«Гравці у карти»

Автор

Поль Сезанн

Країна Франція
Роки життя 1839–1906
Стиль постімпресіонізм

Художник народився Півдні Франції у невеликому містечку Екс-ан-Прованс, але живописом став займатися Парижі. Справжній успіх прийшов до нього після персональної виставки організованої колекціонером Амбруазом Волларом. 1886 року, за 20 років до свого відходу, він перебрався на околицю рідного міста. Поїздки до нього молоді художники називали «паломництвом у Екс».

130х97 см
1895 рік
вартість
$250 млн
продано в 2012 році
на приватних торгах

Творчість Сезанна легко зрозуміти. Єдиним правилом художника була пряма передача предмета чи сюжету на полотно, тому картини не викликають подиву глядача. Сезанн поєднав у своєму мистецтві дві головні французькі традиції: класицизм та романтизм. За допомогою барвистої фактури він надавав формі предметів надзвичайної пластичності.

Серію з п'яти картин «Гравці в карти» написано в 1890–1895 роках. Сюжет їх однаковий – кілька людей захоплено грають у покер. Відрізняються роботи лише кількістю гравців та розмірами полотна.

Чотири картини зберігаються в музеях Європи та Америки (Музей д'Орсе, Метрополітен-музей, Фонд Барнса та Інститут мистецтв Курто), а п'ята донедавна була окрасою приватної колекції грецького мільярдера-судновласника Георга Ембірікоса. Незадовго до своєї смерті взимку 2011 року він вирішив виставити її на продаж. Потенційними покупцями «вільної» роботи Сезанна стали арт-дилер Вільям Аквавелла та галерист зі світовим ім'ям Ларрі Гагосян, які за неї пропонували близько 220 млн доларів. В результаті картина дісталася королівській родині арабської держави Катар за 250 млн. Найбільша арт-операція в історії живопису була закрита у лютому 2012 року. Про це у Vanity Fair повідомила журналістка Олександра Пірс. Вона дізналася вартість картини та ім'я нового власника, а потім інформація проникла у ЗМІ всього світу.

У 2010 році в Катарі відкрилися Арабський музей сучасного мистецтва та Катарський національний музей. Нині їхні колекції поповнюються. Можливо, п'ята версія «Гравців у карти» придбана шейхом із цією метою.

Самадорога картинав світі

Власник
Шейх Хамад
бін Халіфа аль-Тані

Династія аль-Тані править Катаром понад 130 років. Близько півстоліття тому тут були виявлені величезні запаси нафти і газу, що зробило Катар одним з найбагатших регіонів світу. Завдяки експорту вуглеводнів у цій маленькій країні зафіксовано найбільший ВВП душу населення. Шейх Хамад бін Халіфа аль-Тані у 1995 році, поки батько перебував у Швейцарії, за підтримки членів сім'ї захопив владу. Заслуга чинного правителя, на думку експертів, у чіткій стратегії розвитку країни, створення успішного іміджу держави. Наразі у Катарі з'явилися конституція та прем'єр-міністр, а жінки отримали право голосу на парламентських виборах. До речі, саме емір Катара заснував канал новин «Аль-Джазіра». Велику увагу влада арабської держави приділяє культурі.

2

«Номер 5»

Автор

Джексон Поллок

Країна США
Роки життя 1912–1956
Стиль абстрактний експресіонізм

Джек Розбризкувач – таке прізвисько Поллоку дала американська публіка за особливу техніку живопису. Художник відмовився від кисті та мольберту, а фарбу розливав поверхнею полотна або фіброліта під час безперервного руху навколо і всередині них. З ранніх років він захоплювався філософією Джідду Крішнамурті, головне посилання якої – істина відкривається під час вільного «виливу».

122х244 см
1948 рік
вартість
$140 млн
продано у 2006 році
на аукціоні Sotheby's

Цінність робіт Поллока – над результаті, а процесі. Автор не випадково називав своє мистецтво «живописом дії». З його легкої руки він став головним надбанням Америки. Джексон Поллок змішував фарбу з піском, битим склом, а писав шматком картону, мастихіном, ножем, совком. Художник був настільки популярний, що у 1950-х наслідувачі знайшлися навіть у СРСР. Картина «Номер 5» визнана однією з найдивніших і найдорожчих у світі. Один із творців компанії DreamWorks Девід Геффен придбав її для приватної колекції, а 2006 року продав на аукціоні Sotheby`s за 140 млн доларів мексиканському колекціонеру Девіду Мартінесу. Однак невдовзі юридична фірма від імені свого клієнта випустила прес-реліз, де повідомлялося, що Девід Мартінес не є власником картини. Достеменно відомо лише одне: мексиканський фінансист справді останнім часом колекціонував твори сучасного мистецтва. Навряд чи він упустив би таку «велику рибу», як «Номер 5» Поллока.

3

«Жінка III»

Автор

Віллем де Кунінг

Країна США
Роки життя 1904–1997
Стиль абстрактний експресіонізм

Виходець із Нідерландів, він емігрував до США 1926 року. 1948-го відбулася персональна виставка художника. Арт-критики оцінили складні, нервові чорно-білі композиції, визнавши їх автора великого художника-модерніста. Більшу частину життя він страждав на алкоголізм, але радість створення нового мистецтва відчувається в кожній роботі. Де Кунінг відрізняє імпульсивність живопису, широкі мазки, через що часом зображення не вміщується в межах полотна.

121х171 см
1953 рік
вартість
$137 млн
продано у 2006 році
на приватних торгах

У 1950-х на картинах де Кунінга з'являються жінки з порожніми очима, масивними грудьми, потворними рисами обличчя. «Жінка III» стала останньою роботою цієї серії, що бере участь у торгах.

З 1970-х років картина зберігалася в Тегеранському музеї сучасного мистецтва, проте після введення жорстких правил моралі в країні її прагнули позбутися. 1994-го роботу було вивезено з Ірану, а ще через 12 років її власника Девіда Геффена (той самий продюсер, який продав полотно Джексона Поллока «Номер 5») поступився картиною мільйонеру Стівену Коену за 137,5 млн доларів. Цікаво те, що Геффен за рік став розпродавати свою колекцію живопису. Це породило багато чуток: наприклад, що продюсер вирішив купити газету Los Angeles Times.

На одному з арт-форумів було висловлено думку про схожість «Жінки III» із картиною Леонардо да Вінчі «Дама з горностаєм». За зубастою посмішкою і безформною фігурою героїні поціновувач живопису розглянув грацію особи королівської крові. Про це говорить і погано промальована корона, що вінчає голову жінки.

4

«Портрет АделіБлох-Бауер I»

Автор

Густав Клімт

Країна Австрія
Роки життя 1862–1918
Стиль модерн

Густав Клімт народився в сім'ї художника-гравера і був другим із семи дітей. Три сини Ернеста Клімта стали художниками, а прославився на весь світ лише Густав. Більшу частину дитинства він провів у злиднях. Після смерті батька на нього лягла відповідальність за всю сім'ю. Саме тим часом Клімт розвиває свій стиль. Перед його картинами завмирає будь-який глядач: під тонкими мазками золота виразно видно відвертий еротизм.

138х136 см
1907 рік
вартість
$135 млн
продано у 2006 році
на аукціоні Sotheby's

Доля картини, яку називають «Австрійською Моною Лізою», може стати основою для бестселера. Робота художника стала причиною конфлікту цілої держави та однієї літньої дами.

Отже, на "Портреті Аделі Блох-Бауер I" зображено аристократку, дружину Фердинанда Блоха. Її останньою волею було передати картину австрійській державній галереї. Проте Блох у своєму заповіті скасував дарування, і полотно експропріювали нацисти. Пізніше галерея насилу викупила «Золоту Адель», але тут з'явилася спадкоємиця – Марія Альтман, племінниця Фердинанда Блоха.

2005 року розпочався гучний процес «Марія Альтман проти Австрійської республіки», за підсумками якого картина «поїхала» разом з нею до Лос-Анджелеса. Австрія вжила безпрецедентні заходи: велися переговори про позики, населення жертвувало гроші, щоби викупити портрет. Добро так і не перемогло зло: ціну Альтман підняла до 300 млн. доларів. На момент розгляду їй було 79 років, і вона увійшла в історію як людина, яка змінила волю Блох-Бауера на користь особистих інтересів. Картина була придбана Рональдом Лаудерем, власником «Нової галереї» у Нью-Йорку, де й досі. Не для Австрії, для нього Альтман знизила ціну до 135 млн. доларів.

5

«Крік»

Автор

Едвард Мунк

Країна Норвегія
Роки життя 1863–1944
Стиль експресіонізм

Перша картина Мунка, яка стала відомою в усьому світі, – «Хвора дівчинка» (є в п'яти примірниках) – присвячена сестрі художника, яка померла від туберкульозу у віці 15 років. Мунка завжди цікавила тема смерті та самотності. У Німеччині його важкий, маніакальний живопис навіть спровокував скандал. Однак, незважаючи на депресивні сюжети, його картини мають особливий магнетизм. Взяти хоча б "Крік".

73,5х91 см
1895 рік
вартість
$119,992 млн
продана в 2012 року
на аукціоні Sotheby's

Повна назва картини – Der Schrei der Natur (у перекладі з німецької – крик природи). Обличчя чи то людини, чи інопланетянина висловлює відчай і паніку – ці ж емоції відчуває глядач при погляді на картину. Один із ключових творів експресіонізму попереджає теми, що стали гострими у мистецтві XX століття. За однією з версій, художник створив її під впливом психічного розладу, на який страждав все життя.

Картина двічі вкрали з різних музеїв, але її повертали. «Крік», який отримав невеликі пошкодження після крадіжки, відреставрували, і він знову був готовий до показу в Музеї Мунка в 2008 році. Для представників поп-культури твір став джерелом натхнення: Енді Уорхол створив серію його принтів-копій, а маску з фільму «Крік» виготовили за образом і подобою героя картини.

На один сюжет Мунк написав чотири версії твору: та, що знаходиться у приватній колекції, виконана пастеллю. Норвезький мільярдер Петтер Олсен виставив її на аукціон 2 травня 2012 року. Покупцем став Леон Блек, котрий не пошкодував за «Крік» рекордної суми. Засновник компаній Apollo Advisors, L.P. та Lion Advisors, L.P. відомий своєю любов'ю до мистецтва. Блек - заступник коледжу Дартмута, Музею сучасного мистецтва, Арт-центру Лінкольна, Московського музею мистецтв. Він має найбільшу колекцію картин сучасних художників та класичних майстрів минулих століть.

6

«Оголена на тлі бюста та зеленого листя»

Автор

Пабло Пікассо

Країна Іспанія, Франція
Роки життя 1881–1973
Стиль кубізм

За походженням він іспанець, а за духом та місцем проживання – справжній француз. Власну художню студію Пікассо відкрив у Барселоні, коли йому було лише 16 років. Потім він поїхав до Парижа і провів там більшу частину життя. Саме тому у його прізвищі подвійний наголос. В основі стилю, вигаданого Пікассо, лежить заперечення думки, що зображений на полотні предмет можна розглядати лише під одним ракурсом.

130х162 см
1932 рік
вартість
$106,482 млн
продано в 2010 році
на аукціоні Christie's

Під час своєї роботи в Римі художник зустрів танцівницю Ольгу Хохлову, яка незабаром стала його дружиною. Він покінчив із бродяжництвом, переїхав разом з нею до розкішної квартири. На той час визнання знайшло героя, а ось шлюб був зруйнований. Одна з найдорожчих картин світу створена майже випадково – з великого кохання, яке, як завжди у Пікассо, було недовго. 1927 року він захопився юною Марі-Терез Вальтер (їй було 17 років, йому – 45). Потай від дружини поїхав із коханкою до містечка під Парижем, де й написав портрет, зобразивши Марі-Терез в образі Дафни. Полотно придбав нью-йоркський дилер Поль Розенберг, а в 1951 продав його Сідні Ф. Броуді. Подружжя Броуді показало картину світу всього одного разу і тільки тому, що художнику виповнилося 80 років. Після смерті чоловіка пані Броуді у березні 2010 року виставила твір на торги у будинку Christie's. За шість десятиліть ціна зросла більш ніж у 5000 разів! Невідомий колекціонер придбав її за 106,5 млн. доларів. 2011 року в Британії відбулася «виставка однієї картини», де вона побачила світ вдруге, а ось ім'я власника досі невідоме.

7

«Вісім Елвісів»

Автор

Енді Уорхол

Країна США
Роки життя 1928-1987
Стиль
поп-арт

«Секс та вечірки – це єдині місця, де потрібно з'являтися власною персоною», – говорив культовий художник поп-арту, режисер, один із засновників журналу Interview, дизайнер Енді Уорхол. Він працював з Vogue та Harper`s Bazaar, оформляв обкладинки платівок, придумав взуття для компанії I.Miller. У 1960-х з'явилися картини із зображенням символів Америки: супу Campbell`s та Coca-Cola, Преслі та Монро – які зробили його легендою.

358х208 см
1963 рік
вартість
$100 млн
продано у 2008 році
на приватних торгах

Уорхолівські 60-ті – так називали епоху поп-арту в Америці. У 1962 році він працював на Манхеттені в студії "Фабрика", де збиралася вся богема Нью-Йорка. Яскраві її представники: Мік Джаггер, Боб Ділан, Трумен Капоте та інші відомі у світі особи. У той самий час Уорхол випробував техніку шовкографії – багаторазового повтору зображення. Цей метод він використав і при створенні «Восьми Елвісів»: глядач немов бачить кадри з кіно, де зірка оживає. Тут є все, що так любив митець: безпрограшний публічний образ, срібний колір та передчуття смерті як головне посилання.

Є два арт-дилери, які сьогодні просувають творчість Уорхола на світовому ринку: Ларрі Гагосян і Альберто Муграбі. Перший у 2008 році витратив 200 млн. доларів на придбання понад 15 робіт Воргола. Другий купує та продає його картини як різдвяні листівки, лише дорожче. Але не вони, а скромний французький арт-консультант Філіп Сегало допоміг римському поціновувачу мистецтва Анібалі Берлінг'єрі продати невідомому покупцю «Вісім Елвісів» за рекордну для Уорхола суму – 100 млн доларів.

8

«Помаранчевий,червоний, жовтий»

Автор

Марк Ротко

Країна США
Роки життя 1903–1970
Стиль абстрактний експресіонізм

Один із творців живопису кольорового поля народився у Двінську, Росія (зараз – Даугавпілс, Латвія), у багатодітній родині єврейського фармацевта. 1911 року вони емігрували до США. Ротко навчався на художньому факультеті Єльського університету, досяг стипендії, але антисемітські настрої змусили його залишити навчання. Незважаючи ні на що, арт-критики обожнювали художника, а музеї переслідували все життя.

206х236 см
1961 рік
вартість
$86,882 млн
продано в 2012 році
на аукціоні Christie's

Перші художні досліди Ротко були сюрреалістичною спрямованістю, але згодом він спростив сюжет до кольорових плям, позбавивши їх усілякої предметності. Спочатку вони мали яскраві відтінки, а у 1960-ті налилися коричневим, фіолетовим, згустившись до чорного часу смерті художника. Марк Ротко застерігав від пошуку будь-якого сенсу у своїх картинах. Автор хотів сказати рівно те, що сказав: тільки колір, що розчиняється у повітрі, і нічого більше. Він рекомендував дивитися на твори з відстані 45 см, щоб глядача «затягувало» у колір, як у вирву. Обережно: перегляд за всіма правилами може призвести до ефекту медитації, тобто поступово приходять усвідомлення нескінченності, повна зануреність у себе, розслаблення, очищення. Колір у його картинах живе, дихає і має сильний емоційний вплив (кажуть, іноді – лікувальний). Художник заявляв: "Глядач повинен плакати, дивлячись на них", - і такі випадки справді були. За теорією Ротко, у цей момент люди мешкають той самий духовний досвід, що й він у процесі роботи над картиною. Якщо ви зуміли зрозуміти його на такому тонкому рівні, то не здивуйтеся, що ці твори абстракціонізму критики часто порівнюють з іконами.

Робота «Помаранчева, червона, жовта» виражає всю суть живопису Марка Ротко. Її початкова вартість на аукціоні Christie's у Нью-Йорку 35–45 млн. доларів. Невідомий покупець запропонував ціну, що вдвічі перевищує естімейт. Ім'я щасливого власника картини, як часто буває, не розголошується.

9

«Триптих»

Автор

Френсіс Бекон

Країна
Великобританія
Роки життя 1909–1992
Стиль експресіонізм

Пригоди Френсіса Бекона, повного тезки і до того ж далекого нащадка великого філософа, почалися, коли батько зрікся нього, не в змозі прийняти гомосексуальні нахили сина. Бекон поїхав спочатку до Берліна, потім до Парижа, а потім його сліди плутаються по всій Європі. Ще за життя його роботи експонувалися у провідних культурних центрах світу, серед яких Музей Гуггенхайма та Третьяковська галерея.

147,5х198 см (кожен)
1976 рік
вартість
$86,2 млн
проданий у 2008 році
на аукціоні Sotheby's

Престижні музеї прагнули мати картини Бекона, а ось манірна англійська публіка не поспішала розщедритися на таке мистецтво. Легендарний прем'єр-міністр Великобританії Маргарет Тетчер говорила про нього: «Людина, яка малює ці жахливі картини».

Відправним періодом у творчості сам художник вважав повоєнний час. Повернувшись зі служби, він знову зайнявся живописом та створив головні шедеври. До участі «Триптиха, 1976» у торгах найдорожчою роботою Бекона був «Етюд до портрета Папи Інокентія X» (52,7 млн. доларів). У «Триптиху, 1976» митець зобразив міфічний сюжет переслідування Ореста фуріями. Зрозуміло, Орест – це сам Бекон, а фурії – його муки. Понад 30 років картина знаходилася у приватній колекції та не брала участі у виставках. Цей факт надає їй особливої ​​цінності і, відповідно, підвищує вартість. Але що таке кілька мільйонів для поціновувача мистецтва, та ще й по-російському щедрого? Роман Абрамович почав створювати свою колекцію у 1990-х роках, у цьому на нього значно вплинула подруга Даша Жукова, яка стала у сучасній Росії модною галеристкою. За неофіційними даними, в особистому володінні бізнесмена є роботи Альберто Джакометті та Пабло Пікассо, куплені за суми, що перевищують 100 млн. доларів. У 2008 році він став володарем "Триптиху". До речі, у 2011 році було придбано ще одну цінну роботу Бекона – «Три нариси до портрета Люсьєна Фрейда». Приховані джерела говорять, що покупцем знову став Роман Аркадійович.

10

«Ставок зі лататтям»

Автор

Клод Моне

Країна Франція
Роки життя 1840–1926
Стиль імпресіонізм

Художника визнано родоначальником імпресіонізму, який «запатентував» цей метод у своїх полотнах. Першою значною роботою стала картина Сніданок на траві (оригінальна версія твору Едуарда Мане). В юності він малював карикатури, а справжнім живописом зайнявся під час своїх подорожей узбережжям та на відкритому повітрі. У Парижі вів богемний спосіб життя та не залишив його навіть після служби в армії.

210х100 см
1919 рік
вартість
$80,5 млн
продано у 2008 році
на аукціоні Christie's

Крім того, що Моне був великим художником, він ще й захоплено займався садівництвом, любив живу природу та квіти. У його пейзажах стан природи миттєво, предмети начебто розмиті рухом повітря. Враження посилюється за рахунок великих мазків, з певної відстані вони стають непомітними та зливаються у фактурне, об'ємне зображення. У живопису пізнього Моне особливе місце посідає тема води та життя у ній. У містечку Живерні художник мав власний ставок, де він вирощував латаття з насіння, спеціально привезеного ним з Японії. Коли їхні квіти розпускалися, він приступав до малювання. Серія «Гарлачі» складається з 60 робіт, які художник писав протягом майже 30 років, до самої смерті. Його зір із віком погіршувався, але він не зупинявся. Залежно від вітру, пори року та погоди вигляд ставка постійно змінювався, ці зміни й хотів зафіксувати Моне. Через ретельну роботу щодо нього приходило розуміння суті природи. Деякі з полотен серії зберігаються у провідних галереях світу: Національний музей західного мистецтва (Токіо), Оранжері (Париж). Версія чергового «Ставка зі лататтям» пішла до рук невідомого покупця за рекордну суму.

11

False Star t

Автор

Джаспер Джонс

Країна США
Рік народження 1930
Стиль поп-арт

У 1949 році Джонс вступив до дизайнерської школи Нью-Йорку. Нарівні з Джексоном Поллоком, Віллемом де Кунінгом та іншими він визнаний одним із головних художників XX століття. 2012 року отримав «Президентську медаль свободи» – найвищу громадянську нагороду США.

137,2 х170, 8 см
1959 рік
вартість
$80 млн
продано у 2006 році
на приватних торгах

Як і Марсель Дюшан, Джонс працював із реальними предметами, зображуючи їх на полотні та у скульптурі у повній відповідності до оригіналу. Для своїх робіт він використовував прості та зрозумілі всім предмети: пивну пляшку, прапор чи карти. У картині False Start немає чіткої композиції. Художник ніби грає з глядачем, часто «невірно» підписуючи кольори на картині, перевертаючи саме поняття кольору: «Я хотів знайти спосіб зобразити колір так, щоб він міг бути визначений якимось іншим методом». Його найпідривніша і «невпевненіша в собі», на думку критиків, картина була придбана невідомим покупцем.

12

«Сидячаоголенана дивані"

Автор

Амедео Модільяні

Країна Італія, Франція
Роки життя 1884–1920
Стиль експресіонізм

Модільяні з дитинства часто хворів, під час гарячкового марення він розпізнав своє призначення художника. Навчався малюванню у Ліворно, Флоренції, Венеції, а 1906 року поїхав до Парижа, де й розквітло його мистецтво.

65х100 см
1917 рік
вартість
$68,962 млн
продано в 2010 році
на аукціоні Sotheby's

1917 року Модільяні зустрів 19-річну Жанну Ебютерн, яка стала його моделлю, а потім і дружиною. 2004-го один з її портретів було продано за 31,3 млн доларів, що стало останнім рекордом перед продажем «Оголеною на дивані», що сидить, у 2010 році. Картину придбав невідомий покупець за максимальну для Модільяні ціну. Активний продаж робіт розпочався лише після смерті художника. Він помер у злиднях, хворих на туберкульоз, а наступного дня з собою наклала на себе руки і Жанна Ебютерн, яка перебувала на дев'ятому місяці вагітності.

13

«Орел на сосні»

Автор

Ці Байші

Країна Китай
Роки життя 1864–1957
Стиль Гохуа

Інтерес до каліграфії привів Ці Байші до живопису. У 28 років він став учнем художника Ху Ціньюаня. Міністерство культури Китаю надало йому титул «Великого художника китайського народу», 1956 року він отримав Міжнародну премію миру.

10х26 см
1946 рік
вартість
$65,4 млн
продано в 2011 році
на аукціоні China Guardian

Ці Байші цікавився тими проявами навколишнього світу, яким багато хто не надає значення, і в цьому його велич. Людина без освіти стала професором та видатним творцем в історії. Пабло Пікассо говорив про нього: «Я боюся їхати до вашої країни, адже в Китаї є Ці Байші». Композиція «Орел на сосні» визнана найбільшим твором художника. Крім полотна, вона включає два ієрогліфічні сувої. Для Китаю сума, за яку куплено твір, становить рекорд – 425,5 млн юанів. Лише сувій стародавнього каліграфа Хуан Тінцзяня було продано за 436,8 млн.

14

"1949-A-№1"

Автор

Кліффорд Стіл

Країна США
Роки життя 1904–1980
Стиль абстрактний експресіонізм

У 20 років відвідав Метрополітен-музей у Нью-Йорку та був розчарований. Пізніше записався на курс студентської ліги мистецтв, але пішов за 45 хвилин після початку заняття – виявилося «не його». Перша персональна виставка викликала резонанс, художник знайшов себе, а разом із цим і визнання

79х93 см
1949 рік
вартість
$61,7 млн
продано в 2011 році
на аукціоні Sotheby's

Усі свої роботи, а це понад 800 полотен та 1600 творів на папері, Стіл заповів американському місту, де буде відкрито музей його імені. Таким містом став Денвер, але тільки будівництво обходилося владі дорого, і для його завершення чотири роботи виставили на аукціон. Твори Стілла навряд чи братимуть участь у торгах будь-коли ще, що заздалегідь підвищило їхню ціну. Картину «1949-A-No.1» продано за рекордну для художника суму, хоча експерти прогнозували продаж максимум за 25–35 млн. доларів.

15

«Супрематична композиція»

Автор

Казимир Малевич

Країна Росія
Роки життя 1878–1935
Стиль супрематизм

Малевич навчався живопису у Київській художній школі, потім у Московській академії мистецтв. В 1913 почав писати абстрактно-геометричні картини в стилі, який назвав супрематизмом (від лат. «Домінування»).

71х 88,5 см
1916 рік
вартість
$60 млн
продано у 2008 році
на аукціоні Sotheby's

У міському музеї Амстердама картина зберігалася близько 50 років, але після 17-річної суперечки із родичами Малевича музей віддав її. Художник написав цю роботу в один рік із «Маніфестом супрематизму», тому на Sotheby`s ще до торгів оголосили, що менш ніж за 60 млн доларів вона не піде у приватну колекцію. Так і сталося. Дивитися на неї краще згори: фігури на полотні нагадують вид на землю з повітря. До речі, кількома роками раніше ті ж родичі експропріювали біля музею МоМА іншу «Супрематичну композицію», щоб продати її на аукціоні Phillips за 17 млн ​​доларів.

16

«Купальниці»

Автор

Поль Гоген

Країна Франція
Роки життя 1848–1903
Стиль постімпресіонізм

До семи років митець жив у Перу, потім із сім'єю повернувся до Франції, але дитячі спогади постійно підштовхували його до подорожей. У Франції він почав писати фарбами, дружив із Ван Гогом. Він навіть провів із ним кілька місяців в Арлі, до того часу, як Ван Гог під час сварки відрізав собі вухо.

93,4 х60, 4 см
1902 рік
вартість
$55 млн
продано у 2005 році
на аукціоні Sotheby's

У 1891 році Гоген влаштував розпродаж своїх картин, щоб на виручені гроші вирушити вглиб острова Таїті. Там він створив роботи, у яких відчувається тонкий зв'язок природи та людини. Гоген жив у солом'яній хатині, але в його полотнах розквітав тропічний рай. Його дружиною стала 13-річна таїтянка Техура, що не завадило художнику вступати у безладні зв'язки. Захворівши на сифіліс, він поїхав до Франції. Однак там Гоген був тісно, ​​і він повернувся на Таїті. Цей період називають "другим таїтянським" - саме тоді була написана картина "Купальниці", одна з найрозкішніших у його творчості.

17

«Нарциси та скатертина в синіх та рожевих тонах»

Автор

Анрі Матісс

Країна Франція
Роки життя 1869–1954
Стиль фовізм

У 1889 році у Анрі Матісса стався напад апендициту. Коли він оговтався від операції, мати купила йому фарби. Спочатку Матіс з нудьги копіював кольорові листівки, потім – твори великих живописців, що бачив у Луврі, а на початку XX століття вигадав стиль – фовізм.

65,2 х81 см
1911 рік
вартість
$46,4 млн
продано у 2009 році
на аукціоні Christie's

Картина «Нарциси та скатертина у синіх і рожевих тонах» довгий час належала Іву Сен-Лорану. Після смерті кутюр'є вся його колекція мистецтва перейшла до рук його друга та коханця П'єра Берже, який вирішив виставити її на аукціоні Christie's. Перлиною проданої колекції стала картина «Нарциси та скатертина у синіх та рожевих тонах», написана на звичайній скатертині замість полотна. Як зразок фовізму вона наповнена енергією кольору, фарби наче вибухають і кричать. З відомої серії картин, написаних на скатертині, сьогодні ця єдина робота, яка знаходиться в приватній колекції.

18

«Спляча дівчина»

Автор

РойЛі

хтенштейн

Країна США
Роки життя 1923–1997
Стиль поп-арт

Художник народився у Нью-Йорку, а закінчивши школу, поїхав до Огайо, де пішов на курси з мистецтва. В 1949 Ліхтенштейн отримав ступінь магістра витончених мистецтв. Інтерес до коміксів та вміння іронізувати зробили з нього культового художника минулого століття.

91х91 см
1964 рік
вартість
$44,882 млн
продано в 2012 році
на аукціоні Sotheby's

Якось до рук Ліхтенштейну потрапила жувальна гумка. Він перемалював картинку зі вкладиша на полотно та став знаменитим. У цьому сюжеті з його біографії укладено весь меседж поп-арту: споживання – новий бог, і у фантику від жуйки не менше краси, ніж у «Моні Лізі». Його картини нагадують комікси та мультфільми: Ліхтенштейн просто збільшував готове зображення, промальовував растри, використовував трафаретний друк та шовкографію. Картина «Спляча дівчина» майже 50 років належала колекціонерам Беатріс та Філіпу Герш, чиї спадкоємці продали її на аукціоні.

19

«Перемога. Бугі Вугі"

Автор

Піт Мондріан

Країна Нідерланди
Роки життя 1872–1944
Стиль неопластицизм

Своє справжнє прізвище – Корнеліс – художник змінив на Мондріан, коли 1912 року переїхав до Парижа. Разом із художником Тео ванн Дусбургом заснував рух «неопластицизм». На честь Мондріана названо мову програмування Piet.

27х127 см
1944 рік
вартість
$40 млн
продано 1998 року
на аукціоні Sotheby's

Самий «музичний» з художників XX століття заробляв життя акварельними натюрмортами, хоча прославився як неопластичний художник. У США перебрався у 1940-х і провів там решту життя. Джаз та Нью-Йорк – ось що надихало його найбільше! Картина Перемога. Бугі-Вугі» – найкращий тому приклад. Фірмові акуратні квадрати виходили завдяки використанню липкої стрічки - улюбленого матеріалу Мондріана. В Америці його назвали «найвідомішим іммігрантом». У шістдесятих Ів Сен-Лоран випустив відомі на весь світ сукні «Мондріан» із принтом у велику кольорову клітку.

20

«Композиція №5»

Автор

ВасильКандинський

Країна Росія
Роки життя 1866–1944
Стиль авангардизм

Художник народився Москві, яке батько був родом із Сибіру. Після революції він намагався співпрацювати з радянською владою, але незабаром зрозумів, що закони пролетаріату створені не для нього і не без складнощів емігрував до Німеччини.

275х190 см
1911 рік
вартість
$40 млн
продано у 2007 році
на аукціоні Sotheby's

Кандинський одним із перших повністю відмовився від предметного живопису, за що й отримав звання генія. Під час нацизму в Німеччині його картини віднесли до «дегенеративного мистецтва» і ніде не виставлялися. У 1939 році Кандинський прийняв французьке громадянство, у Парижі він вільно брав участь у художньому процесі. Його картини «звучать», наче фуги, тому багато хто отримав назву «композицій» (першу написано 1910 року, останню – 1939-го). «Композиція № 5» – одна з ключових робіт у цьому жанрі: «Слово композиція звучало для мене як молитва», – говорив художник. На відміну від багатьох послідовників він планував те, що зобразить на величезному полотні, ніби писав ноти.

21

«Етюд жінки у блакитному»

Автор

Фернан Леже

Країна Франція
Роки життя 1881–1955
Стиль кубізм-постимпресіонізм

Леже здобув архітектурну освіту, а потім був слухачем Школи образотворчих мистецтв у Парижі. Художник вважав себе послідовником Сезанна, був апологетом кубізму, а XX столітті мав успіх ще як скульптор.

96,5х129,5 см
1912-1913 рік
вартість
$39,2 млн
продано у 2008 році
на аукціоні Sotheby's

Девід Норманн, президент міжнародного відділу імпресіонізму та модернізму Sotheby`s, вважає величезну суму, заплачену за «Даму в блакитному», цілком виправданою. Картина відноситься до знаменитої колекції Леже (художник написав три картини на один сюжет, у приватних руках сьогодні – остання з них. – Прим. ред.), і поверхня полотна збереглася у первозданному вигляді. Автор сам віддав цю роботу до галереї Der Sturm, потім вона потрапила до колекції Германа Ланга, німецького збирача модернізму, а тепер належить невідомому покупцю.

22

«Вулична сценка. Берлін»

Автор

Ернст ЛюдвігКірхнер

Країна Німеччина
Роки життя 1880–1938
Стиль експресіонізм

Для німецького експресіонізму Кірхнер став знаковою персоною. Проте місцева влада звинуватила його у прихильності до «дегенеративного мистецтва», що трагічно позначилося на долі його картин і життя художника, який наклав на себе руки в 1938 році.

95х121 см
1913 рік
вартість
$38,096 млн
продано у 2006 році
на аукціоні Christie's

Після переїзду до Берліна Кірхнер створив 11 замальовок вуличних сцен. Його надихали метушня та нервозність великого міста. У картині, проданій у 2006 році у Нью-Йорку, особливо гостро відчувається тривожний стан художника: люди на берлінській вулиці нагадують птахів – витончених та небезпечних. Вона стала останньою роботою із знаменитої серії, проданої на аукціоні, решта зберігається у музеях. 1937 року нацисти жорстоко обійшлися з Кірхнером: 639 його робіт було вилучено з німецьких галерей, знищено або продано за кордон. Художник не зміг цього пережити.

23

«Відпочиваючатанцівниця»

Автор

Едгар Дега

Країна Франція
Роки життя 1834–1917
Стиль імпресіонізм

Історія Дега як художника почалася з того, що він працював копіювальником у Луврі. Він мріяв стати «знаменитим і невідомим», і в результаті йому це вдалося. Наприкінці життя оглухлий та осліплий 80-річний Дега продовжував відвідувати виставки та аукціони.

64х59 см
1879 рік
вартість
$37,043 млн
продано у 2008 році
на аукціоні Sotheby's

"Балерини завжди були для мене лише приводом, щоб зобразити тканини і схопити рух", - говорив Дега. Сюжети з життя танцівниць начебто підглянуті: дівчата не позують художнику, а просто стають частиною атмосфери, впійманої поглядом Дега. «Відпочиваючу танцівницю» було продано за 28 млн доларів у 1999 році, а менше ніж через 10 років її купили вже за 37 млн ​​– сьогодні це найдорожча робота митця, колись виставлена ​​на торги. Велику увагу приділяв Дега рамам, сам проектував їх і забороняв міняти. Цікаво, яку раму встановлено на проданій картині?

24

«Живопис»

Автор

Хуан Міро

Країна Іспанія
Роки життя 1893–1983
Стиль абстрактне мистецтво

Під час громадянської війни в Іспанії митець був на боці республіканців. У 1937 році він утік від фашистської влади до Парижа, де жив у злиднях разом із сім'єю. У цей час Міро пише картину «Допоможіть Іспанії!», звертаючи увагу всього світу на засилля фашизму.

89х115 см
1927 рік
вартість
$36,824 млн
продано в 2012 році
на аукціоні Sotheby's

Друга назва картини - "Блакитна зірка". Художник написав її того ж року, коли оголосив: «Я хочу вбити живопис» і нещадно знущався з полотна, дряпаючи фарбу цвяхами, приклеюючи до полотна пір'я, покриваючи роботи сміттям. Його метою було розвінчати міфи про таїнство живопису, але, впоравшись із цим, Міро створив власний міф – сюрреалістичну абстракцію. Його «Живопис» належить до циклу «картин-сновидінь». На аукціоні за неї билися четверо покупців, проте один телефонний дзвінок інкогніто вирішив суперечку, і «Живопис» став найдорожчою картиною художника.

25

«Блакитна троянда»

Автор

Ів Кляйн

Країна Франція
Роки життя 1928–1962
Стиль монохромний живопис

Художник народився в сім'ї живописців, але навчався східним мовам, мореплавству, ремеслу золотника рам, дзен-буддизму та багато іншого. Його особистість і нахабні витівки були в рази цікавішими за монохромні картини.

153х199х16 см
1960 рік
вартість
$36,779 млн
продано у 2012 році
на аукціоні Christie's

Перша виставка однотонних жовтих, помаранчевих, рожевих робіт не викликала інтересу публіки. Кляйн образився і наступного разу представив 11 однакових полотен, пофарбованих ультрамарином упереміш з особливою синтетичною смолою. Він навіть запатентував цей метод. В історію колір увійшов як «міжнародний синій колір Кляйна». Ще художник продавав порожнечу, створював картини, підставляючи папір під дощ, підпалюючи картон, роблячи на полотні відбитки тіла людини. Словом, експериментував як міг. Для створення «Блакитної троянди» використовував сухі пігменти, смоли, гальку та натуральну губку.

26

«У пошуках Мойсея»

Автор

Сер Лоуренс Альма-Тадема

Країна Великобританія
Роки життя 1836–1912
Стиль неокласицизм

Приставку «альма» до свого прізвища сер Лоуренс додав сам, щоб у художніх каталогах значитися першим. У вікторіанській Англії його картини були настільки затребувані, що художнику надали лицарське звання.

213,4х136,7 см
1902 рік
вартість
$35,922 млн
продано в 2011 році
на аукціоні Sotheby's

Головною темою творчості Альма-Тадеми була античність. На картинах він намагався у найдрібніших деталях зобразити епоху Римської імперії, для цього навіть займався археологічними розкопками на Апеннінському півострові, а у своєму лондонському будинку відтворив історичний інтер'єр тих років. Міфологічні сюжети стали йому ще одним джерелом натхнення. Художник був дуже затребуваний за життя, проте після смерті його швидко забули. Зараз інтерес відроджується, про що говорить і вартість картини «У пошуках Мойсея», яка в сім разів перевищила передпродажну оцінку.

27

«Портрет сплячої оголеної чиновниці»

Автор

Люсьєн Фрейд

Країна Німеччина,
Великобританія
Роки життя 1922–2011
Стиль фігуративний живопис

Художник – онук Зигмунда Фрейда, батька психоаналізу. Після встановлення фашизму у Німеччині його сім'я емігрувала до Великобританії. Твори Фрейда знаходяться у лондонському музеї «Збори Уоллеса», де раніше не виставлявся жоден сучасний художник.

219,1 х151, 4 см
1995 рік
вартість
$33,6 млн
продано у 2008 році
на аукціоні Christie's

Поки модні художники XX століття створювали позитивні «колірні плями на стіну» та продавали їх за мільйони, Фрейд писав гранично натуралістичні картини та продавав їх ще дорожче. «Я запам'ятовую крики душі і страждання в'янучої плоті», – говорив він. Критики вважають, що вся ця «спадщина» Зигмунда Фрейда. Картини так активно виставлялися і успішно продавалися, що у фахівців зародився сумнів: а чи не мають вони гіпнотичних властивостей? Проданий на аукціоні «Портрет сплячої оголеної чиновниці», за інформацією видання Sun, придбав шанувальник прекрасного і мільярдер Роман Абрамович.

28

«Скрипка та гітара»

Автор

Хуан Гріс

Країна Іспанія
Роки життя 1887–1927
Стиль кубізм

Народився в Мадриді, де й закінчив школу мистецтв та ремесел. У 1906 році переїхав до Парижа і увійшов до кола найвпливовіших художників епохи: Пікассо, Модільяні, Шлюбу, Матісса, Леже, також працював із Сергієм Дягілєвим та його трупою.

5х100 см
1913 рік
вартість
$28,642 млн
продано в 2010 році
на аукціоні Christie's

Гріс, за власними словами, займався «площинною, кольоровою архітектурою». Його картини точно продумані: він не залишав жодного випадкового мазка, що ріднить творчість із геометрією. Художник створив свій варіант кубізму, хоча дуже шанував Пабло Пікассо, батька-засновника спрямування. Наступник навіть присвятив йому свою першу роботу у стилі кубізму «Дань поваги Пікассо». Картина «Скрипка та гітара» визнана визначною у творчості художника. За життя Гріс був відомий, обласканий критиками та мистецтвознавцями. Його роботи виставлені у найбільших світових музеях, зберігаються у приватних колекціях.

29

«ПортретПоля Елюара»

Автор

Сальвадор Далі

Країна Іспанія
Роки життя 1904–1989
Стиль сюрреалізм

"Сюрреалізм - це я", - сказав Далі, коли його виключили з групи сюрреалістів. Згодом він став найвідомішим художником-сюрреалістом. Творчість Дали всюди, а не лише у галереях. Наприклад, це він вигадав упаковку для «Чупа-Чупса».

25х33 см
1929 рік
вартість
$20,6 млн
продано в 2011 році
на аукціоні Sotheby's

У 1929 році відвідати великого провокатора та скандаліста Далі приїхали поет Поль Елюар зі своєю російською дружиною Галою. Зустріч стала початком історії кохання, що тривало понад півстоліття. Картина "Портрет Поля Елюара" написана якраз під час цього історичного візиту. «Я відчував, що на мене покладено обов'язок відобразити образ поета, з Олімпу якого я викрав одну з муз», – говорив митець. До знайомства з Галою він був незайманим і відчував огиду при думці про секс з жінкою. Любовний трикутник існував до смерті Елюара, після чого став дуетом Далі-Гала.

30

«Ювілей»

Автор

Марк Шагал

Країна Росія, Франція
Роки життя 1887–1985
Стиль авангард

Мойша Сегал народився у Вітебську, але у 1910 році емігрував до Парижа, змінив ім'я, зблизився з провідними авангардистами епохи. У 1930-х під час захоплення влади фашистами поїхав до США за допомогою американського консула. Повернувся до Франції лише 1948 року.

80x103 см
1923 рік
вартість
$14,85 млн
продано у 1990 році
на аукціоні Sotheby's

Картина «Ювілей» визнана однією з найкращих робіт художника. У ній є всі риси його творчості: стерті фізичні закони світу, зберігається відчуття казки в декораціях міщанського побуту, а в центрі сюжету – кохання. Шагал не малював людей з натури, а лише з пам'яті чи фантазуючи. На картині «Ювілей» зображений сам художник із дружиною Белою. Картина продана у 1990 році і відтоді не брала участі у торгах. Цікаво, що у нью-йоркському Музеї сучасного мистецтва MoMA зберігається абсолютно така сама, тільки під назвою «День народження». До речі, написана вона раніше – 1915 року.

проект підготувала
Тетяна Паласова
рейтинг складено
за списком www.art-spb.ru
журнал tmn №13 (травень-червень 2013)

Культура радянського та пострадянського періоду є яскравим великомасштабним витком російської спадщини. Події 1917 стали звітною точкою в розвитку нового способу життя, формуванні нового мислення. Настрої суспільства к.XIX- н.XX ст. вилилися в Жовтневу революцію, переломний момент історія країни. Тепер її чекало нове майбутнє зі своїми ідеалами та цілями. Мистецтво, яке у певному сенсі є дзеркалом епохи, стало знаряддям для втілення в життя догматів нового режиму. На відміну від інших видів художньої творчості, живопис, що формується і формує думка людини, найакуратнішим і безпосереднім чином проникала у свідомість людей. З іншого боку мальовниче мистецтво найменше підкорялося пропагандистської функції і відбивало переживання народу, його мрії і дух часу.

Російський авангард

Нове мистецтво не уникало абсолютно старих традицій. Живопис, в перші післяреволюційні роки, ввібрала вплив футуристів і авангарду в цілому. Авангард зі своєю зневагою до традицій минулого, що так близько було до руйнівних ідей революції, знайшов собі прихильників від імені молодих художників. Паралельно з цими течіями в образотворчому мистецтві розвивалися реалістичні тенденції, життя яким дав критичний реалізм в XIX ст. Ця біполярність, що назріла в момент зміни епох, зробила життя художника того часу особливо напруженим. Два шляхи, які намітилися у післяреволюційному живописі хоч і були протилежностями, проте ми можемо спостерігати вплив авангарду на творчість художників реалістичного спрямування. Сам реалізм у роки був різнохарактерним. Роботи цього стилю мають символічний, агітаційний і навіть романтичний вигляд. Цілком точно передає у символічній формі грандіозну зміну у житті країни твір Б.М. Кустодієва - "Більшовик" і, наповнена патетичним трагізмом і нестримним тріумфуванням "Нова планета" К.Ф. Юона.

Живопис П.М. Філонова з його особливим творчим методом - "аналітичним реалізмом" - являє собою сплав двох контрастних художніх течій, який ми можемо побачити на прикладі циклу з агітаційним найменуванням та значенням "Введення у світовий розквіт".

П.М. Філонів Кораблі з циклу Введення у світовий розквіт. 1919 р. ГТГ

Беззаперечність загальнолюдських цінностей, непохитних навіть у такий невиразний час виражає образ прекрасної "Петроградської мадонни" (офіц. Назва "1918 рік у Петрограді") К.С. Петрова-Водкіна.

Позитивним ставленням до революційних подій заражає світлу та наповнену сонячною, повітряною атмосферою творчість пейзажиста О.О. Рилова. Пейзаж “Захід сонця”, в якому художник висловив передчуття пожежі революції, яка розгориться від зростаючого полум'я судна багаття над минулою епохою, представляє один із символів цього часу.

Разом із символічними образами, що організують піднесення народного духу і захоплюють за собою, подібно до одержимості, існував і напрямок у реалістичному живописі, з потягом до конкретної передачі дійсності.
Досі твори цього періоду зберігають іскру заколоту, здатну заявити про себе всередині кожного з нас. Багато робіт, які не наділені такими якостями або суперечать їм, знищувалися або були забуті, і ніколи не здадуться нашому погляду.
Авангард назавжди залишає свій відбиток у реалістичному живописі, але настає період інтенсивного розвитку напряму реалізму.

Час мистецьких об'єднань

1920-ті роки – час створення нового світу на руїнах, які залишила Громадянська війна. Для мистецтва - це період, у який на повну силу розгорнули свою діяльність різноманітні творчі об'єднання. Їхні принципи частково сформовані ранніми художніми угрупованнями. Асоціація художників революції (1922 – АХРР, 1928 – АХР), особисто виконувала замовлення держави. Під гаслом " героїчного реалізму " художники, які входили до її складу, документально зафіксували у творах життя і побут людини - дітища революції, у різних жанрах живопису. Головними представниками АХРР були І.І. Бродський, що ввібрав реалістичні впливи І.Є. Рєпіна, який працював в історико-революційному жанрі і створив цілу серію робіт із зображенням В.І. Леніна, Є.М. Чепцов – майстер побутового жанру, М.Б. Греков, який писав батальні сцени у досить імпресіоністичній марені. Всі ці майстри були основоположниками жанрів, у яких виконували більшість своїх робіт. Серед них виділяється полотно "Ленін у Смольному", в якому І.І. Бродський у найбільш безпосередній та щирій формі передав образ вождя.

У картині "Засідання членського осередку" О.І. Чепцов дуже достовірно, без надуманості зображує події, що відбувалися у житті народу.

Чудовий радісний, галасливий образ, наповнений бурхливим рухом та святом перемоги створює М.Б. Греків у композиції "Трубачі Першої кінної армії".

Ідею нову людину, нового образу людини висловлюють тенденції намітилися у жанрі портрета, яскравими майстрами якого були C.В. Малютін та Г.Г. Рязький. У портреті письменника-бійця Дмитра Фурманова С.В. Малютин показує людину старого світу, яка зуміла вписатися у новий світ. Заявляє себе нова тенденція, що зародилася у творчості Н.А. Касаткіна і що отримала розвиток найвищою мірою у жіночих образах Г.Г. Рязького - "Делегатка", "Голова", в яких стирається особистісний початок і встановлюється тип людини, створеного новим світом.
Абсолютно точне враження складається про розвиток пейзажного жанру побачивши роботи передового пейзажиста Б.Н. Яковлєва - "Транспорт налагоджується".

Б.М. Яковлєв Транспорт налагоджується. 1923

У цьому жанрі зображується країна, що оновлюється, нормалізація всіх сфер життя. У роки на передній план виходить індустріальний пейзаж, образи якого стають символами творення.
Суспільство художників станковістів (1925) – наступне художнє об'єднання у цей період. Тут художник прагнув передати дух сучасності, тип нової людини вдаючись до більш відстороненої передачі образів за рахунок мінімальної кількості засобів вираження. У роботах "Остівців" часто демонструється тема спорту. Їх живопис наповнений динамікою та експресією, що видно на роботах А.А. Дейнекі "Оборона Петрограда", Ю.П. Піменова "Футбол" та ін.

За основу своєї художньої творчості члени ще одного відомого об'єднання – "Чотири мистецтва" – обрали виразність образу, за рахунок лаконічної та конструктивної форми, а також особливе ставлення до його колористичної насиченості. Найзапам'ятливішим представником об'єднання є К.С. Петров-Водкін та одна з найвидатніших його робіт цього періоду - "Смерть комісара", яка за допомогою особливої ​​мальовничої мови розкриває глибокий символічний образ, символ боротьби за найкраще життя.

Зі складу "Чотирьох мистецтв" виділяється і П.В. Ковалів, роботами, присвяченими Сходу.
Останнім великим художнім об'єднанням цього періоду є Товариство московських художників (1928), яке відрізняється від інших манерою енергійного ліплення обсягів, увагою до світлотіні та пластичної виразності форми. Багато представників були членами " Бубнового вольта " - прихильниками футуризму - що дуже позначилося їх творчості. Показовими стали роботи П.П. Кончаловського, який працював у різних жанрах. Наприклад, портрети його дружини О.В. Кончаловській передають специфіку як авторської руки, а й живопису всього об'єднання.

Постановою "Про розбудову літературно-мистецьких організацій" 23 квітня 1932 року було розпущено всі мистецькі об'єднання та створено Спілку художників СРСР. Творчість потрапила у зловісні пута жорсткої ідеологізації. Порушилася свобода самовираження художника – основа творчого процесу. Незважаючи на такий надлом, продовжували свою діяльність художники раніше об'єднані у співтовариства, але провідне значення у мальовничому середовищі зайняли нові постаті.
Б. В. Йогансон зазнав впливу І.Є. Рєпіна та В.І. Сурікова, в його полотнах видно композиційний пошук та цікаві можливості в колористичному рішенні, але картини автора відзначені зайвим сатиричним ставленням, що не підходить у такій натуралістичній манері, що ми можемо спостерігати на прикладі картини "На старому уральському заводі".

А.А. Дейнека не залишається осторонь "офіційної" лінії мистецтва. Він так само вірний своїм художнім принципам. Тепер він продовжує працювати у жанровій тематиці, до того ж пише портрети та пейзажі. Картина "Майбутні льотчики" добре показує його живопис у цей період: романтичний, легкий.

Багато робіт художник створює на спортивну тему. Від цього періоду залишилися його акварелі, написані після 1935 року.

Живопис 1930-х років представляє вигаданий світ, ілюзію світлого та святкового життя. Найлегше художнику було залишатися щирим у жанрі пейзажу. Розвивається жанр натюрморту.
Інтенсивного розвитку схильний і портрет. П.П. Кончаловський пише серію діячів культури («В. Софроницький за роялем»). Роботи М.В. Нестерова, які увібрали у собі вплив живопису В.А. Сєрова, показують людину, як творця, суть життя якого – творчий пошук. Такими бачимо портрети скульптора І.Д. Шадра та хірурга С.С. Юдіна.

П.Д. Корін продовжує портретну традицію попереднього художника, але його мальовнича манера полягає у передачі жорсткості форми, більш гострому, експресивному силуеті та суворому колориті. У цілому нині, велике значення у портреті грає тема творчої інтелігенції.

Художник на війні

З приходом Великої Вітчизняної війни художники починають брати активну участь у військових діях. Через безпосереднє єднання з подіями, в ранні роки з'являються твори, суть яких - фіксація того, що відбувається, "мальовнича замальовка". Часто таким картинам бракувало глибини, але у передачі висловлювалося дуже щире ставлення художника, висота моральної патетики. До відносного розквіту надходить жанр портрета. Художники, бачачи і відчуваючи у собі руйнівний вплив війни, захоплюються її героями - людьми з народу, стійкими і шляхетними духом, виявляли найвищі гуманістичні якості. Такі тенденції вилились у парадні портрети: «Портрет маршала Г.К. Жукова» пензля П.Д. Коріна, життєрадісні особи з полотен П.П. Кончаловського. Важливе значення мають портрети інтелігенції М.С. Сар'яна, створені роки війни - це образ академіка «І.А. Орбелі», письменниці «М.С. Шагінян» та ін.

З 1940 по 1945 роки також розвивається пейзаж та побутовий жанр, які об'єднав у своїй творчості О.О. Пластів. "Фашист пролетів" передає трагічність життя цього періоду.

Психологізм пейзажу тут ще більше наповнює твір сумом і мовчанням людської душі, тільки виття відданого друга прорізає вітер сум'яття. Зрештою значення пейзажу переосмислюється і починає уособлювати суворий образ воєнного часу.
Окремо виділяються сюжетні картини, наприклад "Мати партизана" С.В. Герасимова, якій характерна відмова від героїзації образу.

Історичний живопис своєчасно створює образи національних героїв минулого. Одним із таких непохитних і, що вселяють впевненість, образів є "Олександр Невський" П.Д. Корина, що втілює непокірний гордий дух народу. У цьому вся жанрі до кінця війни намічається тенденція награної драматургії.

Тема війни у ​​живописі

У живописі післявоєнного часу сірий. 1940 – кін. 1950-х у живописі провідні позиції займає тема війни, як морального та фізичного випробування, з якого радянська людина вийшла переможцем. Розвивається історико-революційний, історичний жанр. Основною темою побутового жанру стає мирна праця, про яку мріяли довгі воєнні роки. Полотна цього жанру пронизані життєрадісністю та щастям. Художня мова побутового жанру стає оповідальною і тяжіє до життєподібності. В останні роки цього періоду пейзаж також зазнає змін. У ньому відроджується життя краю, знову зміцнюється зв'язок між людиною та природою, з'являється атмосфера умиротворення. Любов до природи оспівується й у натюрморті. Цікавий розвиток отримує портрет у творчості різних художників, котрим характерна передача індивідуального. Одними з визначних творів цього періоду стали: "Лист з фронту" А.І. Лактіонова, твір, подібний до вікна в променистий світ;

композиція "Відпочинок після бою", у якій Ю.М. Непринцев домагається такої ж життєвості образу, як і А.І. Лактіонів;

робота А.А. Мильникова "На мирних полях", що радісно тріумфує про припинення війни і про возз'єднання людини і праці;

самобутній пейзажний образ Г.Г. Ніського - "Над снігами" та ін.

Суворий стиль на зміну соцреалізму

Мистецтво 1960-1980-х років. є новим етапом. Йде розробка нового "суворого стилю", завдання якого полягала у відтворенні дійсності без того, що позбавляє твір глибини і виразності і згубно впливає на творчі прояви. Йому були притаманні лаконічність та узагальнення художнього образу. Художниками цього стилю оспівувалося героїчне початок суворих трудових буднів, яке створювалося особливим емоційним устроєм картини. "Суворий стиль" був певним кроком до демократизації суспільства. Головним жанром, до якого працювали прихильники стилю став портрет, також розвивається груповий портрет, побутовий жанр, історичний та історико-революційний жанр. Яскравими представниками цього періоду у контексті розвитку "суворого стилю" став В.Є. Попков, який писав багато автопортретів-картин, В.І. Іванов прихильник групового портрета, Г.М. Коржев, який створював історичні полотна. Розкриття суті "суворого стилю" можна побачити у картині "Геологи" П.Ф. Ніконова, "Полярники" А.А. та П.А. Смоліних, "Шинелі батька" В.Є. Попкова. У жанрі пейзажу виникає інтерес до північної природи.

Символізм епохи застою

У 1970-1980-х роках. формується нове покоління художників, мистецтво яких вплинув певною мірою на мистецтво сьогодення. Їм характерна символічна мова, театральна видовищність. Їхній живопис досить артистичний і віртуозний. Головними представниками цього покоління є Т.Г. Назаренко ("Пугачов"),

улюбленою темою якої стало свято та маскарад, А.Г. Ситников, який використовує метафору та притчу, як форму пластичної мови, Н.І. Нестерова, творець неоднозначних полотен ("Таємна вечеря"), І.Л. Лубенніков, Н.М. Смирнов.

Таємна вечеря. Н.І. Нестерова. 1989

Таким чином, цей час постає у своєму різностиллі та різноплановості завершальною, формуючою ланкою сьогоднішнього образотворчого мистецтва.

Нашій епосі відкрито величезне багатство мальовничої спадщини попередніх поколінь. Сучасного художника не обмежують ніякі рамки, які були визначальними, а часом і ворожими для розвитку образотворчого мистецтва. Деяка частина сучасних художників намагається дотримуватись принципів радянської реалістичної школи, хтось знаходить себе в інших стилях та напрямках. Дуже популярні тенденції концептуального мистецтва, що неоднозначно сприймається суспільством. Широта художньо-виразних засобів та ідеалів, які надало нам минуле, має бути переосмислена та послужити основою для нових творчих шляхів та створення нового образу.

Наші майстер-класи з історії мистецтва

Наша Галерея сучасного мистецтва не тільки пропонує великий вибір радянського мистецтва та пострадянського живопису, а й проводить регулярні лекції та майстер-класи з історії сучасного мистецтва.

Ви можете записатися на майстер клас, залишити побажання по майстер класу, на який Ви хотіли б потрапити, заповнивши запропоновану нижче форму. Ми обов'язково прочитаємо для Вас цікаву лекцію на вибрану тему.

Чекаємо на Вас у нашому ЛЕКТОРІУМІ!

Художники 30-х років

Художники Дейнека, Піменов, Вільямс, С.Герасимов, Купрін, Кончаловський, Лентулов, Машков, Ульянов, Мухіна, Ковалів, Сар'ян

З Дейнекою я вперше познайомився у Ленінграді. Він приїхав, коли виставка вже була розвішана, останніми днями перед відкриттям, зняв усі свої роботи зі стіни і повісив їх по-своєму, скоротивши дуже сильно: були привезені деякі маловдалі його речі, і він їх прибрав. Зрештою, там була «Оборона Петрограда», «Сплячий хлопчик із волошки», ціла низка першокласних речей. Тоді Дейнека на мене справив враження дивне і швидше негативне. Він був різкий, трохи грубий. Більшість людей його так і сприймало - як якогось спортсмена, футболіста чи боксера. Але я, на щастя, досить швидко розібрався у його справжньому характері. Нічого подібного він у собі не містив, це була манера тримати себе зі сторонніми, з чужими. Я з ним зблизився вже в середині 30-х років, коли почав працювати в Дітивидаві, про це розмова буде далі. І чим довше йшов час, тим він ставав мені дедалі ближче. Останнє наше заочне побачення за два дні до його смерті - це був обмін найніжнішими словами по телефону з обох боків.

З іншим ОСТівцем – Юрієм Івановичем Піменовим я познайомився не в Ленінграді. У Ленінграді було дуже мало його робіт, і я вперше його побачив уже в Москві, коли заступниця директора Російського музею Здобичина приїхала розплачуватися з художниками за придбані у них у Ленінграді роботи. Їх усіх зібрали на Волхонці, в один із тих маленьких будиночків, які розташовані між вулицею Фрунзе та музеєм. Усі митці сиділи в коридорі і балакали, а їх запрошували по черзі до якоїсь кімнати. І ось там я вперше побачив і запам'ятав Піменову. Він показував, як три художники виготовляють пейзажі на продаж: одне розкладає багато однакових полотнів і заливає їх синьою фарбою, що зображує море, другий проходить і проводить чорною фарбою якісь човни, а останній ставить єдиним махом білими білилами вітрила. Він це зображував надзвичайно темпераментно та дуже виразно.

У нас з ним дуже швидко встановилися стосунки, але не на музейному ґрунті, тому що він ніякою графікою не займався - ні гравюрою, та й малюнком? Не дуже, був чистий живописець. Вже 1932 року у нас склалася найніжніша дружба. Він якраз у цей проміжок, між 1930 роком і 1932-м, переніс дуже важку мозкову хворобу, пов'язану чи зі струсом мозку, чи навіть з якоюсь душевною хворобою, і вона, коли він нарешті її позбувся, зовсім змінила весь його характер. Настільки, що він винищив більшу частину своїх ранніх робіт, надто загострених, експресивних, схематичних, виміняв навіть у музеях те, що встигли купити. І став зовсім іншим, таким, яким залишився на все життя: сяючим, світлим, сонячним, сповненим якоїсь найбільшої жадібності до реального живого життя. У нас з кожним роком все більше й більше поглиблювалися дружні стосунки, і врешті-решт він став з моїх однолітків так само близьким мені людиною, як Шмарінов. Власне, їх двох я маю називати насамперед серед своїх найближчих друзів мого покоління. Я був року на півтора молодший за Піменова і року на півтора старший за Шмарінова.

З Вільямсом я теж потоваришував на початку 30-х років. Він був живописцем, і дуже сильним, гарним живописцем. Він мав чудові роботи: портрет Мейєрхольда, портрет режисера Барнета, велика картина «Моряки з «Аврори», яку відправили на якусь виставку до Венеції і там подарували тамтешній комуністичній організації. Там вона залишилася. Але в мене, щоправда, є її репродукція. Це дуже хороша річ, я її чудово пам'ятаю. Але потім він, уже до середини 30-х років, захопився театром, мав надзвичайний успіх, робив, наприклад, оформлення до «Піквікського клубу» в МХАТі з надзвичайно химерними декораціями, в які були введені людські постаті. А потім став наймоднішим художником Великого театру і навіть завів вбрання, що відповідає успішному театральному діячеві: якусь незвичайну шубу майже до землі з хутром від ворота до самого низу, хутряний капелюх на кшталт жорна на голові, що було предметом найбільших знущань мене і особливості. Він тільки зніяковіло посміхався. Загалом цілком увійшов у театральне середовище, театральне життя.

З Вільямсом у мене пов'язаний один дуже ніжний спогад. У середині 30-х років ми з Наташею поїхали на Кавказ у Тегенеклі - це містечко над річкою Баксан біля підніжжя Ельбруса. Там був будинок відпочинку, що належить комусь - не знаю, але призначався для творчої інтелігенції. У всякому разі, путівки туди треба було отримувати в мистецькому фонді Московського союзу, і коли я туди прийшов, мені сказали, що щойно був Вільямс і теж збирається їхати туди з дружиною.

У Тегенеклі виявилося дуже багато знайомих. Був там наш із Наталею близький друг - учений - географ Лазар Шоломович Гордонов, з яким ми, власне, і домовились туди їхати. Був там кінорежисер Олександров зі своєю дружиною Любов'ю Орловою. Був поет Микола Тихонов. Була нудьгуюча перекладачка - передбачалося, що там будуть іноземці, але їх не було, і вона похмуро блукала без жодної справи. Одного вечора вона пожвавішала: повинен приїхати нарешті англієць містер Вільямс! Вона пудрилася, фарбувала губи, загалом готувалась. Але коли з'явився цей містер Вільямс, то виявилося, що це мій друг Петро Володимирович Вільямс, який жодного слова англійською взагалі не знав. Батько його був, дійсно, англійського походження, на мою думку, якийсь великий сільськогосподарський учений, але сам він ні до яких Англій жодного відношення не мав, так що перекладачка була розчарована.

Я згадую, як ми один раз вирушили на Ельбрус, не на самий, звичайно, верх, а на кругозір, це десь на півдороги, вже вище хмар - майданчик та маленький готель. Ми лізли крізь хмару крутою стежкою і, вилізши з цієї хмари, з'явилися туди зовсім мокрі. Жінки вирушили в готель переодягатися, упорядковувати себе, а ми з Вільямсом блукали майданчиком. І раптом хтось закричав: «Ельбрус відкривається!» Він був весь затягнутий хмарами, і раптом хмари розірвалися, і на тлі зеленого неба з'явився сніговий білий конус вершини Ельбруса. Вільямс кинувся в будинок за папером і олівцем - нічого іншого він не захопив із собою - і став під дощем, що в цей час лив зверху, накидати всі контури, записуючи, які фарби. Я запам'ятав його з волоссям, що пристало до чола, яке судомно малює і записує ці самі фарби. Але, на жаль, з цього нічого не вийшло: коли він мені в Москві показав етюд, зроблений за цим начерком, все виявилося зовсім несхожим. Та й сам він це знав чудово. Пам'ятаю, що милуватися Ельбрус наші дами вилізли зовсім напіводягненими. «Явлення Ельбруса» було швидкоплинним видовищем, нам було надано на все якісь дві - три хвилини.

Вільямс був простою, доброю, доброю людиною, трохи смішною своїми модними театральними захопленнями.

З іншими ОСТівцями у мене теж були добрі стосунки – і з Лабасом, і з Шифріним, але вони не були такими близькими. Шифрін був чарівною людиною, дуже гарним театральним художником, блискучим театральним майстром. Лабас завжди був трошки божевільною та малоорганізованою фігурою. Зате хто, звичайно, був чудова людина і чудовий художник, це Тишлер. Але з ним знайомство і дружба ставляться до найпізніших часів, вже післявоєнних. Якось вийшло так, що в Ленінграді він не був представлений, і тоді мені не доводилося з ним зустрічатися. До війни я був знайомий з ним, але здалеку. Тільки після війни встановилася дуже ніжна дружба, яка все тільки поглиблювалася та покращувалася. Він одна з найчарівніших істот, яких я зустрічав у своєму житті.

Після ОСТу потрібно, звичайно, назвати, якщо говорити про художні угруповання 20-х років, два, які доставили мені дуже близьких друзів. Насамперед, це «4 мистецтва», до яких входили і Фаворський, і Ульянов, і Павло Кузнєцов, і Сар'ян, і ще ціла низка найближчих мені людей. І друге – Товариство московських художників – «ОМХ», яке доставило мені одну з найдорожчих дружб – із Сергієм Васильовичем Герасимовим, а також і з Родіоновим, з Осмьоркіним та іншими.

З Сергієм Васильовичем я познайомився вперше в Ленінграді, він був одним із організаторів виставки, був серед бригадирів і розвішував картини свої та близьких до себе художників. Хоча він і викладав у ВХУТЄЇНІ малюнок, але з його графікою я познайомився набагато пізніше і купувати для музею мені її не довелося. Але в Ленінграді нам довелося стикатися щодня, зустрічатися на спільній роботі, а головне, ми ходили разом обідати компанією: він, я, Купріянов та Істомін. Це було так часто, що я дуже швидко впізнав його характер, його дотепність, його жарти та глузування, які були лише обороною від чужих людей. Вже тоді я оцінив його дивовижний характер та його чудове мистецтво. Хоча це був ще дуже ранній його період, роботи були лише 20-х, початку 30-х років, вони вже були дуже хороші. А далі це знайомство поступово переходило на все більшу і більшу близькість, і в післявоєнний період це був, звичайно, один із найближчих мені людей. І повинен сказати з великим задоволенням, що, мабуть, і я для нього був одним із найближчих людей, користувався його повною довіреністю, виконував усі його доручення, особливо коли він став на чолі Спілки художників СРСР. Власне, він і раніше сприймався як такий, усіма визнаний, хоч і абсолютно неофіційний глава радянського мистецтва. Але коли 1957 року відбувся Перший всесоюзний з'їзд художників, то цілком природно, що Сергій Васильович опинився на чолі Союзу.

Можливо, більш зовнішніми, але дуже доброзичливими стосунками в мене відзначено було й знайомство з Осмьоркіним, одним із головних учасників «Бубнового валета», який до 30-х років став дуже простим ліричним пейзажистом, тонким та ніжним. І сам він був прекрасною людиною, привабливою, тонкою. Але з ним я зустрічався рідше, і це було все-таки периферійною дружбою, а не основною, вкоріненою.

Говорячи про колишніх учасників групи «Бубновий валет», треба згадати ще одну найніжнішу, наймилішу та найпривабливішу людину, Олександра Васильовича Купріна. Купрін був невисокий, з невеликою борідкою, дуже мовчазна і сором'язлива людина, дуже скромно одягнена, без жодних зовнішніх ефектів, зайнята якимись своїми роздумами та своєю творчістю. Осмьоркін і Купрін - це, мабуть, два найтонші художники у всій цій групі.

З Купріним у мене, як і з Осмьоркіним, були найдружніші і, можна сказати, задушевні стосунки. Не так, як з Кончаловським, до якого я мав глибоку повагу, який до мене прихилявся, але між нами була велика дистанція.

Відносини мої з Петром Петровичем Кончаловським були дуже доброзичливими, я писав про нього, і йому подобалося, як я пишу. Але особливої ​​близькості не могло вийти, дуже вже він був інший. Це був передусім пан, трохи купецького стилю, який жив на широку ногу, надзвичайно темпераментний, з величезним художнім «господарством». Одного разу, коли я був у нього в майстерні, він сказав: «У мене вже йдуть 1800 номери». Це стосувалося лише його картин; акварелі та малюнки він навіть і не рахував. У всякому разі, стосунки у нас були дружні, які потім сильно охолонули вже з милості його дочки та зятя – Наталії Петрівни Кончаловської, поетеси, та її дружина Михалкова. Але Петро Петрович тут був ні до чого, так само як він був ні до чого певною мірою і до панського снобізму свого будинку - його насаджувала його дружина, дама з важким характером, яка, будучи дочкою Сурікова, дуже багато про себе розуміла і надзвичайно дотримувалась гідність Кончаловського. Коли я написав статтю, на його прохання, для його останньої прижиттєвої виставки у 1956 році, то з цією статтею вийшов конфуз. Я її дав прочитати Петру Петровичу. Він палко її схвалив, вона йому дуже сподобалася. А потім до мене з'явився Микола Георгійович Машковцев, старий історик мистецтв і музейний працівник, який працював у цей час в Академії мистецтв і був членом - кореспондентом цієї самої Академії, зі збентеженим виглядом, що ось де Ольга Василівна наклала «вето» на мою статтю, бо я там Кончаловського за деякі речі критикую. Петро Петрович на це не звернув уваги, а дружина не дозволила цю критику друкувати. Я сказав, що статтю беру назад, давати її в каталог не буду, якось вже надрукую в невиправленому вигляді. Коли після цього я зустрівся з Петром Петровичем, він мотав головою, шкодував, як так погано вийшло. Але я його заспокоїв, втішив, сказав, що я її вже віддав у журнал «Мистецтво» і вона буде надрукована в такому вигляді, як я її написав. Але він під час цієї виставки помер, тому моєї статті надрукованої не побачив. А вона виявилася настільки вдалою, що її без мого відома потім передруковували, зокрема, у величезному томі «Художня спадщина Кончаловського» і навіть помістили мене не запитавши як вступну статтю. Очевидно, вона відповідала своєму призначенню. Але все-таки, ці відносини були не близькі, хоч і хороші, доброзичливі.

Фаворський розповів мені кумедний епізод, пов'язаний із його роботою над оформленням поеми доньки Петра Петровича, Наталії Петрівни Кончаловської, «Наша стародавня столиця». Йому довелося ходити в будинок Кончаловських досить довго: «Наша стародавня столиця» складалася з трьох книг, йому довелося зробити безліч ілюстрацій. Наталя Петрівна у своїх віршах часто просто на нього посилалася: решту вам покаже художник.

Поки вони з Наталією Петрівною працювали, у кімнату зайшов Петро Петрович, подивився на розкладені листи і сказав: «Ось уже ніколи не думав, що з моєї дурниці - Наташка вийде щось путнє».

З того часу вона в нашому будинку так і залишилася «дурою – Наталкою». Ця назва прищепилася міцно та безнадійно. Що стосується Михалкова, про нього розмова буде, коли мова дійде до Детиздату, де він вперше з'явився і де на моїх очах він зростав і складався як успішний офіційний поет часів культу особистості.

Інші «бубнововолітці» були дуже різного характеру. Лентулов - це була завзятий особистість; так і можна було собі уявити, як він летить на лихачі - візнику в досконалому веселому вигляді кутити відчайдушно до ранку в якийсь «Яр». Можливо, це було показне, але він так поводився - душа навстіж, широка натура. По суті, він був дуже серйозним і справжнім майстром, хоча починав, як можна було побачити на виставці «Москва - Париж» з дуже буйних речей, де кубізм навпіл і з футуризмом, і зі спадщиною російського живопису XIX століття. І все у надзвичайно буйному вигляді на величезних полотнах. Насправді при цьому він був дуже тонкий художник. Лентулов був дуже дружний з Піменовим, і, власне, мої стосунки з ним складалися переважно через Піменову. Чоловік він був приємний, добрий.

З Машковим у мене добрих стосунків не склалося. Талановитий він був дуже. Але я з першої ж зустрічі з ним почав дивуватися, як міг Господь Бог вкласти талант у таку дубину стоєросову, таку безнадійно дурну людину. Це давалося взнаки надзвичайно наочно, коли він намагався малювати людські постаті. Він увійшов до АХР і малював якихось піонерів із краватками на березі Чорного моря - це було щось зовсім неможливе, слинна вульгарщина, самого вульгарного і дурного вигляду. А натюрморти, проте, все життя писав чудові. Жодної близькості у мене з ним скластися не могло. А коли я посварив в одній зі своїх статей його парадний «Портрет партизанів», де партизани з дрекольем, з гвинтівками, з патронташами та кулеметними стрічками були зображені навколо чудового, величезного, розкішно написаного фікуса, немов на лубочній фотографії провінційного фотографа всунули свої обличчя в отвори готового задника, - Машков, звичайно, зовсім на мене розкрився і стосунки наші повністю припинилися.

Не склалися в мене стосунки і ще з одним колишнім «бубноволітцем», Фальком. Але про нього я розповім потім, коли мова дійде до воєнних років – тільки тоді я з ним і познайомився в евакуації у Самарканді. Це була дуже неприємна зустріч, і я ставлюся до нього дуже прохолодно - і до його мистецтва і, особливо, до його власної персони. Дуже самозадоволена, дуже самовпевнена, чванна і вкрай недоброзичлива по відношенню до людей людина.

Щодо товариства «4 мистецтва», то я знайшов там добрих друзів. Це не тільки Фаворський, а слідом за ним і Улянов. Я вперше зустрівся з Миколою Павловичем Ульяновим, коли влаштовував виставку графіки вже в Москві. Там був його стенд, на якому були підібрані дуже гарні його малюнки, переважно портрети. Я пам'ятаю, що там був портрет Машковцева, портрет Ефроса. З тих пір у нас стали встановлюватися все ближчі стосунки, які врешті-решт перейшли в дуже важливу для мене дружбу. Я до нього постійно ходив, він писав мені листи, хоча ми обидва жили у Москві. А в Самарканді, де обидва ми опинилися в евакуації, я бачив його майже щодня. Його на початку війни відправили до Нальчика, потім до Тбілісі разом із цілою групою іменитих письменників, художників, артистів. (Водночас, до речі, з Олександром Борисовичем Гольденвейзером.) Восени 1942 року їх усіх перевезли до Середньої Азії, але більшість проїхали до Ташкента, а він залишився в Самарканді.

Я щодня, приходячи на Регістан, де розташовувався Московський художній інститут, заходив його втішати, тому що його життя в Самарканді була дуже важка. Йому дали зовсім потворну, незручну, напівзруйновану худжру у дворі Шир - Дора, без жодних меблів. А він привіз із Кавказу вмираючу дружину, що лежала вже без руху. Вона й померла там, у Самарканді.

Микола Павлович Ульянов, а після його смерті його друга дружина Віра Євгенівна подарували моєму батькові безліч першокласних ульянівських робіт: портрет В'ячеслава Іванова, акварель «Дідро у Катерини», один із найкращих його малюнків Пушкіна, – ескізи костюмів до «Мольєра» та низку інших. Зберігається у нас і рідкісна робота - краєвид його померлої у Самарканді першої дружини художниці Глагольової. З великою річчю Ульянова «Модель і кінь Силени» пов'язана ціла історія. Цю річ молодий Ульянов написав під час перебування своєю асистентом Сєрова в Школі живопису, скульптури та архітектури, - це була навчальна «постановка», яку запропонував Сєров своїм студентам. Повернувшись з евакуації до Москви, Ульянов виявив, що це зняте з підрамника полотно сусіди вжили, виславши їм кошик для зберігання картоплі. Картина була чорною потрісканою грудкою, на якій ледве можна було щось розрізнити. Ульянов віддав його батькові, сумно сказавши: якщо зумієте врятувати, залиште собі. Батько дав полотно чудовому реставратору ГМ ІІ Степану Чуракову, і той врятував роботу! Дублював на нове полотно, відчистив – слідів реставрації майже не видно, і «Модель і кінь Силени», сяючи всією своєю істинно «сірівською» мальовничістю, ось уже півстоліття висить над батьковим диваном у його кабінеті.

З цієї ж групи «4 мистецтва» з'явилися й інші близькі мені люди, такі як Віра Ігнатівна Мухіна, чудовий скульптор і людина чудова, надзвичайної сили, владності та енергії, абсолютної незалежності, з надзвичайно великим душевним світом та великим душевним розмахом. Це виливалося і в грандіозну монументальну пластику, і в ліричні речі - знаменита група, виготовлена ​​для виставки в Парижі 1937 року, супроводжувалася такими роботами, як «Хліб», одна з найпоетичніших і ніжніших скульптур, які взагалі є в радянському мистецтві. Вона була й чудовою портретисткою.

З цього ж товариства, власне, з'явилася і Сара Дмитрівна Лебедєва, колись колишня дружиною Володимира Васильовича Лебедєва, одна з найтонших скульпторів, які в нас були, і чарівна людина, дуже стримана, дуже мовчазна, дуже спокійна і з якимось? разючим, загостреним почуттям характеру та руху у своєму мистецтві. Що б вона не робила, чи це велика її статуя «Дівчинка з метеликом», одна з кращих її робіт, чи то портрети, такі, як, наприклад, портрет на весь зріст, хоч і мініатюрний за розмірами, Татліна, з його розкоряченими ногами , Довгою кінською фізіономією - було надзвичайно значно і на рідкість талановито. Зустріч із Сарою Лебедєвою та добрі стосунки з нею – це теж один із дуже дорогих для мене спогадів.

Дуже добрі стосунки, хоча близькості особливої ​​душевної ніколи не було, склалися в мене і з Павлом Варфоломійовичем Кузнєцовим, людиною дуже добродушною, трохи недалекою. Втім, можливо, це була форма поведінки, за якою ховалося щось більше. Купреянов його, щоправда, обізвав не дуже добрими словами: «тюлень, який намагається прикидатися левом». Можливо, це відповідало його характеру.

Він був дуже простодушний, і виявлялося це в різних формах. Наприклад, одного разу в зал, де я розвішував гравюри та офорти Нивинського, Кравченка та естампи інших графіків, раптом є Кузнєцов, тягнучи за собою гігантське полотно одного зі своїх учнів - аморфне, пухке, зовсім мальовниче. І коли я здивовано кажу: «Ну, куди ж я його діну?», Павло Варфоломійович відповідає: «Але ж це досконала графіка!» Нічого менш схожого на графіку не можна було й вигадати. Він дуже дбав про своїх учнів. Це полотно було, до речі, Давидовича, який загинув в ополченні під час війни. Але з ним я майже не був знайомий.

Під час роботи в Ленінграді нам із Павлом Варфоломійовичем доводилося обідати іноді в самому Російському музеї. Годували там огидно, але нічого не можна було вдіяти - не завжди можна було піти в готель «Європейський» або до Будинку вчених. Я пам'ятаю, якраз ми сиділи з Павлом Варфоломійовичем, і він із супу, який йому подали, витягнув довгий риб'ячий хвіст. Він закликав офіціантку і запитав її дуже спокійно: «Ви що мені подали, юшку чи щі»? Вона сказала: "Щи". Тоді він показав їй риб'ячий хвіст, на її велике збентеження. Мені дуже сподобалася його серйозна зацікавленість у тому, щоб з'ясувати, що, власне, йому подали.

Дуже приємною для мене була наша з ним зустріч у Гурзуфі на початку 50-х років, коли він затіяв написати мій портрет. Він мені кілька разів це пропонував і в Москві, але в Москві мені було позувати колись, а в Гурзуфі у мене жодних приводів відмовлятися не могло. Він мене посадив нагорі Коровинської дачі на тлі моря і написав величезну яскраво-червону голову, схожу на грандіозні розміри помідорів на тлі сліпучо-синього моря. Він з великим задоволенням писав цей портрет, і я страшенно шкодую, що він кудись подівся. Нещодавно мені, щоправда, сказали, ймовірно, що після смерті Кузнєцова та його дружини (у них ніяких дітей не було) все, що залишалося в майстерні, пішло в Саратов, в Радищевський музей. Може бути, що й мій портрет потрапив туди. Подібності там, мабуть, було не надто багато, але просто приємна сама пам'ять. Я так і бачу його, як він сидить і з великим задоволенням пише цей контраст яскраво-червоного з яскраво-синім. Але, правду сказати, мені сидіти було важко, бо його дружина Бебутова, теж художниця, вирішила мене під час цього сидіння розважати вченими розмовами. Розмови, при всіх її потугах на вченість, були такі, що я ледве утримувався від сміху. Вона теж була людиною нехитрою і простодушною.

З Кузнєцовим близька дружба навряд чи могла скластися - дуже вже ми були різні люди. Але я згадую його з великою повагою. А художник він дуже гарний, що показала його нещодавня виставка разом із Матвєєвим.

А от Матвєєв, знайомство з ним, що перейшло в дуже добрі стосунки, - це було одне з найголовніших моїх досягнень. Чоловік він був дуже суворий, дуже мовчазний, дуже стриманий, замкнутий, повільно і мало працював, що виношував кожну свою роботу довгими роками. Після нього залишилося зовсім не так багато речей, але вони чудові.

Приблизно в цей час, не пізніше середини 30-х років, я познайомився із Сар'яном. Це одна з дуже важливих подій у моїй художній біографії. Коли і де я його зустрів, я зовсім не пам'ятаю, бо до музею він до мене не приходив, оскільки ніякою графікою особливо не займався, і у виставках, які я влаштовував, не брав участі. А в Ленінграді 1932 року сам він не був. Там була його стіна, досить випадкова за своїм складом, що загалом не відповідає його рівню і значенню, хоч і гарна. Але в порівнянні з трьома іншими, блискучими стінами того ж залу - Петрова - Водкіна, Шевченка та Кузнєцова, він виглядав скромніше, хоча в результатах свого творчого шляху перевершував усіх трьох на багато голів. Я написав про нього дуже хвалебну, просто захоплену статтю в 1936 році, вже його знаючи, і ця стаття започаткувала міцну дружбу, яка збереглася до кінця життя Сар'яна. До речі, ця стаття в «Літературній газеті» 1936 року викликала дуже велике невдоволення Кеменова, який тоді теж, як і я, трудився в «Літературній газеті» в ролі критика. Ми друкувалися з ним майже по черзі, стоячи на діаметрально протилежних позиціях і дуже не схвалюючи взаємно одне одного.

Після війни я часто бачився з Сар'яном - щоразу, як він був у Москві. Я про нього кілька разів писав згодом, уже в 60-ті роки і пізніше. Сар'яна описувати нічого - всі його знають, але мене завжди вражали якась дитячість цієї людини, її відкрите, простодушне захоплення красою реального світу, його нескінченне добродушне ставлення до людей, хоча він чудово розбирався, хто як до нього ставиться. 1952 року на обговоренні ювілейної виставки виступив Борис Веймарн з надзвичайно палкими тирадами, дуже обуреними на адресу безпринципного журі, яке взяло на виставку жахливі картини Сар'яна. Потім, років через п'ять всього-на-всього, ці самі картини доставили Сар'яну Ленінську премію, так що Веймарн заробив тільки те, що Сар'ян до кінця своїх днів не виражався інакше, як «цей мерзотник Веймарн». І це при всій його доброті та сонячності, яка була не тільки в живописі Сар'яна, а й у всій його поведінці, у всій його зовнішності - уособлення сонця, та ще й сонця Вірменії. Адже це зовсім особливе сонце. Одна з найпрекрасніших країн, які є на землі, – Вірменія. Я це дізнався у повоєнні роки, коли був там двічі.

Я добре пам'ятаю, як ми з батьком були у Сар'яна в його майстерні в Єревані на вулиці Сар'яна, як він показував нам свої роботи - і ранні, і зовсім недавно зроблені трагічні і сильні станкові малюнки. Від спеки у батька почалася сильна носова кровотеча, — Сар'ян страшенно схвилювався, поклав батька на кушетку, доглядав його з зворушливою турботливістю. Він був уже дуже старий і хоча, як і раніше, світлий, дуже сумний, - незадовго перед тим в автомобільній катастрофі загинув його син .

ГОГОЛЬ І ХУДОЖНИКИ Щасливий письменник, який повз характери нудних, неприємних, що вражають сумною своєю дійсністю, наближається до характерів, що виявляють високу гідність людини… Гоголь, «Мертві душі» Для потомства зв'язок Гоголя з Івановим зберігся

Художники І Скульптори Є художники, роботами яких я захоплююсь тепер, але багатьма творами митців я навчилася захоплюватися ще в юності. Найбільше я люблю імпресіоністів. Сезан для мене бог. Він завжди залишає простір уяві. Йому достатньо

Художники Вперше з художниками «Світу мистецтва» зустрівся я 1904 року. Один із співробітників «Нового шляху» та близький друг А. Н. Бенуа повіз мене на журфікс до цього вождя та апологета петербурзьких майстрів. Згодом я дізнався, що в ті дні на мене дивилися художники, як

Художники Пензель художника скрізь знаходить стежки. І, на спокусу полісменів постових, Невідомі художники Європи Пишуть фарбами на похмурих бруківках. Під підошвами крокуючої епохи Сплять картини, посміхаючись і сумуючи. Але і ті, що гарні, і ті, що погані, Пропадають після першого

ХУДОЖНИКИ Яків Віньковецький, будучи сам художником, хоч і не професіоналом, познайомив мене з ще двома – не просто професіоналами, але чемпіонами, богатирями своєї справи, які, незважаючи на свою надмайстерність та чемпіонство, так і не стали ні успішними, ні

Художники У Парижі живе Костянтин Коровін. Скільки думок про російський національний живопис пов'язано з цим ім'ям. Багатьом воно запам'яталося як ім'я чудового декоратора, виконавця найрізноманітніших театральних завдань. Але це лише частина сутності Коровіна.

Мексиканські художники В інтелектуальному житті Мексики панували художники. Ці художники розмалювали все місто Мехіко сюжетами з історії та географії, зображеннями на громадянські теми, в яких звучав метал полеміки. Клемон-те Ороско, худий

Художники у музеї Початок знайомств із художниками – відвідувачами Гравюрного кабінету. Родіонів, Фаворський, Штеренберг, Гончаров, Купріянов, Шевченка, Бруні, Татлі Початок виникнення цих все більш широких зв'язків коренився в Музеї образотворчих мистецтв – відтоді

Художники У мого отця Володимира у храмі був черговий ремонт, промивали живопис та розписували стелі. Храм у Лосінці не давній, збудований у 1918 році. До революції його стіни не встигли розписати, а потім було не до краси. Так мій батюшка, став настоятелем, вирішив

Художники-«антипорадники» Більш ніж 70-річна (1917–1991) практика так званої «жорсткої, безкомпромісної» боротьби з політичним противником, антипорадниками, дисидентами рясніє не однією сотнею відкритих чи таємних змов партійних функціонерів із цією категорією

Художники Шановний Олегу Леонідовичу! Один тутешній художній критик спішно запитує мене, як живуть у Москві художники та які їх фактичні заробітки? А я цих даних не маю. Ми чули, що письменники заробляють добре, і річні гонорари Толстого та Шолохова

Ми сьогодні віддаємо данину подяки Сергію Щукіну та Івану Морозову не лише за їхнє збирання, а й за провидницький смак, за вміння вгадати чергову хвилю художнього процесу. А це було не просто. Як зазначає

МИСТЕЛЬНИКИ Інтерес до мистецтва зблизив Гоголя з колонією російських художників у Римі. Вони трималися дружною компанією, перебиваючись на скромні субсидії, що видаються Академією мистецтв. Серед них були визначні таланти, що стали гордістю російського мистецтва. Гоголь не

Художники Ірина Бржеска, художник (Естонія) «Цей портрет помістили на обкладинці платівки» Репродукція картини Ірини Бржескі з платівки Ганни Герман, 1977 рікПортрет роботи цієї таллінської художниці знає багато хто: він прикрашає обкладинку однієї з найвідоміших грамплатівок

У цьому розділі представлено живопис радянських художників, зібрано картини різних жанрів: тут можна знайти і пейзаж, і натюрморт, портрети та різноманітні жанрові сцени.

Радянський живопис в даний момент набув великої популярності, як у професіоналів, так і в любителів мистецтва: влаштовуються численні виставки, аукціони. У нашому розділі радянського живопису Ви зможете підібрати картину не тільки для прикраси інтер'єру, а й колекції. Багато творів епохи соцреалізму мають історичне значення: наприклад, міські пейзажі зберегли для нас втрачений вигляд з дитинства знайомих місць: тут Ви знайдете види Москви, Ленінграда та інших міст колишнього СРСР.

Особливий інтерес становлять жанрові сцени: подібно до документальних кінохроніків вони зафіксували особливості побуту радянської людини. Портрети цього часу також чудово передають настрій епохи, розповідають про людей різних професій та доль: тут і робітники, і селянки, і воєначальники, і, звісно, ​​вожді пролетаріату. Дитячі портрети епохи соцреалізму є прямим уособленням поняття «щасливого дитинства». На сайті також представлений характерний для радянського мистецтва жанр індустріального пейзажу.

Наші фахівці допоможуть Вам підібрати потрібну картину або продати твори з Вашої колекції на нашому сайті.

У категорії антикваріату «Радянське образотворче мистецтво» представлено понад 2 тисячі різних робіт майстрів з періоду революції 1917 до 1991 року. Великий вплив на творців цього періоду мала офіційна ідеологічна думка, що відображено в багатьох тематичних роботах, представлених у цьому каталозі. Мистецтво стало ближчим до простої людини, про що свідчать унікальні портрети звичайних робітників, піонерів, комсомольців. Саме такі роботи представляє магазин антикваріату на своїх сторінках.

Окремим напрямком радянського винахідливого мистецтва стала воєнна тематика. Такий антикваріат цінний не лише технікою виконання, а й історією, відображеною на полотні. Вартість кожного полотна визначається індивідуально залежно від таких важливих факторів:

• його сюжетної унікальності;
• тематичного спрямування;
• обраної техніки написання та її якості виконання.

"Купити картину" дає користувачам унікальну можливість придбання антикваріату тих часів за доступними цінами. Картини чудово передають почуття та переживання радянської людини, відображають її будні. До уваги користувача представлений антикваріат із зображенням великих водій СРСР, плакати з відомими на всю країну гаслами, натюрморти, ілюстрації з книг, графічні роботи та, звичайно ж, чудові краєвиди з різних куточків радянської держави.

У магазині антикваріату можна знайти традиційні полотна того періоду. Багато радянських художників творили в жанрі реалізму, а починаючи з 60-х років популярним став напрямок «суворого стилю». Великою популярністю також користувалися натюрморти на різні теми. Такий антикваріат також представлений на сайті, і ви можете переглянути всі пропозиції.

Варто зауважити, що плакати на політичну тематику стали окремим видом образотворчого мистецтва радянського періоду. Вони відігравали важливу соціальну та ідеологічну роль. Цей антикваріат зберігся і сьогодні, деякі зразки представлені у відповідній категорії «Купити картину». Прекрасні пейзажі іменитих радянських майстрів являють величезну художню цінність прикрашають сьогодні найкращі вітчизняні галереї. У каталозі ви можете знайти їх репродукції та здійснити покупку.

Подробиці Категорія: Образотворче мистецтво та архітектура радянського періоду Розміщено 14.09.2018 13:37 Переглядів: 1845

З 1930-х років XX ст. офіційне мистецтво у Росії розвивалося у руслі соціалістичного реалізму. Різноманіттю художніх стилів було покладено край.

Нова епоха радянського мистецтва відрізнялася жорстким ідеологічним контролем та елементами пропаганди.
У 1934 р. на І Всесоюзному з'їзді радянських письменників Максим Горький сформулював основні засади соціалістичного реалізму як методу радянської літератури та мистецтва:

Народність.
Ідейність.
Конкретність.

Принципи соціалістичного реалізму як декларувалися, а й підтримувалися державою: державні замовлення, творчі відрядження митців, тематичні і ювілейні виставки, відродження монументального мистецтва як самостійного, т.к. воно відбивало «грандіозні перспективи розвитку соціалістичного суспільства».
Найбільш значними представниками станкового живопису цього періоду були Борис Йогансон, Сергій Герасимов, Аркадій Пластов, Олександр Дейнека, Юрій Піменов, Микола Кримов, Аркадій Рилов, Петро Кончаловський, Ігор Грабар, Михайло Нестеров, Павло Корін та ін. Деяким художникам ми.

Борис Володимирович Йогансон (1893-1973)

Б. Йогансон. Автопортрет

Один із провідних представників соціалістичного реалізму у живопису. Працював у традиціях російського живопису ХІХ ст., але вніс у свої твори «новий революційний зміст, співзвучний епосі».
Він був також викладачем живопису, директором Державної Третьяковської галереї у 1951-1954 рр., Першим секретарем Спілки художників СРСР, головним редактором енциклопедії «Мистецтво країн та народів світу», мав безліч державних нагород та звань.
Особливо відомі дві його картини: «Допитування комуністів» і «На старому уральському заводі» (1937).

Б. Йогансон «Допитування комуністів» (1933). Полотно, олія. 211 x 279 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)
Історія створення картини у разі необхідна усвідомлення її ідеї. «Мене особисто переслідувала ідея зіставлення класів, бажання висловити у живописі непримиренні класові протиріччя.
Білогвардійщина – це особливий наріст в історії, це зброд, де змішалися і залишки старого офіцерства, і спекулянти у військовій формі, і відверті бандити, і мародери війни. Яким яскравим контрастом цієї банди були наші військові комісари, комуністи, які були ідейними керівниками та захисниками своєї соціалістичної вітчизни та трудового народу. Виразити цей контраст, зіставити його було моїм творчим завданням» (Б. Йогансон).
Один білогвардійський офіцер сидить у золоченому кріслі спиною до глядача. Інші білі офіцери звернені обличчям. Для посилення драматичного ефекту митець дає штучне нічне висвітлення. Фігура конвойного поміщена у верхній темний край лівого кута і є трохи помітним силуетом. У правому кутку – вікно з портьєрою, через нього ллється додаткове нічне світло.
Комуністи перебувають наче на піднесенні порівняно з білогвардійцями.
Комуністи – дівчина та робітник. Вони стоять поруч і спокійно дивляться в обличчя своїх ворогів, їхнє внутрішнє хвилювання приховано. Молоді комуністи символізують новий тип радянських людей.

Сергій Васильович Герасимов (1885-1964)

С. Герасимов. Автопортрет (1923). Полотно, олія. 88 x 66 см. Харківський художній музей (Харків, Україна)
Російський художник, представник російського імпресіонізму, що особливо проявився в його пейзажах. Він створив також низку еталонних соцреалістичних картин.

С. Герасимов «Весна. Березень". Полотно, олія
В історичному жанрі найвідоміша його робота – «Клятва сибірських партизанів».

З. Герасимов «Клятва сибірських партизанів» (1933). Полотно, олія. 173 x 257 см. Державний Російський музей (Петербург)
Картина сувора за змістом, але виразна та експресивна. У ній чітка композиція та ідейна спрямованість.
Жанрова картина С. Герасимова «Колгоспне свято» (1937) вважається одним із найзначніших творів радянського мистецтва 30-х років XX ст.

С. Герасимов "Колгоспне свято" (1937). Полотно, олія. 234 x 372 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)
Одним із найвідоміших мальовничих полотен про війну стала картина С. Герасимова «Мати партизана».

С. Герасимов "Мати партизана" (1943-1950). Полотно, олія. Державна Третьяковська галерея (Москва)
Сам художник говорив про задум картини так: «Я хотів показати її образ всіх матерів, які відправили на війну своїх синів».
Жінка тверда у своїй правоті, вона втілює велику силу народного гніву. Вона страждає, але це страждання гордої, сильної людини, тому обличчя її здається спокійним у цю трагічну хвилину.

Аркадій Олександрович Пластов (1893-1972)

Бендель. Портрет художника Пластова

Художника А. Пластова називають «співаком радянського селянства». Усі його жанрові картини створено і натомість пейзажу. Російська природа у художника завжди лірична та одушевлена. Його картини відрізняються поетичною виразністю та практично безконфліктністю.

А. Пластов «Перший сніг» (1946)
Художник зобразив невеликий фрагмент із сільського життя. На порозі дерев'яного будинку двоє селянських дітей, швидше за все, сестра та брат. Прокинувшись уранці, вони побачили снігопад і вибігли на ґанок. Жовту теплу шаль дівчинка навіть не встигла зав'язати, тільки накинула на легку домашню сукню і сунула ноги у валянки. Діти з подивом та захопленням дивляться на перший сніг. І ця радість, це дитяче захоплення красою природи передається глядачам.
Пластов - переконаний реаліст. Пошуки чогось абсолютно нового та небаченого були йому чужі. Він жив у світі та милувався його красою. Пластов вважав: головне для художника – побачити цю красу та передати її на полотні. Не треба писати красиво, треба писати правду, і вона буде прекрасніша за будь-які фантазії.

А. Пластов «Золота галявина» (1952). Полотно, олія. 57 x 76 см. Державний музей-заповідник «Ростовський Кремль»

А. Пластов «Сінокос» (1945). Полотно, олія. 193 x 232 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)
Художник створив серію картин про Велику Вітчизняну війну. Полотно «Фашист пролетів» наповнене трагізмом, воно вважається шедевром радянського мистецтва військового та післявоєнного періоду.

А. Пластов "Фашист пролетів" (1942). Полотно, олія. 138 x 185 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)
Художник А. Дейнека продовжує працювати над своїми улюбленими темами.

Юрій Іванович Піменов (1903-1977)

Відомий як живописець, театральний художник, сценограф та графік, плакатист, педагог.
Найвідоміша його картина – «Нова Москва».

Ю. Піменов "Нова Москва" (1937). Полотно, олія. 140 × 170 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)
Написано у розпал реконструкції столиці. Жінка за кермом – досить рідкісне явище для тих літ. Це символ нового життя. Незвичайне й композиційне рішення: зображення нагадує кадр фотоапарата. Жінка показана зі спини, і цей ракурс запрошує глядача подивитися на ранкове місто її очима. Створюється відчуття радості, свіжості та весняного настрою. Цьому сприяє імпресіоністська манера письма художника та ніжний колорит картини. Картина перейнята оптимістичним світовідчуттям, характерним на той час.
Цей прийом художник використовував і під час написання картини «Фронтова дорога». Емоційний зміст картини побудовано на контрасті між чином мирної, мінливої ​​Москви і розграбованого і зруйнованого внаслідок фашистської навали міста, зображеного на картині «Фронтова дорога».

Ю. Піменов «Фронтова дорога» (1944)
У ранній період творчості Піменов зазнав впливу німецького експресіонізму, що багато в чому пояснює драматичну гостроту кращих його картин цих років: «Інваліди війни», «Даєш важку індустрію!» (1927), "Солдати переходять на бік революції" (1932). Поступово він перейшов до імпресіонізму, дотримуючись творчого принципу «прекрасної миті».

Ю. Піменов "Інваліди війни" (1926). Державний Російський музей (Петербург)

Георгій Григорович Ніський (1903-1987)

Георгій Ніський у цей період активно займається пейзажною творчістю. Його картини відрізняються мальовничим лаконізмом, динамікою, яскравими композиційними та ритмічними рішеннями. Природа у художника завжди перетворена людськими руками.

Г. Ніський «Осінь. Семафори» (1932)

Г. Ніський «Підмосков'я. Лютий» (1957). Полотно, олія. Державна Третьяковська галерея (Москва)
До пейзажистів старшого покоління належать Миколи Кримова.

Микола Петрович Кримов (1884-1958)

Микола Кримів (1921)
Н.П. Кримов народився в сім'ї художника-передвижника, тому початковий напрямок його творчості був таким самим. У роки навчання (1905-1910) схилявся до імпресіоністичного зображення природи, ніжні пастельні тони та легкі мазки надавали його полотнам одухотвореного та невагомого вигляду. У 20-ті роки став прихильником російського реалістичного живопису.

Н.П. Кримів «Ранок у Центральному парку культури та відпочинку ім. М. Горького у Москві» (1937). Полотно, олія. 81 x 135 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)
Останній період творчості живописця пов'язаний із річкою Ока та невеликим містом Таруса, куди Кримів приїхав погостювати. Він був зачарований місцевими краєвидами та річкою Окою, яка «дихала свободою».

Н. Кримів «Вулиця в Тарусі» (1952)
Відображенням любові до Тарус стали картини «Перед сутінками», «Поліново. Річка Ока» та низка інших. У художника багато зимових краєвидів.

Н. Кримів «Зима. Дахи» (1934)

Аркадій Олександрович Рилов (1870-1939)

А. Рилов. Автопортрет із білкою (1931). Папір, туш, італійський олівець. Державна Третьяковська галерея (Москва)

Російський та радянський живописець-пейзажист, графік та педагог.
Найвідомішою його картиною є «Ленін у Розливі».

А. Рилов В.І. Ленін у Розливі 1917 р.» (1934). Полотно, олія. 126,5 × 212 см. Державний Російський музей (Петербург)
Це один із найкращих творів художника в його пізній період творчості. У цій картині художник поєднує пейзаж із історичним жанром. Перебування Леніна в Розливі влітку 1917 р. – один із основних сюжетів ленінської теми у радянському образотворчому мистецтві. У пейзажі та в динамічній фігурі вождя відчувається хвилювання та напруженість моменту. По небу мчать хмари, вітер гне могутні дерева, у боротьбі проти цих природних сил постать Леніна прямує назустріч вітру з твердою рішучістю здобути перемогу в ім'я майбутнього.
Бурхливе озеро та тривожне небо символізують бурю. На землю спускаються сутінки. Ленін, нічого цього не помічаючи, напружено вдивляється в далечінь. Таке трактування образу вождя – ідеологічне замовлення радянської доби.
Активно розвивається у цей час радянський портретний жанр, у якому найяскравіше виявляють себе Петро Кончаловський, Ігор Грабар, Михайло Нестеров.

П. Кончаловський. Портрет композитора Сергія Сергійовича Прокоф'єва (1934). Полотно, олія. 181 x 140,5 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)

П. Кончаловський. Портрет В.Е. Мейєрхольда (1938). Полотно, олія. 211 x 233 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)
У період масових репресій, незадовго до арешту та загибелі Мейєрхольда, П. Кончаловський створив портрет цього видатного театрального діяча. 7 січня 1938 р. Комітет у справах мистецтв прийняв ухвалу про ліквідацію Державного театру імені Мейєрхольда.
Конфлікт особистості з довкіллям художник передав через складне композиційне рішення. На полотні зображено не мрійник, а людина, чия доля висить на волосині, і вона це знає. Через зіставлення яскравого килима, густо вкритого орнаментом, та монохромної фігури режисера Кончаловський розкриває трагічний образ режисера-реформатора.

І. Грабар. Портрет академіка Н.Д. Зелінського (1935). Полотно, олія. 95 x 87 см. Державна Третьяковська галерея (Москва)

І. Грабар. Портрет Володимира Івановича Вернадського (1935)

Павло Дмитрович Корін (1892-1967)

Павло Корін (1933)
Російський та радянський живописець, монументаліст, майстер портрета, реставратор та педагог, професор.
Виховувався у Палесі та починав з писання ікон. Навчався в Московському училищі творення та архітектури, згодом став одним із найважливіших майстрів раннього радянського портрета, створив цілу галерею портретів інтелігентів свого часу.
Для творів цього художника характерна монументальність, сувора гама, чітко виліплені форми.
Найбільш відомі роботи П. Коріна: триптих «Олександр Невський», портрети Георгія Жукова та Максима Горького.

П. Корін. Триптих «Олександр Невський»
Триптих був замовлений художнику у році Великої Вітчизняної війни, коли тема протистояння загарбнику була центральною у мистецтві.
У лівій та правій частині триптиха солдати збираються на війну. Їх проводжають жінки: стара мати, дружина, що тримає на руках маленьку дитину. Вони, а також рідна земля потребують захисту.

Посередині – образ воїна. Олександр Невський у далекі часи зупинив німецьких лицарів, тому він може надихнути захисників на війну із фашистськими загарбниками. Його постать монументальна - це пам'ять про російських богатирів. Прапор з обличчям Христа нагадує святість руської землі. Він стоїть, спираючись на меч, - вороги повинні загинути від меча, з яким прийшли.
За його спиною – рідна земля, яку треба захистити.
Тематичним картинам і портретам у виконанні майстра властиві одухотвореність та зібраність образів, строгість композиції та малюнка.
Інтерес до творчим особистостям уражає атмосфери цього періоду.