"Картоиграчи"

Автор

Пол Сезан

Държава Франция
Години живот 1839–1906
стил постимпресионизъм

Художникът е роден в южната част на Франция в малкото градче Екс-ан-Прованс, но започва да рисува в Париж. Истински успех идва при него след самостоятелна изложба, организирана от колекционера Амброаз Волар. През 1886 г., 20 години преди заминаването си, той се премества в покрайнините на родния си град. Младите художници нарекоха пътуванията до него "поклонение в Екс".

130х97 см
1895 г
цена
250 милиона долара
продаден през 2012 г
на частен търг

Творчеството на Сезан е лесно за разбиране. Единственото правило на художника беше директното прехвърляне на обекта или сюжета върху платното, така че картините му да не предизвикват недоумение у зрителя. Сезан комбинира в своето изкуство две основни френски традиции: класицизъм и романтизъм. С помощта на цветна текстура той придаде на формата на предметите невероятна пластичност.

Серия от пет картини „Играчи на карти“ е написана през 1890-1895 г. Сюжетът им е един и същ - няколко души ентусиазирано играят покер. Творбите се различават само по броя на играчите и размера на платното.

Четири картини се съхраняват в музеи в Европа и Америка (Музеят д'Орсе, Музеят на изкуствата Метрополитън, Фондация Барнс и Институтът за изкуство Курто), а петата доскоро беше украса на частната колекция на Гръцкият милиардер корабособственик Джордж Ембирикос. Малко преди смъртта си, през зимата на 2011 г., той решава да го пусне за продажба. Потенциални купувачи на „безплатната“ творба на Сезан бяха търговецът на изкуство Уилям Аквавела и световноизвестният галерист Лари Гагосиан, които предложиха около 220 милиона долара за нея. В резултат на това картината отиде при кралското семейство на арабската държава Катар за 250 млн. Най-голямата сделка за изкуство в историята на живописта беше сключена през февруари 2012 г. Това съобщи пред Vanity Fair журналистката Александра Пиърс. Тя разбра цената на картината и името на новия собственик, а след това информацията проникна в медиите по света.

През 2010 г. в Катар бяха открити Арабският музей на модерното изкуство и Националният музей на Катар. Сега колекциите им растат. Може би петата версия на The Card Players е била придобита от шейха за тази цел.

Повечетоскъпа картинав света

Собственик
Шейх Хамад
бин Халифа ал-Тани

Династията ал-Тани управлява Катар повече от 130 години. Преди около половин век тук бяха открити огромни запаси от нефт и газ, което моментално превърна Катар в един от най-богатите региони в света. Благодарение на износа на въглеводороди тази малка страна регистрира най-големия БВП на глава от населението. Шейх Хамад бин Халифа ал Тани пое властта през 1995 г., докато баща му беше в Швейцария, с подкрепата на членове на семейството. Заслугата на сегашния управляващ, според експерти, е в ясната стратегия за развитие на страната, създаване на успешен имидж на държавата. Сега Катар има конституция и министър-председател, а жените са получили правото да гласуват на парламентарни избори. Между другото, именно емирът на Катар основа новинарския канал Al Jazeera. Властите на арабската държава обръщат голямо внимание на културата.

2

"номер 5"

Автор

Джаксън Полък

Държава САЩ
Години живот 1912–1956
стил абстрактен експресионизъм

Джак Пръскачката - такъв прякор беше даден на Полък от американската публика за неговата специална техника на рисуване. Художникът изоставя четката и статива и излива боята върху повърхността на платното или фазера при непрекъснато движение около и вътре в тях. От малък се увлича по философията на Джиду Кришнамурти, чието основно послание е, че истината се разкрива по време на свободно „изливане“.

122х244 см
1948 г
цена
140 милиона долара
продаден през 2006 година
на търга Сотбис

Стойността на работата на Полък не е в резултата, а в процеса. Авторът неслучайно е нарекъл своето изкуство „екшън живопис”. С неговата лека ръка той се превърна в основния актив на Америка. Джаксън Полок смесваше боя с пясък, счупено стъкло и пишеше с парче картон, мастило, нож, лопата. Художникът беше толкова популярен, че през 50-те години в СССР имаше дори имитатори. Картината "Номер 5" е призната за една от най-странните и най-скъпите в света. Един от основателите на DreamWorks, Дейвид Гефен, го купи за частна колекция и през 2006 г. го продаде на Sotheby`s за 140 милиона долара на мексиканския колекционер Дейвид Мартинес. Въпреки това адвокатската кантора скоро издаде прессъобщение от името на своя клиент, в което се посочва, че Дейвид Мартинез не е собственик на картината. Само едно нещо се знае със сигурност: мексиканският финансист наистина наскоро е колекционирал произведения на съвременното изкуство. Малко вероятно е той да пропусне такава "голяма риба" като "Номер 5" на Полък.

3

"Жена III"

Автор

Вилем де Кунинг

Държава САЩ
Години живот 1904–1997
стил абстрактен експресионизъм

Родом от Холандия, той емигрира в Съединените щати през 1926 г. През 1948 г. се провежда лична изложба на художника. Критиците на изкуството оцениха сложните, нервни черно-бели композиции, разпознавайки в техния автор голям художник-модернист. През по-голямата част от живота си страда от алкохолизъм, но радостта от създаването на ново изкуство се усеща във всяка творба. Де Кунинг се отличава с импулсивността на рисуването, широките щрихи, поради което понякога изображението не се вписва в границите на платното.

121х171 см
1953 г
цена
137 милиона долара
продаден през 2006 година
на частен търг

През 50-те години в картините на де Кунинг се появяват жени с празни очи, масивни гърди и грозни черти. „Жена III” беше последната творба от тази поредица, участвала в търга.

От 70-те години на миналия век картината се съхранява в Музея за модерно изкуство в Техеран, но след въвеждането на строги морални правила в страната те се стремят да се отърват от нея. През 1994 г. творбата е изнесена от Иран, а 12 години по-късно нейният собственик Дейвид Гефен (същият продуцент, който продаде „Номер 5“ на Джаксън Полък) продава картината на милионера Стивън Коен за 137,5 милиона долара. Интересно е, че след една година Гефен започва да продава колекцията си от картини. Това породи много слухове: например, че продуцентът е решил да купи Los Angeles Times.

На един от форумите за изкуство беше изразено мнение за приликата на "Жена III" с картината на Леонардо да Винчи "Дамата с хермелин". Зад зъбата усмивка и безформената фигура на героинята, познавачът на живописта различи благодатта на човек с кралска кръв. Това се доказва и от слабо проследената корона, увенчаваща главата на жена.

4

„Портрет на АделБлох-Бауер I"

Автор

Густав Климт

Държава Австрия
Години живот 1862–1918
стил модерен

Густав Климт е роден в семейството на гравьор и е второто от седем деца. Трима синове на Ърнест Климт станаха художници и само Густав стана известен по целия свят. Прекарва по-голямата част от детството си в бедност. След смъртта на баща си той отговаря за цялото семейство. По това време Климт развива своя стил. Преди неговите картини всеки зрител замръзва: под тънките щрихи на злато ясно се вижда откровената еротика.

138х136 см
1907 г
цена
135 милиона долара
продаден през 2006 година
на търга Сотбис

Съдбата на картината, която наричат ​​"австрийската Мона Лиза", лесно може да стане основа за бестселър. Работата на художника стана причина за конфликта между цялата държава и една възрастна дама.

И така, „Портретът на Адел Блох-Бауер I“ изобразява аристократка, съпругата на Фердинанд Блок. Последната й воля беше да прехвърли картината в Австрийската държавна галерия. Блок обаче отменя дарението в завещанието си и нацистите експроприират картината. По-късно галерията почти не откупи Златната Адел, но тогава се появи наследницата - Мария Алтман, племенницата на Фердинанд Блок.

През 2005 г. започна високопоставеният процес "Мария Алтман срещу Република Австрия", в резултат на което картината "замина" с нея в Лос Анджелис. Австрия предприема безпрецедентни мерки: договарят се заеми, населението дарява пари за закупуването на портрета. Доброто никога не побеждава злото: Алтман вдигна цената до 300 милиона долара. По време на процеса тя беше на 79 години и влезе в историята като човекът, променил завещанието на Блок-Бауер в полза на лични интереси. Картината е закупена от Роналд Лаудер, собственик на Новата галерия в Ню Йорк, където остава и до днес. Не за Австрия, за него Алтман намали цената на 135 милиона долара.

5

"Вик"

Автор

Едвард Мунк

Държава Норвегия
Години живот 1863–1944
стил експресионизъм

Първата картина на Мунк, станала известна по целия свят, "Болното момиче" (съществува в пет екземпляра) е посветена на сестрата на художника, починала от туберкулоза на 15-годишна възраст. Мунк винаги се е интересувал от темата за смъртта и самотата. В Германия тежката му маниакална живопис дори предизвика скандал. Но въпреки потискащите сюжети, картините му носят особен магнетизъм. Вземете поне "Писък".

73,5х91 см
1895 г
цена
119,992 милиона долара
продаден в 2012 г
на търга Сотбис

Пълното име на картината е Der Schrei der Natur (в превод от немски „викът на природата“). Лицето на човек или извънземно изразява отчаяние и паника - зрителят изпитва същите емоции, когато гледа картината. Едно от ключовите произведения на експресионизма предупреждава за наболелите теми в изкуството на 20 век. Според една от версиите художникът го е създал под влияние на психическо разстройство, от което е страдал през целия си живот.

Картината е крадена два пъти от различни музеи, но е връщана. Леко повреден след кражбата, Викът беше реставриран и беше готов да бъде показан отново в Музея на Мунк през 2008 г. За представителите на поп културата работата се превърна в източник на вдъхновение: Анди Уорхол създаде серия от нейни отпечатъци-копия, а маската от филма "Писък" беше направена по образ и подобие на героя на картината.

За един сюжет Мунк написва четири версии на творбата: тази в частна колекция е направена в пастел. Норвежкият милиардер Петер Олсен го пусна на търг на 2 май 2012 г. Купувач беше Леон Блек, който не пожали рекордна сума за "Писък". Основател на Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен с любовта си към изкуството. Блек е патрон на Dartmouth College, Музея за модерно изкуство, Lincoln Art Center и Metropolitan Museum of Art. Има най-голямата колекция от картини на съвременни художници и класически майстори от миналите векове.

6

„Голо на фона на бюст и зелени листа“

Автор

Пабло Пикасо

Държава Испания, Франция
Години живот 1881–1973
стил кубизъм

По произход той е испанец, но по дух и място на пребиваване е истински французин. Пикасо отваря собствено художествено студио в Барселона, когато е едва на 16 години. След това заминава за Париж и прекарва по-голямата част от живота си там. Ето защо във фамилното му име има двойно ударение. Стилът, изобретен от Пикасо, се основава на отричането на мнението, че обектът, изобразен на платното, може да се гледа само от един ъгъл.

130х162 см
1932 г
цена
106,482 милиона долара
продаден през 2010 година
на търга Кристи

По време на работата си в Рим художникът се запознава с танцьорката Олга Хохлова, която скоро става негова съпруга. Той сложи край на скитничеството, премести се с нея в луксозен апартамент. По това време признанието беше намерило герой, но бракът беше унищожен. Една от най-скъпите картини в света е създадена почти случайно – от голяма любов, която, както винаги при Пикасо, е краткотрайна. През 1927 г. той се интересува от младата Мари-Терез Валтер (тя е на 17 години, той на 45). Тайно от съпругата си той заминава с любовницата си за град близо до Париж, където рисува портрет, изобразяващ Мария-Терез в образа на Дафне. Картината е закупена от дилър от Ню Йорк Пол Розенберг и продадена през 1951 г. на Сидни Ф. Броуди. Семейство Броди показаха картината на света само веднъж и то само защото художникът беше на 80 години. След смъртта на съпруга си, г-жа Броуди пусна творбата на търг в Christie's през март 2010 г. За шест десетилетия цената се е повишила повече от 5000 пъти! Неизвестен колекционер го купи за 106,5 милиона долара. През 2011 г. във Великобритания се проведе „изложба на една картина“, където тя видя светлината за втори път, но името на собственика все още не е известно.

7

"Осем Елвиси"

Автор

Анди Уорхол

Държава САЩ
Години живот 1928-1987
стил
поп изкуство

„Сексът и партитата са единствените места, където трябва да се появиш лично“, каза култовият поп изпълнител, режисьор и един от основателите на списание Interview, дизайнерът Анди Уорхол. Работил е с Vogue и Harper's Bazaar, проектирал е обложки на плочи и е проектирал обувки за I.Miller. През 60-те години се появяват картини, изобразяващи символите на Америка: супата на Кембъл и Кока-Кола, Пресли и Монро - което го превръща в легенда.

358х208 см
1963 г
цена
100 милиона долара
продаден през 2008г
на частен търг

60-те години на Уорхол - така наречената ера на поп изкуството в Америка. През 1962 г. работи в Манхатън във Factory Studio, където се събира цялата бохема на Ню Йорк. Най-ярките му представители: Мик Джагър, Боб Дилън, Труман Капоти и други известни личности в света. В същото време Уорхол изпробва техниката на копринен печат - многократно повторение на едно изображение. Той също използва този метод при създаването на "Осем Елвис": зрителят сякаш вижда кадри от филм, където звездата оживява. Всичко, което художникът обича толкова много, е тук: печеливш публичен образ, сребрист цвят и предчувствие за смърт като основно послание.

Има двама търговци на изкуство, които рекламират работата на Уорхол на световния пазар днес: Лари Гагосян и Алберто Муграби. Първият през 2008 г. похарчи 200 милиона долара за закупуване на повече от 15 творби на Уорхол. Вторият купува и продава картините си като коледни картички, само че по-скъпо. Но не те, а скромният френски консултант по изкуството Филип Сегало помогна на ценителя на римското изкуство Анибале Берлингиери да продаде Осемте Елвиси на неизвестен купувач за рекордните за Уорхол 100 милиона долара.

8

„Портокал,червено жълто"

Автор

Марк Ротко

Държава САЩ
Години живот 1903–1970
стил абстрактен експресионизъм

Един от създателите на цветната полева живопис е роден в Двинск, Русия (сега Даугавпилс, Латвия), в голямо семейство на еврейски фармацевт. През 1911 г. емигрират в САЩ. Ротко учи в художествения факултет на Йейлския университет, получава стипендия, но антисемитските настроения го принуждават да напусне обучението си. Въпреки всичко, изкуствоведите идолизираха художника, а музеите го преследваха през целия му живот.

206х236 см
1961 г
цена
86,882 милиона долара
продаден през 2012 г
на търга Кристи

Първите художествени експерименти на Ротко са със сюрреалистична ориентация, но с течение на времето той опрости сюжета до цветни петна, лишавайки ги от всякаква обективност. Отначало имаха ярки нюанси, а през 60-те години бяха изпълнени с кафяво, лилаво, сгъстяване до черно до момента на смъртта на художника. Марк Ротко предупреди да не се търси смисъл в картините му. Авторът искаше да каже точно това, което каза: само цвета, който се разтваря във въздуха, и нищо повече. Той препоръча да се гледат творбите от разстояние 45 см, така че зрителят да бъде „увлечен” в цвета като във фуния. Внимание: гледането в съответствие с всички правила може да доведе до ефекта на медитация, тоест постепенно идва осъзнаването на безкрайността, пълно потапяне в себе си, релаксация, пречистване. Цветът в картините му живее, диша и въздейства силно емоционално (понякога се казва, че е лечебен). Художникът каза: "Зрителят трябва да плаче, като ги гледа" - и наистина имаше такива случаи. Според теорията на Ротко в този момент хората преживяват същото духовно преживяване, което той е имал в процеса на работа върху картината. Ако сте успели да го разберете на толкова фино ниво, тогава не се изненадвайте, че тези произведения на абстракционизма често се сравняват от критиците с икони.

Творбата "Оранжево, червено, жълто" изразява същността на живописта на Марк Ротко. Първоначалната му цена на търга на Christie's в Ню Йорк е 35-45 милиона долара. Неизвестен купувач предложи цена два пъти по-висока от прогнозната. Името на щастливия собственик на картината, както често се случва, не беше разкрито.

9

"Триптих"

Автор

Франсис Бейкън

Държава
Великобритания
Години живот 1909–1992
стил експресионизъм

Приключенията на Франсис Бейкън, пълен съименник и освен това далечен потомък на великия философ, започват, когато баща му се отказва от него, неспособен да приеме хомосексуалните наклонности на сина си. Бейкън отива първо в Берлин, после в Париж, а след това следите му се объркват в цяла Европа. Още приживе негови творби са излагани във водещи културни центрове по света, включително музея Гугенхайм и Третяковската галерия.

147,5x198 см (всеки)
1976 г
цена
86,2 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

Престижните музеи се стремяха да притежават картини на Бейкън, но пъргавата английска публика не бързаше да се раздели с такова изкуство. Легендарният британски премиер Маргарет Тачър каза за него: „Човекът, който рисува тези ужасяващи картини“.

Самият художник счита следвоенния период за начален период в творчеството си. Връщайки се от служба, той отново се заема с рисуване и създава основните шедьоври. Преди участието на "Триптих, 1976" в търга най-скъпата творба на Бейкън беше "Етюд за портрет на папа Инокентий X" (52,7 милиона долара). В "Триптих, 1976" художникът изобразява митичния сюжет за преследването на Орест от фуриите. Разбира се, Орест е самият Бейкън, а фуриите са неговите терзания. Повече от 30 години картината е била в частна колекция и не е участвала в изложби. Този факт му придава специална стойност и съответно увеличава себестойността. Но какво са няколко милиона за ценител на изкуството и дори щедър на руски? Роман Абрамович започва да създава своята колекция през 90-те години на миналия век, като в това той е значително повлиян от приятелката си Даша Жукова, която се превърна в модерен собственик на галерия в съвременна Русия. По неофициални данни бизнесменът притежава произведения на Алберто Джакомети и Пабло Пикасо, закупени за суми над 100 милиона долара. През 2008 г. той става собственик на Триптиха. Между другото, през 2011 г. е придобита друга ценна творба на Бейкън - "Три скици за портрет на Лучиан Фройд". Скрити източници казват, че Роман Аркадиевич отново става купувач.

10

"Езерце с водни лилии"

Автор

Клод Моне

Държава Франция
Години живот 1840–1926
стил импресионизъм

Художникът е признат за основоположник на импресионизма, който "патентова" този метод в своите платна. Първата значима работа е картината "Закуска на тревата" (оригиналната версия на работата на Едуард Мане). В младостта си рисува карикатури, а с истинска живопис се захваща по време на пътуванията си по крайбрежието и на открито. В Париж той води бохемски начин на живот и не го напуска дори след като служи в армията.

210х100 см
1919 г
цена
80,5 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Кристи

Освен факта, че Моне беше велик художник, той също се занимаваше ентусиазирано с градинарство, обожаваше дивата природа и цветята. В неговите пейзажи състоянието на природата е моментно, обектите изглеждат замъглени от движението на въздуха. Впечатлението се засилва от големи щрихи, от известно разстояние те стават невидими и се сливат в текстурирано, триизмерно изображение. В живописта на късния Моне специално място заема темата за водата и живота в нея. В град Живерни художникът имаше собствено езерце, където отглеждаше водни лилии от семена, специално донесени от него от Япония. Когато цветята им разцъфтяха, той започна да рисува. Серията „Водни лилии“ се състои от 60 творби, които художникът рисува в продължение на почти 30 години, до смъртта си. Зрението му се влоши с възрастта, но не спря. В зависимост от вятъра, сезона и времето, изгледът на езерото постоянно се променяше и Моне искаше да улови тези промени. Чрез внимателна работа до него дойде разбирането за същността на природата. Някои от картините от поредицата се съхраняват във водещи галерии в света: Национален музей на западното изкуство (Токио), Оранжерия (Париж). Версията на следващото "Езерце с водни лилии" отиде в ръцете на неизвестен купувач за рекордна сума.

11

Фалшива звезда T

Автор

Джаспър Джонс

Държава САЩ
Година на раждане 1930
стил поп изкуство

През 1949 г. Джоунс влиза в училището по дизайн в Ню Йорк. Заедно с Джаксън Полок, Вилем де Кунинг и други, той е признат за един от основните художници на 20 век. През 2012 г. той получи Президентския медал на свободата, най-високото гражданско отличие в Съединените щати.

137,2х170,8 см
1959 г
цена
80 милиона долара
продаден през 2006 година
на частен търг

Подобно на Марсел Дюшан, Джоунс работи с реални обекти, изобразявайки ги върху платно и в скулптура в пълно съответствие с оригинала. За творбите си той използва прости и разбираеми предмети за всеки: бутилка бира, знаме или карти. В картината на Фалстарт няма ясна композиция. Художникът сякаш си играе със зрителя, често „неправилно“ подписвайки цветовете в картината, обръщайки самата концепция за цвят с главата надолу: „Исках да намеря начин да изобразя цвета така, че да може да бъде определен от някой друг метод." Неговата най-експлозивна и "несигурна", според критиците, картина е придобита от неизвестен купувач.

12

„Седналголна дивана"

Автор

Амедео Модилиани

Държава Италия, Франция
Години живот 1884–1920
стил експресионизъм

Модилиани често боледуваше от детството си, по време на трескав делириум той разпозна съдбата си на художник. Учи рисуване в Ливорно, Флоренция, Венеция, а през 1906 г. заминава за Париж, където изкуството му процъфтява.

65х100 см
1917 г
цена
68,962 милиона долара
продаден през 2010 година
на търга Сотбис

През 1917 г. Модилиани се запознава с 19-годишната Жана Ебютерн, която става негов модел, а по-късно и съпруга. През 2004 г. един от нейните портрети беше продаден за 31,3 милиона долара, последният рекорд преди продажбата на „Седнало голо на диван“ през 2010 г. Картината е закупена от неизвестен купувач на максималната цена за Модилиани в момента. Активните продажби на произведения започват едва след смъртта на художника. Той умира в бедност, болен от туберкулоза, а на следващия ден Жана Ебютерн, която е бременна в деветия месец, също се самоубива.

13

"Орел на бор"

Автор

Ци Байши

Държава Китай
Години живот 1864–1957
стил гуохуа

Интересът към калиграфията накара Qi Baishi да рисува. На 28-годишна възраст става ученик на художника Ху Цинюан. Министерството на културата на Китай му присъжда титлата "Велик художник на китайския народ", през 1956 г. получава Международната награда за мир.

10х26 см
1946 г
цена
65,4 милиона долара
продаден през 2011
на търга China Guardian

Ци Байши се интересуваше от тези прояви на околния свят, на които мнозина не придават значение, и това е неговото величие. Човек без образование стана професор и изключителен творец в историята. Пабло Пикасо каза за него: „Страх ме е да отида във вашата страна, защото в Китай има Ци Байши“. Композицията "Орел на бор" е призната за най-мащабното произведение на художника. В допълнение към платното, той включва два йероглифни свитъка. За Китай сумата, за която е купен продуктът, е рекордна - 425,5 милиона юана. Само свитъкът на древния калиграф Хуанг Тинцзян беше продаден за 436,8 милиона долара.

14

"1949-A-#1"

Автор

Клифърд Стил

Държава САЩ
Години живот 1904–1980
стил абстрактен експресионизъм

На 20-годишна възраст той посещава Музея на изкуствата Метрополитън в Ню Йорк и остава разочарован. По-късно той се записа за курс на студентска лига по изкуства, но напусна 45 минути след началото на класа - оказа се, че „не е негов“. Първата лична изложба предизвика резонанс, художникът намери себе си, а с него и признание

79х93 см
1949 г
цена
61,7 милиона долара
продаден през 2011
на търга Сотбис

Всички негови творби, които са повече от 800 платна и 1600 произведения на хартия, все още са завещани на американския град, където ще бъде открит музей на неговото име. Денвър стана такъв град, но само строителството беше скъпо за властите и четири произведения бяха пуснати на търг, за да го завършат. Произведенията на Стил едва ли някога ще бъдат предлагани на търг, което вдигна цената им предварително. Картината "1949-A-No.1" беше продадена за рекордна за художника сума, въпреки че експерти прогнозираха продажбата на максимум 25-35 милиона долара.

15

"Супрематична композиция"

Автор

Казимир Малевич

Държава Русия
Години живот 1878–1935
стил Супрематизъм

Малевич учи живопис в Киевското художествено училище, след това в Московската художествена академия. През 1913 г. той започва да рисува абстрактни геометрични картини в стил, който нарича супрематизъм (от латински „господство“).

71 х 88,5 см
1916 г
цена
60 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

Картината се съхранява в градския музей на Амстердам около 50 години, но след 17-годишен спор с роднините на Малевич музеят я предава. Художникът рисува тази творба през същата година като Манифеста на супрематизма, така че Sotheby`s още преди търга обяви, че тя няма да отиде в частна колекция за по-малко от 60 милиона долара. Така и стана. По-добре е да го погледнете отгоре: фигурите на платното приличат на въздушен изглед на земята. Между другото, няколко години по-рано същите роднини експроприираха друга „супрематична композиция“ от музея MoMA, за да я продадат на Phillips за 17 милиона долара.

16

"Къпещи се"

Автор

Пол Гоген

Държава Франция
Години живот 1848–1903
стил постимпресионизъм

До седемгодишна възраст художникът живее в Перу, след което се завръща във Франция със семейството си, но спомените от детството постоянно го тласкат да пътува. Във Франция започва да рисува, приятелства с Ван Гог. Той дори прекара няколко месеца с него в Арл, докато Ван Гог не му отряза ухото по време на кавга.

93,4х60,4 см
1902 г
цена
55 милиона долара
продаден през 2005г
на търга Сотбис

През 1891 г. Гоген организира продажба на своите картини, за да използва приходите, за да отиде дълбоко в остров Таити. Там създава творби, в които се усеща тънката връзка между природата и човека. Гоген живееше в сламена колиба, а върху платната му цъфтеше тропически рай. Съпругата му беше 13-годишна таитянка Техура, което не попречи на художника да се занимава с промискуитет. След като се разболява от сифилис, той заминава за Франция. Там обаче на Гоген му беше тясно и той се върна в Таити. Този период се нарича "втори таитянски" - тогава е нарисувана картината "Къпещите се", една от най-луксозните в неговото творчество.

17

"Нарциси и покривка в синьо и розово"

Автор

Анри Матис

Държава Франция
Години живот 1869–1954
стил фовизъм

През 1889 г. Анри Матис получава пристъп на апендицит. Когато се възстанови от операцията, майка му му купи бои. Първо, от скука, Матис копира цветни пощенски картички, след това - произведения на велики художници, които вижда в Лувъра, а в началото на 20 век той измисля стил - фовизъм.

65,2х81 см
1911 г
цена
46,4 милиона долара
продаден през 2009г
на търга Кристи

Картината "Нарциси и покривка в синьо и розово" е принадлежала дълго време на Ив Сен Лоран. След смъртта на кутюрието цялата му колекция от произведения на изкуството преминава в ръцете на неговия приятел и любовник Пиер Бергер, който решава да я предложи на търг в Christie's. Перлата на продадената колекция беше картината "Нарциси и покривка в синьо и розово", рисувана върху обикновена покривка, вместо върху платно. Като пример за фовизъм, той е изпълнен с енергията на цвета, цветовете сякаш експлодират и крещят. От добре познатата поредица от картини на покривки, днес тази работа е единствената, която е в частна колекция.

18

"Спящо момиче"

Автор

РойЛий

Хтенщайн

Държава САЩ
Години живот 1923–1997
стил поп изкуство

Художникът е роден в Ню Йорк и след като завършва училище, заминава за Охайо, където посещава курсове по изкуство. През 1949 г. Лихтенщайн получава магистърска степен по изящни изкуства. Интересът към комиксите и способността да бъде ироничен го превърнаха в култов художник от миналия век.

91х91 см
1964 г
цена
44,882 милиона долара
продаден през 2012 г
на търга Сотбис

Веднъж в ръцете на Лихтенщайн попаднала дъвка. Той преначертава картината от вложката върху платното и става известен. Този сюжет от неговата биография съдържа цялото послание на поп изкуството: потреблението е новият бог, а в опаковката на дъвка има не по-малко красота, отколкото в Мона Лиза. Неговите картини напомнят комикси и анимационни филми: Лихтенщайн просто увеличава готовото изображение, рисува растери, използва ситопечат и копринен печат. Картината "Спящото момиче" е принадлежала на колекционерите Беатрис и Филип Герш почти 50 години, чиито наследници я продадоха на търг.

19

„Победа. Буги Вуги"

Автор

Пит Мондриан

Държава Холандия
Години живот 1872–1944
стил неопластизъм

Истинското си име - Корнелис - художникът променя на Мондриан, когато се премества в Париж през 1912 г. Заедно с художника Тео ван Дусбург основава неопластичното движение. Програмният език Piet е кръстен на Мондриан.

27х127 см
1944 г
цена
40 милиона долара
продаден през 1998г
на търга Сотбис

Най-„музикалният“ от художниците на 20-ти век се препитава с акварелни натюрморти, въпреки че се прочу като художник-неопластик. Той се премества в САЩ през 40-те години и прекарва остатъка от живота си там. Джаз и Ню Йорк – това го вдъхновява най-много! Картина „Победа. Boogie Woogie е най-добрият пример за това. "Брандирани" спретнати квадрати се получават чрез използването на тиксо - любимият материал на Мондриан. В Америка той беше наречен "най-известният имигрант". През шейсетте години Ив Сен Лоран произвежда световноизвестните рокли "Мондриан" с едро цветно каре.

20

"Композиция № 5"

Автор

босилекКандински

Държава Русия
Години живот 1866–1944
стил авангард

Художникът е роден в Москва, а баща му е от Сибир. След революцията той се опитва да сътрудничи на съветските власти, но скоро осъзнава, че законите на пролетариата не са създадени за него, и не без затруднения емигрира в Германия.

275х190 см
1911 г
цена
40 милиона долара
продаден през 2007г
на търга Сотбис

Кандински е един от първите, които напълно изоставят предметната живопис, за което получава титлата гений. По време на нацизма в Германия картините му са класифицирани като „изродено изкуство“ и не са излагани никъде. През 1939 г. Кандински приема френско гражданство, в Париж той свободно участва в художествения процес. Картините му „звучат“ като фуги, поради което много от тях се наричат ​​„композиции“ (първата е написана през 1910 г., последната през 1939 г.). „Композиция № 5“ е една от ключовите творби в този жанр: „Думата „композиция“ ми прозвуча като молитва“, каза художникът. За разлика от много последователи, той планира какво ще изобрази на огромно платно, сякаш пише бележки.

21

„Изследване на жена в синьо“

Автор

Фернан Леже

Държава Франция
Години живот 1881–1955
стил кубизъм-постимпресионизъм

Леже получава архитектурно образование, а след това е студент в Училището за изящни изкуства в Париж. Художникът се смята за последовател на Сезан, апологет на кубизма, а през 20 век има успех и като скулптор.

96,5х129,5 см
1912–1913 г
цена
39,2 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

Дейвид Норман, президент на Sotheby's International Impressionism and Modernism, смята, че огромната сума, платена за „Дамата в синьо“, е напълно оправдана. Картината принадлежи към известната колекция Леже (художникът е нарисувал три картини на един сюжет, последната от тях днес е в частни ръце. - Ред.), а повърхността на платното е запазена в оригиналния си вид. Самият автор даде тази работа на галерия Der Sturm, след това тя попадна в колекцията на Херман Ланг, немски колекционер на модернизма, и сега принадлежи на неизвестен купувач.

22

„Улична сцена. Берлин"

Автор

Ернст ЛудвигКирхнер

Държава Германия
Години живот 1880–1938
стил експресионизъм

За немския експресионизъм Кирхнер става забележителна личност. Местните власти обаче го обвиниха в привърженост към "изроденото изкуство", което трагично се отрази на съдбата на неговите картини и живота на художника, който се самоуби през 1938 г.

95х121 см
1913 г
цена
38,096 милиона долара
продаден през 2006 година
на търга Кристи

След като се премества в Берлин, Кирхнер създава 11 скици на улични сцени. Той беше вдъхновен от суматохата и нервността на големия град. В картината, продадена през 2006 г. в Ню Йорк, тревожността на художника е особено остра: хората на берлинска улица приличат на птици - грациозни и опасни. Тя беше последната творба от известната поредица, продадена на търг, останалите се съхраняват в музеи. През 1937 г. нацистите се отнасят брутално към Кирхнер: 639 негови творби са иззети от германски галерии, унищожени или продадени в чужбина. Художникът не можеше да преживее това.

23

„Почивамтанцьор"

Автор

Едгар Дега

Държава Франция
Години живот 1834–1917
стил импресионизъм

Историята на Дега като художник започва с факта, че той работи като копист в Лувъра. Мечтаеше да стане „известен и непознат“ и в крайна сметка успя. В края на живота си, глух и сляп, 80-годишният Дега продължава да посещава изложби и аукциони.

64х59 см
1879 г
цена
37,043 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

„Балерините винаги са били за мен само извинение да изобразявам тъкани и да улавям движение“, каза Дега. Сцените от живота на танцьорите изглеждат надникнати: момичетата не позират на художника, а просто стават част от атмосферата, уловена от погледа на Дега. Почиващата танцьорка е продадена за 28 милиона долара през 1999 г., а по-малко от 10 години по-късно е купена за 37 милиона долара - днес това е най-скъпата творба на художника, предлагана някога на търг. Дега обърна много внимание на рамките, сам ги проектира и забрани да ги променя. Чудя се каква рамка е монтирана на продадената картина?

24

"живопис"

Автор

Хуан Миро

Държава Испания
Години живот 1893–1983
стил абстрактно изкуство

По време на гражданската война в Испания художникът е на страната на републиканците. През 1937 г. той бяга от фашистката власт в Париж, където живее в бедност със семейството си. През този период Миро рисува картината "Помощ за Испания!", Привличайки вниманието на целия свят към господството на фашизма.

89х115 см
1927 г
цена
36,824 милиона долара
продаден през 2012 г
на търга Сотбис

Второто име на картината е "Синя звезда". Художникът го написа през същата година, когато обяви: „Искам да убия живописта“ и безмилостно се подигра с платната, драскайки боята с нокти, залепвайки пера върху платното, покривайки работата с боклук. Неговата цел беше да развенчае митовете за мистерията на живописта, но след като се справи с това, Миро създаде свой собствен мит - сюрреалистична абстракция. Неговата „Живопис” се отнася към цикъла „картини-сънища”. Четирима купувачи се бориха за нея на търга, но едно инкогнито телефонно обаждане реши спора и "Картина" стана най-скъпата картина на художника.

25

"Синя роза"

Автор

Ив Клайн

Държава Франция
Години живот 1928–1962
стил монохромно рисуване

Художникът е роден в семейство на художници, но изучава ориенталски езици, навигация, занаят на позлатител на рамки, дзен будизъм и много други. Неговата личност и нахални лудории бяха в пъти по-интересни от монохромните картини.

153x199x16 см
1960 г
цена
36,779 милиона долара
продаден през 2012г
на търг на Christie's

Първата изложба на плътни жълти, оранжеви, розови творби не предизвика обществен интерес. Клайн се обиди и следващия път представи 11 еднакви платна, рисувани с ултрамарин, смесен със специална синтетична смола. Той дори патентова този метод. Цветът влезе в историята като "International Klein Blue". Художникът също така продава празнотата, създава картини, като излага хартията на дъжд, подпалва картон, прави отпечатъци на човешко тяло върху платно. С една дума, експериментирах, доколкото можах. За да създам "Синята роза" използвах сухи пигменти, смоли, камъчета и естествена гъба.

26

„В търсене на Мойсей“

Автор

Сър Лорънс Алма-Тадема

Държава Великобритания
Години живот 1836–1912
стил неокласицизъм

Самият сър Лоурънс добавя префикса "алма" към фамилията си, за да се появи първи в арт каталозите. Във Викторианска Англия неговите картини бяха толкова търсени, че художникът беше удостоен с рицарско звание.

213,4х136,7 см
1902 г
цена
35,922 милиона долара
продаден през 2011
на търга Сотбис

Основната тема на творчеството на Алма-Тадема е античността. В картините той се опитва да изобрази епохата на Римската империя в най-малкия детайл, за това дори се занимава с археологически разкопки на Апенинския полуостров, а в къщата си в Лондон възпроизвежда историческия интериор от онези години. Друг източник на вдъхновение за него стават митологичните истории. Художникът беше много търсен приживе, но след смъртта му бързо беше забравен. Сега интересът се съживява, както се вижда от цената на картината "В търсене на Моисей", седем пъти по-висока от оценката преди продажбата.

27

"Портрет на спящ гол чиновник"

Автор

Лучиан Фройд

Държава Германия,
Великобритания
Години живот 1922–2011
стил фигуративна живопис

Художникът е внук на Зигмунд Фройд, бащата на психоанализата. След установяването на фашизма в Германия семейството му емигрира във Великобритания. Творбите на Фройд са в колекцията Уолъс в Лондон, където никой съвременен художник не е излагал досега.

219,1х151,4 см
1995 г
цена
33,6 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Кристи

Докато модните художници на 20-ти век създаваха положителни „цветни петна по стената“ и ги продаваха за милиони, Фройд рисува изключително натуралистични картини и ги продаваше за още повече. „Улавям виковете на душата и страданието на изсъхващата плът“, каза той. Критиците смятат, че всичко това е "наследството" на Зигмунд Фройд. Картините бяха толкова активно изложени и успешно продадени, че експертите имаха съмнение: имат ли хипнотични свойства? Продаденият на търг "Портрет на спящ гол чиновник", според Sun, е бил придобит от ценител на красотата и милиардер Роман Абрамович.

28

"Цигулка и китара"

Автор

хедно гри

Държава Испания
Години живот 1887–1927
стил кубизъм

Роден в Мадрид, където завършва училище за изкуства и занаяти. През 1906 г. се премества в Париж и влиза в кръга на най-влиятелните художници на епохата: Пикасо, Модилиани, Брак, Матис, Леже, работи и със Сергей Дягилев и неговата трупа.

5х100 см
1913 г
цена
28,642 милиона долара
продаден през 2010 година
на търга Кристи

Грис, по собствените му думи, се е занимавал с "равнинна, цветна архитектура". Неговите картини са прецизно обмислени: той не е оставил нито един случаен щрих, което прави творчеството свързано с геометрията. Художникът създава своя собствена версия на кубизма, въпреки че изпитва голямо уважение към Пабло Пикасо, основателят на движението. Наследникът дори му посвети първата си кубистична творба, Tribute to Picasso. Картината "Цигулка и китара" е призната за изключителна в творчеството на художника. През живота си Грис е известен, предпочитан от критици и историци на изкуството. Негови творби са изложени в най-големите световни музеи и се съхраняват в частни колекции.

29

"ПортретПолетата на Елюар»

Автор

Салвадор Дали

Държава Испания
Години живот 1904–1989
стил сюрреализъм

„Сюрреализмът съм аз“, каза Дали, когато беше изключен от групата на сюрреалистите. С течение на времето той става най-известният художник сюрреалист. Творбите на Дали са навсякъде, не само в галериите. Например, той измисли опаковката за Chupa-Chups.

25х33 см
1929 г
цена
20,6 милиона долара
продаден през 2011
на търга Сотбис

През 1929 г. поетът Пол Елюар и неговата руска съпруга Гала идват на гости на големия провокатор и кавгаджия Дали. Срещата е началото на една любовна история, продължила повече от половин век. Картината "Портрет на Пол Елюар" е нарисувана точно по време на това историческо посещение. „Почувствах, че ми е поверено задължението да уловя лицето на поета, от чийто Олимп откраднах една от музите“, каза художникът. Преди да срещне Гала, той беше девствен и се отвращаваше от мисълта, че ще прави секс с жена. Любовният триъгълник съществува до смъртта на Елюар, след което се превръща в дует Дали-Гала.

30

"Годишнина"

Автор

Марк Шагал

Държава Русия, Франция
Години живот 1887–1985
стил авангард

Мойше Сегал е роден във Витебск, но през 1910 г. емигрира в Париж, сменя името си и се сближава с водещите авангардни художници на епохата. През 30-те години на миналия век, когато нацистите завземат властта, той заминава за Съединените щати с помощта на американски консул. Завръща се във Франция едва през 1948 г.

80х103 см
1923 г
цена
14,85 милиона долара
продаден през 1990г
на търг на Sotheby's

Картината "Юбилей" е призната за една от най-добрите творби на художника. Има всички характеристики на неговото творчество: физическите закони на света са заличени, усещането за приказка е запазено в пейзажа на дребнобуржоазния живот, а любовта е в центъра на сюжета. Шагал не рисува хора от природата, а само по памет или фантазия. Картината "Юбилей" изобразява самия художник със съпругата си Бела. Картината е продадена през 1990 г. и оттогава не е наддавана. Интересното е, че Нюйоркският музей за модерно изкуство MoMA пази точно същото, само че под името „Рожден ден“. Между другото, тя е написана по-рано - през 1915 г.

изготвен проект
Татяна Паласова
съставен рейтинг
според списъка www.art-spb.ru
tmn списание №13 (май-юни 2013 г.)

Културата на съветския и постсъветския период е ярка мащабна намотка на руското наследство. Събитията от 1917 г. се превърнаха в отправна точка в развитието на нов начин на живот, формирането на нов начин на мислене. Настроението на обществото в края на XIX - началото на XX век. доведе до Октомврийската революция, повратна точка в историята на страната. Сега тя чакаше ново бъдеще със собствени идеали и цели. Изкуството, което в известен смисъл е огледало на епохата, се превърна и в инструмент за прилагане на практика принципите на новия режим. За разлика от другите видове художествено творчество, живописта, която формира и оформя мисълта на човека, прониква в съзнанието на хората по най-точен и пряк начин. От друга страна, изобразителното изкуство най-малко е подчинено на пропагандната функция и отразява опита на хората, техните мечти и най-вече духа на времето.

Руски авангард

Новото изкуство не избягва напълно старите традиции. Живописта в първите следреволюционни години абсорбира влиянието на футуристите и авангарда като цяло. Авангардът, с неговото презрение към традициите на миналото, толкова близо до разрушителните идеи на революцията, намери привърженици в лицето на младите художници. Успоредно с тези тенденции в изобразителното изкуство се развиват реалистични тенденции, които са оживени от критичния реализъм на 19 век. Тази двуполюсност, назряваща по времето на смяната на епохите, прави живота на художника от онова време особено напрегнат. Двата пътя, които се появиха в следреволюционната живопис, въпреки че бяха противоположни, все пак можем да наблюдаваме влиянието на авангарда върху работата на реалистичните художници. Самият реализъм в онези години беше разнообразен. Произведенията в този стил имат символичен, агитационен и дори романтичен вид. Абсолютно точно предава в символична форма грандиозна промяна в живота на страната, работата на Б.М. Кустодиев - "Болшевик" и, изпълнена с патетичен трагизъм и неудържимо ликуване, "Нова планета" от К.Ф. Юон.

Картина от P.N. Филонов, със своя особен творчески метод - "аналитичен реализъм" - е сливане на две контрастни художествени течения, което можем да видим в примера на цикъл с пропагандно заглавие и смисъл "Навлизане в разцвета на света".

П.Н. Кораби Филонов от цикъла Навлизане в световния разцвет. 1919 GTG

Безспорната същност на общочовешките ценности, непоклатими дори в такива смутни времена, се изразява в образа на красивата „Петроградска Мадона“ (официално име „1918 г. в Петроград“) от К.С. Петров-Водкин.

Положителното отношение към революционните събития заразява ярката и слънчева, ефирна работа на пейзажиста А.А. Рилов. Пейзажът „Залез“, в който художникът изразява предчувствието за огъня на революцията, който ще пламне от нарастващия пламък на пожара на Страшния съд през изминалата епоха, е един от вдъхновяващите символи на това време.

Заедно със символните образи, които организират издигането на националния дух и носят като обсесия, е налице и направление в реалистичната живопис с жажда за конкретно пренасяне на реалността.
И до ден днешен творбите от този период пазят искра на бунтарство, която може да заяви себе си във всеки един от нас. Много произведения, които не притежават такива качества или противоречат на тях, бяха унищожени или забравени и никога няма да бъдат представени пред очите ни.
Авангардът завинаги оставя своя отпечатък върху реалистичната живопис, но започва период на интензивно развитие на посоката на реализма.

Времето на артистичните асоциации

20-те години на миналия век са времето на създаване на нов свят върху руините, оставени от Гражданската война. За изкуството това е период, в който различни творчески сдружения разгърнаха своята дейност с пълна сила. Техните принципи са частично оформени от ранните художествени групи. Асоциацията на художниците на революцията (1922 - AHRR, 1928 - AHRR), лично изпълнява заповедите на държавата. Под лозунга на "героичния реализъм" художниците, които бяха част от него, документираха в своите творби живота и живота на човек - плод на въображението на революцията, в различни жанрове на живописта. Основните представители на AHRR бяха I.I. Бродски, който абсорбира реалистичните влияния на I.E. Репин, който работи в историко-революционния жанр и създаде цяла поредица от произведения, изобразяващи В.И. Ленин, Е.М. Чепцов е майстор на битовия жанр, М.Б. Греков, който рисува батални сцени в доста импресионистичен луд вид. Всички тези майстори бяха основателите на жанровете, в които изпълняваха повечето от своите произведения. Сред тях се откроява платното "Ленин в Смолни", в което И.И. Бродски в най-директната и искрена форма предаде образа на лидера.

В картината "Среща на членска клетка" E.I. Чепцов много достоверно, без изкуственост изобразява събитията, случили се в живота на хората.

Великолепен радостен, шумен образ, изпълнен с бурно движение и празненство на победата, създава М.Б. Греков в композицията "Тръбачите на Първа конна армия".

Идеята за нов човек, нов образ на човек се изразява от тенденциите, възникващи в портретния жанр, най-ярките майстори на които са С.В. Малютин и Г.Г. Ряжски. В портрета на писателя-борец Дмитрий Фурманов, С.В. Малютин показва човек от стария свят, който успя да се впише в новия свят. Заявява се нова тенденция, възникнала в работата на Н.А. Касаткина и развита в най-висока степен в женските образи на Г.Г. Ряжски - "Делегат", "Председателка", в който се заличава личностното начало и се утвърждава типът човек, създаден от новия свят.
Абсолютно точно впечатление за развитието на пейзажния жанр се формира при вида на работата на напредналия пейзажист B.N. Яковлева – „Транспортът става все по-добър“.

Б.Н. Yakovlev Transport става все по-добър. 1923 г

Този жанр изобразява обновяване на страната, нормализиране на всички сфери на живота. През тези години на преден план излиза индустриалният пейзаж, чиито образи стават символи на съзиданието.
Дружеството на стативите (1925) е следващото художествено сдружение в този период. Тук художникът се стреми да предаде духа на модерността, вида на нов човек, прибягвайки до по-отдалечено предаване на образи поради минималния брой изразителни средства. В произведенията на "Остовцев" често се демонстрира темата за спорта. Тяхната живопис е изпълнена с динамика и експресия, което може да се види в творбите на А.А. Дейнека "Отбраната на Петроград", Ю.П. Пименов "Футбол" и др.

Членовете на друго известно сдружение - "Четирите изкуства" - избраха за основа на своето художествено творчество изразителността на образа, дължаща се на лаконичната и конструктивна форма, както и особеното отношение към цветовото му богатство. Най-запомнящият се представител на сдружението е К.С. Петров-Водкин и една от най-забележителните му творби от този период - "Смъртта на комисара", която чрез специален живописен език разкрива дълбок символичен образ, символ на борбата за по-добър живот.

От състава на "Четирите изкуства" П.В. Кузнецов, произведения, посветени на Изтока.
Последното голямо художествено сдружение от този период е Дружеството на московските художници (1928 г.), което се отличава от останалите по начина на енергично моделиране на обеми, внимание към chiaroscuro и пластична изразителност на формата. Почти всички представители бяха членове на "Tambourine Volt" - привърженици на футуризма - което силно повлия на тяхната работа. Произведенията на П.П. Кончаловски, който работи в различни жанрове. Например портрети на съпругата му О.В. Кончаловская предава спецификата не само на авторската ръка, но и на живописта на цялата асоциация.

На 23 април 1932 г. всички художествени сдружения са разпуснати с Указ "За преустройството на литературно-художествените организации" и е създаден Съюзът на художниците на СССР. Творчеството е попаднало в зловещите окови на закостенялата идеологизация. Беше нарушена свободата на изразяване на художника, основата на творческия процес. Въпреки този срив художниците, обединени преди това в общности, продължават дейността си, но нови фигури заемат водеща роля в изобразителната среда.
B.V. Ioganson е повлиян от I.E. Репин и В.И. Суриков, неговите платна показват композиционно търсене и интересни възможности в цветовата схема, но картините на автора са белязани от прекомерно сатирично отношение, неуместно в такъв натуралистичен начин, което можем да наблюдаваме в примера на картината „На Стария Урал Растение".

А.А. Дейнека не остава встрани от "официалната" линия на изкуството. Той все още е верен на артистичните си принципи. Сега той продължава да работи в жанрови теми, освен това рисува портрети и пейзажи. Картината "Бъдещи пилоти" добре показва неговата живопис през този период: романтична, лека.

Художникът създава голям брой произведения на спортна тема. От този период са останали неговите акварели, писани след 1935 г.

Живопис от 30-те години представлява измислен свят, илюзията за светъл и празничен живот. За художника беше най-лесно да остане искрен в жанра на пейзажа. Развива се жанрът на натюрморта.
Портретът също е обект на интензивно развитие. П.П. Кончаловски пише поредица от културни дейци ("В. Софроницки на пиано"). Произведенията на М.В. Нестеров, който пое влиянието на V.A. Серов, показват човек като творец, същността на чийто живот е творческо търсене. Така виждаме портретите на скулптора И.Д. Шадр и хирургът С.С. Юдин.

П.Д. Корин продължава портретната традиция на предишния художник, но неговият живописен стил се състои в предаване на твърдостта на формата, по-остър, по-изразителен силует и суров колорит. Като цяло темата за творческата интелигенция е от голямо значение в портрета.

Художник на война

С настъпването на Великата отечествена война художниците започват да участват активно във военните действия. Поради прякото единство със събитията в ранните години се появяват произведения, чиято същност е фиксиране на случващото се, "живописна скица". Често такива картини нямаха дълбочина, но предаването им изразяваше напълно искреното отношение на художника, върхът на морален патос. Жанрът на портрета достига относителен разцвет. Творците, виждайки и преживявайки разрушителното влияние на войната, се възхищават от нейните герои - хора от народа, упорити и благородни по дух, проявили най-високи хуманистични качества. Подобни тенденции доведоха до церемониални портрети: „Портрет на маршал Г.К. Жуков“ от П.Д. Корина, весели лица от П.П. Кончаловски. От голямо значение са портретите на интелигенцията М.С. Сарян, създаден през годините на войната – това е образът на академик „И.А. Орбели”, писател „М.С. Шахинян“ и др.

От 1940 до 1945 г. се развиват и пейзажно-битовият жанр, който А.А. Пластов. „Фашистът излетя“ предава трагедията на живота от този период.

Психологизмът на пейзажа тук още повече изпълва творбата с тъга и тишина на човешката душа, само воят на предан приятел прорязва вятъра на объркването. В крайна сметка значението на пейзажа се преосмисля и започва да въплъщава суровия образ на военното време.
Наративните картини се открояват отделно, например "Майката на партизана" от С.В. Герасимов, който се характеризира с отказ от прославяне на образа.

Историческата живопис своевременно създава образи на национални герои от миналото. Един от тези непоклатими и вдъхновяващи образи е "Александър Невски" от П.Д. Корин, олицетворяващ непокорения горд дух на народа. В този жанр до края на войната се очертава тенденция на симулативна драматургия.

Темата за войната в живописта

В живописта от следвоенния период, сер. 1940 - кон. През 50-те години водеща позиция в живописта заема темата за войната, като морално и физическо изпитание, от което съветският народ излиза победител. Развиват се историко-революционни, исторически жанрове. Основната тема на ежедневния жанр е мирният труд, мечтан от много военни години. Платната от този жанр са пропити с веселие и щастие. Художественият език на битовия жанр става повествователен и гравитира към жизненост. През последните години от този период ландшафтът също претърпява промени. В него се възражда животът на региона, отново се укрепва връзката между човека и природата, създава се атмосфера на спокойствие. Любовта към природата се възпява и в натюрморта. Интересно развитие е портретът в творчеството на различни художници, който се характеризира с пренасяне на индивида. Едно от най-забележителните произведения на този период са: "Писмо от фронта" на A.I. Лактионов, произведение, подобно на прозорец към сияен свят;

композицията "Почивка след битката", в която Ю.М. Непринцев постига същата жизненост на образа като A.I. Лактионов;

работа на А.А. Милникова „На мирни полета“, радостно се радва на края на войната и обединението на човека и труда;

оригинално пейзажно изображение на G.G. Ниски - "Над снеговете" и др.

Суровият стил да замени социалистическия реализъм

Изкуство 1960-1980 г е нов етап. Развива се нов "суров стил", чиято задача беше да пресъздаде действителността без всичко, което лишава произведението от дълбочина и изразителност и влияе пагубно на творческите прояви. Характеризира се със сбитост и обобщеност на художествения образ. Художниците от този стил прославиха героичното начало на суровите работни дни, което беше създадено от специална емоционална структура на картината. „Суровият стил” беше категорична стъпка към демократизацията на обществото. Портретът става основният жанр, за който работят привържениците на стила; развиват се групов портрет, битов жанр, исторически и историко-революционен жанр. В.Е. Попков, който рисува много автопортрети-картини, V.I. Иванов е привърженик на групов портрет, Г.М. Коржев, който създава исторически платна. Разкриването на същността на "суровия стил" може да се види в картината "Геолози" на П.Ф. Никонов, "Полярни изследователи" A.A. и П.А. Смолинс, „Палтото на бащата“ от V.E. Попков. В жанра на пейзажа има интерес към северната природа.

Символика на епохата на стагнация

През 1970-1980-те години. се формира ново поколение художници, чието изкуство е повлияло в известна степен на съвременното изкуство. Характеризират се със символичен език, театрална забавност. Тяхната живопис е доста артистична и виртуозна. Основните представители на това поколение са Т.Г. Назаренко ("Пугачов"),

чиято любима тема беше празник и маскарад, А.Г. Ситников, който използва метафората и притчата като форма на пластичен език, Н.И. Нестерова, създател на двусмислени картини ("Тайната вечеря"), И.Л. Лубенников, Н.Н. Смирнов.

Тайната вечеря. Н.И. Нестеров. 1989 г

Така това време се явява в своята стилова пъстрота и пъстрота като крайна, формираща брънка на днешното изобразително изкуство.

Нашата епоха откри огромно богатство от живописното наследство на предишните поколения. Съвременният художник не е ограничен от почти никаква рамка, която е определяща, а понякога и враждебна към развитието на изобразителното изкуство. Някои от съвременните художници се опитват да се придържат към принципите на съветската реалистична школа, някой се озовава в други стилове и направления. Тенденциите на концептуалното изкуство, които се възприемат двусмислено от обществото, са много популярни. Широтата на художествено-изразните средства и идеали, които ни даде миналото, трябва да се преосмисли и да послужи като основа за нови творчески пътища и създаване на нов образ.

Нашите работилници по история на изкуството

Нашата галерия за модерно изкуство не само предлага голям избор от съветско и постсъветско изкуство, но също така провежда редовни лекции и майсторски класове по история на съвременното изкуство.

Можете да се запишете за майсторски клас, да оставите желания за майсторския клас, който искате да посетите, като попълните формата по-долу. Със сигурност ще прочетем интересна лекция за вас по избрана от вас тема.

Очакваме ви в нашия ЛЕКТОРИУМ!

Художници от 30-те години

Художници Дейнека, Пименов, Уилямс, С. Герасимов, Куприн, Кончаловски, Лентулов, Машков, Улянов, Мухина, Кузнецов, Сарьян

За първи път срещнах Дейнека в Ленинград. Той пристигна, когато изложбата вече беше окачена, в последните дни преди откриването, свали всичките си творби от стената и ги окачи по свой начин, като ги намали много: бяха донесени някои несполучливи негови неща и той премахна ги. В края на краищата имаше „Отбраната на Петроград“, „Спящото момче с метличина“, цял набор от първокласни парчета. Тогава Дейнека ми направи странно и доста негативно впечатление. Беше рязък, малко груб. Повечето хора го възприемаха така - като някакъв спортист, футболист или боксьор. Но аз, за ​​щастие, доста бързо разбрах истинския му характер. Той не съдържаше нищо подобно в себе си, това беше маниер на поведение с външни, с непознати. С него се сближих още в средата на 30-те години, когато започнах работа в Детиздат, за това ще говорим по-късно. И колкото повече време минаваше, толкова по-близък ставаше той с мен. Последната ни задочна среща, два дни преди смъртта му, беше размяна на най-нежни думи по телефона и от двете страни.

Срещнах друг член на OST, Юрий Иванович Пименов, не в Ленинград. В Ленинград имаше много малко негови творби и аз го видях за първи път още в Москва, когато заместник-директорът на Руския музей Добичина дойде да плати на художниците за произведенията, закупени от тях в Ленинград. Всички те бяха събрани на Волхонка, в една от онези малки къщи, които се намират между улица Фрунзе и музея. Всички художници седяха в коридора и си говореха и бяха поканени на свой ред в някоя стая. И там за първи път видях и запомних Пименов. Той показа как трима художници правят пейзажи за продажба: единият поставя много еднакви платна и ги запълва със синя боя, изобразяваща морето, вторият минава и рисува няколко лодки с черна боя, а последният отплава с един щрих бяло бяло. Той го изобрази необичайно темпераментно и много изразително.

Бързо установихме отношения с него, но не на музейна основа, защото той не се занимаваше с графика – нито гравюра, нито рисунка, не много, беше си чист живописец. Още през 1932 г. ние развихме най-нежно приятелство. През този период, между 1930 и 1932 г., той страда от много тежко мозъчно заболяване, свързано или с мозъчно сътресение, или дори с някакво психическо заболяване, и когато най-накрая се отърва от него, тя напълно промени целия му характер. До такава степен, че той унищожи повечето от ранните си творби, твърде утежнени, експресивни, схематични, дори разменени в музеите за това, което успяха да купят от него. И той стана съвсем друг, какъвто остана до края на живота си: лъчезарен, светъл, слънчев, пълен с някаква най-голяма алчност за истински живот. С всяка година приятелството ни се задълбочаваше все повече и накрая от мои връстници той стана толкова близък до мен, колкото Шмаринов. Всъщност трябва да ги посоча преди всичко сред най-близките си приятели от моето поколение. Бях година и половина по-млад от Пименов и година и половина по-голям от Шмаринов.

Също така станах приятел с Уилямс в началото на 30-те години. Тогава той беше художник и то много силен, добър художник. Той имаше страхотни творби: портрет на Майерхолд, портрет на режисьора Барнет, голяма картина „Моряци от Аврора“, която беше изпратена на някаква изложба във Венеция и там представена на комунистическата организация там. Там тя остана. Но имам копие от него. Това е много хубаво нещо, помня го много добре. Но след това, вече в средата на 30-те години, той се интересува от театъра, има изключителен успех, прави например дизайна на клуб "Пиквик" в Московския художествен театър с необичайно странни декори, в които са въведени човешки фигури. И тогава той стана най-модерният артист на Болшой театър и дори започна облекло, подходящо за успешна театрална фигура: някакво необичайно кожено палто почти до земята с козина от яката до самото дъно, кожена шапка като воденичен камък върху главата му, която беше обект на най-големи подигравки с мен и Пименов в особеностите. Той само се усмихна смутено. Изобщо той напълно навлезе в театралната среда, в театралния живот.

Имам един много мил спомен от Уилямс. В средата на 30-те години с Наташа отидохме в Кавказ до Тегенекли - място над река Баксан в подножието на Елбрус. Там имаше къща за почивка, нечия собственост, не знам, но предназначена за творческата интелигенция. Във всеки случай трябваше да се вземат ваучери от Художествения фонд на Московския съюз и когато отидох там, ми казаха, че Уилямс току-що е бил там и също ще отиде там със съпругата си.

В Тегенекли имаше много познати. Там беше нашият близък приятел с Наташа - учен-географ Лазар Шоломович Гордонов, с когото всъщност се разбрахме да отидем там. Там беше режисьорът Александров със съпругата си Любов Орлова. Имаше един поет Николай Тихонов. Имаше отегчен преводач - предполагаше се, че ще има чужденци, но не бяха и тя се луташе унила, без да прави нищо. Една вечер тя се оживи: англичанинът г-н Уилямс трябва най-накрая да пристигне! Тя напудри, боядиса устните си, като цяло, подготвена. Но когато се появи този господин Уилямс, се оказа, че това е моят приятел Питър Владимирович Уилямс, който изобщо не знае нито една дума на английски. Баща му наистина беше от английски произход, според мен, някакъв виден земеделски учен, но самият той нямаше нищо общо с Англия, така че преводачът беше разочарован.

Спомням си как веднъж отидохме на Елбрус, не до самия връх, разбира се, а до хоризонта, някъде по средата, вече над облаците - платформа и малък хотел. Изкачихме се през облака по стръмна пътека и след като излязохме от този облак, се появихме там напълно мокри. Дамите отидоха в хотела да се преоблекат, да се подредят, а аз и Уилямс се помотахме из обекта. И изведнъж някой извика: "Елбрус се отваря!" Беше изцяло покрит с облаци и изведнъж облаците се разкъсаха и на фона на напълно зелено небе се появи снежнобял конус на върха на Елбрус. Уилямс се втурна в къщата за хартия и молив - не взе нищо друго със себе си - и застана под дъжда, който по това време се изливаше отгоре, скицирайки всички контури, записвайки какви цветове. Спомням си го с прилепнала към челото коса, как конвулсивно рисуваше и записваше точно тези цветове. Но, за съжаление, нищо не излезе: когато в Москва той ми показа изследване, направено по тази скица, всичко се оказа съвсем различно. Да, и той го знаеше много добре. Спомням си, че нашите дами се изкачиха да се любуват на Елбрус напълно полуоблечени. „Феноменът Елбрус“ беше мимолетно зрелище, даваха ни само две-три минути за всичко.

Уилямс беше прост, мил, добър човек, малко забавен с модните си театрални страсти.

Имах добри отношения и с други членове на OST – и с Лабас, и с Шифрин, но те не бяха толкова близки. Шифрин беше обаятелен човек, много добър театрал, блестящ театрален майстор. Лабас винаги е бил малко луда и зле организирана фигура. Но който, разбира се, беше абсолютно прекрасен човек и прекрасен художник, това е Тишлер. Но познанството и приятелството с него принадлежат към най-новите времена, вече след войната. По някакъв начин се оказа, че той не е представен в Ленинград и тогава не трябваше да се срещам с него. Преди войната го познавах, но от разстояние. Едва след войната се създава много нежно приятелство, което само се задълбочава и подобрява. Той е едно от най-очарователните същества, които съм срещал в живота си.

След OST, разбира се, ако говорим за артистични групи от 20-те години на миналия век, трябва да назова две, които ми донесоха много близки приятели. На първо място, това са „4 изкуства“, които включват и Фаворски, и Улянов, и Павел Кузнецов, и Сарян, и редица най-близки до мен хора. И второто - Дружеството на московските художници - "ОМХ", което ми създаде едно от най-скъпите приятелства - със Сергей Василиевич Герасимов, както и с Родионов, с Осмеркин и др.

За първи път се срещнах със Сергей Василиевич в Ленинград, той беше един от организаторите на изложбата, беше сред бригадирите и окачи негови картини и тези на близки до него художници. Въпреки че той преподаваше рисуване във ВХУТЕИН, аз се запознах с неговите графики много по-късно и не се наложи да ги купувам за музея. Но в Ленинград трябваше да се срещаме всеки ден, да се срещаме на обща работа и най-важното, отидохме да вечеряме заедно в компания: той, аз, Купреянов и Истомин. Случваше се толкова често, че много бързо разпознах характера му, остроумието му, шегите и подигравките, които бяха само защита срещу непознати. Още тогава оцених невероятния му характер и прекрасното му изкуство. Въпреки че беше още много рано в неговия период, работата беше едва през 20-те, самото начало на 30-те години, те вече бяха много добри. И след това това познанство постепенно се превърна във все по-голяма интимност и в следвоенния период, разбира се, той беше един от най-близките ми хора. И трябва да кажа с голямо удоволствие, че очевидно аз бях един от най-близките му хора, ползвах пълното му пълномощно, изпълнявах всичките му инструкции, особено когато той стана ръководител на Съюза на артистите на СССР. Всъщност и преди това той е възприеман като такъв, признат от всички, макар и абсолютно неофициален глава на съветското изкуство. Но когато през 1957 г. се проведе Първият всесъюзен конгрес на художниците, беше съвсем естествено Сергей Василиевич да застане начело на Съюза.

Може би моето познанство с Осмеркин, един от основните участници в Джак каро, който до 30-те години на миналия век се превърна в много прост лиричен пейзажист, фин и нежен, беше отбелязано и от моите по-външни, но много приятелски отношения. А самият той беше фин човек, привлекателен, фин. Но го срещах по-рядко и това все още беше периферно приятелство, а не основно, коренно.

Говорейки за бившите членове на групата Jack of Diamonds, трябва да споменем още един нежен, сладък и привлекателен човек - Александър Василиевич Куприн. Куприн беше нисък, с малка брада, много мълчалив и срамежлив човек, много скромно облечен, без никакви външни ефекти, зает с някакви свои мисли и творчество. Осмеркин и Куприн са може би двамата най-фини художници в цялата тази група.

С Куприн, както и с Осмеркин, имах най-приятелски и, може да се каже, искрени отношения. Не като с Кончаловски, когото дълбоко уважавах, който ме облагодетелстваше, но все пак имаше голяма дистанция между нас.

Отношенията ми с Пьотър Петрович Кончаловски бяха много приятелски, писах за него и той хареса начина, по който пиша. Но близостта не можеше да бъде специална, той беше много различен. На първо място, той беше джентълмен, малко търговец, който живееше на широк ръб, необичайно темпераментен, с огромна артистична "икономия". Веднъж, когато бях в неговото студио, той каза: „Вече имам хиляда и осемстотин номера“. Това се отнася само за неговите картини; дори не броеше акварелите и рисунките. Във всеки случай отношенията ни бяха приятелски, които след това силно охладняха благодарение на благоволението на дъщеря му и зет му - Наталия Петровна Кончаловская, поетеса, и съпруга й Михалков. Но Пьотър Петрович нямаше нищо общо с това, както нямаше нищо общо с господарския снобизъм на дома си до известна степен - той беше имплантиран от съпругата си, дама с труден характер, която, тъй като беше дъщеря на Суриков, разбираше много за себе си и изключително пазеше достойнството на Кончаловски. Когато написах статия по негова молба за последната му приживе изложба през 1956 г., тази статия се оказа неудобна. Дадох го на Пьотър Петрович да го прочете. Той горещо я одобряваше, много я харесваше. И тогава Николай Георгиевич Машковцев, стар историк на изкуството и музеен работник, работил по това време в Художествената академия и беше член-кореспондент на същата тази академия, дойде при мен със смутен вид, че Олга Василиевна е наложила вето на статията ми, т.к. Критикувам Кончаловски за някои неща. Пьотър Петрович не обърна внимание на това, а жена му не позволи тази критика да бъде отпечатана. Казах, че вземам статията обратно, няма да я дам в каталога, по някакъв начин ще я отпечатам в некоригирана форма. Когато след това се срещнах с Пьотър Петрович, той поклати глава, съжаляваше, че всичко се е случило толкова зле. Но аз го успокоих, утеших, казах, че вече съм го дал на списание „Изкуство” и ще бъде отпечатан във вида, в който съм го написал. Но той почина по време на тази изложба, така че не видя статията ми отпечатана. И се оказа толкова успешна, че по-късно беше препечатана без мое знание, по-специално в огромния том „Художественото наследство на Кончаловски“ и дори поставена, без да ме питате, като уводна статия. Тя очевидно изпълни целта си. Но все пак тези отношения не бяха близки, макар и добри, приятелски.

Фаворски ми разказа забавен епизод, свързан с работата му по дизайна на стихотворението на дъщерята на Пьотър Петрович, Наталия Петровна Кончаловская, „Нашата древна столица“. Той трябваше да отиде в къщата на Кончаловски за доста дълго време: „Нашата древна столица“ се състоеше от цели три книги, трябваше да направи много илюстрации. Наталия Петровна в стиховете си често просто го споменава: художникът ще ви покаже останалото.

Докато работеха с Наталия Петровна, Пьотър Петрович влезе в стаята, погледна разстланите листове и каза: „Никога не съм предполагал, че от моята глупава Наташка ще излезе нещо полезно“.

Оттогава тя остана в нашата къща като „глупак - Наташа“. Това име се е вкоренило здраво и безнадеждно. Що се отнася до Михалков, за него ще говорим на свой ред, когато стане дума за Детиздата, където той се появява за първи път и където пред очите ми израства и се развива като успешен официален поет от времената на култа към личността.

Други "валета каро" бяха от много различно естество. Лентулов беше отдалечен човек; така че човек може да си представи как лети в безразсъдно такси по идеален весел начин, за да дивее до сутринта в някакъв вид "Яр". Може би беше показно, но той се държеше така - душата му беше широко отворена, широка природа. По същество той беше много сериозен и истински майстор, въпреки че започна, както можеше да се види на изложбата Москва-Париж, с много жестоки неща, където кубизмът е наполовина и с футуризма и с наследството на руската живопис от 19 век. И всичко това в изключително насилствена форма върху огромни платна. Всъщност, с всичко това, той беше много фин художник. Лентулов беше много приятелски настроен с Пименов и всъщност моите отношения с него се развиха главно чрез Пименов. Беше приятен, добър човек.

С Машков не бях в добри отношения. Беше много талантлив. Но още при първата среща с него започнах да се чудя как може Господ Бог да вложи талант в такава тояга, в такъв безнадеждно глупав човек. Това беше изключително очевидно, когато се опита да нарисува човешки фигури. Влезе в Художествената академия и нарисува едни пионери с вратовръзки по Черноморието - това беше нещо напълно невъзможно, лигава пошлост, от най-вулгарния и глупав вид. И натюрморти, въпреки това, той пише отлично през целия си живот. Не можех да се доближа до него. И когато в една от статиите си смъмрих неговия церемониален „Портрет на партизани“, където партизани с деколте, с пушки, с бандолиери и картечни ремъци бяха изобразени около великолепен, огромен, луксозно изрисуван фикус, сякаш в популярен отпечатък на провинциален фотограф - сякаш забиха лицата си в дупките на готовия фон - Машков, разбира се, беше напълно обиден от мен и връзката ни напълно спря.

Нямах връзка с друг бивш Джак Каро, Фалк. Но за него ще разкажа по-късно, когато стане дума за военните години – едва тогава го срещнах, в евакуация, в Самарканд. Беше много неприятна среща и аз имам много хладно отношение към него - и към изкуството му, и в частност към собствената му личност. Много самодоволна, много арогантна, наперена и изключително неприветлива към хората личност.

Колкото до 4 Arts Society, там намерих добри приятели. Това е не само Фаворски, но след него и Улянов. За първи път срещнах Николай Павлович Улянов, когато организирах изложба на графика вече в Москва. Там беше негов щанд, където бяха подбрани много хубави негови рисунки, предимно портрети. Спомням си, че имаше портрет на Машковцев, портрет на Ефрос. Оттогава започнахме да установяваме все по-близки отношения, които в крайна сметка се превърнаха в едно много важно приятелство за мен. Постоянно ходех при него, той ми пишеше писма, въпреки че и двамата живеехме в Москва. А в Самарканд, където и двамата бяхме евакуирани, го виждах почти всеки ден. В началото на войната той е изпратен в Налчик, след това в Тбилиси, заедно с цяла група изтъкнати писатели, художници, художници. (Заедно, между другото, с Александър Борисович Голденвайзер.) През есента на 1942 г. всички те са транспортирани до Централна Азия, но повечето отидоха в Ташкент, докато той остана в Самарканд.

Всеки ден, когато идвах в Регистан, където се намираше Московският художествен институт, отивах да го утешавам, защото животът му в Самарканд беше много труден. Дадоха му напълно грозна, неудобна, порутена худжра в двора на Шир-Дор, без никакви мебели. И докара умиращата си жена от Кавказ, която вече лежеше неподвижно. Тя почина там, в Самарканд.

Николай Павлович Улянов, а след смъртта му втората му съпруга Вера Евгениевна подари на баща ми много първокласни произведения на Уляновск: портрет на Вячеслав Иванов, акварел „Дидро при Екатерина“, една от най-добрите му рисунки на Пушкин, скици на костюми за "Молиер" и редица други. Пазим и една рядка творба - пейзаж на първата му съпруга, художничката Глаголева, починала в Самарканд. Цяла история е свързана с едно голямо нещо на Улянов „Моделът и конят на Силена“. Младият Улянов написа това нещо, когато беше асистент на Серов в Училището по живопис, скулптура и архитектура - това беше образователна "постановка", която Серов предложи на своите ученици. Връщайки се от евакуацията в Москва, Улянов открива, че съседите са използвали това платно, свалено от носилката, като ги подреждат с кошница за съхранение на картофи. Картината представляваше черна напукана буца, върху която почти нищо не се различаваше. Улянов го даде на баща си, казвайки тъжно: ако можете да го запазите, запазете го за себе си. Баща даде платното на прекрасния реставратор GM II Степан Чураков и той спаси работата! Дублирах го на ново платно, почистих го - почти няма следи от реставрация, а "Моделът и конят на Силена", блестящ с цялата си наистина "серовска" живописност, виси над дивана на баща му в неговата офис от половин век.

Други близки хора, като Вера Игнатиевна Мухина, прекрасен скулптор и прекрасен човек, с необикновена сила, мощ и енергия, абсолютна независимост, с необичайно голям душевен мир и голям духовен размах, произхождат от същата група „ 4 изкуства”. Това доведе както до грандиозна монументална пластичност, така и до лирични неща - известната група, направена за изложба в Париж през 1937 г., беше придружена от произведения като "Хляб", една от най-поетичните и деликатни скулптури, съществуващи в съветското изкуство. Тя беше и отличен портретист.

От същото общество, всъщност, дойде Сара Дмитриевна Лебедева, някога съпруга на Владимир Василиевич Лебедев, един от най-добрите скулптори, които сме имали, и очарователен човек, много сдържан, много мълчалив, много спокоен и с някакъв вид поразителен, изострено чувство за характер и движение в неговото изкуство. Каквото и да прави, независимо дали това е нейната голяма статуя „Момиче с пеперуда“, една от най-добрите й творби, независимо дали става въпрос за портрети, като например портрет в цял ръст, макар и миниатюрен, на Татлин, с неговите разперени крака, дълга конска физиономия - беше необичайно значим и изключително талантлив. Срещата със Сара Лебедева и добрите отношения с нея също са един от спомените, които са ми много скъпи.

Много добри отношения, въпреки че никога не е имало особена духовна близост, развих и с Павел Варфоломеевич Кузнецов, много самодоволен човек, малко тесногръд. Но може би това е форма на поведение, зад която се крие нещо повече. Купреянов обаче го нарече с не особено мили думи: „тюлен, който се опитва да се прави на лъв“. Може би това отговаряше на характера му.

Той беше много изобретателен и това се проявяваше в много различни форми. Например, веднъж в залата, където окачих гравюри и офорти на Нивински, Кравченко и щампи на други графики, внезапно се появи Кузнецов, влачейки след себе си гигантско платно на един от своите ученици - аморфно, рехаво, напълно живописно. И когато изненадано казвам: „Е, къде да го сложа?“, Павел Варфоломеевич отговаря: „Но това е перфектна графика!“ Нищо по-малко подобно на графиката не може да бъде измислено. Държеше много на учениците си. Между другото, това платно беше Давидович, който загина в милицията по време на войната. Но почти не го познавах.

Докато работехме в Ленинград, аз и Павел Варфоломеевич понякога трябваше да вечеряме в самия Руски музей. Храната там беше отвратителна, но нищо не можеше да се направи - не винаги беше възможно да се усамотите в хотел "Европейски" или в Дома на учените. Спомням си, че седяхме с Павел Варфоломеевич и той извади дълга рибена опашка от супата, която му сервираха. Той извика сервитьорката и я попита много спокойно: „Какво ми даде, рибена чорба или зелева чорба“? Тя каза: "Ши." Тогава той й показа рибешка опашка, за нейно голямо смущение. Много ми хареса неговият сериозен интерес да разбере какво всъщност му е сервирано.

Много приятна за мен беше срещата ни с него в Гурзуф в началото на 50-те години, когато той започна да рисува мой портрет. Той ми предложи това няколко пъти в Москва, но в Москва нямах време да позирам, а в Гурзуф нямах предлог да откажа. Той ме настани на върха на вилата Коровинская на фона на морето и нарисува огромна яркочервена глава, подобна на грандиозен домат на фона на ослепително синьо море. Той нарисува този портрет с голямо удоволствие и ужасно съжалявам, че се е обидил някъде. Наскоро обаче уж ми казаха, че след смъртта на Кузнецов и жена му (те нямаха деца) всичко, което остана в работилницата, отиде в Саратов, в музея на Радищев. Много е възможно моят портрет да е попаднал там. Приликите там може би не бяха твърде много, но самият спомен е просто приятен. Още го виждам как седи и с голямо удоволствие пише точно този контраст на ярко червено с ярко синьо. Но, честно казано, трудно ми беше да седя, защото съпругата му Бебутова, също художничка, реши да ме забавлява със заучени разговори през това заседание. Разговорите, с всичките й опити да научи, бяха такива, че едва се сдържах да не се разсмея. Тя също беше проста и невинна личност.

Близкото приятелство с Кузнецов едва ли можеше да се развие - бяхме много различни хора. Но го помня с голямо уважение. И той е много добър художник, което показа последната му изложба с Матвеев.

Но Матвеев, запознанството с него, което се превърна в много добри отношения, беше едно от най-важните ми „постижения“. Той беше много строг човек, много мълчалив, много сдържан, отдръпнат, бавен и малко работещ, подхранвайки всяка своя работа в продължение на много години. След него не останаха много неща, но са прекрасни.

Някъде по това време, не по-късно от средата на 30-те години, срещнах Сарян. Това е едно от много важните събития в моята артистична биография. Кога и къде го срещнах, изобщо не помня, защото той не идваше в музея да ме види, защото не се занимаваше особено с графика и не участваше в изложбите, които организирах . И самият той не е бил в Ленинград през 1932 г. Имаше неговата стена, доста произволна по своята композиция, като цяло не отговаряща на нейното ниво и значение, но беше красива. Но в сравнение с другите три блестящи стени на същата зала - Петров - Водкин, Шевченко и Кузнецов, той изглеждаше по-скромен, въпреки че в резултатите от творческия си път надмина и тримата с много голове. Написах една много хвалебствена, просто ентусиазирана статия за него през 1936 г., като вече го познавах, и тази статия отбеляза началото на едно трайно приятелство, което оцеля до края на живота на Сарян. Между другото, тази статия в „Литературная газета“ от 1936 г. предизвика голямо недоволство у Кеменов, който по това време също като мен работеше в „Литературная газета“ като критик. Публикувахме с него почти последователно, застанали на диаметрално противоположни позиции и силно неодобрителни един към друг.

След войната често виждах Сарян - всеки път, когато идваше в Москва. Писах за него няколко пъти по-късно, още през 60-те години и по-късно. Няма какво да опиша Сарян - всеки го познава, но винаги съм бил поразен от някаква детинщина на този човек, неговото открито, искрено възхищение от красотата на реалния свят, безкрайното му добродушно отношение към хората, въпреки че той перфектно разбра как всички се отнасят към него. През 1952 г., по време на обсъждането на юбилейната изложба, Борис Веймарн говори с необичайно страстни тиради, много възмутен от безпринципното жури, което взе ужасните картини на Сарян на изложбата. След това, само пет години по-късно, същите тези картини донесоха Ленинската награда на Сарян, така че Веймарн спечели само това, че Сарян до края на дните си не се изразяваше по друг начин освен „този копеле Ваймарн“. И това е с цялата му доброта и слънчевост, която беше не само в картината на Сарян, но и в цялото му поведение, в целия му външен вид - олицетворение на слънцето и дори слънцето на Армения. Това е много специално слънце. Една от най-красивите страни на земята е Армения. Това го научих в следвоенните години, когато два пъти бях там.

Спомням си много добре как с баща ми посетихме Сарян в работилницата му в Ереван на улица „Сариан“, как той ни показа свои творби – както ранни, така и съвсем скорошни много трагични и силни стативни рисунки. От жегата баща ми започна да има тежко кървене от носа - Сарян беше ужасно развълнуван, положи баща си на дивана, погрижи се за него с трогателна грижа. Той вече беше много стар и въпреки че беше все още светъл, много тъжен - малко преди това синът му загина в автомобилна катастрофа. .

ГОГОЛ И ХУДОЖНИЦИТЕ Щастлив е писателят, който след скучните, гадни герои, поразителни в своята тъжна реалност, се доближава до герои, които показват високото достойнство на човек ... Гогол, "Мъртви души" За потомството е запазена връзката на Гогол с Иванов

Художници и скулптори Има художници, на чиято работа се възхищавам сега, но се научих да се възхищавам на много творби на художници в младостта си. Най-много обичам импресионистите. Сезан е моят бог. Той винаги оставя място за въображението. Стига му

Художници За първи път се срещнах с художниците от света на изкуството през 1904 г. Един от служителите на "Новия път" и близък приятел на А. Н. Беноа ме заведе до журфикса на този лидер и апологет на петербургските майстори. Впоследствие разбрах, че в онези времена хората на изкуството са ме гледали така

Художници Четката на художника намира пътища навсякъде. И за изкушението на ченгетата на стража, Неизвестни художници на Европа Пишат с бои по мрачните тротоари. Под подметките на маршируващата епоха Картините спят, усмихнати и тъжни. Но както добрите, така и лошите изчезват след първите

ХУДОЖНИЦИ Яков Винковецки, самият художник, макар и не професионалист, ме запозна с още двама - не просто професионалисти, а шампиони, герои на занаята си, които въпреки суперумението и шампионството си, никога не са ставали нито успешни, нито

Художници Константин Коровин живее в Париж. Колко мисли за руската национална живопис са свързани с това име. Много хора го помнят като име на велик декоратор, изпълнител на голямо разнообразие от театрални задачи. Но това е само част от същността на Коровин.

Мексикански художници Интелектуалният живот на Мексико беше доминиран от художници.Тези художници изрисуваха целия град Мексико Сити със сцени от история и география, изображения на граждански теми, в които звучеше металът на противоречията. Клемон-те Ороско, слаб

Художници в музея Началото на запознанство с художници - посетители на кабинета за гравиране. Родионов, Фаворски, Щеренберг, Гончаров, Купреянов, Шевченко, Бруни, Татли

Художници Баща ми Владимир отново направиха ремонт в църквата, измиха рисунките и боядисаха таваните. Храмът в Лосинка не е древен, построен през 1918 година. Преди революцията нямаха време да боядисат стените му, а след това нямаше време за красота. Така реши баща ми, като стана ректор

„Антисъветски” артисти Повече от 70-годишната (1917–1991) практика на т. нар. „жестока, непримирима” борба срещу политически опонент, антисъветски настроени, дисиденти е наситена с повече от сто открити или тайни съглашения на партийни функционери с тази категория

Художници Уважаеми Олег Леонидович! Един местен критик на изкуството ме пита набързо как живеят художниците в Москва и какви са реалните им доходи? Нямам тези данни. Чухме, че писателите правят добри пари и годишните хонорари на Толстой и Шолохов

Художниците са като красиви луди. Днес отдаваме почит на Сергей Шчукин и Иван Морозов не само за колекционерството им, но и за визионерския им вкус, за способността им да отгатват следващата вълна на артистичния процес. И това далеч не беше лесно. Както беше отбелязано

ХУДОЖНИЦИ Интересът към изкуството сближава Гогол с колонията на руските художници в Рим. Държаха се в приятелска компания, преживявайки със скромни субсидии, отпускани от Художествената академия. Сред тях бяха изключителни таланти, които станаха гордостта на руското изкуство. Гогол не е

Художници Ирина Бжеска, художник (Естония) „Този ​​портрет беше поставен на корицата на плоча” Репродукция на картина на Ирина Бжеска от плочата на Анна Герман, 1977 г. Много хора познават портрета на този художник от Талин: той украсява корицата на един от най- известни грамофонни плочи

Този раздел представя картини на съветски художници, събрани са картини от различни жанрове: тук можете да намерите както пейзажи, така и натюрморти, портрети и различни жанрови сцени.

Съветската живопис в момента придоби голяма популярност както сред професионалистите, така и сред любителите на изкуството: организират се множество изложби и търгове. В нашия раздел за съветска живопис можете да изберете картина не само за декориране на интериора, но и за колекцията. Много произведения от епохата на социалистическия реализъм имат историческо значение: например градските пейзажи са запазили за нас изгубения вид на познати места от детството: тук ще намерите гледки към Москва, Ленинград и други градове на бившия СССР.

Жанровите сцени са от особен интерес: като документални кинохроники, те записват характеристиките на живота на съветски човек. Портретите от това време също перфектно предават настроението на епохата, разказват за хора с различни професии и съдби: тук са и работници, и селски жени, и военни лидери, и, разбира се, лидерите на пролетариата. Детските портрети от ерата на социалистическия реализъм са пряко въплъщение на концепцията за "щастливо детство". Сайтът също така широко представя жанра индустриален пейзаж, характерен за съветското изкуство.

Нашите експерти ще ви помогнат да изберете подходяща картина или да продадете произведения от вашата колекция на нашия уебсайт.

Категорията антики "Съветско изобразително изкуство" представя повече от 2 хиляди различни произведения на майстори от периода на революцията от 1917 до 1991 г. Творците от този период са силно повлияни от официалната идеологическа мисъл, което е отразено в много тематични произведения, представени в този каталог. Изкуството стана по-близко до обикновения човек, както свидетелстват уникалните портрети на обикновени работници, пионери, комсомолци. Именно тези произведения антикварният магазин представя на своите страници.

Военните теми се превърнаха в отделна област на съветското изобретателно изкуство. Такива антики са ценни не само от техниката на изпълнение, но и от самата история, изобразена върху платното. Цената на всяко платно се определя индивидуално, в зависимост от следните важни фактори:

• неговата сюжетна уникалност;
• тематично направление;
• избраната техника на писане и качеството й на изпълнение.

„Купете картина“ дава на потребителите уникална възможност да закупят антики от онези времена на достъпни цени. Картините перфектно предават чувствата и преживяванията на съветския човек, отразяват ежедневието му. На потребителя се представят антики, изобразяващи великото шофиране на СССР, плакати с лозунги, известни в цялата страна, натюрморти, илюстрации от книги, графични произведения и, разбира се, красиви пейзажи от различни части на съветската държава.

В антикварния магазин можете да намерите традиционни картини от този период. Много съветски художници работят в жанра на реализма, а от 60-те години посоката на „суровия стил“ става популярна. Много популярни бяха и натюрмортите на различни теми. Такива антики също са представени в сайта, като можете да разгледате всички предложения.

Заслужава да се отбележи, че плакатите на политически теми са се превърнали в отделен вид изобразително изкуство от съветския период. Те изиграха важна социална и идеологическа роля. Тези антики са оцелели и до днес, някои проби са представени в съответната категория „Купете картина“. Красивите пейзажи на изтъкнати съветски майстори имат голяма художествена стойност, днес те украсяват най-добрите местни галерии. В каталога можете да намерите техни репродукции и да направите покупка.

Подробности Категория: Изобразително изкуство и архитектура от съветския период Публикувано на 14.09.2018 г. 13:37 Преглеждания: 1845

От 30-те години на ХХ век. официалното изкуство в Русия се развива в съответствие със социалистическия реализъм. Сложи се край на разнообразието от артистични стилове.

Новата ера на съветското изкуство се характеризира със строг идеологически контрол и елементи на пропаганда.
През 1934 г. на Първия всесъюзен конгрес на съветските писатели Максим Горки формулира основните принципи на социалистическия реализъм като метод на съветската литература и изкуство:

Националност.
Идеология.
Конкретност.

Принципите на социалистическия реализъм бяха не само декларирани, но и подкрепени от държавата: държавни поръчки, творчески командировки за художници, тематични и юбилейни изложби, възраждането на монументалното изкуство като независимо, т. к. тя отразява „великите перспективи за развитие на социалистическото общество“.
Най-значимите представители на станковата живопис от този период са Борис Йогансон, Сергей Герасимов, Аркадий Пластов, Александър Дейнека, Юрий Пименов, Николай Кримов, Аркадий Рилов, Петър Кончаловски, Игор Грабар, Михаил Нестеров, Павел Корин и др., Ще посветим отделно статии на някои художници.

Борис Владимирович Йогансон (1893-1973)

Б. Йогансон. Автопортрет

Един от водещите представители на социалистическия реализъм в живописта. Той работи в традициите на руската живопис от 19 век, но въвежда в творбите си „ново революционно съдържание, съзвучно с епохата“.
Бил е и учител по рисуване, директор на Държавната Третяковска галерия през 1951-1954 г., първи секретар на Съюза на художниците на СССР, главен редактор на енциклопедията "Изкуството на страните и народите на света", има много държавни награди и звания.
Две от картините му са особено известни: "Разпит на комунистите" и "В старата фабрика Урал" (1937).

Б. Йогансон "Разпит на комунисти" (1933). Платно, масло. 211 x 279 cm Държавна Третяковска галерия (Москва)
Историята на създаването на картината в този случай е необходима, за да се разбере нейната идея. „Аз лично бях преследван от идеята за съпоставяне на класи, от желанието да изразя непримирими класови противоречия в живописта.
Бялата гвардия е особен израстък в историята, това е тълпа, в която са се смесили останките от старите офицери, печалбарите във военни униформи и откровените бандити, и мародерите от войната. Какъв ярък контраст с тази шайка бяха нашите военни комисари, комунистите, които бяха идейни водачи и защитници на своето социалистическо отечество и на трудещите се. Моята творческа задача беше да изразя този контраст, да го сравня” (Б. Йогансон).
Един белогвардейски офицер седи на позлатен стол с гръб към зрителя. Останалите бели офицери са изправени пред. За да подсили драматичния ефект, художникът придава изкуствено нощно осветление. Фигурата на придружителя е поставена в горния тъмен ръб на левия ъгъл и представлява едва забележим силует. В десния ъгъл има прозорец със завеса, през който се излива допълнителна нощна светлина.
Комунистите изглежда са на високо ниво в сравнение с белите.
Комунистите са момиче и работник. Те стоят наблизо и спокойно гледат в лицето на враговете си, вътрешното им вълнение е скрито. Младите комунисти символизират нов тип съветски хора.

Сергей Василиевич Герасимов (1885-1964)

С. Герасимов. Автопортрет (1923). Платно, масло. 88 x 66 см. Харковски художествен музей (Харков, Украйна)
Руски художник, представител на руския импресионизъм, особено проявяващ се в неговите пейзажи. Той също така създава редица стандартни социалистически реалистически картини.

С. Герасимов „Пролет. Март". Платно, масло
В историческия жанр най-известното му произведение е „Клетвата на сибирските партизани“.

С. Герасимов "Клетвата на сибирските партизани" (1933). Платно, масло. 173 x 257 cm Държавен руски музей (Петербург)
Картината е тежка по съдържание, но изразителна и изразителна. Има ясна композиция и идейна насоченост.
Жанровата картина на С. Герасимов "Колхозен празник" (1937) се счита за едно от най-значимите произведения на съветското изкуство от 30-те години на XX век.

С. Герасимов "Колхозен празник" (1937). Платно, масло. 234 x 372 cm Държавна Третяковска галерия (Москва)
Една от най-известните картини за войната е картината на С. Герасимов "Майка на партизан".

С. Герасимов "Майка на партизанка" (1943-1950). Платно, масло. Държавна Третяковска галерия (Москва)
Самият художник говори за идеята на картината по следния начин: „Исках да покажа в нейния образ всички майки, които изпратиха синовете си на война.“
Жената е твърда в своята правота, тя олицетворява великата сила на народния гняв. Тя страда, но това е страдание на горд, силен човек, така че лицето й изглежда спокойно в този трагичен момент.

Аркадий Александрович Пластов (1893-1972)

П. Бендел. Портрет на художника Пластов

Художникът А. Пластов е наричан "певецът на съветското селячество". Всичките му жанрови картини са създадени на фона на пейзаж. Руската природа на художника винаги е лирична и оживена. Картините му се отличават с поетична изразителност и почти безконфликтност.

А. Пластов "Първи сняг" (1946)
Художникът е изобразил малък фрагмент от селския живот. На прага на дървена къща са две селски деца, най-вероятно сестра и брат. Когато се събудиха сутринта, видяха снеговалеж и изтичаха на верандата. Момичето дори нямаше време да завърже топъл жълт шал, тя просто го хвърли върху лека домашна рокля и сложи краката си в филцови ботуши. Децата гледат на първия сняг с изненада и наслада. И тази радост, този детски възторг от красотата на природата се предава на публиката.
Пластов е убеден реалист. Търсенето на нещо абсолютно ново и безпрецедентно му беше чуждо. Той живееше в света и се възхищаваше на красотата му. Пластов вярваше: основното за един художник е да види тази красота и да я предаде на платното. Няма нужда да пишете красиво, трябва да пишете истината и тя ще бъде по-красива от всяка фантазия.

А. Пластов "Златен ръб" (1952). Платно, масло. 57 х 76 см. Държавен музей-резерват Ростовски Кремъл

А. Пластов "Сенокос" (1945). Платно, масло. 193 x 232 cm Държавна Третяковска галерия (Москва)
Художникът създава поредица от картини за Великата отечествена война. Платното „Фашистът прелетя“ е изпълнено с трагедия, смята се за шедьовър на съветското изкуство от военния и следвоенния период.

А. Пластов "Фашист прелетя" (1942). Платно, масло. 138 x 185 cm Държавна Третяковска галерия (Москва)
Художникът А. Дейнека продължава да работи върху любимите си теми.

Юрий Иванович Пименов (1903-1977)

Известен като живописец, театрален артист, сценограф и график, плакатист, педагог.
Най-известната му картина е Нова Москва.

Ю. Пименов "Нова Москва" (1937). Платно, масло. 140 × 170 cm Държавна Третяковска галерия (Москва)
Написана в разгара на реконструкцията на столицата. Жена зад волана е доста рядко явление за тези години. Това е символ на нов живот. Композиционното решение също е необичайно: изображението прилича на рамка на фотоапарат. Жената е показана отзад и този ъгъл сякаш приканва зрителя да погледне утринния град през нейните очи. Създава усещане за радост, свежест и пролетно настроение. Това се улеснява от импресионистичния стил на писане на художника и нежния колорит на картината. Картината е пропита с оптимистична нагласа, характерна за онова време.
Художникът използва тази техника и при рисуването на картината „Преден път“. Емоционалното съдържание на картината се основава на контраста между образа на мирна, променяща се Москва и града, ограбен и разрушен в резултат на фашисткото нашествие, изобразен в картината "Предният път".

Ю. Пименов "Преден път" (1944)
В ранния период на творчеството си Пименов е повлиян от немския експресионизъм, което до голяма степен обяснява драматичната острота на най-добрите му картини от тези години: „Инвалиди на войната“, „Дайте тежка индустрия!“ (1927), "Войниците преминават на страната на революцията" (1932). Постепенно той преминава към импресионизма, придържайки се към творческия принцип на "красив момент".

Ю. Пименов "Инвалиди на войната" (1926). Държавен руски музей (Петербург)

Георгий Григориевич Ниски (1903-1987)

През този период Георги Нисски активно се занимава с ландшафтно изкуство. Картините му се отличават с живописен лаконизъм, динамика, ярки композиционни и ритмични решения. Природата на художника винаги се трансформира от човешката ръка.

Г. Ниски „Есен. Семафори" (1932 г.)

Г. Нисски “Московска област. февруари” (1957). Платно, масло. Държавна Третяковска галерия (Москва)
Пейзажистите от по-старото поколение включват Николай Кримов.

Николай Петрович Кримов (1884-1958)

Николай Кримов (1921)
Н.П. Кримов е роден в семейството на пътуващ художник, така че първоначалната посока на творчеството му е същата. В годините на обучение (1905-1910) той е склонен към импресионистично изображение на природата, деликатните пастелни цветове и леките щрихи придават на платната му одухотворен и безтегловен вид. През 20-те години става привърженик на руската реалистична живопис.

Н.П. Кримов „Сутрин в Централния парк за култура и отдих на името на И. М. Горки в Москва” (1937). Платно, масло. 81 x 135 cm Държавна Третяковска галерия (Москва)
Последният период от творчеството на художника е свързан с река Ока и малкия град Таруса, където Кримов идва да посети. Той беше очарован от местните пейзажи и река Ока, която "диша свобода".

Н. Кримов "Улица в Таруса" (1952)
Картините “Преди здрач”, “Поленово. Река Ока "и редица други. Художникът има много зимни пейзажи.

Н. Кримов „Зима. Покриви" (1934 г.)

Аркадий Александрович Рилов (1870-1939)

А. Рилов. Автопортрет с катерица (1931). Хартия, мастило, италиански молив. Държавна Третяковска галерия (Москва)

Руски и съветски пейзажист, график и педагог.
Най-известната му картина е "Ленин в Разлив".

А. Рилов “В.И. Ленин в Разлив през 1917г (1934 г.). Платно, масло. 126,5 × 212 см. Държавен руски музей (Петербург)
Това е една от най-добрите творби на художника в късния му период на творчество. В тази картина художникът съчетава пейзажа с историческия жанр. Престоят на Ленин в Разлив през лятото на 1917 г. е една от основните теми на ленинската тема в съветското изобразително изкуство. В пейзажа и в динамичната фигура на лидера се усеща вълнението и напрежението на момента. Облаци бързат по небето, вятърът огъва могъщи дървета, в борбата с тези природни сили фигурата на Ленин се втурва към вятъра с твърда решимост да победи в името на бъдещето.
Бурното езеро и тревожното небе символизират бурята. Здрачът се спуска на земята. Ленин, без да забелязва нищо от това, напрегнато се взира в далечината. Тази интерпретация на образа на лидера е идеологическата поръчка на съветската епоха.
По това време активно се развива съветският портретен жанр, в който най-ярко се проявяват Пьотър Кончаловски, Игор Грабар, Михаил Нестеров.

П. Кончаловски. Портрет на композитора Сергей Сергеевич Прокофиев (1934). Платно, масло. 181 x 140,5 cm Държавна Третяковска галерия (Москва)

П. Кончаловски. Портрет на В.Е. Мейерхолд (1938). Платно, масло. 211 x 233 cm Държавна Третяковска галерия (Москва)
По време на масовите репресии, малко преди ареста и смъртта на Мейерхолд, П. Кончаловски създава портрет на тази изключителна театрална фигура. На 7 януари 1938 г. Комитетът за изкуствата приема решение за ликвидиране на Държавния театър „Мейерхолд“.
Художникът предаде конфликта на личността със заобикалящата действителност чрез сложно композиционно решение. Платното изобразява не мечтател, а човек, чиято съдба виси на косъм и той го знае. Чрез съчетаването на ярък килим, гъсто покрит с орнаменти, и монохромната фигура на режисьора Кончаловски разкрива трагичния образ на режисьора-реформатор.

И. Грабар. Портрет на академик Н.Д. Зелински (1935). Платно, масло. 95 x 87 cm Държавна Третяковска галерия (Москва)

И. Грабар. Портрет на Владимир Иванович Вернадски (1935)

Павел Дмитриевич Корин (1892-1967)

Павел Корин (1933)
Руски и съветски художник, стенописец, портретист, реставратор и педагог, професор.
Той е възпитан в Палех и започва с рисуване на икони. Учи в Московското училище по скулптура и архитектура, в крайна сметка става един от най-важните майстори на ранния съветски портрет, създава цяла галерия от портрети на интелектуалци на своето време.
Творбите на този художник се отличават с монументалност, сурова гама и ясно изваяни форми.
Най-известните произведения на П. Корин: триптихът "Александър Невски", портрети на Георги Жуков и Максим Горки.

П. Корин. Триптих "Александър Невски"
Триптихът е поръчан на художника в годината на Великата отечествена война, когато темата за противопоставянето на нашественика е централна в изкуството.
От лявата и дясната страна на триптиха войниците отиват на война. Придружават ги жени: стара майка, съпруга, която държи малко дете на ръце. Те, както и родната им земя, имат нужда от защита.

В средата е изображението на воин. Александър Невски в древни времена спря немските рицари, за да може да вдъхнови защитниците да се борят срещу фашистките нашественици. Неговата фигура е монументална - това е паметта на руските герои. Знамето с лика на Христос напомня за светостта на руската земя. Той стои подпрян на меча - враговете трябва да умрат от меча, с който са дошли.
Зад него е родната земя, която трябва да се пази.
Тематичните картини и портрети, изпълнени от майстора, се характеризират с духовност и спокойствие на образите, строгост на композицията и рисунката.
Интересът към творческите личности е характерен за атмосферата на този период.