Маленькі піаністи віртуоз статті. Піаніст інтерпретатор

Річард Клайдерман - французький піаніст, музикант і аранжувальник, який здобув найбільшу популярність завдяки своїм класичним та популярним творам, які принесли йому славу одного з найвидатніших музикантів сучасності. За свою кар'єру Річард написав понад 1300 композицій, які розійшлися тиражем у понад 150 мільйонів; 267 із них отримали "золотий" статус у кількох країнах, а ще 70 - "платиновий". Такий неймовірний успіх заніс ім'я Клайдермана до Книги Рекордів Гіннесса (Guinness Book of World Records) як найуспішнішого піаніста світу.

Річард Клайдерман, уроджений Філіп Паже (Philippe Pagès), народився 28 грудня 1953 року в Парижі, Франція (Paris, France). З самого раннього дитинства Річард вивчав музику та навчався грати на фортепіано під керівництвом свого батька, викладача музики та професійного музиканта. На момент закінчення школи музика була для хлопчик

а не просто хобі, але заняттям, за яким він хотів би провести своє життя.

Вступивши до Паризької консерваторії, Річард швидко завоював любов студентів та повагу викладачів, які швидко розглянули дивовижний талант молодого Клайдермана. Його кар'єра та майбутнє професійного музиканта опинилося на краю загибелі, коли Річард

знав про хворобу батька та майже повне банкрутство сім'ї. Так, щоб підтримувати себе та оплачувати навчання, він влаштувався у банк, а також почав виступати із сучасними французькими музикантами як сесійний музикант. Цікаво, що дуже швидко Річард пробився в групи найпопулярніших музикантів того часу, хоча іншим музикантам

про вимагалося роки, але, як згадує він сам, у той час він був готовий грати будь-яку музику, за яку йому платили, так що професійним музикантам було вигідно отримати молодого та перспективного музиканта до себе в групу.

У 1976-му році Клайдермана було запрошено на співбесіду та прослуховування для балади "Ballade pour Adeline"

(або просто "Adeline"). З 20 претендентів на позицію піаніста було обрано саме Річарда, чия манера гри вразила продюсерів своєю неоднорідністю: у ній поєднувалася легкість та сила, енергія та меланхолія. Всього за кілька днів запису з'явилася фінальна версія "Ballade pour Adeline", проданий тираж якої на сьогоднішній день складає

т 34 мільйони платівок у 38 країнах світу. Незважаючи на те, що ця робота стала найяскравішим досягненням музиканта, у його скарбничці ще кілька сотень популярних творів, які мають успіх не тільки в Європі та Сполучених Штатах, а й у досить захищеній від західного впливу Азії. У багатьох азіатських країнах творчість Річард

Клайдермана має такий успіх, що часом займає всі полиці в музичних магазинах, не залишаючи місця метрам класичної музики - Моцарту, Вагнеру, Бетховену та ін.

Проводячи більшу частину часу в гастролях, Річард зарекомендував себе як вкрай працездатний музикант - у 2006-му році він дав 200 концертів за 250 днів.

Вихідні лише для переїздів і налаштування звуку в нових місцях. За свою кар'єру він став автором 1300 творів, які виходили як сольними альбомами, так і потрапляли на екрани телевізорів та кінотеатрів. Загалом на сьогоднішній день доступно близько 100 дисків Річарда - від його ранніх робіт до останньої творчості.

Чи можна визначити кількість характерних ознак першокласної гри на фортепіано. Однак, відбираючи десять найважливіших рис і ретельно розглядаючи кожну з них, учень дізнається багато з того, що надасть йому їжу для роздумів. Зрештою, ніхто не в змозі висловити у пресі все те, що може повідомити вчитель у живому спілкуванні.

До вивчення нового твору, надзвичайно важливо зрозуміти його загальну концепцію, необхідно спробувати поринути у основний задум композитора.

Існують і суто технічні труднощі, які слід долати поступово. Але доки студент не зможе відтворити основну ідею твору в більших пропорціях, його гра нагадуватиме свого роду музичну мішанину.

У творі є певний структурний план. Насамперед необхідно його виявити, та був вибудовувати композицію у тому художньої манері, яка властива її автору.

Запитуєте мене: «Яким чином учень може сформувати вірне уявлення про твір як єдине ціле?» Безперечно, найкращий шлях – прослухати його у виконанні піаніста, чий авторитет як інтерпретатора не підлягає сумніву. Однак багато хто не має такої можливості. Досить часто і сам учитель, який викладає з ранку до вечора, не в змозі виконати твір абсолютно у всіх деталях. Тим не менш, дещо можна почерпнути і у педагога, який в міру своєї обдарованості може дати учневі загальне уявлення про художні цінності твору. Але й у тих випадках, коли не вдається послухати ні піаніста-віртуоза, ні педагога, учневі не слід зневірятися, якщо він має талант.

Так, це найбільша сила, яка, як ніщо інше, проникає в усі художні таємниці та розкриває істину. Талановитий виконавець хіба що інтуїтивно схоплює думки, возмущавшие композитора в останній момент створення твори, як істинний інтерпретатор, передає їх аудиторії у адекватної формі.

Собою зрозуміло, що технічна майстерність - справа першорядної важливості для того, хто хотів би стати першокласним піаністом. Неможливо уявити гарне виконання, яке не відрізнялося б чистою, швидкою, виразною, гнучкою технікою. Технічні можливості піаніста повинні відповідати художнім вимогам твору. Звичайно, можуть зустрітися окремі пасажі, які вимагатимуть спеціальної роботи, але, кажучи взагалі, техніка не має цінності в тому випадку, якщо руки та мозок не натреновані настільки, щоб подолати основні труднощі, які зустрічаються у нових творах.

Школах Росії техніці приділяють велику увагу. Можливо, у цьому - одна з причин такого прихильного прийому деяких російських піаністів останніми роками. Робота провідних російських консерваторій перебуває майже повністю під наглядом Імператорського музичного товариства. Така система гнучка: хоча всі студенти повинні проходити той самий курс навчання, особлива увага приділяється індивідуальним заняттям. Проте спочатку техніка є предметом першорядним. У технічному відношенні всі учні повинні досягти високого професійного рівня. Ніхто не є винятком. Можливо, читачам журналу The Etude буде цікаво дізнатися дещо про загальний план роботи російських імператорських шкіл. Курс навчання триває дев'ять років. Протягом перших п'яти років учень набуває більшу частину технічних навичок, вивчаючи збірку вправ Ганона, яка дуже широко застосовується в консерваторіях. Фактично, це єдині збори строго технічних вправ. Усі вони витримані у тональності C. До збірки входять гами, арпеджіо та вправи на інші види техніки. Наприкінці п'ятого року – іспит. Він складається із двох частин. Спочатку учень екзаменується з техніки, а потім він має продемонструвати майстерність художньої інтерпретації п'єс, етюдів тощо. Проте той, хто провалюється на першому екзамені, до другого не допускається. Учень настільки добре вивчає вправи Ганона, що знає їх за номерами. Екзаменатор може попросити його, наприклад, зіграти вправу 17 або 28, або 32 і т. д. Учень відразу сідає за рояль і грає. Незважаючи на те, що в оригіналі всі вправи написані до мажору, екзаменатор має право попросити зіграти їх у будь-якій іншій тональності. Вправи вивчаються настільки ретельно, що екзаменуючі повинні грати в необхідної тональності. Застосовується також і іспит із використанням метронома. Учень знає, що має грати вправу в заданому темпі. Екзаменатор визначає швидкість і метроном вимикається. Студента, наприклад, просять зіграти гаму мі мажор при метрономі 120, по вісім нот у такті. Якщо він справляється із завданням, йому ставлять відповідну оцінку та допускають до інших іспитів.

Я вважаю, що вимога глибоких технічних знань – проблема нагальна. Вміти зіграти кілька п'єс - не означає опанувати музичний професіоналізм. Це схоже на музичну табакерку, в запасі яка має лише кілька мелодій. Розуміння студентом техніки має бути всеосяжним. Пізніше учню пропонують технічно найважчі вправи, наприклад - Таузига. Черні теж цілком заслужено користується популярністю. Менш відомі етюди Гензельта, попри його довгу роботу у Росії. Разом з тим вони такі прекрасні, що їх варто було б поставити поруч із такими п'єсами, як етюди Шопена.

Інтерпретація неможлива, якщо учню невідомі правила, що є основою для дуже важливої ​​області, фразування. На жаль, у цьому плані багато видань недосконалі. Деякі символи фразування використовуються неправильно. Отже, єдиний безпечний шлях - взятися за спеціальне вивчення цієї важливої ​​сфери музичного мистецтва. У старі часи знаками фразування користувалися мало. Бах розставляв їх дуже скупо. Тоді в цьому не було потреби, тому що кожен музикант, граючи, міг сам встановити межі фрази. Але знання способів визначення фраз жодною мірою не є єдиним необхідним. Така ж важлива і майстерність їх виконання. У свідомості художника має народитися справжнє почуття музики, інакше всі знання фразування, якими він володіє, виявляться марними.

Виконання фраз повністю залежить від почуття музики, чи відчування інтерпретатора, то визначення темпу вимагає анітрохи не меншого музичного обдарування. Хоча нині у часто темп того чи іншого твори вказується у вигляді позначення метронома, необхідно брати до уваги і трактування самого виконавця. Не можна сліпо дотримуватись метрономічних вказівок, хоча часом і небезпечно сильно відхилятися від них. Метроном не потрібно користуватися сліпо. Виконавцю слід чинити за своїм розумінням. Я не схвалюю тривалих занять з метрономом. Він призначений для того, щоб задавати темп, і якщо їм не зловживати, метроном буде вірним помічником. Але його треба використати лише з цією метою. Саме механічне виконання, яке тільки можна собі уявити, виникає у тих, хто робить себе рабом цього маленького музичного годинника, який ніколи не призначався на роль деспота, що контролює кожну хвилину занять.

Багато студентів розуміють, що у виконавстві існує чудова можливість протиставлення. Кожен твір – «річ у собі». Отже, воно має інтерпретуватися по-своєму. Є виконавці, гра яких завжди однакова. Її можна порівняти зі стравами, що подаються у деяких готелях. Все, що б не приносилося на стіл, має той самий смак. Звичайно, для успіху виконавцю необхідна яскрава індивідуальність, і кожна його інтерпретація має бути забарвлена ​​нею. Але в той же час слід постійно шукати різноманітності. Баладу Шопена потрібно грати інакше, ніж Каприччіо Скарлатті. Справді, дуже мало спільного у бетховенської сонати з Рапсодії Ліста. Отже, студенту треба прагнути надати твору самобутній, неповторний образ. Будь-який твір має стояти особняком. Якщо ж виконавець не в змозі навіяти своєї аудиторії цього почуття, він лише трохи кращий за будь-який механічний інструмент.

Гофман має цю здатність наділяти будь-який твір індивідуальною і характерною чарівністю, що мене завжди так захоплює.

Названа душею фортепіано. Я не розумів, що це означає, доки не почув Антона Рубінштейна. Його гра здалася мені настільки чудовою, що не піддається опису. Його володіння педаллю було феноменальним. У фіналі Сонати b-moll Шопена він домагався невимовно прекрасних педальних ефектів. Для кожного, хто пам'ятає їх, вони завжди збережуться в пам'яті, як найбільші рідкісні речі, які дарує музика.

Педаллю навчаються протягом усього життя. Це найважча область найвищої фортепіанної освіти. Звісно, ​​можна визначити основні правила її використання, і учню необхідно ретельно їх вивчати. Але в той же час ці закони можна майстерно порушувати в ім'я досягнення незвичайних чарівних фарб.

Це низка відомих принципів, що у межах сприйняття нашого музичного інтелекту. Їх можна порівняти з планетою, де ми живемо і про яку так багато знаємо. Проте поза цими законами є великий Всесвіт - небесна система. До неї можна проникнути лише телескопічним художнім зором великого музиканта. Це було зроблено Рубінштейном та деякими іншими піаністами, які принесли нашому земному баченню божественну красу, яку вони зуміли відчути.

На те, що слід поважати традиції минулого, хоча вони здебільшого для нас і незбагненні, тому що їх можна знайти тільки в книгах, ми не повинні бути в полоні умовностей. Боротьба традиційними віруваннями є закон художнього прогресу. Усі великі композитори та виконавці зводили нові будівлі на руїнах зруйнованих ними умовностей. Незмірно прекрасніше творити, ніж наслідувати. Але перш, ніж ми зможемо створити щось, добре б ознайомитися з тим найкращим, що нам передувало. Це стосується не тільки твору, але також і фортепіанного виконавства. Великі піаністи Рубінштейн і Ліст мали надзвичайно широкий діапазон знань. Вони вивчили фортепіанну літературу у всіх її можливих відгалуженнях. Їм був відомий кожен ступінь музичного розвитку. Ось у чому полягає причина їхнього гігантського музикантського зльоту. Їхня велич полягала не в порожній шкаралупі придбаної техніки. Вони знали. Побільше б студентів у наші дні, які мали б справжню спрагу до справжніх музикантських знань, а не просто бажання поверхово показати себе за роялем.

Розповідали, що деякі викладачі особливо наполягають на тому, щоб учень знав джерело натхнення композитора. Це, звичайно, цікаво і може допомогти стимулювати мізерну уяву. Однак я переконаний, що для студента було б краще покладатися на своє власне розуміння музики. Помилково припускати, що знання факту, ніби Шуберт був натхненний якоюсь поемою, або що Шопен черпав натхнення в будь-якій легенді, зможе колись компенсувати недостатність справжніх основ фортепіанного виконавства.

Слід бачити насамперед основні особливості музичних зв'язків у творі. Він повинен зрозуміти, що ж надає цьому твору цілісність, органічність, силу та граціозність. Він повинен знати, як виявити ці елементи. Деякі викладачі схильні перебільшувати важливість допоміжних вправ та применшувати необхідність придбання справжньої музикантської бази. Такий погляд є помилковим і призводить до поганих результатів.

Повинен керуватися більш значними спонуканнями, ніж грати просто з вигоди. У нього є місія, і ця місія – просвітництво публіки. Безкорисливому студентові заради його користі надзвичайно важливо вести цю освітню роботу. Для його ж власного блага краще спрямувати всі сили на п'єси, виконання яких, як він відчуває, матиме музичний, виховний та освітній вплив на публіку. При цьому необхідно мати власну думку, але не надто далеко виходити за межі можливостей сприйняття цієї аудиторії. Якщо взяти, наприклад, піаніста-віртуоза, то тут питання виглядає дещо інакше. Віртуоз передбачає і вимагає від своєї аудиторії певного музичного смаку, певного рівня музичної освіти. Інакше він працюватиме марно. Щоб публіка могла насолоджуватися найбільшим у музиці, їй треба слухати хорошу музику доти, доки краса твору не стане для неї очевидною... Віртуози звертаються до студентів-музикантів усього світу із закликом зробити свій внесок у справу освіти величезної музичної аудиторії. Не витрачайте свій час на музику, яка банальна чи неблагородна! Життя занадто коротке, щоб проводити його, блукаючи по беззмістовних цукрів музичного сміття.

всякому хорошому фортепіанному виконанні є дуже важлива іскорка, яка, здається, перетворює кожну інтерпретацію шедевра на живий витвір мистецтва. Вона існує лише у якийсь момент і не може бути пояснена. Наприклад, два піаністи однакових технічних можливостей можуть грати один і той же твір. В одного - виконання нудне, неживе і визубрене, в іншого - щось неймовірно чудове. Здається, що це виконання тремтить від повноти життя. Воно зацікавлює та надихає публіку. Що це за така важлива іскорка, яка вдихає життя у прості ноти?

Може бути названа напруженим художнім інтересом виконавця. Це те дивовижне явище, яке відоме як натхнення. У процесі створення твору композитор, безумовно, натхненний, і якщо виконавець пізнає таку радість, яку відчував автор у момент творчості, щось нове і надзвичайне входить у його виконання. Здається, що воно зовсім дивним чином прокидається і набуває сили. Аудиторія негайно це розуміє і навіть іноді прощає технічні неточності, якщо саме виконання сповнене натхнення. Рубінштейн був дивом у сенсі техніки, і все ж таки він зізнавався, що робив промахи. Можливо, вони й були, але при цьому він відтворював такі ідеї та музичні картини, які б змогли відшкодувати мільйон помилок. Коли Рубінштейн був надто точний, його виконання втрачало якусь частку своєї чарівної чарівності. Я пам'ятаю, як одного разу на одному з концертів він грав «Ісламея» Балакірєва. Щось відвернуло його увагу і, очевидно, він забув твір, але продовжував імпровізувати в манері балакірівської п'єси. Хвилин через чотири він згадав решту і дограв до кінця. Це дуже розчарувало його, і наступний номер програми він грав із граничною точністю, але, як не дивно, його виконання втратило чудову чарівність моменту, в якому підвела його пам'ять. Рубінштейн був воістину незрівнянний, можливо навіть тому, що був сповнений людських поривів, яке виконання - далеким від досконалості машини.

Необхідно грати всі ноти, і, по можливості, у манері та стилі близьких композитору, але прагнення студента жодним чином не повинно обмежуватися лише цим. Кожна окрема нота у творі важлива, але є дещо, що так само важливо, як і ноти, і це душа. Зрештою, надзвичайно важлива жива іскра і є душа. Душа - джерело тієї вищої експресії музикою, яка може бути виражена динамічними позначеннями. Душа інтуїтивно відчуває необхідність crescendi та diminuendi. Сама тривалість паузи чи кожної ноти залежить від її істоти. Душа художника диктує йому, як довго витримувати цю паузу. Якщо учень звертається до застиглих правил і залежить від нього повністю, його виконання буде бездушним.

Виконання вимагає також багатьох глибоких роздумів, а чи не лише досконалого володіння клавіатурою. Студенту не слід думати, що мети досягнуто, якщо зіграно всі ноти. Насправді це лише початок. Необхідно зробити твір частиною себе. Кожна нота повинна пробуджувати у виконавця свого роду музичне усвідомлення справжньої мистецької художньої.

Перехідний період до нового часу обумовлений гострою потребою суспільства у мистецтві, що відбиває дружнє спілкування, свободу від фальші. Зростає потреба у побутовому мистецтві. Демократизація мистецтва з одного боку пожвавила музичне життя. Але на тлі цього пожвавлення яскраво виражається феномен перехідної культури – прийняття поп культури як унікальне явище, а унікальні твори класиків – прийняття за мистецтво стереотипу. Виховна функція музики та високохудожня мета змінилися розважальною функцією та орієнтацією на уподобання слухача. Філармонічна система також повністю втратила потребу у просвітницькій діяльності. Орієнтація на касовість, на прибуток, які пропорційні успіху в інколи не розвиненого слухача, і породжує розвиток смаків населення в неправильному напрямку. Засоби масової інформації, що несуть освітню функцію, повністю віддаляють нас від традицій академічної музики. Все рідше і рідше можна зустріти телепередачі історичні портрети композиторів, що пропагують у загальному потоці, анонси виступів або просто трансляцію фільму-опери. Виступи найкращих піаністів пускають в ефір на деяких каналах період із 1.00-3.00 ночі. На якого глядача розраховано ці трансляції? З 47 телеканалів аналогого мовлення 1 віддано для просування культури у маси. Авангардне відображення дійсності дуже далеке від ідейної змістовності академічного репертуару, а художня висота класичного репертуару задає надто високу планку сучасної буденності. У зв'язку з цим відбувається дуже великий розрив у розумінні мистецтва, у тенденціях його розвитку та значення. Найкраще про ситуацію в сучасному виконавстві висловила Міра Євтич: «Відмінні піаністи грають по всьому світу дуже швидко і дуже голосно, всі вони титуловані і заслужені, але в них немає особистісної харизми, самобутньо-персональної якості.» Також примітні слова М. Плетньова: «Давно не чув представників старої російської школи. Чую таку школу, яку можна назвати «поструською» чи «пострадянською». Вона виникла через необхідність отримання перших місць на різних конкурсах. Атлетична гра. Я не шанувальник такої гри. Але щоб одержати, треба брати саме такою грою. Бачу, що люди, які грають осмислено, нічого не отримують. Кар'єру роблять ті, хто грає голосно та швидко…» Спортивно-конкурсний час зумовив появу схожих один на одного виконавців. Професійний рівень виконавця не виходить за межі правильної та чистої гри. Виконавці дедалі рідше вкладають у виконання своє інтерпретаторське «я». Шлях піаніста на концертну естраду лежить через конкурсне змагання. Перемагають лише спортивно орієнтовані піаністи. Через це художня культура йде шляхом занепаду духовності. Статистика фіксує падіння заповнюваності концертних залів. Професійно орієнтовані митці в Росії в основному не мають фінансової можливості відвідувати концертні виступи. Вони все частіше звертаються до записів, радіо «Орфей» чи інтернету. Питання виконавства та інтерпретації поступово залишаються у XX столітті. Поняття «віртуоз» змінює свій шляхетний зміст «музиканта, майстра своєї справи, що приголомшує зал». Все частіше віртуозом називають майстри техніки, що відрізняється блискучою швидкістю, легкістю виконання важких пасажів, октав та інших технічно важких місць.

Саме фортепіанне виконавство перестало самовладно нести просвітницьку функцію, виховну, і більше не є відображенням душевної налаштованості народу. Фортепіано перестає бути центральним інструментом, а Klaviraband замінюється збірними концертами чи звукозаписом. Звукозапис, що з'явився наприкінці 19 століття, з одного боку давши потужний поштовх у розвитку фортепіанного мистецтва, витіснив жанр домашнього музикування, обмеживши слухача низькою якістю передачі фортепіанних творів. Рояль на початку XXI століття замінюється електронними малогабаритними синтезаторами, а публіка все менше відвідує сольні фортепіанні концерти, віддаючи перевагу яскравим симфонічним концертам чи фестивалям, де можна за один вечір почути велику кількість різноманітної музики у різному виконанні. Невже у майбутньому фортепіано рояль стане музейним експонатом, а фортепіанне виконавство повністю зникне?

Для збереження виконавського мистецтва та відродження потрібно йти в тісному зв'язку зі сміливими масштабними ідеями та з прагненням до їх втілення. Самобутнє оригінальне мислення визначає рух та нові шляхи розвитку мистецтва. Потрібно виховувати свою аудиторію і змушувати її підніматися вище за свій художній рівень. У вихованні учнів важливо щеплювати навичку пізнання, самостійного розширення кругозору. Сучасне виконавство представлене багатьма піаністами. Їхні імена ми найчастіше дізнаємось після конкурсу П.І.Чайковського. Цей конкурс приніс знаменитість таким піаністам як

Ван Кліберн, Володимир Ашкеназі, Елісо Вірсаладзе, Володимир Крайнєв, Михайло Плетньов, Григорій Соколов, Борис Березовський, Денис Мацуєв та багато інших. Міжнародні конкурси та фестивалі сприяють глобалізації фортепіанного мистецтва. Фортепіанні школи поступово перестають мати ідентифіковані риси як у 20 столітті. Азіатські піаністи приїжджають навчатися до Росії, росіяни – їздять стажуватися та просуватися на захід, а потім знову повертаються концертувати до Росії. Стиль сучасного виконавства відбиває філософію плюралізму. Множинність трактувань, виконавських напрямів, побудова програм сьогодні є рівнозначними та допустимими. З одного боку, це забезпечує дорогу безсмачним і безграмотним любителям, але водночас це шанс для професіоналів зберігати виконавське мистецтво та шукати нові шляхи розвитку. Цей шлях бачив у 20 столітті ще Глен Гульд. Експериментуючи із записом часом навіть протилежних трактувань в один день (наприклад, Бетховен Соната op.57 «Апасіонату»), він доводить свою реформу про правильність будь-якого трактування за її обґрунтованості та переконливості. Сучасні напрямки фортепіанного мистецтва можна визначити як виразніі образотворчі. Так у фортепіанних творах виконавці «виразного спрямування» висловлюють ідею композитора через призму свого духовного світу, ставлення до твору, шукаючи її в історичній та філософській панорамі. А піаністи «образотворчого спрямування» показують нам ідею твору, його зміст у тих своїх особистісних професійних можливостей, малюючи звуками образ. Сучасне виконавство зазвичай можна характеризувати за піаністами, творчі принципи яких вже склалися, а майбутнє – це молоді піаністи, які ще на порозі великих звершень.

Григорій Соколов, Михайло Плетньов, Борис Березовський, Євген Кісін, Іво Погореліч, Марта Агреріх, Альфред Брендель, Елісо Вірсаладзе – піаністи, чиї імена у топі нашої сучасності. Їхні виконавські принципи вже склалися протягом творчої кар'єри і в основному вони продовжують найкращі традиції піанізму, що склалися в 20 столітті. У їхній пам'яті ще свіжі настанови кращих педагогів і живі виступи піаністів, таких як С. Ріхтер, Е. Гілельс, Вл.Горовіц, Ар.Рубінштейн. Ми можемо оцінити їхні технічні можливості, порівняти трактування, простежити еволюцію творчості виконавців у зручний для нас час. Але ніколи нам не буде доступний той чарівний світ творіння, та священна аура яскравого звучання, та сила впливу на слухача, той посил енергетики, здатний раз і назавжди сформувати світогляд виконавця, виховати його смак та направити його творчість у русло, яке збереже художню планку на висоті. На жаль. Прогнози цих величин фортепіанного виконавства не завжди втішні, але своєю діяльністю вони намагаються зберегти та передати те, що збиралася по зерну за всю історію фортепіанного виконавства. Проведення фестивалів, запрошення світових зірок фортепіанного мистецтва, доступність цін при купівлі абонементів на концерти, гранти на підтримку молодих обдарувань – це перші кроки до зупинення незворотного процесу зникнення фортепіанного виконавства. Надію на майбутнє нам дають молоді таланти, пошук яких безперервний. Один з піаністів, які недавно підкорили весь світ - Данило Трифонов. Блискучий молодий піаніст, зі сформованою музичною позицією. Музична обдарованість у його виконанні поєднується з полум'яним серцем та ставленням до музики. «Передусім музика повинна увійти в моє серце, тільки потім я починаю роботу над твором». – каже Данило. Його виконавський стиль вважатимуться гідним продовженням російської фортепіанної школи. Його прагнення, яке можна почути у будь-якому трактуванні – наблизитися до композиторської ідеї, співвіднісши її з епохою та часом. Наприклад, Перший фортепіанний концерт П.І. Чайковського у його виконанні сповнений дихання і дуже мелодійний. А виконання концерту для №1 Ф.Шопена – у найкращих традиціях перших переможців конкусу Шопена – Л. Оборіна та Я.Зака. наповнено чоловічою сентиментальністю та щирістю. З першого звуку захоплює серця слухачів Олександр Луб'янцев. Піаніст, який також пройшов велику кількість конкурсів, вражає своїми інтерпретаціями. Незважаючи на не завжди позитивні відгуки про його виконання, можна говорити, що він йде вірним шляхом – не до копіювання існуючих трактувань, а розсуває рамки у пошуках свого індивідуального стилю та у побудові нових прочитань творів. Він твори – це невичерпне джерело для пошуку, яке девіз – « здолає дорогу що йде ». Його виконання нікого не може залишити байдужим. На клавірабендах Луб'янцева немає пустих місць. Інтерпретація – це друге життя музики і таке велике виконавець до неї – обов'язково вдихне нове життя у виконавське мистецтво. Незабутнє враження залишають концерти

Мирослава Култишева. Виконавчий стиль цього піаніста дуже романтичний, зворушливий, делікатний, як і образ піаніста. Відсутність яскравої експресивності та наліт печалі надає його виконанню ефірності і не нав'язує слухачеві свою думку та інтерпретацію. Існує люфт для уяви та фантазії слухача. Це залишає деяку недомовленість, що справляє враження, що піаніст ще «розкриється» і ще щось «покаже». Але це такий екзотичний химерний стиль. Особливо вдало його виконання творів М. Равеля «Відображення» чи «Нічний гаспар». Виконання Концерту № 2 З. Рахманінова сповнене щирістю, яке звук наповнює весь зал аурою священнодійства. Його репертуар найменше включає класичних творів. Про це піаніст говорить в одному з інтерв'ю:

«Віденська класика викликала в мене значні труднощі саме через свою більшу організованість та класичність, якщо порівнювати її з музикою романтизму. Я змалку тяжів до романтичного репертуару, граючи дуже багато романтичної музики. Як я грав – судити не беруся, але в будь-якому випадку у цьому виборі виявлялася моя внутрішня схильність та потреба». Його підхід до твору, пошук задуму автора, вивчення музично-теоретичної бази, викладацька діяльність впливає виконавську еволюцію. Його досконале виконання набуває глибини та філософії. Можливо, у майбутньому ця риса відобразиться і на репертуарі цього піаніста, і ми почуємо у його виконанні чудові трактування класичних зразків академічної музики. Вищеперелічені піаністи, а також Микита Мдоянц, Вадим Холоденко, Андрій Гугнін, Арсеній Тарасевич-Миколаїв – наше майбутнє. Це піаністи з яскравою індивідуальністю та своїм баченням на виконавське мистецтво. Багато з цих піаністів представляють тип виконавця – «віртуоз», що складає, так популярний у другій половині 19 століття. Багатогранність їхнього таланту розширює прочитання творів, і додає їхній діяльності творчий образ. На біс вони виконують власні твори, до концертів складають власні каденції, складають рецензії на виступи своїх колег, пропагують репертуар, що рідко виконується, виконують академічну музику нарівні з сучасною. Метод розширення музичної спеціалізації з реставрацією виконавських традицій та об'єктивним усвідомленням сучасності дає надію, що піаністичне мистецтво перебуває, як за часів О. Рубінштейна, на світанку і вона має ще півтора століття блискучу історію до наступного оновлення.

Кожен любитель класичної музики може назвати свого фаворита.

Альфред Брендель не був вундеркіндом, а його батьки не мали жодного відношення до музики. Його кар'єра почалася без особливого галасу і розвивалася не поспішаючи. Можливо, саме в цьому секрет його доголіття? На початку нинішнього року Бренделю виповнилося 77, проте його концертний розклад включає іноді по 8-10 виступів на місяць.

На 30 червня оголошено сольний виступ Альфреда Бренделя у концертному залі Маріїнського театру. На офіційному сайті піаніста цього концерту виявити не вдалося. Натомість є дата майбутнього московського концерту, що відбудеться 14 листопада. Втім, Гергієв вирізняється вмінням вирішувати нерозв'язні проблеми.

ЧИТАЙТЕ ТАКОЖ:

Ще один претендент на перше місце в імпровізованому рейтингу – Григорій Соколов. Принаймні так скажуть у Петербурзі. Як правило, раз на рік Соколов приїжджає до рідного міста і дає концерт у Великій залі Санкт-Петербурзької філармонії (останній був у березні цього року), Москву так само регулярно ігнорує. Цього літа Соколов грає в Італії, Німеччині, Швейцарії, Австрії, Франції, Португалії та Польщі. У програмі - сонати Моцарта та прелюдії Шопена. Найближчими до Росії точками маршруту стануть Краків та Варшава, куди Соколов дістанеться у серпні.
Варто назвати Марту Аргеріх найкращою піаністкою серед жінок, неодмінно хтось заперечить: і серед чоловіків теж. Шанувальників темпераментної чилійки не бентежать ні різкі перепади настрою піаністки, ні часті скасування концертів. Фраза «концерт запланований, але не гарантований» - це саме про неї.

Цьогорічний червень Марта Аргеріх проведе, як завжди, у швейцарському місті Лугано, де відбудеться її власний музичний фестиваль. Змінюються програми та учасники, незмінним залишається одне: щовечора у виконанні одного з творів бере участь сама Аргеріх. У липні Аргеріх також виступає в Європі: на Кіпрі, Німеччині та Швейцарії.

Канадця Марка-Андре Амлена часто називають спадкоємцем Глена Гульда. Порівняння кульгає на обидві ноги: Гульд був самітником, Амлен активно гастролює, Гульд знаменитий своїми математично прорахованими інтерпретаціями Баха, Амлен знаменує повернення романтичного віртуозного стилю.

У Москві Марк-Андре Амлен виступав не далі як у березні нинішнього року в рамках того самого абонементу, що й Мауріціо Полліні. У червні Амлен гастролює у Європі. Його розклад включає сольні концерти в Копенгагені і Бонні і виступ на фестивалі в Норвегії.

Якщо хтось побачить Михайла Плетньова гравцем на фортепіано, терміново повідомте інформаційні агенції, і ви станете автором світової сенсації. Причину, через яку один із найкращих піаністів Росії закінчив виконавську кар'єру, звичайним розумом не зрозуміти - його останні концерти були настільки ж чудові, як завжди. Сьогодні ім'я Плетньова можна зустріти на афішах тільки як диригент. Але ми все-таки сподіватимемося.
Не по роках серйозний хлопчик у піонерській краватці - таким Євгеній Кісін пам'ятається досі, хоча ні піонерів, ні того хлопчика давно немає. Сьогодні він один із найпопулярніших класичних музикантів світу. Саме його Полліні якось назвав найяскравішим із музикантів нового покоління. Його техніка чудова, але часто холодна - немов разом із дитинством музикант втратив і ніяк не знайде щось дуже важливе.

У червні Євген Кісін гастролює Швейцарією, Австрією та Німеччиною з оркестром «Кремерату Балтика», граючи 20-й і 27-й концерти Моцарта. Наступна гастрольна поїздка намічена на жовтень: у Франкфурті, Мюнхені, Парижі та Лондоні Кісін акомпануватиме Дмитру Хворостовському.

Аркадій Володось – ще один із тих «розсерджених молодих людей» нинішнього піанізму, який принципово відкидає конкурси. Він справжній громадянин світу: народився у Петербурзі, навчався у рідному місті, потім у Москві, Парижі та Мадриді. Спочатку до Москви прийшли записи молодого піаніста, випущені компанією Sony, і потім з'явився він сам. Здається, його щорічні концерти у столиці стають правилом.

Червень Аркадій Володось розпочав виступом у Парижі, влітку його можна буде почути у Зальцбурзі, Рейнгау, Бад-Кіссінгені та Осло, а також у невеликому польському містечку Душники на традиційному шопенівському фестивалі.

Іво Погорелич перемагав на міжнародних конкурсах, проте світову славу йому завдало поразки: 1980 року піаніста з Югославії не пропустили на третій тур конкурсу імені Шопена у Варшаві. В результаті Марта Аргеріх вийшла зі складу журі, а на молодого піаніста впала слава.

1999 року Погорелич припинив виступи. Кажуть, що причиною цього стала обструкція, яку піддали піаніста у Філадельфії та Лондоні незадоволені слухачі. За іншою версією причиною депресії музиканта стала смерть дружини. Нещодавно Погорелич повернувся на концертну сцену, але мало виступає.

Останню позицію у списку заповнити найважче. Адже залишилося ще так багато чудових піаністів: уродженець Польщі Крістіан Циммерман, американець Мюррей Перайя, японка Міцуко Ушіда, кореєць Кун Ву Пек чи китаєць Ланг Ланг. Продовжують кар'єру Володимир Ашкеназі та Даніель Баренбойм. Будь-який любитель музики назве свого фаворита. Тож нехай одне місце в десятці залишиться вакантним.

Коли Єлисей Мисин сідає за фортепіано і з-під його пальців починає литися музика, важко повірити, що йому п'ять років. Він поки що не дістає ногами до педалей фортепіано, а висоту стільця йому доводиться збільшувати з допомогою подушки. Однак талант і працьовитість вже допомогли ставропольському вундеркінду завоювати високу оцінку професіоналів та кохання публіки з різних куточків країни.

Після того як в ефірі одного з російських телеканалів Єлисей виконав першу частину концерту фа-мінор Йоганна Себастьяна Баха для фортепіано з оркестром, прославлений віртуоз Денис Мацуєв зіграв із хлопчиком у чотири руки його авторську п'єсу "Торнадо" та запросив маленького музиканта "Нові імена" у Суздалі. А глядачі, які проголосували за нього, забезпечили піаністу путівку у фінал всеросійського конкурсу юних талантів "Синій птах".

У холі дитячої музичної школи N 1 Ставрополя, де на підготовчому відділенні навчається Єлисей Мисин, стоїть великий банер із його фотографією. Тут білявого хлопчика давно прозвали маленьким Моцартом. І недарма - як і великий австрійський композитор, він почав захоплюватися музикою в три роки за своєю старшою сестрою.

За словами матері Єлисея Ольги Мисіної, здібності сина вона помітила ще до його народження. Коли дочка Ліза, яка цього року закінчує музичну школу, грала на фортепіано, малюк у животі активно реагував на етюди та сонати, причому зовсім по-різному.

А після того, як Єлисей став дотягуватися до клавіш, він почав пробувати грати сам і постійно питав сестру: Ліз, ти так робиш? І, що найцікавіше, йому вдавалося повторювати мелодію, - розповідає Ольга. - Він взагалі завжди захоплений музикою. Вчора ми, наприклад, летіли літаком з Москви, і він всю дорогу щось співав. А в готелі, побачивши старий рояль, що стоїть там для антуражу, тут же сів грати. Зрештою зібрав навколо себе чи не всіх постояльців, які влаштували йому справжню овацію.

Напередодні Нового року Єлисей написав ще одну п'єсу і назвав її символічно - "Мандарин"

Хлопчику не було й трьох років, коли батьки віддали сина до групи естетичного розвитку музичної школи. У 3,5 роки з ним почала займатися завідувачка фортепіанного відділення Людмила Тихомирова. Те, що з нього вийде толк, було помітно відразу, стверджує викладач:

У Єлисея гарні руки – гнучкі, м'які та широкі, а також неординарний слух. Грають учні, наприклад, "У печері гірського короля" Гріг, він послухає, підходить і одним пальчиком підбирає. Крім того, він дуже роботящий і наполегливий, миттєво схоплює і потім ретельно працює над кожним звуком. А коли щось не виходить, дуже засмучується і злиться. Не на мене, як багато хто, - за те, що я ставлю такі складні завдання, а на себе.

Саме ці якості допомогли маленькому піаністу буквально за три тижні з перервою на поїздку на інший конкурс вивчити та показати в ефірі першу частину концерту Баха, яку навчають у старших класах музичної школи.

Спочатку планували виконувати Чайковського, але після кастингу нам зателефонували і сказали, що потрібний інший репертуар. Я до останнього думала, що не встигнемо, проте Єлисей повівся як справжній дорослий музикант - поки йому не вдалося зробити все правильно, його не можна було відтягнути від фортепіано, - зізнається педагог.

Зараз молодий віртуоз розкривається як композитор. Після "Торнадо" напередодні Нового року він написав ще одну п'єсу і назвав її дуже символічно - "Мандарин".

Музика живе у Єлисея в душі, – зазначає Людмила Данилівна. - І моє завдання як наставника – допомогти йому продовжувати розвиватися. Жодних зоряних хвороб! Так, ми сильно випереджаємо програму, але через накопичення бази не перестрибнеш – треба зміцнювати руки, напрацьовувати і техніку, і репертуар.

У житті маленький піаніст – скромний і навіть сором'язливий. Популярність, що звалилася, і постійні прохання зробити селфі його дуже бентежать. Але коли хлопчик сідає за інструмент і починає перебирати клавіші, то буквально на очах перетворюється, стає впевненим та вільним як справжній артист. Для нього не існує ні глядачів, ні суддів, довкола – лише музика.

На запитання про улюбленого композитора Єлисей відповідає, не замислюючись:

У планах хлопчика – навчитися грати на скрипці та органі. А головна мрія – мати власний рояль та виступити з оркестром на своєму концерті.

Незважаючи на те, що заняття на фортепіано займають більшу частину життя ставропольського вундеркінда, він встигає ще грати у футбол і шахи, кататися у дворі велосипедом і самокатом, збирати конструктори.

Багато хто пишуть мені і каже, що Єлисей напевно не має нормального дитинства, але це не так, - говорить про наболіле Ольга Мисіна. - Ми просто даємо дитині займатися тим, що їй подобається. І в Москву на конкурс поїхали лише для того, щоб професіонали помітили його талант і, можливо, допомогли б йому вирости у гарного піаніста. Але навіть якщо він надалі вибере іншу професію, музика обов'язково допоможе йому стати культурною, гармонійною та душевною людиною. А це для нас – головне.

Між тим

Всеросійський конкурс дитячих талантів "Синій птах", придуманий командою ВДТРК, виявився настільки популярним, що канал вирішив продовжити його на другий сезон. Нарівні із журі за учасників конкурсу голосують телеглядачі всієї Росії. "Синя Птах - це атмосфера справжнього фестивалю, атмосфера справжньої родини. У моєму графіку, який складає 245 концертів на майбутній сезон, я обов'язково приїду сюди, братиму участь у цьому дивовижному проекті, тому що я знаю, що потік заявок величезний з усієї країни та абсолютно з різних регіонів, мене це дуже надихає", - каже Денис Мацуєв, російський піаніст-віртуоз. Минулого сезону він був провідним, а цього року став членом журі. "Ми дуже багато речей збираємося спробувати, які взагалі не робили раніше на телебаченні ніде. Це все розширює ідею конкурсу "Синій птах" - надихати наших глядачів шукати таланти в собі, навколо себе, серед своїх друзів, знайомих, серед своїх дітей", - каже Дар'я Златопольська, провідна Всеросійського конкурсу "Синій птах".