Види агенцій з музичної та шоу індустрії. Сучасні проблеми діяльності концертних організацій

Початок XX століття характеризується бурхливим розвитком музичної індустрії розваг. Велику роль розвитку концертної діяльності зіграли Петербурзьке філармонічне суспільство, Московське філармонічне суспільство, Російське музичне суспільство, Гурток російської музики, концертна музична організація «Будинок пісні», що проіснувала до 1918 року. Музична естрадау період перебувала, переважно, до рук приватної антрепризи.

Особливо активно розвивається сфера грамзапису. Перша в Росії фабрика грамплатівок відкрилася в Ризі у 1902 році. А 1907 року виробництво платівок організувала фірма Пате, яка ввозила матриці з-за кордону (з 1922 р. - «Фабрика імені 5-річчя Жовтня»). З 1910 року випуск платівок розпочинає фабрика «Метрополь-рекорд» на станції Апрелівка під Москвою. У 1911 році запущена в експлуатацію фабрика товариства «Сірена-Рекорд», яка за рік надрукувала 2,5 мільйона платівок.

Державна Дума ухвалила закон «Про авторське право», де вперше було враховано інтереси звукозаписних компаній. Утворено Агентство музичних прав російських авторів (АМПРА). Річний валове виробництво в Росії становило 18 мільйонів грамплатівок, на ринку діяло близько 20 компаній. Апрелівський завод збільшив потужності до 300 тисяч платівок на рік. Було створено «Синдикат об'єднаних фабрик», щоб протидіяти великим зарубіжним виробникам. Однак після початку першої світової війни в Росії їхня кількість скоротилася.

У 1915 році почав працювати завод «Пишучий амур у Москві». До революції у Росії налічувалося шість фабрик, що випускали 20 мільйонів штук грамплатівок на рік; крім того, 5-6 мільйонів вироблялося за імпортними матрицями. Більшість фабрик були засновані на особистому російському капіталі - «Товариство Ребіков та К?» та інші.

Однак у цей час ринок стикається і з першими негативними явищами в музичній індустрії, характерними і для сучасного шоу-бізнесу. З'явилися перші піратські платівки, виробництвом яких займалася компанія «Неографон» та петербурзька філія американської фірми «Мелодіфон». Далі за всіх пішов підприємець Д. Фінкельштейн – його товариство «Орфенон» виробляло виключно піратські платівки.

Подібні явища відбувалися і музичних видавництвах. На початку XX століття нотно-видавнича справа у Росії досягла високого рівнярозвитку, не поступаючись технікою поліграфічного оформлення нот зарубіжним музичним виданням. Такі російські музичні видавництва як фірма Юргенсона завоювали світове визнання.

У перші десятиліття XX століття існували численні музичні магазини - фірми на периферії (Ярославль, Ростов-на-Дону, Єкатеринбург, Саратов та інших містах), які займалися музично-видавничою діяльністю. Музичні видавництва та музичні магазини в Росії випускали каталоги, виданих ними нот, що й досі є цінними джерелами вивчення музичних уподобань епохи.

Кардинальні зміни у музичному мистецтві відбулися після революції 1917 року. Видавнича справа переходить до рук держави (Декрет Ради народних комісарів від 19 грудня 1918 року). У 1921 році нотні видавництва та нотодруки об'єднуються в єдине нотне видавництво, яке у 1922 році увійшло до складу «Держвидаву» на правах його музичного сектору. 1930 року музичний сектор реорганізується в Державне музичне видавництво «Музгіз» з відділенням у Ленінграді, яке стало найбільшою музично-видавничою фірмою.

У ці роки працює й низка інших музичних видавництв, зокрема, кооперативне «Тритрон» (1925-1935 рр.). Вони випускали ноти та книги з музики. Епізодичним випуском нот займається низка громадських організацій та відомств: Московське товариство драматичних письменників та композиторів (МОПІК, 1917-1930 рр.), Всесоюзне управління з охорони авторських прав.

У 1939 року за Союзу композиторів створено Музичний фонд СРСР, завдання якого входило видання творів радянських композиторів. У 1964 році «Музгіз» та «Радянський композитор» об'єдналися в одне видавництво «Музика», але у 1967 році вони знову поділяються. Цими видавництвами випускаються журнали «Радянська музика» та «Музичне життя».

Виробництво грамплатівок також зазнає періоду різких змін. Ця галузь була націоналізована. А однією з перших грамплатівок, випущених у світ за радянської влади, став запис мови В.І. Леніна «Звернення до Червоної Армії». У 1919-1920 pp. відділ «Центродруку» «Радянська платівка» випустив понад 500 тисяч грамофонних дисків. Це були переважно мовні записи – виступи відомих партійних та громадських діячів.

У 20-ті роки було відновлено виробництво на старих підприємствах, а в 30-ті роки розпочинає роботу Всесоюзний будинок звукозапису в Москві. У 1957 було засновано всесоюзну студію грамзапису. У 1964 році була створена Всесоюзна фірма «Мелодія», яка об'єднала вітчизняні заводи, будинки та студії грамзапису і стала на багато років монополістом у звукозаписі.

У концертній діяльності також відбулися значні зміни. Організація і керівництво всією галуззю перейшли до рук держави, що дуже вплинув на ідеологічну спрямованість творчості виконавців. Особливо це стало помітно у галузі естрадного мистецтва. Було створено спеціальні державні установи, які займалися організацією концертної діяльності артистів усіх жанрів, у тому числі й естради.

У цю систему під егідою міністерства культури входили «Держконцерт», «Союзконцерт», «Росконцерт», республіканські, обласні та міські філармонії, концертні об'єднання, які здійснювали керівництво найскладнішим концертним життям нашій країні. Вільне підприємництво каралося законом як нелегальна діяльність. Разом у цей період на перше місце висувається музично-просвітницька та культурна робота.

Концерти проходять не тільки в концертних залах великих міст, а й у невеликих клубах, будинках культури, у цехах заводів, фабрик, у радгоспах, колгоспах, у червоних куточках та на фермах. При цьому оплата артистам проводилася за встановленими тарифами - від 4,5 до 11,5 рублів за концерт.

З появою ринкової економіки на офіційній естраді починають розвиватися альтернативні напрями. Виникають проблеми, пов'язані з реорганізацією цієї діяльності. Сформувалося головне протиріччя: між особистим характером таланту та практикою присвоєння державою його праці. Адже права платити виконавцю від попиту раніше не було. Поява численних фірм та компаній, що працюють у музичній естраді, стала об'єктивною відповіддю нового часу на зростання інтересу, як споживачів, так і підприємців до естради в цілому та її напрямків.

У Москві нині функціонує понад сімдесят державних та приватних асоціацій, фірм, компаній, об'єднань, що займаються організацією концертної діяльності. Без урахування нелегальних, неоформлених об'єднань керувати такою багатогранною діяльністю під силу лише високопрофесійним фахівцям-менеджерам, які мають не лише й не так задовольнити зростаючі запити публіки, а й передбачати їх, чітко вловлюючи кон'юнктуру ринку та відслідковуючи діяльність конкурентів, враховуючи в своїй роботі цього ринку, такі як платоспроможність населення та ін.

Сучасна музична індустрія є досить дивним феноменом, який не стоїть на місці і постійно розвивається. Ті, хто пропрацював у музичній «кухні» не один рік, знають, що часом буває дуже складно передбачити, що ж чекає на нас у майбутньому. музичному плані. Тим не менш, система отримання прибутку завжди одна, і всім тим, хто всерйоз має намір перетворити свою музику на дзвінку монету, було б непогано мати, принаймні, загальне уявлення про те, як працює музичний бізнес.

Тому ми вирішили написати невелике керівництво для сміливців, які хочуть і мають намір просувати свою музику та заробляти на цьому добрі гроші. Це та сама інформація, якої достатньо для того, щоб дати вам базове розуміння того, чим живе та дихає музичний бізнес, і щоб змусити вас замислитись над тим, як ви могли б стати його частиною.

Звукозаписні компанії

«Традиційний» шлях до успіху в музичній індустрії – це коли твій запис почув відомий лейбл, який надалі підпише з тобою контракт, щоб просувати твою творчість. А ще краще, якщо ти вже записав кілька композицій, які можуть увійти у твій міні-альбом, або ж у повноцінний альбом, або кілька альбомів у мережі.

По суті, лейбл виступає як інвестор, який вкладає свої гроші в тебе і твій проект. Ці гроші йдуть на оплату студійної оренди, зведення та майстеринг, а також на оплату твого авансу, який сплачується наперед, щоб ти зміг дожити до того моменту, коли почнеш отримувати свою частку від продажів, що називається в індустрії як роялті.

Лейбл також займається всією документацією, необхідною для випуску треку/альбому, яка включає схему того, як ділиться роялті: який відсоток кожної заробленої монети йде особисто вам, співавторам, а який відсоток — лейблу, щоб покрити свої початкові інвестиції та отримувати подальший прибуток, який лейбл зміг би знову вкласти на твою розкрутку.

Музичні відкати

Товариство Захисту Авторських Прав (MCPS) виплачує роялті за копію твого треку. Це означає, що чим більше ти продаєш записів, тим більше ти отримуєш. Крім того, якщо твоя пісня потрапляє на компакт-диски, або на DVD, або ж використовується якимось іншим чином, ти також отримуєш за це певну суму.
Наприклад: у збірці 20 композицій, і одна з них твоя. Це означає, що Товариство Захисту Авторських Прав заплатить тобі 5% від усіх продажів.

Довгоочікуваний реліз твоєї музики

Реліз твоєї музики означає використання твого треку у будь-якій формі, і всі доходи, отримані після виходу твоєї музики, можуть надходити з численних та різноманітних джерел. Насправді гроші надходять від кожного програвання пісні на ТБ, радіо або використання її як саундтрек до фільму, гроші надходять навіть, коли трек програється у примірювальних Topshop'ах. Список можна продовжувати нескінченно.

Теоретично виходить, що ти отримуєш гроші за використання твого треку. Ця система працює завдяки колекторським агентствам, таким як PRS у Великобританії або ASCAP (Американське співтовариство композиторів, письменників та видавців) у США. Ці організації відстежують усі шляхи використання твоєї музики, потім збирають та розподіляють гроші відповідним чином.

Телебачення, фільми та багато іншого

Головними каналами поширення та джерелами прибутку в музичній індустрії є ТБ, кіно та відеоігри, а саме, поширення фонограми твоєї музики цими каналами. Переваги фонограми очевидні: тобі заплатять, аби використати твою композицію; в результаті, ти отримуєш новий дохід від того, що твоя пісня використовується в кінопроектах або ТВ-шоу, наприклад, як саундтрек. Подібне використання твоєї музики дозволяє підвищити впізнаваність тебе та твоєї творчості, оскільки його почує потенційно величезна аудиторія, яка раніше не була знайома з твоєю музикою.

Не так просто зробити так, щоб треки потрапили на ТБ та кінопроекти, але існують спеціалізовані виробничі компанії, які діятимуть від твого імені, щоб проштовхнути твою музику в тому чи іншому напрямку. Отже, ти зможеш продовжувати займатися своїми справами, тоді як подібні агентства просувають твої треки особам, задіяним у кіно та на телебаченні.

Необхідність складання каталогу музики, яка перебуватиме у фонотеці музичних компаній (у Останнім часоміменованих як Виробничі музичні компанії) цілком зрозуміла. Адже саме подібний каталог є потенційно найбільш прибутковим із усього того, що ти робитимеш. Зазвичай така компанія візьме свій відсоток за просування твоєї музики. Але тобі не доведеться платити їм авансом за подання твоїх інтересів. Оплата провадиться за фактом. А що ще краще, вони не отримують гроші, доки твоя музика не піде в обіг, що означає, що вони працюватимуть настільки старанно, наскільки вони зможуть, щоб про тебе довідалися.

Подумай про композицію Рембрандта "I'll Be There For You" - саундтрек до серіалу "Друзі" - і про те, скільки людей його знає у всьому світі.

Інші джерела прибутку

А якщо ти не написав і не спродюсував абсолютно нічого? Не хвилюйся, ти досі можеш заробити на музиці. PPL стрим – це не якийсь там типовий канал реалізації, який належить авторам пісень. Це додаткове джерело для одержання роялті, що сплачуються органами мовлення виконавцям за використання їх музики. Усі ті, хто беруть участь у створенні пісні (басисти, бек-вокалісти, тощо) також отримують невелику суму за свою роботу.

Дистрибуція

Дистриб'ютор несе відповідальність за доставку твоєї музики зі складу до магазину. Для цього якщо ти створюєш фізичний контент, тобі необхідно укласти угоду про дистрибуцію.
Як ми знаємо, фізична музика відстає в популярності перед цифровою музикою, що є гарною новиною, якщо ти починаєш свій власний лейбл, оскільки дистрибуція не повинна вимагати великих зусиль і витрат. Цифрова дистрибуція означає, що твої записи будуть доступні для продажу в цифровому вигляді у всіх місцях, де на нього чекають твої фанати. Наприклад, Amazon, Beatport, iTunes. Іншими словами, цифрова дистрибуція позбавляє тебе зайвої суєти у всіх сенсах.

І наостанок

Все вищевикладене досить важко прийняти, але, якщо ти хочеш пов'язати своє життя з музикою, то ти маєш розуміти основні механізми настільки величезної музичної машини, і ти маєш бути готовий, якщо ти справді хочеш заявити про себе та залишити слід на музичній ниві, взятися за це справа і йти до кінця, не дивлячись ні на що.
А ми побажаємо тобі удачі!

Лекція – Сергій Тинку

Дивна річ, але дуже багато людей досі не знають, як влаштований механізм музичної індустрії сьогодні. Тому постараюся пояснити все двома словами. І, до речі, якщо ти не розумієш, що таке індустрія, то за кордоном розуміють під цим бізнес. Тобто мова про те, як влаштований музичний бізнес, чи музична індустрія. Забий собі на думку, раз і назавжди, індустрія - це бізнес.

Як і будь-яка інша, музична індустрія випускає та продає продукт. І цим продуктом є концерт. Раніше продуктом були записи, але у час це не актуально. Тепер продукт – лише концерт. Чому саме концерт? Бо музиканти заробляють саме на концертах та слухачі платять гроші саме за концерти.

Відповідно, основна мета індустрії полягає в тому, щоб зрозуміти попит аудиторії (на тій чи іншій території) на концерти того чи іншого формату, стилю та цінника. Самій індустрії однаково яку музику та яких музикантів продавати. Аби продати краще. Це як у барі. Адекватному господареві бару все одно, яким пивом торгувати, і він розливає те, на яке попит більший, і на якому можна більше заробити – купити дешевше та продати дорожче.

Щоб артисту потрапити до музичної індустрії, залишатися там і бути успішним... потрібна лише одна річ – бути затребуваним. Це як із будь-яким товаром на будь-якому ринку. Якщо на ваш концерт є попит, ви будете в індустрії. Якщо попиту немає, то вас там не буде. Індустрія зацікавлена ​​в артистах, котрі приносять гроші, на яких прийде народ.

Цей закон працює і для великих стадіонів в Америках та для дрібних шинків у Самарській області. Музична промисловість скрізь однакова.

Зверніть увагу, треба не обов'язково бути добрим, а треба бути саме затребуваним. А в нас часто люди думають, що якщо товар (музикант) хороший, то це має бути затребуваним. А це різні речі. І поняття "хороший" – дуже суб'єктивне. А ось поняття "затребуваний" можна помацати руками та виміряти у кількості глядачів та грошей, які вони принесуть.

Індустрія складається з трьох основних учасників – концертний майданчик, артист, глядач. І головним є глядач. Тому що вся ця справа існує на гроші глядача. Він платить за все. На його гроші живуть концертні майданчики та артисти. Він замовляє музику у всіх сенсах та оплачує банкет.

Індустрії начхати, як артист домагається популярності та затребуваності (це особиста справа та витрати артиста та його менеджера). Хороша музика, скандали, грамотний піар, мода тощо. Індустрії однаково який товар продавати. Її завдання – продавати затребуване. Якщо у твій клуб (або до бару) не приходять люди, то ти розоряєшся. Тому в індустрії завдання зрозуміти, що потрібно народу, - чи не найголовніше в індустрії.

Просто уяви на секунду, що маєш свій рок-клуб. Ти витратив бабло, щоб купити його, витрачаєш бабло на його підтримку, платиш персоналу та несеш купу інших витрат. І ось уяви тобі треба вибрати когось із артистів для концерту у себе в клубі. І гонорар йому заплатити. Когось ти захочеш бачити у себе в клубі, якщо тобі треба заробляти, а не зазнавати збитків?

Робити якогось артиста затребуваним та популярним – це завдання самого артиста (і його менеджменту). Індустрії все одно когось продавати. Вона просто орієнтується на поточні уподобання глядацької аудиторії. Зрозуміло, ці смаки постійно змінюються. Оскільки уподобання аудиторії неоднорідні, то й індустрія працює з артистами різних жанрів та стилів.

Відповідно до популярності (затребуваності) артиста індустрія пропонує глядачеві концерти на майданчиках більшою чи меншою місткістю, плюс встановлює різні ціни на квитки. Але промисловість завжди орієнтується попит. Можна сказати це бездушна машина, що тупо відображає поточний стан ринку та попиту. Грубо кажучи індустрія – це тисячі концертних майданчиків, чия кількість, розмір та формат визначається виключно ринком, тобто попитом на тих чи інших артистів та жанри на певних територіях.

Пам'ятай, у різний часна різних територіях попит теж буває на різне!

Ні артистові, ні глядачеві немає сенсу бути незадоволеним індустрією. Вона просто показує стан ринку, реагуючи нею, а чи не формуючи його. Якщо чогось в промисловості немає, або представлено слабо, то це тільки тому що в даний момент на даній території на цей продукт існує такий попит (нульовий або малий).

Якщо якийсь артист не потрапляє в індустрію (або потрапляє, але не в тому масштабі, якого б хотілося), то це не вина індустрії. Вона лише реагує смаки натовпу. І їй начхати на конкретні імена артистів.

Ось так двома словами все влаштовано.

Відповідно поняття затребуваної музики буває різною. Якщо ти робиш музику, орієнтуючись на свій смак, то не дивуйся, що вона не потрібна музичній індустрії. Твій смак не обов'язково збігається зі смаком аудиторії, яка платить. А якщо й збігається, то не факт, що якість твого музичного продукту витримує конкуренцію з іншими артистами. Завжди пам'ятай про конкуренцію. У наш час музикантів у світі набагато більше, ніж потрібно аудиторії. Тому в музичну індустрію потрапляють не всі охочі.

Якщо в селі попит на музику - це один гармоніст на новорічну п'янку, то десять гармоністів не пролізуть в індустрію цього села.

У світі є менеджери музикантів. Це посередники між артистами та глядачами, артистами та індустрією. Хтось (як і скрізь) може обходитися без посередників, а в когось не виходить. Як і будь-які посередники, менеджери прагнуть заробити. Тому для них важливо бачити і розуміти, чи зможе конкретний артист стати популярним або "не в коня корм". Цим баченням розумінням хороший менеджер відрізняється від поганого. Це його заробіток. Індустрії знову наплювати, як артист намагається стати популярним - за рахунок менеджерів або без. Під словом "менеджер" у цьому тексті можна розуміти не тільки одну людину, а й цілу контору з просування.

Багато артистів покладають величезні сподівання менеджерів, які на їхню думку вирішать усі проблеми. Але тут не все так просто. Якщо менеджер хороший і розуміє ринок, він працюватиме лише з артистом, який, на його думку, має потенціал. І артистові треба якось вміти зачарувати менеджера, змусити його повірити у себе. І виходить, що менеджер не чарівник, який продає поганий товар, і артистові насамперед треба видавати товар відповідних властивостей (який можна буде продати).

Якщо менеджер поганий, він запросто може взятися за артиста з незрозумілими перспективами. І тут може бути, що поганий менеджер нічим не допоможе, а може й так, що гарний з погляду ринкових перспектив артист буде успішним і з поганим менеджером. Але в будь-якому випадку, якщо артист вирішує розкручувати себе за допомогою менеджера, то йому треба змусити менеджера повірити у цього артиста.

І треба пам'ятати, що менеджер – це не безкоштовно. Якщо менеджер (контора) вкладає у розкручування гроші (або час/сили), то, значить, вони бачать потенціал у товарі (артисті) і планують відбити витрати, та ще й заробити. А якщо з тобою ніхто з тямущих менеджерів не хоче мати справ, то вони не бачать у тобі ринкового потенціалу. Вони, як і всі, можуть помилятися – спробуй доведи це їм та ринку.

Зрозумій, якщо твій потенціал очевидний, то довкола тебе тут же утворюється море людей, які бажають на тобі заробити. А от якщо неочевидний, то доводиться тягнути жалюгідне. Це як із бабами. Якщо ти супер телиця, то довкола тебе море мужиків. А якщо ти не дуже, то й попит на тебе на ринку чоловіків набагато менший. Все дуже просто у цьому світі.

У музичній промисловості діють самі закони, як і звичайному ринку. Уяви собі магазин продуктів. Там стоїть 10 пакунків молока від різних брендів. І ось ти допустимо вирішив робити молоко. Хороше молоко. Ти приходиш у магазин і кажеш – у мене гарне молоко, Візьміть на полицю. А тобі відповідають, молоко може й хороше, але його ніхто не знає і не купуватиме – попит народу вже склався на певні бренди. Навіщо нам закуповувати на полиці якийсь потенційний неліквід? Тоді ти починаєш рекламувати свій товар - знімаєш ролики для ящика, вішаєш рекламу на білбордах містом, роздаєш біля метро безкоштовні пакети населенню, наймаєш зірку для промоції. Всі! Попит з'явився – тебе взяли до магазину. Спочатку в один, потім в інший, потім у всій країні! Ти у бізнесі, чувак!

Звичайно, насправді ситуація з попитом і магазином може виявитися складнішою. Вони можуть сказати, що їм все одно, ніж торгувати - люди на районі куплять будь-яке молоко за цю ціну і тому щось міняти в асортименті вони не збираються. Тоді треба буде мотивувати магазин - пропонувати їм закупівельні ціни нижче за конкурентів або тупо пхати хабар. У випадку з концертними майданчиками, яким все одно хто грає у них в умовному шинку, все вирішується такими ж методами - зниження запитів по гонорарах артисту і знову таки старий хабар. Це ринок.

Проста зрозуміла схема. Але тут важлива одна деталь. Ти маєш виробляти молоко такої якості, яка подобається народу. І за тими цінами, за якими народ хоче його купувати. Тобто пакет не повинен коштувати 200 доларів. І це не повинно бути молоко собаки. Принаймні у Росії. Тобі самому може і подобається собаче (або щуре) молоко, але якщо ти виходиш на ринок, намагаєшся заповзти в індустрію молока, тобто в бізнес, то треба враховувати попит на продукти на певній території.

Тобто якщо говорити про молочну індустрію, то тут теж саме все - товар (артист), магазин (концертний майданчик), покупець (глядач). І є рекламні відділи та агенства (лейбли, менеджери-посередники), які розкручують товари за гроші.

Звичайно, безлічі музикантів по всій планеті, зовсім не хочеться думати про ринок, товар, покупців та інші неромантичні речі. І у багатьох успішних артистів вдалося жити у своєму винятково піднесеному світі, займаючись виключно творчістю (але при цьому виплачуючи менеджерам, які занурені в рутину та побут).

Але якщо ти не досяг такого рівня просвітління, то тобі треба займатися ринком і своєю популярністю самостійно, або намагатися зачарувати якогось менеджера (контору), які в тебе повірять. А такі менеджери, звісно, ​​є. Оскільки є успішні артистиу будь-якій країні і справами цих артистів хтось займається. А от якщо в тебе не вірять - то, друже, всі проблеми тільки в тобі. У жодному іншому. Це складно визнати – подивитися у дзеркало і сказати собі "здається, я не те, що потрібно людям".

Ти, звичайно, можеш найняти менеджера (як і будь-яку рекламну контору) тупо за свої гроші (а не за частку з концертів)... але це схоже на платний секс. Правильним хлопцям дають безкоштовно. А якщо тобі не дають нахаляву за коханням, то в тебе явно є якісь проблеми із затребуваністю.

Найчастіше незатребувані артисти звинувачують у своїй незатребуваності індустрію, менеджерів-посередників, глядачів. Це дуже нерозумно. Індустрія та менеджери реагують на запити глядача, на попит. А глядачі – це вільні люди, які самі вирішують куди їм витрачати свої гроші Якщо вони не хочуть тебе – це їхнє право. Вони тобі нічим не зобов'язані. Вони не змушували тебе займатися музикою.

А найнадійніший спосіб влитися в індустрію, і це знають усі професійні музиканти та менеджери всіх часів та народів... дуже простий. Треба тупо складати хіти. І все! Пісні, які подобаються народові. Пиши хіти, чувак, і в тебе точно буде все! Зверни увагу - всі виконавці, які не змогли вписатися в індустрію, - у них немає жодного хіта.

Але скажімо, ти не можеш чи не хочеш писати хіти? Але ж можна грати чужі - це теж затребуване (в шинках і на корпоративах), і з цим теж потрапляють в індустрію - просто можливо не на той рівень, куди б комусь хотілося. А якщо зовсім не грати хіти, то жодних гарантій немає влучення в індустрію немає. Може й вдасться влаштуватися в індустрію, а може й ні.

Ну от і все. Сподіваюся, тепер тобі зрозуміло, чому в одних артистів багато концертів та грошей, а в інших кіт наплакав.

Як часто до нас звідусіль доноситься музика. Музика стає звуковим тлом нашого життя. А чи знайомі вам відчуття, коли просто забув взяти з собою навушники? Тиша, ні – навіть порожнеча. Незвично, і руки прагнуть щось увімкнути. Перестає грати музика – включається внутрішній голос, яке слухати якось зовсім не хочеться. Нагадує нам про незакінчені справи, докоряє чимось, серйозні думки приносить. Ні, скоріше розпочався б новий трек. Ми просто звикли до музики, звикли, що весь час не одні, а із цими веселими (чи не дуже) музичними ритмами.

Напевно, кожен має улюблені мелодії, при звуку яких десь глибоко всередині спливають рядки знайомих пісень. При цьому часто так буває, що текст пісні людина знає напам'ять, а про сенс зображених у пам'яті і навіть слів, що часто вимовляються, він ніколи і не замислювався. Так відбувається тому, що музику більшість людей звикли слухати у форматі фону чи відпочинку, тобто, розслабившись і ні про що не думаючи, насолоджуючись емоціями чи просто занурившись у сторонні думки.

В результаті такого прослуховування світогляд людини наповнюється текстами та смислами, які не пройшли фільтрацію на рівні свідомості. Оскільки інформація подається у супроводі різних ритмів і мелодій, то засвоюється вона дуже добре, і надалі з рівня підсвідомості починає впливати на поведінку людини. Які програми поведінки транслює масової аудиторії сучасна популярна музика – та, яку крутять по телевізору і радіо, і чи можна до неї ставитися несвідомо, тобто не замислюючись про її вплив? Давайте подивимося кілька відеооглядів:

Після перегляду цих відеороликів доречно згадати цитату давньокитайського філософа Конфуція: «Руйнування будь-якої держави починається саме з руйнування її музики. Народ, що не має чистої і світлої музики, приречений на виродження».

Зверніть увагу, в останньому огляді йшлося не лише про зміст конкретних пісень, а й загальну спрямованість тематики популярної музики. Це важливий нюанс, на який треба враховувати. Адже музика має відображати різні аспектинашого життя, а не піднімати якийсь один до невідповідного йому розміру та важливості.

Творчість людини, коли вона йде від душі, завжди відображає її внутрішній світ, торкається питань особистого розвитку, пошуку відповідей хвилюючі питання. Якщо ж творчість підміняється бізнесом, і перше місце виходить заробляння грошей, його зміст автоматично наповнюється відповідними сенсами і формами: примітивними, шаблонними, прісними, дурними.

Прослуховування того контенту, який сьогодні крутять на та в ефірі більшості радіостанцій, є реальним процесом програмування людей на несвідому реалізацію у своєму житті всіх перерахованих у роликах моделей поведінки.

При цьому у представлених відеооглядах проводився аналіз лише змісту текстів та відеоряду кліпів, але величезний вплив на людину має і ритм, і тональність, і мелодійність, і гучність музики. Адже будь-яка музика – це, зрештою, вібрації, які можуть або гармоніювати з внутрішнім станом людини, або у прямому розумінні діяти руйнівно.

Вплив музики на суспільство

Дисонанс у музиці, різкі перепади ритму, гучне звучання – все це організм сприймає як стрес, як забруднюючий фактор, який впливає не тільки на нервову, але також і на серцево-судинну та ендокринну системи. В інтернеті ви можете знайти результати безлічі експериментів, які показують, що якщо класична або народна музика покращують психічні здібності, то сучасна попсова музика, побудована на одних і тих же ритмах, або важка рвана музика, навпаки, пригнічують психіку людини, погіршення пам'яті, абстрактне мислення, уважність.

Наочно побачити вплив музики можна на цих картинках:

Ці фотографії зроблено японським дослідником Масару Емото. Він піддав воду впливу різних мелодій та мови людини, після чого заморожував її та фотографував з великим збільшенням отримані заморожені кристали води. Як видно на слайді, під впливом звуків класичної музикикристали дистильованої води набувають витончених симетричних форм, під впливом важкої музики або негативних слів, емоцій заморожена вода утворює хаотичні, фрагментовані структури.

Враховуючи, що ми всі здебільшого складаємося з води, можете собі уявити, який значний вплив на нас має музика. З цієї причини до вибору тих композицій, які ви часто слухаєте самі або включаєте дітям, слід усвідомлено ставитися, оцінюючи вплив музики та ефект, який ви хотіли б отримати.

Музика впливає на людину у 3-х аспектах:

1. Змістовне посилання текстів пісень та відеоряду кліпів
2. Вібрації музики (ритм, тональність, мелодійність, тембр голосу тощо)
3. Особисті якості популярних виконавців, чиє життя виставлено напоказ

Третім пунктом на цьому слайді ми виділили особистий аспект, пов'язаний із моральністю тих виконавців, які набувають популярності та слави. Так як сучасний шоу-бізнес побудований на тому, що виносить на публічне обговорення все особисте життя так званих зірок, нав'язуючи підростаючим поколінням їх як кумири, що уособлюють «успіх», то при оцінці сучасних пісень треба враховувати і спосіб життя, який своїм прикладом транслюють їх виконавці.

Усі, напевно, чули про таку популярну західну співачку, як . Давайте подивимося, яку ідеологію вона просуває своєю творчістю та й особистим прикладом.

У рамках проекту Научи хорошому були зроблені аналогічні огляди на інших найпопулярніших західних виконавців: , – і скрізь одне й те саме. Їхня кар'єра розвивається як за шаблоном: із відносно простих і скромних дівчат вони, увійшовши в індустрію шоу-бізнесу, поступово перетворюються на тих, чиї фотографії та плоди творчості навіть незручно демонструвати в ході лекції через нав'язливу вульгарність та вульгарність.

При цьому саме цих зірок постійно нагороджують головними музичними преміями, їхні кліпи крутять на телеканалах і радіостанціях, навіть у Росії регулярно звучать їхні пісні. Тобто, в музичній індустрії побудована та сама система, що спирається на три основні інструменти: інститути премій, фінансові потоки і контроль над центральними ЗМІ.

Де шукати добрі пісні?

Через цей заслін добрим виконавцям– тим, які співають справді осмислені пісні та намагаються спрямовувати свою творчість на благо людей, пробитися практично неможливо. Ситуація починає змінюватися тільки сьогодні, коли з появою Інтернету кожна людина отримала можливість через свої облікові записи в соцмережах, через ведення блогів та створення сайтів виступати в ролі самостійного засобу масової інформації.

Поява проекту Навчи доброго та багатьох інших об'єднань небайдужих людей – це закономірний процес руйнування старої системи, побудованої на жорсткому контролі осіб, допущених до ЗМІ. І саме в Інтернеті можна знайти пісні тих виконавців, яких ви не почуєте по телевізору, але чию музику справді приємно та корисно слухати.

Вони також їздять з гастролями містами, виступають на сценах, збирають повні зали, але їхні фотографії не друкують у глянцевих журналах, а їхні пісні не транслюють на популярних радіостанціях або музичних телеканалах. Тому що для сучасної музичної індустрії, їхня творчість не підходить за «форматом», що визначається і нав'язується широкій аудиторії через ті самі засоби масової інформації, а точніше – засоби формування та управління суспільною свідомістю.

Як приклад осмисленої творчості пропонуємо до вашої уваги одну з пісень, яку придумали та записали читачі проекту Научи хорошому.

До появи сучасних портативних джерел відтворення звуку, цифрового сигналу та музики, процес запису та відтворення звуку пройшов довгий шлях розвитку. на рубежі XIX-XXст. музична індустрія мала певну систему, до якої входили: концертно-гастрольна діяльність, продаж нот та інструментів. У ХІХ столітті основний формою музичного товару була нотно-печатная продукція. Наприкінці XIX століття поява апаратів для запису та відтворення звуку, і як наслідок поява звукозаписних компаній, призвело до істотної зміни структури музичної індустрії та появи на початку XX століття такого феномену як музичний бізнес.

Природа людини така, що вона не уявляє життя без звуків, гармонії та музичних інструментів. Протягом кількох тисячоліть музиканти відточували свою майстерність у грі на лірі, варгані, лютні чи цистрі. Але для того, щоб порадувати слух високопоставлених замовників, завжди була потрібна присутність трупи професійних музикантів. Так виникла потреба запису музики з можливістю її подальшого відтворення без участі людини. До того ж, своєму виникненню музичний бізнес насамперед завдячує появі звукозапису.

Вважається, що першим пристроєм відтворення звуку був винахід давньогрецького винахідника Ктесібія. "гідравлос" . Перші описи даної конструкції перебувають у рукописах пізньоантичних письменників - Герона Олександрійського, Вітрувія та Афінія. У 875 році брати Бану Муса запозичивши ідею з рукописів давньогрецького винахідника, представили світові свій аналог пристрою для відтворення звуків. "водний орган" (Рис. 1.2.1.). Його принцип роботи був надзвичайно простий: механічний валик, що рівномірно обертається, з майстерно розташованими виступами вдаряв по судинах з різною кількістю води, що впливало на висотку звуків, таким чином змушуючи звучати наповнені трубки. Через кілька років брати представили і першу "автоматичну флейту", в основу роботи якої також ліг принцип "водного органу". Аж до XIX століття саме винаходи братів Бану Муса були єдиними доступним способомпрограмованого звукозапису.

Мал. 1.2.1. Винахід братів Бану Муса - "водний орган"

Починаючи з XV ст. Епоху відродження накрила мода на механічні музичні інструменти. Відкриває парад музичних інструментів із принципом дії братів Бану Муса – шарманка. У 1598 році з'являється перший музичний годинник, в середині XVI ст. - Музичні скриньки. Також початковими спробами масового поширення музики були так звані "балади-листівки" - Надруковані на папері вірші з нотами у верхній частині аркуша, які вперше з'явилися в Європі у XVI-XVII ст. Цей метод поширення тоді ніким не контролювався. Першим усвідомлено-контрольованим процесом масового поширення музики, було - тиражування нот.

У першій половині ХІХ століття продовжувала тенденція розвитку механічних музичних інструментів - ящиків, табакерок - всі ці пристосування мали дуже обмежений набір мелодій і могли відтворювати раніше " збережений " майстром мотив. Записувати людський голос або звучання акустичного інструменту з можливістю його подальшого відтворення неможливо було аж до 1857 року.

Першим у світі звукозаписним апаратом є фоноавтограф (Рис. 1.2.2.), який був винайдений в 1857 Едуардом Леоном Скоттом де Мартенвілем. Принцип роботи фоноавтографа полягав у записі звукової хвилі, уловлюванням вібрацій через спеціальний акустичний рупор, на кінці якого розташовувалася голка. Під дією звуку голка починала вібрувати, малюючи переривчасту хвилю на скляному валику, що обертається, поверхня якого вкрита або папером, або кіптявою.

Мал. 1.2.2.

На жаль, винахід Едуарда Скотта не вміло відтворювати записаний фрагмент. Кілька років тому в паризькому архіві було знайдено 10-секундний уривок запису народної пісні. Місячне сяйво", виконаної самим винахідником 9 квітня 1860 року. Надалі конструкція фоноавтографа була взята за основу для створення інших апаратів запису та відтворення звуку".

У 1877 році творець "лампи розжарювання" Томас Едісон закінчив роботу над абсолютно новим звукозаписним пристроєм. фонографом (Рис. 1.2.3.), який через рік він запатентував у відповідному відомстві США Принцип роботи фонографа скидався на фоноавтограф Скотта: покритий воском валик виступав у ролі звуконосія, запис на який здійснювався за допомогою голки, приєднаної до мембрани - прабатька мікрофона. Уловлюючи звук через спеціальний рупор, мембрана приводила в дію голку, яка залишала поглиблення на восковому валику.

Мал. 1.2.3.

Записаний звук вперше можна було відтворити, використовуючи той самий пристрій, на якому і проводився сам запис. Однак механічної енергії було недостатньо для отримання номінального рівня гучності. На той час фонограф Томаса Едісона перевернув увесь світ: сотні винахідників стали експериментувати з використанням різних матеріалівдля покриття циліндра-носія, а в 1906 відбувся перший публічний концерт-прослуховування. Фонографу Едісона аплодував переповнений зал. У 1912 році світ побачив дисковий фонограф , В якому замість звичного воскового валика став використовуватися диск, що значно спростив конструкцію. Поява дискового фонографа хоч і мала інтерес громадськості, причому з погляду еволюції звукозапису практичного застосування так і не знайшло.

Надалі, починаючи з 1887 року, винахідник Еміль Берлінер активно розвивав. власне баченнязвукозапису за допомогою власного пристрою грамофону (Рис. 1.2.4.). В якості альтернативи восковому барабану Еміль Берлінер віддав перевагу міцнішому целулоїду. Принцип запису залишався тим самим: рупор, звук, коливання голки та рівномірне обертання диска-пластинки.

Мал. 1.2.4.

Експерименти, які проводилися зі швидкостями обертання диска-пластинки, що записується, дозволили збільшити час запису однієї сторони пластинки до 2-2,5 хвилин при швидкості обертання в 78 оборотів за хвилину. Записані диски-пластини поміщалися в спеціальні картонні чохли (рідше шкіряні) через що надалі отримали назву "альбомів" - зовні вони дуже нагадували фотоальбоми з визначними пам'ятками міст, що повсюдно реалізуються в Європі.

Заміною громіздкому грамофону став удосконалений і доопрацьований у 1907 році Гільйоном Кеммлером апарат. патефон (Рис. 1.2.5.).

Мал. 1.2.5.

Цей пристрій мало невеликий рупор вбудований в корпус, з можливістю розміщення всього пристрою в одному компактному валізі, що призвело до швидкої популяризації патефона. У 1940-х роках. з'явилася більше компактна версіяпристрої - міні-патефон, який здобув особливу популярність серед солдатів.

Поява платівок значно розширила музичний ринок, оскільки їх, на відміну від нот, міг придбати будь-який слухач. Довгі роки грамплатівки були основними носіями звукозапису та основним музичним товаром. Грампластинка поступилася місцем іншим носіям музичного матеріалу лише в 1980-х роках. З початку 1990-х років. і по теперішній час, продаж платівок становлять одиниці або навіть частки відсотка від загального обороту аудіопродукції. Але навіть після такого спаду продажів платівки не зникли і зберегли до наших днів свою незначну та невелику аудиторію серед меломанів та колекціонерів.

Поява електрики започаткувала новий етап еволюції звукозапису. З 1925 року починається - "ера електричного звукозапису" з використанням мікрофона та електродвигуна (замість пружинного механізму) для обертання платівки. Арсенал пристроїв, що дозволяють здійснювати як звукозапис, так і його подальше відтворення, поповнилося модифікованою версією грамофона. електрофоном (Рис. 1.2.6.).

Мал. 1.2.6.

Поява підсилювача дозволило вивести звукозапис на новий рівень: електроакустичні системи отримали гучномовці, а необхідність форсації звуку через рупор залишилася в минулому. Усі фізичні зусилля людини почала виконувати електрична енергія. Усі ці та інші зміни удосконалювали акустичні можливості, а також збільшували роль продюсера у процесі звукозапису, що кардинально змінило ситуацію на музичному ринку.

Паралельно з індустрією звукозапису також починало розвиватися радіо. Регулярне радіомовлення розпочалося ще у 1920-ті роки. Спочатку для популяризації нових технологій на радіо запрошувалися актори, співаки, оркестри, і це сприяло появі величезного попиту на радіоприймачі. Радіо стало необхідністю для величезної аудиторії та конкурентом фонографічної промисловості. Однак незабаром було виявлено пряму залежність від звучання платівок в ефірі та збільшенням продажів цих платівок у магазинах. Зросла потреба у музичних коментаторах, так званих "диск-жокеях", які не просто ставили платівки на програвач, а сприяли просуванню нових записів на музичному ринку.

У першій половині XX століття базова модель музичної індустрії зазнала значних змін. Звукозапис, радіо та інші досягнення науково-технічного прогресу багаторазово розширили початкову аудиторію музичного бізнесу та сприяли виникненню та поширенню нових музичних стилів та напрямків, наприклад електронної музики. Вони запропонували публіці привабливіший товар і органічно вписувалися в ті форми, які були поширені у XIX столітті.

Одна з основних проблем звукозаписних пристроїв того часу полягала в тривалості звукозапису, який був уперше вирішений радянським винахідником Олександром Шоріним. У 1930 році він запропонував як оперативний запис використовувати кіноплівку, що проходить через електронний вузол з постійною швидкістю. Пристрій отримав назву шоринофону Але якість запису залишалася придатною виключно для подальшого відтворення голосу, на 20-метровій кінострічці вже можна було розмістити близько 1 години запису.

Останнім відлунням електромеханічного запису став так званий "папір, що говорить", запропонована в 1931 році радянським інженером Б.П. Скворцовим. Звукові коливання записувалися на звичайний папір за допомогою пера, що малює чорним чорнилом. Такий папір можна було легко скопіювати та передати. Для відтворення записаного використовувалася потужна лампа та фотоелемент. У 1940-ті роки. минулого століття вже були підкорені новим способом звукозапису - магнітним.

Історія розвитку магнітного звукозапису майже весь час йшла паралельно механічним методам запису, але залишалася у тіні до 1932 року. Ще наприкінці XIX століття, натхненний винаходом Томаса Едісона американський інженер Оберлін Сміт займався вивченням питання звукозапису. У 1888 році вийшла стаття, присвячена використанню явища магнетизму при звукозаписі. Датський інженер Вальдемар Поульсен, після десяти років експериментів у 1898 р. отримав патент на використання сталевого дроту як звуконосій. Так з'явився перший пристрій звукозапису, в основі якого лежав принцип магнетизму. телеграфон . В 1924 винахідник Курт Штілле вдосконалював дітище Вальдемара Поульсена і створив перший диктофон на основі магнітної стрічки. У подальшу еволюцію магнітного звукозапису втрутилася компанія AEG, що випустила в середині 1932 прилад Магнітофон-К 1 (Рис. 1.2.7.) .

Мал. 1.2.7.

Застосовуючи як покриття плівки оксид заліза, компанія BASF справила справжню революцію у світі звукозапису. Використання підмагнічування змінним струмом інженери отримали абсолютно нову якість звучання. Починаючи з 1930 року і аж до 1970 року світовий ринок був представлений котушковими магнітофонами різних форм-факторів і з різними можливостями. Магнітна стрічка відчинила творчі двері перед тисячами продюсерів, інженерів та композиторів, які отримали можливість експериментувати зі звукозаписом не в промислових масштабах, а просто у власній квартирі.

Ще більше сприяла таким експериментам поява в середині 1950-х років. багатодоріжкових магнітофонів. На одну магнітну стрічку стало можливим робити запис одразу кількох джерел звуку. У 1963 році виходить 16-доріжковий магнітофон, у 1974 році - 24-доріжковий, а через 8 років компанія Sony запропонувала покращену схему цифрового запису DASH-формату на 24-доріжковий магнітофон.

У 1963 році компанія Philips представила першу компакт-касету (Рис. 1.2.8.), яка надалі стала основним масовим форматом відтворення звуку. 1964 року в Ганновері було запущено серійне виробництво компактних касет. У 1965 році компанія Philips ініціювала виробництво музичних касет, а у вересні 1966 року на території США у продаж надійшли перші продукти дворічних промислових експериментів компанії. Ненадійність конструкції та складності, що виникали із записом музики, спонукали виробників до подальших пошуків еталонного носія інформації. Ці пошуки стали результативними для компанії Advent Corporation, що представила в 1971 касету на основі магнітної стрічки, при виробництві якої використовувався оксид хрому.

Мал. 1.2.8.

Крім того, поява магнітної стрічки як носія аудіозапису дало користувачам недоступну раніше можливість самостійного тиражування записів. Вміст касети можна було переписати на іншу бобіну або касету, отримавши цим нехай не 100% точну, але цілком придатну для прослуховування копію. Вперше в історії носій та його вміст перестали бути єдиним та неподільним продуктом. Можливість тиражування записів у домашніх умовах змінила сприйняття та шляхи поширення музики серед кінцевих користувачів, але ці зміни не стали радикальними. Люди так само купували касети із записами, оскільки це було набагато зручніше і не набагато дорожче, ніж робити копії. У 1980-х роках. кількість платівок продавалося в 3-4 рази більше, ніж касет, але вже 1983 року вони ділили ринок порівну. Пік продажів компакт-касет припав на середину 1980-х рр., а помітний спад продажів розпочався лише на початку 1990-х рр. .

Надалі ідеї звукозапису, закладені ще наприкінці ХІХ столітті Томасом Едісоном, у другій половині ХХ століття призвели до використання лазерного променя. Таким чином, на зміну магнітній стрічці прийшла "ера лазерно-оптичного звукозапису" . В основу оптичного звукозапису ліг принцип освіти на компакт-диску спіральних доріжок, що складаються з гладких ділянок та западин-пітів. Лазерна ера дозволила уявити звукову хвилю в складну комбінацію нулів (гладких ділянок) та одиниць (пітів).

У березні 1979 року компанія Philips продемонструвала перший прототип компакт-диска, а вже через тиждень нідерландський концерн уклав угоду з японською компанією Sony, затвердивши новий стандарт аудіодисків, які були прийняті у 1981 році. Компакт-диск був оптичний носій інформації у вигляді пластикового диска з отвором у центрі, прообразом цього носія була грамофонна платівка. Компакт-диск містив у собі 72 хвилини високоякісного аудіозапису, а також він був значно меншим. вінілових платівок, Його діаметр становив всього 12 см проти 30 см вінілу, при майже вдвічі більшій ємності. Безперечно, це робило його більш зручним у використанні.

У 1982 році Philips презентувала перший програвач компакт-дисків, що за якістю відтворення перевершив усі до цього представлені носії. Першим комерційним альбомом, записаним на новому цифровому носії, був легендарний The Visitors групи ABBA, який був анонсований 20 червня 1982 А в 1984 компанія Sony випустила перший портативний програвач компакт-дисків - Sony Discman D-50 (Рис. 1.2.9.)вартість якого на той час становила $350.

Мал. 1.2.9.

Вже в 1987 році продажі компакт-дисків перевищили продажі грамплатівок, а в 1991 році компакт-диски вже суттєво потіснили з ринку та компакт-касети. на початковому етапікомпакт-диск зберігав головну тенденцію розвитку музичного ринку - між аудіозаписом та носієм можна було ставити знак рівності. Послухати музику можна було лише з диска, записаного на заводі. Але, цієї монополії не судилося продовжитися довго.

Подальший розвиток ери лазерно-оптичних компакт-дисків призвело до появи в 1998 стандарту DVD-Audio, виходу на ринок звуку з різним числом звукових каналів (від моно до п'ятиканального). Починаючи з 1998 року, компанії Philips і Sony просували альтернативний формат компакт-дисків - Super Audio CD. Двоканальний диск дозволив зберігати до 74 хвилин звучання як у стереофонічному, так і багатоканальному форматі. Місткість у 74 хвилини була визначена оперним співаком, диригентом та композитором Норіа Ога, який на той момент обіймав посаду віце-президента корпорації Sony. Паралельно з розвитком CD-дисків упевнено розвивалося і кустарне виробництво – копіювання носіїв. Звукозаписні компанії вперше замислилися про необхідність цифрового захисту даних з використанням шифрування та водяних знаків.

Незважаючи на універсальність та зручність використання компакт-дисків, їм був притаманний значний перелік недоліків. Одним з головних була надмірна крихкість та необхідність дбайливого поводження. Час запису CD-носія було також значно обмежено й індустрія звукозапису посилено шукала альтернативний варіант. Поява на ринку магнітооптичного міні-диску так і залишилася непоміченою рядовими шанувальниками музики. Mini-Disk(Рис. 1.2.10.)- Розроблений компанією Sony ще в 1992 році, так і залишився надбанням звукорежисерів, виконавців і людей, безпосередньо пов'язаних зі сценічною діяльністю.

Мал. 1.2.10.

При записі міні-диска використовувалася магнітооптична головка та лазерний промінь, що прорізає на високій температурі ділянки з магнітооптичним шаром. Головною перевагою міні-диску перед традиційними CD була його покращена захищеність та більш тривалий термін експлуатації. У 1992 році компанія Sony представила перший плеєр для формату носіїв типу міні-диск. Модель плеєра набула особливої ​​популярності в Японії, а ось за межами країни як первісток - плеєр Sony MZ1, так і його вдосконалені нащадки, прийняті не були. Так чи інакше, прослуховування компакт- або міні-диска більше підходило виключно для стаціонарного використання.

Наприкінці XX століття прийшла "Ера високих технологій" . Поява персональних комп'ютерів та глобальної мережі Інтернет відкрили абсолютно нові можливості та значно змінили ситуацію на музичному ринку. У 1995 році в інституті Фраунгофера був розроблений революційний формат стиснення аудіоданих - MPEG 1 Audio Layer 3 , який отримав скорочене ім'я MP3 Головною проблемоюпочатку 1990-х років. у сфері цифрових носіїв було відсутність достатнього розміру дискового простору для розміщення цифрової композиції. Середній розмір жорсткого диска самого навороченого персонального комп'ютера на той час важко перевищував кілька десятків мегабайт.

У 1997 році на ринок вийшов перший програмний плеєр. "Winamp" , Розробкою якого займалася компанія Nullsoft. Поява кодека mp3 та подальша його підтримка з боку виробників CD-плеєрів призвела до поступового зниження продажів CD-дисків. Вибираючи між якістю звучання (яке реально відчував лише невеликий відсоток споживачів) та максимально можливою кількістю композицій, які можна було записати на один CD-диск (у середньому різниця становила близько 6-7 разів), слухач вибирав останнє.

За кілька років ситуація змінилася кардинально. У 1999 році 18-річний Шон Фаннінг створив спеціалізований сервіс, під назвою - "Napster" , який шокував всю еру музичного бізнесу. За допомогою цього сервісу обмінюватися музикою, записами та іншим цифровим контентом стало можливо прямо через Інтернет. Через два роки за порушення авторських прав з боку музичної індустрії цей сервіс був закритий, але механізм був запущений і ера цифрової музики продовжувала розвиватися вже безконтрольно: сотні пірингових мереж, оперативно регулювати роботу яких було дуже складно.

Радикальний поворот у способі отримання та прослуховування музики стався, коли воєдино зійшлися три складові: персональний комп'ютер, Інтернет та портативні флеш-плеєри (портативні пристрої, здатні відтворювати музичні треки, записані на вбудованому жорсткому диску або флеш-пам'яті). У жовтні 2001 року на музичному ринку з'являється компанія Apple, що представила світові перше покоління абсолютно нового типу портативного медіа-плеєра iPod (Рис. 1.2.11.), який був оснащений флеш-пам'яттю об'ємом 5 Гб, а також підтримував відтворення таких аудіо форматів, як MP3, WAV, AAC та AIFF. За розмірами він був порівняний із двома компакт-касетами складеними разом. Разом з виходом концепції нового Flash-плеєра, генеральним директоромкомпанії Стівом Джобсом був розроблений інтригуючий слоган - "1000 songs in your pocket" (у перекладі з англ. - 1000 пісень у вас у кишені). На той період часу, цей пристрій був по-справжньому революційним.

Мал. 1.2.11.

Далі, в 2003 році компанія Apple запропонувала власне бачення поширення легальних цифрових копій композицій за допомогою Інтернету через власний музичний інтернет-магазин. iTunes Store . На той момент загальна база композицій у цьому онлайн-магазині складала понад 200000 треків. Нині ця цифра перевищує позначку 20 млн. пісень. Підписавши угоди з лідерами звукозаписної індустрії, такими як: Sony BMG Music Entertainment, Universal Music Group International, EMI та Warner Music Group, компанія Apple відкрила нову сторінку в історії звукозапису.

Таким чином, персональні комп'ютери стали засобом обробки та тиражування аудіозаписів, флеш-плеєри – універсальним засобом прослуховування, а Інтернет виступив у ролі унікального у своєму роді засобу поширення музики. У результаті користувачі отримали повну свободу дій. Виробники техніки пішли назустріч споживачеві, забезпечивши підтримку відтворення стисненого аудіоформату MP3 не тільки у флеш-плеєрах, а у всіх AV-пристроях, починаючи з музичних центрів, домашніх кінотеатрів та закінчуючи перетворенням дискових CD-програвачів на CD/MP3 плеєри. Завдяки цьому споживання музики стало зростати з неймовірною швидкістю, а прибуток правовласників став так само неухильно падати. Ситуацію не змогли змінити і нові досконаліші формати дисків SACD, які мали замінити компакт-диски. Більшість людей віддали перевагу цим нововведенням компресованим аудіо та іншим революційним новинкам, наприклад - музичному плеєру iPod та його численним аналогам.

За допомогою систем найпростіших генерацій звукових сигналів персональних комп'ютераху величезних кількостях почала створюватися комп'ютерна музика. Інтернет, поряд із цифровими технологіями, дозволив продюсерам створювати та самим поширювати свою музику. Артисти використовували мережу з метою промоції та продажу альбомів. Користувачі отримали можливість у найкоротший термін отримувати запис практично будь-якого музичного твору та створювати свої музичні колекції, не виходячи з дому. Інтернет розширив ринок, збільшив різноманітність музичного матеріалу, та сприяв активному впровадженню цифрових технологій у музичному бізнесі.

Епоха високих технологій вплинула на музичну культуру, сприяла появі та подальшому розвитку музичної індустрії, і, як наслідок - розвитку музичного бізнесу. З цього часу з'явилися альтернативні варіанти виходу артистів на музичний ринок без великих звукозаписних компаній. Старі схеми розповсюдження продукції під загрозою. За останні кілька років 95% музики в Інтернеті поширюється піратським способом. Музика не продається, а безкоштовно обмінюється в Інтернеті. Боротьба з піратством набуває небаченого розмаху, оскільки звукозаписні компанії втрачають прибуток. Комп'ютерна індустрія приносить більш вагомий дохід, ніж музична, і це дозволило використовувати музику як продукцію, що сприяє продажу цифрової техніки. Знеособлення та однорідність музичного матеріалу та виконавців призвело до перенасичення ринку та переважання у музиці фонових функцій.

Ситуація, що склалася в початку XXIстоліття, багато в чому нагадує ту, що відбувалася в музичній індустрії на рубежі XIX-XX ст., коли нові технології ламали традиції, що склалися, а платівки і радіо, активно впровадилися в музичний бізнес. Це призвело до того, що до середини століття музична індустрія сформувала практично нову базову структуру, на яку "ера високих технологій" рубежу ХХ-ХХІ ст. справила згубний вплив.

Таким чином, слід зробити висновок, що вся історія розвитку носіїв звукових даних базується на спадковості досягнень попередніх етапів. За 150 років еволюція технологій музичної індустрії пройшла довгий шлях розвитку та трансформації. За цей період неодноразово з'являлися нові, досконаліші пристрої запису та відтворення звуку, починаючи від фоноавтографа і закінчуючи компакт-дисками. Перші паростки записів на оптичних CD-дисках та стрімкий розвиток накопичувачів HDD кінця 1980-х років. лише за одне десятиліття зламали конкуренцію безлічі форматів аналогових записів. Незважаючи на те, що перші музичні оптичні диски якісно не відрізнялися від вінілових платівок, їх компактність, універсальність та подальший розвитокЦифровий напрямок очікувано завершили еру аналогових форматів для масового використання. Нова ера високих технологій суттєво та стрімко змінює світ музичного бізнесу.