می‌آیند، وقتی با گذشت زمان تیره می‌شوند، خوشحال می‌شویم... ما چیزهایی را دوست داریم که آثاری از گوشت انسان، دوده‌های روغنی، هوازدگی و ورم باران دارند. همه اقلام برای مراسم چای نشان از زمان دارند، اما همه آنها بی عیب و نقص هستند. گرگ و میش، سکوت، ساده ترین قوری، یک قاشق چوبی برای ریختن چای، یک فنجان سرامیکی خشن - همه اینها افراد حاضر را مجذوب خود می کند.

توسط بیشتر عنصر مهمدر فضای داخلی چایخانه یک طاقچه - توکونوما در نظر گرفته می شود. معمولاً شامل یک طومار با یک نقاشی یا یک کتیبه خوشنویسی و یک دسته گل، یک عود با عود است. توکونوما روبروی ورودی قرار دارد و بلافاصله توجه مهمانان را به خود جلب می کند. طومار توکوناما با دقت زیادی انتخاب می شود و موضوعی ضروری برای بحث در طول مراسم است. این به سبک ذن بودایی و با چنان رسم الخط قدیمی نوشته شده است که کمتر کسی می تواند معنای نوشته شده را بفهمد و بفهمد، به عنوان مثال: "بامبو سبز است و گل ها قرمز هستند"، "چیزها چیزهایی هستند و این زیباست. !" یا «آب آب است». برای حاضران، معنای این سخنان، ظاهراً ساده، اما در عین حال بسیار عمیق فلسفی، توضیح داده شده است. گاهی این افکار در قالب شاعرانه هایکو بیان می شود، گاه قاعدتاً با رعایت اصل «وابی» در نقاشی استاد پیر منعکس می شود.

در ژاپن انواع مختلفی از مراسم چای وجود دارد، اما فقط تعداد کمی از آنها به شدت برقرار است: چای شب، چای طلوع آفتاب، چای صبح، چای بعد از ظهر، چای عصرانه، چای مخصوص.

چای شب با ماه شروع می شود. مهمانان حدود ساعت یازده و نیم می‌رسند و حدود ساعت چهار صبح می‌روند. معمولاً چای پودری دم می‌شود که در مقابل مهمانان تهیه می‌شود: برگ‌ها از رگبرگ‌ها آزاد شده و در هاون پودر می‌شوند. این چای بسیار مقوی است و با معده خالی سرو نمی شود. بنابراین در ابتدا از مهمانان با غذای کمی متفاوت پذیرایی می شود. چای را با طلوع آفتاب حدود سه یا چهار صبح می نوشند. مهمانان تا ساعت شش در همان ساعت می مانند. چای صبح در هوای گرم تمرین می شود، مهمانان ساعت شش صبح جمع می شوند. چای بعد از ظهر معمولاً فقط با کیک حدود ساعت 13 سرو می شود. چای عصرانه حدود ساعت 6 بعد از ظهر شروع می شود. یک مهمانی ویژه چای (rinjitya-noyu) در هر مناسبت خاصی ترتیب داده می شود: ملاقات با دوستان، تعطیلات، تغییر فصل و غیره.

به گفته ژاپنی ها، مراسم چای سادگی، طبیعی بودن، آراستگی را به ارمغان می آورد. البته این درست است، اما مراسم چای چیز بیشتری دارد. معرفی مردم به یک آیین جاافتاده، آنها را به نظم سخت و اجرای بی قید و شرط قوانین اجتماعی عادت می دهد. مراسم چای خوری یکی از مهم ترین پایه های پرورش احساسات ملی است.