अमूर्ततावाद वास्तविकता की छवि से प्राप्त एक दिशा है। प्रसिद्ध सार चित्र

आसपास की दुनिया की सुंदरता, अनुभव और प्राचीन काल से जीवन की महत्वपूर्ण घटनाओं ने एक व्यक्ति को पेंट की मदद से दृश्य छवियों को व्यक्त करने के लिए प्रेरित किया है। चित्रकारी शैल चित्रों और प्राचीन भित्तिचित्रों से कला के अद्वितीय कार्यों तक एक लंबा सफर तय कर चुकी है जो यथार्थवाद से विस्मित करती है।

को देर से XIXशताब्दी, कुछ कलाकारों ने अभिव्यक्ति के नए तरीकों की तलाश शुरू कर दी, एक अपरंपरागत रूप, उनके कार्यों के लिए एक नया दर्शन लाने की कोशिश कर रहे थे। उस समय से, प्रदर्शन की तकनीक में महारत हासिल करना अब पर्याप्त नहीं था।

इसलिए, सदी के मोड़ पर, "आधुनिकतावाद" नामक एक दिशा शास्त्रीय कला के अपने अंतर्निहित संशोधन के साथ प्रकट हुई, जो सौंदर्यवादी सिद्धांतों को स्थापित करने के लिए एक चुनौती थी। इसके ढांचे के भीतर, एक बहुत ही खास प्रवृत्ति विकसित हुई - अमूर्ततावाद।

अवधारणा परिभाषा

लैटिन शब्द एब्स्ट्रैक्टियो का रूसी में "व्याकुलता" के रूप में अनुवाद किया गया है। इसका उपयोग पेंटिंग में एक नई शैली को परिभाषित करने के लिए किया गया था जो 20वीं शताब्दी की शुरुआत में उत्पन्न हुई थी। वे संयोग से नहीं, अमूर्त कलाकारों के रूप में, बिना दिए उपयोग किए गए थे काफी महत्व कीप्रदर्शन का स्तर, लेखक की विशेष दृष्टि और अभिव्यक्ति के नए साधनों को अग्रभूमि में रखा गया।

दूसरे शब्दों में, अमूर्तवाद एक विशिष्ट प्रकार की ललित कला है जिसने वास्तविक रूपों और वस्तुओं को संप्रेषित करने से इनकार कर दिया है। इसलिए, इसे अक्सर गैर-आलंकारिक या गैर-उद्देश्य कला के रूप में जाना जाता है।

दृश्य छवियों को व्यक्त करने के बजाय, अमूर्तवादी दुनिया को समझने के आंतरिक, सहज पैटर्न को प्रदर्शित करने पर ध्यान केंद्रित करते हैं, जो दृश्यमान वस्तुओं के पीछे छिपे होते हैं।

इस कारण से, उनके कार्यों में परिचित चीजों के साथ संघों को खोजना असंभव है। मुख्य भूमिकायहाँ रंग, धब्बे का अनुपात खेलता है, ज्यामितीय आकारऔर रेखाएँ। कलाकारों के अलावा, कुछ मूर्तिकारों, वास्तुकारों, डिजाइनरों, संगीतकारों, फोटोग्राफरों और यहां तक ​​कि कवियों की भी अमूर्त कला में रुचि हो गई।

ऐतिहासिक मील के पत्थर

वैसिली कैंडिंस्की को अमूर्तवाद का संस्थापक माना जाता है। 1910 में, उन्होंने जर्मनी में अपनी पहली पेंटिंग उस समय नई तकनीक से बनाई। इसके अलावा, 1911 में म्यूनिख में कैंडिंस्की की पुस्तक "ऑन स्पिरिचुअल आर्ट" प्रकाशित हुई थी।

इसमें, उन्होंने अपने सौंदर्य दर्शन को रेखांकित किया, जो आर। स्टेनर और ई। ब्लावात्स्की के कार्यों के प्रभाव में बना था। पुस्तक एक बड़ी सफलता थी, और पेंटिंग में एक नई प्रवृत्ति को "अमूर्तवाद" कहा गया। यह शुरुआती बिंदु था: अब रचनात्मकता के लिए एक गैर-उद्देश्यपूर्ण दृष्टिकोण ने विभिन्न प्रकार की ललित कलाओं में लोकप्रियता हासिल की है।

इस तथ्य के बावजूद कि कैंडिंस्की वी. और मालेविच के. जैसे रूसी कलाकार अमूर्ततावाद के मूल में खड़े थे, 30 के दशक के सोवियत संघ में नई दिशा को बहिष्कृत कर दिया गया था। द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान, अमेरिका अमूर्त कला का केंद्र बन गया, जहाँ इसके कई प्रतिनिधि यूरोप से आकर बस गए। यहाँ, 1937 में, गैर-उद्देश्यीय पेंटिंग का संग्रहालय खोला गया था।

युद्ध के बाद की अमूर्त कला विकास के कई चरणों से गुज़री, जिसमें पेरेस्त्रोइका की शुरुआत के साथ रूस में गैर-आलंकारिक कला का पुनरुद्धार भी शामिल है। कलाकारों को अंततः विभिन्न दिशाओं में चित्र बनाने का अवसर मिला। उन्होंने अपने व्यक्तिगत व्यक्तिपरक अनुभवों को रंग की मदद से कैनवस में स्थानांतरित कर दिया, विशेष रूप से सफेद, जो आधुनिक कला के मुख्य घटकों में से एक बन गया है। गैर-उद्देश्य कला.

अमूर्ततावाद की दिशाएँ

एक नए प्रकार की ललित कला के उद्भव के पहले वर्षों से, इसकी रूपरेखा के भीतर दो मुख्य दिशाएँ विकसित होने लगीं: ज्यामितीय और गीतात्मक। पहला काज़िमिर मालेविच, पीटर मोंड्रियन, रॉबर्ट डेलौने और अन्य के काम में परिलक्षित हुआ था। वासिली कैंडिंस्की, जैक्सन पोलक, हंस हार्टुंग, आदि द्वारा गीतात्मक दिशा विकसित की गई थी।

ज्यामितीय अमूर्ततावाद आदेशित आकृतियों, विमानों और रेखाओं का उपयोग करता है, जबकि गेय अमूर्ततावाद, इसके विपरीत, बेतरतीब ढंग से बिखरे हुए रंग के धब्बों के साथ काम करता है। बदले में, इन दो दिशाओं के आधार पर, अन्य धाराओं का गठन किया गया था, जो एक एकल सौंदर्य अवधारणा द्वारा अमूर्ततावाद से जुड़ी थीं: व्यवस्थावाद, रचनावाद, सर्वोच्चतावाद, ऑर्फ़िज़्म, टैचिस्म, नियोप्लास्टिकवाद, रेयोनिज़्म।

लुचिस्म और गीत

20 वीं शताब्दी की शुरुआत में भौतिकी के क्षेत्र में हुई खोजों ने ज्यामितीय दिशा में रेयोनिज्म जैसी प्रवृत्ति के उद्भव के लिए एक प्रेरणा के रूप में कार्य किया। रूसी कलाकार एम. लारियोनोव और एन. गोंचारोवा इसके मूल में खड़े थे। उनके विचार के अनुसार, कोई भी वस्तु तिरछी रंगीन रेखाओं द्वारा कैनवास पर प्रसारित होने वाली किरणों का योग है। कलाकार का कार्य अपनी सौंदर्य दृष्टि के अनुसार उनमें से एक रूप बनाना है।

और पिछली शताब्दी के 50 के दशक में, ज्यामितीय अमूर्तता, रेयोनिज़्म सहित, ने अस्थायी रूप से गीतात्मक दिशा को रास्ता दिया। यह कामचलाऊ प्रदर्शन के साथ-साथ कलाकार की भावनात्मक स्थिति के लिए एक अपील की विशेषता है। दूसरे शब्दों में, गेय अमूर्तवाद एक व्यक्ति के भावनात्मक अनुभवों का एक प्रकार का स्नैपशॉट है, जो वस्तुओं और रूपों को चित्रित किए बिना बनाया गया है।

कैंडिंस्की का ज्यामितीय गीतवाद

जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, अमूर्ततावाद की शैली वी। कैंडिंस्की के रूप में दिखाई देती है। एक वकील के रूप में करियर की तैयारी करते हुए, बाद में उन्हें पेंटिंग में रुचि हो गई और आधुनिकता के विभिन्न क्षेत्रों के लिए जुनून के चरणों से गुजरने के बाद, उन्होंने अपनी अनूठी प्रकार की अमूर्त पेंटिंग बनाई।

प्रकृति से परिघटना के सार तक प्रस्थान की घोषणा करने के बाद, कैंडिंस्की ने रंग और संगीत के अभिसरण की समस्याओं से निपटा। इसके अलावा, उनके काम में रंग व्याख्या के संबंध में प्रतीकवाद का प्रभाव स्पष्ट रूप से दिखाई देता है।

अपने जीवन के विभिन्न कालखंडों में, कलाकार ज्यामितीय या गीतात्मक दिशा के शौकीन थे। नतीजतन, कैंडिंस्की की पेंटिंग में अमूर्तवाद, विशेष रूप से बाद की अवधि में, दोनों प्रवृत्तियों के सिद्धांतों को जोड़ती है।

पीटर मोंड्रियन द्वारा नियोप्लास्टिकवाद

डचमैन पी। मोंड्रियन, वी। कैंडिंस्की के साथ, अमूर्त कला के संस्थापकों में से एक माने जाते हैं। अपने अनुयायियों के साथ, कलाकार ने 1917 में "स्टाइल" समाज की स्थापना की, जिसने उसी नाम की पत्रिका प्रकाशित की।

मोंड्रियन के सौंदर्य संबंधी विचारों ने एक नई दिशा - नियोप्लास्टिकवाद का आधार बनाया। उसका विशेषता- स्पेक्ट्रम के प्राथमिक रंगों में चित्रित बड़े आयताकार विमानों का उपयोग। इसे निश्चित रूप से ज्यामितीय अमूर्तवाद के रूप में वर्गीकृत किया जा सकता है।

मोंड्रियन पी। के चित्र, क्षैतिज और ऊर्ध्वाधर के संतुलन से ग्रस्त हैं, वे कैनवस हैं जिनमें विभिन्न आकारों और विभिन्न रंगों के आयत होते हैं, जिन्हें काली मोटी रेखाओं द्वारा अलग किया जाता है।

नियोप्लास्टिकवाद का वास्तुकला, फर्नीचर डिजाइन, इंटीरियर डिजाइन और टाइपोग्राफिक कला पर ध्यान देने योग्य प्रभाव था।

वर्चस्ववाद मालेविच द्वारा

काज़िमिर मालेविच की कला में अमूर्तता एक विशेष प्रकार के रंग स्थान को प्राप्त करने के लिए पेंट की दो परतों को सुपरइम्पोज़ करने की एक निश्चित तकनीक की विशेषता है। कलाकार का नाम वर्चस्ववाद के उद्भव के साथ जुड़ा हुआ है - एक दिशा जिसमें विभिन्न रंगों के सबसे सरल ज्यामितीय आकार संयुक्त होते हैं।

मालेविच ने अमूर्त ललित कला की अपनी अनूठी प्रणाली बनाई। उनका प्रसिद्ध "ब्लैक स्क्वायर", एक सफेद पृष्ठभूमि पर चित्रित, अभी भी अमूर्त कलाकारों द्वारा सबसे अधिक चर्चित चित्रों में से एक है।

अपने जीवन के अंत में, मालेविच गैर-उद्देश्य से आलंकारिक पेंटिंग में लौट आए। सच है, कुछ कैनवस में कलाकार ने अभी भी यथार्थवाद और वर्चस्ववाद की तकनीकों को संयोजित करने की कोशिश की, जैसा कि पेंटिंग "गर्ल विद ए शाफ्ट" में देखा जा सकता है।

निर्विवाद योगदान

गैर-उद्देश्य पेंटिंग के प्रति दृष्टिकोण बहुत अलग है: स्पष्ट अस्वीकृति से लेकर गंभीर प्रशंसा तक। फिर भी, समकालीन कला पर अमूर्त शैली के प्रभाव से इनकार नहीं किया जा सकता है। कलाकारों ने नई दिशाएँ बनाईं, जिनसे वास्तुकारों, मूर्तिकारों और डिजाइनरों ने नए विचारों को आकर्षित किया।

और यह चलन जारी है। उदाहरण के लिए, आधुनिक गैर-उद्देश्य पेंटिंग में, एक प्लॉट दिशा विकसित हो रही है, जो एक ऐसी छवि के निर्माण की विशेषता है जो कुछ संघों को उद्घाटित करती है।

कभी-कभी हम यह भी ध्यान नहीं देते हैं कि इस तकनीक से बनी कितनी वस्तुएं हमें घेर लेती हैं: फर्नीचर और उसका असबाब, जेवर, डेस्कटॉप वॉलपेपर, आदि। फोटोशॉप में और कंप्यूटर चित्रलेखअमूर्त विधियों का भी व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है।

इस प्रकार, अमूर्तता कला में एक कलात्मक घटना है, जो इसके प्रति हमारे दृष्टिकोण की परवाह किए बिना, आधुनिक समाज में एक महत्वपूर्ण स्थान रखती है।

और मिखाइल लारियोनोव, जिन्होंने -1912 में "लुचिज़्म" की स्थापना की, एक नए प्रकार की रचनात्मकता के रूप में वर्चस्ववाद के निर्माता काज़िमिर मालेविच, "ब्लैक स्क्वायर" के लेखक और एवगेनी मिखनोव-वोइटेंको, जिनके काम को अन्य बातों के अलावा, एक द्वारा प्रतिष्ठित किया गया है। उनके कार्यों में उपयोग की जाने वाली अमूर्त विधि की दिशाओं की अभूतपूर्व विस्तृत श्रृंखला ("भित्तिचित्र शैली" सहित उनमें से कई, कलाकार न केवल घरेलू, बल्कि विदेशी स्वामी के बीच भी उपयोग करने वाले पहले व्यक्ति थे)।

अमूर्ततावाद से संबंधित एक प्रवृत्ति क्यूबिज्म है, जो वास्तविक वस्तुओं को इंटरसेक्टिंग विमानों की एक भीड़ के साथ चित्रित करना चाहती है, जो जीवित प्रकृति को पुन: उत्पन्न करने वाले कुछ सरल आकृतियों की छवि बनाती है। सबसे ज्यादा स्पष्ट उदाहरणघनवाद थे जल्दी कामपब्लो पिकासो।

विश्वकोश यूट्यूब

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  1910-1915 में रूस, पश्चिमी यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में चित्रकारों ने कला के अमूर्त कार्यों का निर्माण शुरू किया; पहले अमूर्तवादियों में, शोधकर्ताओं का नाम वैसिली-कैंडिंस्की, काज़िमिर-मालेविच और पीट-मोंड्रियन है। गैर-उद्देश्य कला के जन्म का वर्ष 1910 माना जाता है, जब जर्मनी में, मर्नौ में, कैंडिंस्की ने अपनी पहली सार रचना लिखी थी। पहले अमूर्तवादियों की सौंदर्यवादी अवधारणाओं ने सुझाव दिया कलात्मक सृजनात्मकतावास्तविकता की बाहरी, सतही घटनाओं के पीछे छिपे ब्रह्मांड के पैटर्न को दर्शाता है। कलाकार द्वारा सहज रूप से समझे गए ये पैटर्न, एक अमूर्त कार्य में अमूर्त रूपों (रंग के धब्बे, रेखाएँ, आयतन, ज्यामितीय आकृतियाँ) के अनुपात के माध्यम से व्यक्त किए गए थे। 1911 में म्यूनिख में, कैंडिंस्की ने प्रकाशित किया प्रसिद्ध पुस्तक"ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट", जिसमें उन्होंने बाहरी, यादृच्छिक के विपरीत, आंतरिक रूप से आवश्यक, आध्यात्मिक रूप से अवतार लेने की संभावना पर विचार किया। कैंडिंस्की के सार का "तार्किक औचित्य" हेलेना ब्लावात्स्की और रुडोल्फ स्टेनर के थियोसोफिकल और मानवशास्त्रीय कार्यों के अध्ययन पर आधारित था। पीट मोंड्रियन की सौंदर्यवादी अवधारणा में, रूप के प्राथमिक तत्व प्राथमिक विरोध थे: क्षैतिज - ऊर्ध्वाधर, रेखा - विमान, रंग - गैर-रंग। रॉबर्ट डेलाउने के सिद्धांत में, कैंडिंस्की और मोंड्रियन की अवधारणाओं के विपरीत, आदर्शवादी तत्वमीमांसा को अस्वीकार कर दिया गया था; कलाकार के लिए अमूर्ततावाद का मुख्य कार्य रंग और अन्य गुणों के गतिशील गुणों का अध्ययन करना था कलात्मक भाषा(डेलौने द्वारा स्थापित दिशा को ऑर्फीज्म कहा जाता था)। "रेयोनिज़्म" के निर्माता मिखाइल लारियोनोव ने "प्रतिबिंबित प्रकाश के विकिरण" को चित्रित किया; रंग की धूल।

  1910 के दशक की शुरुआत में, अमूर्त कला का तेजी से विकास हुआ, जो 20वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में अवांट-गार्डे कला के कई क्षेत्रों में प्रकट हुई। अमूर्ततावाद के विचार अभिव्यक्तिवादियों (वासिली कैंडिंस्की, पॉल क्ली, फ्रांजमार्क), क्यूबिस्ट्स (फर्नांड लेगर), दादावादियों (जीन अर्प), अतियथार्थवादियों (जोन मिरो), इतालवी भविष्यवादियों (गीनो सेवरिनी, गियाकोमो बल्ला, एनरिको) के कार्यों में परिलक्षित हुए प्राम्पोलिनी), या मुट्ठी (रॉबर्ट डेलौने, फ्रांटिसेक कुपका), रूसी वर्चस्ववादी (काज़िमिर मालेविच), लुचिस्ट (मिखाइल लारियोनोव और नताल्या गोंचारोवा) और रचनावादी (ल्यूबोव पोपोवा, लज़ार लिसित्स्की, अलेक्जेंडर रोडचेंको, वरवरा स्टेपानोवा), डच नियोप्लास्टिकिस्ट (पाई) टी मोंड्रियन, Theo van Doesburg , Bart van der Lek), कई यूरोपीय मूर्तिकार (Alexander Arkhipenko, Konstantin Brankusi, Umberto Boccioni, Antoine Pevsner, Naum Gabo, Laszlo Moholy-Nagy, Vladimir Tatlin)। अमूर्ततावाद के उद्भव के तुरंत बाद, इस कला के विकास में दो मुख्य दिशाओं की पहचान की गई: ज्यामितीय अमूर्ततानियमित ज्यामितीय आकृतियों और स्थिर, "पर्याप्त" अवस्थाओं (मोंड्रियन, मालेविच) की ओर गुरुत्वाकर्षण, और मुक्त रूपों, गतिशील प्रक्रियाओं को प्राथमिकता देना गीतात्मक सार(कैंडिंस्की, कुपका)। अमूर्त कलाकारों ("सर्कल और स्क्वायर", "अमूर्त-रचनात्मकता") के पहले अंतर्राष्ट्रीय संघों का गठन 1920 के दशक की शुरुआत में - 1930 के दशक की शुरुआत में पेरिस में हुआ था।

  अमूर्तवादियों के सौंदर्य संबंधी कार्यक्रमों की विशेषता सार्वभौमिकता थी; उनमें अमूर्त कला को उपकरण सहित विश्व व्यवस्था के एक सार्वभौमिक मॉडल के रूप में प्रस्तुत किया गया था पर्यावरणऔर समाज की संरचना। सचित्र भाषा के प्राथमिक तत्वों के साथ काम करते हुए, अमूर्तवादियों ने सामान्य रचनात्मक सिद्धांतों, आकार देने के नियमों की ओर रुख किया। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि अमूर्तवादियों ने औद्योगिक कला, कलात्मक डिजाइन और वास्तुकला में गैर-प्रतिनिधि रूपों के लिए उपयोग पाया (नीदरलैंड्स में स्टाइल समूह की गतिविधियां और जर्मनी में बॉहॉस स्कूल; VKhUTEMAS में कैंडिंस्की का काम; मालेविच के आर्किटेक्चर और डिजाइन प्रोजेक्ट; अलेक्जेंडर काल्डर के "मोबाइल"; व्लादिमीर टाटलिन के डिजाइन, नाहुम गैबो और एंटोनी पेवस्नेर द्वारा काम करता है)। अमूर्तवादियों की गतिविधि ने गठन में योगदान दिया आधुनिक वास्तुकला, कला और शिल्प, डिजाइन।

  1940 के दशक के उत्तरार्ध में, संयुक्त राज्य अमेरिका में अमूर्त अभिव्यक्तिवाद का विकास हुआ, जो गेय अमूर्ततावाद के आधार पर बना था। अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के प्रतिनिधि (पोलक, मार्क टोबी, विलेम डी कूनिंग, मार्क रोथको, अर्शाइल गोर्की, फ्रांज क्लाइन) ने अपनी विधि "बेहोशी" और रचनात्मकता के स्वचालितता, अप्रत्याशित प्रभाव ("एक्शन पेंटिंग") की घोषणा की। उनकी सौंदर्य संबंधी अवधारणाओं में, अब कोई आदर्शवादी तत्वमीमांसा नहीं थी, और एक गैर-उद्देश्य रचना कभी-कभी एक आत्मनिर्भर वस्तु बन जाती थी जो वास्तविकता के साथ जुड़ाव को बाहर कर देती थी। Tachisme अमूर्त अभिव्यंजनावाद का यूरोपीय एनालॉग बन गया, प्रमुख प्रतिनिधियोंजो हंस हार्टुंग, पियरे सोलेजेज, वोल्सा, जॉर्जेस मैथ्यू थे। कलाकारों ने रंगों और बनावटों के अप्रत्याशित, गैर-मानक संयोजनों का उपयोग करने की मांग की, मूर्तिकारों (एडुआर्डो चिलिडा, सीमोर लिप्टन और अन्य) ने विचित्र रचनाएँ बनाईं और लागू कीं असामान्य तरीकेसामग्री प्रसंस्करण।

  1960 के दशक में, अमूर्त अभिव्यंजनावाद के पतन के साथ, समतल और स्थानिक वस्तुओं की धारणा के ऑप्टिकल भ्रम का उपयोग करते हुए, अमूर्ततावाद में एक ध्यान देने योग्य प्रवृत्ति ज्यामितीय अमूर्त ऑप-आर्ट के सिद्धांतों को विकसित कर रही थी। ज्यामितीय अमूर्तता के विकास में एक और दिशा काइनेटिक कला थी, जो पूरे काम या उसके व्यक्तिगत घटकों (अलेक्जेंडर काल्डर, जीन टिंगली, निकोलस शॉफ़र, जीसस सोटो, टैक्सी) के वास्तविक आंदोलन के प्रभावों के साथ खेलती है। उसी समय, संयुक्त राज्य अमेरिका में पोस्ट-पेंटरली अमूर्तता उत्पन्न हुई, जिसके सिद्धांत चित्रात्मक रूपों की कमी और अंतिम सरलीकरण थे; ज्यामितीय अमूर्तता से नियमित ज्यामितीय रूपों को विरासत में मिला है, चित्रकारी के बाद के अमूर्त दौर, उन्हें "नरम" करते हैं। इस प्रवृत्ति के उल्लेखनीय प्रतिनिधि फ्रैंक स्टेला, एल्सवर्थ केली, केनेथ नोलैंड हैं। अतिसूक्ष्मवाद, जो 1960 और 1970 के दशक में बना था, मूर्तिकला में ज्यामितीय अमूर्तता की अंतिम अभिव्यक्ति बन गया।

  रूस और यूएसएसआर में अमूर्त कला का इतिहास

  1900-1949

  20 वीं शताब्दी की शुरुआत में कलाकार कैंडिंस्की और मालेविच ने अमूर्तवाद के सिद्धांत और व्यवहार के विकास में महत्वपूर्ण योगदान दिया।

  1920 के दशक में, सभी अवांट-गार्डे प्रवृत्तियों के तेजी से विकास के दौरान, अमूर्त कला अपनी कक्षा में क्यूबो-फ्यूचरिस्ट, गैर-उद्देश्यों, रचनावादियों, वर्चस्ववादियों में शामिल थी: एलेक्जेंड्रा एक्सटर और कोंगोव पोपोवा, अलेक्जेंडर रोडचेंको और वरवारा स्टेपानोवा, जॉर्जी स्टेनबर्ग और मिखाइल मत्युशिन , निकोलाई सुएटिन और इल्या चश्निक। गैर-आलंकारिक कला की भाषा एक नए, आधुनिक प्लास्टिक रूप, चित्रफलक, कला और शिल्प या स्मारक की संस्कृति के आधार पर होती है, और इसमें आगे फलदायी और आशाजनक विकास के लिए हर अवसर होता है। लेकिन 1930 के दशक की शुरुआत में अवांट-गार्डे आंदोलन के आंतरिक विरोधाभासों ने, वैचारिक आधिकारिकता के दबाव से तेज होकर, इसके नेताओं को दूसरे की तलाश करने के लिए मजबूर किया। रचनात्मक तरीके. लोकप्रिय-विरोधी, आदर्शवादी अमूर्त कला को अब अस्तित्व का अधिकार नहीं था।

  नाजियों के सत्ता में आने के साथ, जर्मनी और इटली से अमूर्ततावाद के केंद्र अमेरिका चले गए, क्योंकि अमूर्तवाद की अवधारणा को फासीवाद के विचारकों के बीच समर्थन नहीं मिला। 1937 में, न्यूयॉर्क में गैर-उद्देश्यीय पेंटिंग का एक संग्रहालय बनाया गया था, जिसकी स्थापना 1939 में करोड़पति गुगेनहाइम के परिवार द्वारा की गई थी - रॉकफेलर की कीमत पर बनाया गया आधुनिक कला संग्रहालय। द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान और उसके अंत के बाद, सामान्य तौर पर, कला जगत की सभी अति-वामपंथी ताकतें अमेरिका में एकत्रित हुईं।

  युद्ध के बाद के अमेरिका में, "न्यूयॉर्क का स्कूल" ताकत हासिल कर रहा था, जिसके सदस्य अमूर्त अभिव्यक्तिवाद जैक्सन पोलक, मार्क रोथको, बार्नेट न्यूमैन, एडॉल्फ गोटलिब के निर्माता थे। 1959 की गर्मियों में, युवा कलाकारों ने मास्को में सोकोनिकी पार्क में अमेरिकी राष्ट्रीय कला की एक प्रदर्शनी में अपने काम को देखा। इस घटना से दो साल पहले, आधुनिक विश्व कलाके हिस्से के रूप में एक कला प्रदर्शनी में प्रस्तुत किया गया विश्व उत्सवयुवा और छात्र। सूचना की सफलता आध्यात्मिक और सामाजिक स्वतंत्रता का एक प्रकार का प्रतीक बन गई है [ ] . सार कला अब अधिनायकवादी उत्पीड़न से आंतरिक मुक्ति से जुड़ी थी। खूनी शासन, एक अलग विश्वदृष्टि के साथ [ ] . वास्तविक कलात्मक भाषा की समस्याएँ, नया प्लास्टिक रूप सामाजिक-राजनीतिक प्रक्रियाओं के साथ अटूट रूप से जुड़ा हुआ है। "पिघलना" के युग का अर्थ था अमूर्त कला और शक्ति के बीच संबंधों की एक विशेष प्रणाली। सोवियत अमूर्ततावाद के विकास में एक नया चरण शुरू हुआ - 1950-1970 का दशक।

  युवा के लिए सोवियत कलाकारअकादमिक प्रणाली की परंपराओं और दुनिया की भौतिकवादी दृष्टि में लाया गया, अमूर्तता की खोज का मतलब व्यक्तिगत व्यक्तिपरक अनुभव को पुन: पेश करने की संभावना है। अमेरिकी शोधकर्ताओं ने अमूर्त अभिव्यक्तिवाद को "राजनीतिक, सौंदर्यवादी, नैतिक मूल्यों से मुक्ति का इशारा" के रूप में चित्रित किया [ ] . यूएसएसआर में युवा चित्रकारों द्वारा इसी तरह की भावनाओं का अनुभव किया गया था, जिन्होंने समकालीन कला को उनके लिए अपरिचित समझा और साथ ही अधिकारियों या उनके विरोध के साथ सह-अस्तित्व के अपने स्वयं के रूपों का निर्माण किया। भूमिगत का जन्म हुआ, और अनौपचारिक कलाकारों के बीच, अमूर्त कला की अपील आम तौर पर स्वीकार की गई और व्यापक थी।

  इन वर्षों के दौरान, कई चित्रकारों ने गैर-उद्देश्यपूर्ण कला की भाषा की आवश्यकता महसूस की। औपचारिक शब्दावली में महारत हासिल करने की आवश्यकता अक्सर न केवल सहज रचनात्मकता में विसर्जन से जुड़ी होती है, बल्कि विचारशील सैद्धांतिक ग्रंथों की रचना से भी जुड़ी होती है। सदी की शुरुआत की तरह, इन चित्रकारों के लिए, अमूर्तता का मतलब नकारना नहीं था अलग - अलग स्तरअर्थ। आधुनिक यूरोपीय और अमेरिकी अमूर्त कला आदिम पौराणिक चेतना, फ्रायडियनवाद, अस्तित्ववाद की शुरुआत, पूर्वी दर्शन - ज़ेन के अध्ययन के रूप में ऐसी मूलभूत परतों पर निर्भर थी। ] . लेकिन सोवियत वास्तविकता की स्थितियों में, अमूर्त कलाकार हमेशा प्राथमिक स्रोतों से पूरी तरह से और गहराई से परिचित होने में सक्षम नहीं थे, उन्होंने सहज रूप से उन समस्याओं के उत्तर ढूंढे जो उन्हें चिंतित करती थीं [ ] और, केवल पश्चिमी मॉडलों की नकल करने के आरोपों को खारिज करते हुए, उन्होंने अपनी पेशेवर प्रतिष्ठा को गंभीरता से लिया [ ] .

  1950-1970

  अमूर्त कला की वापसी सांस्कृतिक स्थानरूस केवल राजनीतिक माहौल में बदलाव या पश्चिम की कलात्मक घटनाओं की नकल का परिणाम नहीं था। "कला के आत्म-विकास" के नियम "कला के लिए महत्वपूर्ण" रूपों को पंक्तिबद्ध करते हैं। कला के पुनर्व्यक्तिकरण की एक प्रक्रिया थी। दुनिया की अलग-अलग तस्वीरें बनाना संभव हो गया। ” [ ] उत्तरार्द्ध ने एक शक्तिशाली नकारात्मक प्रतिक्रिया का कारण बना राज्य स्तर, कई वर्षों से अमूर्ततावाद को "एक अत्यंत औपचारिक दिशा, सत्यता, विचारधारा और राष्ट्रीयता के लिए विदेशी" के रूप में मानने के आदी हैं [ ], और अमूर्तवादियों द्वारा बनाई गई कृतियाँ, जैसे: "अमूर्त ज्यामितीय आकृतियों, अराजक धब्बों और रेखाओं का एक अर्थहीन संयोजन।" [ ]

  लगभग तीस वर्षों के लिए (1950 के दशक के अंत से 1988 तक) एवगेनी मिखनोव-वोइटेंको ने अमूर्त कला की अपनी शैली विकसित की, जो इस्तेमाल की जाने वाली विधियों की श्रेणी में एक अद्वितीय मास्टर थी। पेंटिंग और कला और शिल्प के क्षेत्र में उनके काम की विभिन्न अवधियों को कई प्रयोगों द्वारा चिह्नित किया गया है; कलाकार की विरासत में ग्राफिक्स, मिश्रित मीडिया में बने चित्र, नाइट्रो इनेमल, पेस्टल, सॉस, तेल, गौचे, तड़का, साथ ही लकड़ी, धातु, कांच, फोम से बने काम शामिल हैं।

  पहला [ ] "पिघलना" अवधि का एक अनौपचारिक कलात्मक संघ, जिसने अमूर्त कला के सिद्धांतों को विकसित किया, न्यू रियलिटी स्टूडियो था, जो ईएम बेलीटिन के आसपास इकट्ठा हुआ था। प्रारंभ में, स्टूडियो ने ग्राफिक कलाकारों की सिटी कमेटी में पुनश्चर्या पाठ्यक्रम के रूप में कार्य किया। 20वीं कांग्रेस द्वारा निर्धारित सामान्य उदारीकरण की दिशा ने रचनात्मकता और कलात्मक गतिविधियों की स्वतंत्रता की संभावनाओं को खोल दिया। हालाँकि, 1962 में मानेज़ में प्रदर्शनी, कलाकारों की कला पार्टी की तीखी आलोचना " नई वास्तविकताऔर अमूर्ततावाद के खिलाफ अभियान ने कलाकारों को भूमिगत होने के लिए मजबूर कर दिया। अगले 30 वर्षों के लिए, स्टूडियो ने अब्रामत्सेवो में वर्कशॉप में लगातार काम किया, जो कि बेलीटिन से संबंधित था।

  गैर-आलंकारिक प्रतिनिधित्व के सिद्धांतों को विकसित करने में, स्टूडियो के कलाकारों ने सदी की शुरुआत के रूसी अवांट-गार्डे कलाकारों और समकालीन पश्चिमी कलाकारों के अनुभव पर भरोसा किया। "नई वास्तविकता" की एक विशेषता सामूहिक कार्य पर ध्यान केंद्रित करना था, जिसकी 20 वीं शताब्दी की शुरुआत के भविष्यवादियों ने आकांक्षा की थी। "नई वास्तविकता" ने मास्को के कलाकारों को एक साथ लाया, जिन्होंने अमूर्त निर्माण की विधि पर अलग-अलग विचार रखे। कलाकार ल्यूसियन ग्रिबकोव और तमारा टेर-घेवोंडियान ने अमूर्त अभिव्यंजनावाद के निकटतम शैली में काम किया। अपने कार्यों में वास्तविक रूपों के तत्वों को संरक्षित करते हुए, उन्होंने दृश्य-प्लास्टिक चालों के माध्यम से भावनात्मक अवस्थाओं को व्यक्त करने के लिए श्रेणियां विकसित कीं। Vera Preobrazhenskaya, जो लंबे समय तक स्टूडियो के प्रमुख थे और स्कूल के सिद्धांत और कार्यप्रणाली को तय करते थे, ने ऑप-आर्ट सौंदर्यशास्त्र के माध्यम से ज्यामितीय अमूर्तता के माध्यम से अभिव्यक्तिवाद से एक लंबा रास्ता तय किया। एली बेलीटिन के साथ, प्रीओब्राज़ेंस्काया "साइको-ग्रैन्यूल्स" मॉड्यूल के विकास में लगे हुए थे, प्रतीक जो स्पष्ट रंग-प्लास्टिक समाधानों की मदद से ठोस राज्यों और अमूर्त अवधारणाओं को व्यक्त करेंगे। वेरा प्रोब्राज़ेन्स्काया ने कहा: "मेरे चित्रों में, भगवान लगभग हमेशा एक काला वर्ग होता है" [ ] . स्टूडियो के छात्रों के साथ काम करने की प्रक्रिया में, एली बेलीटिन ने "सार्वभौमिक संपर्क" के सिद्धांत का गठन किया, जिसमें उन्होंने विकास के सिद्धांतों को व्यक्त किया रचनात्मकताकलाकार।

  "नई वास्तविकता" के कलाकारों ने खुद को उत्तराधिकारी माना, सबसे पहले, वासिली कैंडिंस्की की कला का। रूसी अमूर्तता के पूर्वज ने प्लास्टिक कला के माध्यम से आध्यात्मिक दुनिया को चित्रित करने पर ध्यान केंद्रित किया। उनकी कलात्मक खोजों को शताब्दी के मध्य के यूरोपीय अमूर्त कलाकारों की उपलब्धियों से समृद्ध किया गया था, जिन्होंने ऑप्टिकल भ्रम या बुत की एक नई गुणवत्ता में आंशिक रूप से अपने कार्यों के लिए आलंकारिक रूप से वापस कर दिया।

  कैंडिंस्की ने कहा कि: "होशपूर्वक या अनजाने में, कलाकार तेजी से अपनी सामग्री की ओर मुड़ रहे हैं, इसका परीक्षण कर रहे हैं, आध्यात्मिक तराजू पर उन तत्वों के आंतरिक मूल्य को तौल रहे हैं जिनसे कला का निर्माण किया जाना चाहिए" [ ] . सदी की शुरुआत में जो कहा गया था वह फिर से चित्रकारों की अगली पीढ़ियों के लिए प्रासंगिक हो गया। 1950 के दशक के उत्तरार्ध में, एक अमूर्त मूर्तिकला दिखाई दी, जो निकोलस शॉफ़र द्वारा "इलेक्ट्रॉनिक मस्तिष्क" - "Cysp I" से सुसज्जित थी। अलेक्जेंडर काल्डर अपना "अस्तबल" बनाता है। अमूर्ततावाद के पृथक क्षेत्रों में से एक है - ऑप-आर्ट। उसी समय, इंग्लैंड और संयुक्त राज्य अमेरिका में लगभग एक साथ, बड़े पैमाने पर उत्पादों, तस्वीरों, प्रतिकृतियों और नई पॉप कला शैली की समान वस्तुओं के लिए लेबल का उपयोग करते हुए, पहले कोलाज दिखाई दिए।

  1960 के दशक के मोड़ पर मास्को अमूर्त, एक नए आकार देने के लिए खोज में तल्लीन आंतरिक स्थिति"रचनात्मक अंतर्दृष्टि", एक प्रकार का ध्यान, गैर-उद्देश्य की संस्कृति की अपनी समझ के ठोस उदाहरण देता है। उदाहरण के लिए, व्लादिमीर नेमुखिन, लिडा मास्टरकोवा, मिखाइल कुलकोव के काम में, जो निश्चित रूप से अमूर्त अभिव्यक्तिवाद में रुचि रखते हैं, जिसे वे उच्च आध्यात्मिक तनाव से भरने में कामयाब रहे। एक अन्य प्रकार की अमूर्त सोच ने अपने विश्लेषणात्मक और में सबसे अधिक सुसंगत प्रदर्शन किया व्यावहारिक कार्य 1950 के दशक के अंत में बनाई गई व्यापक सिग्नल श्रृंखला के लेखक यूरी ज़्लोटनिकोव। कलाकार के अनुसार: "गतिशीलता, लय, ज्यामितीय अमूर्तता में उच्चारित", उसे विश्लेषण के लिए प्रेरित किया: "कला में निहित गतिशील विचार", और आगे: "मानव मोटर प्रतिक्रियाओं के अध्ययन के लिए" [ ] . "सिग्नल" में कलाकार ने रंग प्रतीकों के लिए सहज मनोवैज्ञानिक प्रतिक्रियाओं की "प्रतिक्रिया" की खोज की।

  रूसी अमूर्तता के विकास में अगला चरण 1970 के दशक में शुरू होता है। यह डेटिंग का समय है समकालीन कलाकारमालेविच के काम के साथ, वर्चस्ववाद और रचनावाद के साथ, रूसी अवांट-गार्डे की परंपराओं के साथ, इसका सिद्धांत और व्यवहार। मालेविच के "प्राथमिक तत्वों" ने ज्यामितीय रूप, रेखीय संकेतों और प्लास्टिक संरचनाओं में एक स्थिर रुचि पैदा की। "ज्यामितीय" अमूर्तता ने शास्त्रीय अवांट-गार्डे के साथ निरंतरता और आध्यात्मिक संबंध को महसूस करने के लिए 1920 के दशक के स्वामी को चिंतित करने वाली समस्याओं के करीब पहुंचना संभव बना दिया। समकालीन लेखकरूसी दार्शनिकों और धर्मशास्त्रियों, धर्मशास्त्रियों और मनीषियों के कार्यों की खोज की, अटूट बौद्धिक स्रोतों में शामिल हो गए, जिसने बदले में मिखाइल श्वार्ट्समैन, वालेरी युरलोव, एडुआर्ड स्टाइनबर्ग के काम को नए अर्थों से भर दिया।

  ज्यामितीय अमूर्तता ने आंदोलन समूह में 1960 के दशक की शुरुआत में एकजुट हुए कलाकारों के काम के तरीकों का आधार बनाया। इसके सदस्यों में लेव नुसबर्ग, व्याचेस्लाव कोलीचुक, फ्रांसिस्को इन्फेंटे थे। बाद वाला विशेष रूप से वर्चस्ववाद से मोहित था। "डायनेमिक स्पिरल्स" में इन्फेंटे ने अंतरिक्ष में एक अनंत सर्पिल के मॉडल का अध्ययन किया, सावधानीपूर्वक विश्लेषण किया: "गैर-मौजूद प्लास्टिक की स्थिति।"

  1970 के दशक में अमेरिकी पेंटिंग लाक्षणिकता पर लौटता है। ऐसा माना जाता है कि 1970 का दशक है: "अमेरिकी चित्रकला के लिए सच्चाई का क्षण, जो यूरोपीय परंपरा से मुक्त हो गया जिसने इसे पोषित किया और विशुद्ध रूप से अमेरिकी बन गया।" [ ]

  1980 के दशक के मध्य को रूस में अमूर्तता के विकास में अगले चरण के पूरा होने के रूप में माना जा सकता है, जो उस समय तक न केवल रचनात्मक प्रयासों में विशाल अनुभव जमा कर चुका था, बल्कि सार्थक भी था। दार्शनिक समस्याएं, लेकिन अमूर्त सोच की मांग के प्रति भी आश्वस्त।

  1990 के दशक ने गैर-उद्देश्य कला के विशेष "रूसी तरीके" की पुष्टि की। विश्व संस्कृति के विकास के दृष्टिकोण से, अमूर्ततावाद के रूप में शैली की दिशा 1958 में समाप्त हुआ। हालांकि, में: "पोस्ट-पुनर्निर्माण रूसी समाजकेवल अब अमूर्त कला के साथ समान संचार की आवश्यकता थी, अर्थहीन धब्बे नहीं देखने की इच्छा थी, लेकिन प्लास्टिक के खेल की सुंदरता, इसकी लय, उनके अर्थ में प्रवेश करने के लिए। अंत में, सचित्र सिम्फनी की ध्वनि सुनें। [ ] कलाकारों को न केवल शास्त्रीय रूपों - वर्चस्ववाद या अमूर्त अभिव्यक्तिवाद को व्यक्त करने का अवसर मिला, बल्कि गेय और ज्यामितीय अमूर्तता, अतिसूक्ष्मवाद, मूर्तिकला, वस्तु, हाथ से बनाई गई लेखक की किताब, पेपर मास में, खुद मास्टर द्वारा डाली गई।

  पेंटिंग में आधुनिक अमूर्त कला

  एक महत्वपूर्ण शब्द आधुनिक भाषाअमूर्त सफेद हो गया। मरीना कस्तलस्काया, एंड्री क्रासुलिन, वालेरी ओरलोव, लियोनिद पेलिख के लिए, सफेद रंग का स्थान है उच्च वोल्टेजरंग आम तौर पर अंतहीन परिवर्तनशील संभावनाओं से भरा होता है, जिससे प्रकाश प्रतिबिंब के आध्यात्मिक और ऑप्टिकल कानूनों के बारे में दोनों आध्यात्मिक विचारों के उपयोग की अनुमति मिलती है।

  एक वैचारिक श्रेणी के रूप में अंतरिक्ष है समकालीन कलाअलग सिमेंटिक लोड। उदाहरण के लिए, एक चिन्ह का एक स्थान है, एक प्रतीक जो पुरातन चेतना की गहराई से उभरा है, कभी-कभी एक चित्रलिपि जैसी संरचना में परिवर्तित हो जाता है। प्राचीन पांडुलिपियों का एक स्थान है, जिसकी छवि वैलेंटाइन गेरासिमेंको की रचनाओं में एक प्रकार की झलक बन गई है।

  हर चीज को अलमारियों पर रखना, हर चीज के लिए जगह ढूंढना और नाम देना मानव स्वभाव है। कला में ऐसा करना विशेष रूप से कठिन हो सकता है, जहां प्रतिभा एक ऐसी श्रेणी है जो किसी व्यक्ति या संपूर्ण प्रवृत्ति को एक सामान्य आदेशित कैटलॉग के सेल में निचोड़ने की अनुमति नहीं देती है। अमूर्ततावाद ऐसी ही एक अवधारणा है। इस पर एक सदी से अधिक समय से बहस चल रही है।

  अमूर्त – व्याकुलता, वियोग

  चित्रकला के अभिव्यंजक साधन रेखा, रूप, रंग हैं। यदि आप उन्हें अनावश्यक मूल्यों, संदर्भों और संघों से अलग करते हैं, तो वे आदर्श, निरपेक्ष हो जाते हैं। यहाँ तक कि प्लेटो ने भी सीधी रेखाओं और ज्यामितीय आकृतियों की सच्ची, सही सुंदरता के बारे में बात की थी। वास्तविक वस्तुओं के साथ जो चित्रित किया गया है, उसके सादृश्य की अनुपस्थिति, सामान्य चेतना के लिए दुर्गम, कुछ और अज्ञात के दर्शक पर प्रभाव का रास्ता खोलती है। कलात्मक मूल्यचित्र स्वयं जो दर्शाता है उसके महत्व से अधिक होना चाहिए, क्योंकि प्रतिभाशाली पेंटिंगएक नई संवेदी दुनिया को जन्म देता है।

  इस तरह सुधारकों ने तर्क दिया। उनके लिए, अमूर्तवाद उन तरीकों को खोजने का एक तरीका है जो सत्ता से पहले कभी नहीं देखे गए हैं।

  नई सदी - नई कला

  कला समीक्षकों का तर्क है कि अमूर्ततावाद क्या है। अमूर्त चित्रकला के इतिहास में अंतराल को भरते हुए, कला इतिहासकार उत्साह के साथ अपनी बात का बचाव करते हैं। लेकिन बहुमत उनके जन्म के समय से सहमत था: 1910 में म्यूनिख में, वासिली कैंडिंस्की (1866-1944) ने अपने काम "शीर्षकहीन" का प्रदर्शन किया। (पहला सार जल रंग)।"

  

  जल्द ही कैंडिंस्की ने अपनी पुस्तक "ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट" में एक नई प्रवृत्ति के दर्शन की घोषणा की।

  मुख्य बात छाप है

  किसी को यह नहीं सोचना चाहिए कि चित्रकला में अमूर्तता शून्य से उत्पन्न हुई। प्रभाववादियों ने चित्रकला में रंग और प्रकाश का एक नया अर्थ दिखाया। इसी समय, रैखिक परिप्रेक्ष्य की भूमिका, अनुपातों का सटीक पालन आदि कम महत्वपूर्ण हो गया है। उस समय के सभी प्रमुख उस्ताद इस शैली के प्रभाव में आ गए।

  जेम्स व्हिस्लर (1834-1903) के परिदृश्य, उनके "निशाचर" और "सिम्फनी", अमूर्त अभिव्यक्तिवादी चित्रकारों की उत्कृष्ट कृतियों की आश्चर्यजनक रूप से याद दिलाते हैं। वैसे, व्हिस्लर और कैंडिंस्की के पास सिनेस्थेसिया था - एक निश्चित संपत्ति की ध्वनि के साथ रंग देने की क्षमता। और उनकी कृतियों पर रंग संगीत की तरह बजते हैं।

  पॉल सेज़ेन (1839-1906) के कार्यों में, विशेष रूप से उनके काम की देर की अवधि में, वस्तु का रूप संशोधित होता है, एक विशेष प्रकार की अभिव्यक्ति प्राप्त करता है। कोई आश्चर्य नहीं कि सेज़ान को घनवाद का अग्रदूत कहा जाता है।

  सामान्य अग्रगामी गति

  कला में अमूर्ततावाद ने सभ्यता की सामान्य प्रगति के दौरान एकल प्रवृत्ति में आकार लिया। दर्शन और मनोविज्ञान में नए सिद्धांतों से बुद्धिजीवियों का वातावरण उत्साहित था, कलाकार कनेक्शन की तलाश कर रहे थे आध्यात्मिक दुनियाऔर सामग्री, व्यक्तित्व और ब्रह्मांड। तो, कैंडिंस्की, अमूर्तता के सिद्धांत के लिए अपने औचित्य में, हेलेना ब्लावात्स्की (1831-1891) की थियोसोफिकल पुस्तकों में व्यक्त विचारों पर निर्भर करता है।

  भौतिकी, रसायन विज्ञान और जीव विज्ञान में मौलिक खोजों ने दुनिया के बारे में, प्रकृति पर मानव प्रभाव की शक्ति के बारे में विचारों को बदल दिया है। तकनीकी प्रगति ने पृथ्वी के पैमाने को, ब्रह्मांड के पैमाने को कम कर दिया।

  फोटोग्राफी के तेजी से विकास के साथ, कई कलाकारों ने इसे एक वृत्तचित्र समारोह देने का फैसला किया। उन्होंने तर्क दिया: पेंटिंग का व्यवसाय नकल करना नहीं है, बल्कि एक नई वास्तविकता बनाना है।

  अमूर्ततावाद एक क्रांति है। और प्रतिभाशाली लोगसंवेदनशील मानसिक सेटिंग्स के साथ महसूस किया गया: सामाजिक परिवर्तन का समय आ रहा है। वे गलत नहीं थे। बीसवीं शताब्दी का आरंभ और संपूर्ण सभ्यता के जीवन में अभूतपूर्व उथल-पुथल के साथ जारी रहा।

  संस्थापक पिता

  कैंडिंस्की के साथ, काज़िमिर मालेविच (1879-1935) और डचमैन पीट मोंड्रियन (1872-1944) नई प्रवृत्ति के मूल में खड़े थे।

  मालेविच के "ब्लैक स्क्वायर" को कौन नहीं जानता? 1915 में अपनी उपस्थिति के बाद से, इसने पेशेवरों और आम लोगों दोनों को उत्साहित किया है। कुछ इसे एक मृत अंत के रूप में देखते हैं, अन्य - एक साधारण अपमानजनक। लेकिन गुरु के सभी कार्य कला में नए क्षितिज की खोज, आगे बढ़ने की बात करते हैं।

  

  मालेविच द्वारा विकसित सर्वोच्चतावाद का सिद्धांत (लाट। सुपरमस - उच्चतम), पेंटिंग के अन्य साधनों के बीच रंग की प्रधानता पर जोर दिया, उच्चतम अर्थों में "शुद्ध कला" के निर्माण के एक चित्र को चित्रित करने की प्रक्रिया की तुलना की। वर्चस्ववाद के गहरे और बाहरी संकेत समकालीन कलाकारों, वास्तुकारों और डिजाइनरों के कार्यों में पाए जा सकते हैं।

  

  पर भी उतना ही प्रभाव पड़ा बाद की पीढ़ियाँमोंड्रियन का काम। उनका नव-प्लास्टिकवाद रूप के सामान्यीकरण और खुले, बिना रंग के रंग के सावधानीपूर्वक उपयोग पर आधारित है। सफेद पृष्ठभूमि पर सीधे काले क्षैतिज और लंबवत विभिन्न आकारों की कोशिकाओं के साथ एक ग्रिड बनाते हैं, और कोशिकाएं स्थानीय रंगों से भरी होती हैं। मास्टर के चित्रों की अभिव्यक्ति ने कलाकारों को या तो उनकी रचनात्मक समझ के लिए, या अंधी नकल करने के लिए प्रेरित किया। बहुत वास्तविक वस्तुओं का निर्माण करते समय कलाकारों और डिजाइनरों द्वारा अमूर्ततावाद का उपयोग किया जाता है। विशेष रूप से अक्सर मोंड्रियन प्रारूप वास्तुशिल्प परियोजनाओं में पाए जाते हैं।

  रूसी अवांट-गार्डे - शब्दों की कविता

  रूसी कलाकार विशेष रूप से अपने हमवतन - कैंडिंस्की और मालेविच के विचारों के प्रति ग्रहणशील थे। ये विचार एक नई सामाजिक व्यवस्था के जन्म और गठन के अशांत युग में विशेष रूप से अच्छी तरह से फिट बैठते हैं। वर्चस्ववाद के सिद्धांत को कोंगोव पोपोवा (1889-1924) और (1891-1956) ने रचनावाद के अभ्यास में बदल दिया, जिसका नई वास्तुकला पर विशेष प्रभाव था। उस युग में निर्मित वस्तुओं का अभी भी दुनिया भर के वास्तुकारों द्वारा अध्ययन किया जा रहा है।

  मिखाइल लारियोनोव (1881-1964) और नताल्या गोंचारोवा (1881-1962) रेयोनिज़्म या रेयोनिज़्म के संस्थापक बने। उन्होंने दुनिया को भर देने वाली हर चीज से निकलने वाली किरणों और प्रकाश विमानों के एक विचित्र अंतर्संबंध को प्रदर्शित करने की कोशिश की।

  क्यूबो-फ्यूचरिस्ट्स के आंदोलन में, जो कविता में भी लगे हुए थे अलग समयएलेक्जेंड्रा एस्थर (1882-1949), (1882-1967), ओल्गा रोज़ानोवा (1886-1918), नादेज़्दा उदलत्सोवा (1886-1961) ने भाग लिया।

  चित्रकला में अमूर्ततावाद हमेशा चरम विचारों का प्रवक्ता रहा है। इन विचारों ने अधिनायकवादी राज्य के अधिकारियों को परेशान किया। यूएसएसआर में, और बाद में नाज़ी जर्मनीविचारकों ने जल्दी से निर्धारित किया कि लोगों के लिए किस तरह की कला समझ में आएगी और आवश्यक होगी, और बीसवीं शताब्दी के 40 के दशक की शुरुआत तक, अमूर्त कला के विकास का केंद्र अमेरिका चला गया था।

  एक धारा के चैनल

  अमूर्ततावाद एक बल्कि अस्पष्ट परिभाषा है। जहां भी रचनात्मकता का उद्देश्य आसपास की दुनिया में एक विशिष्ट सादृश्य नहीं है, वह अमूर्तता की बात करता है। कविता में, संगीत में, बैले में, वास्तुकला में। दृश्य कलाओं में, इस प्रवृत्ति के रूप और प्रकार विशेष रूप से विविध हैं।

  चित्रकला में निम्नलिखित प्रकार की अमूर्त कलाओं को प्रतिष्ठित किया जा सकता है:

  रंग रचनाएँ: कैनवास के स्थान में, रंग मुख्य चीज है, और वस्तु रंगों के खेल में घुल जाती है (कैंडिंस्की, फ्रैंक कुपका (1881-1957), ऑर्फिस्ट (1885-1941), मार्क रोथको (1903-1970) , बार्नेट न्यूमैन (1905-1970))।

  ज्यामितीय अमूर्तवाद एक अधिक बौद्धिक, विश्लेषणात्मक प्रकार का अवांट-गार्डे पेंटिंग है। वह अस्वीकार करता है रेखीय परिदृश्यऔर गहराई का भ्रम, ज्यामितीय आकृतियों (मालेविच, मोंड्रियन, एलिमेंटलिस्ट थियो वैन डूसबर्ग (1883-1931), जोसेफ अल्बर्स (1888-1976), ऑप आर्ट के अनुयायी (1906-1997)) के संबंध के प्रश्न को हल करना।

  

  अभिव्यंजक अमूर्ततावाद - चित्र बनाने की प्रक्रिया यहाँ विशेष रूप से महत्वपूर्ण है, कभी-कभी पेंट लगाने की बहुत विधि, उदाहरण के लिए, तशिस्टों के बीच (टैचे - स्पॉट से) (जैक्सन पोलक (1912-1956), तशिस्ट जॉर्जेस मैथ्यू (1921- 2012), विलेम डी कूनिंग (1904-1997), रॉबर्ट मदरवेल (1912-1956)।

  अतिसूक्ष्मवाद - मूल बातें पर वापसी कलात्मक हरावल. छवियां बाहरी संदर्भों और संघों (बी। 1936), सीन स्कली (बी। 1945), एल्सवर्थ केली (बी। 1923) से पूरी तरह से रहित हैं।

  अमूर्ततावाद - अतीत में बहुत दूर?

  तो अब अमूर्ततावाद क्या है? अब आप ऑनलाइन पढ़ सकते हैं कि अमूर्त पेंटिंग अतीत की बात है। रूसी अवांट-गार्डे, ब्लैक स्क्वायर - किसे इसकी आवश्यकता है? अब गति और स्पष्ट जानकारी का समय है।

  

  सूचना: 2006 में सबसे महंगी पेंटिंग में से एक 140 मिलियन डॉलर से अधिक में बिकी थी। इसे "नंबर 5.1948" कहा जाता है, लेखक जैक्सन पोलक हैं, जो एक अभिव्यंजक अमूर्त कलाकार हैं।

  अमूर्ततावाद या गैर-उद्देश्य कला बीसवीं सदी की शुरुआत में उभरी कला की कई प्रवृत्तियों में से एक है। अमूर्ततावाद के ढांचे के भीतर, वास्तविक घटनाओं और वस्तुओं की छवि की अस्वीकृति होती है। कैनवास पर हम रेखाओं, ज्यामितीय आकृतियों, बनावटों और रंग के धब्बों का संयोजन देखते हैं।

  यह समझना महत्वपूर्ण है कि अमूर्तता कहीं से भी नहीं निकली: पेंटिंग में विषय की अस्वीकृति कला के विकास में एक प्राकृतिक चरण है, जो 19 वीं शताब्दी में शुरू हुई (फोटोग्राफी के आगमन के साथ, एक विस्तृत बनाने की आवश्यकता छवि गायब हो जाती है)।

  पश्चिमी कला पुनर्जागरण से मध्य उन्नीसवींसदी, परिप्रेक्ष्य के तर्क पर निर्भर थी और दृश्य वास्तविकता के भ्रम को पुन: उत्पन्न करने का एक प्रयास था। 19वीं शताब्दी के अंत तक, कई कलाकारों ने सृजन की आवश्यकता महसूस की नई तरहकला, जो समाज के जीवन में होने वाले मूलभूत परिवर्तनों को कवर करेगी।

  वासिली कैंडिंस्की। "सुधार 28"। कैनवास, तेल। सोलोमन गुगेनहाइम संग्रहालय, न्यूयॉर्क। 1912

  दुनिया में तेजी से बदलाव (वैश्विक औद्योगीकरण के परिणामस्वरूप सहित) का परिणाम नग्न मॉडल, यथार्थवादी परिदृश्य और युद्ध के दृश्यों की पुरानी छवियों से कलाकारों का तेजी से प्रस्थान था। यह सब वैसिली कैंडिंस्की के ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट (1910) जैसे दार्शनिक ग्रंथों द्वारा प्रबलित था। "ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट" पुस्तक में उनके द्वारा निर्धारित कैंडिंस्की का दृष्टिकोण हेलेना ब्लावात्स्की और रुडोल्फ स्टीनर के थियोसोफिकल और मानवशास्त्रीय कार्यों से जुड़ा है, जिनके काम वसीली वासिलीविच ने अध्ययन किया था।

  कैंडिंस्की का मानना ​​था कि रंग भावनाओं को जगाते हैं। लाल जीवंत और आत्मविश्वासी था; हरा - शांत, आंतरिक शक्ति के साथ; नीला - गहरा और अलौकिक; पीला गर्म, रोमांचक, परेशान करने वाला या सर्वथा पागल हो सकता है; और सफेद चुप लग रहा था, लेकिन संभावनाओं से भरा हुआ। उन्होंने प्रत्येक रंग को वाद्य स्वर भी दिए। लाल एक तुरही की तरह लग रहा था, हरा - बीच की स्थिति में एक वायलिन की तरह, नीला - एक बांसुरी की तरह, गहरा नीला एक सेलो की तरह, पीला - एक धूमधाम की तरह, सफेद - एक सामंजस्यपूर्ण माधुर्य में एक ठहराव की तरह।

  ये ध्वनि उपमाएँ कैंडिंस्की के संगीत के प्रेम से उपजी हैं, विशेष रूप से समकालीन विनीज़ संगीतकार अर्नोल्ड स्कोनबर्ग (1874-1951) की कृतियाँ। कैंडिंस्की के शीर्षक अक्सर रचना या संगीत में रंगों का उल्लेख करते हैं, जैसे "इम्प्रोवाइज़ेशन 28" और "कंपोज़िशन II"।

  वर्तमान के उत्कृष्ट प्रतिनिधि एम। लारियोनोव, पी। मोंड्रियन, वी। कैंडिंस्की, के। मालेविच और कई अन्य थे। में चित्रित पहला कैनवास नई टेक्नोलॉजी, वासिली कैंडिंस्की (1910) द्वारा एक जल रंग है।

  
  

  वासिली कैंडिंस्की। "शीर्षकहीन"। 49x64 सें.मी. सेंटर जार्ज पोम्पिडो, पेरिस। 1910

  दर्शक में विभिन्न संघों को प्राप्त करने के लिए गैर-उद्देश्य कला के लक्ष्यों में से एक को ज्यामितीय आकृतियों के कुछ रंग संयोजनों के निर्माण में सामंजस्य की उपलब्धि माना जा सकता है। अमूर्तन में सटीक निरूपण से विचलन मामूली, आंशिक या पूर्ण हो सकता है। पूर्ण अमूर्तता का किसी पहचानने योग्य चीज़ से कोई लेना-देना नहीं है। कलाकार वस्तुनिष्ठ होने का प्रयास करते हैं, जिससे दर्शक प्रत्येक कार्य के अर्थ को अपने तरीके से व्याख्या कर सकें। इस प्रकार, अमूर्त कला दुनिया का अतिशयोक्तिपूर्ण या विकृत दृष्टिकोण नहीं है, जैसा कि हम पॉल सेज़ेन और पाब्लो पिकासो के क्यूबिस्ट चित्रों में देखते हैं। इसके बजाय, रूप और रंग टुकड़े का ध्यान और विषय बन जाते हैं।

  छवि के परिधि में मौजूद सभी रूपों और रंग संयोजनों में एक विचार, उनकी अभिव्यक्ति और अर्थपूर्ण भार होता है। कोई फर्क नहीं पड़ता कि यह दर्शक को कैसा लगता है, उस तस्वीर को देखते हुए जहां रेखाओं और धब्बों के अलावा कुछ नहीं है, अमूर्तता में सब कुछ गौण है निश्चित नियमभाव।

  

  रॉबर्ट डेलौने। सिंक्रनाइज़ विंडोज। सोलोमन गुगेनहाइम संग्रहालय, न्यूयॉर्क 55x46 सेमी. 1912

  सदी की शुरुआत के बाद से, प्रमुख यूरोपीय शहरों के कलाकारों के बीच सांस्कृतिक संबंध बेहद सक्रिय हो गए हैं क्योंकि उन्होंने आधुनिकता की उच्च आकांक्षाओं के बराबर एक कला रूप बनाने की मांग की थी।

  1910 के दशक की शुरुआत में कई देशों में समानांतर रूप से एक नया कलात्मक आंदोलन उभरा। तो, रूस में अमूर्तवाद के प्रतिनिधि वैसिली कैंडिंस्की (जो उस समय जर्मनी में काम करते थे), मिखाइल लारियोनोव और नतालिया गोंचारोवा (जिन्होंने रेयोनिज्म की स्थापना की - अमूर्ततावाद की शुरुआती दिशाओं में से एक), काज़िमिर मालेविच (जिन्होंने वर्चस्ववाद के लिए अमूर्तता में सुधार किया - पूर्ण गैर) - वस्तुनिष्ठता)। एक नए युग की शुरुआत का प्रतीक होने के नाते, अमूर्तवाद में शामिल हैं: गैर-उद्देश्य कला, रेयोनिज़्म, नियोप्लास्टिकवाद, सर्वोच्चतावाद, ताचिस्म।

  1909 से 1913 तक, इस "शुद्ध कला" की खोज में कई प्रायोगिक कार्य कई कलाकारों द्वारा बनाए गए: फ्रांसिस पिकाबिया ने "रबर" (1909), "स्प्रिंग" (1912), "जुलूस, सेविले" (1912) चित्रित किया। वासिली कैंडिंस्की ने लिखा "शीर्षकहीन (1913), फ्रांटिसेक कुपका ने ऑर्फ़िस्ट, न्यूटन डिस्क (1912), अमोर्फा (1912) लिखा, रॉबर्ट डेलाउने ने विंडोज एंड फॉर्म्स सीरीज़ (1912-13) लिखी, लियोपोल्ड सर्वेज ने "कलर रिदम" (1913) बनाया। पीट मोंड्रियन "रचना संख्या 11" (1913) लिखते हैं।

  

  पीट मोंड्रियन। "रचना संख्या 11"। 1913

  जबकि हम अमूर्त कला को पेंटिंग और मूर्तिकला से जोड़ते हैं, इसे संयोजन और फोटोग्राफी सहित किसी भी दृश्य माध्यम पर लागू किया जा सकता है। हालाँकि, यह कलाकार हैं जो इस आंदोलन में सबसे अधिक ध्यान आकर्षित करते हैं।

  अमूर्ततावाद के प्रति दृष्टिकोण हमेशा स्पष्ट नहीं था - लंबे समय तक यह भूमिगत था, जैसा कि आमतौर पर होता है, नई शैली का उपहास किया गया और कला के रूप में निंदा की गई जिसका कोई मतलब नहीं है। समय के साथ, स्थिति बदल गई है - XXI सदी में, पेंटिंग के अन्य रूपों के साथ अमूर्तता को सममूल्य पर माना जाता है।

  टैग

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  दिशा

  अमूर्ततावाद (लैटिन अमूर्तता - निष्कासन, व्याकुलता) या गैर-आलंकारिक कला कला की एक दिशा है जिसने चित्रकला और मूर्तिकला में वास्तविकता के करीब के रूपों का प्रतिनिधित्व छोड़ दिया है। अमूर्ततावाद के लक्ष्यों में से एक कुछ रंग संयोजनों और ज्यामितीय आकृतियों को चित्रित करके "सामंजस्य" प्राप्त करना है, जिससे दर्शकों को रचना की पूर्णता और पूर्णता का एहसास होता है। विशिष्ठ व्यक्तिकास्ट: वासिली कैंडिंस्की, काज़िमिर मालेविच, नतालिया गोंचारोवा और मिखाइल लारियोनोव, पीट मोंड्रियन।

  पहली अमूर्त पेंटिंग 1910 में वासिली कैंडिंस्की द्वारा बनाई गई थी। वह वर्तमान में है राष्ट्रीय संग्रहालयजॉर्जिया - तो उसने खोला नया पृष्ठविश्व चित्रकला में - अमूर्ततावाद, चित्रकला को संगीत तक उठाना।

  20 वीं शताब्दी की रूस की पेंटिंग में, अमूर्त कला के मुख्य प्रतिनिधि वासिली कैंडिंस्की (जिन्होंने जर्मनी में अपनी अमूर्त रचनाओं के लिए संक्रमण पूरा किया), नताल्या गोंचारोवा और मिखाइल लारियोनोव थे, जिन्होंने 1910-1912 में “रेयोनिज़्म” की स्थापना की, निर्माता एक नए प्रकार की रचनात्मकता के रूप में सर्वोच्चतावाद काज़िमिर मालेविच, "ब्लैक स्क्वायर" के लेखक और एवगेनी मिखनोव-वोइटेंको, जिनके काम को अन्य बातों के अलावा, उनके कार्यों में लागू अमूर्त पद्धति के निर्देशों की एक अभूतपूर्व विस्तृत श्रृंखला द्वारा प्रतिष्ठित किया गया है (ए उनमें से कई, "भित्तिचित्र शैली" सहित, कलाकार ने न केवल घरेलू, बल्कि विदेशी स्वामी के बीच भी पहला इस्तेमाल किया)।

  अमूर्ततावाद से संबंधित एक प्रवृत्ति क्यूबिज्म है, जो वास्तविक वस्तुओं को इंटरसेक्टिंग विमानों की एक भीड़ के साथ चित्रित करना चाहती है, जो जीवित प्रकृति को पुन: उत्पन्न करने वाले कुछ सरल आकृतियों की छवि बनाती है। क्यूबिज़्म के कुछ सबसे उल्लेखनीय उदाहरण पाब्लो पिकासो के शुरुआती कार्य थे।

  1910-1915 में रूस, पश्चिमी यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में चित्रकारों ने कला के अमूर्त कार्यों का निर्माण शुरू किया; पहले अमूर्तवादियों में, शोधकर्ताओं का नाम वैसिली कैंडिंस्की, काज़िमिर मालेविच और पीट मोंड्रियन है। गैर-उद्देश्य कला के जन्म का वर्ष 1910 माना जाता है, जब जर्मनी में, मर्नौ में, कैंडिंस्की ने अपनी पहली सार रचना लिखी थी। पहले अमूर्तवादियों की सौंदर्यवादी अवधारणाओं ने माना कि कलात्मक रचनात्मकता ब्रह्मांड के नियमों को दर्शाती है, जो वास्तविकता की बाहरी, सतही घटनाओं के पीछे छिपी हुई है। कलाकार द्वारा सहज रूप से समझे गए ये पैटर्न, एक अमूर्त कार्य में अमूर्त रूपों (रंग के धब्बे, रेखाएँ, आयतन, ज्यामितीय आकृतियाँ) के अनुपात के माध्यम से व्यक्त किए गए थे। 1911 में, म्यूनिख में, कैंडिंस्की ने ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट नामक पुस्तक प्रकाशित की, जो प्रसिद्ध हुई, जिसमें उन्होंने आंतरिक रूप से आवश्यक, आध्यात्मिक, बाहरी, आकस्मिक के विपरीत अवतार लेने की संभावना पर विचार किया। कैंडिंस्की के सार का "तार्किक औचित्य" हेलेना ब्लावात्स्की और रुडोल्फ स्टेनर के थियोसोफिकल और मानवशास्त्रीय कार्यों के अध्ययन पर आधारित था। पीट मोंड्रियन की सौंदर्यवादी अवधारणा में, रूप के प्राथमिक तत्व प्राथमिक विरोध थे: क्षैतिज - ऊर्ध्वाधर, रेखा - विमान, रंग - गैर-रंग। रॉबर्ट डेलौने के सिद्धांत में, कैंडिंस्की और मोंड्रियन की अवधारणाओं के विपरीत, आदर्शवादी तत्वमीमांसा को अस्वीकार कर दिया गया था; कलाकार के लिए अमूर्ततावाद का मुख्य कार्य रंग के गतिशील गुणों और कलात्मक भाषा के अन्य गुणों का अध्ययन करना था (डेलाउने द्वारा स्थापित दिशा को ऑर्फ़िज़्म कहा जाता था)। "रेयोनिज़्म" के निर्माता मिखाइल लारियोनोव ने "प्रतिबिंबित प्रकाश के विकिरण" को चित्रित किया; रंग की धूल।

  1910 के दशक की शुरुआत में, अमूर्त कला का तेजी से विकास हुआ, जो 20वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में अवांट-गार्डे कला के कई क्षेत्रों में प्रकट हुई। अमूर्तवाद के विचार अभिव्यंजनावादियों (वासिली कैंडिंस्की, पॉल क्ले, फ्रांज मार्क), क्यूबिस्ट्स (फर्नांड लेगर), डैडिस्ट्स (जीन अर्प), अतियथार्थवादियों (जोन मिरो), इतालवी भविष्यवादियों (गीनो सेवेरिनी, गियाकोमो बल्ला,) के कार्यों में परिलक्षित होते हैं।