نقاشی فلاندری. نقاشی اولیه هلندی توسط ون نقاش هلندی

توجه داشته باشید. در این فهرست، علاوه بر هنرمندان هلند، نقاشان فلاندر نیز حضور دارند.

هنر هلندی قرن پانزدهم
اولین جلوه های هنر رنسانس در هلند به اوایل قرن پانزدهم باز می گردد. اولین نقاشی‌هایی که قبلاً می‌توان آنها را به عنوان آثار تاریخی رنسانس طبقه‌بندی کرد، توسط برادران هوبرت و یان ون آیک خلق شد. هر دوی آنها - هوبرت (درگذشته در 1426) و یان (حدود 1390-1441) - نقش تعیین کننده ای در شکل گیری رنسانس هلند ایفا کردند. تقریباً هیچ چیز در مورد هوبرت شناخته شده نیست. یان ظاهراً فردی بسیار تحصیل کرده بود ، هندسه ، شیمی ، نقشه کشی را مطالعه کرد ، برخی از مأموریت های دیپلماتیک دوک بورگوندی فیلیپ خوب را انجام داد ، که اتفاقاً او به پرتغال سفر کرد. نخستین گام‌های رنسانس در هلند را می‌توان با آثار تصویری برادران، ساخته‌شده در دهه 20 قرن 15، و از جمله «زنان مرم‌دار در مقبره» (احتمالاً بخشی از یک چندقسمتی) قضاوت کرد. روتردام، موزه Boijmans-van Beiningen)، "مدونا در کلیسا" (برلین)، "سنت جروم" (دیترویت، موسسه هنر).

برادران ون آیک جایگاه استثنایی در هنر معاصر دارند. اما آنها تنها نبودند. در همان زمان، نقاشان دیگری نیز از نظر سبکی و به شکلی مشکل‌آفرین مرتبط با آن‌ها کار می‌کردند. در این میان بی شک مقام اول متعلق به به اصطلاح Flemal Master است. تلاش های مبتکرانه زیادی برای تعیین نام و منشأ واقعی او انجام شده است. از این میان، متقاعد کننده ترین نسخه است که طبق آن این هنرمند نام رابرت کامپین و بیوگرافی نسبتاً توسعه یافته را دریافت می کند. قبلاً به نام استاد محراب (یا "بشارت") Merode نامیده می شد. همچنین دیدگاه قانع‌کننده‌ای وجود دارد که آثار منسوب به او را به راجیه ون در ویدن جوان نسبت می‌دهد.

در مورد کمپین مشخص است که او در سال 1378 یا 1379 در والنسین به دنیا آمد، در سال 1406 در تورنای عنوان استاد را دریافت کرد، در آنجا زندگی کرد، علاوه بر نقاشی، کارهای تزئینی زیادی انجام داد، معلم تعدادی از نقاشان (از جمله روژیر ون) بود. der Weyden، که در ادامه مورد بحث قرار خواهد گرفت، از 1426، و Jacques Dare از 1427) و در سال 1444 درگذشت. هنر کامپین ویژگی های روزمره را در طرح کلی "پانتئیستی" حفظ کرد و بنابراین معلوم شد که به نسل بعدی نقاشان هلندی بسیار نزدیک است. آثار اولیه Rogier van der Weyden و Jacques Dare، نویسنده‌ای که به شدت به کمپین وابسته بود (برای مثال، ستایش مغان و ملاقات مریم و الیزابت، 1434-1435؛ برلین)، به وضوح نشان می‌دهد که به این هنر علاقه دارد. از این استاد، که قطعا روند زمانی ظاهر می شود.

روژیر ون در ویدن در سال 1399 یا 1400 به دنیا آمد و در سال 1464 درگذشت. برخی از بزرگترین هنرمندان رنسانس هلندی (مثلاً مملینگ) نزد او شاگردی کردند و او نه تنها در سرزمین مادری خود، بلکه در ایتالیا نیز شهرت زیادی داشت. (دانشمند و فیلسوف مشهور نیکلاس کوزا او را بزرگترین هنرمند نامید؛ بعدها دورر به آثار او اشاره کرد). کار Rogier van der Weyden به عنوان پایه ای مغذی برای انواع نقاشان نسل بعدی بود. کافی است بگوییم که کارگاه او - اولین کارگاه آموزشی به این شکل گسترده در هلند - تأثیر زیادی بر گسترش سبک یک استاد که برای قرن پانزدهم بی‌سابقه بود، داشت و در نهایت این سبک را به مجموع تکنیک‌های شابلون تنزل داد. حتی نقش ترمز نقاشی را در پایان قرن بازی کرد. و با این حال، هنر اواسط قرن پانزدهم را نمی توان به سنت روژیه تقلیل داد، اگرچه ارتباط نزدیکی با آن دارد. راه دیگر عمدتاً در آثار دیریک بوتس و آلبرت اوواتر تجسم یافته است. آنها، مانند روژیر، تا حدودی با تحسین پانتئیستی از زندگی بیگانه هستند، و برای آنها تصویر یک شخص به طور فزاینده ای ارتباط خود را با سؤالات جهان - سؤالات فلسفی، الهیاتی و هنری از دست می دهد، و انضمام و قطعیت روانشناختی بیشتری به دست می آورد. اما Rogier van der Weyden، استاد صدای دراماتیک بالا، هنرمندی که برای تصاویر فردی و در عین حال عالی تلاش می‌کرد، عمدتاً به حوزه ویژگی‌های معنوی انسان علاقه داشت. دستاوردهای Bouts و Ouwater در زمینه افزایش اصالت روزمره تصویر نهفته است. در میان مسائل رسمی، آنها بیشتر به مسائل مربوط به حل مسائل نه چندان بیانی بلکه بصری (نه وضوح تصویر و بیان رنگ، بلکه سازماندهی فضایی تصویر و طبیعی بودن، طبیعی بودن نور و محیط هوا).

پرتره یک زن جوان، 1445، گالری هنر، برلین

سنت آیو، 1450، گالری ملی، لندن

سنت لوک نقاشی تصویر مدونا، 1450، موزه گرونینگن، بروژ

اما قبل از پرداختن به آثار این دو نقاش، لازم است به پدیده ای در مقیاس کوچکتر پرداخته شود که نشان می دهد اکتشافات هنر اواسط قرن، در عین حال ادامه ای از سنت های ون ایک-کامپن و ارتداد از آنها، در هر دو این ویژگی ها عمیقاً موجه بود. پتروس کریستوس، نقاش محافظه‌کارتر، اجتناب‌ناپذیری تاریخی این ارتداد را به وضوح نشان می‌دهد، حتی برای هنرمندانی که تمایلی به اکتشافات رادیکال ندارند. از سال 1444 کریستوس شهروند بروژ شد (او در آنجا در سال 1472/1473 درگذشت) - یعنی بهترین آثار ون ایک را دید و تحت تأثیر سنت او شکل گرفت. کریستوس بدون توسل به قصار تند راجیه ون در ویدن، به شخصیت پردازی فردی و متمایزتر از ون ایک دست یافت. با این حال، پرتره های او (E. Grimston - 1446، لندن، گالری ملی؛ راهب Carthusian - 1446، نیویورک، موزه هنر متروپولیتن) در همان زمان شاهد کاهش خاصی در تصویرسازی در آثار او هستند. در هنر، میل به بتن، فرد و امر خاص بیش از پیش آشکار می شد. شاید این روندها به وضوح در کار Bouts آشکار شد. او جوانتر از روژیر ون در ویدن (متولد 1400 تا 1410) از ماهیت نمایشی و تحلیلی این استاد دور بود. و با این حال، Bouts اولیه از بسیاری جهات از Rogier می آید. محراب با «نزول از صلیب» (گرانادا، کلیسای جامع) و تعدادی نقاشی دیگر، مانند «محراب» (لندن، گالری ملی)، گواه بررسی عمیق آثار این هنرمند است. اما اصالت در اینجا قابل توجه است - بوتس به شخصیت های خود فضای بیشتری می دهد ، او نه به محیط احساسی که به اکشن علاقه مند است ، در همان روند آن شخصیت های او فعال تر هستند. همین امر در مورد پرتره نیز صادق است. در پرتره‌ای عالی از یک مرد (1462؛ لندن، گالری ملی)، چشم‌های برافراشته با دعا - هرچند بدون هیچ گونه تعالی -، خط دهانی خاص و دست‌های مرتب تا شده، چنان رنگ‌آمیزی دارند که ون ایک نمی‌دانست. حتی در جزئیات می توانید این تماس شخصی را احساس کنید. تأملی تا حدی عرفانی، اما به طرزی مبتکرانه واقعی در تمام آثار استاد نهفته است. او بیش از همه در ترکیب های چند پیکره اش به چشم می خورد. و به ویژه در مشهورترین اثر او - محراب کلیسای لووین سنت پیتر (بین 1464 و 1467). اگر بیننده همیشه کار ون ایک را به عنوان یک معجزه خلاقیت، آفرینش درک کند، قبل از آثار بوتس احساسات دیگری به وجود می آید. کار آهنگسازی بوتس بیشتر از او به عنوان یک کارگردان صحبت می کند. با توجه به موفقیت‌های چنین روش «کارگردانی» (یعنی روشی که در آن وظیفه هنرمند چیدمان شخصیت‌های مشخصه، به‌عنوان برگرفته از طبیعت، برای سازمان‌دهی صحنه است) در قرن‌های بعد، باید به آن توجه کرد. این پدیده در آثار دیرک بوتس.

گام بعدی در هنر هلند سه یا چهار دهه آخر قرن پانزدهم را به تصویر می کشد - زمان بسیار دشواری برای زندگی این کشور و فرهنگ آن. این دوره با کار Jos van Wassenhove (یا Joos van Gent؛ بین 1435-1440 - پس از 1476) آغاز می شود، هنرمندی که نقش مهمی در توسعه نقاشی جدید ایفا کرد، اما در سال 1472 به ایتالیا رفت و در آنجا خو گرفت. به صورت ارگانیک در هنر ایتالیایی گنجانده شده است. محراب او با «صلیب» (خنت، کلیسای سنت باوو) گواه جذابیت روایت است، اما در عین حال میل به محروم کردن داستان از بی‌نظمی سرد. دومی او می خواهد با کمک لطف و تزئین به دست آورد. محراب او ماهیت سکولار دارد، با طرح رنگی روشن که بر روی رنگ های رنگین کمانی بدیع ساخته شده است.
این دوره با کار استاد استعدادهای استثنایی - هوگو ون در گوس ادامه می یابد. او در حدود سال 1435 به دنیا آمد، در سال 1467 در گنت استاد شد و در سال 1482 درگذشت. اولین آثار هوس شامل چندین تصویر از مدونا و کودک است که در جنبه شعری تصویر متفاوت است (فیلادلفیا، موزه هنر، و بروکسل، موزه)، و نقاشی "قدیس آنا، مریم با کودک و یک اهدا کننده" (بروکسل، موزه). هوس با بسط یافته های روژیر وان در ویدن، در ترکیب بندی نه چندان راهی برای سازماندهی هارمونیک تصویر شده به عنوان وسیله ای برای تمرکز و آشکار ساختن محتوای عاطفی صحنه می بیند. یک فرد برای گاس تنها با قدرت احساسات شخصی خود قابل توجه است. در عین حال، گاس جذب احساسات غم انگیز می شود. با این حال، تصویر سنت ژنویو (در پشت مرثیه) گواهی می دهد که هوگو ون در گوس در جستجوی احساسات برهنه شروع به توجه به اهمیت اخلاقی آن نیز کرد. در محراب پورتیناری، هوس سعی می کند ایمان خود را به قابلیت های معنوی انسان بیان کند. اما هنر او عصبی و متشنج می شود. تکنیک های هنری گاس متنوع است - به خصوص زمانی که او نیاز به بازسازی دنیای معنوی یک فرد دارد. گاه مانند انتقال واکنش چوپانان، احساسات نزدیک را در سکانس خاصی در کنار هم قرار می دهد. گاهی مانند تصویر مریم، هنرمند ویژگی های کلی تجربه را ترسیم می کند که بر اساس آن بیننده احساس را به عنوان یک کل کامل می کند. گاهی اوقات - در تصاویر یک فرشته چشم باریک یا مارگاریتا - او به رمزگشایی تصویر به تکنیک های ترکیب بندی یا ریتمیک متوسل می شود. گاهی اوقات گریزان بودن بیان روانشناختی برای او به وسیله ای برای شخصیت پردازی تبدیل می شود - درست مانند انعکاس لبخند روی صورت خشک و بی رنگ ماریا بارونچلی. و نقش بزرگی را مکث ها ایفا می کنند - در راه حل فضایی و در عمل. آنها رشد ذهنی را امکان پذیر می کنند تا احساسی را که هنرمند در تصویر ترسیم کرده است تکمیل کند. ماهیت تصاویر هوگو ون در گوس همیشه به نقشی که باید در کل بازی کنند بستگی دارد. چوپان سوم واقعاً طبیعی است، یوسف کاملاً روان‌شناس است، فرشته سمت راست او تقریباً سورئال است، و تصاویر مارگارت و مجدلیه پیچیده، مصنوعی و بر اساس درجه‌بندی‌های روان‌شناختی بسیار ظریف ساخته شده‌اند.

هوگو ون در گوس همیشه می خواست نرمی روحی یک شخص، گرمای درونی او را در تصاویر خود بیان کند. اما در اصل، آخرین پرتره های هنرمند گواه بر بحران فزاینده در آثار هوس است، زیرا ساختار معنوی او نه چندان با آگاهی از ویژگی های فردی فرد، بلکه با از دست دادن غم انگیز وحدت انسان و انسان ایجاد می شود. دنیا برای هنرمند در آخرین اثر - "مرگ مریم" (بروژ، موزه) - این بحران منجر به فروپاشی تمام آرزوهای خلاقانه هنرمند می شود. ناامیدی رسولان ناامید کننده است. حرکاتشان بی معنی است. شناور در درخشش مسیح، با رنج او، به نظر می رسد رنج آنها را توجیه می کند و کف دست های سوراخ شده او به سمت بیننده می چرخد ​​و چهره ای با اندازه نامشخص ساختار و حس واقعیت را در مقیاس بزرگ نقض می کند. همچنین درک میزان واقعیت تجربه رسولان غیرممکن است، زیرا همه آنها احساس یکسانی دارند. و آنقدر مال آنها نیست که هنرمند. اما حاملان آن هنوز از نظر فیزیکی واقعی و از نظر روانی متقاعد کننده هستند. تصاویر مشابه بعداً احیا خواهند شد، زمانی که در پایان قرن پانزدهم در فرهنگ هلندی سنت صد ساله (با بوش) به پایان رسید. زیگزاگ عجیبی اساس ترکیب تصویر را تشکیل می دهد و آن را سازمان می دهد: رسول نشسته، فقط بی حرکت، به تماشاگر نگاه می کند، از چپ به راست متمایل شده است، مریم سجده شده از راست به چپ، مسیح، شناور، از چپ به راست. و همان زیگزاگ در رنگها: شکل رنگ نشسته با مریم پیوند خورده است، کسی که روی پارچه آبی کسل کننده دراز کشیده است، در ردایی نیز آبی، اما آبی، آبی نهایی، افراطی و سپس آبی اثیری و غیر مادی مسیح است. . و اطراف رنگ لباس رسولان: زرد، سبز، آبی - بی نهایت سرد، شفاف، غیر طبیعی. احساس در «فرض» برهنه است. جایی برای امید و انسانیت باقی نمی گذارد. هوگو ون در گوس در پایان زندگی خود به صومعه رفت و آخرین سالهای زندگی او تحت الشعاع بیماری روانی قرار گرفت. ظاهراً در این حقایق زندگینامه می توان انعکاس تناقضات غم انگیزی را دید که هنر استاد را رقم زد. کار هوس شناخته شده و مورد قدردانی بود و حتی در خارج از هلند نیز مورد توجه قرار گرفت. ژان کلوئه بزرگ (استاد مولن) به شدت تحت تأثیر هنر او بود، دومنیکو گیرلاندایو محراب پورتیناری را می‌شناخت و مطالعه می‌کرد. با این حال، معاصران او را درک نکردند. هنر هلندی پیوسته به سمت مسیری متفاوت متمایل بود، و ردپایی از تأثیر کار هوس تنها قدرت و رواج این گرایش‌های دیگر را نشان می‌داد. آنها با بیشترین کمال و قوام خود را در آثار هانس مملینگ نشان دادند.

روشویی زمینی، سه تایی، تابلوی مرکزی،

جهنم، پانل سمت چپ سه‌گانه "غرور زمینی"،
1485، موزه هنرهای زیبا، استراستبورگ

هانس مملینگ، ظاهراً در سال 1433 (درگذشته 1494) در سلیگنشتات، نزدیک فرانکفورت آم ماین متولد شد، این هنرمند آموزش عالی را از روژیر دریافت کرد و با نقل مکان به بروژ، محبوبیت زیادی در آنجا به دست آورد. از قبل آثار نسبتاً اولیه جهت جستجوی او را نشان می دهد. آغاز نور و متعالی از او معنایی بسیار دنیوی و زمینی تر دریافت کرد، و هر چیزی زمینی - نوعی شادی ایده آل. به عنوان مثال، محراب با مدونا، مقدسین و اهدا کنندگان (لندن، گالری ملی). مملینگ به دنبال حفظ ظاهر روزمره قهرمانان واقعی خود و نزدیک کردن قهرمانان ایده آل به آنهاست. آغاز متعالی دیگر بیان برخی از نیروهای جهانی کلی که به طور پانتئیستی درک می شوند متوقف می شود و به یک ویژگی معنوی طبیعی یک شخص تبدیل می شود. اصول کار مملینگ با وضوح بیشتری در به اصطلاح فلورین-محراب (1479؛ بروژ، موزه مملینگ)، که صحنه اصلی و جناح راست آن، در اصل، نسخه‌های رایگانی از بخش‌های متناظر محراب مونیخ روژیه است، آشکار می‌شود. . او اندازه محراب را به شدت کاهش می دهد، بالا و کناره های ترکیب روژیه را قطع می کند، تعداد فیگورها را کاهش می دهد و به قولی عمل را به بیننده نزدیک می کند. این رویداد دامنه باشکوه خود را از دست می دهد. تصاویر شرکت کنندگان از نمایندگی محروم می شوند و ویژگی های خصوصی به دست می آورند، ترکیب بندی سایه ای از هارمونی ملایم است و رنگ با حفظ خلوص و شفافیت، صدای سرد و تیز روژیه را کاملا از دست می دهد. به نظر می رسد با سایه های روشن و شفاف می لرزد. حتی مشخصه‌تر آن Annunciation (حدود 1482؛ نیویورک، مجموعه Leman) است که در آن از طرح Rogier استفاده شده است. به تصویر مریم ویژگی های ایده آل سازی نرم داده شده است، فرشته به طور قابل توجهی ژانرسازی شده است و وسایل داخلی با عشق ون ایکی نوشته شده است. همزمان، نقوش رنسانس ایتالیایی - گلدسته‌ها، پوتی‌ها و غیره - به طور فزاینده‌ای در آثار مملینگ نفوذ می‌کنند و ساختار ترکیب‌بندی بیشتر و بیشتر سنجیده و واضح‌تر می‌شود (سه‌گانه با مدونا و کودک، فرشته و اهداکننده، وین. ). هنرمند تلاش می کند تا مرز بین آغاز انضمامی و همسو و ایده آل ساز و هماهنگ را از بین ببرد.

هنر مملینگ مورد توجه استادان استان های شمالی قرار گرفت. اما آنها به ویژگی های دیگری نیز علاقه مند بودند - آنهایی که با نفوذ هوس همراه بود. استان های شمالی از جمله هلند در آن دوره هم از نظر اقتصادی و هم از نظر معنوی از استان های جنوبی عقب مانده بودند. نقاشی هلندی اولیه عموماً از قالب اواخر قرون وسطی و در عین حال استانی فراتر نمی رفت و هنر آن هرگز به سطح هنر نقاشان فلاندری نرسید. تنها از ربع آخر قرن پانزدهم، وضعیت به لطف هنر هرتگن توت سینت یانس تغییر کرد. او در هارلم با راهبان سنت جان (که نام مستعار خود را مدیون آنها است - سینت جانس در ترجمه به معنای سنت جان) زندگی کرد و در جوانی - بیست و هشت سالگی (متولد در لیدن (؟) در حدود 1460/65 درگذشت. در سال 1490-1495 در هارلم درگذشت. گرتگن به طور مبهم اضطرابی را که هوس را نگران کرده بود احساس کرد. اما بدون اینکه به بینش تراژیک خود برسد، جذابیت نرم احساس ساده انسانی را کشف کرد. او با علاقه اش به دنیای درونی و معنوی انسان به گاس نزدیک است. از جمله آثار مهم گرتگن، یک محراب است که برای جانیان هارلم نوشته شده است. از آن، ارسی سمت راست که اکنون دو طرف اره شده است، حفظ شده است. ضلع داخلی آن یک صحنه عزاداری بزرگ چند پیکره است. گرتگن به هر دو هدف تعیین شده در زمان دست می یابد: انتقال گرما، انسانیت در احساس و ایجاد یک روایت بسیار قانع کننده. مورد دوم به ویژه در قسمت بیرونی برگ قابل توجه است که سوزاندن بقایای جان باپتیست توسط یولیان مرتد را به تصویر می کشد. شرکت کنندگان در عمل دارای ویژگی اغراق آمیزی هستند و کنش به تعدادی صحنه مستقل تقسیم می شود که هر یک با مشاهده زنده ارائه می شود. در طول راه، استاد، شاید یکی از اولین پرتره های گروهی در هنر اروپایی زمان جدید را خلق می کند: او بر اساس اصل ترکیبی ساده از ویژگی های پرتره ساخته شده است، او کارهای قرن شانزدهم را پیش بینی می کند. برای درک کار گرتگن، "خانواده مسیح" او (آمستردام، موزه ریکس) که در فضای داخلی کلیسا ارائه شده است، که به عنوان یک محیط فضایی واقعی تفسیر می شود، چیزهای زیادی می دهد. چهره های پیش زمینه بدون نشان دادن هیچ احساسی قابل توجه هستند و ظاهر روزمره خود را با وقار آرام حفظ می کنند. این هنرمند تصاویری را خلق می کند که شاید مهم ترین شخصیت در هنر هلند باشد. در عین حال، قابل توجه است که هرتگن لطافت، ظاهر خوب و ساده لوحی خاص را نه به عنوان نشانه های ظاهری مشخص، بلکه به عنوان ویژگی های خاصی از دنیای معنوی انسان درک می کند. و این آمیختگی احساس برگر زندگی با احساسات عمیق، ویژگی مهم آثار هرتگن است. تصادفی نیست که او به حرکات معنوی قهرمانان خود یک شخصیت جهانی عالی نداد. او عمدا از استثنایی شدن شخصیت هایش جلوگیری می کند. به همین دلیل به نظر می رسد که آنها فردی نیستند. آنها لطافت دارند و هیچ احساسات یا افکار اضافی دیگری ندارند، وضوح و خلوص تجربیات آنها آنها را از کارهای روزمره دور می کند. با این حال، ایده آل بودن تصویر حاصل از این هرگز انتزاعی یا مصنوعی به نظر نمی رسد. این ویژگی ها همچنین یکی از بهترین آثار این هنرمند، "میلادی" (لندن، گالری ملی)، یک تصویر کوچک، مملو از احساسات هیجان و شگفتی را متمایز می کند.
گرتگن زود درگذشت، اما اصول هنر او در هاله ای از ابهام باقی نماند. با این حال، استاد دوقطبی براونشوایگ که نزدیک‌تر به او ایستاده بود ("Saint Bavo"، "Braunschweig"، "موزه"، "Christmas"، "Amsterdam،" Rijksmuseum) و برخی دیگر از استادان ناشناس، اصول هرتگن را چندان توسعه ندادند و به آنها شخصیت استانداردی گسترده دادند. . شاید مهم‌ترین آنها استاد باکره بین باکره‌ها باشد (نام‌گذاری شده از نقاشی موزه ریکس آمستردام که مریم را در میان باکره‌های مقدس به تصویر می‌کشد)، که نه آنقدر به توجیه روان‌شناختی احساسات که به وضوح بیان آن در کوچک توجه داشت. چهره های نسبتاً روزمره و گاهی تقریباً عمداً زشت (Entombment، سنت لوئیس، موزه، Lamentation، لیورپول، Annunciation، روتردام). اما همچنین. آثار او بیشتر شاهدی بر فرسودگی یک سنت دیرینه است تا بیانی از توسعه آن.

نزول شدید سطح هنری در هنر استان های جنوبی نیز مشهود است که استادان آن روز به روز بیشتر مایل بودند که جزییات جزئی روزمره را از خود دور کنند. جالبتر از دیگران، استاد بسیار روایی افسانه سنت اورسولا است که در دهه 80-90 قرن پانزدهم در بروژ کار می کرد ("افسانه سنت اورسولا"؛ بروژ، صومعه خواهران سیاه). نویسنده ناشناخته پرتره های همسران بارونچلی (فلورانس، اوفیزی)، نه بدون مهارت، بلکه استاد بسیار سنتی بروژ افسانه سنت لوسیا ("محراب سنت لوسیا"، 1480، بروژ، کلیسای سنت جیمز ، و همچنین یک پلیپتیک، تالین، موزه). شکل گیری هنرهای پوچ و کوچک در پایان قرن پانزدهم، نقطه مقابل جست وجوهای هوس و هرتگن است. انسان رکن اصلی جهان بینی خود - ایمان به ساختار هماهنگ و مطلوب جهان را از دست داده است. اما اگر پیامد گسترده این امر تنها فقیر شدن مفهوم قبلی بود، آنگاه با نگاهی دقیق تر، ویژگی های تهدیدآمیز و مرموز در جهان آشکار شد. برای پاسخ به پرسش‌های لاینحل زمان، تمثیل‌های اواخر قرون وسطی، شیطان‌شناسی و پیش‌بینی‌های غم‌انگیز کتاب مقدس درگیر بودند. در چارچوب تضادهای اجتماعی حاد و درگیری های شدید، هنر بوش به وجود آمد.

هیرونیموس ون آکن، ملقب به بوش، در هرتوگنبوش به دنیا آمد (او در سال 1516 در آنجا درگذشت)، یعنی دور از مراکز هنری اصلی هلند. آثار اولیه او خالی از نوعی ابتدایی بودن نیستند. اما در حال حاضر آنها به طرز عجیبی حس تند و آزاردهنده زندگی طبیعت را با یک گروتسک سرد در تصویر مردم ترکیب می کنند. بوش به روند هنر مدرن پاسخ می دهد - با میل به واقعیت، با عینیت بخشیدن به تصویر یک شخص، و سپس - کاهش نقش و اهمیت آن. او این روند را تا حد خاصی پیش می برد. در هنر بوش، تصاویر طنز یا بهتر بگوییم طعنه آمیز از نژاد بشر ظاهر می شود. این "عملیات استخراج سنگ های حماقت" اوست (مادرید، پرادو). این عمل توسط یک راهب انجام می شود - و در اینجا شخص یک پوزخند شیطانی به روحانیون می بیند. اما کسی که برایش ساخته شده با دقت به بیننده نگاه می کند، این نگاه ما را درگیر کنش می کند. طعنه در آثار بوش رشد می کند، او مردم را به عنوان مسافران کشتی احمق ها معرفی می کند (نقاشی و طراحی برای آن در لوور). او به طنز عامیانه روی می آورد - و زیر دستش سایه تیره و تلخی به خود می گیرد.
بوش به تایید ماهیت غم انگیز، غیرمنطقی و پست زندگی می رسد. او نه تنها جهان بینی، حس زندگی خود را بیان می کند، بلکه به آن ارزیابی اخلاقی و اخلاقی می دهد. انبار کاه یکی از برجسته ترین آثار بوش است. در این محراب، حس برهنه واقعیت با تمثیل آمیخته شده است. انبار کاه به ضرب‌المثل قدیمی فلاندری اشاره دارد: «دنیا انبار کاه است و هر کس آنچه را که می‌تواند از آن بگیرد می‌گیرد». مردم در دید آشکار بین یک فرشته و یک موجود شیطانی می بوسند و موسیقی می نوازند. موجودات خارق العاده واگن را می کشند، و پاپ، امپراتور، مردم عادی با شادی و اطاعت از آن پیروی می کنند: برخی جلوتر می دوند، بین چرخ ها می شتابند و می میرند، له می شوند. چشم انداز دوردست نه خارق العاده است و نه افسانه ای. و بالاتر از همه چیز - روی ابر - یک مسیح کوچک با دستان برافراشته. با این حال، اشتباه است که فکر کنیم بوش به سمت روش تشبیهات تمثیلی گرایش دارد. برعکس، او تلاش می‌کند تا اطمینان حاصل کند که ایده‌اش در جوهر تصمیم‌های هنری تجسم می‌یابد، به طوری که نه به‌عنوان یک ضرب‌المثل یا تمثیل رمزگذاری‌شده، بلکه به‌عنوان یک شیوه زندگی بدون قید و شرط تعمیم‌دهنده در برابر بیننده ظاهر شود. بوش با پیچیدگی فانتزی ناآشنا در قرون وسطی، نقاشی های خود را با موجوداتی پر می کند که به طرز عجیبی اشکال مختلف حیوانات را ترکیب می کنند، یا اشکال حیوانی را با اشیاء جهان بی جان، آنها را در روابط آشکارا نامحتمل قرار می دهد. آسمان قرمز می شود، پرندگان با بادبان در هوا پرواز می کنند، موجودات هیولا بر روی زمین می خزند. ماهی های پای اسب دهان خود را باز می کنند و موش ها در مجاورت آنها هستند و بر پشت خود گیره های چوبی را زنده می کنند که مردم از آنها بیرون می آیند. تاج اسب به یک کوزه غول پیکر تبدیل می شود و سر دمی روی پاهای برهنه نازک جایی پنهان می شود. همه چیز می خزد و همه چیز دارای اشکال تیز و خراشنده است. و همه چیز آلوده به انرژی است: هر موجودی - کوچک، فریبکار، سرسخت - با یک حرکت شیطانی و شتابزده گرفتار می شود. بوش به این صحنه های خیال انگیز بیشترین اقناع را می دهد. او تصویر عملی را که در پیش‌زمینه آشکار می‌شود، رها می‌کند و آن را در سراسر جهان پخش می‌کند. او در کلیت آن رنگ وهم‌آوری به نمایش‌های عجیب و غریب خود می‌دهد. گاهی اوقات او دراماتیزه کردن یک ضرب المثل را وارد تصویر می کند - اما هیچ طنزی در آن باقی نمانده است. و در مرکز یک پیکر کوچک بی دفاع از سنت آنتونی قرار می دهد. به عنوان مثال، محراب با "وسوسه سنت آنتونی" در ارسی مرکزی از موزه لیسبون است. اما در اینجا بوش یک حس بی‌سابقه تیز و برهنه از واقعیت را نشان می‌دهد (مخصوصاً در صحنه‌های درهای بیرونی محراب مذکور). در آثار بالغ بوش، جهان نامحدود است، اما فضای آن متفاوت است - کمتر تند. هوا صاف تر و ضعیف تر به نظر می رسد. «جان در پاتموس» اینگونه نوشته شده است. در سمت عقب این تصویر، جایی که صحنه های شهادت مسیح به صورت دایره ای به تصویر کشیده شده است، مناظر شگفت انگیزی ارائه شده است: شفاف، تمیز، با فضاهای باز گسترده رودخانه، آسمان بلند و موارد دیگر - غم انگیز و شدید (" مصلوب شدن"). اما هر چه بوش با اصرار بیشتر به مردم فکر کند. او سعی می کند بیان مناسبی از زندگی آنها پیدا کند. او به شکل یک محراب بزرگ متوسل می شود و یک منظره باشکوه عجیب و غریب از زندگی گناه آلود مردم ایجاد می کند - "باغ لذت".

جدیدترین آثار این هنرمند به طرز عجیبی ترکیبی از فانتزی و واقعیت کارهای قبلی اوست، اما در عین حال حس آشتی غم انگیزی دارند. خوشه هایی از موجودات شیطانی پراکنده شده اند، که قبلاً پیروزمندانه در کل میدان تصویر پخش می شوند. جدا از هم، کوچک، هنوز زیر یک درخت پنهان می شوند، از جت های رودخانه های آرام ظاهر می شوند یا از میان تپه های متروکه که بیش از حد علف رشد کرده اند می گذرند. اما اندازه آنها کاهش یافت، فعالیت خود را از دست دادند. آنها دیگر به انسان ها حمله نمی کنند. و او (هنوز این سنت آنتونی است) بین آنها می نشیند - می خواند، فکر می کند ("سنت آنتونی"، پرادو). بوش علاقه ای به جایگاه یک نفر در جهان نداشت. سنت آنتونی در کارهای قبلی خود بی دفاع، رقت انگیز است، اما نه تنها - در واقع، او از آن سهمی از استقلال محروم است که به او اجازه می دهد احساس تنهایی کند. اکنون این منظره تنها با یک فرد مرتبط است و موضوع تنهایی انسان در جهان در آثار بوش مطرح می شود. با بوش، هنر قرن 15 به پایان می رسد. کار بوش این مرحله از بینش ناب، سپس جستجوهای شدید و ناامیدی های غم انگیز را تکمیل می کند.
اما گرایشی که توسط هنر او تجسم یافته بود تنها روندی نبود. روند دیگری که با کار استادی در مقیاس بسیار کوچکتر - جرارد دیوید - مرتبط است، کم علامت نیست. او دیر درگذشت - در سال 1523 (متولد حدود 1460). اما، مانند بوش، قرن پانزدهم را تعطیل کرد. در حال حاضر آثار اولیه او (اعلان، دیترویت) یک انبار واقعی است. آثار پایانی دهه 1480 (دو نقاشی در طرح دادگاه کمبوجیه؛ بروژ، موزه) رابطه نزدیکی را با بوتس نشان می‌دهد. بهتر از سایر ترکیبات با ماهیت غنایی با محیطی توسعه یافته و منظره فعال («استراحت در پرواز به مصر»؛ واشنگتن، گالری ملی). اما برجسته‌تر از همه، عدم امکان استاد برای فراتر از قرن در سه‌گانه او با غسل تعمید مسیح (اوایل قرن شانزدهم، بروژ، موزه) قابل مشاهده است. به نظر می رسد نزدیکی، کوچک سازی نقاشی در تضاد مستقیم با مقیاس بزرگ تصویر باشد. واقعیت در بینش او عاری از زندگی است، مستهلک شده است. در پس شدت رنگ نه تنش روحی وجود دارد و نه احساس ارزشمندی جهان هستی. مینای سبک نقاشی سرد، خودکفا و عاری از تمرکز عاطفی است.

قرن پانزدهم در هلند زمان هنرهای بزرگ بود. در پایان قرن، خود را خسته کرده بود. شرایط تاریخی جدید، گذار جامعه به مرحله دیگری از توسعه باعث مرحله جدیدی در تحول هنر شد. در آغاز قرن شانزدهم به وجود آمد. اما در هلند، با ترکیب اولیه اصل سکولار که از ون آیکس ها که ویژگی هنر آنهاست، با معیارهای مذهبی در ارزیابی پدیده های زندگی، با ناتوانی در درک یک شخص در عظمت خودبسنده اش، آمده است. فراتر از مسائل ارتباط معنوی با جهان یا با خدا، عصر جدیدی در هلند به ناچار تنها پس از شدیدترین و شدیدترین بحران کل جهان بینی قبلی فرا می رسید. اگر در ایتالیا رنسانس عالی نتیجه منطقی هنر کواتروسنتو بود، در هلند چنین ارتباطی وجود نداشت. انتقال به عصر جدید به ویژه دردناک بود، زیرا از بسیاری جهات مستلزم انکار هنر قبلی بود. در ایتالیا، گسست از سنت های قرون وسطی در اوایل قرن 14 اتفاق افتاد و هنر رنسانس ایتالیا یکپارچگی توسعه خود را در سراسر رنسانس حفظ کرد. در هلند وضعیت متفاوت است. استفاده از میراث قرون وسطایی در قرن پانزدهم، به کارگیری سنت های تثبیت شده در قرن شانزدهم را دشوار کرد. برای نقاشان هلندی، خط بین قرن 15 و 16 با گسست ریشه ای در جهان بینی همراه بود.

نقاشی هلندی تا پایان قرن شانزدهم پیوند ناگسستنی با فلاندری ها داشت و نام رایج "مکتب هلندی" را داشت. هر دوی آنها که شاخه ای از نقاشی آلمانی هستند، برادران ون ایک را اجداد خود می دانند و برای مدت طولانی در یک مسیر حرکت می کنند و تکنیک مشابهی را توسعه می دهند، به طوری که هنرمندان هلند هیچ تفاوتی با فلاندر و برابانت خود ندارند. همتایان

هنگامی که مردم هلند از ظلم و ستم اسپانیا خلاص شدند، نقاشی هلندی شخصیت ملی به خود می گیرد. هنرمندان هلندی با بازتولید طبیعت با عشقی خاص در تمام سادگی و حقیقت و حس لطیف رنگ متمایز می شوند.

هلندی ها اولین کسانی بودند که متوجه شدند حتی در طبیعت بی جان همه چیز جان می دهد، همه چیز جذاب است، همه چیز قادر به برانگیختن فکر و هیجان انگیز است.

در میان نقاشان منظره‌ای که طبیعت بومی خود را تفسیر می‌کنند، یان ون گوین (1595-1656) مورد احترام خاصی است که همراه با Esaias van de Velde (حدود 1590-1630) و Pieter Moleyn the Elder (1595-1661) بنیانگذار چشم انداز هلندی

اما هنرمندان هلند را نمی توان به مدارس تقسیم کرد. تعبیر "مکتب نقاشی هلندی" بسیار مشروط است. در هلند، جوامع سازماندهی شده هنرمندان شکل گرفت، که شرکت های آزاد بودند که از حقوق اعضای خود محافظت می کردند و بر فعالیت های خلاق تأثیر نمی گذاشتند.

نام رامبراند (1606-1669) به ویژه در تاریخ می درخشد، که در شخصیت او تمام بهترین ویژگی های نقاشی هلندی متمرکز شده بود و تأثیر او در تمام ژانرهای آن - در پرتره ها، نقاشی های تاریخی، صحنه های روزمره و مناظر منعکس شد.

در قرن هفدهم، نقاشی داخلی با موفقیت توسعه یافت، اولین آزمایشات آن حتی در مدرسه قدیمی هلند نیز ذکر شده است. در این ژانر نام های کورنلیس بیگ (1620-64)، ریچارد براکنبورگ (1650-1702)، کورنلیس دوسارت (1660-1704)، هنریک روکس، ملقب به سورگ (1621-82)،

هنرمندانی که صحنه هایی از زندگی نظامی را به تصویر کشیده اند را می توان در زمره نقاشان ژانر طبقه بندی کرد. نماینده اصلی این شاخه از نقاشی فیلیپس وورمن معروف و فوق العاده پرکار (1619-1668) است.

در مقوله‌ای خاص می‌توان استادانی را که در نقاشی‌های خود منظره را با تصویر حیوانات ترکیب کردند، مشخص کرد. آلبرت کویپ (1620-91).

هنرمندان هلند با بیشترین توجه، دریا را درمان کردند.

در آثار ویلم ون دو ولده بزرگ (1611 یا 93-1612)، پسر معروفش ویلم ون دو ولده جوان (1633-1707)، لودولف باخویزن (1631-1708)، نقاشی گونه های دریایی تخصص آنها را تشکیل می داد.

در زمینه طبیعت بی جان، یان دیویدز د جم (1606-83)، پسرش کورنلیس (1631-95)، آبراهام میگنون (1640-79)، ملکیور دو گوندکوتر (1636-95)، ماریا اوستروییک (1630-93) ) بیشترین شهرت را به دست آورد .

دوره درخشان نقاشی هلندی طولانی نشد - فقط یک قرن.

با آغاز قرن هجدهم. افول آن آغاز می شود، دلیل این امر سلیقه و دیدگاه های دوران پرشکوه لویی چهاردهم است. به جای رابطه مستقیم با طبیعت، عشق به بومی و اخلاص، غلبه نظریه های از پیش تعیین شده، قراردادی بودن، تقلید از مفاخر مکتب فرانسه برقرار می شود. توزیع کننده اصلی این کارگردانی ناگوار فلمینگ جرارد دو لرس (1641-1711) بود که در آمستردام ساکن شد.

آدریان ون دو ورف معروف (1722-1659) نیز به زوال مدرسه کمک کرد، رنگ کسل کننده نقاشی های او زمانی اوج کمال به نظر می رسید.

تأثیر خارجی تا دهه بیست قرن نوزدهم بر نقاشی هلندی تأثیر زیادی داشت.

متعاقباً ، هنرمندان هلندی به قدمت خود - به مشاهده دقیق طبیعت - روی آوردند.

جدیدترین نقاشی هلندی به ویژه در نقاشان منظره غنی است. از جمله آندریاس شلفهوت (1787-1870)، بارنت کوکوک (62-1803)، آنتون موو (88-1838)، یاکوب ماریس (متولد 1837)، یوهانس وایسنبروخ (1822-1880) و دیگران.

در میان جدیدترین نقاشان دریایی در هلند، نخل متعلق به یوهانس شوتل (1787-1838) است.

Wouters Verschoor (1812-1874) در نقاشی حیوانات مهارت زیادی از خود نشان داد.

شما می توانید نمونه هایی از نقاشی های هنرمندان هلندی را در فروشگاه اینترنتی ما خریداری کنید.

06.05.2014

مسیر زندگی فرانس هالس مانند نقاشی های او روشن و شدید بود. تا به حال، جهان داستان هایی در مورد نزاع های مست هالز می داند، که او گاهی اوقات پس از تعطیلات بزرگ ترتیب می داد. هنرمندی با چنین طبیعتی شاد و سرزنده نمی تواند در کشوری که مذهب کالوینیسم در آن مذهب دولتی بود، مورد احترام قرار گیرد. فرانس هالس در اوایل سال 1582 در آنتورپ به دنیا آمد. با این حال، خانواده او آنتورپ را ترک کردند. در سال 1591، خال ها به هارلم رسیدند. برادر کوچکتر فرانس در اینجا به دنیا آمد...

10.12.2012

یان استین یکی از مشهورترین نمایندگان مکتب نقاشی هلندی در اواسط قرن هفدهم است. در آثار این هنرمند نه بوم های یادبود یا ظریف، و نه پرتره های زنده از بزرگان و یا تصاویر مذهبی را نمی بینید. در واقع، جان استین استاد صحنه های روزمره پر از طنز سرگرم کننده و درخشان دوران خود است. نقاشی های او کودکان، مست ها، مردم عادی، گولن ها و بسیاری دیگر را به تصویر می کشد. جان در استان جنوبی هلند، شهر لیدن در حدود سال 1626 به دنیا آمد.

07.12.2012

آثار هنرمند معروف هلندی هیرونیموس بوش هنوز هم از سوی منتقدان و هم از طرف دوستداران هنر به طور مبهم درک می شود. چه چیزی بر روی بوم های بوش به تصویر کشیده شده است: شیاطین عالم اموات یا فقط افرادی که به دلیل گناه بد شکل شده اند؟ هیرونیموس بوش واقعاً چه کسی بود: یک روان پریش وسواس، یک فرقه گرا، یک رویاپرداز، یا فقط یک هنرمند بزرگ، نوعی سوررئالیست باستانی، مانند سالوادور دالی، که ایده هایی را از ناخودآگاه می کشید؟ شاید مسیر زندگی اش...

24.11.2012

هنرمند معروف هلندی پیتر بروگل بزرگ سبک نوشتاری رنگارنگ خود را خلق کرد که تفاوت قابل توجهی با دیگر نقاشان دوره رنسانس داشت. نقاشی های او تصاویری از حماسه طنز عامیانه، تصاویری از طبیعت و زندگی روستا است. برخی از آثار با ترکیب خود مجذوب می شوند - شما می خواهید به آنها نگاه کنید و به آنها نگاه کنید و در مورد آنچه که هنرمند دقیقاً می خواست به بیننده منتقل کند بحث کنید. ویژگی های نوشته بروگل و بینش جهان یادآور آثار سوررئالیست اولیه هیرونیموس بوش است...

26.11.2011

هان ون میگرن (نام کامل - هنریکوس آنتونیوس ون میگرن) در 3 مه 1889 در خانواده یک معلم مدرسه ساده متولد شد. پسر تمام اوقات فراغت خود را در کارگاه معلم محبوبش که کورتلینگ نام داشت گذراند. پدر این را دوست نداشت، اما این کورتلینگ بود که توانست ذوق و توانایی تقلید از شیوه نوشتن در دوران باستان را در پسر ایجاد کند. ون میگرن تحصیلات خوبی دریافت کرد. او در 18 سالگی وارد موسسه فناوری دلفت شد و در آنجا دوره معماری را گذراند. همزمان در ...

13.10.2011

هنرمند معروف هلندی یوهانس یان ورمیر، که برای ما نیز به عنوان ورمیر دلفت شناخته می شود، به حق یکی از درخشان ترین نمایندگان عصر طلایی هنر هلندی محسوب می شود. او در پرتره های ژانر و به اصطلاح نقاشی روزمره استاد بود. هنرمند آینده در اکتبر 1632 در شهر دلفت متولد شد. جان دومین فرزند خانواده و تنها پسر بود. پدرش فروشنده هنر و ابریشم باف بود. والدین او با هنرمندی به نام لئونارت بریمر دوست بودند که...

18.04.2010

این عبارت از قبل هک شده که همه نابغه ها کمی دیوانه هستند کاملاً با سرنوشت نقاش بزرگ و درخشان پست امپرسیونیست ونسان ون گوگ مطابقت دارد. او که تنها 37 سال زندگی کرد، میراثی غنی از خود به جای گذاشت - حدود 1000 نقاشی و همین تعداد نقاشی. این رقم زمانی که متوجه می شوید که ون گوگ کمتر از 10 سال از زندگی خود را وقف نقاشی کرده است، بیشتر چشمگیر می شود. 30 مارس 1853، در روستای گروت-زوندرت، واقع در جنوب هلند، پسر وینسنت متولد شد. یک سال قبل، در خانواده کشیشی که در آن به دنیا آمده بود ...

روندهای اصلی، مراحل توسعه نقاشی و نقاشان نمادین هلند.

نقاشی هلندی

مقدمه

نقاشی هلندی قرن هفدهم گاهی به اشتباه هنری برای طبقه متوسط ​​محسوب می شود و به نقاشی فلاندری این دوره تعظیم می کند و آن را درباری و اشرافی می نامد. این عقیده کمتر اشتباه نیست که هنرمندان هلندی فقط درگیر به تصویر کشیدن محیط بلافصل انسان هستند و از مناظر، شهرها، دریا، زندگی مردم برای این منظور استفاده می کنند، در حالی که هنر فلاندری به نقاشی تاریخی اختصاص دارد که در تئوری هنر بیشتر در نظر گرفته می شود. ژانر مرتفع در مقابل، ساختمان‌های عمومی در هلند، که باید ظاهری با ابهت داشته باشند، و همچنین بازدیدکنندگان ثروتمند، صرف نظر از اعتقادات مذهبی یا ریشه‌شان، نیاز به نقاشی‌هایی با مضمون تمثیلی یا اسطوره‌ای داشتند.

هر گونه تقسیم مکتب نقاشی هلندی به شاخه های فلاندری و هلندی تا آغاز قرن هفدهم. با توجه به تبادل خلاقانه مداوم بین مناطق، مصنوعی خواهد بود. به عنوان مثال، پیتر آرتسن، که در آمستردام به دنیا آمد، قبل از بازگشت به زادگاهش در سال 1557، در آنتورپ کار می‌کرد، در حالی که شاگرد و برادرزاده‌اش یواخیم بوکلایر تمام زندگی خود را در آنتورپ گذراند. در ارتباط با امضای اتحادیه اوترخت و جدایی هفت استان شمالی، بسیاری از ساکنان پس از 1579-1581. از شمال هلند به بخش پروتستانی این کشور تقسیم شده مصنوعی مهاجرت کرد.

"قصابی". آرتسن.

توسعه هنر

انگیزه توسعه مستقل نقاشی هلندی از هنرمندان فلاندری بود. بارتولومئوس اسپرانگر که در آنتورپ به دنیا آمده و در رم تحصیل کرده است، بنیانگذار سبکی فاضلانه، درباری و مصنوعی شد که در نتیجه اقامت موقت اسپرانگر در وین و پراگ، به یک "زبان بین المللی" تبدیل شد. در سال 1583، کارل ون مندر، نقاش و نظریه پرداز هنر، این سبک را به هارلم آورد. یکی از استادان اصلی این رفتار هارلم یا اوترخت، آبراهام بلومارت بود.

سپس آیزایا ون دو ولده که در هلند در خانواده‌ای مهاجر از فلاندر به دنیا آمد و در حلقه‌ای از نقاشان که مرکز آن هنرمندان فلاندری دیوید وینکبونز و گیلیس کونیکسلو بودند، درس خواند، در نقاشی‌های اولیه‌اش سبکی واقع گرایانه از نقاشی را توسعه داد. اشاره به یان بروگل بزرگ، با درجه بندی رنگی روشن از طرح های هنری. در حدود سال 1630، در هلند، گرایش به یکپارچه سازی فضای هنری و ادغام رنگ های لایه های مختلف ایجاد شد. از آن زمان، ماهیت چند وجهی اشیاء به تصویر کشیده شده، جای خود را به حس فضا و فضای مطبوع داده است که با استفاده از رنگ تک رنگ به تدریج افزایش یافته است. Isaiah van de Velde این چرخش سبک را در هنر همراه با شاگردش Jan van Goen مجسم کرد.

منظره زمستانی. ولده.

یکی از دیدنی‌ترین منظره‌های باروک بالا، جنگل بزرگ، اثر یاکوب ون رویسدیل، متعلق به دوره بعدی توسعه نقاشی هلندی است. بیننده دیگر مجبور نیست نمای نسبتاً بی‌شکل فضایی خاکستری مایل به قهوه‌ای گسترده با چند نقوش چشم نواز را تجربه کند. از این پس، این تصور توسط یک ساختار ثابت و پر انرژی ایجاد می شود.

ژانر نقاشی

نقاشی ژانر هلندی، که در واقع، به سختی می توان آن را فقط پرتره زندگی روزمره نامید، که اغلب حامل پیامی اخلاقی است، در وین با آثار همه استادان اصلی آن نمایش داده می شود. مرکز آن لیدن بود، جایی که جرارد دو، اولین شاگرد رامبراند، مدرسه‌ای را تأسیس کرد که به نام «مکتب نقاشی خوب لیدن (fijnschilders)» شناخته می‌شود.

نقاشی فیگوراتیو

جلسه مسئولین شرکت. فرانس هالس.

سه تن از بزرگ‌ترین استادان هلندی نقاشی فیگوراتیو، فرانس هالس، رامبراند و یان ورمیر از دلفت، در فواصل زمانی تقریباً یک نسل از همدیگر را دنبال کردند. هالز در آنتورپ به دنیا آمد و در هارلم عمدتاً به عنوان نقاش پرتره کار کرد. برای بسیاری، او به شخصیت یک نقاش فاضل باز، شاد و خودجوش تبدیل شده است، در حالی که هنر رامبراند، متفکر - همانطور که کلیشه می گوید - خاستگاه سرنوشت انسان را آشکار می کند. این در عین حال درست و نادرست است. چیزی که با نگاه کردن به یک پرتره یا یک پرتره گروهی توسط هالز بلافاصله توجه را به خود جلب می کند، توانایی انتقال فردی است که در حرکت غرق در احساسات است. هالز برای به تصویر کشیدن لحظه گریزان از ضربات باز و به طور مشخص نامنظم، متقاطع به صورت زیگزاگ یا الگوهای جوجه کشی استفاده می کند. این باعث ایجاد اثر یک سطح دائماً درخشان می شود، شبیه به یک طرح، که تنها زمانی که از فاصله معینی مشاهده می شود در یک تصویر واحد ادغام می شود. پس از بازگشت "هدایای" روچیلد - یک پرتره رسا از یک مرد سیاهپوش برای مجموعه شاهزاده لیختن اشتاین خریداری شد و بنابراین به وین بازگشت. موزه Kunsthistorisches فقط یک نقاشی از فرانتس هالز دارد، پرتره ای از مرد جوانی که قبلاً در مجموعه چارلز ششم به عنوان یکی از معدود نمونه های هنر "پروتستان" در هلند ظاهر شده بود. پرتره های نقاشی شده در اواخر دوره کار هالز از نظر بینش روانشناختی و عدم استقرار بیشتر به آثار رامبراند نزدیک است.

به لطف انتقال ظریف سایه‌ها و نواحی کیاروسکورو، به نظر می‌رسد رامبراند فیگورها را با فضایی خوش صدا می‌پوشاند که در آن حال و هوا، فضا، چیزی ناملموس و حتی نامرئی زندگی می‌کنند. آثار رامبراند در گالری تصاویر وین تنها با پرتره نمایش داده می‌شود، اگرچه مادر هنرمند و پسر هنرمند نیز می‌توانند نقاشی‌های تاریخی تک رقمی در نظر گرفته شوند. در به اصطلاح «خود پرتره بزرگ» سال 1652، هنرمند با بلوز قهوه‌ای با چرخش سه چهارم صورتش در برابر ما ظاهر می‌شود. نگاه او با اعتماد به نفس و حتی سرکشی است.

ورمیر

هنر غیر نمایشی یان ورمیر، که کاملاً بر تفکر متمرکز بود، به عنوان بازتابی از طبقه متوسط ​​هلندی تلقی می شد که اکنون مستقل و از آنچه که داشتند راضی است. با این حال، سادگی مفاهیم هنری ورمیر فریبنده است. وضوح و آرامش آنها حاصل تحلیل دقیق از جمله استفاده از آخرین اختراعات فنی مانند دوربین تاریک است. "تمثیل نقاشی" که در حدود سال های 1665-1666 خلق شد، اثر اوج ورمیر از نظر کار با رنگ، می توان جاه طلبانه ترین نقاشی او را نام برد. روند آغاز شده توسط یان ون ایک، بومی هلند شمالی، تفکر منفعل و منفصل از جهان غیرقابل حرکت، همیشه موضوع اصلی نقاشی هلندی باقی مانده و در آثار ورمیر به یک آپوتئوزی تمثیلی و در عین حال واقعی رسیده است. .

نقاشی هلندی