Два различни феномена на античната скулптура: класическа Гърция и римски скулптурен портрет. Антична скулптура Антична култура Скулптура

Тъй като скоро ще трябва да изнасям курс от лекции по обща история на изкуството тук, подготвям и повтарям материала. Реших да публикувам част от него и моите мисли по тази тема. Това не е самата лекция, а мисли по тясна конкретна тема.

Трудно е да се надцени мястото на скулптурата в изкуството на Античността. Въпреки това, двете му най-важни национални проявления - скулптурата на древна Гърция и скулптурата на древен Рим - са две напълно различни, в много отношения противоположни явления. От какво се състоят?

Скулптурата на Гърция е наистина известна и всъщност трябва да бъде поставена на първо място в сравнение с гръцката архитектура. Факт е, че гърците са възприемали самата архитектура като скулптура. Всяка сграда за грък е преди всичко пластичен обем, паметник, съвършен във формите си, но предназначен предимно за съзерцание отвън. Но за архитектурата ще пиша отделно.

Имената на гръцките скулптори са добре известни и чути от всички, които са учили в училище. Гръцките художници на стативи са били също толкова известни и прославени, но както понякога се случва в историята на изкуството, абсолютно нищо от техните творби не е запазено, добре, може би, предполагаеми копия по стените на къщите на богати римляни (които може да се види в Помпей). Но, както ще видим, ситуацията не е толкова добра с оригиналните гръцки статуи, тъй като повечето от тях са известни отново от римски реплики, лишени от гръцко съвършенство.

Въпреки това, с такова внимателно отношение към имената на творците на изкуството, гърците останаха напълно безразлични към индивидуалността, към това, което сега би се нарекло личността на човек. След като направиха човек център на своето изкуство, гърците виждаха в него възвишен идеал, проява на съвършенство, хармонично съчетание на душа и тяло, но в никакъв случай не се интересуваха от особеностите на изобразения човек. Гърците не са познавали портрета в нашия смисъл на думата (може би с изключение на по-късния, елинистически период). Издигайки статуи на антропоидни богове, герои, известни граждани на своя полис, те създадоха обобщен, типичен образ, който въплъщава положителните качества на душата, героизма, добродетелта и красотата.

Светогледът на гърците започва да се променя едва с края на епохата на класиката през 4 век пр.н.е. Краят на предишния свят беше поставен от Александър Велики, който с безпрецедентната си дейност роди онзи културен феномен на смесване на гръцки и близкоизточен, наречен елинизъм. Но едва след повече от 2 века Рим, вече могъщ по това време, влезе на арената на историята на изкуството.

Колкото и да е странно, но за добра половина (ако не и по-голямата част) от своята история Рим почти не се проявява от художествена гледна точка. Така премина почти целият републикански период, който остана в паметта на хората като време на римска доблест и чистота на морала. Но накрая, през 1 век пр.н.е. възниква римски скулптурен портрет. Трудно е да се каже колко голяма е била ролята на гърците в това, които сега работят за римляните, които са ги завладели. Трябва да се предположи, че без тях Рим едва ли би създал такова блестящо изкуство. Който и да е създавал римски произведения на изкуството обаче, те са били именно римляни.

Парадоксално, въпреки че Рим е този, който създава това, което може би е най-индивидуализираното изкуство на портрета в света, няма данни за скулпторите, които са създали това изкуство. Така скулптурата на Рим и преди всичко скулптурният портрет е противоположност на класическата скулптура на Гърция.

Веднага трябва да се отбележи, че друга, този път местна, италианска традиция, а именно изкуството на етруските, играе важна роля в неговото формиране. Добре, нека да разгледаме паметниците и да ги използваме, за да характеризираме основните явления в античната скулптура.

Още в тази мраморна глава от Цикладите 3 хил. пр.н.е. д. заложено е онова пластично усещане, което ще се превърне в основното достойнство на гръцкото изкуство. Това по никакъв начин не е нарушено от минимализма на детайлите, който, разбира се, е допълнен от живописта, тъй като до Високия Ренесанс скулптурата никога не е била безцветна.

Добре позната (добре, това може да се каже за почти всяка статуя на гръцки скулптор) група, изобразяваща тироничните убийци Хармодиус и Аристогейтон, изваяни от Критий и Незиот. Без да се разсейваме от формирането на гръцкото изкуство в архаичната епоха, вече се обърнахме към творчеството на класиците от 5 век. пр.н.е. Представлявайки двама герои, борци за демократичните идеали на Атина, скулпторите изобразяват две условни фигури, само в общи линии подобни на самите прототипи. Основната им задача е да съчетаят в едно цяло две красиви, идеални тела, обхванати от един героичен порив. Телесното съвършенство тук предполага вътрешната правота и достойнство на изобразените.

В някои от своите произведения гърците се стремят да предадат хармонията, съдържаща се в мира, в статиката. Поликлет го постига както благодарение на пропорционалността на фигурата, така и благодарение на динамиката, съдържаща се в настройката на фигурата. Т. н. хиазма или по друг начин контрапосто - противоположно насочено движение на различни части на фигурата - едно от завоеванията на това време, което завинаги е влязло в плътта на европейското изкуство. Оригиналите на Поликлетос са изгубени. Противно на навика на съвременния зрител, гърците често са работили чрез отливане на статуи от бронз, което е позволило да се избегнат смущаващите стойки, възникнали в мраморните повторения от римско време. (Вдясно е копие от бронзова реконструкция от Държавния музей за изящни изкуства „Пушкин“, колко по-добро е!)

Мирон стана известен с предаването на много сложни състояния, в които спокойствието е на път да отстъпи място на активно движение.Отново давам две версии на неговия дискохвъргач (и двете късни): мраморна и бронзова.

"Рубльов" от Древна Гърция, великият създател на скулптурата на атинския Акропол Фидий, напротив, постига красота и баланс дори в най-интензивните и движещи се композиции. Тук имаме възможност да видим оригиналите от V в. пр.н.е., този път изработен от мрамор като свързан с плътта на архитектурата на Партенона. Дори в разчупен вид, без ръце, крака и глави, под формата на жалки руини, гръцката класика е удивително съвършена. Никое друго изкуство не би могло да направи това.

Но какво да кажем за портрета? Ето едно известно изображение на великия Перикъл. Но какво можем да научим от него за този човек? Само че той беше велик гражданин на своята политика, изключителна фигура и доблестен командир. И нищо повече.

По различен начин е решен „портретът” на Платон, представен от вече не млад мъдрец с буйна брада и интелектуално, умствено напрегнато лице. Загубата на рисуване на очите, разбира се, до голяма степен лишава образа от изразяване.

Образът вече се възприема по различен начин в края на 4 век. Оцелелите копия на портретите на Александър Велики, създадени от Лизип, ни показват личност, която вече не е толкова цялостна, уверена и недвусмислена сама по себе си, както видяхме току-що в класическия период на Гърция.

Сега най-накрая е време да преминем към Рим или по-скоро към етруските, които са създали погребалните изображения на мъртвите. Балдахин – урни за пепел – етруските правели с изображения на глави и ръце, уподобяващи, засега условно, на починал човек. Теракотен балдахин, 6 век пр.н.е. д.

По-сложни произведения бяха такива надгробни плочи с фигури на хора, легнали като на празник, често семейни двойки.

Чаровни усмивки, подобни на усмивките на архаични гръцки статуи... Но тук е важно нещо друго - това са конкретните хора, погребани тук.

Етруските традиции поставят един вид основа за правилния римски портрет. Появил се едва през 1 век пр.н.е., римският портрет рязко се различава от всеки друг. Автентичността в предаването на истината за живота, неукрасеният външен вид на човека, образът му такъв, какъвто е, станаха водещи в него. И в това римляните несъмнено са виждали собственото си достойнство. Най-добре можем да приложим термина веризъм към римския портрет от края на републиканската епоха. Той дори плаши с отблъскващата си откровеност, която не се спира пред никакви черти на грозота и старост.

За да илюстрирам следната теза, ще дам един енциклопедичен пример – изображения на римлянин в тога с портрети на техните предци. В този задължителен римски обичай имаше не само човешко желание да се запази паметта на отминалите поколения, но и религиозен компонент, толкова типичен за такава домашна религия като римската.

Следвайки етруските, римляните изобразяват семейни двойки върху надгробни плочи. Като цяло пластмасата, скулптурата беше толкова естествена за жител на Рим, колкото и фотографията за нас.

Но сега дойде ново време. В началото на хилядолетието (и епохи) Рим се превръща в империя. Отсега нататък нашата галерия ще бъде представена предимно от портрети на императори. Това официално изкуство обаче не само запази, но и умножи изключителния реализъм, възникнал първоначално в римския портрет. Но първо в епохата на Август (27 г. пр. н. е. - 14 г. сл. н. е.) римското изкуство преживява първото си сериозно взаимодействие с идеалната красота, присъща на всичко гръцко. Но дори и тук, след като стана съвършен по форма, той остана верен на портретните черти на императора. Позволявайки конвенцията в перфектно, идеално правилно и здраво тяло, облечено в броня и оставащо в церемониална поза, римското изкуство поставя върху това тяло истинската глава на Август, какъвто е бил.

От Гърция към римляните е преминало удивително притежание на обработката на камъни, но тук това изкуство не е могло да замъгли това, което е присъщо римско.

Друга версия на официалния образ на Август като Великия понтифекс с воал, хвърлен върху главата му.

И сега, вече в портрета на Веспасиан (69 - 79 г. сл. Хр.), отново виждаме неприкрит веризъм. Този образ от детството потъна в паметта ми, омагьосвайки личните черти на изобразения император. Умно, благородно и в същото време хитро и благоразумно лице! (Как му отива счупеният нос))

В същото време се усвояват и нови техники за обработка на мрамор. Използването на бормашина ви позволява да създадете по-сложна игра на обеми, светлина и сянка, да въведете контраст на различни текстури: груба коса, полирана кожа. Например женски образ, иначе досега са представяни само мъже.

Троян (98 - 117)

Антонин Пий е вторият император след Адриан, който си пуска брада по гръцки маниер. И това не е просто игра. Заедно с "гръцкия" външен вид в образа на човек се появява нещо философско. Погледът отива настрани, нагоре, лишавайки човек от състояние на баланс и удовлетворение от тялото. (Сега зениците на очите са очертани от самия скулптор, което запазва вида дори ако предишното оцветяване е загубено.)

С пълна очевидност това личи в портретите на философа на трона - Марк Аврелий (161 - 180).

Този интересен шард ме привлича тук. Опитайте се да нарисувате черти на лицето и ще получите икона! Вижте формите на окото, клепача, зеницата и ги сравнете с византийските икони.

Но не само доблестните и праведните трябва да бъдат обект на римски портрет! Хелиогабал (правилно - Елагабал), привърженик на източния култ към слънцето, изненада римляните с обичаи, които бяха напълно противоположни на тях и не блестяха с чистотата на живота. Но това ясно ни показва неговият портрет.

И накрая, златният век на Рим е далеч назад. Един по един т. нар. войнишки императори са издигнати на трона. Местните жители на всякакви имоти, държави и народи могат внезапно да станат владетели на Рим, като бъдат обявени за техни войници. Портрет на Филип Арабския (244 - 249), не най-лошият от тях. И отново някакъв копнеж или тревога в очите му ...

Е, това е нелепо: Требониан Гал (251 - 253).

Тук е моментът да отбележим какво проличаваше от време на време в римския портрет преди. Сега формата започва неумолимо да се схематизира, пластичното формоване отстъпва място на условната графика. Самата плът постепенно напуска, отстъпвайки място на един чисто духовен, изключително вътрешен образ. Император Проб (276 - 282).

И така, доближихме края на 3-ти - началото на 4-ти век. Диоклециан създава нова система на управление на империята – тетрархията. Двама августи и двама цезари управляват четирите му части. Старият град на Рим, който отдавна е загубил ролята на столица, вече не е важен. Във Венеция е запазена забавна група от четири почти еднакви фигури, идентифицирани с тетрарсите, взети от Константинопол. Тя често се показва като край на римски портрет. Но не е! Всъщност това е, да кажем, специален експеримент, авангардът на онова време. Освен това, според някои от моите учители, това е египетска работа, което е особено очевидно от използването на твърд порфир. Столичната римска школа, разбира се, остана различна и не умря поне още един век.

В подкрепа на казаното е още едно изображение от Египет – император Максимин Даза (305 – 313). Пълна стилизация, схематизация и абстракция, ако желаете.

И ето какво се случи в Рим. Константин Велики (306-337) става суверенен владетел на империята. В неговия колосален портрет (това всъщност е главата на Колоса - гигантска статуя, монтирана в римската базилика на Константин-Максентий), както идеалната, съвършена разработка на формата, така и окончателно формираният нов образ, откъснат от всичко временни, са напълно налице. В огромни, красиви очи, гледащи някъде покрай нас, волеви вежди, твърд нос, затворени устни, сега има не само образа на земен владетел, но и нещо, което вече е излязло отвъд границите на онова отражение, което изяде Маркъс Аврелий и други негови съвременници, които бяха уморени от тази телесна обвивка, в която беше затворена душата.

Ако прочутият Милански едикт от 313 г. само спира преследването на християнството, позволявайки на християните да съществуват законно в империята (самият Константин е кръстен едва след смъртта), то в края на 4 век след Христа християнството вече е станало доминиращо. И по това време на християнската античност все още продължават да се създават скулптурни портрети. Портретът на император Аркадий (383-408) е поразителен със своята красота, но и със своята неземна абстрактност.

Ето къде попадна римският портрет, това е образът, който той роди, станал вече сам по себе си християнско изкуство. Сега скулптурата отстъпва място на живописта. Но великото наследство на предишната култура не се отхвърля, продължава да живее, обслужвайки нови цели и задачи. Християнският образ (икона), от една страна, е роден от думите: „Бога никой никога не е видял; Единородният Син, Който е в лоното на Отца, Той яви“ (Йоан 1: 18). . От друга страна, той попи целия опит на предшестващото го изкуство, както видяхме, което отдавна мъчително е търсило истината и накрая я е намерило.

Но това е съвсем различна история за тази история...

д За скулптурата на Древна Гърция от епохата на класиката, разцвета на политиката, са характерни следните характеристики. Основният обект на изображението все още е човешката фигура. Но в сравнение с архаичната скулптура изображението става по-динамично и анатомично правилно. Но фигурите и лицата на скулптурите все още са лишени от индивидуални черти: това са обобщени, абстрактни образи на тежко въоръжени воини, атлети, атлети, богове и герои.

Известни скулптори на Древна Гърция

Развитието на скулптурата е пряко свързано с имената на трима известни скулптори на Древна Гърция - Мирон, Поликлейтос и Фидий.

Майрън- Скулптор на Древна Гърция през 5 век. пр.н.е. работа в бронз. Като художник той постави за основна задача да улови моментите на преход от едно движение към друго, да забележи кулминационните моменти в тези движения. За вашия известен "Дискоболус", с който сме запознати от късно римско мраморно копие, се характеризира със задълбочено, но донякъде обобщено предаване на анатомията на човешкото тяло, студената красота на линиите на фигурата. В него Мирон напълно изостави тържествената неподвижност на своя модел.

Друга работа на Мирон - групова композиция "Атина и Силен Марсий"инсталиран на Атинския акропол. В него художникът се опита да предаде кулминационните точки на движението на човешкото тяло: Атина, застанала в спокойна поза, хвърля флейтата, която е измислила, а дивият горски демон е показан в движение, той иска да грабне флейтата, но Атина го спира. Динамиката на движението на тялото на Марсий е потисната от неподвижността и сковаността на позата на фигурата на богинята Атина.

Polykleitos- друг древногръцки скулптор, който също е живял през 5 век пр. н. е., той е работил в Аргос, Атина и Ефес. Той притежава множество изображения на печеливши спортисти от мрамор и бронз. Поликлет в своите скулптури успя да предаде външния вид на идеализирани и смели хоплитски воини, членове на гражданската милиция на политиката. Polykleitos също притежава "диадумен"- статуя на млад мъж, връзващ главата си с превръзка на победител.

Друга тема на творчеството му са образите на млади воини, които въплъщават идеята за доблестта на гражданин. За Хераиона в Аргос той създава изображение на богинята Хера от слонова кост. Скулптурите на Поликлеит се отличават с пропорционалност, призната от съвременниците за еталон.

Фидий- известният скулптор на Древна Гърция от 5 век пр.н.е. Работил е в Атина и. Фидий участва активно в реконструкцията на Атина. Той е един от лидерите в изграждането и украсата на Партенона. Той създава за Партенона статуя на Атина с височина 12 метра. Основата на статуята е дървена фигура. Плочи от слонова кост бяха поставени върху лицето и голите части на тялото. Облеклото и оръжията бяха покрити с почти два тона злато. Това злато е служело като спешен резерв в случай на непредвидени финансови кризи.

Върхът на творчеството на Фидий беше известната му статуя, висока 14 метра. Тя изобразява гръмовержец, седнал на богато украсен трон, горната част на торса му е гола, а долната е увита в наметало. В едната си ръка Зевс държи статуя на Нике, а в другата - символ на властта, жезъл. Статуята беше направена от дърво, фигурата беше покрита с плочи от слонова кост, а дрехите бяха покрити с тънки златни листове. Сега знаете какви са били скулпторите в Древна Гърция.

Гърция достига най-високата си точка на икономическо, политическо и културно развитие в средата на 5 век. пр.н.е. след победата, спечелена от съюз от гръцки градове над могъщата Персия.
В стила на гръцката класика се сливат чувствена прямота и рационалност.
„Ние обичаме красотата без причудливост и мъдростта без женственост“каза Перикъл. Гърците ценели рационалността, баланса и мярката, но в същото време признавали силата на страстите и чувствените радости.
Когато сега кажем „древно изкуство“, си представяме музейни зали, облицовани със статуи и окачени по стените с фрагменти от релефи. Но тогава всичко изглеждаше различно. Въпреки че гърците са имали специални сгради за съхраняване на картини (пинакотеки), по-голямата част от произведенията на изкуството не водят музеен начин на живот. Статуите стояха на открито, огрявани от слънцето, близо до храмовете, на площадите, на брега на морето; край тях се провеждаха шествия и празници, спортни игри. Както в архаичната епоха, скулптурата процъфтява. Светът на изкуството беше жив светъл свят, но по-съвършен.

Гръцка скулптурачастично оцеля в останките и фрагментите. Повечето от статуите са ни известни от римски копия, които са изпълнявани в много, но често не предават красотата на оригиналите. Римляните превеждат бронзовите продукти в снежнобял мрамор, но самият мрамор на гръцките статуи е различен - жълтеникав, светещ (втрива се с восък, което му придава топъл тон).
Битки, схватки, подвизи на герои... Изкуството на ранната класика е пълно с тези войнствени сюжети. Например известните образци на гръцката скулптура в Съкровищницата на Сифнос в Делфи. Северният фриз на който е посветен на гигантомахията: битката на боговете с гигантите. Хефест надува рог, за да вдигне ветровете срещу великаните, Кибела управлява колесница, теглена от лъвове, един от които измъчва великана. Близнаците Артемида и Аполон се бият рамо до рамо...

Друг любим набор от мотиви са спортните състезания. Темите за ръкопашни битки, състезания по конен спорт, състезания по бягане, хвърляне на диск научиха скулпторите да изобразяват човешкото тяло в динамика. Сега има сложни пози, смели ъгли, размахващи жестове. Най-яркият новатор беше Атически скулптор Мирон.Такава му е известната "Хвъргач на диск". Спортистът се наведе и се завъртя преди хвърлянето, секунда - и дискът ще полети, спортистът ще се изправи. Но в този момент тялото му замръзна в много трудно, но балансирано положение.

бронзова статуя "Аурига", открит в Делфи, е един от малкото добре запазени гръцки оригинали. Принадлежи към ранния период на строгия стил - около ок. 470 пр.н.е Този млад мъж стои много изправен (стоеше на колесница и караше квадрига коне), краката му са боси, гънките на дълга туника напомнят дълбоките канелури на дорийски колони, главата му е плътно покрита със сребърна превръзка , инкрустираните очи изглеждат като живи. Той е сдържан, спокоен и в същото време пълен с енергия и воля. Като всяка велика скулптура, "Аурига"от различни ъгли разкрива напълно различни степени на концентрация и аспекти на предаване на емоции. В тази единствена бронзова фигура със своята силна, лята пластика се усеща пълното човешко достойнство, както са го разбирали древните гърци.

В тяхното изкуство на този етап преобладават мъжките образи, но за щастие е запазен и красив релеф, изобразяващ излизаща от морето Афродита - скулптурен триптих, чиято горна част е отчупена.

В централната част богинята на красотата и любовта, "родена в пяна", се издига от вълните, поддържана от две нимфи, които целомъдрено я закрилят с лек воал. Вижда се до кръста. Тялото й и телата на нимфите блестят през прозрачни хитони, гънките на дрехите се спускат като водни струи, като музика. Върху страничните части на триптиха са представени две женски фигури: едната гола, свиреща на флейта; другата, завита с воал, пали жертвена свещ. Първата е хетера, втората е съпругата, пазителка на огнището, като две лица на женствеността, и двете под егидата на Афродита.

Възхищението на гърците от красотата и мъдрата структура на живото тяло беше голямо. Езикът на тялото беше и езикът на душата. Гърците овладяха изкуството да предават "типична" психология; те изразиха богат набор от умствени движения, основани на обобщени човешки типове. Неслучайно портретът в древна Гърция е сравнително слабо развит.

Голямото умение, постигнато от гръцкото изкуство през 5-ти век, е все още живо през 4-ти, така че най-вдъхновените художествени паметници на късната класика са белязани от същия печат на най-високо съвършенство.

Скопас, Праксител и Лизип- най-големите гръцки скулптори от късната класика. По отношение на влиянието, което оказват върху цялото последващо развитие на античното изкуство, работата на тези трима гении може да се сравни със скулптурите на Партенона. Всеки от тях е изразил своя ярък индивидуален мироглед, своя идеал за красота, своето разбиране за съвършенство, които чрез личните, само разкрити от тях, достигат вечните - общочовешки върхове. И отново, в творчеството на всеки, това лично е в съзвучие с епохата, въплъщавайки онези чувства, онези желания на съвременниците, които най-много съответстваха на неговите собствени. Духовната твърдост и енергична енергия, които дишат в изкуството на ранната и зряла класика, постепенно отстъпват пред драматичния патос на Скопас или лирическото съзерцание на Пракител.
Художници от 4 век привличат за първи път очарованието на детството, мъдростта на старостта, вечното очарование на женствеността.

Праксител беше известен със специалната мекота на моделиране и умението да обработва материала, способността да предаде топлината на живо тяло в студен мрамор. Единственият оцелял оригинал на Праксител е мраморна статуя "Хермес с Дионис"намерени в Олимпия.
Почти толкова малко са останали автентични произведения на длетото на Скопас, но и зад тези фрагменти - дишат страст и импулс, безпокойство, борба с някакви враждебни сили, дълбоки съмнения и скръбни преживявания. Всичко това очевидно беше характерно за неговата природа и в същото време ярко изрази някои настроения на неговото време. Частично запазени релефи от фриза на мавзолея в Халикарнас (Мала Азия).

Менада се радваше на голяма слава сред съвременниците. Скопас изобразява буря от дионисиев танц, напрягайки цялото тяло на Менада, извивайки торса й, отхвърляйки назад главата си. Мистериите на Дионис имаха право да се провеждат само веднъж на всеки две години и само на Парнас, но по това време обезумялите вакханки отхвърлиха всички условности и забрани.
Тези празненства бяха много древен обичай, като самия култ към Дионис, но в изкуството елементите не бяха пробили преди това с такава сила и откритост, както в статуята на Скопас, и това, очевидно, беше симптом на времето .

Лизип създава скулптури със сложни движения, разчитайки да обикаля около статуята, обработвайки повърхностите им с еднаква грижа. Обръщането на фигурата в пространството е новаторско завоевание на Лизип. Той беше неизчерпаемо разнообразен в изобретяването на пластични мотиви и много плодовит. Работейки изключително в бронз, Лизип предпочита мъжки фигури по отношение на сюжета; Херкулес беше любимият му герой.
Не е запазена нито една оригинална творба на скулптора, но има доста голям брой копия и повторения, които дават приблизителна представа за стила на майстора.
Други скулптори се опитаха да поддържат традициите на зрелите класици, обогатявайки ги с голяма елегантност и сложност.

Този път е последван от Леохар, който създава статуята на Аполон Белведере. Дълго време тази скулптура се смяташе за връх на античното изкуство, „Белведерският идол“ беше синоним на естетическо съвършенство. Както често се случва, високата похвала с течение на времето е предизвикала обратната реакция. Тя започна да се намира за надута и възпитана. Междувременно Аполон Белведере- произведението е наистина изключително по своите пластични достойнства; фигурата и походката на господаря на музите съчетават сила и грация, енергия и лекота, ходейки по земята, той в същото време се издига над земята. За да се постигне такъв ефект, беше необходимо изтънченото умение на скулптора; единственият проблем е, че изчисляването на ефекта е твърде очевидно. Аполон Леохара сякаш ви кани да се полюбувате на красотата му и дори в епохата на късната класика виртуозното изпълнение беше много ценено.

Скулптурата на древна Гърция, както цялото древно изкуство, е специален модел, образцово майсторство и вид идеал. Древногръцкото изкуство, и по-специално скулптурата на Древна Гърция, имаше много значително влияние върху развитието на световната култура. Това е основата, върху която по-късно израства европейската цивилизация. Красиви статуи на гръцки скулптори са направени от камък, варовик, бронз, мрамор, дърво и са украсени с великолепни предмети от благородни метали и камъни. Те бяха инсталирани на главните площади на градовете, на гробовете на известни гърци, в храмове и дори в богати гръцки къщи. Основният принцип на скулптурата на Древна Гърция е комбинацията от красота и сила, идеализирането на човека и неговото тяло. Древните гърци са вярвали, че само съвършена душа може да бъде в съвършено, идеално тяло.

Развитието на скулптурата в древна Гърция може да се раздели на три основни етапа. Това е архаично – VI-VII век пр.н.е. Класика, която от своя страна може да бъде разделена на периоди на ранна - началото на 5 век пр. н. е., висока класика - това е края на 5 век пр. н. е. и късна - 6 век пр. н. е. И последният етап е елинизмът. Също така от описанията на древните историци може да се разбере, че е имало скулптура на Омировата Гърция, но до наши дни са оцелели само малки фигурки и съдове, украсени с рисунки. Всеки от тези етапи на гръцката култура има свои уникални характеристики.

архаичен период
През този период древногръцките художници се стремят да създадат идеален образ на мъж и жена. В скулптурата доминират фигурите на голи млади воини, наречени куро. Те трябваше да покажат доблестта, физическото здраве и силата на човек, придобити в спорта от онова време. Вторият пример за изкуство от този период е кората. Това са момичета, облечени в дълги дрехи, в които се изразява идеалът за женственост и девствена чистота. По това време се появява така наречената "архаична усмивка", която одухотворява лицата на статуите.

Изключителни примери за оцелели скулптури от архаичния период са Курос от Пирея, който днес украсява Музея на Атина, и Богинята с нар и Богинята със заек, съхранявани в Берлинския държавен музей. Доста известна е скулптурата на братята Клеобис и Битон от Аргос, която радва окото на любителите на гръцкото изкуство в Делфийския музей.

В архаичното време важно място заема и монументалната скулптура, в която основна роля играе релефът. Това са доста големи скулптурни композиции, често изобразяващи събития, описани в митовете на Древна Гърция. Например, на фронтона на храма на Артемида са изобразени действията, които се случват в историята за Медуза Горгона и смелия Персей, познати на всички от детството.

ранна класика
С прехода към класическия период неподвижността, може да се каже, статичността на архаичните скулптури, постепенно се заменя с емоционални фигури, уловени в движение. Има така нареченото пространствено движение. Позите на фигурите са все още прости и естествени, например момиче, което развързва сандал, или бегач, който се готви да започне.
Може би една от най-известните статуи от този период е "Диско хвърляч" на автора Мирон, който направи много значителен принос в изкуството на ранната класика на Гърция. Фигурата е излята от бронз през 470 г. пр. н. е. и изобразява атлет, който се готви да хвърли диск. Тялото му е перфектно и хармонично и готово за хвърляне в следващата секунда.

Друг велик скулптор от онова време е Поликлеит. Най-известна днес е неговата творба, наречена "Дорифор", създадена между 450 и 440 г. пр.н.е. Това е копиеносец, мощен, сдържан и пълен с достойнство. Той е пълен с вътрешна сила и сякаш показва желанието на гръцкия народ от онова време за възвишеност, хармония и мир. До днес, за съжаление, оригиналите на тези скулптури на Древна Гърция, излети от бронз, не са запазени. Можем само да се възхищаваме на техните копия, направени от различни материали.

В началото на ХХ век на дъното на морето близо до нос Артемисион е открита бронзова статуя на бог Посейдон. Той е изобразен като величествен, страшен, вдигнал ръката си, в която някога е държал тризъбец. Тази статуя, така да се каже, бележи прехода от периода на ранната класика към високото.

висока класика
Посоката на високата класика преследва двойна цел. От една страна, да покаже цялата красота на движението в скулптурата, а от друга страна, да съчетае външната неподвижност на фигурата с вътрешния дъх на живот. Комбинацията от тези два стремежа в творчеството му е постигната от великия скулптор Фидий. Той е известен по-специално с това, че е украсил древния Партенон с красиви мраморни скулптури.

Той също така създаде великолепен шедьовър "Атина Партенос", който, за съжаление, почина в древността. В Националния археологически музей на град Атина можете да видите само малко копие на тази статуя.
Великият художник създава още много шедьоври през своя творчески живот. Това е статуята на Атина Промахос в Акропола, която впечатлява с огромните си размери и величие, и не по-малко колосалната фигура на Зевс в храма на Олимпия, която по-късно е класирана сред едно от невероятните седем чудеса на света. .
С горчивина можем да признаем, че нашето виждане за древногръцката скулптура е далеч от истината. Почти невъзможно е да се видят оригиналните статуи от онази епоха. Много от тях са унищожени по време на преразпределението на средиземноморския свят. И друга причина за унищожаването на тези най-велики паметници на изкуството е унищожаването им от фанатично вярващи християни. Разполагаме само с техните копия на римските майстори от 1-2 век на нашата ера и описания на древни историци.

късна класика
Във времената, свързани с късната класика, скулптурата на Древна Гърция започва да се характеризира с пластичност на движенията и изработване на най-малките детайли. Фигурите започнаха да се различават по грация, гъвкавост, започнаха да се появяват първите голи женски тела. Един от най-ярките примери за това великолепие е статуята на Афродита от Книд от скулптора Праксител.

Древният римски писател Плиний каза, че тази статуя се смята за най-красивата статуя на онези времена и много поклонници се стичат в Книдос, за да я видят. Това е първата творба, в която Праксител изобразява голо женско тяло. Интересна история на тази статуя е, че скулптурите са създадени от две фигури - голи и облечени. Жителите на Кос, които поръчаха статуята на Афродита, избраха облечената богиня, страхувайки се да поемат рискове, въпреки красотата на този шедьовър. А голата скулптура е придобита от жителите на град Книд, разположен в Мала Азия, и благодарение на това те стават известни.

Друг виден представител на посоката на късната класика беше Скопас. Той се стреми да изрази бурни страсти и емоции в своите скулптури. Сред известните му творби са статуята на Аполон Кифаред, също Арес от Вила Лудовизи и скулптурата, наречена Ниобидите, умиращи около майка си.

Елинистически период
Времето на елинизма се характеризира с доста силно влияние на Изтока върху цялото изкуство на Гърция. Тази съдба не подмина и скулптурата. Чувствеността, ориенталският темперамент и емоционалността започват да проникват във величествените пози и възвишеността на класиката. Художниците започнаха да усложняват ъглите, да прилагат луксозни драперии. Голата женска красота престана да бъде нещо необичайно, богохулно и предизвикателно.

По това време се появяват огромен брой различни статуи на голата богиня Афродита или Венера. Една от най-известните статуи и до днес си остава Венера Милоска, създадена от майстор Александър около 120 г. пр.н.е. Всички сме свикнали да виждаме изображенията й без ръце, но се смята, че първоначално богинята е държала падащите си дрехи с една ръка, а в другата е държала ябълка. Нейният образ съчетава нежност, сила и красота на физическото тяло.

Също много известни статуи от този период са Афродита от Кирена и Лаокоон и неговите синове. Последната творба е изпълнена със силни емоции, драматизъм и необикновен реализъм.
Основната тема на скулптурното изкуство на Древна Гърция, очевидно, е човекът. Наистина, никъде другаде човек не е бил толкова ценен, отколкото в същата древногръцка цивилизация.

С развитието на културата скулпторите се опитват да предадат все повече и повече човешки чувства и емоции чрез своите творби. Всички тези величествени шедьоври, създадени преди десетки стотици години, все още привличат вниманието на хората и имат очарователен и невероятно впечатляващ ефект върху любителите на съвременното изкуство.

Заключение
Трудно е да се отдели един период в развитието на древногръцката култура и да не се намери в него бърз разцвет на скулптурата. Този вид изкуство непрекъснато се развива и усъвършенства, достигайки особена красота в класическата епоха, но не замира след нея, оставайки водещо. Разбира се, възможно е да се съпоставят скулптурата и архитектурата на древна Гърция, но е неприемливо да се идентифицират само в сравнение. Да, това е невъзможно, защото скулптурата не е монументална структура, а умело изработен шедьовър. Най-често древните скулптори се обръщат към образа на човек.

В своите творби те обърнаха специално внимание на позите, наличието на движение. Те се опитаха да създадат живи образи, сякаш пред нас не беше камък, а жива плът и кръв. И го направиха много добре, главно поради отговорния подход към бизнеса. Познаването на анатомията и общите идеи за човешкия характер позволиха на древногръцките майстори да постигнат това, което много скулптори на нашето време все още не могат да разберат.

1.1 Скулптура в Древна Гърция. Предпоставки за неговото развитие

Сред всички визуални изкуства на древните цивилизации, изкуството на древна Гърция, по-специално нейната скулптура, заема много специално място. Живото тяло, способно на всякаква мускулна работа, гърците поставят над всичко. Липсата на дрехи не шокира никого. Всичко беше третирано твърде просто, за да се срамува от каквото и да било. И в същото време, разбира се, целомъдрието не загуби от това.

1.2 Скулптура на Гърция в архаичната епоха

Архаичният период е периодът на формиране на древногръцката скулптура. Желанието на скулптора да предаде красотата на идеалното човешко тяло, което се проявява напълно в произведенията на по-късна епоха, вече е разбираемо, но за художника все още беше твърде трудно да се отдалечи от формата на каменен блок , а фигурите от този период са винаги статични.

Първите паметници на древногръцката скулптура от архаичната епоха се определят от геометричния стил (VIII век). Това са схематични фигурки, намерени в Атина, Олимпия , в Беотия. Архаичната ера на древногръцката скулптура пада на 7-6 век. (ранна архаика - около 650 - 580 г. пр.н.е.; вис - 580 - 530; късен - 530 - 500/480). Началото на монументалната скулптура в Гърция датира от средата на 7 век. пр.н.е д. и се характеризира с ориентализиране стилове, от които най-важен е Дедалският, свързан с името на полумитичния скулптор Дедал . Кръгът на "дедалската" скулптура включва статуя на Артемида от Делос и женска статуя на критска работа, съхранявана в Лувъра ("Дамата от Оксер"). Средата на 7 век пр.н.е д. датирани и първите kuros . Първата скулптурна украса на храма датира от същото време. - релефи и статуи от Приния в Крит. В бъдеще скулптурната украса запълва полетата, разпределени в храма по самия му дизайн - фронтоните и метопи вДорийски храм, непрекъснат фриз (зофор) - в йонийски. Най-ранните фронтонни композиции в древногръцката скулптура идват от атинския Акропол. и от храма на Артемида на остров Керкира (Корфу). Надгробни паметници, посвещения и култови статуи са представени в архаиката от вида на курос и кора . Архаичните релефи украсяват основите на статуи, фронтони и метопи на храмове (по-късно кръглата скулптура заменя релефите във фронтоните), гробни стели . Сред известните паметници на архаичната кръгла скулптура е главата на Хера, намерена близо до нейния храм в Олимпия, статуята на Клеобис и Бийтън от Делф,Мосхофор ("Телец") от атинския Акропол, Хера от Самос , статуи от Дидима, Ника Арчерма и др.. Последната статуя показва архаична схема на т. нар. „коленичащо бягане“, използвана за изобразяване на летяща или бягаща фигура. В архаичната скулптура са възприети редица други условности – например така наречената „архаична усмивка“ на лицата на архаичните скулптури.

Скулптурата от архаичната епоха е доминирана от статуи на стройни голи младежи и драпирани млади момичета - курос и кора. Нито детството, нито старостта тогава привличат вниманието на художниците, защото само в зрялата младост жизнените сили са в своя разцвет и баланс. Ранното гръцко изкуство създава образи на мъже и жени в тяхната идеална форма. В тази епоха духовните хоризонти се разшириха необикновено, човек сякаш се чувстваше лице в лице с Вселената и искаше да разбере нейната хармония, тайната на нейната цялост. Подробностите убягваха, идеите за специфичния „механизъм“ на Вселената бяха най-фантастичните, но патосът на цялото, съзнанието за универсална взаимосвързаност - това беше силата на философията, поезията и изкуството на архаична Гърция *. Както философията, тогава все още близка до поезията, проницателно отгатва общите принципи на развитие, а поезията - същността на човешките страсти, изобразителното изкуство създава обобщен човешки облик. Нека да разгледаме куросите или, както понякога ги наричат, „архаичните Аполони“. Не е толкова важно дали художникът наистина е възнамерявал да изобрази Аполон, или герой, или атлет.Човекът е млад, гол и неговата целомъдрена голота не се нуждае от свенливи прикрития. Винаги стои прав, тялото му е пронизано от готовност за движение. Конструкцията на тялото е показана и подчертана с най-голяма яснота; веднага става ясно, че дългите мускулести крака могат да се огънат в коленете и да тичат, коремните мускули могат да се напрегнат, гърдите могат да се издуят при дълбоко дишане. Лицето не изразява някакво конкретно преживяване или индивидуални черти на характера, но в него са скрити възможностите за различни преживявания. И условната "усмивка" - леко повдигнати ъгли на устата - е само възможността за усмивка, намек за радостта от съществуването, присъща на това, сякаш новосъздадено лице.

Статуите на Курос са създадени главно в райони, където доминира дорийският стил, тоест на територията на континентална Гърция; женски статуи - кора - главно в малоазийски и островни градове, центрове на йонийския стил. Красиви женски фигури са открити при разкопки на архаичния атински Акропол, построен през VI век пр.н.е. д., когато Пизистрат управляваше там, и разрушен по време на войната с персите. В продължение на двадесет и пет века мраморни кори бяха заровени в "персийския боклук"; накрая те бяха извадени оттам, полусчупени, но не загубили изключителния си чар. Може би някои от тях са изпълнени от йонийски майстори, поканени от Пизистрат в Атина; тяхното изкуство е повлияло на атическата скулптура, която сега съчетава характеристиките на дорическата строгост с йонийската грация. В кората на Атинския Акропол идеалът за женственост е изразен в нейната девствена чистота. Усмивката е светла, погледът е доверчив и сякаш радостно удивен от гледката на света, фигурата е целомъдрено драпирана с пепло - воал или лека дреха - хитон (в архаичната епоха женски фигурите, за разлика от мъжките фигури, все още не са били изобразявани голи), косите се спускат по раменете с къдрави нишки. Тези кори стояха на цокли пред храма на Атина, държейки ябълка или цвете в ръката си.

Архаичните скулптури (както между другото и класическите) не са били толкова равномерно бели, колкото си ги представяме сега. Много от тях имат следи от боя. Косите на мраморните момичета бяха златисти, бузите им розови, очите им сини. На фона на безоблачното небе на Елада всичко това трябваше да изглежда много празнично, но в същото време строго, благодарение на яснотата, спокойствието и конструктивността на формите и силуетите. Нямаше излишна пищност и пъстрота. Търсенето на рационални основи на красотата, хармония, основана на мярка и число, е много важен момент в естетиката на гърците. Питагорейските философи се стремят да уловят естествените числени отношения в музикалните съзвучия и в подредбата на небесните тела, вярвайки, че музикалната хармония съответства на природата на нещата, на космическия ред, "хармонията на сферите". Художниците търсят математически коригирани пропорции на човешкото тяло и "тялото" на архитектурата.В това ранното гръцко изкуство е коренно различно от критско-микенското изкуство, което е чуждо на всякаква математика.

Много оживена жанрова сцена:Така в епохата на архаиката са положени основите на древногръцката скулптура, насоките и вариантите за нейното развитие. Още тогава са ясни основните цели на скулптурата, естетическите идеали и стремежи на древните гърци. В по-късни периоди се осъществява развитието и усъвършенстването на тези идеали и уменията на древните скулптори.

1.3 Класическа гръцка скулптура

Класическият период на древногръцката скулптура пада на 5-4 век пр.н.е. (ранен класически или "строг стил" - 500/490 - 460/450 г. пр. н. е.; висок - 450 - 430/420 г. пр. н. е.; "богат стил" - 420 - 400/390 г. пр. н. е., късна класика - 400/390 г. - ДОБРЕ. 320 г. сл. Хр пр.н.е д.). На границата на две епохи - архаична и класическа - има скулптурна украса на храма на Атина Афая на остров Егина . Скулптурите на западния фронтон датират от времето на основаването на храма (510 г. - 500 години пр.н.е пр.н.е.), скулптури от втория изток, заменящи предишните, - до ранното класическо време (490 - 480 г. пр. н. е.). Централният паметник на древногръцката скулптура от ранната класика са фронтоните и метопите на храма на Зевс в Олимпия (около 468 г. - 456 пр.н.е д.). Друго значимо произведение на ранната класика - така нареченият "Трон на Лудовизи", украсени с релефи. От това време идват и редица бронзови оригинали - Делфийският колесничар, статуя на Посейдон от нос Артемизиум, бронз от Риаче . Най-големите скулптори на ранната класика - Питагор Регийски, Каламис и Мирон . Ние съдим за работата на известните гръцки скулптори главно по литературни свидетелства и по-късни копия на техните произведения. Високата класика е представена от имената на Фидий и Поликлетос . Краткосрочният му разцвет е свързан с работата по Атинския акропол, тоест със скулптурната украса на Партенона. (дойдоха фронтоните, метопите и зофорите, 447 - 432 г. пр.н.е.). Върхът на древногръцката скулптура очевидно е бил хризоелефантинът статуи на Атина Партенос и Зевс Олимп от Фидий (и двете не са запазени). „Богатият стил“ е характерен за произведенията на Калимах, Алкамен, Агоракрит и други скулптори от 5 век. пр.н.е e .. Неговите характерни паметници са релефите на балюстрадата на малкия храм на Нике Аптерос на атинския Акропол (около 410 г. пр.н.е.) и редица гробни стели, сред които най-известна е стелата Гегесо . Най-важните произведения на древногръцката скулптура от късната класика са украсата на храма на Асклепий в Епидавър (около 400 - 375 пр.н.е.), храмът на Атина Алей в Тегея (около 370 - 350 г. пр. н. е.), Храмът на Артемида в Ефес (около 355 - 330 г. пр. н. е.) и Мавзолеят в Халикарнас (ок. 350 г. пр. н. е.), върху чиято скулптурна украса са работили Скопас, Бриаксид, Тимотей и Леохар . На последния се приписват и статуите на Аполон Белведерски. и Диана от Версай . Има и редица бронзови оригинали от 4 век пр.н.е. пр.н.е д. Най-големите скулптори на късната класика са Праксител, Скопас и Лизип, до голяма степен предугаждайки последвалата епоха на елинизма.

Гръцката скулптура е оцеляла частично на фрагменти и фрагменти. Повечето от статуите са ни известни от римски копия, които са изпълнени в много, но не предават красотата на оригиналите. Римските преписвачи ги огрубяват и изсушават, а превръщайки бронзовите продукти в мрамор, ги обезобразяват с тромави реквизити. Големите фигури на Атина, Афродита, Хермес, Сатир, които сега виждаме в залите на Ермитажа, са само бледи преработки на гръцки шедьоври. Подминаваш ги почти равнодушно и изведнъж се спираш пред някаква глава със счупен нос, с увредено око: това е гръцки оригинал! И удивителната сила на живота внезапно лъха от този фрагмент; самият мрамор е различен от този на римските статуи - не е мъртвешки бял, а жълтеникав, прозрачен, светещ (гърците все още са го търкали с восък, което е придавало на мрамора топъл тон). Толкова нежни са топящите се преходи на chiaroscuro, толкова благородно е мекото моделиране на лицето, че човек неволно си спомня насладата на гръцките поети: тези скулптури наистина дишат, те наистина са живи *. В скулптурата от първата половина на века, когато имаше войни с персите, преобладаваше смел, строг стил. Тогава е създадена статуйна група от тираници: зрял съпруг и млад мъж, застанали един до друг, правят импулсивно движение напред, по-младият вдига меча, по-възрастният го прикрива с наметало. Това е паметник на исторически личности - Хармодий и Аристогейтон, убили атинския тиранин Хипарх няколко десетилетия по-рано - първият политически паметник в гръцкото изкуство. В същото време той изразява героичния дух на съпротива и свободолюбие, пламнали в епохата на гръко-персийските войни. „Те не са роби на смъртни, не са подчинени на никого“, казват атиняните в трагедията на Есхил „Персите“. Битки, схватки, подвизи на герои... Изкуството на ранната класика е изпълнено с тези войнствени сюжети. На фронтоните на храма на Атина в Егина - борбата на гърците с троянците. На западния фронтон на храма на Зевс в Олимпия - борбата на лапитите с кентаврите, на метопите - всичките дванадесет подвига на Херкулес. Друг любим комплекс от мотиви са гимнастическите състезания; в онези далечни времена физическата подготовка, овладяването на движенията на тялото са били от решаващо значение за изхода на битките, така че атлетичните игри далеч не са били просто забавление. Темите за ръкопашни битки, състезания по конен спорт, състезания по бягане, хвърляне на диск научиха скулпторите да изобразяват човешкото тяло в динамика. Архаичната скованост на фигурите е преодоляна. Сега те действат, движат се; появяват се сложни пози, смели ъгли и широки жестове. Най-яркият новатор беше атическият скулптор Мирон. Основната задача на Мирон беше да изрази движението възможно най-пълно и силно. Металът не позволява толкова прецизна и фина работа като мрамора и може би затова се е насочил към намирането на ритъма на движение. Балансът, величественият "етос" се запазва в класическата скулптура със строг стил. Движението на фигурите не е нито хаотично, нито прекалено възбудено, нито прекалено бързо. Дори в динамичните мотиви на битка, бягане, падане не се губи усещането за "олимпийско спокойствие", цялостна пластична завършеност, самоизолация.

Атина, която той направи по поръчка на Платея и която струва много скъпо на този град, укрепи славата на младия скулптор. За него е поръчана колосална статуя на покровителката Атина за Акропола. Тя достигаше 60 фута височина и надхвърляше всички съседни сгради; отдалеч, от морето, тя блестеше като златна звезда и царуваше над целия град. Не беше акролитна (композитна), като платейската, а цялата излята от бронз. Друга статуя на Акропола, Атина Богородица, направена за Партенона, се състоеше от злато и слонова кост. Атина беше изобразена в боен костюм, в златен шлем с висок релеф на сфинкс и лешояди отстрани. В едната си ръка държеше копие, а в другата фигура на победа. В краката й имаше змия, пазителката на Акропола. Тази статуя се счита за най-доброто уверение на Фидий след неговия Зевс. Той служи като оригинал за безброй копия. Но върхът на съвършенството от всички произведения на Фидий се смята за неговия олимпийски Зевс. Това беше най-великото дело на живота му: самите гърци му дадоха палмата. Той прави неустоимо впечатление на своите съвременници.

Зевс е изобразяван на трон. В едната си ръка той държеше скиптър, в другата - изображението на победата. Тялото беше направено от слонова кост, косата беше златиста, мантията беше златиста, емайлирана. Композицията на трона включваше абанос, кости и скъпоценни камъни. Стените между краката са изрисувани от братовчед на Фидий, Панен; подножието на трона беше чудо на скулптурата. Възхищението на гърците от красотата и мъдрата структура на живото тяло беше толкова голямо, че те го мислеха естетически само в статуарна пълнота и завършеност, което позволяваше да се оцени величието на позата, хармонията на движенията на тялото. Но все пак изразителността не беше толкова в изражението на лицето, колкото в движенията на тялото. Гледайки мистериозно спокойните мойри на Партенона, бързата, пъргава Ника, която развързва сандала си, почти забравяме, че главите им са били отрязани - толкова красноречива е пластиката на фигурите им.

Наистина, телата на гръцките статуи са необичайно вдъхновени. Френският скулптор Роден каза за един от тях: "Този младежки торс без глава се усмихва по-радостно на светлината и пролетта, отколкото очите и устните биха могли." Движенията и позите в повечето случаи са прости, естествени и не е задължително да се свързват с нещо възвишено. Главите на гръцките статуи като правило са безлични, т.е. те са малко индивидуализирани, сведени до няколко вариации на общия тип, но този общ тип има висок духовен капацитет. В гръцкия тип лице триумфира идеята за "човек" в идеалния му вариант. Лицето е разделено на три части с еднаква дължина: чело, нос и долна част. Правилен, нежен овал. Правата линия на носа продължава линията на челото и образува перпендикуляр на линията, прекарана от началото на носа до отвора на ухото (десен лицев ъгъл). Продълговата част от доста дълбоко разположени очи. Малка уста, пълни изпъкнали устни, горната устна е по-тънка от долната и има красиво гладко деколте като лък на Купидон. Брадичката е голяма и кръгла. Вълнообразната коса меко и плътно приляга към главата, без да пречи на заоблената форма на черепа. Тази класическа красота може да изглежда монотонна, но, бидейки изразителен „естествен образ на духа“, тя се поддава на вариации и е в състояние да въплъти различни видове античен идеал. Малко повече енергия в склада на устните, в изпъкналата брадичка - пред нас е строга дева Атина. Има повече мекота в очертанията на бузите, устните са леко полуотворени, очните кухини са засенчени – пред нас е чувственото лице на Афродита. Овалът на лицето е по-близо до квадрата, шията е по-дебела, устните са по-големи - това вече е образът на млад спортист. И основата остава същата строго пропорционална класическа визия.

След войната ... Характерната поза на изправена фигура се променя. В архаичната епоха статуите стоят напълно прави, фронтално. Една зряла класика ги съживява и оживява с балансирани, плавни движения, поддържайки баланс и стабилност. А статуите на Праксител – почиващият Сатир, Аполон Сауроктон – се облягат с ленива грация на колони, без тях те щяха да паднат. Бедрото от едната страна е много силно извито, а рамото е спуснато ниско към бедрото - Роден сравнява това положение на тялото с хармоника, когато мехът е компресиран от едната страна и се раздалечава от другата. За баланс е необходима външна опора. Това е позата на мечтаната релаксация. Праксител следва традициите на Поликлеит, използва откритите от него мотиви на движенията, но ги развива така, че в тях вече прозира различно вътрешно съдържание. „Ранената амазонка“ Поликлетай също се обляга на полуколона, но би могла да стои и без нея, нейното силно, енергично тяло, дори страдащо от рана, стои здраво на земята. Аполон Праксител не е ударен от стрела, той самият се цели в гущер, който тича по ствола на дърво - действието, изглежда, изисква волево хладнокръвие, но тялото му е нестабилно, като люлеещо се стъбло. И това не е случаен детайл, не е прищявка на скулптора, а един вид нов канон, в който намира израз промененият поглед към света. Но не само естеството на движенията и позите се променя в скулптурата от 4 век пр.н.е. д. Кръгът от любими теми на Праксител става различен, той се отдалечава от героичните сюжети в "светлия свят на Афродита и Ерос". Той извая прочутата статуя на Афродита от Книд. Праксител и художниците от неговия кръг не обичаха да изобразяват мускулестите торсове на атлетите, те бяха привлечени от деликатната красота на женското тяло с меки преливащи се обеми. Те предпочитаха типа на младостта, - отличаваща се с "първата младост с женствена красота". Праксител беше известен със специалната мекота на моделиране и умението да обработва материала, способността да предаде топлината на живо тяло в студен мрамор2.

Единственият оцелял оригинал на Праксител е мраморната статуя на Хермес с Дионис, намерена в Олимпия. Голият Хермес, облегнат на дънер, където небрежно е захвърлена мантията му, държи на едната свита ръка малкия Дионис, а в другата гроздова чепка, към която се протяга дете (ръката, която държи гроздето, е изгубена). Цялото очарование на изобразителната обработка на мрамор е в тази статуя, особено в главата на Хермес: преходите на светлина и сянка, най-финото „сфумато“ (мъгла), което много векове по-късно Леонардо да Винчи постига в живописта. Всички други произведения на майстора са известни само от препратки към древни автори и по-късни копия. Но духът на изкуството на Праксител се носи през 4 век пр.н.е. д., и най-добре се усеща не в римски копия, а в малка гръцка пластика, в глинени фигурки от Танагра. Те са направени в края на века в големи количества, това е вид масово производство с основен център в Танагра. (Много добра колекция от тях се съхранява в Ленинградския Ермитаж.) Някои фигурки възпроизвеждат добре познатите големи статуи, други просто дават различни свободни варианти на драпирана женска фигура. Живата грация на тези фигури, замечтани, замислени, игриви, е ехо от изкуството на Праксител.

1.4 Скулптура на елинистическа Гърция

Самото понятие "елинизъм" съдържа косвено указание за победата на елинското начало. Дори в отдалечените райони на елинистическия свят, в Бактрия и Партия (днешна Централна Азия), древните форми на изкуство се появяват по особен начин. И Египет е трудно да се разпознае, неговият нов град Александрия вече е истински просветен център на древната култура, където процъфтяват точните науки, хуманитарните науки и философските школи, произхождащи от Питагор и Платон. Елинистическата Александрия дава на света великия математик и физик Архимед, геометъра Евклид, Аристарх от Самос, който осемнадесет века преди Коперник доказва, че Земята се върти около Слънцето. Шкафовете на известната Александрийска библиотека, маркирани с гръцки букви, от алфа до омега, съхраняват стотици хиляди свитъци - "писания, които блестяха във всички области на знанието". Там се издигаше грандиозният фар на Фарос, класиран сред седемте чудеса на света; Там е създаден Мусейон, дворецът на музите - прототип на всички бъдещи музеи. В сравнение с този богат и разкошен пристанищен град, столицата на Птолемеев Египет, градът на гръцката метрополия, дори Атина трябва да изглежда скромна. Но тези скромни малки градове бяха главните източници на културните съкровища, които Александрия пазеше и почиташе, тези традиции, които продължаваха да се следват. Ако елинистическата наука дължи много на наследството на Древния Изток, то пластичните изкуства запазват предимно гръцки характер.

Основните формиращи принципи идват от гръцката класика, съдържанието става различно. Имаше решително разграничаване на обществения и личния живот. В елинистическите монархии се установява култът към едноличния владетел, приравнен на божество, подобно на това в древните източни деспотии. Но приликата е относителна: „частното лице“, което политическите бури не докосват или докосват леко, далеч не е толкова безлично, колкото в древните източни държави. Той има свой живот: той е търговец, той е предприемач, той е чиновник, той е учен. Освен това той често е от гръцки произход - след завоеванията на Александър започва масовата миграция на гърци на изток - не са му чужди концепциите за човешко достойнство, възпитани от гръцката култура. Нека бъде отстранен от властта и държавните дела – неговият изолиран личен свят изисква и намира за себе си художествен израз, чиято основа са традициите на късната гръцка класика, преработени в духа на по-голяма интимност и жанр. А в изкуството „държавно“, официално, в големи обществени сгради и паметници, същите традиции се обработват, напротив, в посока на помпозност.

Помпозността и интимността са противоположни черти; Елинистическото изкуство е пълно с контрасти - гигантско и миниатюрно, церемониално и битово, алегорично и природно. Светът стана по-сложен, по-разнообразни естетически изисквания. Основната тенденция е отклонение от обобщения човешки тип към разбирането на човека като конкретно, индивидуално същество и оттам нарастващото внимание към неговата психология, интерес към събитията и нова бдителност към национални, възрастови, социални и други признаци на личността. Но тъй като всичко това е изразено на език, наследен от класиката, който не си поставя такива задачи, в новаторските произведения на елинистическата епоха се усеща известен неорганизъм, те не постигат целостта и хармонията на своите велики предшественици. Портретната глава на героизираната статуя на Диадоха не се вписва в голия му торс, който повтаря типа на класически атлет. На драмата на многофигурната скулптурна група „Фарнезешки бик” противоречи „класическата” представителност на фигурите, техните пози и движения са твърде красиви и плавни, за да се повярва в истинността на техните преживявания. В множество паркови и камерни скулптури традициите на Праксител стават по-малки: Ерос, „великият и могъщ бог“, се превръща в игрив, игрив Купидон; Аполон – в кокетно глезения Аполон; укрепването на жанра не е в тяхна полза. А добре познатите елинистически статуи на стари жени, носещи провизии, пияна старица, стар рибар с отпуснато тяло нямат силата на образно обобщение; изкуството овладява тези нови за него типове външно, без да навлиза в дълбините - все пак класическото наследство не им е дало ключ. Статуята на Афродита, традиционно наричана Венера Милоска, е намерена през 1820 г. на остров Мелос и веднага придобива световна слава като съвършено творение на гръцкото изкуство. Тази висока оценка не е разклатена от много по-късни находки на гръцки оригинали - Афродита от Милос заема специално място сред тях. Екзекутиран, очевидно, през II век пр.н.е. д. (от скулптора Агесандър или Александър, както казва полуизтритият надпис на цокъла), тя почти не прилича на съвременните й статуи, изобразяващи богинята на любовта. Елинистичните Афродити най-често се издигат до типа на Афродита от Книд Праксител, правейки я чувствено съблазнителна, дори леко мила; такава е например известната Афродита от Медисея. Афродита от Милос, само полугола, драпирана до бедрата, е строга и възвишено спокойна. Тя олицетворява не толкова идеала за женска красота, а идеала за човек в общ и по-висш смисъл. Руският писател Глеб Успенски е намерил добър израз: идеалът за „прав мъж“. Статуята е добре запазена, но ръцете й са отчупени. Много спекулации бяха направени относно това, което правеха тези ръце: богинята държеше ли ябълка? или огледало? или е държала ръба на дрехата си? Убедителна реконструкция не е намерена, всъщност няма нужда от нея. „Безръката“ на Афродита от Мило с течение на времето се превърна в неин атрибут, тя ни най-малко не пречи на нейната красота и дори засилва впечатлението за величието на фигурата. И тъй като не е запазена нито една непокътната гръцка статуя, именно в това частично повредено състояние Афродита се появява пред нас като „мраморна гатанка“, замислена от древността като символ на далечна Елада.

Друг забележителен паметник на елинизма (от тези, които са достигнали до нас и колко са изчезнали!) е олтарът на Зевс в Пергамон. Пергамската школа, повече от други, гравитира към патос и драма, продължавайки традициите на Скопас. Неговите художници не винаги прибягват до митологични сюжети, както е било в класическата епоха. На площада на Пергамския акропол имаше скулптурни групи, които увековечиха истинско историческо събитие - победата над "варварите", галските племена, които обсаждаха Пергамонското кралство. Изпълнени с експресия и динамика, тези групи се отличават и с факта, че артистите отдават почит на победените, показвайки ги едновременно доблестни и страдащи. Те изобразяват гал, който убива жена си и себе си, за да избегне плен и робство; изобразяват смъртно ранен гал, полегнал на земята с ниско наведена глава. По лицето и фигурата му веднага се разбира, че е „варварин”, чужденец, но загива героично и това е показано. В своето изкуство гърците не се снишиха дотам, че да унижат противниците си; тази черта на етическия хуманизъм се проявява с особена яснота, когато противниците - галите - са изобразени реалистично. След кампаниите на Александър като цяло много се промени по отношение на чужденците. Както пише Плутарх, Александър се е смятал за помирителя на вселената, „накарал всички да пият ... от една и съща чаша на приятелство и смесвайки животи, обичаи, бракове и форми на живот“. Моралът и формите на живот, както и формите на религията, наистина започнаха да се смесват в епохата на елинизма, но приятелството не царуваше и мирът не дойде, раздорите и войните не спряха. Войните на Пергам с галите са само един от епизодите. Когато най-накрая победата над галите е спечелена, олтарът на Зевс е издигнат в нейна чест, завършен през 180 г. пр.н.е. д. Този път дългогодишната война с "варварите" се явява като гигантомахия - борбата на олимпийските богове с гигантите. Според древния мит гиганти - гиганти, които живеели далеч на запад, синовете на Гея (Земята) и Уран (Небето) - се разбунтували срещу олимпийците, но били победени от тях след ожесточена битка и погребани под вулкани, в дълбините недрата на майката земя, оттам напомнят за себе си вулканични изригвания и земетресения. Грандиозен мраморен фриз с дължина около 120 метра, изпълнен в техниката на високия релеф, опасваше основата на олтара. Останките от тази структура са разкопани през 1870 г.; благодарение на усърдната работа на реставраторите беше възможно да се свържат хиляди фрагменти и да се получи доста пълна картина на цялостната композиция на фриза. Струпват се могъщи тела, преплитат се като кълбо змии, победените великани са измъчвани от рошави лъвове, кучетата се ровят в зъбите им, конете се тъпчат, но великаните се бият яростно, техният водач Порфирион не отстъпва пред гръмовержеца Зевс. Майката на великаните, Гея, моли за милост към синовете си, но тя не е чута. Битката е страшна. В напрегнатите ъгли на телата, в тяхната титанична мощ и трагичен патос има нещо, предвещаващо Микеланджело. Въпреки че битките и схватките са честа тема в древните релефи още от архаиката, те никога не са били изобразявани по същия начин, както на пергамския олтар - с такова потреперващо усещане за катаклизъм, битки на живот и смърт, където всички космически сили , всички демони са замесени.земя и небе. Структурата на композицията се е променила, тя е загубила класическата си яснота, станала е завихрена, объркваща. Нека си припомним фигурите на Скопас върху релефа на Мавзолея в Халикарнас. Те, с цялата си динамика, са разположени в една и съща пространствена равнина, разделени са от ритмични интервали, всяка фигура има определена самостоятелност, масите и пространството са балансирани. Пергамският фриз е различен - тези, които се бият плътно тук, масата е потиснала пространството и всички фигури са толкова преплетени, че образуват бурна бъркотия от тела. И телата са все така класически красиви, „понякога сияещи, понякога страховити, живи, мъртви, триумфални, загиващи фигури“, както каза И. С. Тургенев за тях *. Красиви олимпийци, красиви и техните врагове. Но хармонията на духа се колебае. Изкривени от страдание лица, дълбоки сенки в орбитите на очите, змиевидни коси... Олимпийците все още триумфират над силите на подземните елементи, но тази победа не е за дълго - елементарните принципи заплашват да взривят един хармоничен, хармоничен свят. Точно както изкуството на гръцката архаика не трябва да се оценява само като първи предшественици на класиката, а Елинистичното изкуство като цяло не може да се счита за късно ехо на класиката, подценявайки фундаментално новото, което донесе. Това ново е свързано с разширяването на хоризонтите на изкуството и с неговия любознателен интерес към човешката личност и конкретните, реални условия на нейния живот. Оттук, на първо място, развитието на портрета, индивидуалния портрет, който е почти непознат за високата класика, а късната класика е само в нейните покрайнини. Елинистичните художници, дори правейки портрети на хора, които отдавна не са живи, им дават психологическа интерпретация и се стремят да разкрият уникалността както на външния, така и на вътрешния облик. Не съвременници, а потомци ни оставиха ликовете на Сократ, Аристотел, Еврипид, Демостен и дори легендарния Омир, вдъхновен сляп разказвач. Портретът на неизвестен стар философ е удивителен по своя реализъм и израз - очевидно непримирим страстен полемист, чието набръчкано лице с остри черти няма нищо общо с класическия тип. Преди това се е смятало за портрет на Сенека, но известният стоик е живял по-късно, отколкото този бронзов бюст е бил изваян.

За първи път дете с всички анатомични особености на детството и с цялото присъщо му очарование става обект на пластична хирургия. В класическата епоха малките деца са били изобразявани, ако изобщо са били изобразявани като миниатюрни възрастни. Дори при Праксител, в групата на Хермес с Дионис, Дионис почти не прилича на бебе по своята анатомия и пропорции. Изглежда едва сега са забелязали, че детето е много специално създание, бързо и хитро, със свои специални навици; забелязан и толкова пленен от него, че самият бог на любовта Ерос започва да се представя като дете, полагайки основата на традиция, която се е утвърдила от векове. Закръглените къдрави деца на елинистическите скулптори са заети с всякакви трикове: те яздят делфин, играят с птици, дори удушават змии (това е малкият Херкулес). Особено популярна беше статуята на момче, което се бори с гъска. Такива статуи са били поставяни в паркове, били са украса на фонтани, били са поставени в светилищата на Асклепий, богът на изцелението, а понякога са били използвани за надгробни плочи.

Заключение

Разгледахме скулптурата на Древна Гърция през целия период на нейното развитие. Видяхме целия процес на неговото формиране, разцвет и упадък – целият преход от строгите, статични и идеализирани архаични форми през балансираната хармония на класическата скулптура до драматичния психологизъм на елинистическите статуи. Скулптурата на Древна Гърция с право се счита за модел, идеал, канон в продължение на много векове и сега не престава да бъде призната за шедьовър на световната класика. Нищо подобно не е постигнато нито преди, нито след това. Цялата съвременна скулптура може да се счита в една или друга степен за продължение на традициите на древна Гърция. Скулптурата на Древна Гърция в своето развитие е преминала труден път, проправяйки пътя за развитието на пластичното изкуство от следващите епохи в различни страни. По-късно традициите на древногръцката скулптура бяха обогатени с нови разработки и постижения, докато древните канони послужиха като необходима основа, основа за развитието на пластичното изкуство през всички следващи епохи.