هنرمندان هلندی قرن پانزدهم. هنر آلمان و هلند قرن 15-16
موضوع 25. هنر نقاشی در آلمان قرن پانزدهم تا شانزدهم.
4 ساعت کار کلاسی و 8 ساعت کار مستقل
سخنرانی 84. نقاشی در آلمان در قرن 15 - 16
4 ساعت کار سخنرانی و 4 ساعت خودآموزی
Planlections
1. نقاشی در آلمان در ثلث اول قرن پانزدهم. کار استاد راین علیا، کار استاد فرانکه.
2. نقاشی در آلمان در ثلث دوم قرن پانزدهم. اثر هانس مولچر، کار کنراد ویتز، اثر استفان لوچنر.
3. نقاشی در آلمان در ثلث آخر قرن پانزدهم. اثر مارتین شونگوئر، اثر مایکل پاچر.
4. نقاشی در آلمان در اواخر قرن پانزدهم تا شانزدهم. اثر ماتیاس گرونوالد، اثر لوکاس کراناخ بزرگ، اثر آلبرشت دورر، کار هنرمندان «مکتب دانوب»: آلبرشت آلتدوفر.
5. نقاشی در آلمان در قرن شانزدهم پدیده اصلاح طلبی
1. نقاشی در آلمان در ثلث اول قرن پانزدهم. کار استاد راین بالا، کار استاد فرانکه
مشخصات کلی هنر رنسانس در آلمان در قرن پانزدهم. در نقاشی آلمانی قرن پانزدهم، سه مرحله قابل تشخیص است: مرحله اول - از ابتدای قرن تا دهه 1430، دوم - تا دهه 1470. و سوم - تقریباً تا پایان قرن. استادان آلمانی آثاری را در قالب محراب کلیسا خلق کردند.
در دوره 1400-1430. محراب‌های آلمانی جهان زیبای کوهستان را در برابر تماشاگران باز می‌کنند و مانند افسانه‌ای بسیار سرگرم‌کننده، مردم را به سمت خود فرا می‌خوانند. این را می توان با نقاشی "باغ عدن" که توسط یک استاد ناشناس راین بالا در اطراف ایجاد شده است تأیید کرد.
1410-1420
اعتقاد بر این است که بال محراب سنت توماس با صحنه "ستایش مجوس به مسیح شیرخوار" توسط استاد فرانکه از هامبورگ ساخته شده است که در ثلث اول قرن پانزدهم به طور فعال کار می کرد. افسانه بودن رویداد انجیل.
2. نقاشی در آلمان در ثلث دوم قرن پانزدهم. اثر هانس مولچر، اثر کنراد ویتز، اثر استفان لوچنر
در مرحله 1430-1470. آثار هنرهای زیبا در آلمان مملو از پیکره های انسانی حجیم پلاستیکی است که در فضایی هنرمندانه طراحی شده غوطه ور شده اند. تجسم ها
موضوع 25. هنر نقاشی در آلمان قرن پانزدهم تا شانزدهم.
جنبه های مختلف تسلیت شخصیت های تصویر در معرض رنج های زمینی مسیح است، که اغلب به عنوان یک فرد برابر با مردم دیگر ارائه می شود و عذاب های زیادی از وجود زمینی را تجربه می کند. واقع گرایی بیانی از وقایع نفسانی تجلی یافته کتاب مقدس، با در نظر گرفتن همدلی طوفانی مخاطبان از مصائب مسیح به عنوان خود. در این سال ها هنرمندان هانس مولچر و کنراد ویتز در شهرهای بازل و اولم آلمان بسیار جالب کار کردند.
شهروند شهر اولم، هانس مولچر به عنوان یک نقاش و مجسمه ساز شناخته می شود. در آثار مجسمه سازی استاد - دکور جلو پنجره های تالار شهر اولم (1427) و طراحی پلاستیکی نمای غربی کلیسای جامع اولم (1430-1432). تأثیر هلندی، که به ما امکان می دهد نتیجه بگیریم که هنرمند در تورنای گذرانده و تحصیل کرده است. از نقاشی های مولچر دو محراب به صورت تکه پائین پایین آمده است. شاخص ترین اثر استاد «محراب وورتساخ» (1433-1437) است که از آن هشت بال که زندگی مریم را در بیرون و مصائب مسیح را در داخل به تصویر می کشد، حفظ شده است. از محراب استرزین مریم باکره (1456-1458)، تنها چند بال جانبی و مجسمه های چوبی حکاکی شده منفرد تا به امروز باقی مانده است.
تابلوی "مسیح قبل از پیلاطس" قطعه ای از قسمت داخلی "محراب وورتساخ" است. نگرش متفاوت شخصیت ها به عمل به تصویر کشیده شده است. یکی دیگر از بال های "محراب وورتساخ" تابلوی "رستاخیز مسیح" است.
کنراد ویتز که اهل سوابیا و شهروند شهر بازل است به عنوان نویسنده بیست تابلوی محراب شناخته می شود. همه آنها تأثیر هنری هنرمندان هلندی مانند رابرت کامپین و روژیر ون در ویدن را نشان می دهند. مشخصه آثار ویتز میل به دستیابی به یک انتقال دقیق واقعی از گوشت اشیا و وضوح فضایی از طریق مدل‌سازی نور و سایه است.
در 1445-1446. کنراد ویتز در حالی که در ژنو بود، به دستور کاردینال فرانسوا دی میز، «محراب کلیسای جامع سنت پیتر» را اجرا کرد. نقاشی سمت عقب محراب "گرفتار شگفت انگیز".
فضای هنری اثر با تلفیق دو طرح انجیلی «گرفتار معجزه‌آسا» و «راه رفتن روی آب‌ها» دلایلی را به تصویر می‌کشد که اجازه نمی‌دهد به پیوند دینی با خداوند متعال دست یابیم. گناه انسان، از دست دادن ایمان به خداوند.
AT نیمه اول قرن 15. اصالت آثار نقاشان آلمانی شهر کلن، به ویژه نقاشی های محراب،
ایجاد شده توسط Stefan Lochner. مطالعات نشان داده است که این هنرمند در اثر اصلی خود به دستاوردهای مینیاتور فرانسوی-فلاندری برادران لیمبورگ با ظرافت و رنگ‌آمیزی بدیع و همچنین سنت محلی کلن که توسط استاد سنت ورونیکا ارائه شده است، تکیه کرده است. به خصوص اغلب لوشنر تصاویری را نقاشی می کرد که مادر خدا را با کودک مسیح نشان می داد. در این راستا، مشهورترین نقاشی استفان لوچنر، نقاشی مری در صورتی است
موضوع 25. هنر نقاشی در آلمان قرن پانزدهم تا شانزدهم.
سخنرانی 84. نقاشی در آلمان قرن XVXVI.
باغ» (حدود 1448). ویژگی ترکیب تصویر به شکل یک خط منحنی حلقوی.
3. نقاشی در آلمان در ثلث آخر قرن پانزدهم. اثر مارتین شونگوئر، اثر مایکل پاچر
در دوره 1460-1490. روند خلق آثار هنرهای زیبا در آلمان تحت تأثیر رنسانس ایتالیایی ترچنتو (در درجه اول خلقت سیمون مارتینی) و کار استادان هلندی روژیر وان در ویدن و هوگو ون در گوس قرار گرفت. مشکل تجسم طیف احساسات.
یکی از نقاشان برجسته آلمانی در نیمه دوم قرن پانزدهم. مارتین شونگوئر بود. در ابتدا پیش بینی شده بود که این هنرمند شغلی به عنوان کشیش داشته باشد. شونگوئر نقاشی را نزد کاسپار ایزنمن در کولمار آموخت. ترسیم به شیوه روژیر وان در ویدن واقعیت اقامت شونگوئر در بورگوندی را تایید می کند.
اثر "ستایش شبانان" (1475-1480). بیانی بصری از صداقت معنوی قهرمانان عمل زیبا. در رویدادی که شونگائر به تصویر می کشد، توجه اصلی به این است که همه شخصیت ها چقدر در اعمال و افکار خود صادق هستند.
اثر مایکل پاچر. این هنرمند در Pustertal تحصیل کرد و همچنین یک سفر آموزشی به شمال ایتالیا انجام داد که زبان پلاستیک ایتالیایی شده آثار او به وضوح نشان می دهد.
از بهترین نقاشی های مایکل پاچر می توان به محراب پدران کلیسا (1477-1481) اشاره کرد. تابلوی "دعای سنت ولفگانگ" قسمت بالایی بال بیرونی سمت راست "محراب پدران کلیسا" است.
فضای هنری اثر نشان می‌دهد که صمیمیت و صمیمیت دعای اسقف رگنسبورگ بود که در محاسبه الهی ولفگانگ به مقام اولیاء و عروج روح او به بلندی‌های عالم بهشت کمک کرد.
4. نقاشی در آلمان در اواخر قرن پانزدهم تا شانزدهم. اثر ماتیاس گرونوالد، اثر لوکاس کراناخ بزرگ، اثر آلبرشت دورر، کار هنرمندان «مکتب دانوبی»: آلبرشت آلتدوفر
هنرهای زیبای آلمان در آستانه قرن پانزدهم تا شانزدهم بالاترین مرحله رنسانس آلمان، بهترین دوره های خلاقیت آلبرشت دورر و نیتارت گوتارت (ماتیاس گرونوالد)، لوکاس کراناخ بزرگ و هانس هولبین جوان است. اغلب یک موتیف مجزای مجزا و حتی طبیعی حل شده تا سطح یک ایده کلی و جهانی ارتقا می یابد. در آفرینش های هنری، اصول عقلانی و عرفانی در کنار هم قرار دارند.
موضوع 25. هنر نقاشی در آلمان قرن پانزدهم تا شانزدهم.
سخنرانی 84. نقاشی در آلمان قرن XVXVI.
ماتیاس گرونوالد یکی از بزرگترین نقاشان رنسانس "شوق" آلمانی است که آثارش با مناطق آلمان واقع در امتداد سواحل ماین و راین میانی مرتبط است. مشخص است که این هنرمند به طور متناوب در Seligenstadt ، Aschaffenburg ، Mainz ، Frankfurt ، Halle ، Isenheim کار می کرد.
وظیفه تجسم ویژگی های همدردی ابتکاری، همدلی، همذات پنداری، پذیرش عذاب مسیح رنج کشیده به عنوان درد خود است. به اشتراک گذاری توسط هنرمند از دیدگاه های توماس کمپیس. در زمان گرونوالد، کتاب توماس آ کمپیس در مورد تقلید از مسیح چنان محبوب بود که از نظر تعداد نسخه ها پس از کتاب مقدس در رتبه دوم قرار داشت.
مهم ترین اثر ماتیاس گرونوالد «مذبح ایزنهایم» (1516-1512) بود که برای کلیسای سنت آنتونی در ایزنهایم ساخته شد.
محراب شامل حرم با مجسمه و سه جفت بال - دو متحرک و یکی ثابت است. دگرگونی های مختلف با درهای محراب مستلزم حرکت صحنه های تجسم و قربانی شدن منجی است.
AT وقتی بسته می شود، قسمت مرکزی محراب صحنه مصلوب شدن مسیح را نشان می دهد. در محدوده، "Etombment" به زیبایی آشکار شده است، و در بال های جانبی "Saint Anthony" و "Saint Sebastian".
AT به طور کلی، وقایع مذهبی به تصویر کشیده شده بر روی درهای محراب، ایده قربانی بزرگ عیسی مسیح و رهبران منتخب کلیسای مسیحی برای کفاره گناهان انسان را تجسم می کند، به وضوح دعای کاتولیک "Agnus Dei" - "بره" را بیان می کند. خدایی که گناهان دنیا را گرفت، به ما رحم کن». واقع گرایی بیانی از وقایع کتاب مقدس، با در نظر گرفتن همدلی طوفانی مخاطبان از مصائب مسیح به عنوان خود. حدود تسلیت. سنت های استادان هلندی. ابزاری برای ارائه جزئیات واقعی جسم چیزها
و وضوح فضایی
فضای هنری تابلوی "صلیب‌کشی مسیح" نشان‌دهنده عیسی مسیح است که با چندین مورد آینده به صلیب میخ‌شده است. ناجی بزرگ و به طرز وحشتناکی مثله شده است. جسد مسیح که به تصویر کشیده شده است گواهی بر عذاب های وحشیانه ای است که مسیح در معرض آن قرار گرفته است. کاملاً با صدها زخم وحشتناک پوشیده شده است. عیسی با میخ های غول پیکر به صلیب میخکوب شده است که به معنای واقعی کلمه دست و پای او را می شکند. سر با خوشه های تیز تاج خار بد شکل شده است.
در سمت چپ صلیب کالواری، یحیی انجیلی به تصویر کشیده شده است که از مدونا حمایت می کند، که در اثر دعای طولانی ضعیف شده است، و مریم مجدلیه گناهکار، که در پای صلیب زانو زده و در دعای پرشور به سمت ناجی می رود.
در سمت راست شکل مسیح، یحیی باپتیست و بره خدا به تصویر کشیده شده است. حضور یحیی باپتیست در صحنه «صلیب‌کشی» به مضمون گلگوتا بُعد دیگری می‌بخشد، و یادآور رستگاری است که قربانی مسیح برای آن انجام شده است. رویداد انجیل با چنان قدرت بیانی ارائه می شود که نمی تواند کسی را بی تفاوت بگذارد.
موضوع 25. هنر نقاشی در آلمان قرن پانزدهم تا شانزدهم.
سخنرانی 84. نقاشی در آلمان قرن XVXVI.
بدون دلیل، در نزدیکی شکل یحیی باپتیست، که به عیسی مسیح اشاره می کند، کتیبه ای وجود دارد: "او باید افزایش یابد، من باید کوچک شوم."
با باز بودن درهای "محراب ایزنهایم"، تابلوی مرکزی اثر صحنه "جلال مریم" را ارائه می دهد که در سمت چپ آن "بشارت" و در سمت راست "رستاخیز مسیح" به تصویر کشیده شده است.
از لحاظ ترکیب بندی و رنگ شناسی، تابلوی «تجلیل مریم» به دو قسمت تقسیم می شود که هر کدام رویداد خاص خود را از شکوه مدونا نشان می دهد.
تابلوی "رستاخیز مسیح" با درهای باز "محراب ایزنهایم" که در کنار تابلوی "جلال مریم" قرار دارد، نشان دهنده منجی در کسوت شوالیه ای است که در درخشش عرفانی بر فراز زمین بالا می رود. سبک. شوالیه مسیح پس از برخاستن از مردگان، با حقیقت رستاخیز، پیروزی همه جانبه ای را بر سربازان مسلح به دست آورد. نماد پوشش تابوت، جایی که بدن منجی محصور شده بود. معنی عمل غلتیدن از سنگ قبر مسیح. تخته مقبره ای که خداوند از آن برخاسته به صورت لوحی حاوی شرحی از شریعت عهد عتیق. تجسم پیروزی بر پیروان اصول عهد عتیق، نمادی از پیروزی قانون انجیل است.
چیدمان "محراب ایزنهایم" نه تنها به باز شدن، بلکه به حرکت اضافی درهای تصویری کمک می کند، که بخش مجسمه ای کار را با مجسمه های سنت آگوستین، سنت آنتونی و سنت ژروم نشان می دهد. و همچنین یک پردلا با نیم مجسمه های مجسمه ای مسیح و دوازده حواری. در پشت فلپ های داخلی، از یک طرف، صحنه "مکالمه سنت آنتونی با سنت پل زاهد گوشه نشین"، و از سوی دیگر - "وسوسه سنت آنتونی".
فضای هنری تابلو "وسوسه سنت آنتونی".
اثر لوکاس کراناخ بزرگ نقاش درباری انتخاب کننده ساکسون فردریک حکیم و همچنین یک گرافیست فوق العاده است. کراناچ بنیانگذار و بزرگترین نماینده مکتب هنر ساکسون در نظر گرفته می شود. همزمان با فعالیت خلاقانه خود، استاد کارهای مهم شهرداری را در ویتنبرگ انجام داد: او یک میخانه، یک داروخانه، یک چاپخانه و یک کتابخانه داشت. کراناچ حتی یکی از اعضای شورای شهر بود و در دوره 1537 تا 1544. او سه بار به عنوان رئیس شهر ویتنبرگ انتخاب شد.
با وجود این واقعیت که بسیاری از آثار مهم لوکاس کراناخ بزرگ در جریان اصلاحات و آتش سوزی که ویتنبرگ را در سال 1760 ویران کرد از بین رفت، آثاری که تا به امروز باقی مانده اند نشان دهنده تنوع استعداد استاد است. او پرتره های بسیار خوبی کشید و همچنین نقاشی هایی با موضوعات مذهبی و اساطیری خلق کرد. برهنه های معروف کراناچ متعدد هستند - زهره، حوا، لوکرتیا، سالومه، جودیت. استاد هنگام خلق آثار از مضامین منابع انسانی معاصر استفاده می کرد.
موضوع 25. هنر نقاشی در آلمان قرن پانزدهم تا شانزدهم.
سخنرانی 84. نقاشی در آلمان قرن XVXVI.
فضای هنری تابلوی «مجازات کوپید» لوکاس کراناچ. الهه عشق به زیبایی برهنه اش فرا خوانده می شود تا روح انسان را از شر پلیدی گناه آلود بشوید و دل های انسان را از سنگدلی و سنگدلی رها کند. وظیفه برانگیختن انرژی شفاف عشق است و بدین وسیله روح انسان را از لجن چسبنده ناسزاهای روزمره بیرون می کشد. ویژگی های ترکیب مارپیچ اثر.
اثر "مارتین لوتر" که در سال 1529 اجرا شد، لوکاس کراناخ بزرگ را به عنوان یک نقاش پرتره عالی نشان می دهد.
مصلح بزرگ آلمانی کلیسای کاتولیک در «زندگی عادلانه روزمره» در حال ارتباط با خدا به تصویر کشیده شده است.
کار آلبرشت دورر - نقاش، گرافیست و حکاکی بزرگ آلمانی اواخر پانزدهم - ثلث اول قرن شانزدهم. ویژگی های کار دورر:
1. نوسان علاقه حرفه‌ای از تصاویر فلسفی تعمیم‌یافته به بازنمایی‌های بصری طبیعت‌گرایانه سخت.
2. مبنای علمی فعالیت، ترکیبی از مهارت های عملی با دانش عمیق و دقیق (دورر نویسنده رساله های نظری "راهنمای اندازه گیری با قطب نما و خط کش" و "چهار کتاب در مورد نسبت های انسانی" است).
3. کشف امکانات جدید برای خلق آثار گرافیکی و تصویری (حکاکی که پیش از او به عنوان یک طراحی سیاه بر زمینه سفید شناخته می شد، دورر را به نوعی هنری خاص تبدیل کرد که آثار آن در کنار رنگ های سیاه و سفید، دارای رنگ های سیاه و سفید است. تعداد زیادی سایه میانی)؛
4. کشف ژانرها، مضامین و طرح‌های هنری جدید (دورر اولین کسی بود که در آلمان اثری با ژانر منظره خلق کرد (1494)، اولین کسی که در هنر آلمان یک زن برهنه را به تصویر کشید (1493)، اولین کسی بود که خود را برهنه نشان داد. خودنگاره (1498) و غیره؛
5. ترحم نبوی آفرینش های هنری.
آلبرشت دورر دو سال قبل از مرگش، دوگانه تصویری معروف خود "چهار رسول" (1526) را خلق کرد که بسیار آن را گرامی داشت.
فضای هنری تصویر سمت چپ دیپتیخ نشان دهنده حواریون یوحنا و پطرس و سمت راست - رسولان پولس و مارک است.
حواریون به تصویر کشیده شده، خلق و خوی انسان را به تصویر می کشند. انجیلیست جان، که به عنوان جوان و آرام معرفی می شود، خلق و خوی آرام را به تصویر می کشد. سنت پیتر که پیر و خسته به تصویر کشیده شده است، نمادی از خلق و خوی بلغمی است. اوانجلیست مارک، که در حرکتی تند با چشمانی درخشان نشان داده شده است، خلق و خوی وبا را به تصویر می کشد. سنت پل که عبوس و محتاط نشان داده شده است، خلق و خوی مالیخولیایی را نشان می دهد.
اثر مانند ماهرانه ترین آینه تحلیلی روح انسان است. نمایش بصری طیف کاملی از خلق و خوی.
موضوع 25. هنر نقاشی در آلمان قرن پانزدهم تا شانزدهم.
سخنرانی 84. نقاشی در آلمان قرن XVXVI.
از سوی دیگر، این اثر شاهدی بصری بر حقیقت ظهور انبیا است و از طرف خداوند و نه شیطان، آموزه مسیحی را گسترش می دهد. ویژگی های پرتره رسولان.
هر دو نقاشی در پایین تصویر حاوی متون ویژه ای از عهد جدید است که به نمایندگی از دورر، توسط خوشنویس Neiderfer به دقت اجرا شده است.
دوگانه «آدم و حوا» که توسط دورر در سال 1507 خلق شد و همچنین اثر «چهار رسول» از دو اثر نقاشی نسبتاً مستقل تشکیل شده است. فضای هنری تصویر سمت راست حوا را نشان می دهد که در کنار درخت معرفت خیر و شر ایستاده و سیبی سرخ را از مار وسوسه کننده دریافت می کند. فضای هنری تصویر سمت چپ، آدم را با شاخه میوه درخت سیب در دست نشان می دهد.
یادآوری گناهکاری هر فرد به مردم، هشداری در مورد عواقب مهلک گناه اولیه.
حکاکی روی مس «شوالیه، مرگ و شیطان» (1513) یکی از بهترین کارهای گرافیکی آلبرشت دورر است. فضای هنری اثر نشان دهنده یک شوالیه سوارکاری با زره سنگین است که سعی دارد راه مرگ و شیطان را ببندد.
طرح حکاکی با رساله اراسموس روتردام "راهنمای جنگجوی مسیحی" (1504) در ارتباط است - یک آموزه اخلاقی و اخلاقی که در آن نویسنده از همه شوالیه های مسیح درخواست می کند که از آن نترسند. مشکلات اگر شیاطین مرگبار وحشتناک راه را مسدود کنند. نمایش قدرت روح، تلاش خستگی ناپذیر برای روح خدا، که هیچ کس و هیچ چیز در جهان، حتی مرگ و شیطان، قادر به جلوگیری از آن نیستند.
پدیده ای بسیار متمایز از رنسانس آلمان در آغاز قرن شانزدهم. فعالیت هنرمندان «مدرسه دانوب» (به آلمانی: Donauschule) بود که با کار خود ژانر منظره عاشقانه خارق العاده را کشف کردند. نقاشی‌های دانوب ایده نیاز به اتحاد زندگی انسان با زندگی طبیعت، ریتم طبیعی وجود آن و یک ارتباط پانانتئیستی ارگانیک با خدا را تجسم می‌کردند.
استاد برجسته مکتب دانوب آلبرشت آلتدوفر بود. مطالعات نشان داده است که شکل گیری روش خلاقانه هنرمند تحت تأثیر آثار لوکاس کراناخ بزرگ و آلبرشت دورر بوده است.
یک اثر نماینده مرحله اولیه کار آلتدوفر، نقاشی "دعا برای جام" بود که توسط استاد در اوایل دهه 1510 اجرا شد. فضای هنری اثر، که به طور حسی طرح انجیل را آشکار می کند، طبیعت را به عنوان نوعی ارگانیسم زنده حساس نشان می دهد که فعالانه به رویدادهایی که در دنیای انسانی روی می دهد واکنش نشان می دهد.
در حدود آغاز دهه 1520. تغییرات قابل توجهی در فعالیت هنری Altdorfer رخ داد. موضوع مرکزی
موضوع 25. هنر نقاشی در آلمان قرن پانزدهم تا شانزدهم.
سخنرانی 84. نقاشی در آلمان قرن XVXVI.
تجسم پیچیدگی های تعامل عالم طبیعت الهی با دنیای انسان رها شده از سوی خداوند به کار خلاق استاد تبدیل شد. برای این مرحله از فعالیت هنرمند، تابلوی «منظره با پل» (دهه 1520) نشانگر است. موضوع اصلی، تجسم پیچیدگی های تعامل جهان طبیعت الهی با دنیای انسانی رها شده توسط خداوند است.
اوج هنر آلتدوفر، نقاشی "نبرد اسکندر کبیر" بود که توسط استاد در سال 1529 به دستور دوک ویلهلم بایرن خلق شد.
فضای هنری اثر نمایانگر پانورامای کیهان است. عناصر الهی آتش خورشیدی، هوای بهشتی، آب اقیانوس و زمین سنگی به عنوان زندگی بر اساس قانون واحد کیهان به تصویر کشیده شده اند که به طور مداوم و نسبتاً سفت و سخت با یکدیگر تماس دارند. با این حال، این یک نبرد مخرب عناصر در بین خود نیست، بلکه اصل تعامل طبیعی آنهاست. اصل تعامل طبیعی عناصری که بر اساس قانون واحد جهان زندگی می کنند.
5. نقاشی در آلمان در قرن شانزدهم پدیده اصلاح طلبی
تاریخ رنسانس در آلمان به طور ناگهانی به پایان رسید. تا 1530-1540. در واقع همه چیز تمام شده بود. اصلاحات در اینجا نقش فاجعه باری ایفا کرد. برخی از جریانات پروتستان مستقیماً با شعارهای شمایل شکنانه و عزم تخریب بناهای هنری به عنوان خدمتگزار اندیشه های کاتولیک به میدان آمدند. در آن سرزمین‌های آلمانی که اولویت مذهبی به پروتستانتیسم رسید، تزئینات تصویری کلیساها به زودی به کلی کنار گذاشته شد، به همین دلیل است که اکثر هنرمندان اساس وجود خود را از دست دادند. فقط در اواسط قرن شانزدهم. در آلمان احیای فعالیت های هنری وجود دارد، و حتی پس از آن در مناطقی که به کاتولیک وفادار مانده اند. در اینجا، مانند هلند، رومیسم در حال توسعه است.
در نیمه دوم قرن شانزدهم، هنرهای زیبای آلمان به طور فعال به جریان کلی منشیریستی نقاشی اروپای غربی پیوست. با این حال، اکنون نمونه های هنر آلمانی به هیچ وجه توسط استادان محلی شکل نگرفت، بلکه توسط هنرمندان هلندی و فلاندری که برای کار در این کشور دعوت شده بودند، شکل گرفت.
اثر هانس هولبین جوان نقاش و گرافیست آلمانی است. هانس هولبین مانند برادرش آمبروسیوس تحصیلات خود را در کارگاه پدرش آغاز کرد.
در دوره اولیه خلاقیت، استاد متاثر از آثار ماتیاس گرونوالد بود که شخصاً در سال 1517 در ایزنهایم با وی ملاقات کرد. به همین ترتیب، در آثار اولیه هولبین، علیرغم اینکه هیچ مدرکی وجود ندارد، تأثیر ایتالیایی احساس می شود. این هنرمند در حال بازدید از ایتالیا اثر «صلیبی» به دوره ابتدایی فعالیت هانس هلبین اشاره دارد.
موضوع 25. هنر نقاشی در آلمان قرن پانزدهم تا شانزدهم.
سخنرانی 84. نقاشی در آلمان قرن XVXVI.
بسیاری از آثار هولبین، که در آلمان خلق شد، در فوریه 1529 قربانی «شیک‌شکنی» اصلاح‌طلب شد. این دلیل اصلی بود که در آن سال بود که استاد سرانجام در انگلستان اقامت گزید. در انگلستان، هولبین عمدتاً به عنوان نقاش پرتره در دربار لندن کار می کرد و به تدریج به عنوان مهم ترین نقاش پرتره در شمال اروپا شهرت پیدا کرد.
از آغاز سال 1536، این هنرمند به خدمت پادشاه هنری هشتم درآمد، که برای او سفرهای زیادی به این قاره انجام داد تا پرتره هایی از شاهزاده خانم ها را خلق کند که به عنوان مهمانی های مناسب در نظر گرفته می شد.
پرتره های دوره انگلیسی عمدتاً اعضای خانواده سلطنتی و نمایندگان عالی ترین طبقه اشراف را به تصویر می کشند.
اثر «هنری هشتم» (حدود دهه 1540) متعلق به بهترین آثار پرتره استاد است. استاد علاوه بر پرتره‌ها، نقاشی‌های دیواری و همچنین طرح‌هایی از لباس‌ها و ظروف ساخت. شاهکار واقعی هولبین «رقص مرگ» بر چوب او بود که در سال 1538 خلق شد.
1 - توسعه نقاشی هلندی
نقاشی در قرن شانزدهم هنر مورد علاقه فلاندر و هلند باقی ماند. اگر هنر هلندی این زمان، علیرغم شکوفایی باشکوه، آرام و بالغ قرن پانزدهم و حتی پیشرفت مهمتر و آزادتر، بیشتر در قرن هفدهم، هنوز یک هنر انتقالی است و به دنبال راههایی است، دلیل این امر این است. مهم نیست که آنها چه می گویند، عمدتاً در انتقال قدرتمند اما ناهموار به شمال زبان جنوبی شکل ها نهفته است که پردازش آن توسط نقاشان برجسته هلندی قرن شانزدهم فقط از نظر معاصران موفقیت آمیز بود، اما نه در نظر آیندگان اینکه هنرمندان هلندی آن زمان، مانند اکثر هنرمندان آلمانی، به سرگردانی به شمال ایتالیا راضی نبودند، بلکه مستقیماً به رم رفتند، که سبک تصفیه شده آن برخلاف طبیعت شمالی بود، برای او مرگبار شد. در کنار گرایش «رومی» که در سال 1572 با تأسیس اخوان رومانیست های آنتورپ به اوج خود رسید، جریان ملی در عرصه نقاشی هرگز خشک نشد. اقدامات ملی نادری که جنبش قرن پانزدهم در آن تداوم و رنگ خود را یافت، دهه ها برتری ایتالیایی را دنبال کرد. در نیمه دوم قرن، زمانی که این «ایتالیایی» به سرعت به شکلی آکادمیک منجمد شد، فوراً یک مخالفت ملی شدید علیه آن ظاهر شد که نشان دهنده ترسیم مسیرهای جدید بود. اگر آلمان قبلاً در توسعه مستقل ژانر و منظر در گرافیک رهبری می کرد، اکنون این شاخه ها به شاخه های مستقل نقاشی سه پایه در دست هلندی ها تبدیل شده اند. به دنبال آن یک پرتره گروهی و یک موتیف معماری در نقاشی انجام شد. دنیاهای جدیدی باز شده است. با این حال، در طول قرن شانزدهم چنان تبادل نقاشان پر جنب و جوشی بین فلاندر و هلند وجود داشت که منشأ استادان معنای کمتری نسبت به سنت آنها داشت. در نیمه اول قرن شانزدهم، ما باید پیشرفت نقاشی هلندی را در مراکز اصلی مختلف آن مشاهده کنیم. در مورد دوم، ردیابی توسعه شاخه های فردی آموزنده تر خواهد بود.
اکنون در هلند، نقاشی سه پایه غالب بود. هنرهای بازتولید، حکاکی روی چوب و حکاکی روی مس، بیشتر تحت تأثیر گرافیک آلمانی عالی هستند. علیرغم اهمیت لوک لیدن، نقاش قلمزنی با تخیل مستقل، علیرغم شایستگی اساتیدی چون هیرونیموس کوک، هیرونیموس ویریکس و فیلیپ گال برای انتشار اکتشافات هموطنان خود، و علیرغم تمامیت تصویری بالایی که قلمزنی روی مس به دست آورد. در دستان گندریک گولتزیوس (1558-1616) و شاگردانش، حکاکی روی مس و حکاکی روی چوب در هلند نقش مهمی مانند آلمان ندارند. مینیاتور کتاب در هلند نیز تنها در بقایای دوران شکوفایی سابق خود زندگی می کرد که ثمرات آن را فقط در مواردی می توانیم نشان دهیم. برعکس، دقیقاً در اینجا بود که نقاشی دیواری، قاطع‌تر از جاهای دیگر، حقوق و تکالیف خود را از یک سو به بافت قالی که تاریخ آن توسط گیفر، مونتز و پنچارد نوشته شده بود، واگذار کرد. از سوی دیگر، به نقاشی روی شیشه، که توسط لوی، عمدتاً در بلژیک مورد مطالعه قرار گرفت. قالی بافی را نمی توان از هنر بزرگ نقاشی هلندی قرن شانزدهم در هواپیما حذف کرد. بافت بقیه اروپا در برابر فرش بافی هلندی کمرنگ است. در هلند، بدون شک نقش اصلی در این هنر به بروکسل داده شده است. در واقع، حتی لئو ایکس دستور تولید فرش‌های معروف رافائل را در کارگاه پیتر ون آلست در بروکسل در سالهای 1515-1519 داد. تعدادی دیگر از سری فرش های معروف، نقاشی شده توسط ایتالیایی ها، که در کاخ ها، کلیساها و مجموعه ها نگهداری می شوند، بدون شک منشا بروکسل هستند. بیایید 22 فرش با کارهای اسکیپیو در Garde Meuble در پاریس، 10 تابلو فرش با داستان عشق Vertumnus و Pomona در کاخ مادرید و 26 گاو بافته شده از داستان Psyche در قصر در Fontainebleau نام ببریم. شکارهای ماکسیمیلیان در فونتنبلو و فتح تونس در کاخ مادرید نیز بر اساس کاریکاتورهای هلندی بارند ون اورلی (متوفی 1542) و یان کورنلیس ورماین (1500-1559) بافته شد. این شاخه از هنر اکنون سبک سخت سابق خود را با فضای محدود برای زیباتر و عمق سبک خود را برای تجمل رنگ های روشن تر فراموش کرده است. در همان زمان، نقاشی روی شیشه در هلند، مانند جاهای دیگر، در امتداد همان پلاستیک بیشتر، با جهت رنگ‌های روشن‌تر پیش رفت. و در اینجا بود که او برای اولین بار شکوه خود را به طور گسترده و مجلل آشکار کرد. مجموعه ای از پنجره ها مانند کلیسای St. والترود در مونس (1520)، در کلیسای St. یعقوب در لوتیچ (1520-1540) و کلیسای St. کاترین در گوگستراتن (1520-1550)، که نقاشی‌هایش در نقوش معماری هنوز با پژواک‌های گوتیک آغشته است، و همچنین مجموعه‌های بزرگی که کاملاً با فرم‌های رنسانس پوشیده شده‌اند، برای مثال، پنجره‌های باشکوه کلیسای جامع در بروکسل، که تا حدی به سمت Orlais صعود می‌کنند. 1538)، و کلیسای بزرگ در گود، آثاری که بخشی از ووتر و دیرک کرابث (1555-1577)، بخشی از لامبرت ون نورت (قبل از 1603) از بزرگترین آثار نقاشی روی شیشه قرن شانزدهم است. حتی اگر بپذیریم که نقاشی شیشه‌ای معرق باستانی شیک‌تر از نقاشی جدید بوده است، اما نمی‌توان از آرامش، با تعداد کمی هماهنگی رنگ‌های پنجره‌های بزرگ این جهت، تحت تأثیر قرار نگرفت.
نوع خاصی از نقاشی‌های یادبود در بخشی از هلند با نقاشی‌های بزرگ نقاشی شده روی چوب برای طاق‌های سقفی نشان داده می‌شود، که در چند ضلعی‌های گروه کر کلیسا نشان‌دهنده آخرین داوری و سایر رویدادهای کتاب مقدس با مزاج است، به عنوان موازی‌های عهد عتیق با جدید. نقاشی‌هایی از این دست که توسط گوستاو ون کالکن و یان سیکس منتشر و ارزیابی شده‌اند، در کلیساهای Enkhuizen (1484)، Narden (1518)، Alkmaar (1519)، Warmhuizen (1525) و در کلیسای St. اگنس در اوترخت (1516).
قدیمی ترین اطلاعات در مورد نقاشی هلندی قرن شانزدهم در توصیف هلند توسط Guicciardini، در اپیگرام های نقاشی های Lampsonius و در کتاب معروف در مورد نقاشان اثر Karel van Mander با یادداشت های Hymans به زبان فرانسوی و Hans Flörke یافت می شود. به زبان آلمانی. از آثار کلی باید به آثار واگن، اشناسه، میشیل، ای. آی واترز و تورل و همچنین آثار ریگل و بی ریهل اشاره کرد. بر اساس شایبلر و نویسنده این کتاب سی سال پیش به مطالعه نقاشی هلندی این دوره پرداخته است. از آن زمان، نتایج او تا حدی تکمیل شد، تا حدی توسط تحقیقات جداگانه جدید توسط Scheibler، Hyymans، Gulin (van Loo) و Friedländer تایید شد. تاریخ نقاشی آنتورپ توسط Max Rooses و F. I. van den Branden نوشته شده است. برای تاریخ هنر لوون، ون اوان بیش از سی سال پیش پایه و اساس را برای Mecheln - Neeffs، برای Lüttich - Gelbig، برای Harlem van der Willigen گذاشت.
2 – جذابیت هلند برای هنرمندان
قبلاً در ربع اول قرن شانزدهم، هنرمندانی از شهرهای مختلف فلاندری، هلندی و والون به آنتورپ هجوم آوردند. در فهرست استادان و شاگردان انجمن نقاشان آنتورپ که توسط رومبوتس و ون لریوس منتشر شده است، در میان هزاران نام ناشناخته، اکثر نقاشان معروف هلندی این قرن از پیش روی ما می گذرند. رهبری آنها توسط کوئنتین ماسیز بزرگ، استاد بزرگ فلاندری، که همانطور که اکنون به طور کلی شناخته شده است، در سال 1466 در لوون از والدین آنتورپ به دنیا آمد و در سال 1491 استاد انجمن سنت سنت شد. لوک در آنتورپ، جایی که او در سال 1530 درگذشت. اطلاعات ما در مورد این استاد در زمان های اخیر به لطف Guillemans، Carl Justi، Gluck، Cohen و de Baucher افزایش یافته است. کوهن نشان داد که کوئنتین در لوون بر اساس آثار پیر فلمینگ دیرک بوتس بزرگ شده است و ظاهراً با پسرش آلبرشت بوتس (حدود 1461-1549) همسایه بوده است، که ون اوون، گولین و دیگران او را در استاد "می بینند. عروج بانوی ما» از موزه بروکسل. اینکه کوئنتین در ایتالیا بود ثابت نشده است، و لزوماً از سبک او که ممکن است در خاک محلی به آزادی، وسعت و شعله روح آن زمان، چه در شمال و چه در جنوب، توسعه یافته باشد، پیروی نمی کند. حتی پژواک رنسانس در ساختار نقاشی‌ها و لباس‌های بعدی‌اش، فضای پر از خلق و خوی مناظر او با ساختمان‌های مجلل در دامنه‌های جنگل‌های کوهستانی و لطافت مدل‌سازی مطمئن او از بدن، که با این حال، هیچ وجه اشتراکی ندارد. با "sfumato" لئوناردو داوینچی، ما را متقاعد نکنید که او باید آثار این استاد را می‌شناخت. با این حال، او به هیچ وجه نسبت به جنبش رنسانس سرد نبود و با شجاعت و قدرت نقاشی فلاندری را در جریان اصلی زمان خود رهبری کرد. البته او تنوع، استحکام و عمق روحی دورر را ندارد، اما در قدرت تصویرگری قلم مو از او پیشی می گیرد. زبان فرم کوئنتین که اساساً در اصل شمالی است و در وابستگی به سبک‌های دیگر از زبری و زاویه‌ای خالی نیست، در برخی از سرها از نوع مستقل با پیشانی‌های بلند، چانه‌های کوتاه و دهان‌های کوچک و کمی بیرون زده ظاهر می‌شود. رنگ‌های او آبدار، روشن و درخشان هستند، در تن بدن به رنگ‌های تک رنگ سرد و در لباس‌ها به رنگ‌های رنگین کمانی که دورر قطعاً آن را رد می‌کند. نوشته‌های او با تمام قدرتش به تکمیل دقیق جزئیاتی مانند دانه‌های برف شفاف و تکان دادن موهای سر می‌رسد. غنای تخیل مشخصه کوئینتن نیست، اما او می داند که چگونه به اعمال آرام یک زندگی معنوی بسیار صمیمی بدهد. گروه های اصلی نقاشی های او معمولاً پیش زمینه را در عرض کامل اشغال می کنند. منظره نور یک انتقال باشکوه از پلان میانی به پس زمینه ایجاد می کند.
تصاویر نیم تنه در اندازه واقعی از ناجی و مادرش در آنتورپ که با عشق نقاشی شده، اما به صورت خشک پردازش شده است، بدون شک به قرن پانزدهم باز می گردد. تکرار آنها در لندن به جای زمینه سبز تیره، پس زمینه طلایی دارد. چهار محراب بزرگ تصوری از قدرت بالغ کوئنتین در آغاز قرن جدید می دهد. قدیمی‌ترها درهای محراب حکاکی شده‌ای هستند که در سال 1503 در سن سالوادور در وایادولید ظاهر شد. آنها ستایش شبانان و مغان را به تصویر می کشند. شواهدی که کارل جاستی به آنها اشاره می کند باعث می شود که در آنها آثار بسیار معمولی کوئنتین را تشخیص دهیم. شناخته شده، به راحتی قابل دسترسی، بزرگترین و بهترین آثار کوئینتن در سال 1509 تکمیل شد، محراب St. آنا از موزه بروکسل، با زیبایی آرام، با St. متولد شده در حال و هوای رویایی قسمت میانی و تکمیل شده در سال 1511، محراب ap. جان از موزه آنتورپ، قسمت میانی آن، در تصویری گسترده، قدرتمند و پرشور، نشان‌دهنده مرثیه بر بدن مسیح است. درهای محراب سنت. آنا حاوی رویدادهایی از زندگی یواخیم و آنا است که به طور گسترده و حیاتی با انتقال عالی زندگی معنوی نوشته شده است. بال‌های محراب جان در طرفین خود عذاب‌های دو جان را دارد و در اضلاع بیرونی آنها طبق رسم قدیمی به شکل مجسمه‌هایی که با رنگ‌های خاکستری روی زمینه خاکستری نقاشی شده‌اند، ارائه شده‌اند. چهارمین اثر متوالی با این آثار، به گفته گولین، سه‌گانه بزرگ کوئنتین با مصلوب شدن در مجموعه مایر ون دن برگت در آنتورپ است. در میان تصاویر کوچک مذهبی، چندین نقاشی که قبلاً آثار «منظره‌ساز» پاتینیر به حساب می‌آمدند، به آنها می‌پیوندند و مهمتر از همه، مصلوب زیبای مجدلیه، در آغوش گرفتن پای صلیب در گالری ملی لندن و در گالری لیختن اشتاین در وین در مجاورت این نقاشی‌ها یک «مرثیه بر بدن مسیح» زیبا در موزه لوور قرار دارد که به طرز ماهرانه‌ای ظرافت جسم مقدس و اندوه مریم و جان را به تصویر می‌کشد، اما همه آن را اثری نمی‌دانند. کوئینتن. بدون شک، مدوناهای باشکوه و باشکوه در بروکسل و برلین و تصاویر خیره کننده مجدلیه در برلین و آنتورپ واقعی هستند.
کوئنتین ماسیس همچنین سازنده ژانر هلندی نیمه فیگور در اندازه واقعی بود. بیشتر نقاشی‌های باقی‌مانده از این دست، با افراد تجاری در دفاتر، البته فقط کار کارگاه است. اثر دست‌نویس، با قضاوت بر اساس نامه مطمئن و تمام‌شده، «سنج‌گر طلا و همسرش» در موزه لوور، «جفت نابرابر» در کنتس پورتال در پاریس است. ناگفته نماند که کوئنتین همچنین بزرگترین نقاش پرتره زمان خود بود. پرتره های گویاتر و هنرمندانه تر از او در آن زمان در هیچ کجا نقاشی نمی شد. مشهورترین آنها پرتره برخی از کانون ها در پس زمینه منظره ای وسیع و زیبا در گالری لیختن اشتاین، پرتره پیتر اگیدیوس در مطالعه خود در قلعه لانگفورد، و پرتره نگارش اراسموس در کاخ استروگانوف در رم هستند. پرتره ژان کاروندلت در زمینه سبز در پیناکوتک مونیخ توسط بهترین خبره ها به اورلا نسبت داده شده است. وسعت روزافزون ایده و شیوه های نقاشی استاد را دقیقاً در این پرتره ها می توان ردیابی کرد.
Fig.76 - Masseys, Quentin. پرتره یک سردفتر.
پیروان بدون شک با کوئنتین ماسیز ظاهر شدند، عمدتاً در زمینه پرتره ژانر در یک نیم فیگور بزرگ. برخی از پرتره‌هایی از این دست که قبلاً از آثار او محسوب می‌شدند، به‌عنوان مثال «دو خسیس» در ویندزور، که دو باچر بر مالکیت آن اصرار دارد کوئنتین، و «تورگ به‌خاطر یک مرغ» در درسدن، به دلیل فرم‌های خالی و رنگ‌های سردشان. ، دوباره به پسرش نسبت داده شدند. مارینوس کلاس از رومرسوال (ریمرسوال) (از 1495 تا 1567 و بعد از آن)، که در سال 1509 دانشجوی انجمن صنفی آنتورپ بود، نیز نزدیک به کوئنتین است. سبک نوشتن او شدیدتر، اما با این وجود خالی از محتوا، از کوئنتین است. او با عشق خاصی به چین و چروک های پوست و جزئیات اندام ها می پردازد. «سنت ژروم» در مادرید توسط او در سال 1521، «مجموعه مالیات» در مونیخ در سال 1542، «تغییر کننده با همسرش» در کپنهاگ در سال 1560 نوشته شد. در لندن. با این تصاویر سوژه های مورد علاقه او را مشخص کردیم. گولین او را "یکی از آخرین استادان بزرگ ملی فلاندری" می نامد.
Fig.77 - "خرجگیر" در مونیخ در سال 1542
3 - یواخیم پاتینیر
Patinier of Dinan (1490-1524)، که در سال 1515 استاد آنتورپ شد، اولین نقاش واقعی منظره، که توسط دورر به عنوان چنین شناخته شد، در کنار Boats، David و Quentin Masseys توسعه یافت. اما با این حال، مناظر او با درختان، آب‌ها و خانه‌ها، با صخره‌ها در پس‌زمینه، انباشته روی صخره‌ها، هنوز همه جا را با رویدادهای کتاب مقدس مرتبط می‌کند و مناظری را به‌اندازه آبرنگ‌های منظره دورر یا نقاشی‌های رنگ روغن کوچک توسعه‌یافته و یکپارچه نمی‌دهد. آلتدوفر و نقاشی های هوبر. پاتینیر در بخش‌های جداگانه، صخره‌های صخره‌ای شیب‌دار، گروه‌های سرسبز درختان، چشم‌اندازهای وسیع رودخانه‌ای از سرزمین خود، دره میوز بالا را به‌طور طبیعی و هنرمندانه مشاهده و انتقال داد. او برگ‌های درختان را طبق مدل قدیمی هلندی دانه‌دار و با نقطه به تصویر می‌کشد: با این حال، او بخش‌های جداگانه را چنان خارق‌العاده و بدون احترام به چشم‌انداز روی هم انباشته می‌کند که تصاویر او از طبیعت عموماً درهم و برهم و غیرطبیعی به نظر می‌رسند. تابلوهای اصلی با امضای او عبارتند از: منظره ای در مادرید با "وسوسه سنت آنتونی" که اکنون به کوئنتین ماسیس نسبت داده می شود و منظره ای باشکوه با "تعمید پروردگار" گالری وین. منظره ای با استراحت در پرواز به مصر، افزودنی مورد علاقه او به منظره آنتورپ، و St. جروم در کارلسروهه. در برلین، علاوه بر موزه، آثار او در مجموعه کافمن وجود دارد. در کشورهای دیگر می توان آن را در گالری های اصلی مادرید و وین دید.
Fig.78 - وسوسه St. آنتونی
در کنار پاتینیر، دومین نقاش منظره تقریباً معاصر دره میوس، هنری (جندریک) بلز یا مت د بلز از بووین (از 1480 تا 1521 و بعد از آن)، که ایتالیایی ها به دلیل علامت "جغد" خود به سیوتا ملقب بودند، توسعه یافت. مسلم است که او در ایتالیا بوده و کمتر مطمئن است که در آنتورپ زندگی می کرده است. فواصل منظره آنها، با قضاوت بر اساس انگیزه و اعدام، در مجاورت مناظر پتینیر است، اگرچه رنگ قهوه ای آنها روشن تر است. با این وجود، سبک پیکره‌های این نقاشی‌ها با سبک فیگورهای مناظر واقعی سیوتا، منظره‌ساز استثنایی منابع باستانی، شباهت چندانی ندارد، به طوری که در نقاشی‌های مذهبی نشان داد که گروه Blesov متعلق به نقاش منظره هنری Met de Bles است. در هر صورت ما همراه با وول، امضای روی عکس مونیخ را واقعی می دانیم. نقاش منظره با این نام، در مقایسه با پتینیر، اولاً با رنگ سفیدتر متمایز می شود، سپس اعتماد به نفس بیشتری دارد، اما در ترکیب بندی خسته کننده تر و در نهایت نرم تر، اما در شیوه نقاشی با شکوه تر است. در عین حال به زودی از تجهیز منظره به شخصیت های مذهبی سر باز می زند و ژانری را جایگزین آنها می کند. مناظر او با راه صلیب در آکادمی هنر وین و کاخ دوریا در رم، یک منظره بزرگ کوهستانی فوق‌العاده با آسیاب‌های نورد، کوره‌های بلند و فورج‌ها در اوفیزی، و منظره‌ای با صخره‌ها، رودخانه و (تقریباً) نامحسوس) سامری گالری وین که صاحب تعدادی از نقاشی های اوست. در گذار به آخرین سبک، منظره ای با یک تاجر و میمون ها در درسدن است.
Jan Gossart از Maubeuge (Mabuzet؛ حدود 1470-1541) که معمولاً Mabuzet نامیده می شود از زادگاهش، به لاتین Malbodius، به طور قابل اعتماد در آنتورپ کار می کرد. از دیوید به کوئنتین رفت و سپس در ایتالیا (1508-1519) با پردازش تأثیر مکاتب ایتالیای بالایی ، به نماینده اصلی سبک رومی-فلورانسی در بلژیک تبدیل شد. نه تنها معماری، بلکه فیگورها و کل ترکیب بندی نیز در دگرگونی زبان فرم ها سهیم هستند و از این رو، با پلاستیک سرد و تیزی ساخته شده، سبک او رفتاری و غیرهنری به نظر می رسد. از سوی دیگر، آثار قبلی مابوزه، مانند پرستش مجوس در قلعه هاوارد با امضای او، مسیح در کوه زیتون در برلین، محراب سه قسمتی مدونا در موزه پالرمو، آثار هلندی قدیمی با زبانی نافذ و حیاتی از فرم ها و رنگ ها. از نقاشی‌های بعدی، «آدم و حوا» در همپتون کورت، «لوقا انجیلی که باکره را می‌نویسد» در رودلفینوم در پراگ، و «مادونا» در مادرید، مونیخ و پاریس، با تمام هنرهای فنی، قبلاً توسط آنها متمایز شده‌اند. سردی عمدی اشکال و لحن ایتالیایی‌گرایی او. نقاشی‌های اسطوره‌ای با این شیوه، مانند «هرکول و دژانیرا» اثر کوک در ریچموند (1517)، «نپتون و آمفیتریت» در برلین و «دانایی» در مونیخ (1527) بسیار غیر قابل تحمل‌تر هستند، زیرا هنوز در تلاش برای ترکیب کاملاً واقع‌گرایانه هستند. سر با پلاستیسیته سرد بدن . پرتره های مابوزه در برلین، پاریس و لندن او را از بهترین طرف نشان می دهند. با این حال، پرتره همیشه به طبیعت باز می گردد.
Fig.79 - "نپتون و آمفیتریت" در برلین
یکی از استادان مرتبط، که تحت تأثیر کوئنتین، پاتینیر و مابوزه رشد کرد، جوس ون کلیو بزرگ (حدود 1485-1540)، استاد آمستردام در سال 1511 بود که حداقل از ایتالیا دیدن کرد. پس از تحقیقات کمرر، فیرمنیش-ریچارتز، یوستی، گلوک، گولین و دیگران، تقریباً می توان کاملاً ثابت کرد که استاد پرکار، زیبا و خوش تیپ عروج باکره که از دو تصویر خود با این طرح به این نام شناخته می شود. در کلن (1515) و در مونیخ، کسی جز این جوس ون کلیو بزرگ نیست، اگرچه وول او را فقط به عنوان یک تصویر مونیخ می شناسد. شایبلر با مقایسه آثارش خدمات بزرگی کرد. این نقاشی‌های قلم موی او، و همچنین سایر نقاشی‌های قبلی، با همه دلپذیری و سادگی آلمانی پایین‌شان، قبلاً تحت تأثیر اولین تأثیرات رنسانس قرار گرفته‌اند. آثار اصلی دوران میانسالی او، زمانی که او هنوز طراوت نقاشی را با رنگ های گرم و قلموی صاف ترکیب می کرد، محراب کلیسای نجیب مدونا با گیلاس در وین، ستایش کوچک مغان در درسدن، مدونای باشکوه است. در اینس هال در نزدیکی لیورپول و "Crucifixion" در وبر در هامبورگ. آنها با اشکال ساختمان‌های غنی، اما نیمه‌بیان رنسانس با کوپیدهای مجسمه‌سازی و مناظر زیبا که به شیوه متعادل‌تر پاتینیر ادامه می‌دهند، متمایز می‌شوند. شیوه متأخر او، سردتر تنها در برخی از فیگورهای بیان شده با پلاستیک، و در مقایسه با مابوس، نرم‌تر و ملایم‌تر در مدل‌سازی، با «ستایش مجوس» بزرگ در درسدن، تصاویر «مرثیه بر مسیح» در لوور و در موسسه Stedel، "محراب سه مرد خردمند" در ناپل و "خانواده مقدس" در Palazzo Balbi در جنوا. پرتره های نرم و یکنواخت او در گالری های برلین، درسدن، کلن، کاسل و مادرید و زیباترین آنها، پرتره مردانه مجموعه کافمن در برلین، هنوز و پیش از این، عمدتاً با نام های جعلی، شناخته شده اند. تأثیری حتی قوی‌تر از کوئنتین ماسیس نسبت به استاد «عرض باکره» توسط «استاد فرانکفورت» که توسط ویزساکر مورد مطالعه قرار گرفته است، با تصویر اصلی او از محراب فرانکفورت، که توسط ویزساکر مورد مطالعه قرار گرفته است، نشان می‌دهد. محراب "مصلوب" موسسه Staedel و "استاد کلیسای سنت خون" در بروژ. گالری وبر در هامبورگ "محراب مریم باکره" آثار او را در اختیار دارد.
4 - مدرسه بروکسل
با عطف به بروکسل، در دهه های اول قرن در اینجا با استاد محلی ممتاز، بارند ون اورلی (متوفی در سال 1542) ملاقات می کنیم، که همانطور که می گویند تحصیلات خود را زیر نظر رافائل در رم به پایان رساند، اگرچه در همان زمان. زمانی که اثبات اقامت او در ایتالیا غیرممکن است. هنرمند قرن پانزدهم در آغاز، در حدود سال 1520، تحت تأثیر رافائل، دورر و مابوزه، به رومیسم می گذرد و خود مهمترین نماینده آن در هلند است. سی سال پیش، آلفونس واترز نشان داد، و اخیراً فریدلندر دوباره کاملاً تأیید کرد، که در ابتدا خود را وقف نقاشی باستانی کرد، و بعداً به بافت فرش و نقاشی روی شیشه در مقیاس بزرگ. نه تنها شکار ماکسیمیلیان، که قبلاً ذکر شد، از لوور، بلکه زندگی ابراهیم در گامپتون کورت و مادرید، نبرد پاویا در ناپل، و برخی از زیباترین نقاشی های شیشه ای در کلیسای جامع بروکسل از مقواهای او ساخته شده اند.
Fig.80 - نبرد پاویا
فریدلندر محراب رسولان را قدیمی ترین محراب بازمانده می داند که قسمت میانی آن با وقایعی از زندگی حواریون توماس و متی متعلق به گالری وین و درهای آن به گالری بروکسل تعلق دارد. او آن را به 1512 ارجاع می دهد. درب محراب St. والبورگا در گالری تورین، تزئین شده به سبک گوتیک خالص، آغشته به روح فلاندری قدیمی، تنها در سال 1515 آغاز شد و در سال 1520 تکمیل شد. محراب تقریباً همزمان که موعظه سنت سنت را به تصویر می‌کشد. نوربرت در مونیخ قبلاً معماری رنسانس را ارائه می دهد ، البته که به خوبی درک نشده است. در میان پرتره های عالی، ساده و واقعی او، امضای او امضای دکتر سل از سال 1519 در بروکسل است. ایتالیایی بودن اورلا کاملاً و بلافاصله، البته در یک بازکاری ملایم، در «محاکمه ایوب» (1521) موزه بروکسل، در «مدونا» لوور (1521) که به تازگی به دست آمده است، ظاهر می شود، که با مشابهی مطابقت دارد. تصویری از سال 1522 در اختیار شخصی خصوصی در اسپانیا و همچنین در محراب "خیریه فقرا" موزه آنتورپ با تصویر آخرین داوری و آثار رحمت. ما به محراب مصلوب در روتردام به‌عنوان اثری متأخر نگاه میکنیم و همراه با فریدلندر، پرتره کاروندلت در مونیخ را که به ماسس نسبت داده می‌شود، بالغ‌ترین اثر استاد می‌دانیم. محراب های پایان عمر او آثار نسبتاً متوسطی از کارگاه او بود.
پیتر کوک ون الست (1502-1550)، مسافر "ویترویوس فلاندری" در ایتالیا، که قبل از نقل مکان به بروکسل در آنتورپ زندگی می کرد، شاگرد اورلایس بود. به عنوان یک نقاش در روح اورلا، ما او را از شام آخر در موزه بروکسل می شناسیم. در همین مجموعه نقاشی هایی از هنرمندان مرتبط با اورلا، کورنلیس و یان ون کونیکسلوگ (1489-1554) وجود دارد که در آنها هیچ اثری از پیشرفت رو به جلو، قابل مشاهده نیست، اما در نقاشی های نقاش منظره بروکسل، لوکا هاسل. ون هلمونت (1496-1561) از گالری وین و مجموعه وبر در هامبورگ، که از جهت چیوتا پیروی کرد. با این حال، هیچ یک از مناظر این مدرسه از رودخانه میوز را نمی توان از نظر بی واسطه بودن درک و بیان رنگارنگ با مناظر آلتدوفر و مدرسه دانوب مقایسه کرد.
Fig.81 - ویترویوس فلاندری
ما، همراه با گولین، همچنان می‌توانیم «استاد نیم‌پیکرهای زن» را در مدرسه بروکسل بگنجانیم، که در آن ویکهوف چیزی کمتر از ژان کلوئه، نقاش دربار هلندی پادشاه فرانسه فرانسیس اول پیشنهاد می‌کند. محقق با استعداد وینی. واقعاً این احتمال را می داد که او در فرانسه کار می کرد، اما اینکه او ژان کلوئه بود بیش از حد مشکوک باقی می ماند. خانم‌های او در حال خواندن یا ساختن موسیقی، که معمولاً یک به یک یا چند به صورت نیمه‌شکل در میان وسایل تزئین شده بسیار نقاشی شده‌اند، در مجموعه‌های بسیاری حفظ شده‌اند. Wyckhoff اخیرا آنها را منزوی و تجدید نظر کرده است. زیباترین سه بانوی سازنده موسیقی، گالری های هاراچ در وین. این تصاویر به مفهوم پیچیدگی ژانر روزمره، با ترکیب نقاشی ساده و رنگ‌های تند با ژست‌های نجیب و انیمیشن آرام، یادداشت جدیدی در تاریخ نقاشی می‌گیرند.
در بروژ، جانشینان بلافصل دیوید بلافاصله توجه را به خود جلب می کنند. اینها شامل آدریان ایزنبرانت، استاد انجمن صنفی شهر بروژ از سال 1510، که در سال 1551 درگذشت. ممکن است همراه با گولین، حق داشته باشیم آثار او را در آن نقاشی هایی ببینیم که واگن به اشتباه به استاد هارلم یان موسترت نسبت داده است. او با داشتن تخیل کمی در مناظر آرام و خوش خلق، چهره های ساده و واضح ترسیم شده، در شکوه صدای عمیق خود با تن های نه چندان خالص بدنی، سبک دیوید را به جذابیت ملایم تری می رساند. بزرگ «ستایش مجوس» او در کلیسای مریم باکره در لوبک تاریخ 1581 را دارد، در حالی که «بانوی غم‌ها» در کلیسای بانوی ما در بروژ حداقل ده سال بعد نوشته شد. گولین از میان نقاشی‌هایی که اغلب به او نسبت داده می‌شود، برخی از آنها را به‌عنوان مثال «ظاهر مدونا» («دیپارا باکره») موزه آنتورپ انتخاب کرد و آنها را به آمبروسیوس بنسون (متوفی حدوداً 1550) نسبت داد. در سال 1519 استاد شهر بروژ شد.
یک گرایش ملی جدید در روح کوئنتین، برخلاف هنر این استادان، با سبکی که تأثیرات ایتالیایی در تضاد قرار می‌گیرد، توسط یان پریوست (پرووست) از مونس که در حدود سال 1494 در بروژ ساکن شد و در سال 1529 در اینجا درگذشت، نشان داده شده است. با تنها نقاشی‌های معتبر بعدی‌اش. مثلاً آخرین قضاوت ۱۵۲۵ در موزه بروژ، آخرین داوری دیگر در وبر در هامبورگ و مدونا در شکوه در سنت پترزبورگ. برعکس، لانسلوت بلوندل (1496-1561)، که نقاشی‌هایش به خاطر تزئینات غنی خود که با رنگ‌های قهوه‌ای روی طلا و فرم‌های سرد پیکره‌ها ساخته شده‌اند، به‌طور کامل در طول دوره رنسانس شنا می‌کردند. محراب سال 1523 با زندگی مقدسین کوسما و دامیان در کلیسای سنت. جیمز نمونه‌ای از سبک اولیه و هنوز ناهموار خود را ارائه می‌دهد، و سبک پخته بعدی در محراب مدونا در سال 1545 در کلیسای جامع و در تصویر با لوک رسول در همان سال در موزه بروژ بیان شده است. پس از بلوندل، کلیس کمتر پیشرفته‌تر دنبال شد، که تنها پیتر کلیس بزرگ (1576-1500)، که خودنگاره عالی امضا شده‌اش در سال 1560 در گالری ملی در کریستینیا وجود دارد، فراتر از نیمه اول قرن است.
5 – هنر هلند شمالی
مهم ترین نقاشان نیمه اول قرن شانزدهم که در دوران مدرن توسط دولبرگ مورد مطالعه قرار گرفتند، در شمال هلند، به ویژه در لیدن، اوترخت، آمستردام و هارلم گرد آمدند. جنبش اصلی ابتدا با قدرتی تازه در لیدن ظاهر شد. Cornelis Engebrechts (1468-1533) در اینجا به عنوان استادی ظاهر شد که راه های جدیدی را آغاز کرد. دو اثر اصلی او در موزه لیدن عبارتند از: محراب با مصلوب شدن (حدود 1509)، قربانی ابراهیم و مار برنزی در داخل، تمسخر منجی و تاج گذاری منجی با تاجی از خار در قسمت بیرونی. بالها و محراب با مرثیه بر بدن مسیح (حدود 1526) با صحنه های کوچک مصائب مسیح در طرفین آن و با درهای باشکوه با اهدا کنندگان و مقدسین در هر دو اثر، شور یک روایت پر جنب و جوش با شکوه است که با موفقیت وارد قلمرو یک منظره غنی شده است. در مصلوب شدن، انتقال بدن با وجود سایه‌های قهوه‌ای مایل به خاکستری و اثر ترکیبی قوی از رنگ‌های درخشان فردی، باشکوه است. جنبش های رقت انگیز هنوز تا حدودی نمایشی هستند. ظاهراً چهره های دراز و کشیده با سرهای کوچک، پاهای بلند، ساق پاهای ضخیم و قوزک های نازک فقط رابطه ای دور با طبیعت دارند. صورت‌های مردانه‌اش با بینی‌های بلند، تیپ‌های زنانه با قسمت بالایی صورت و قسمت پایینی به‌طور قابل توجهی کوتاه، هیچ شباهتی به خودشان ندارند. نقاشی‌های محراب با مرثیه بر بدن مسیح با تند و تیز کمتر نقاشی شده‌اند و با رنگ‌های قهوه‌ای رنگی ملایم‌تر و با لحن بیشتری اجرا شده‌اند. البته تمام معماری در این نقاشی‌ها گوتیک متأخر است و همه چهره‌ها، در غیاب همبستگی‌های کلی درست، به طور مستقل از پیوند قرن پانزدهم تا آزادی قرن شانزدهم تلاش می‌کنند. ما نمی‌توانیم در اینجا تعداد زیادی نقاشی کوچک از مجموعه‌های دیگر را که اخیراً توسط بهترین خبره‌ها به Engebrechtsen نسبت داده شده‌اند، فهرست کنیم. با این حال در میان آنها یک "وسوسه سنت آنتونی" کوچک در درسدن است!
شکل 82 - لوکا ون لیدن
شاگرد اصلی انگبرشتس، پسر معروف گای جاکوبز، لوکاس ون لیدن (از 1494 یا قبل از آن تا 1533) بود که نه تنها به عنوان یک نقاش، بلکه به عنوان حکاکی و حکاکی ترکیبات او و نقشه کش برای حکاکی روی چوب عمل کرد. که در آن می توان او را با دورر مقایسه کرد. از او 170 قلم زنی روی مس، 9 قلمزنی و 16 نقش روی چوب از خود به جای گذاشته است. پیشرفت هنری او به وضوح در حکاکی های مسی برجسته شده توسط فولبرت ظاهر می شود. پس از تجربیات اولیه، مانند خواب محمد (1508)، در حال حاضر در تبدیل شائول (1509) و در وسوسه سنت. استاد جوان آنتونی با فیگورهای کشیده، مانند انگبرشتس، به سمت زبانی واضح تر از فرم ها و گروه بندی صحیح تر در پس زمینه مناظر غنی حرکت می کند. قبلاً در سال 1510، روی برگه هایی با "آدم و حوا در تبعید"، "Esce Homo"، "The Milkmaid" او به اوج شگفت انگیزی از سبک ملی بالغ، زندگی درونی و کامل بودن فنی لطیف می رسد، سپس در ورق هایی با "Pentefry" (1512) ) و با «پیراموس» (1514) سعی می کند احساسی پرشور را منتقل کند و در دوره بعدی با حکاکی هایی مانند «حمل صلیب» (1515)، «کالواریا» بزرگ (1517) و «مسیح در شکل یک باغبان» (1519) زیر پرچم دورر می شود. تأثیر دورر بر لوقا در پرتره امپراتور ماکسیمیلیان (1520)، در مجموعه بزرگتر مصائب مسیح (1521)، در دندانپزشک (1523) و جراح (1524) به اوج خود می رسد. اما در حدود سال 1525، لوک، تحت تأثیر مابوزه، آشکارا به مکتب رومی مارکانتونیو روی آورد، که به وضوح نه تنها در اشکال، بلکه در محتوای حکاکی های زینتی ظریف او (1527 و 1528)، در "زهره و کوپید" قابل مشاهده است. (1528)، در مجموعه های پاییز (1529) و "زهره و مریخ" (1530). مساحت زمین های او به اندازه مساحت زمین های دورر متنوع بود. اما از نظر روحیه، قدرت و نفوذ، لوکا را نمی توان با نورنبرگر بزرگ مقایسه کرد. نقاشی های رنگ روغن باقی مانده از او این تصور را تایید می کند. دوران شاداب و شاد جوانی عبارتند از: "بازیکنان" ارل پمبروک در Wilton Goes و "بازیکنان شطرنج" در برلین. در حوالی سال 1515، مدونای برلین، با رنگ‌های باشکوه، که اندکی تحت تأثیر روندهای رنسانس قرار گرفته بود، ظاهر شد. روح رنسانس در «مدونا» و «بشار» 1522 در مونیخ با شدت بیشتری احساس می شود. بهترین آثار گرایش متاخر ایتالیایی، «آخرین داوری» معروف او (1526) در موزه لیدن، سپس موسی (1527) از صخره‌ای در موزه آلمان (1527)، نقاشی مهمی در نوع خود با فیگورهای منشی، بلند و رنگ‌های سرد است. ، و در نقاشی سه قسمتی که شفای مرد نابینای جریکو (1531) در سن پترزبورگ را به تصویر می کشد. تصویر میانی آخرین داوری در لیدن، مسیح را در دور نشان می‌دهد، بدون مریم و یوحنا، روی رنگین‌کمان، زیر او، سمت راست و چپ، حواریون با کنجکاوی از پشت ابرها نگاه می‌کنند، و کمی به زمین نگاه می‌کنند. افق منحنی "رستاخیز مردگان". فیگورها در یک توپ شلوغ نیستند، اما در یک روح عمدا ایتالیایی، آنها به وضوح و به طور قطع در سراسر تصویر به تنهایی یا به صورت گروهی پراکنده شده اند، اما به طور غیرارادی با زبان فرم های خود بیان می شوند. هر چهره برهنه تلاش می کند تا خود را بیان کند و با لحن بدنی خاص و دلخواه در میان چهره های همسایه خودنمایی می کند. با تمام اشکال محاسبه شده کار با شکوه، هنوز کاملاً مستقل تصور و اجرا می شود. با زیبایی، انتقال حیات فضا، هماهنگی ملایم لحن ها و نرمی آسان نوشتار، تقریباً از همه آثار همزمان نقاشی شمال پیشی می گیرد.
در آمستردام، در دهه های اول قرن، استاد ژاکوب کورنلیس ون اوستازانن (1470-1533) شکوفا شد و از فرم های معماری دوره رنسانس در نقاشی های بعدی خود استفاده کرد، اما اساساً هنرمندی سخت گیر و خشک با روحیه هلندی قدیم باقی ماند. جوهر تخیل او این فرض که او به انگبرشتز وابسته است فاقد هرگونه مدرک است. فیگورهای او دارای پیشانی بلند و پایین صورت کوچک است. او هر تار مو را به طور جداگانه بیرون می کشد و دورهای پیش زمینه را محکم و با پشتکار انجام می دهد. او با رنگ‌های روشن و غنی مدل‌هایی را به صورت غنی و با پشتکار، هرچند تا حدی تیز، نقاشی می‌کند. حکاکی های او روی مس قبلاً برای بارتش و پاساوانت شناخته شده بود و نقاشی های او برای اولین بار توسط شایبلر مقایسه شد. "شائول در پری اندور" او در سال 1560 در موزه ریکس و یک پرتره مرد از همان مجموعه در سال 1533 ظاهر شد. نقاشی‌های اوستازانن نیز در کاسل، برلین، آنتورپ، ناپل، وین و لاهه هستند. ترکیب شکوه بیرونی با گرمای احساس درونی جذابیت خاص آنهاست.
شکل 83 - شائول در جادوگر اندور
در اوترخت، یان ون اسکورل (1495-1562)، استادی که به‌عنوان کاشت‌کننده واقعی ایتالیایی‌گرایی در هلند شناخته می‌شد، مشهور بود. او شاگرد یاکوب کورنلیس در آمستردام، مابوزه در آنتورپ بود و سپس به آلمان و ایتالیا سفر کرد. سبک اولیه آن با تأثیر آلمانی دورر توسط یک محراب زیبا با خانواده مقدس 1520 در Oberwellach، پر از مشاهدات مستقیم نشان داده شده است. شیوه متوسط و ایتالیایی او با «استراحت در پرواز به مصر» در موزه اوترخت نشان داده شده است و دوسو دوسی را به یاد دولبرگو می اندازد. مصلوب (1530) در موزه استانی بن، از نقاشی‌های مدرسه‌ای سرد و عمداً رومی او، که توسط جاستی، شیبلر و بود در کنار هم قرار گرفته‌اند، در عین حال به زبان هلندی با سایه‌های قهوه‌ای نقاشی شده‌اند. آغشته به خلق و خوی در منظره "تعمید خداوند" در موزه گارلم با تایید ون مندر. بقیه نقاشی‌های این سبک را می‌توان در اوترخت و آمستردام یافت. همچنین محراب او با مسیح به شکل یک باغبان در وبر در هامبورگ عالی است. پرتره های او مانند آگاته ون شونهوون (1529) در گالری دوریا در رم پر جنب و جوش تر هستند. نقاشی‌های چوبی موزه‌های هارلم و اوترخت که زائران هارلم و اوترخت به سرزمین مقدس را به شکل نیم‌پیکره‌هایی که یکی پس از دیگری راه می‌روند، به تصویر می‌کشند، پله‌هایی هستند که قبل از گروه‌های پرتره نقاشی بزرگ هلندی قرار دارند. ظاهراً اسکورل صاحب پرتره خانوادگی گالری کاسل نیز می باشد که تأثیر بسیار خوبی بر جای می گذارد.
6 - یان موسترت
یان موستائرت (1556-1474) را استاد اصلی هارلم در این زمان می دانند و از آنجایی که آثار موثقی از او وجود ندارد، در میان آثار خوب استادان بی نام و نشان جستجو می شوند. اخیراً گلوک این فرض قابل قبول را مطرح کرد که پرتره زیبای مرد در بروکسل با سیبیل تیبورتین در پس زمینه منظره، دو در با اهداکنندگان از یک مجموعه، و دوست داشتنی "ستایش مغان" در موزه رایکس آمستردام آثار معتبری هستند. موستائرت. Benois و Friedländer در اینجا علاوه بر برخی از پرتره ها، محراب زیبایی از مصائب پروردگار، دارایی d'Ultremont در بروکسل را اضافه کرده اند که گویی در هارلم ظاهر می شود، اما با چنین مونوگرام، که در هیچ موردی نمی تواند باشد. به Mostaert نسبت داده شود. در هر صورت، موستائرت واقعی، اگر چنین باشد، استادی انتقالی از گوتیک به رنسانس است، استعدادی با استعداد در زمینه منظره و پرتره و توانایی نوشتن زیبا.
Fig.84 - "ستایش مجوس" در آمستردام Rijksmuseum
همانطور که گفته شد نیمه دوم قرن شانزدهم، همراه با رئالیسم ملی جدید، یک پیروزی کامل بر ایده آلیسم ایتالیایی به ارمغان آورد، که با این وجود راه را برای آزادی حرکت نقاشی ملی بزرگ هفدهم آماده کرد. قرن.
استادان بزرگ این ایتالیایی هلندی کاملاً توسعه یافته در نیمه دوم قرن شانزدهم با پیشینیان خود که به آنها همسایه بودند، یعنی اورلی، مابوسه و اسکورلی، با تقلید تند و یک طرفه خود از جنوب متفاوت هستند. هدف از آرزوهای آنها که به آن دست یافتند این بود که میکل آنژ و رافائل هلندی نامیده شوند. شکی نیست که آنها مهارت فنی بالایی داشتند و این به ویژه در پرتره های آنها مشهود است که آنها را مجبور به حفظ طبیعت می کرد. نقاشی‌های بزرگ و منسجم آنها با محتوای دنیوی یا مقدس اغلب نه تنها فاقد دید و احساس فوری، بلکه فاقد تمام مزایای واقعاً هنری ابدی بودند. این امر به همان اندازه در مورد شاگرد اورلی در مچلن، میشل ون کوکسی (1499-1592)، که نقاشی‌های بزرگ او در کلیساها و مجموعه‌های بلژیک خودنمایی می‌کند، و شاگرد مابوزه در لوتیچ، لامبرت لومبارد (1505-1566)، که نقاشی‌های رنگ روغن او تقریباً شناخته شده هستند، صدق می‌کند. فقط در حکاکی های معاصر؛ همین را می توان در مورد برادر کورنلیس فلوریس، شاگرد لومبارد، فرانس فلوریس دو ورینت (1517-1576)، تأثیرگذارترین استاد از همه این هنرمندان، گفت. بهترین عکس از او، یعنی تمام نیرو «افتادن فرشتگان» (1554) در آنتورپ و ضعیفتر «آخرین قضاوت» (1566) در موزه بروکسل است. شاگردان فلوریس عبارتند از: مارتن دو وو (1532-1603)، کریسپین ون دن بروک (1524-1591) و سه برادر فرانکن، که شاخه اصلی این خانواده از هنرمندان را تشکیل می دهند، هیرونیموس فرانکن اول (1540-1610)، فرانس فرانکن. I (1542 تا 1616). ) و آمبروسیوس فرانکن (1544-1618) که عمدتاً به خاطر نقاشی‌های تاریخی مختلف با چهره‌های کوچک در میان مناظر شناخته می‌شوند، که نسل جوان فرانکن به اصلاح آنها به سبک جدیدتر قرن هفدهم ادامه داد. نجیب لیدن اتو ون وین (Venius؛ 1558-1629)، که برای ما به عنوان معلم روبنس جالب است، نیز به ستون های اصلی نقاشی "بزرگ" آنتورپ تعلق داشت. او شاگرد فدریگو زوکارو در رم بود و در نقاشی های رنگارنگ ناتوان خود (در بروکسل، آنتورپ و آمستردام) بدون شک برای آرامش و وضوح کلاسیک تلاش کرد.
نسل قدیم آداب و رسوم فلاندری توسط استادانی از کوئنتین ماس تشکیل شده است که صحنه های ژانر را همراه با داستان هایی با محتوای سکولار و مذهبی می نوشتند. پسر کوئنتین، یان ماس (1509-1575) چنین بود و نقاشی های کتاب مقدس او که با روحیه ایتالیایی نوشته شده بود، تنها در سال 1558 با "رد کردن جوزف و مریم" در موزه آنتورپ آغاز شد، با این حال، او نقاشی‌های بعدی از زندگی عامیانه با نیم‌پیکرها، برای مثال «جامعه شاد» (1564) در وین، حداقل در طراحی خود در خاک محلی باقی ماندند. یکی از استادان مرتبط، یان سندرز ون همسن (حدود 1500 تا 1563؛ کتابی درباره او توسط گریف) است که تصویر مورد علاقه‌اش دعوت متی رسول در نیم مجسمه‌هایی با اندازه طبیعی بود. با شروع نقاشی مونیخ او در مورد این موضوع (1536) و نقاشی پسر ولگرد (1536) که با آن همگن است، در بروکسل و تا شفای توبیاس در لوور (1555)، می توان توسعه آن را دنبال کرد که تا حدی به هم نزدیک است. به کوئنتین و پایان دادن به ایتالیایی گرایی سرد با سایه های قهوه ای و برجسته های سفید. جمسن را می‌توان یک نقاش ژانر نیز در نظر گرفت، اگر همراه با آیزنمن، نقاشی‌های «نقاش تک‌نگار برونزویک» پر جنب و جوش را به او نسبت دهیم، که این نام را از تک‌نگار نقاشی‌اش «تغذیه فقرا» در براونشوایگ گرفته است، که نیمی از آن منظره را نشان می‌دهد. با این حال، ما هرگز به درستی این دیدگاه کاملاً متقاعد نشده‌ایم که اکنون توسط اکثر متخصصان مدرن‌تر رها شده است، اما دوباره توسط Graefe پذیرفته شده است. با این حال جمسن در هارلم درگذشت، جایی که در حدود سال 1550 نقل مکان کرد.
مارتن ون همسکرک (1498-1547)، شاگرد اسکورل، نیز در گارلم زندگی می کرد. در نقاشی 1532 خود از موزه هارلم که لوک رسول را به تصویر می کشد، او هنوز کاملاً گرم و راستگو است، اما در آثار بعدی، به عنوان مثال، در طراحی سرد با سایه های قهوه ای "جشن بلشازار" (1568) در همان مکان، او به روند شیک ایتالیا تعلق دارد. اما مهمترین استاد هارلم در نیمه دوم قرن شانزدهم، کورنلیوس کورنلیس ون هارلم (1562-1633) بود، نقاشی های سرد و به سبک ایتالیایی او با موضوعات کتاب مقدس و اساطیری، که عمداً بدن های برهنه نقاشی شده خودسرانه را در معرض دید بیننده قرار می داد. در مورد نقاط ضعف آخرین داوری اغراق کنید.لوک ون لیدن، در حالی که پر از زندگی و حرکت او "شام تفنگداران" در سال 1583 موزه هارلم جایگاه مهمی در تاریخ پرتره هلندی در قالب گروه دارد.
یواخیم اوتوال (1566-1638)، در بازگشت از ایتالیا به شهر زادگاهش اوترخت، در نقاشی های بزرگ خود از موزه اوترخت کمتر از نقاشی های کوچک خود از محتوای اساطیری، مانند "پارناسوس" (1596) در درسدن اصالت داشت. ، برای تمام رفتارهای سبک او که با تخیل شاعرانه و هارمونی رنگارنگ مشخص شده است. پیتر پوربوس (1510-1584) یکی از هلندی هایی بود که در فلاندر ساکن شد. پسرش فرانس پوربوس اول (1545-1581) قبلاً در بروژ به دنیا آمد. هر دو متعلق به بهترین نقاشان پرتره زمان خود هستند، اما در نقاشی های تاریخی شناخته شده در بروژ و گنت، می توانند سهم قابل توجهی از قدرت و وضوح اولیه را با تقلید از ایتالیایی ها ترکیب کنند.
برخلاف تمام این نقاشان تاریخی گرایش ایتالیایی، استادان گرایش ملی هلند، البته، در عین حال نمایندگان اصلی حوزه های اصلی هنر عامیانه پرتره، ژانر، منظره، طبیعت مرده و موتیف معماری بودند. اما همه این شاخه ها هنوز وقت نداشته اند که به شدت خود را از یکدیگر و از نقاشی تاریخی جدا کنند. تصاویر کتاب مقدس بیشتر بهانه ای برای مناظر، ژانر و طبیعت مرده هستند.
7 - پیتر آرتس
از قدیمی ترین نقاشان سبک مستقل هلندی، پیتر آرتس یا آرتسن (1508-1575)، ملقب به لانگ پیر، است که بیش از بیست سال در آنتورپ کار کرد، اما در آمستردام به دنیا آمد و درگذشت. Sivere با موفقیت با آنها برخورد کرد. چین محراب 1546، که توسط سیورز در صومعه روگارتس در آنتورپ (اکنون در موزه آنجاست) دوباره کشف شد، هنوز روی خاک مدرسه رومی ایستاده است. بهترین آثار استاد با میل شدید به رئالیسم دارای شخصیت یک ژانر است. حتی «حمل صلیب» (1552) او در برلین با زنان بازاری و واگن‌های بارگذاری شده، حس یک ژانر را می‌دهد. بهترین نقاشی‌های او با دورنویس‌های دقیق کشیده شده به نقاشی طبیعت مرده و «رقص با تخم‌مرغ» (1554) در آمستردام، «تعطیلات دهقانان» (1550) در وین، «آشپزها» در اندازه واقعی (1559) در بروکسل می‌رود. و در کاخ بیانکو در جنوا راه های جدیدی را باز کنید. او انواع دهقانان را واضح و صادقانه به تصویر می کشد، به وضوح اعمال را منتقل می کند، و بخش هایی از فضای داخلی یا مناظر به طرز شگفت آوری با چهره ها مرتبط است. طراحی او ساده و پر از بیان است، نقاشی گسترده و صاف است، زنگ های محلی به شدت در همه جا برجسته شده است.
یواخیم بکلایر (1533-1575) دانش‌آموز آنتورپ آتسن با نقاشی‌های مذهبی‌اش در مجاورت جمسن است، اما با نقاشی‌های بزرگ خود از بازارها و آشپزخانه‌های گالری وین، نوآوران را رهبری می‌کند. «نمایشگاه» (1560) او در مونیخ در قسمت میانی «مسیح به مردم نشان داده شد» و «بازار سبزیجات» (1561) در استکهلم «صوف به کالواری» را در پس‌زمینه نشان می‌دهد. گالری استکهلم و موزه ناپل به ویژه در آثار او غنی هستند.
یکی دیگر از پسران کوئنتین، کورنلیوس ماسیس (تقریباً از 1511 تا 1580 و بعد از آن)، نیز در نوع خود مهم بود، که عمدتاً به عنوان یک حکاکی پر جنب و جوش و حکاکی کننده تصاویر زندگی عامیانه شناخته می شود. در نقاشی‌های روغنی کمیاب، برای مثال در منظره با یک تاکسی (1542) موزه برلین، او در خاک ملی نیز ایستاده است.
همچنین استاد اصلی هنر ملی هلندی این زمان، از بسیاری جهات، بزرگترین هنرمند هلندی قرن شانزدهم، پیتر بروگل بزرگ (بروگل بروگل)، که موژیتسکی (1525-1569) نیز نامیده می شود، به آنها ملحق می شود. در دهکده بروگل هلند و شاگرد و داماد پیتر شد کوک ون الست در آنتورپ و سپس در سال 1563 به بروکسل نقل مکان کرد. گیمانز، میخیل، باستلار، گولین، رومدال و دیگران نه چندان دور درباره او نوشتند. او در رم بود، اما تا حدودی تحت تأثیر هیرونیموس بوش، این او بود که تمام برداشت‌های جنوبی و دیدگاه‌های هلندی‌اش در مورد طبیعت را به طور کامل به یک کل اصلی جدید تبدیل کرد. استعداد قوی مشاهده او را به عنوان طنزپردازی آموزنده در تعدادی از آثار نشان داد و در تعدادی دیگر آرام‌ترین، حیاتی‌ترین داستان‌سرای و مهمتر از همه بزرگترین ژانر و نقاش منظره زمان خود بود که می‌توانست به طرز شگفت‌انگیزی دوباره کار کند. حتی داستان های کتاب مقدس در جهت چشم انداز و ژانر. پیتر در سالهای اولیه زندگی‌اش، عمدتاً خود را وقف گرافیک کرد و در خدمت حکاکی و ناشر آنتورپ هیرونیموس کاک بود. برخی از آثار او توسط دیگران حکاکی شده است و برخی از آنها را خودش با قلمزنی حکاکی کرده است. در حکاکی هایی است که بر اساس نقشه های او در ارتباط با درک خود او از مضامین کتاب مقدس ساخته شده است که شیطانی خارق العاده و عنصر طنز-آموزشی ظاهر می شود. او یک هنرمند واقعاً بزرگ در نقاشی خود است و اولین نقاشی او مربوط به سال 1559 است. نیمی از نقاشی ها، حدود 35 نقاشی، که تا به امروز باقی مانده اند، در موزه دادگاه وین هستند. سه شنبه کوتاه و روزه بزرگ (1559)، بازی های کودکان (1560) هنوز افق بلند و ترکیب پراکنده حکاکی های او را حفظ کرده اند. سپس به سمت زیبایی حرکت کرد. افق آن غرق شد، تعداد چهره ها کاهش یافت، اما آنها در گروه های منسجم تر، با یکدیگر و با چشم انداز متحد شدند. بهترین آثار او، دقیقاً به معنای نقاشی، تصاویر کوچک بعدی هستند، به عنوان مثال، مردان به دار آویخته در دارمشتات و مردان نابینا در ناپل، که هر دو در سال 1568 نقاشی شده اند. تصاویر دارای فیگور با طراحی بسیار رسا متمایز می شوند و معمولاً نوشته می شوند. با یک برس سبک، با افزایش زنگ های محلی تیز که به طور ظریف با یکدیگر هماهنگ شده اند. مناظر او، که اغلب نقاشی‌های فیگور را به یک اندازه نشان می‌دهند، معمولاً با قلم موی کامل‌تر و با مشاهده واضح‌تر نور و سایه اجرا می‌شوند. او طرح های باشکوهی را از طبیعت از سفر خود به آن سوی کوه های آلپ به ارمغان آورد و طبیعت کوه های مرتفع با صخره های بی نظیر و رودخانه های پرپیچ و خمشان را به گونه ای طبیعی و در منظری واقعی، که در هیچ طرح قبلی از منظره، به جز طرح های دورر، به تصویر نمی کشید. . عملکرد زیبای آنها تحت تأثیر رنگ های خاکی قهوه ای قوی با شاخ و برگ سبز مایل به آبی است که در نقاط کوچک به تصویر کشیده شده است. این مطالعات با تنوع زیاد رنگ‌های هوا و انتقال قوی پدیده‌های جوی، به تنهایی در میان مناظر قرن شانزدهم برجسته می‌شوند. ارقام معرفی شده در آنها برای احیا، حال و هوای طبیعی منظره را تقویت می کند. مناظر نوامبر، دسامبر و فوریه او باشکوه هستند، اسکله تفریحی او، اولین در نوع خود، در وین، به شدت نقاشی شده است. همچنین یک منظره کوهستانی عظیم با "تبدیل پولس رسول"، نمونه ای از منظره تاریخی بزرگ "شکست فلسطینیان" - نمونه ای نمونه از نقاشی نبرد، متحد کردن توده های سردرگم در حرکات طبیعی و "برج بابل" - نمونه اولیه تقلیدهای متعدد از "عروسی دهقانی" در وین - بهترین ژانر دهقانی او - در ساخت طبیعی و ظرافت نقاشی آن از تمام نقاشی های تنیر که صحنه های داخلی از زندگی مردم را به تصویر می کشد فراتر می رود. دهقانانی که راه را به آنها نشان داد. رساترین نقاشی های کتاب مقدس او، یعنی منظره برفی با کشتار بیگناهان و منظره بهاری با حمل صلیب نیز در آنجا قرار دارد. در میان تصاویر نمادین، باید به "سرزمین افسانه ها" مجموعه کافمن در برلین و "پیروزی مرگ" عظیم که ظاهرا اصلی آن در مادرید است نیز اشاره کرد.
Fig.85 - "The Hanged"
شکل 86 - نقاشی "پیروزی مرگ"
پسر پیتر بروگل، پیتر بروگل کوچک (1564-1638) که به اشتباه "دوزخی" نامیده می شود، در واقع تنها مقلد ضعیفی از بزرگتر بود، برخی از این نقاشی ها را تکرار کرد. همانطور که گولین در مورد او می گوید، پیتر بروگل بزرگ، آخرین استادان بدوی و اولین استادان مدرن، عموماً مبتکری بود که آینده را پیش بینی می کرد.
8 - پرتره
پرتره هلندی این دوره به طور مستقل و با اطمینان برای کمال تصویری تلاش کرد. در آنتورپ، بهترین نقاشان پرتره فلاندری نیمه دوم قرن شانزدهم، شاگردان لومبارد، بیلم کی (متوفی 1568) بودند، که پرتره نیم تنه یک زن در موزه ریکس در آمستردام است، و شاگرد و پسر عمویش آدریان توماس کی (ج. 1558-1589)، بر اساس پرتره های معتبر از او در وین و بروکسل مشهور است. در بروژ، همانطور که اشاره شد، Pourbuses عمدتاً شکوفا شد. پیتر پوربوس (حدود 1510-1584) با پرتره های بسیار حیاتی زوج فرناگانت (1551) در موزه بروژ که در پس زمینه منظره مجلل شهر و پسرش فرانس پوربوس بزرگ (1545-1581) ارائه شده است، متمایز می شود. پرتره‌هایی که با دقت و قدرت بسیار با رنگ‌های گرم نوشته شده‌اند، متعلق به بهترین‌های زمان خود هستند، مثلاً پرتره‌ای از مردی با ریش قرمز (1573) در بروکسل. استاد مشهور جهانی پرتره هلندی در این قرن، شاگرد اسکورل، آنتونیس مور اوترختی (آنتونیو مورو؛ 1512-1578) بود که در تمام شهرهای اصلی اروپا احساس می کرد که در خانه خود است. هیمنز جلد وسیع و عالی را به او تقدیم کرد. در آثار اولیه او، برای مثال، در پرتره دوگانه قوانین اوترخت (1544) در برلین، وابستگی او به اسکورل هنوز به وضوح قابل مشاهده است. بعداً او به ویژه تحت تأثیر هولبین و تیتین قرار گرفت که در بین آنها جایگاه متوسطی را اشغال می کند. در پرتره های دوره میانی خود، به زیبایی چیدمان شده و با اطمینان و روان با رنگ های شفاف نقاشی شده اند، برای مثال، در پرتره ژان دارشل با لباس قرمز (1561) در لندن، نجیب زاده با ساعت (1565) در لوور، به رنگ مردانه. پرتره های سال 1564 در لاهه و وین، و سپس در کاسل، درسدن و کارلسروهه، او گاهی شبیه مورونی معاصر ایتالیایی خود است. پرتره های بعدی او لحن نرم تر و محدودتر شدند. باشکوه ترین آنها، پرتره هوبرت گولتزیوس (1576) در بروکسل، در عین حال عشق به کشیدن جزئیات، حتی تا موهای ریش را نشان می دهد.
بسیاری از نقاشان پرتره هلندی در این زمان عمدتاً در خارج از کشور کار می کردند. نیکلاس نوفشاتل در نورنبرگ، گلدورف گورتیوس در کلن (1558-1615 یا 1618) نوشت. پس از مرگ هولبین، کلونی از نقاشان پرتره هلندی در لندن ساکن شدند که بعداً با آنها آشنا خواهیم شد.
در هلند، و به ویژه در آمستردام، نقاشی محلی محلی پرتره های گروهی به تدریج به یکی از زمینه های هنری اصلی نقاشی بزرگ تبدیل شد. ابتکار عمل توسط روسای اصناف تیراندازی صورت گرفت. در اواخر قرن، "آناتومی" ظاهر شد، که گروه های پرتره اصناف جراحان را به تصویر می کشید، و "هیئت ها" که جلسات شوراهای موسسات خیریه مختلف را به تصویر می کشید. پیکان های دیرک جیکوبز (حدود 1495-1565) در موزه رایکز در آمستردام و در ارمیتاژ در سنت پترزبورگ، نقاشی های کورنلیس آنتونی تینیسن (حدود 1500-1553) در موزه ریکس و سپس نقاشی های تالار شهر آمستردام از نوع دیرک بارنتز (1534-1592) که به آرامی آزادی را به دست آورد) در موزه رایکز نشان می دهد که چگونه فیگورهای نیمه قد تیراندازان که ابتدا در یک ردیف پیوسته در کنار هم قرار گرفتند، به لطف انتخاب رئیس ها، به تدریج به گروه های هنرمندانه ای تبدیل می شوند. ، توزیع خطوط به صورت مورب، معنویت بخشیدن به چهره ها و رابطه زنده تر بین خود به تصویر کشیده شده است. حتی در نقاشی "شام تفنگداران" یک جنبش ژانر محدود تنها پس از 1580 وارد شد. و برای اولین بار در نقاشی 1588 کورنلیس کتل (1548-1616) در موزه Rijkseum، فلش ها به صورت کامل روی زمین ایستاده اند و استاد از ابزارهای صرفه جویی "ابتدای" برای ساخت ترکیب استفاده می کند. نقاشی های تیراندازی پیتر آیزاک (متوفی 1625) از همین مجموعه به گروه های جداگانه ای که به طرز ماهرانه ای اجرا شده اند، تقسیم می شوند و قدیمی ترین "هیئت" همان مجموعه، گروه پرتره هیئت کتانی سازان صنفی در سال 1599 و قدیمی ترین آنها "آناتومی"، سخنرانی در مورد آناتومی توسط سباستین اگبرتس 1503، متعلق به آرت پیترز (1550-1612)، پسر پیتر آرتسن. در نهایت، در هارلم، عکس تیراندازی کورنلز ون هارلام کورنلیس (1562-1638) در سال 1583 بیشتر یک ژانر است تا یک گروه پرتره، به دلیل اقدامات افرادی که وارد آن شده اند و یک کودتا را نشان می دهند، در حالی که عکس تیراندازی از همان استاد 1599 و همان جلسه هارلم، همراه با آزادی حرکت به دست آمده، دوباره به جریان اصلی یک گروه پرتره واقعی باز می گردد.
Fig.87 - نقاشی "آناتومی"
9 - نقاشی منظره
نقاشی منظره هلندی نیمه دوم قرن شانزدهم نیز دستخوش تغییر قابل توجهی شد. به جای مناظر خارق العاده ماسیایی پاتینیر، بلسوف و گسلز، مناظری از مبتکر جسور پیتر بروگل وجود داشت. اگرچه به طور کلی آنها ثمره تخیل آزاد هستند، اما برای ما قطعاتی از طبیعت واقعی به نظر می رسند. ممکن است که پیتر آرتس با «وحدت صفحه افقی»، به قول یوهان دی یونگ، او را تحت تأثیر قرار داده باشد، اما این بروگل بود، نه آرتس، که نقاش منظره واقعی بود. منظر مدرسه مچلن، با قدیمی ترین استاد آن هانس بول (1534-1593)، با شیوه ترسیم درختان از طریق نقاط کوچک، با سبزی روشن، به سبک برگل پیوست. دو مناظر اسطوره‌ای بزرگ در استکهلم، مانند نه منظره کوچک در درسدن که بخشی از کتاب مقدس و بخشی از رویدادهای روزمره متحرک شده‌اند، تصور خوبی درباره او نمی‌دهند. همچنین هنرمندان مچلن مرتبط با آنها بودند، لوکاس ون والکنبورخ (حدود 1540-1622)، که مناظر آنها بیشتر به خاطر خودشان نقاشی شده بود، برادرش مارتن (1542-1604)، پسرش فردریک ون والکنبورخ (1570-1623) که نقاشی می تواند بهترین مطالعه در وین باشد.
همراه با این روندهای سابق در نقاشی منظره فلاندری، اکنون گرایش جدیدی ظاهر می شود که از ناکافی بودن چشم انداز کلی مناظر آن زمان با شکاف آگاه است، اما با بودجه ناکافی به کمک می آید. دشواری های ارائه شده توسط تصویر زمین توسط "پشت صحنه" که یکی پس از دیگری تشکیل شده بود از بین رفت و مشکلات پرسپکتیو اما با "سه طرح" که قبلاً استفاده شده بود، جلو قهوه ای، وسط سبز و پشت آبی برطرف شد. و مهمتر از همه، روش نوشتن درختان با نقطه با یک "سبک تافت" جایگزین می شود، کامل تر، زیرا شاخ و برگ را از بسته های برگ جداگانه تشکیل می دهد، که برگ به برگ در پیش زمینه کشیده شده است. بنیانگذار این روند انتقالی، همانطور که ون مندر قبلاً نشان داده است، گیلیس ون کونینکسلو (1544-1607) است که اسپونسل با او ما را بهتر معرفی کرد. او در آنتورپ به دنیا آمد و در آمستردام درگذشت و بر نقاشی منظره هلندی و فلاندری تأثیر گذاشت. منظره دودی مجلل او در سال 1588 که قضاوت میداس در درسدن و دو منظره 1598 و 1604 را به تصویر می کشد. در گالری لیختن اشتاین به اندازه کافی او را توصیف می کنند. متیو بریل که در سال 1550 در آنتورپ به دنیا آمد و در سال 1584 در رم درگذشت، ابتدا سبک کونیکسلو را به ایتالیا آورد، جایی که برادرش پاول بریل (1554-1626) آن را بیشتر توسعه داد و در مجاورت کاراچی بود، که ما نمی توانیم در مورد این استاد صحبت کنیم.
در نهایت، نقوش معماری اکنون در هلند نیز به شاخه ای مستقل از هنر تبدیل شده است. Hans Vredemann de Vries (1527-1604) تصاویری از گالری ها به سبک رنسانس ارائه کرد. تابلوهای امضا شده او از این نوع در وین هستند. پس از آن شاگردش هندریک استنویک بزرگ (حدود 1550-1603) با کلیساهای گوتیک، تالارهای بزرگ و طاق های سنگی قدرتمند. محفظه های داخلی تا حدودی خشک، اما به طور مشخص کشیده شده با سایه های عمیق و کیاروسکورو ظریف متمایز می شوند. قدیمی ترین نوع کلیسای گوتیک که او در سال 1583 نقاشی کرد در آمبروسیانا در میلان است.
بنابراین قرن شانزدهم در هلند راه را برای قرن هفدهم در همه زمینه ها آماده کرد. با این حال، تمام این انواع نقاشی تنها در پرتو هنر ملی هلندی قرن جدید به استقلال، آزادی و ظرافت کامل دست می یابند.
01 - توسعه نقاشی هلندی 02 - جذابیت هلند برای هنرمندان 03 - یواخیم پاتینیر 04 - مدرسه بروکسل 05 - هنر هلند شمالی 06 - یان موسترت 07 - پیتر هنر 08 - نقاشی پرتره 09 - نقاشی منظره
هنر هلند در قرن پانزدهم اولین جلوه های هنر رنسانس در هلند به اوایل قرن پانزدهم باز می گردد. اولین نقاشی‌هایی که قبلاً می‌توان آنها را به عنوان آثار تاریخی رنسانس طبقه‌بندی کرد، توسط برادران هوبرت و یان ون آیک خلق شد. هر دوی آنها - هوبرت (درگذشته در 1426) و یان (حدود 1390-1441) - نقش تعیین کننده ای در شکل گیری رنسانس هلند ایفا کردند. تقریباً هیچ چیز در مورد هوبرت شناخته شده نیست. یان ظاهراً فردی بسیار تحصیل کرده بود ، هندسه ، شیمی ، نقشه کشی را مطالعه کرد ، برخی از مأموریت های دیپلماتیک دوک بورگوندی فیلیپ خوب را انجام داد ، که اتفاقاً او به پرتغال سفر کرد. نخستین گام‌های رنسانس در هلند را می‌توان با آثار تصویری برادران، ساخته‌شده در دهه 20 قرن پانزدهم، و از جمله «زنان مرم‌دار در مقبره» (احتمالاً بخشی از یک چندقطبی) قضاوت کرد. روتردام، موزه Boijmans-van Beiningen)، "مدونا در کلیسا" (برلین)، "سنت جروم" (دیترویت، موسسه هنر).
Robeo Kampen نقاش هلندی. در مسابقات کار کرد. هویت رابرت کمپین در هاله ای از ابهام قرار دارد. توسط مورخان هنر با به اصطلاح Master of Flemalle، نویسنده یک گروه کامل از نقاشی ها شناسایی شده است. کامپن که با سنت‌های مینیاتور و مجسمه‌سازی هلندی قرن چهاردهم مرتبط بود، اولین کسی بود که در میان هموطنان خود قدم‌هایی در جهت اصول هنری رنسانس اولیه برداشت. آثار کمپین (سه‌گانه اعلان، موزه هنر متروپولیتن؛ ورل محراب، 1438، پرادو، مادرید) کهن‌تر از آثار یان ون آیک معاصر او هستند، اما به دلیل سادگی دموکراتیک تصاویر، تمایل به تفسیر روزمره از آنها برجسته‌تر هستند. توطئه ها تصاویر قدیسان در نقاشی های او، به طور معمول، در فضای داخلی دنج شهری با جزئیات بازتولید عاشقانه موقعیت قرار می گیرد. تغزلیات تصاویر، رنگ‌آمیزی زیبا، بر اساس تضاد رنگ‌های ملایم محلی، در کمپین با بازی پیچیده‌ای از چین‌های ردایی ترکیب شده است، همانطور که در چوب حک شده است. یکی از اولین نقاشان پرتره در نقاشی اروپایی ("پرتره یک مرد"، گالری هنری، برلین-دهلم، پرتره های زوجی از همسران، گالری ملی، لندن). آثار کامپن بر بسیاری از نقاشان هلندی از جمله شاگردش روژیر ون در ویدن تأثیر گذاشت.
Rogier van der Weyden نقاش هلندی (معروف به Rogier de la Pature. او احتمالاً در Tournai با رابرت کمپین تحصیل کرده است؛ از سال 1435 در بروکسل کار می کند، جایی که کارگاه بزرگی را رهبری می کند، در سال 1450 از رم، فلورانس، فرارا بازدید می کند. نقاشی های اولیه و محراب ها. ون در ویدن تأثیر یان ون ایک و رابرت کامپین را آشکار می کند. کار روژیر ون در ویدن، یکی از بزرگترین استادان اوایل رنسانس شمالی، با پردازش عجیب و غریب از تکنیک های هنری یان ون ایک مشخص می شود. ترکیب‌بندی‌های مذهبی که شخصیت‌های آن در فضاهای داخلی با چشم‌اندازهایی که به پلان‌های دور باز می‌شوند یا در پس‌زمینه‌های مشروط قرار دارند، روژیر ون در ویدن بر تصاویر پیش‌زمینه تمرکز می‌کند و اهمیت زیادی برای انتقال دقیق عمق فضا و روزمره قائل نیست. جزئیات وضعیت.با رد جهانشمول گرایی هنری یان ون ایک، استاد در آثارش بر دنیای درونی انسان، تجربیات و حال و هوای ذهنی او تمرکز می کند. نقاشی توسط هنرمند روژیر وان دی. er Weiden، که از بسیاری جهات هنوز بیان معنوی هنر گوتیک متاخر را حفظ کرده است، با ترکیبی متعادل، نرمی ریتم های خطی، غنای احساسی رنگ محلی تصفیه شده و روشن مشخص می شود ("صلیب بندی"، موزه Kunsthistorisches، وین؛ "Nativity"، بخش میانی "Bladelin Altarpiece"، حدود 1452 - 1455، گالری هنری، برلین-داهلم. ستایش مجوس، Alte Pinakothek، مونیخ; "نزول از صلیب"، حدود 1438، موزه پرادو، مادرید). پرتره های Rogier van der Weyden ("پرتره یک زن جوان"، گالری ملی هنر، واشنگتن) با لاکونیسم تصویری، آشکارسازی دقیق ویژگی مدل متمایز می شود.
هوس هوگو وان در نقاش رنسانس هلندی. او عمدتاً در گنت، از سال 1475 - در صومعه رودندال کار می کرد. در حدود سال 1481 از کلن بازدید کرد. کار هوس، که سنت های یان ون ایک و روژیر ون در ویدن را در هنر هلندی ادامه داد، با گرایش به حقیقت شجاعانه تصاویر، درام شدید کنش مشخص می شود. هنرمند هوگو ون در گوس در ترکیب بندی های خود که از نظر ساختار فضایی و نسبت های مقیاس شکل ها تا حدودی متعارف است، پر از جزئیات ظریف و عاشقانه تفسیر شده (قطعاتی از معماری، لباس های طرح دار، گلدان های گل و غیره) است. شخصیت‌هایی که توسط یک تجربه جمع شده‌اند و اغلب به تیپ‌های عامیانه تیزبین ترجیح می‌دهند. پس‌زمینه تصاویر محراب هوس اغلب منظره‌ای شاعرانه است که در درجه‌بندی‌های رنگارنگ آن ظریف است ("سقوط"، حدود 1470، موزه Kunsthistorisches، وین). نقاشی هوس با مدل‌سازی دقیق پلاستیکی، انعطاف‌پذیری ریتم‌های خطی، رنگ‌آمیزی تصفیه‌شده سرد بر اساس هارمونی‌های رنگ‌های خاکستری-آبی، سفید و سیاه مشخص می‌شود. اوفیزی؛ ستایش مغان و «ستایش شبان‌ها»، گالری هنری، برلین-دهلم). ویژگی های مشخصه نقاشی گوتیک متاخر (تصاویر هیجانی دراماتیک، ریتم تیز، شکسته چین های لباس، تنش متضاد، رنگ صدادار) در فرضیه بانوی ما (گالری هنری شهرداری، بروژ) ظاهر شد.
هانس مملینگ (حدود 1440-1494) نقاش هلندی. احتمالاً با Rogier van der Weyden مطالعه کرد. از سال 1465 در بروژ کار می کرد. در آثار مملینگ، که ویژگی‌های هنر گوتیک متاخر و رنسانس را در آثار خود ترکیب کرد، تفسیر روزمره، غنایی از موضوعات مذهبی، تفکر نرم، ساخت هماهنگ ترکیب با میل به ایده‌آل کردن تصاویر، متعارف ساختن تکنیک‌های قدیمی ترکیب شده است. نقاشی هلندی (سه‌گانه «بانوی ما با قدیسین»، 1468، گالری ملی، لندن؛ نقاشی از زیارتگاه سنت اورسولا، 1489، موزه هانس مملینگ، بروژ؛ محراب با آخرین داوری، حدود 1473، کلیسای مریم باکره ، گدانسک؛ سه‌گانه نامزدی عرفانی سنت کاترین اسکندریه، موزه مملینگ، بروژ). آثار مملینگ، که در میان آنها برجسته است "Bathsheba"، تصویری در اندازه واقعی از بدن برهنه زن که در هنر هلند کمیاب است (1485، موزه بادن-وورتمبرگ، اشتوتگارت)، و پرتره های دقیق در بازسازی ظاهر مدل. (پرتره مرد، موریتشویس، لاهه؛ پرتره‌های ویلم مورل و باربارا ون ولندربرگ، 1482، موزه سلطنتی هنرهای زیبا، بروکسل)، با نسبت‌های کشیده، ظرافت ریتم‌های خطی، و رنگ‌آمیزی جشن بر اساس تضادهای ملایم متمایز می‌شوند. از رنگ های قرمز، آبی، سبز محو و قهوه ای.
هیرونیموس ون آکن هیرونیموس ون آکن، ملقب به بوش، در هرتوگنبوش (در سال 1516 در آنجا درگذشت)، یعنی دور از مراکز هنری اصلی هلند به دنیا آمد. آثار اولیه او خالی از نوعی ابتدایی بودن نیستند. اما در حال حاضر آنها به طرز عجیبی حس تند و آزاردهنده زندگی طبیعت را با یک گروتسک سرد در تصویر مردم ترکیب می کنند. بوش به روند هنر مدرن پاسخ می دهد - با میل به واقعیت، با عینیت بخشیدن به تصویر یک شخص، و سپس - کاهش نقش و اهمیت آن. او این روند را تا حد خاصی پیش می برد. در هنر بوش، تصاویر طنز یا بهتر بگوییم طعنه آمیز از نژاد بشر ظاهر می شود.
Quentin Masseyn یکی از بزرگترین استادان سوم اول قرن - Quentin Masseys (متولد حدود 1466 در Louwepe، درگذشت در 1530 در آنتورپ). آثار اولیه کوئنتین ماسیز نشانی متمایز از سنت های قدیمی دارد. اولین اثر مهم او سه‌گانه‌ای است که به سنت آنا تقدیم شده است (1507 - 1509؛ بروکسل، موزه). صحنه های بیرونی درهای جانبی با درام مهار شده متمایز می شوند. تصاویر، که از نظر روانی ضعیف توسعه یافته اند، با شکوه هستند، فیگورها بزرگ شده و از نزدیک ترکیب شده اند، به نظر می رسد فضا متراکم شده است. جاذبه به سوی آغاز واقعی زندگی، ماسیز را به خلق یکی از اولین ژانرها، نقاشی های روزمره در هنر زمان جدید سوق داد. به تابلوی «تغییر با همسرش» (1514؛ پاریس، لوور) اشاره می کنیم. در همان زمان، علاقه مداوم هنرمند به تفسیر تعمیم یافته واقعیت، او را (شاید اولین در هلند) واداشت تا به هنر لئوناردو داوینچی ("مریم و کودک"؛ پوزنان، موزه) روی آورد، اگرچه در اینجا می توان بیشتر در مورد قرض گرفتن یا تقلید صحبت کنید.
Jan Gossaert نقاش هلندی در بروژ تحصیل کرد، در آنتورپ، اوترخت، میدلبورگ و سایر شهرها کار کرد، در 1508-1509 از ایتالیا دیدن کرد. در سال 1527، گوسرت به همراه لوکاس ون لیدن از فلاندر سفر کرد. بنیانگذار رومیسم در نقاشی هلندی قرن شانزدهم، گوسرت به دنبال تسلط بر دستاوردهای رنسانس ایتالیایی در ترکیب بندی، آناتومی، و پرسپکتیو بود: او اغلب با اشاره به موضوعات باستانی و کتاب مقدس، چهره های برهنه را در پس زمینه معماری باستانی به تصویر می کشید. یک محیط طبیعی که با رویکردی دقیق و عینی معمول هنر هلندی ارائه شده است. جزئیات («آدم و حوا»، «نپتون و آمفیتریت»، 1516، هر دو در گالری هنر، برلین؛ «دانای»، 1527، Alte Pinakothek، مونیخ ). سنت‌های هنری مکتب هلندی به پرتره‌های یان گوسرت نزدیک‌تر است (دوپیچ که صدراعظم ژان کاروندلت، 1517، لوور، پاریس) را به تصویر می‌کشد.
پیتر بروگل بزرگ، ملقب به موژیتسکی (بین 1525 و 1530-1569) به عنوان یک هنرمند در آنتورپ تشکیل شد (او با پی کوک ون آلست تحصیل کرد)، از ایتالیا بازدید کرد (1551-1552)، به متفکران رادیکال هلند نزدیک بود. . با نگاهی ذهنی به مسیر خلاق بروگل، باید تشخیص داد که او تمام دستاوردهای نقاشی هلندی دوره قبل را در هنر خود متمرکز کرده است. تلاش‌های ناموفق رومانیسم متأخر برای انعکاس زندگی به شکل‌های تعمیم‌یافته، آزمایش‌های موفق‌تر اما محدود آرتسن در تعالی تصویر مردم، وارد ترکیب قدرتمندی با بروگل شد. در واقع، ولع واقعی سازی واقع بینانه روش خلاقانه، که در آغاز قرن ظهور کرد، با بینش عمیق جهان بینی استاد ادغام شد، میوه های باشکوهی را برای هنر هلندی به ارمغان آورد.
Savary Roelant نقاش فلاندری، یکی از بنیانگذاران ژانر حیوانی در نقاشی هلندی. در سال 1576 در کورتری متولد شد. زیر نظر یان بروگل مخملی تحصیل کرد. نقاشی از Saverey Roelant "Orpheus". اورفئوس در منظره ای صخره ای در نزدیکی رودخانه، احاطه شده توسط حیوانات جنگلی عجیب و غریب و پرندگان، که توسط صداهای شیرین ویولن خود مسحور شده اند، به تصویر کشیده شده است. به نظر می رسد Saverey در اینجا از منظره ای آبدار و دقیق با انواع گیاهان و جانوران لذت می برد. این منظره خارق‌العاده و ایده‌آلی به شیوه‌ای منریستی ارائه شده است، اما با الهام از منظره آلپی که نقاش Roelant Savery در سفرهای خود به سوئیس در اوایل دهه 1600 مشاهده کرد. این هنرمند چندین ده نقاشی با تصویر اورفئوس و باغ عدن ساخت و به این موضوعات مورد علاقه شخصیتی جادویی داد. نقاشی های Savery پر جنب و جوش و پر از جزئیات، تحت تأثیر یان بروگل مشخص شده اند. او در سال 1639 در اوترخت درگذشت.
تفاوت با هنر ایتالیایی هنر هلندی دموکراتیک تر از هنر ایتالیایی شده است. دارای ویژگی های قوی فولکلور، فانتزی، گروتسک، طنز تند است، اما ویژگی اصلی آن احساس عمیق هویت ملی زندگی، اشکال عامیانه فرهنگ، زندگی، آداب و رسوم، گونه ها و همچنین نمایش تضادهای اجتماعی در جهان است. زندگی اقشار مختلف جامعه تضادهای اجتماعی زندگی جامعه، قلمرو خصومت و خشونت در آن، تنوع نیروهای مخالف، آگاهی از ناهماهنگی آن را تشدید کرد. از این رو، گرایش‌های انتقادی رنسانس هلندی، که در اوج گروتسک بیانی و گاه تراژیک در هنر و ادبیات نمایان شد، غالباً در زیر نقاب یک شوخی پنهان می‌شد «برای گفتن حقیقت به پادشاهان با لبخند». یکی دیگر از ویژگی های فرهنگ هنری هلندی رنسانس، ثبات سنت های قرون وسطایی است که تا حد زیادی ماهیت رئالیسم هلندی قرن 15 و 16 را تعیین کرد. هر چیز جدیدی که در یک دوره زمانی طولانی برای مردم آشکار می شد در سیستم دیدگاه های قرون وسطایی قدیم اعمال می شد که امکان توسعه مستقل دیدگاه های جدید را محدود می کرد، اما در عین حال آنها را مجبور می کرد عناصر ارزشمند موجود در این سیستم را جذب کنند. .
تفاوت با هنر ایتالیایی هنر هلندی با دیدی جدید و واقع گرایانه از جهان، اظهار ارزش هنری واقعیت همان گونه که هست، بیان ارتباط ارگانیک بین انسان و محیطش، درک امکاناتی است که طبیعت و زندگی به انسان عطا می کند هنرمندان در تجسم یک شخص به ویژگی و خاص، حوزه زندگی روزمره و معنوی علاقه دارند. نقاشان هلندی قرن پانزدهم با ذوق و شوق تنوع شخصیت مردم، غنای رنگارنگ پایان ناپذیر طبیعت، تنوع مادی آن را به تصویر می کشند، به آرامی شعر چیزهای روزمره، نامحسوس، اما نزدیک به انسان، راحتی فضای داخلی زندگی می کنند. این ویژگی های ادراک جهان در نقاشی و گرافیک هلندی قرن 15 و 16 در ژانر زندگی روزمره، پرتره، فضای داخلی و مناظر ظاهر شد. آنها عشق معمولی هلندی را به جزئیات، عینیت تصویر، روایت، ظرافت در انتقال حالات و در عین حال توانایی شگفت انگیزی برای بازتولید تصویری کل نگر از جهان با بی نهایت فضایی اش آشکار کردند.
تفاوت با هنر ایتالیایی نقطه عطفی که در هنر سوم اول قرن پانزدهم رخ داد، نقاشی را کاملاً تحت تأثیر قرار داد. بزرگترین دستاورد او با ظهور نقاشی سه پایه در اروپای غربی است که جایگزین نقاشی های دیواری کلیساهای رومی و شیشه های رنگی گوتیک شد. نقاشی های سه پایه با مضامین مذهبی در اصل آثاری از نقاشی شمایل بودند. آنها به شکل چین های نقاشی شده با صحنه های انجیلی و کتاب مقدس، محراب کلیساها را تزئین می کردند. به تدریج، موضوعات سکولار شروع به گنجاندن در ترکیبات محراب کردند که بعداً معنای مستقلی پیدا کردند. نقاشی سه پایه از نقاشی شمایل جدا شد و به بخشی جدایی ناپذیر از فضای داخلی خانه های ثروتمند و اشرافی تبدیل شد. برای هنرمندان هلندی، ابزار اصلی بیان هنری رنگ است که امکان بازآفرینی تصاویر بصری در غنای رنگارنگ خود را با حداکثر ملموس می‌دهد. هلندی ها به شدت از تفاوت های ظریف بین اشیاء، بازتولید بافت مواد، جلوه های نوری - درخشندگی فلز، شفافیت شیشه، انعکاس آینه، ویژگی های انکسار نور منعکس شده و منتشر شده، تأثیرگذاری آگاه بودند. از اتمسفر مطبوع منظره ای که تا دوردست کشیده شده است. همانطور که در شیشه های رنگی گوتیک، که سنت آن نقش مهمی در توسعه ادراک تصویری از جهان داشت، رنگ به عنوان ابزار اصلی انتقال غنای احساسی تصویر عمل می کرد. توسعه رئالیسم در هلند باعث انتقال از تمپر به رنگ روغن شد که امکان بازتولید توهم آمیزتر مادیات جهان را فراهم کرد. بهبود تکنیک نقاشی رنگ روغن شناخته شده در قرون وسطی، توسعه ترکیبات جدید را به یان ون ایک نسبت می دهند. استفاده از رنگ روغن و مواد صمغی در رنگ آمیزی سه پایه، استفاده از آن به صورت لایه ای شفاف و نازک روی رنگ زیرین و زمین گچی سفید یا قرمز، اشباع، عمق و خلوص رنگ های روشن را برجسته می کند، امکانات نقاشی را گسترش می دهد - امکان دستیابی به آن را فراهم می کند. غنا و تنوع در رنگ، بهترین انتقال تون. نقاشی ماندگار یان ون آیک و روش او تقریباً بدون تغییر در قرن‌های 15 و 16، در رویه هنرمندان ایتالیا، فرانسه، آلمان و سایر کشورها به حیات خود ادامه داد.
هنر رنسانس هنر هلندی قرن پانزدهم. رنگ آمیزی.
اگرچه تعداد قابل توجهی از بناهای برجسته هنر هلندی در قرن های 15 و 16 به ما رسیده است، اما لازم است، هنگام بررسی توسعه آن، این واقعیت را در نظر بگیریم که بسیاری از آثار هم در طول جنبش شمایل شکن، که خود را در آن نشان داد، از بین رفت. تعدادی از مکان ها در طول انقلاب قرن شانزدهم، و بعدها، به ویژه در ارتباط با توجه اندک به آنها در زمان های بعد، تا آغاز قرن 19.
فقدان امضای هنرمندان در بیشتر موارد و کمبود داده های مستند نیازمند تلاش های قابل توجهی از سوی بسیاری از محققین بود تا میراث هنرمندان منفرد را از طریق تحلیل سبکی کامل احیا کنند. منبع مکتوب اصلی کتاب هنرمندان است که در سال 1604 (ترجمه روسی، 1940) توسط نقاش کارل ون مندر (1548-1606) منتشر شد. زندگینامه هنرمندان هلندی قرن 15-16 توسط مندر که بر اساس الگوی "بیوگرافی" وازاری گردآوری شده است حاوی مطالب گسترده و ارزشمندی است که اهمیت ویژه آنها در اطلاعات مربوط به بناهای تاریخی است که مستقیماً برای نویسنده آشنا است.
در ربع اول قرن پانزدهم، یک انقلاب رادیکال در توسعه نقاشی اروپای غربی رخ داد - یک نقاشی سه پایه ظاهر شد. سنت تاریخی این انقلاب را با فعالیت های برادران ون ایک، بنیانگذاران مکتب نقاشی هلندی، مرتبط می کند. کار ون ایکس تا حد زیادی توسط فتوحات واقع گرایانه استادان نسل قبلی - توسعه مجسمه سازی اواخر گوتیک و به ویژه فعالیت یک کهکشان کامل از استادان فلاندری مینیاتور کتاب که در فرانسه کار می کردند - آماده شد. با این حال، در هنر تصفیه شده و پالایش شده این استادان، به ویژه برادران لیمبورگ، واقع گرایی جزئیات با تصویر شرطی فضا و پیکره انسانی ترکیب می شود. کار آنها تکمیل گوتیک است و به مرحله دیگری از توسعه تاریخی تعلق دارد. فعالیت این هنرمندان به استثنای برودرلام تقریباً به طور کامل در فرانسه صورت گرفت. هنری که در اواخر قرن 14 و اوایل قرن 15 در قلمرو خود هلند ایجاد شد، ماهیتی ثانویه و استانی داشت. پس از شکست فرانسه در Agincourt در سال 1415 و انتقال فیلیپ خوب از دیژون به فلاندر، مهاجرت هنرمندان متوقف شد. هنرمندان، علاوه بر دربار بورگوندیا و کلیسا، در میان شهروندان ثروتمند مشتریان زیادی پیدا می کنند. در کنار خلق تابلوها، مجسمه ها و نقش برجسته ها را نقاشی می کنند، بنرها را نقاشی می کنند، کارهای تزئینی مختلف انجام می دهند و جشن ها را تزئین می کنند. به جز چند استثنا (جان ون آیک)، هنرمندان، مانند صنعتگران، در اصناف متحد بودند. فعالیت‌های آنها، محدود به محدوده‌های شهر، به شکل‌گیری مدارس هنری محلی کمک کرد، اما به دلیل فاصله‌های کم نسبت به ایتالیا کمتر منزوی بودند.
محراب گنت معروف ترین و بزرگترین اثر برادران ون ایک، پرستش بره (گنت، کلیسای سنت باوو) متعلق به شاهکارهای بزرگ هنر جهان است. این یک تصویر بزرگ محراب تا شده دو طبقه است که از 24 نقاشی مجزا تشکیل شده است که 4 تای آن در قسمت میانی ثابت و بقیه در بال های داخلی و خارجی قرار گرفته است. طبقه پایین ضلع داخلی یک ترکیب واحد را تشکیل می دهد، اگرچه توسط قاب های ارسی به 5 قسمت تقسیم می شود. در مرکز، در مرغزاری پر از گل، تختی با بره ای بر روی تپه ای برمی خیزد که خون حاصل از زخم آن به کاسه می ریزد و نماد قربانی کفاره مسیح است. کمی پایین تر چشمه "منبع آب زنده" (یعنی ایمان مسیحی) را می زند. انبوهی از مردم برای عبادت بره جمع شدند - در سمت راست رسولان زانو زده بودند، پشت سر آنها نمایندگان کلیسا، در سمت چپ - پیامبران و در پس زمینه - شهدای مقدس که از نخلستان ها بیرون می آمدند. زائران و زائرانی که روی بال های سمت راست تصویر شده اند، به رهبری کریستوفر غول پیکر نیز به اینجا می روند. سوارکاران در بال های چپ قرار می گیرند - مدافعان ایمان مسیحی که با کتیبه هایی به عنوان "سربازان مسیح" و "قاضی عادل" نشان داده شده است. محتوای پیچیده ترکیب اصلی از آخرالزمان و سایر متون کتاب مقدس و انجیل استخراج شده است و با تعطیلات کلیسای همه مقدسین مرتبط است. اگرچه قدمت عناصر منفرد به شمایل نگاری قرون وسطایی این موضوع بازمی گردد، اما نه تنها با گنجاندن تصاویر روی درها که توسط سنت پیش بینی نشده است، به طور قابل توجهی پیچیده و گسترش می یابد، بلکه توسط هنرمند به تصاویر کاملاً جدید، ملموس و زنده ترجمه شده است. به ویژه به منظره‌ای که در میان آن منظره آشکار می‌شود، شایسته توجه ویژه است. گونه‌های متعدد درختان و درختچه‌ها، گل‌ها، صخره‌های پوشیده از شکاف و چشم‌اندازی از فاصله باز شده در پس‌زمینه با دقت شگفت‌انگیزی منتقل می‌شوند. قبل از نگاه تیزبین هنرمند، گویی برای اولین بار، غنای لذت بخش اشکال طبیعت آشکار شد که او با توجهی محترمانه آن را منتقل کرد. علاقه به تنوع جنبه ها به وضوح در تنوع غنی چهره های انسان بیان می شود. با ظرافت های شگفت انگیز، میترهای اسقف ها که با سنگ تزئین شده اند، تسمه غنی اسب ها و زره های درخشان منتقل می شوند. در "جنگجویان" و "قاضی ها" شکوه باشکوه دربار و جوانمردی بورگوندی جان می گیرد. ترکیب یکپارچه لایه پایین با شکل های بزرگ لایه بالایی که در طاقچه ها قرار گرفته اند مخالف است. تشریفات دقیق سه شخصیت اصلی را متمایز می کند - خدای پدر، مریم باکره و جان باپتیست. تضاد شدید با این تصاویر باشکوه، پیکرهای برهنه آدم و حوا است که با تصاویر آواز خواندن و بازی فرشتگان از آنها جدا شده است. با وجود همه باستانی بودن ظاهر آنها، درک هنرمندان از ساختار بدن قابل توجه است. این چهره ها در قرن شانزدهم توجه هنرمندانی مانند دورر را به خود جلب کرد. فرم های زاویه دار آدم با گردی بدن زن در تضاد است. با توجه دقیق، سطح بدن که موهای آن را پوشانده است، منتقل می شود. با این حال، حرکات فیگورها محدود است، حالت ها ناپایدار هستند.
نکته قابل توجه درک واضح از تغییرات ناشی از تغییر دیدگاه (کم برای اجداد و زیاد برای سایر چهره ها) است.
تک رنگی درهای بیرونی به گونه ای طراحی شده است که غنای رنگ ها و شادی درهای باز را نشان دهد. محراب فقط در روزهای تعطیل باز می شد. در طبقه پایین مجسمه‌های جان باپتیست (که کلیسا در اصل به او اختصاص داده شده بود) و جان انجیلیست وجود دارد که از مجسمه‌های سنگی تقلید می‌کنند و پیکره‌های زانو زده اهداکنندگان Iodokus Feit و همسرش به صورت برجسته در طاقچه‌های سایه‌دار ایستاده‌اند. ظهور چنین تصاویر زیبا با توسعه مجسمه سازی پرتره تهیه شد. چهره‌های فرشته و مریم در صحنه بشارت در یک فضای داخلی، البته جدا از هم با قاب‌های ارسی، با همان شکل مجسمه‌ای متمایز می‌شوند. توجه به انتقال محبت آمیز اثاثیه خانه همبرگر و منظره خیابان شهر که از پنجره باز می شود جلب می شود.
کتیبه ای در آیه که روی محراب قرار داده شده است می گوید که توسط هوبرت ون آیک، «بزرگترین همه» آغاز شد، توسط برادرش «دومین در هنر» از طرف جودوکوس فیت به پایان رسید و در 6 می 1432 تقدیس شد. اشاره به مشارکت دو هنرمند، طبیعتاً منجر به تلاش‌های متعددی برای تمایز بین سهم مشارکت هر یک از آنها شد. با این حال، انجام این کار بسیار دشوار است، زیرا اجرای تصویری محراب در همه قسمت ها یکنواخت است. پیچیدگی این کار با این واقعیت تشدید می شود که در حالی که ما اطلاعات بیوگرافی موثقی در مورد یان داریم و مهمتر از همه، تعدادی از آثار بلامنازع او داریم، تقریباً هیچ چیز درباره هوبرت نمی دانیم و حتی یک اثر مستند از او نداریم. . تلاش برای اثبات نادرستی کتیبه و اعلام هوبرت به عنوان "شخصیت افسانه ای" باید اثبات نشده تلقی شود. به نظر می رسد این فرضیه معقول ترین باشد که بر اساس آن یان از بخش هایی از محراب که توسط هوبرت آغاز شده است، یعنی "ستایش بره" و چهره های طبقه بالایی که در ابتدا یک کل واحد را تشکیل نمی دادند، استفاده و نهایی کرد. با او، به استثنای آدم و حوا، که به طور کامل توسط جان اعدام شدند. تعلق کل دریچه های بیرونی به دومی هرگز باعث بحث نشده است.
هوبرت ون آیک تألیف هوبرت (?-1426) در رابطه با سایر آثاری که تعدادی از محققین به او نسبت داده‌اند همچنان بحث‌برانگیز است. تنها یک تابلوی "سه مریم در مقبره مسیح" (روتردام) را می توان بدون تردید پشت سر او گذاشت. مناظر و چهره های زن در این نقاشی بسیار نزدیک به باستانی ترین قسمت محراب گنت (نیمه پایین نقاشی میانی طبقه پایین) است و پرسپکتیو عجیب تابوت شبیه به تصویر پرسپکتیو فواره است. در پرستش بره اما شکی نیست که جان هم در اجرای این تصویر شرکت داشته که بقیه چهره ها را باید به او نسبت داد. رساترین آنها جنگجوی خفته است. هوبرت در مقایسه با یان به عنوان هنرمندی عمل می کند که کارش هنوز با مرحله قبلی توسعه همراه است.
یان ون ایک (حدود 1390-1441). یان ون آیک کار خود را در لاهه و در دربار کنت های هلندی آغاز کرد و از سال 1425 هنرمند و درباری فیلیپ نیک بود که از طرف او به عنوان بخشی از سفارت در سال 1426 به پرتغال و در سال 1428 فرستاده شد. به اسپانیا؛ از سال 1430 در بروژ اقامت گزید. این هنرمند از توجه ویژه دوک برخوردار بود که در یکی از اسناد او را "در هنر و دانش بی نظیر" می خواند. آثار او به وضوح از فرهنگ والای هنرمند صحبت می کند.
وازاری، احتمالاً با تکیه بر سنت قبلی، جزئیات اختراع نقاشی رنگ روغن توسط یان ون ایک "پیچیده در کیمیاگری" را شرح می دهد. با این حال، می‌دانیم که دانه‌های کتان و سایر روغن‌های خشک‌کننده قبلاً در اوایل قرون وسطی به عنوان چسبنده شناخته می‌شدند (دسته‌های هراکلیوس و تئوفیلوس، قرن دهم) و طبق منابع مکتوب، در قرن چهاردهم بسیار مورد استفاده قرار می‌گرفتند. با این وجود، استفاده از آنها به کارهای تزئینی محدود می شد، جایی که برای ماندگاری بیشتر چنین رنگ هایی در مقایسه با تمپر و نه به دلیل ویژگی های نوری آنها به آنها متوسل شد. بنابراین، M. Bruderlam که محراب دیژون او با تمپر نقاشی شده بود، هنگام نقاشی بنرها از روغن استفاده می کرد. نقاشی های ون ایکس و هنرمندان هلندی همسایه آن در قرن پانزدهم به طور قابل توجهی با نقاشی های انجام شده در تکنیک سنتی تمپر متفاوت است، با درخشش مینا مانند رنگ ها و عمق رنگ ها. تکنیک ون آیکس مبتنی بر استفاده مداوم از خواص نوری رنگ‌های روغنی است که در لایه‌های شفاف روی لایه‌های زیرین و سطح گچی بسیار انعکاسی که از طریق آنها قابل رویت است، استفاده می‌شود، بر اساس وارد کردن رزین‌های محلول در روغن‌های ضروری به لایه‌های بالایی. و در مورد استفاده از رنگدانه های با کیفیت بالا. تکنیک جدید که در ارتباط مستقیم با توسعه روش‌های واقعی تصویرسازی جدید پدید آمد، امکان انتقال تصویری واقعی برداشت‌های بصری را بسیار گسترش داد.
در آغاز قرن بیستم، در یک نسخه خطی معروف به کتاب ساعات تورین-میلان، تعدادی مینیاتور از نظر سبکی نزدیک به محراب گنت کشف شد که 7 مورد از آنها به دلیل کیفیت فوق‌العاده بالا برجسته هستند. به ویژه در این مینیاتورها چشم انداز قابل توجه است که با درک شگفت انگیزی ظریف از روابط نور و رنگ ارائه شده است. در مینیاتور "نماز در ساحل"، سوارکاری را به تصویر می کشد که توسط خدمه ای بر روی یک اسب سفید احاطه شده است (تقریبا مشابه با اسب های بال های چپ محراب گنت)، برای عبور ایمن، دریای طوفانی و آسمان ابری سپاسگزاری می کند. به طرز شگفت انگیزی منتقل می شوند. در طراوت آن چشم انداز رودخانه با قلعه که توسط خورشید عصر روشن شده است ("سنت جولیان و مارتا") کمتر قابل توجه نیست. فضای داخلی اتاق برگر در ترکیب «میلاد جان باپتیست» و کلیسای گوتیک در «عشای مرثیه» با قانع‌کننده‌ای شگفت‌آور منتقل شده‌اند. اگر دستاوردهای هنرمند مبتکر در زمینه منظره تا قرن هفدهم مشابهی پیدا نکند، در این صورت چهره های لاغر و سبک هنوز کاملاً با سنت قدیمی گوتیک مرتبط هستند. قدمت این مینیاتورها در حدود 1416-1417 است و بدین ترتیب مشخصه مرحله اولیه کار یان ون ایک است.
نزدیکی قابل توجه به آخرین مینیاتورهای ذکر شده، زمینه را برای بررسی یکی از اولین نقاشی های یان ون ایک "مدونا در کلیسا" (برلین) فراهم می کند که در آن نور جاری از پنجره های بالایی به طرز شگفت انگیزی منتقل می شود. در سه‌گانه‌ای مینیاتوری که کمی بعد نوشته شده، با تصویر مدونا در مرکز، St. مایکل با مشتری و سنت. کاترین در بال های داخلی (درزدن)، تصور شبستان کلیسا که به اعماق فضا می رود تقریباً به توهم کامل می رسد. تمایل به دادن شخصیت ملموس به یک شی واقعی به تصویر به ویژه در چهره های فرشته و مریم بر روی بال های بیرونی که از مجسمه های ساخته شده از استخوان حکاکی شده تقلید می کنند، برجسته است. تمام جزئیات در تصویر با دقت نقاشی شده است که شبیه جواهرات است. این تصور با درخشش رنگ‌ها که مانند سنگ‌های قیمتی می‌درخشند، بیشتر می‌شود.
ظرافت سبک سه‌گانه درسدن با شکوه سنگین مدونا کانن ون در پال مخالفت می‌کند. (1436، بروژ)، با چهره های بزرگی که به فضای تنگ یک اپسی کم رومانسک فشار داده شده اند. چشم از تحسین ردای اسقفی آبی و طلایی که به طرز شگفت انگیزی نقاشی شده است خسته نمی شود. دوناتیان، زره های گرانبها و به ویژه پست های زنجیره ای St. مایکل، یک فرش باشکوه شرقی. هنرمند دقیقاً به اندازه کوچکترین حلقه های پست زنجیره ای، چین و چروک های صورت شل و ول و خسته یک مشتری قدیمی باهوش و خوش اخلاق - Canon van der Pale را منتقل می کند.
یکی از ویژگی های هنر ون ایک این است که این جزئیات کل را مبهم نمی کند.
در شاهکار دیگری که کمی پیشتر ساخته شده است، "مدونای صدراعظم رولن" (پاریس، لوور)، توجه ویژه ای به منظره ای شده است که از یک ایوان بلند مشاهده می شود. شهر در کرانه‌های رودخانه با تمام تنوع معماری‌اش، با چهره‌هایی از مردم در خیابان‌ها و میادین که گویی از طریق تلسکوپ دیده می‌شوند، به روی ما باز می‌شود. این وضوح به طور قابل توجهی با دور شدن تغییر می کند، رنگ ها محو می شوند - هنرمند درک درستی از پرسپکتیو هوایی دارد. با عینیت مشخص، ویژگی های صورت و نگاه دقیق صدراعظم رولن، یک دولتمرد سرد، محتاط و خود خدمت که سیاست دولت بورگوندی را رهبری می کرد، منتقل می شود.
جایگاه ویژه ای در میان آثار یان ون ایک به تابلوی ریز «St. باربارا "(1437، آنتورپ)، یا بهتر است بگوییم، نقاشی که با بهترین قلم مو روی یک تخته آماده شده است. قدیس در حال نشستن در پای برج کلیسای جامع در حال ساخت به تصویر کشیده شده است. طبق افسانه، St. باربارا در برجی محصور بود که به ویژگی او تبدیل شد. ون ایک با حفظ معنای نمادین برج، به آن شخصیت واقعی داد و آن را به عنصر اصلی منظره معماری تبدیل کرد. نمونه‌های مشابهی از آمیختگی امر نمادین و واقعی، که مشخصه دوره گذار از جهان‌بینی کلامی- مکتبی به تفکر رئالیستی است، در آثار نه تنها یان ون آیک، بلکه سایر هنرمندان آغاز قرن، می توان چند مورد را ذکر کرد. جزئیات-تصاویر متعدد روی سرستون ها، تزئینات مبلمان، وسایل مختلف خانه در بسیاری از موارد معنای نمادین دارند (به عنوان مثال، در صحنه بشارت، یک دستشویی و یک حوله به عنوان نمادی از خلوص باکره مریم عمل می کنند).
یان ون ایک یکی از استادان بزرگ پرتره بود. نه تنها پیشینیان او، بلکه ایتالیایی های زمان او نیز به همان طرح تصویر پروفایل پایبند بودند. یان ون ایک صورتش را ¾ می چرخاند و آن را به شدت روشن می کند. در مدل سازی صورت، او از کیاروسکورو کمتر از روابط تونال استفاده می کند. یکی از برجسته‌ترین پرتره‌های او جوانی را با چهره‌ای زشت، اما جذاب، متواضع و روحانی، با لباس‌های قرمز و روسری سبز نشان می‌دهد. نام یونانی "تیموتی" (احتمالاً اشاره به نام موسیقیدان مشهور یونانی) که روی نرده سنگی نشان داده شده است، همراه با امضا و تاریخ 1432، به عنوان لقبی برای نام تصویر شده، ظاهراً یکی از نوازندگان اصلی است. که در خدمت دوک بورگوندی بودند.
"پرتره مرد ناشناس در عمامه قرمز" (1433، لندن) با بهترین اجرای تصویری و بیان تیز برجسته است. برای اولین بار در تاریخ هنر جهان، نگاه تصویر شده به شدت به بیننده دوخته می شود، گویی با او وارد ارتباط مستقیم می شود. بسیار قابل قبول است که فرض کنیم این خودنگاره هنرمند است.
برای «پرتره کاردینال آلبرگاتی» (وین)، یک طراحی آماده‌سازی قابل توجه با مداد نقره (درزدن)، با یادداشت‌هایی روی رنگ، حفظ شده است که ظاهراً در سال 1431 در مدت اقامت کوتاه این دیپلمات مهم در بروژ ساخته شده است. پرتره تصویری، که ظاهراً خیلی دیرتر نقاشی شده است، در غیاب مدل، با شخصیت پردازی کمتر تیز، اما اهمیت تأکید بیشتری از شخصیت متمایز می شود.
آخرین اثر پرتره این هنرمند تنها پرتره زن در میراث او است - "پرتره همسرش" (1439، بروژ).
جایگاه ویژه ای نه تنها در آثار یان ون ایک، بلکه در تمام هنر هلندی قرن 15-16 متعلق به "پرتره جیووانی آرنولفینی و همسرش" (1434، لندن. آرنولفینی نماینده برجسته ای از مستعمره تجاری ایتالیا در بروژ). تصاویر در فضایی صمیمی از فضای داخلی دنج بورگری ارائه می‌شوند، اما تقارن دقیق ترکیب‌بندی و ژست‌ها (دست مرد که انگار سوگند می‌خورد و دست‌های به هم پیوسته زن و شوهر) به صحنه شخصیتی موکد می‌دهد. این هنرمند مرزهای یک تصویر صرفاً پرتره را جابجا می کند و آن را به صحنه ازدواج تبدیل می کند و آن را به نوعی آپوتئوز وفاداری زناشویی تبدیل می کند که نماد آن سگی است که در پای این زوج به تصویر کشیده شده است. در هنر اروپایی چنین پرتره دوتایی در فضای داخلی نخواهیم یافت تا زمانی که یک قرن بعد «پیام رسان» هالبین نوشته شود.
هنر یان ون ایک پایه‌هایی را پایه‌گذاری کرد که هنر هلندی در آینده بر اساس آن توسعه یافت. در آن، برای اولین بار، نگرش جدیدی به واقعیت بیان واضح خود را یافت. این پیشرفته ترین پدیده در زندگی هنری زمان خود بود.
استاد فلاندری. شالوده‌های هنر رئالیستی جدید نه تنها توسط یان ون آیک پایه‌گذاری شد. همزمان با او، استاد به اصطلاح فلمالسکی کار می کرد که کار او نه تنها مستقل از هنر ون ایک توسعه یافت، بلکه ظاهراً تأثیر خاصی بر کارهای اولیه یان ون ایک داشت. بیشتر محققین این هنرمند را (که نامش را برگرفته از سه نقاشی از موزه فرانکفورت است، که منشا آن روستای فلمال در نزدیکی لیژ است، که تعدادی آثار ناشناس دیگر بر اساس ویژگی‌های سبکی به آن ضمیمه شده است) را با استاد رابرت کمپین (حدود 1378-1444) می‌شناسند. ) در اسناد متعددی از شهر تورنای ذکر شده است.
در کارهای اولیه این هنرمند - "میلاد" (حدود 1420-1425، دیژون)، پیوندهای نزدیک با مینیاتورهای ژاکمارت از اسدن (در ترکیب، شخصیت کلی منظره، نور، رنگ آمیزی نقره ای) به وضوح دیده می شود. آشکار کرد. ویژگی های باستانی - روبان هایی با کتیبه هایی در دستان فرشتگان و زنان، نوعی چشم انداز "مورب" سایبان، مشخصه هنر قرن چهاردهم، در اینجا با مشاهدات تازه (انواع قومی روشن چوپان) ترکیب شده است.
در سه‌گانه بشارت (نیویورک)، مضمون سنتی مذهبی در فضای داخلی بورگری با جزئیات و با محبت آشکار می‌شود. در بال راست - اتاق بعدی، جایی که جوزف نجار پیر تله موش می سازد. از طریق پنجره مشبک، منظره ای از میدان شهر باز می شود. در سمت چپ، در در منتهی به اتاق، چهره های زانو زده از مشتریان - همسران Ingelbrechts. فضای تنگ تقریباً به طور کامل پر از چهره ها و اشیایی است که با کاهش چشم انداز تیز به تصویر کشیده شده اند، گویی از منظری بسیار بالا و نزدیک. این به ترکیب، با وجود حجم فیگورها و اشیا، یک شخصیت مسطح تزئینی می دهد.
آشنایی یان ون آیک با این اثر استاد فلمال در زمان خلق «مبلغ» محراب گنت بر او تأثیر گذاشت. مقایسه این دو نقاشی به وضوح ویژگی های مراحل اولیه و بعدی در شکل گیری یک هنر جدید واقع گرایانه را مشخص می کند. در کار یان ون ایک، که ارتباط نزدیکی با دربار بورگوندی داشت، چنین تفسیری صرفاً بورگری از طرح مذهبی توسعه بیشتری دریافت نمی کند. در استاد فلمالسکی، بیش از یک بار با او ملاقات می کنیم. "مدونا در کنار شومینه" (حدود 1435، سن پترزبورگ، هرمیتاژ) به عنوان یک تصویر صرفاً روزمره تلقی می شود. یک مادر دلسوز قبل از لمس بدن کودک برهنه دست خود را کنار شومینه گرم می کند. مانند بشارت، تصویر با یک نور ثابت و قوی روشن می شود و در یک طرح رنگی سرد ثابت می شود.
با این حال، اگر تکه‌هایی از دو اثر بزرگ او به دست ما نمی‌رسید، تصور ما در مورد کار این استاد کامل نیست. از سه‌گانه «نزول از صلیب» (ترکیب آن از نسخه‌ای قدیمی در لیورپول مشخص است)، قسمت بالای بال راست با شکل یک دزد بسته به صلیب، که در نزدیکی آن دو رومی ایستاده‌اند (فرانکفورت)، حفظ شده است. در این تصویر به یاد ماندنی، هنرمند پس زمینه طلایی سنتی را حفظ کرده است. بدن برهنه ای که بر روی آن برجسته شده است به شیوه ای منتقل می شود که به شدت با آنچه که در آن محراب آدم از گنت نوشته شده است متفاوت است. چهره های مدونا و سنت. ورونیکا" (فرانکفورت) - قطعاتی از یک محراب بزرگ دیگر. انتقال پلاستیک فرم ها، گویی بر مادی بودن آنها تأکید می کند، در اینجا با بیان ظریف چهره ها و ژست ها ترکیب می شود.
تنها اثر تاریخی این هنرمند ارسی است، با تصویر در سمت چپ هاینریش ورل، استاد دانشگاه کلن و جان باپتیست، و در سمت راست - سنت. بربرها که روی نیمکتی در کنار شومینه نشسته و غرق در مطالعه هستند (1438، مادرید) به اواخر دوره کار او اشاره می کند. اتاق St. واروارا در تعدادی از جزئیات بسیار شبیه به فضای داخلی آشنای هنرمند است و در عین حال در انتقال بسیار متقاعدکننده‌تر فضا با آنها تفاوت دارد. آینه گرد با چهره هایی که در بال چپ در آن منعکس شده است از یان ون ایک به عاریت گرفته شده است. اما واضح تر، هم در این اثر و هم در بال فرانکفورت، ویژگی های نزدیکی به استاد بزرگ دیگر مکتب هلندی، راجر ون در ویدن، که شاگرد کامپن بود، وجود دارد. این نزدیکی باعث شده است که برخی از محققان که به شناسایی استاد فلمال با کمپین اعتراض دارند، استدلال کنند که آثار منسوب به او در واقع آثار دوره اولیه راجر هستند. با این حال، این دیدگاه قانع کننده به نظر نمی رسد، و ویژگی های تأکید شده صمیمیت با تأثیر دانش آموز با استعداد خاص بر معلمش کاملاً قابل توضیح است.
راجر ون در ویدن این بزرگترین هنرمند مکتب هلندی (1399-1464) یان ون ایک است. اسناد آرشیوی حاوی نشانه هایی از اقامت وی در سال های 1427-1432 در کارگاه R. Campin در تورنای است. راجر از سال 1435 در بروکسل کار کرد و در آنجا سمت نقاش شهر را برعهده داشت.
مشهورترین اثر او که در سالهای جوانی خلق شد، فرود از صلیب (حدود 1435، مادرید) است. ده شکل بر روی زمینه طلایی، در فضای باریکی از پیش زمینه، مانند نقش برجسته چند رنگی قرار گرفته اند. با وجود طراحی پیچیده، ترکیب بسیار واضح است. تمام ارقام تشکیل دهنده سه گروه در یک کل جدایی ناپذیر ترکیب می شوند. وحدت این گروه ها بر اساس تکرارهای ریتمیک و تعادل تک تک اجزا است. منحنی بدن مریم منحنی بدن مسیح را تکرار می کند. همین موازی سازی دقیق، چهره های نیکودیموس و زن حامی مریم را متمایز می کند، همچنین چهره های یوحنا و مریم مجدلیه که ترکیب را در هر دو طرف می بندند. این لحظات رسمی در خدمت وظیفه اصلی هستند - واضح ترین افشای لحظه دراماتیک اصلی و مهمتر از همه محتوای احساسی آن.
مندر در مورد راجر می گوید که او هنر هلند را با انتقال حرکات و «به ویژه احساسات، مانند غم، خشم یا شادی، مطابق با طرح داستان» غنی کرد. هنرمند که شرکت کنندگان در یک رویداد نمایشی را حامل سایه های مختلف احساسات غم و اندوه می کند، از شخصی سازی تصاویر خودداری می کند، همانطور که از انتقال صحنه به یک محیط واقعی و ملموس امتناع می ورزد. جست و جوی بیان در کار او بر مشاهده عینی غلبه دارد.
راجر در نقش یک هنرمند، که در آرمان‌های خلاقانه‌اش با یان ون آیک کاملاً متفاوت بود، تأثیر مستقیم دومی را تجربه کرد. برخی از نقاشی‌های اولیه استاد به شیوایی در این مورد صحبت می‌کنند، به ویژه، بشارت (پاریس، لوور) و انجیلی لوک در حال نقاشی مدونا (بوستون؛ تکرارها - سنت پترزبورگ، هرمیتاژ و مونیخ). در دومین نقاشی، ترکیب بندی با تغییرات جزئی، ترکیب مدونای صدراعظم رولین اثر یان ون ایک را تکرار می کند. افسانه مسیحی که در قرن چهارم توسعه یافت، لوقا را به عنوان اولین نقاش شمایل می دانست که چهره مادر خدا را به تصویر کشیده است (تعدادی از نمادهای "معجزه آسا" به او نسبت داده شده است). در قرن 13-14، او به عنوان حامی کارگاه های نقاشان که در آن زمان در تعدادی از کشورهای اروپای غربی به وجود آمد شناخته شد. مطابق با جهت گیری واقع گرایانه هنر هلندی، راجر ون در ویدن، انجیلی را به عنوان یک هنرمند معاصر به تصویر کشید و طرحی پرتره از طبیعت ساخت. با این حال ، در تفسیر چهره ها ، ویژگی های مشخصه این استاد به وضوح برجسته می شود - نقاش زانو زده پر از احترام است ، چین های لباس با تزئینات گوتیک متمایز می شود. این نقاشی که به عنوان یک محراب برای نمازخانه نقاشان نقاشی شده بود، بسیار محبوب بود، که با تکرارهای متعدد نشان می دهد.
جریان گوتیک در کار راجر به ویژه در دو سه تایی کوچک برجسته است - به اصطلاح "محراب مریم" ("نوحه" ، در سمت چپ - "خانواده مقدس" ، در سمت راست - "ظهور مسیح مریم" ) و بعد - "محراب St. جان" ("تعمید"، در سمت چپ - "تولد جان باپتیست"، در سمت راست - "اعدام جان باپتیست، برلین). هر یک از این سه بال توسط یک درگاه گوتیک قاب شده است که بازتولید زیبایی از یک قاب مجسمه است. این قاب به طور ارگانیک با فضای معماری به تصویر کشیده شده در اینجا پیوند دارد. مجسمه‌هایی که روی پلات پورتال قرار گرفته‌اند، صحنه‌های اصلی را که در پس‌زمینه منظره و در فضای داخلی آشکار می‌شوند، تکمیل می‌کنند. در حالی که راجر در انتقال فضا، فتوحات یان ون ایک را توسعه می دهد، در تفسیر فیگورها با تناسبات برازنده و کشیده، چرخش ها و منحنی های پیچیده آنها، به سنت های مجسمه سازی گوتیک متأخر می پیوندد.
کار راجر، بسیار بیشتر از کار یان ون ایک، با سنت های هنر قرون وسطی همراه است و با روح تعلیم سخت کلیسا آغشته شده است. رئالیسم ون آیک، با خدایی‌سازی تقریباً پانتئیستی جهان، با هنر مخالفت کرد که می‌توانست تصاویر متعارف دین مسیحیت را در اشکال روشن، سختگیرانه و تعمیم یافته مجسم کند. شاخص ترین در این زمینه آخرین قضاوت است - یک چندپژوهی (یا به عبارت بهتر، یک سه گانه که در آن قسمت مرکزی ثابت دارای سه و بال ها به نوبه خود دو بخش است) که در 1443-1454 به دستور صدراعظم رولن نوشته شده است. بیمارستانی که او در شهر بن (واقع در آنجا) تأسیس کرد. این بزرگترین مقیاس (ارتفاع قسمت مرکزی حدود 3 متر، عرض کل 5.52 متر است) اثر هنرمند است. این ترکیب، که برای کل سه‌گانه یکسان است، از دو طبقه تشکیل شده است - کره "آسمانی"، جایی که شکل سلسله مراتبی مسیح و ردیف‌های رسولان و قدیسین بر روی زمینه طلایی قرار گرفته‌اند، و "زمینی" با زنده شدن مردگان در ساخت ترکیبی تصویر، در مسطح بودن تفسیر چهره ها، هنوز قرون وسطایی زیادی وجود دارد. با این حال، حرکات متنوع چهره های برهنه رستاخیز با چنان وضوح و قانع کننده ای منتقل می شود که از مطالعه دقیق طبیعت صحبت می کند.
در سال 1450 راجر ون در ویدن به رم سفر کرد و در فلورانس بود. در آنجا، به سفارش مدیچی، دو نقاشی خلق کرد: «مدفن» (Uffizi) و «Madonna with St. پیتر، جان باپتیست، کوسما و دامیان» (فرانکفورت). در شمایل نگاری و ترکیب، آثار آشنایی با آثار فرا آنجلیکو و دومنیکو ونزیانو را در خود دارند. با این حال، این آشنایی به هیچ وجه بر ماهیت کلی کار این هنرمند تأثیر نمی گذارد.
در سه‌گانه‌ای که بلافاصله پس از بازگشت از ایتالیا با تصاویر نیمه‌شکل ایجاد شده است، در قسمت مرکزی - مسیح، مریم و جان، و روی بالها - مجدلیه و جان باپتیست (پاریس، لوور)، هیچ اثری از نفوذ ایتالیایی وجود ندارد. ترکیب دارای شخصیت متقارن باستانی است. قسمت مرکزی، ساخته شده بر اساس نوع دسیس، با دقت تقریبا نمادین متمایز می شود. منظره فقط به عنوان پس زمینه برای شکل ها در نظر گرفته می شود. این اثر هنرمند از نظر شدت رنگ و ظرافت ترکیبات رنگارنگ با آثار قبلی متفاوت است.
ویژگی های جدید در آثار این هنرمند به وضوح در محراب Bladelin (برلین، Dahlem) قابل مشاهده است - سه تایی با تصویری در بخش مرکزی عیسی مسیح، به سفارش P. Bladelin، رئیس امور مالی ایالت بورگوندی، برای کلیسا شهر میدلبورگ که توسط او تأسیس شد. برخلاف ساخت برجسته ترکیب، مشخصه دوره اولیه، در اینجا کنش در فضا آشکار می شود. صحنه ولادت با حالتی ملایم و غنایی آغشته است.
مهمترین اثر اواخر دوره سه‌گانه ستایش مجوس (مونیخ) با تصویر بر بال‌های بشارت و تقدیم است. در اینجا، روندهایی که در محراب Bladelin پدیدار شده اند به توسعه خود ادامه می دهند. عمل در اعماق تصویر آشکار می شود، اما ترکیب بندی موازی با صفحه تصویر است. تقارن با عدم تقارن هماهنگ است. حرکات فیگورها آزادی بیشتری به دست آورده است - از این نظر، شکل برازنده یک جادوگر جوان ظریف با ویژگی های صورت چارلز جسور در گوشه سمت چپ و فرشته که در بشارت اندکی کف را لمس می کند، به ویژه جلب توجه می کند. لباس ها کاملاً فاقد ویژگی مادی یان ون ایک هستند - آنها فقط بر فرم و حرکت تأکید دارند. با این حال، مانند ایک، راجر با دقت محیطی را که در آن اکشن اتفاق می‌افتد بازتولید می‌کند و فضای داخلی را با کیاروسکورو پر می‌کند و نورپردازی تند و یکنواخت مشخصه دوره اولیه خود را کنار می‌گذارد.
راجر ون در ویدن یک نقاش برجسته پرتره بود. پرتره های او با ایک متفاوت است. او ویژگی هایی را که به ویژه از نظر قیافه شناسی و روانشناختی برجسته است، برجسته می کند و آنها را تقویت می کند. برای این کار از نقاشی استفاده می کند. او با کمک خطوط، شکل بینی، چانه، لب ها و ... را مشخص می کند و فضای کمی به مدلینگ می دهد. تصویر نیم تنه در 3/4 در برابر پس زمینه رنگی - آبی، سبز یا تقریبا سفید برجسته می شود. با تمام تفاوت هایی که در ویژگی های فردی مدل ها وجود دارد، پرتره های راجر ویژگی های مشترکی دارند. این تا حد زیادی به این دلیل است که تقریباً همه آنها نمایندگان عالی ترین اشراف بورگوندی را به تصویر می کشند که ظاهر و رفتار آنها به شدت تحت تأثیر محیط ، سنت ها و تربیت قرار گرفته است. اینها، به ویژه، "کارل جسور" (برلین، داهلم)، مبارز "آنتون بورگوندی" (بروکسل)، "ناشناخته" (مجموعه لوگانو، تیسن)، "فرانچسکو د" استه "(نیویورک)،" هستند. پرتره یک زن جوان "(واشنگتن). چندین پرتره مشابه، به ویژه "Laurent Fruamont" (بروکسل)، "Philippe de Croix" (آنتورپ)، که در آنها تصویر شده با دست های روی هم در نماز نشان داده شده است، در اصل سمت راست را تشکیل می دادند. بال دوپیچ های پراکنده بعدی، که در بال چپ آن معمولاً نیم تنه مدونا و کودک بود. مکان ویژه ای متعلق به "پرتره یک زن ناشناس" (برلین، داهلم) است - زنی زیبا که به تماشاگر نگاه می کند، در اطراف نوشته شده است. 1435 که در آن وابستگی به کار پرتره یان ون ایک به وضوح نمایان می شود.
راجر ون در ویدن تأثیر بسیار زیادی بر پیشرفت هنر هلندی در نیمه دوم قرن پانزدهم داشت. کار این هنرمند، با تمایل خود به ایجاد تصاویر معمولی و توسعه ترکیب بندی های کامل متمایز از یک منطق دقیق ساخت، تا حد زیادی بیشتر از کار یان ون ایک، می تواند به عنوان منبع وام گیری باشد. به توسعه خلاق بیشتر کمک کرد و در عین حال تا حدی آن را به تاخیر انداخت و به توسعه انواع تکراری و طرح‌های ترکیبی کمک کرد.
پتروس کریستوس. برخلاف راجر که ریاست کارگاه بزرگی در بروکسل را بر عهده داشت، یان ون آیک تنها یک پیرو مستقیم در شخص پتروس کریستوس (حدود 1410-1472/3) داشت. اگرچه این هنرمند تا سال 1444 به شهر بروژ تبدیل نشد، اما بدون شک قبل از آن زمان در ارتباط نزدیک با ایک کار می کرد. آثار او مانند مدونا با سنت. باربارا و الیزابت و یک مشتری راهب» (مجموعه روچیلد، پاریس) و «ژروم در سلول» (دیترویت)، شاید به گفته تعدادی از محققین توسط یان ون آیک شروع و توسط کریستوس تکمیل شد. جالب ترین اثر او St. Eligius» (1449، مجموعه F. Leman، نیویورک)، ظاهراً برای کارگاه جواهرسازان، که قدیس حامی آن این قدیس محسوب می شد، نوشته شده است. این تصویر کوچک از زوج جوانی که در یک جواهرفروشی حلقه‌هایی را انتخاب می‌کنند (هاله دور سر او تقریباً نامرئی است) یکی از اولین نقاشی‌های روزمره در نقاشی هلندی است. اهمیت این اثر با این واقعیت بیشتر می شود که حتی یک نقاشی با موضوعات روزمره یان ون آیک که در منابع ادبی ذکر شده است به دست ما نرسیده است.
آثار پرتره او که در آنها تصویری نیمه شکل در فضایی واقعی معماری قرار گرفته است، قابل توجه است. به ویژه در این زمینه «پرتره سر ادوارد گریمستون» (1446، مجموعه Verulam، انگلستان) قابل توجه است.
قایق های دیریک مشکل انتقال فضا، به‌ویژه منظره، جایگاه ویژه‌ای در آثار هنرمند بسیار بزرگتر از همان نسل - قایق‌های دیریک (حدود 1410 / 20-1475) اشغال می‌کند. او که اهل هارلم بود، در اواخر دهه چهل در لووین اقامت گزید و در آنجا فعالیت هنری بعدی او ادامه یافت. ما نمی دانیم معلم او کی بوده است. اولین نقاشی هایی که به ما رسیده اند با تأثیر قوی راجر ون در ویدن مشخص شده اند.
معروف‌ترین اثر او «محراب مراسم عشاد» است که در سالهای 1464-1467 برای یکی از کلیساهای کلیسای سنت نوشته شده است. پیتر در Louvain (واقع در آنجا). این یک چندقطبی است که قسمت مرکزی آن شام آخر را به تصویر می کشد، در حالی که در طرفین در بال های جانبی چهار صحنه کتاب مقدس وجود دارد که طرح های آنها به عنوان نمونه های اولیه از آیین عشای ربانی تعبیر شده است. طبق قراردادی که به دست ما رسیده است، موضوع این اثر توسط دو تن از اساتید دانشگاه لووین تهیه شده است. شمایل نگاری شام آخر با تفسیر این موضوع رایج در قرن 15 و 16 متفاوت است. به جای داستانی دراماتیک درباره پیشگویی مسیح از خیانت یهودا، نهاد آیین مقدس کلیسا به تصویر کشیده شده است. ترکیب، با تقارن دقیق خود، بر لحظه مرکزی تأکید می کند و بر وقار صحنه تأکید می کند. با اقناع کامل، عمق فضای تالار گوتیک منتقل می شود. این هدف نه تنها توسط چشم انداز، بلکه با انتقال متفکرانه نور نیز انجام می شود. هیچ یک از استادان هلندی قرن پانزدهم نتوانستند به آن ارتباط ارگانیک بین چهره ها و فضا دست یابند، همانطور که قایق ها در این تصویر شگفت انگیز انجام دادند. سه صحنه از چهار صحنه در پانل های جانبی در منظره آشکار می شود. با وجود مقیاس نسبتاً بزرگ چهره ها، چشم انداز در اینجا فقط یک پس زمینه نیست، بلکه عنصر اصلی ترکیب است. در تلاش برای دستیابی به وحدت بیشتر، Boats از غنای جزئیات در مناظر Eik چشم پوشی می کند. در «ایلیا در بیابان» و «جمع آوری ماننا از بهشت» به وسیله جاده ای پرپیچ و خم و چیدمان صحنه تپه ها و صخره ها، برای اولین بار موفق می شود سه پلان سنتی - جلو، وسط و عقب را به هم متصل کند. با این حال، قابل توجه ترین چیز در مورد این مناظر، جلوه های نور و رنگ آمیزی است. در Gathering Manna، طلوع خورشید پیش زمینه را روشن می کند و میانه را در سایه می گذارد. ایلیا در صحرا شفافیت سرد یک صبح تابستانی شفاف را منتقل می کند.
از این نظر حتی شگفت‌انگیزتر، مناظر جذاب بال‌های یک سه‌گانه کوچک است که "ستایش مجوس" (مونیخ) را به تصویر می‌کشد. این یکی از جدیدترین کارهای استاد است. توجه هنرمند در این نقاشی های کوچک کاملاً معطوف به انتقال منظره است و چهره های جان باپتیست و سنت. کریستوفر در درجه دوم اهمیت قرار دارند. به ویژه قابل توجه انتقال نور ملایم عصر با اشعه های خورشید است که از سطح آب منعکس می شود، کمی موج دار در منظره ای با St. کریستوفر
Boats با عینیت شدید یان ون ایک بیگانه است. مناظر او با یک خلق و خوی همخوان با طرح آغشته شده است. میل به مرثیه و غزل، فقدان درام، ایستایی خاص و سفتی ژست ها از ویژگی های بارز هنرمندی است که از این نظر با راجر ون در ویدن بسیار متفاوت است. آنها به ویژه در کارهای او که طرح آن پر از درام است، درخشان هستند. در «عذاب سنت. اراسموس "(لووین، کلیسای سنت پیتر)، قدیس رنج دردناکی را با شجاعت رواقی تحمل می کند. گروه حاضر در همان زمان نیز سرشار از آرامش است.
در سال 1468، بوتس که به عنوان نقاش شهر منصوب شده بود، مأموریت یافت تا پنج تابلو را برای تزئین ساختمان مجلل تالار شهر به تازگی تکمیل کند. دو ترکیب بزرگ حفظ شده است که قسمت های افسانه ای از تاریخ امپراتور اتو سوم (بروکسل) را به تصویر می کشد. یکی اعدام کنت را نشان می دهد که توسط ملکه تهمت زده شده است که به عشق خود نرسید. در دوم - آزمایش با آتش در دادگاه امپراتور بیوه کنت، اثبات بی گناهی شوهرش، و در پس زمینه اعدام ملکه. این گونه «صحنه های عدالت» در سالن هایی که دادگاه شهر در آن نشسته بودند قرار می گرفت. نقاشی هایی با ماهیت مشابه با صحنه هایی از داستان تراژان توسط راجر ون در ویدن برای تالار شهر بروکسل اجرا شد (حفظ نشده است).
دومین صحنه از «صحنه عدالت» بوتس (نخستین با مشارکت چشمگیر دانش آموزان ساخته شد) از نظر مهارت حل ترکیب بندی و زیبایی رنگ یکی از شاهکارهاست. با وجود خساست شدید حرکات و بی تحرکی حالت ها، شدت احساسات با اقناع بسیار زیادی منتقل می شود. تصاویر پرتره عالی از خدمه جلب توجه می کند. یکی از این پرتره ها به دست ما رسیده است که بی شک متعلق به قلم موی هنرمند است. این "پرتره یک مرد" (1462، لندن) را می توان اولین پرتره صمیمی در تاریخ نقاشی اروپا نامید. چهره ای خسته، مشغول و پر از مهربانی به طرز ظریفی مشخص می شود. از طریق پنجره منظره ای از حومه شهر دارید.
هوگو ون در گوس. در اواسط و نیمه دوم قرن، تعداد قابل توجهی از شاگردان و پیروان ویدن و بوتس در هلند کار می کردند که کار آنها ماهیت اپیگونی دارد. در برابر این پس زمینه، شخصیت قدرتمند هوگو وان در گوس (حدود 1435-1482) خودنمایی می کند. نام این هنرمند را می توان در کنار Jan van Eyck و Roger van der Weyden قرار داد. در سال 1467 به عضویت انجمن نقاشان در شهر گنت پذیرفته شد و به زودی به شهرت زیادی دست یافت و در کارهای تزئینی بزرگ در تزئینات جشن بروژ و گنت به مناسبت پذیرایی از چارلز نقشی فوری و در برخی موارد رهبری کرد. پررنگ. در میان نقاشی‌های سه‌قلوی اولیه او، مهمترین آنها عبارتند از: سقوط و مرثیه مسیح (وین). پیکره‌های آدم و حوا که در میان منظره‌ای مجلل جنوبی به تصویر کشیده شده‌اند، در شکل پلاستیکی خود یادآور پیکره‌های اجداد محراب گنت هستند. مرثیه، شبیه به راجر ون در ویدن، به دلیل ترکیب اصلی و جسورانه اش قابل توجه است. ظاهراً یک سه‌گانه محراب که ستایش مجوس را به تصویر می‌کشد کمی بعد نقاشی شده است (سن پترزبورگ، هرمیتاژ).
در اوایل دهه هفتاد، توماسو پورتیناری، نماینده مدیچی در بروژ، سه‌گانه‌ای را به هوس سفارش داد که عیسی مسیح را به تصویر می‌کشد. این سه‌گانه تقریباً چهار قرن است که در یکی از کلیساهای کلیسای سایت ماریا نوولا در فلورانس قرار دارد. محراب سه‌گانه پورتیناری (فلورانس، اوفیزی) شاهکار این هنرمند و یکی از مهمترین آثار نقاشی هلندی است.
این هنرمند برای نقاشی هلندی وظیفه ای غیرمعمول داده شد - ایجاد یک اثر بزرگ و به یاد ماندنی با اشکال در مقیاس بزرگ (اندازه قسمت میانی 3 × 2.5 متر است). هوس با حفظ عناصر اصلی سنت شمایل نگاری، ترکیبی کاملاً جدید ایجاد کرد و به طور قابل توجهی فضای تصویر را عمیق تر کرد و فیگورها را در امتداد مورب های عبور از آن قرار داد. این هنرمند با افزایش مقیاس چهره ها به اندازه زندگی، آنها را با فرم های قدرتمند و سنگین وقف کرد. چوپان ها از اعماق به سمت راست در سکوتی موقر منفجر شدند. چهره های ساده و خشن آنها با شادی و ایمان ساده لوح روشن شده است. این افراد از مردم، که با رئالیسم شگفت انگیز به تصویر کشیده شده اند، از اهمیتی برابر با سایر چهره ها برخوردارند. مریم و یوسف نیز دارای ویژگی های مردم عادی هستند. این اثر بیانگر ایده جدیدی از یک شخص، درک جدیدی از کرامت انسانی است. همان مبتکر گاس در انتقال نور و رنگ است. دنباله ای که با آن نور منتقل می شود و به ویژه سایه ها از چهره ها، از مشاهده دقیق طبیعت صحبت می کند. تصویر در رنگ های سرد و اشباع شده است. بال های جانبی، تیره تر از قسمت میانی، با موفقیت ترکیب مرکزی را تکمیل می کنند. پرتره های اعضای خانواده پورتیناری که بر روی آنها قرار گرفته است، که در پشت آن چهره های قدیسان برمی خیزند، با نشاط و معنویت بسیار متمایز می شوند. چشم انداز بال چپ قابل توجه است و فضای سرد یک صبح زود زمستان را منتقل می کند.
احتمالاً «ستایش مجوس» (برلین، دهلم) کمی زودتر اجرا شده است. همانطور که در محراب پورتیناری، معماری توسط یک قاب قطع شده است که رابطه صحیح تری بین آن و پیکره ها ایجاد می کند و شخصیت یادبود منظره باشکوه و باشکوه را افزایش می دهد. پرستش چوپان اثر برلین، داهلم، که دیرتر از محراب پورتیناری نوشته شده است، دارای شخصیت متفاوتی است. ترکیب کشیده در دو طرف با نیم تنه های پیامبران بسته می شود که پرده را از هم جدا می کند و در پشت آن صحنه عبادت آشکار می شود. دویدن تند چوپانانی که از سمت چپ به داخل هجوم می‌آورند، با چهره‌های هیجان‌زده‌شان، و انبیا که در هیجان هیجانی غرق شده‌اند، شخصیتی بی‌قرار و پرتنش به تصویر می‌دهد. مشخص است که در سال 1475 این هنرمند وارد صومعه شد ، اما در آنجا در موقعیت خاصی قرار داشت و ارتباط نزدیک خود را با جهان حفظ کرد و به نقاشی ادامه داد. نویسنده وقایع نگاری صومعه از وضعیت دشوار روحی هنرمند می گوید که از کار خود راضی نبود و سعی کرد در حملات مالیخولیایی خودکشی کند. در این داستان با نوع جدیدی از هنرمند روبرو هستیم که به شدت متفاوت از صنعتگر صنفی قرون وسطایی است. وضعیت روحی افسرده هوس در نقاشی "مرگ مریم" (بروژ) منعکس شد، آغشته به خلق و خوی مضطرب، که در آن احساسات غم و اندوه، ناامیدی و سردرگمی که رسولان را در برگرفته بود با قدرت زیادی منتقل می شود.
مملینگ. تا پایان قرن، فعالیت خلاقانه تضعیف می شود، سرعت توسعه کاهش می یابد، نوآوری جای خود را به اپیگونیسم و محافظه کاری می دهد. این ویژگی ها به وضوح در آثار یکی از برجسته ترین هنرمندان این زمان - هانس مملینگ (حدود 1433-1494) بیان شده است. او که اهل یک شهر کوچک آلمانی در مین بود، در اواخر دهه پنجاه در کارگاه راجر ون در ویدن کار کرد و پس از مرگ راجر ون در ویدن در بروژ ساکن شد و در آنجا ریاست مدرسه نقاشی محلی را بر عهده داشت. مملینگ از راجر ون در ویدن وام می گیرد و مکرراً از ساخته های او استفاده می کند، اما این وام گیری ها ماهیت بیرونی دارند. دراماتیزاسیون و ترحم معلم از او دور است. شما می توانید ویژگی های قرض گرفته شده از Jan van Eyck (نقش دقیق زیورآلات فرش های شرقی، پارچه های بروکات) را بیابید. اما پایه های رئالیسم ایک با او بیگانه است. مملینگ بدون غنی‌سازی هنر با مشاهدات جدید، کیفیت‌های جدیدی را به نقاشی هلندی وارد می‌کند. در آثار او ظرافت و ظرافتی از حالت‌ها و حرکات، زیبایی جذاب چهره‌ها، لطافت احساسات، وضوح، نظم و تزیین زیبای ترکیب را می‌یابیم. این ویژگی‌ها به‌ویژه در سه‌گانه «نامزدی St. کاترین» (1479، بروژ، بیمارستان سنت جان). ترکیب قسمت مرکزی با تقارن دقیق متمایز می شود که با انواع حالت ها زنده می شود. در طرفین مدونا پیکره های St. کاترین و باربارا و دو حواری؛ تاج و تخت مدونا توسط چهره های جان باپتیست و جان انجیلیست که در پس زمینه ستون ها ایستاده اند، احاطه شده است. شبح های برازنده و تقریبا غیر جسمانی، بیان تزئینی سه تایی را افزایش می دهد. این نوع ترکیب، با تغییراتی در ترکیب یک اثر قبلی هنرمند - سه‌گانه با مدونا، قدیسان و مشتریان (1468، انگلستان، مجموعه دوک دوونشایر) تکرار می‌شود، بارها توسط هنرمند تکرار و تغییر خواهد کرد. . در برخی موارد، هنرمند عناصر فردی را که از هنر ایتالیا به عاریت گرفته شده بود را به مجموعه تزئینی وارد می کرد، به عنوان مثال، پوتی های برهنه که گلدسته ها را در دست داشتند، اما تأثیر هنر ایتالیایی به تصویر کشیدن پیکره انسان گسترش پیدا نکرد.
ستایش مجوس (1479، بروژ، بیمارستان سنت جان)، که به ترکیب مشابهی از راجر ون در ویدن برمی‌گردد، اما در معرض ساده‌سازی و طرح‌واره‌سازی قرار گرفته است، جلوه‌ای و شخصیت ایستا را نیز متمایز می‌کند. ترکیب «آخرین داوری» راجر تا حد زیادی در سه‌گانه مملینگ «آخرین داوری» (1473، گدانسک) به سفارش نماینده مدیچی در بروژ - آنجلو تانی (پرتره‌های عالی از او و همسرش در بروژ قرار داده شده است. بال ها). فردیت هنرمند در این اثر به ویژه در به تصویر کشیدن شاعرانه بهشت خود را آشکار کرد. بدون شک چهره های برهنه برازنده ای اجرا می شوند. دقت مینیاتوری اجرا، مشخصه آخرین داوری، در دو نقاشی که چرخه ای از صحنه هایی از زندگی مسیح است (مصائب مسیح، تورین؛ هفت شادی مریم، مونیخ) بیشتر مشهود بود. استعداد مینیاتوریست نیز در تابلوها و مدال های زیبا که زینت بخش کوچک گوتیک «St. اورسولا» (بروژ، بیمارستان سنت جان). این یکی از محبوب ترین و معروف ترین آثار این هنرمند است. با این حال، سه‌گانه تاریخی تاریخی بسیار مهمتر «قدیس کریستوفر، مور و ژیل» (بروژ، موزه شهر). تصاویر قدیسان در آن با تمرکز الهام گرفته و محدودیت نجیب متمایز می شود.
پرتره های او به ویژه در میراث این هنرمند ارزشمند است. "پرتره مارتین ون نیونهو" (1481، بروژ، بیمارستان سنت جان) تنها پرتره دوگانه قرن پانزدهم است که دست نخورده باقی مانده است. مدونا و کودکی که در بال چپ به تصویر کشیده شده است نشان دهنده پیشرفت بیشتر نوع پرتره در فضای داخلی است. مملینگ نوآوری دیگری را در ترکیب پرتره معرفی می کند و تصویر نیم تنه را با ستون های یک ایوان باز قاب می کند که از طریق آن منظره قابل مشاهده است («پرتره های زوجی از بورگومستر مورل و همسرش»، بروکسل)، سپس مستقیماً در مقابل پس زمینه منظره ("پرتره یک مرد نمازگزار"، لاهه، "پرتره یک مدال آور ناشناخته"، آنتورپ). پرتره‌های مملینگ بدون شک شباهت بیرونی را نشان می‌دهند، اما با همه تفاوت‌ها در ویژگی‌ها، ما در آنها اشتراکات زیادی خواهیم یافت. همه افرادی که توسط او به تصویر کشیده شده اند با خویشتن داری ، نجابت ، نرمی معنوی و اغلب تقوا متمایز می شوند.
جی دیوید. جرارد دیوید (حدود 1460-1523) آخرین نقاش اصلی مکتب نقاشی هلند جنوبی در قرن پانزدهم بود. او که اهل هلند شمالی بود، در سال 1483 در بروژ ساکن شد و پس از مرگ مملینگ به شخصیت مرکزی مدرسه هنری محلی تبدیل شد. کار جی دیوید از جهاتی با کار مملینگ به شدت متفاوت است. با ظرافت سبک دومی، او شکوه سنگین و جشن جشن را در تضاد قرار داد. هیکل های چاق اضافه وزن او حجم مشخصی دارند. دیوید در جستجوی خلاقانه خود بر میراث هنری یان ون آیک تکیه کرد. لازم به ذکر است که در این زمان علاقه به هنر آغاز قرن به یک پدیده کاملاً مشخص تبدیل می شود. هنر زمان ون آیک معنای نوعی «میراث کلاسیک» را می‌یابد که به ویژه در ظاهر تعداد قابل توجهی از نسخه‌ها و تقلیدها تجلی پیدا می‌کند.
شاهکار این هنرمند سه‌گانه بزرگ «تعمید مسیح» (حدود 1500، بروژ، موزه شهر) است که با نظمی آرام و باشکوه و باشکوه متمایز می‌شود. اولین چیزی که در اینجا توجه را به خود جلب می کند فرشته ای است که به صورت برجسته در پیش زمینه در یک چوب ابریشمی با رنگ آمیزی عالی که به سنت هنر یان ون ایک ساخته شده است. به خصوص چشم انداز قابل توجه است، که در آن انتقال از یک پلان به پلان دیگر در سایه های ظریف داده می شود. انتقال قانع کننده نور عصر و به تصویر کشیدن استادانه آب شفاف جلب توجه می کند.
برای شخصیت پردازی هنرمند، ترکیب مدونا در میان باکره های مقدس (1509، روئن) از اهمیت زیادی برخوردار است که با تقارن دقیق در چیدمان چهره ها و طرح رنگ متفکرانه متمایز می شود.
آغشته به روح کلیسایی سختگیرانه، کار جی. دیوید عموماً مانند کار مملینگ، ماهیت محافظه کارانه داشت. این نشان دهنده ایدئولوژی محافل پاتریسیون بروژ رو به زوال بود.
Gershenzon-Chegodaeva N. پرتره هلندی قرن پانزدهم. منشأ و سرنوشت آن. سری: از تاریخ هنر جهان. M. Art 1972 198 ص. بیمار نشر گالینگور، قالب دایره المعارفی.
گرشنزون-چگوداوا N.M. پرتره هلندی قرن پانزدهم. منشأ و سرنوشت آن.
رنسانس هلندی شاید حتی از ایتالیایی چشمگیرتر باشد - حداقل از نظر نقاشی. ون ایک، بروگل، بوش، بعدها رامبراند... البته این نام‌ها در قلب افرادی که نقاشی‌هایشان را دیده‌اند، اثر عمیقی بر جای گذاشتند، صرف نظر از اینکه شما مانند قبل از «شکارچیان در برف»، آنها را تحسین می‌کنید. یا رد، مانند قبل از "باغ لذت های زمینی" لحن خشن و تیره استادان هلندی با خلاقیت های جوتو، رافائل و میکل آنژ پر از نور و شادی متفاوت است. فقط می توان حدس زد که ویژگی این مکتب چگونه شکل گرفت، چرا در آنجا، در شمال فلاندر و برابانت مرفه، مرکز فرهنگی قدرتمندی پدید آمد. در مورد این - بیایید سکوت کنیم. بیایید به جزئیات، به آنچه که داریم نگاه کنیم. منبع ما نقاشی‌ها و محراب‌های خالقان مشهور رنسانس شمالی است و این ماده نیاز به رویکرد خاصی دارد. اصولاً این کار باید در تلاقی مطالعات فرهنگی، نقد هنری و تاریخ انجام شود.
تلاش مشابهی توسط ناتالیا گرشنزون-چگوداوا (1907-1977) دختر مشهورترین منتقد ادبی کشورمان انجام شد. در اصل، او یک فرد نسبتاً شناخته شده است، در محافل او، اول از همه، با بیوگرافی عالی پیتر بروگل (1983)، اثر فوق نیز متعلق به قلم او است. صادقانه بگویم، این تلاشی آشکار برای فراتر رفتن از محدودیت‌های نقد هنر کلاسیک است - نه فقط برای صحبت در مورد سبک‌ها و زیبایی‌شناسی هنری، بلکه - برای ردیابی تکامل تفکر بشر از طریق آنها ...
تصاویر یک شخص در زمان های گذشته چه ویژگی هایی دارد؟ تعداد کمی از هنرمندان سکولار وجود داشت، راهبان همیشه در هنر طراحی استعداد نداشتند. بنابراین، اغلب، تصاویر افراد در مینیاتور و نقاشی بسیار متعارف هستند. لازم بود که نقاشی ها و هر تصویر دیگری آنطور که باید باشد، در هر چیزی که از قوانین قرن نمادگرایی نوظهور پیروی می کند، نقاشی کرد. به هر حال، به همین دلیل است که سنگ قبرها (همچنین نوعی پرتره) همیشه ظاهر واقعی یک شخص را منعکس نمی کنند، بلکه به او راهی را نشان می دهند که او باید به یاد داشته باشد.
هنر هلندی پرتره از چنین قوانینی عبور می کند. راجب که صحبت میکنیم؟ نویسنده به بررسی آثار استادانی چون رابرت کامپین، یان ون آیک، روژیر ون در ویدن، هوگو ون در گوس می پردازد. آنها استادان واقعی هنر خود بودند، با استعداد خود زندگی می کردند، کار را به سفارش انجام می دادند. اغلب، کلیسا مشتری بود - در شرایط بی سوادی جمعیت، نقاشی مهمترین هنر تلقی می شود، مردم شهر و دهقانانی که در حکمت الهیات آموزش ندیده بودند مجبور بودند ساده ترین حقایق را در انگشتان خود توضیح دهند و هنر تصویر این نقش را پر کرد. اینگونه بود که شاهکارهایی مانند محراب گنت اثر یان ون ایک پدید آمدند.
مردم شهر ثروتمند نیز مشتری بودند - بازرگانان، بانکداران، گیلدرها، اشراف. پرتره ظاهر شد، تک و گروه. و سپس - پیشرفتی برای آن زمان - ویژگی جالبی از استادان کشف شد و یکی از اولین کسانی که متوجه آن شد فیلسوف معروف آگنوستیک نیکلاس کوزا بود. هنرمندان نه تنها هنگام خلق تصاویر خود، شخص را مشروط نقاشی نمی کردند، بلکه همانطور که او هست، توانستند ظاهر درونی او را نیز منتقل کنند. چرخش سر، نگاه، مدل مو، لباس، انحنای دهان، ژست - همه اینها شخصیت یک فرد را به شیوه ای شگفت انگیز و دقیق نشان می دهد.
البته این یک نوآوری بود، بدون شک. نیکولای فوق الذکر نیز در این باره نوشت. نویسنده نقاشان را با ایده های نوآورانه فیلسوف - احترام به شخص انسانی ، شناخت جهان اطراف ، امکان دانش فلسفی آن - پیوند می دهد.
اما در اینجا یک سؤال کاملاً منطقی مطرح می شود - آیا می توان کار هنرمندان را با اندیشه یک فیلسوف منفرد مقایسه کرد؟ علیرغم همه چیز، نیکلاس کوزا به هر حال در آغوش فلسفه قرون وسطی باقی ماند، در هر صورت او بر ساختگی های همان اسکولاستیک ها تکیه کرد. در مورد هنرمندان چیره دست چطور؟ ما عملاً چیزی در مورد زندگی فکری آنها نمی دانیم، آیا آنها چنین ارتباطات توسعه یافته ای با یکدیگر و با رهبران کلیسا داشتند؟ این یک سوال است. بدون شک، آنها جانشینی یکدیگر را داشتند، اما منشا این مهارت همچنان یک راز باقی مانده است. نویسنده به طور تخصصی به فلسفه نمی پردازد، بلکه به طور پراکنده از پیوند بین سنت های نقاشی هلندی و مکتب گرایی می گوید. اگر هنر هلندی اصیل است و هیچ ارتباطی با علوم انسانی ایتالیا ندارد، سنت های هنری و ویژگی های آنها از کجا آمده است؟ اشاره ای مبهم به «سنت های ملی»؟ کدام؟ این یک سوال است...
به طور کلی، نویسنده کاملاً، همانطور که باید یک منتقد هنری باشد، در مورد ویژگی های کار هر هنرمند می گوید و درک زیبایی شناختی فرد را کاملاً متقاعدکننده تفسیر می کند. اما آنچه به ریشه های فلسفی مربوط می شود، جایگاه نقاشی در اندیشه قرون وسطی، بسیار کانتورینگ است، نویسنده پاسخی برای سوال در مورد ریشه ها پیدا نکرده است.
خط پایانی: این کتاب شامل مجموعه بسیار خوبی از پرتره ها و سایر آثار اوایل رنسانس هلندی است. خواندن در مورد اینکه مورخان هنر چگونه با مواد شکننده و مبهم مانند نقاشی کار می کنند، چگونه کوچکترین ویژگی ها و ویژگی های خاص سبک را یادداشت می کنند، چگونه زیبایی شناسی یک نقاشی را با زمان مرتبط می کنند بسیار جالب است... با این حال، زمینه این دوران، به اصطلاح، در یک مدت بسیار بسیار طولانی قابل مشاهده است.
من به شخصه بیشتر به این موضوع علاقه مند بودم که ریشه این گرایش خاص، ایدئولوژیک و هنری چیست. در اینجا نویسنده نتوانسته به پرسش مطرح شده پاسخ قانع کننده ای بدهد. منتقد هنری مورخ را شکست داد، قبل از ما، اول از همه، یک اثر تاریخ هنر است، یعنی برای دوستداران بزرگ نقاشی.
بارگذاری...