अमूर्तवाद वास्तविकता की छवि से प्राप्त एक दिशा है। अमूर्तवाद

पिछली शताब्दी में, अमूर्त दिशा कला के इतिहास में एक वास्तविक सफलता बन गई, लेकिन काफी स्वाभाविक - एक व्यक्ति हमेशा नए रूपों, गुणों और विचारों की तलाश में रहा है। लेकिन हमारी सदी में भी कला की यह शैली कई सवाल उठाती है। अमूर्तवाद क्या है? आइए इस बारे में आगे बात करते हैं।

पेंटिंग और कला में सार कला

शानदार तरीके से अमूर्तवादकलाकार विषय की व्याख्या करने के लिए आकृतियों, आकृति, रेखाओं और रंगों की दृश्य भाषा का उपयोग करता है। यह पारंपरिक कला रूपों के विपरीत है, जो विषय की अधिक साहित्यिक व्याख्या - "वास्तविकता" को व्यक्त करते हैं। दूसरी ओर, अमूर्तवाद शास्त्रीय ललित कला से यथासंभव दूर जाता है; वास्तविक जीवन की तुलना में पूरी तरह से अलग तरीके से वस्तुनिष्ठ दुनिया का प्रतिनिधित्व करता है।

कला में अमूर्तवाद पर्यवेक्षक के दिमाग को चुनौती देता है, जैसे यह उसकी भावनाओं को चुनौती देता है - कला के काम की पूरी तरह से सराहना करने के लिए, पर्यवेक्षक को यह समझने की आवश्यकता से छुटकारा पाना चाहिए कि कलाकार क्या कहने की कोशिश कर रहा है, लेकिन खुद को प्रतिक्रिया भावना को महसूस करना चाहिए . अमूर्ततावाद के माध्यम से जीवन के सभी पहलुओं की व्याख्या की जा सकती है - विश्वास, भय, जुनून, संगीत या प्रकृति के प्रति प्रतिक्रिया, वैज्ञानिक और गणितीय गणना, आदि।

कला में यह प्रवृत्ति 20 वीं शताब्दी में क्यूबिज़्म, अतियथार्थवाद, दादावाद और अन्य के साथ उत्पन्न हुई, हालांकि सटीक समय ज्ञात नहीं है। पेंटिंग में अमूर्त कला शैली के मुख्य प्रतिनिधि वासिली कैंडिंस्की, रॉबर्ट डेलाउने, काज़िमिर मालेविच, फ्रांटिसेक कुपका और पीट मोंड्रियन जैसे कलाकार माने जाते हैं। उनके काम और महत्वपूर्ण चित्रों पर आगे चर्चा की जाएगी।

प्रसिद्ध कलाकारों की पेंटिंग: अमूर्त कला

वासिली कैंडिंस्की

कैंडिंस्की अमूर्त कला के अग्रदूतों में से एक थे। उन्होंने प्रभाववाद में अपनी खोज शुरू की, और उसके बाद ही अमूर्तवाद की शैली में आए। अपने काम में, उन्होंने एक सौंदर्य अनुभव बनाने के लिए रंग और रूप के बीच संबंधों का शोषण किया, जिसने दर्शकों की दृष्टि और भावनाओं दोनों को गले लगा लिया। उनका मानना था कि पूर्ण अमूर्तता गहरी, पारलौकिक अभिव्यक्ति के लिए जगह देती है, और वास्तविकता की नकल करना ही इस प्रक्रिया में हस्तक्षेप करता है।

कैंडिंस्की के लिए पेंटिंग गहरी आध्यात्मिक थी। उन्होंने अमूर्त आकृतियों और रंगों की एक सार्वभौमिक दृश्य भाषा के माध्यम से मानवीय भावनाओं की गहराई को व्यक्त करने की कोशिश की जो भौतिक और सांस्कृतिक सीमाओं को पार कर जाए। उसने देखा अमूर्तवादएक आदर्श दृश्य विधा के रूप में जो कलाकार की "आंतरिक आवश्यकता" को व्यक्त कर सकती है और मानवीय विचारों और भावनाओं को व्यक्त कर सकती है। वह खुद को एक नबी मानते थे जिनका मिशन समाज के लाभ के लिए इन आदर्शों को दुनिया के साथ साझा करना है।

"रचना IV" (1911)

चमकीले रंगों और स्पष्ट काली रेखाओं में छिपे हुए भाले, साथ ही नावों, आकृतियों और एक पहाड़ी की चोटी पर एक महल के साथ कई Cossacks को दर्शाते हैं। जैसा कि इस अवधि के कई चित्रों में है, यह एक सर्वनाश युद्ध का प्रतिनिधित्व करता है जो अनन्त शांति की ओर ले जाएगा।

पेंटिंग की एक गैर-उद्देश्य शैली के विकास को सुविधाजनक बनाने के लिए, जैसा कि उनके ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट (1912) में वर्णित है, कैंडिंस्की वस्तुओं को चित्रात्मक प्रतीकों में कम कर देता है। बाहरी दुनिया के अधिकांश संदर्भों को हटाकर, कैंडिंस्की ने अपनी दृष्टि को अधिक सार्वभौमिक तरीके से व्यक्त किया, इन सभी रूपों के माध्यम से विषय के आध्यात्मिक सार को एक दृश्य भाषा में अनुवादित किया। इन प्रतीकात्मक आकृतियों में से कई को उनके बाद के काम में दोहराया और परिष्कृत किया गया, और भी अधिक सारगर्भित हो गया।

काज़िमिर मालेविच

पश्चिम में अपने संपर्कों के माध्यम से, मालेविच यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में कलाकार मित्रों को पेंटिंग के बारे में अपने विचारों को व्यक्त करने में सक्षम थे, और इस प्रकार समकालीन कला के विकास को गहराई से प्रभावित करते थे।

"ब्लैक स्क्वायर" (1915)

प्रतिष्ठित पेंटिंग "ब्लैक स्क्वायर" को पहली बार मालेविच ने 1915 में पेत्रोग्राद में एक प्रदर्शनी में दिखाया था। यह काम मालेविच द्वारा अपने निबंध "क्यूबिज्म एंड फ्यूचरिज्म टू सुपरमैटिज्म: न्यू रियलिज्म इन पेंटिंग" में विकसित सर्वोच्चतावाद के सैद्धांतिक सिद्धांतों का प्रतीक है।

दर्शक के सामने कैनवास पर एक सफेद पृष्ठभूमि पर एक काले वर्ग के रूप में खींचा गया एक अमूर्त रूप है - यह रचना का एकमात्र तत्व है। भले ही पेंटिंग सरल लगती है, फिर भी पेंट की काली परतों के माध्यम से उंगलियों के निशान, ब्रश स्ट्रोक जैसे तत्व दिखाई देते हैं।

मालेविच के लिए, वर्ग का अर्थ है भावनाएं, और सफेद का अर्थ है खालीपन, कुछ भी नहीं। उन्होंने काले वर्ग को एक ईश्वरीय उपस्थिति के रूप में देखा, एक प्रतीक के रूप में, जैसे कि यह गैर-उद्देश्य कला के लिए एक नई पवित्र छवि बन सकता है। प्रदर्शनी में भी, इस चित्र को उस स्थान पर रखा गया था जहाँ आमतौर पर एक रूसी घर में एक आइकन रखा जाता है।

पीट मोंड्रियन

1920 के दशक के अपने सबसे प्रसिद्ध चित्रों में, मोंड्रियन ने रूपों को रेखाओं और आयतों और पैलेट को सरलतम में कम कर दिया। असममित संतुलन का उपयोग समकालीन कला के विकास के लिए मौलिक बन गया, और उनके प्रतिष्ठित अमूर्त कार्य डिजाइन में प्रभावशाली बने हुए हैं और आज तक लोकप्रिय संस्कृति से परिचित हैं।

"ग्रे ट्री" (1912)

"ग्रे ट्री" मोंड्रियन की शैली में प्रारंभिक संक्रमण का एक उदाहरण है अमूर्तवाद. केवल ग्रे और काले रंग का उपयोग करके 3D ट्री को सरलतम रेखाओं और समतलों में घटाया जाता है।

यह पेंटिंग मोंड्रियन द्वारा किए गए कार्यों की एक श्रृंखला में से एक है जिसने अधिक यथार्थवादी दृष्टिकोण लिया, जहां, उदाहरण के लिए, पेड़ों को प्राकृतिक तरीके से प्रस्तुत किया जाता है। जबकि बाद के टुकड़े तेजी से अमूर्त हो गए, उदाहरण के लिए, पेड़ की रेखाएं तब तक कम हो जाती हैं जब तक कि पेड़ का आकार मुश्किल से दिखाई न दे और ऊर्ध्वाधर और क्षैतिज रेखाओं की समग्र संरचना के लिए माध्यमिक न हो।

यहां आप अभी भी लाइनों के संरचित संगठन को छोड़ने में मोंड्रियन की रुचि देख सकते हैं। मोंड्रियन के शुद्ध अमूर्तन के विकास के लिए यह कदम महत्वपूर्ण था।

रॉबर्ट डेलॉनाय

डेलाउने अमूर्त शैली के शुरुआती कलाकारों में से एक थे। उनके काम ने इस दिशा के विकास को प्रभावित किया, जो कि रंगों के विपरीत के कारण होने वाले संरचनागत तनाव पर आधारित था। वह जल्दी से नव-प्रभाववादी रंग प्रभाव में आ गया और अमूर्त शैली में काम की रंग प्रणाली का बहुत बारीकी से पालन किया। उन्होंने रंग और प्रकाश को मुख्य उपकरण माना जिससे आप दुनिया की निष्पक्षता को प्रभावित कर सकते हैं।

1910 तक, डेलाउने ने कैथेड्रल और एफिल टॉवर को चित्रित करने वाली पेंटिंग की दो श्रृंखलाओं के रूप में क्यूबिज़्म में अपना योगदान दिया था, जो क्यूबिक रूपों, आंदोलन की गतिशीलता और चमकीले रंगों को जोड़ती थी। रंग सामंजस्य का उपयोग करने के इस नए तरीके ने शैली को रूढ़िवादी क्यूबिज़्म से अलग करने में मदद की, जिसे ऑर्फ़िज़्म कहा जाता है, और तुरंत यूरोपीय कलाकारों को प्रभावित किया। डेलाउने की पत्नी, कलाकार सोनिया तुर्क-डेलाउने, उसी शैली में रंगना जारी रखा।

"एफिल टॉवर" (1911)

Delaunay का मुख्य कार्य फ्रांस के प्रसिद्ध प्रतीक एफिल टॉवर को समर्पित है। यह 1909 और 1911 के बीच एफिल टॉवर को समर्पित ग्यारह चित्रों की श्रृंखला में सबसे प्रभावशाली में से एक है। इसे चमकीले लाल रंग से रंगा गया है, जो इसे तुरंत आसपास के शहर की नीरसता से अलग करता है। कैनवास का प्रभावशाली आकार इस इमारत की भव्यता को और बढ़ाता है। एक भूत की तरह, टॉवर आसपास के घरों से ऊपर उठता है, लाक्षणिक रूप से पुरानी व्यवस्था की नींव को हिला देता है।

Delaunay की पेंटिंग उस समय की असीम आशावाद, मासूमियत और ताजगी की भावना को व्यक्त करती है जिसने अभी तक दो विश्व युद्ध नहीं देखे हैं।

फ़्रांटिसेक कुपक

फ्रांटिसेक कुप्का एक चेकोस्लोवाक कलाकार है जो शैली में पेंट करता है अमूर्तवादप्राग कला अकादमी से स्नातक किया। एक छात्र के रूप में, उन्होंने मुख्य रूप से देशभक्ति विषयों पर चित्रकारी की और ऐतिहासिक रचनाएँ लिखीं। उनकी प्रारंभिक रचनाएँ अधिक अकादमिक थीं, हालाँकि, उनकी शैली वर्षों में विकसित हुई और अंततः अमूर्त कला में विकसित हुई। बहुत यथार्थवादी तरीके से लिखे गए, यहां तक कि उनके शुरुआती कार्यों में रहस्यमय असली विषय और प्रतीक शामिल थे, जिन्हें अमूर्त लिखते समय संरक्षित किया गया था।

कुप्का का मानना था कि कलाकार और उसका काम एक निरंतर रचनात्मक गतिविधि में भाग लेते हैं, जिसकी प्रकृति एक निरपेक्ष की तरह सीमित नहीं है।

"अमोर्फा। दो रंगों में फ्यूग्यू" (1907-1908)

1907-1908 की शुरुआत में, कुप्का ने हाथ में गेंद पकड़े हुए एक लड़की के चित्रों की एक श्रृंखला को चित्रित करना शुरू किया, जैसे कि वह उसके साथ खेलने या नृत्य करने वाली थी। उसके बाद उन्होंने उसका तेजी से योजनाबद्ध प्रतिनिधित्व विकसित किया, और अंततः पूरी तरह से अमूर्त चित्रों की एक श्रृंखला का निर्माण किया। वे लाल, नीले, काले और सफेद रंग के सीमित पैलेट में बने थे।

1912 में, सैलून डी ऑटोमने में, इन अमूर्त कार्यों में से एक को पहली बार पेरिस में सार्वजनिक रूप से प्रदर्शित किया गया था।

XXI सदी की पेंटिंग में अमूर्तवाद की शैली अपनी लोकप्रियता नहीं खोती है - आधुनिक कला के प्रेमी अपने घरों को इस तरह की उत्कृष्ट कृति से सजाने से गुरेज नहीं करते हैं, और इस शैली में काम शानदार रकम के लिए विभिन्न नीलामियों में हथौड़े के नीचे बेचा जाता है।

निम्नलिखित वीडियो आपको कला में अमूर्त कला के बारे में और भी अधिक जानने में मदद करेगा:

मूलपाठ:कियुषा पेट्रोवा

इस सप्ताह यहूदी संग्रहालय और सहिष्णुता केंद्र मेंगेरहार्ड रिक्टर की प्रदर्शनी "एब्स्ट्रक्शन एंड इमेज" समाप्त हो रही है - रूस में सबसे प्रभावशाली और महंगे समकालीन कलाकारों में से एक की पहली व्यक्तिगत प्रदर्शनी। अब तक, पुश्किन संग्रहालय im में राफेल और कारवागियो और जॉर्जियाई अवंत-गार्डे की हाल ही में विस्तारित प्रदर्शनी। ए एस पुश्किन लाइन में हैं, रिक्टर को दो दर्जन आगंतुकों की आरामदायक कंपनी में देखा जा सकता है। यह विरोधाभास न केवल इस तथ्य के कारण है कि यहूदी संग्रहालय पुश्किन संग्रहालय या हर्मिटेज की लोकप्रियता में बहुत कम है, बल्कि इस तथ्य के कारण भी है कि बहुत से लोग अभी भी अमूर्त कला के बारे में उलझन में हैं।

यहां तक कि जो लोग समकालीन जोखिम में पारंगत हैं और विश्व संस्कृति के लिए ब्लैक स्क्वायर के महत्व को अच्छी तरह से समझते हैं, वे अमूर्तता के "अभिजात वर्ग" और "दुर्गमता" से भयभीत हैं। हम फैशनेबल कलाकारों के कामों पर उपहास करते हैं, नीलामी के रिकॉर्ड पर आश्चर्य करते हैं और डरते हैं कि कला आलोचना शर्तों के अग्रभाग के पीछे एक शून्य होगा - आखिरकार, बच्चों के स्क्रिबल्स जैसे कार्यों की कलात्मक योग्यता कभी-कभी पेशेवरों के बीच संदेह पैदा करती है। वास्तव में, अमूर्त कला की "दुर्गमता" की आभा को दूर करना आसान है - इस निर्देश में हमने यह समझाने की कोशिश की कि अमूर्तता को "बौद्ध टेलीविजन" क्यों कहा जाता है और इसे किस तरफ से देखा जाए।

गेरहार्ड रिक्टर। नवंबर 1/54। 2012

जानने की कोशिश न करें
कलाकार क्या कहना चाहता था

हॉल में जहां पुनर्जागरण के चित्र लटके हुए हैं, यहां तक कि एक बहुत तैयार दर्शक भी अपने बीयरिंग नहीं पाएंगे: कम से कम वह आसानी से नाम दे पाएगा जो चित्र में दर्शाया गया है - लोग, फल या समुद्र, पात्रों की क्या भावनाएं हैं अनुभव, क्या इस काम में कोई साजिश है, क्या वे घटनाओं में भाग लेने वालों से परिचित हैं। रोथको, पोलक या मालेविच के कैनवस से पहले, हम इतना आत्मविश्वास महसूस नहीं करते हैं - उनके पास ऐसी कोई वस्तु नहीं है जिसके लिए आप अपनी नज़र पकड़ सकें और इसके बारे में बात कर सकें ताकि यह पता लगाया जा सके कि "लेखक क्या कहना चाहता था", जैसे कि स्कूल। अमूर्त, या गैर-उद्देश्य के बीच यह मुख्य अंतर है, अधिक परिचित आलंकारिक से पेंटिंग: अमूर्त कलाकार अपने आसपास की दुनिया को चित्रित करने की बिल्कुल भी कोशिश नहीं करता है, वह खुद को ऐसा कार्य निर्धारित नहीं करता है।

यदि आप पश्चिमी कला के इतिहास की पिछली दो शताब्दियों को ध्यान से देखें, तो यह स्पष्ट हो जाता है कि चित्रकला में विषय की अस्वीकृति मुट्ठी भर गैर-अनुरूपतावादियों की सनक नहीं है, बल्कि विकास की एक प्राकृतिक अवस्था है। 19 वीं शताब्दी में, फोटोग्राफी दिखाई दी, और कलाकारों ने खुद को दुनिया को चित्रित करने के दायित्व से मुक्त कर दिया: एक फोटो स्टूडियो में रिश्तेदारों और प्यारे कुत्तों के चित्र बनाए जाने लगे - यह एक तेल चित्रकला के आदेश की तुलना में तेज़ और सस्ता निकला एक गुरु। फोटोग्राफी के आविष्कार के साथ, हम जो देखते हैं उसे स्मृति में रखने के लिए सावधानीपूर्वक कॉपी करने की आवश्यकता गायब हो गई है।

जैक्सन पोलक।
आशुलिपि आंकड़ा। 1942

उन्नीसवीं सदी के मध्य तक, कुछ लोगों को संदेह होने लगा कि यथार्थवादी कला एक जाल है। कलाकारों ने परिप्रेक्ष्य और रचना के नियमों में पूरी तरह से महारत हासिल की, लोगों और जानवरों को असाधारण सटीकता के साथ चित्रित करना सीखा, उपयुक्त सामग्री हासिल की, लेकिन परिणाम कम और कम आश्वस्त लग रहा था। दुनिया तेजी से बदलने लगी, शहर बड़े हो गए, औद्योगीकरण शुरू हो गया - इस पृष्ठभूमि के खिलाफ, खेतों की यथार्थवादी छवियां, युद्ध के दृश्य और नग्न मॉडल पुराने लग रहे थे, आधुनिक मनुष्य के जटिल अनुभवों से तलाकशुदा थे।

प्रभाववादी, पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट, फाउविस्ट और क्यूबिस्ट ऐसे कलाकार हैं जो इस सवाल की फिर से जांच करने से डरते नहीं थे कि कला में क्या महत्वपूर्ण है: इनमें से प्रत्येक आंदोलन ने पिछली पीढ़ी के अनुभव का इस्तेमाल किया, रंग और रूप के साथ प्रयोग किया। नतीजतन, कुछ कलाकार इस निष्कर्ष पर पहुंचे कि लेखक और दर्शक के बीच संपर्क वास्तविकता के अनुमानों के माध्यम से नहीं होता है, बल्कि रेखाओं, धब्बों और पेंट के स्ट्रोक के माध्यम से होता है - इस तरह कला ने कुछ भी चित्रित करने की आवश्यकता से छुटकारा पाया, दर्शकों को रंग, आकार, रेखाओं और बनावट के साथ अंतःक्रिया करने के अधूरे आनंद को महसूस करने की पेशकश करता है। यह सब पूरी तरह से नई दार्शनिक और धार्मिक शिक्षाओं के साथ संयुक्त था - विशेष रूप से, थियोसोफी, और रूसी अवांट-गार्डे वासिली कैंडिंस्की और काज़िमिर मालेविच के इंजनों ने अपनी दार्शनिक प्रणाली विकसित की जिसमें कला का सिद्धांत एक आदर्श के सिद्धांतों से जुड़ा हुआ है। समाज।

किसी भी अस्पष्ट स्थिति में, औपचारिक विश्लेषण का उपयोग करें

यहाँ एक दुःस्वप्न है जिसमें हर समकालीन कला प्रेमी खुद को पा सकता है: कल्पना करें कि आप एक अद्भुत के सामने खड़े हैं, जैसा कि गाइडबुक में लिखा गया है, एग्नेस मार्टिन द्वारा पेंटिंग और आप बिल्कुल कुछ भी नहीं महसूस करते हैं। जलन और थोड़ी सी उदासी के अलावा कुछ नहीं - इसलिए नहीं कि तस्वीर आपको ऐसा महसूस कराती है, बल्कि इसलिए कि आप बिल्कुल भी नहीं समझते हैं कि यहाँ क्या खींचा गया है और आपको कहाँ देखना है (आपको यह भी यकीन नहीं है कि क्यूरेटर ने काम को लटका दिया है) दाईं ओर)। ऐसी स्थिति में, एक औपचारिक विश्लेषण मदद करने की जल्दी में है, जिससे कला के किसी भी काम से परिचित होना शुरू हो जाता है। साँस छोड़ें और कुछ बच्चों के सवालों के जवाब देने का प्रयास करें: मैं अपने सामने क्या देखता हूँ - एक चित्र या मूर्तिकला, ग्राफिक्स या पेंटिंग? इसे किस सामग्री से और कब बनाया गया था? इन आकृतियों और रेखाओं का वर्णन कैसे किया जा सकता है? वे कैसे बातचीत करते हैं? क्या वे चल रहे हैं या स्थिर हैं? क्या यहां गहराई है - कौन से छवि तत्व अग्रभूमि में हैं और कौन से पृष्ठभूमि में हैं?

← बार्नेट न्यूमैन. शीर्षकहीन। 1945

अगला चरण भी काफी सरल है: अपने आप को सुनें और यह निर्धारित करने का प्रयास करें कि आप किन भावनाओं को देखते हैं। क्या ये लाल त्रिकोण मजाकिया या परेशान करने वाले हैं? क्या मैं शांत महसूस कर रहा हूं या तस्वीर मुझ पर दबाव डाल रही है? सुरक्षा प्रश्न: क्या मैं यह पता लगाने की कोशिश कर रहा हूं कि यह कैसा है, या क्या मैं अपने दिमाग को रंग और आकार के साथ स्वतंत्र रूप से बातचीत करने दे रहा हूं?

याद रखें कि न केवल तस्वीर महत्वपूर्ण है, बल्कि फ्रेम - या इसकी कमी भी है। उसी न्यूमैन, मोंड्रियन या "अवंत-गार्डे के अमेज़ॅन" ओल्गा रोज़ानोवा के मामले में, फ्रेम की अस्वीकृति कलाकार की एक सचेत पसंद है, जो आपको कला के बारे में पुराने विचारों को त्यागने और मानसिक रूप से इसकी सीमाओं का विस्तार करने के लिए आमंत्रित करती है, सचमुच परे जाना।

अधिक आत्मविश्वास महसूस करने के लिए, आप अमूर्त कार्यों का एक सरल वर्गीकरण याद कर सकते हैं: वे आमतौर पर ज्यामितीय (पिएट मोंड्रियन, एल्सवर्थ केली, थियो वैन डोसबर्ग) और गीतात्मक (हेलेन फ्रैंकेंथेलर, गेरहार्ड रिक्टर, वासिली कैंडिंस्की) में विभाजित होते हैं।

हेलेन फ्रैंकेंथेलर। नारंगी घेरा। 1965

हेलेन फ्रैंकेंथेलर। धूपघड़ी 1964

"ड्राइंग स्किल्स" को रेटिंग न दें

"मेरा बच्चा/बिल्ली/बंदर भी ऐसा ही कर सकता है" एक ऐसा मुहावरा है जो हर दिन आधुनिक कला के हर संग्रहालय में कहा जाता है (शायद उन्होंने कहीं एक विशेष काउंटर लगाने के बारे में सोचा था)। इस तरह के दावे का जवाब देने का एक आसान तरीका है अपनी आंखें मूंद लेना, दूसरों की आध्यात्मिक गरीबी के बारे में शिकायत करना, एक जटिल और अधिक उत्पादक तरीका है कि इस मुद्दे को गंभीरता से लिया जाए और यह समझाने की कोशिश की जाए कि अमूर्तवादियों के कौशल का अलग-अलग मूल्यांकन क्यों किया जाना चाहिए। महान अर्धविज्ञानी रोलैंड बार्थेस ने साइ ट्वॉम्बली के डूडल के प्रतीत होने वाले "बचपन" पर एक मर्मज्ञ निबंध लिखा, और हमारे समकालीन सूसी हॉज ने इस विषय पर एक पूरी किताब समर्पित की।

कई अमूर्त कलाकारों के पास एक शास्त्रीय शिक्षा और उत्कृष्ट अकादमिक ड्राइंग कौशल है - अर्थात, वे फूलों का एक सुंदर फूलदान, समुद्र पर सूर्यास्त या एक चित्र बनाने में सक्षम हैं, लेकिन किसी कारण से नहीं चाहते हैं। वे एक दृश्य अनुभव चुनते हैं जो निष्पक्षता से बोझिल नहीं होता है: कलाकार, जैसा कि यह था, दर्शक के लिए इसे आसान बनाते हैं, उसे चित्र में चित्रित वस्तुओं से विचलित होने की अनुमति नहीं देते हैं, और उसे तुरंत भावनात्मक अनुभव में खुद को विसर्जित करने में मदद करते हैं। .

साइ ट्वॉम्बली। शीर्षकहीन। 1954

2011 में, शोधकर्ताओं ने यह परीक्षण करने का निर्णय लिया कि क्या अमूर्त अभिव्यक्तिवाद की शैली में पेंटिंग (अमूर्त कला की इस दिशा के बारे में सबसे अधिक सवाल उठते हैं) छोटे बच्चों के चित्र के साथ-साथ चिंपैंजी और हाथियों की कला से अप्रभेद्य हैं। विषयों को चित्रों के जोड़े को देखने और यह निर्धारित करने के लिए कहा गया था कि उनमें से कौन सा पेशेवर कलाकारों द्वारा बनाया गया था - 60-70% मामलों में, उत्तरदाताओं ने कला के "वास्तविक" कार्यों को चुना। लाभ छोटा है, लेकिन सांख्यिकीय रूप से महत्वपूर्ण है - जाहिर है, अमूर्तवादियों के कार्यों में वास्तव में कुछ ऐसा है जो उन्हें एक बुद्धिमान चिंपैंजी के चित्र से अलग करता है। एक और नए अध्ययन से पता चला है कि बच्चे स्वयं अमूर्त कलाकारों के काम को बच्चों के चित्र से अलग कर सकते हैं। अपने कलात्मक स्वभाव का परीक्षण करने के लिए, आप बज़फीड पर समान स्थितियों के साथ एक परीक्षा दे सकते हैं।

याद रखें कि सभी कला अमूर्त है।

यदि आपका मस्तिष्क थोड़ा अधिभार के लिए तैयार है, तो विचार करें कि सभी कला स्वाभाविक रूप से अमूर्त है। आलंकारिक पेंटिंग, चाहे वह पिकासो की स्टिल लाइफ बॉय विद अ पाइप हो या ब्रायलोव की द लास्ट डे ऑफ पोम्पेई, एक सपाट कैनवास पर त्रि-आयामी दुनिया का एक प्रक्षेपण है, जो "वास्तविकता" की नकल है जिसे हम दृष्टि के माध्यम से देखते हैं। हमारी धारणा की निष्पक्षता के बारे में भी बात करने की आवश्यकता नहीं है - आखिरकार, मानव दृष्टि, श्रवण और अन्य इंद्रियों की संभावनाएं बहुत सीमित हैं, और हम उनका मूल्यांकन स्वयं नहीं कर सकते।

मार्बल डेविड एक जीवित व्यक्ति नहीं है, बल्कि पत्थर का एक टुकड़ा है जिसे माइकल एंजेलो ने हमें एक आदमी की याद दिलाने के लिए आकार दिया (और हमें इस बात का अंदाजा हो गया कि पुरुष हमारे जीवन के अनुभव से कैसे दिखते हैं)। यदि आप जिओकोंडा के बहुत करीब पहुंच जाते हैं, तब भी आपको यह प्रतीत होगा कि आप उसकी नाजुक, लगभग जीवित त्वचा, एक पारदर्शी घूंघट और दूरी में कोहरा देखते हैं - लेकिन यह अनिवार्य रूप से एक अमूर्तता है, बस लियोनार्डो दा विंची बहुत श्रमसाध्य और एक के लिए एक बहुत ही सूक्ष्म भ्रम पैदा करने के लिए लंबे समय तक एक-दूसरे पर पेंट की परतें लगाईं। अधिक स्पष्ट रूप से, एक्सपोज़र ट्रिक फ़ॉविस्ट और पॉइंटिलिस्ट्स के साथ काम करती है: यदि आप पिसारो पेंटिंग के करीब जाते हैं, तो आप बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे और एरागनी में सूर्यास्त नहीं देखेंगे, बल्कि बहुत सारे बहु-रंगीन छोटे स्ट्रोक देखेंगे। कला का भ्रामक सार रेने मैग्रिट की प्रसिद्ध पेंटिंग "ट्रेचरी ऑफ इमेजेज" को समर्पित है: बेशक, "यह एक पाइप नहीं है" - ये केवल कैनवास पर सफलतापूर्वक स्थित पेंट के स्ट्रोक हैं।

हेलेन फ्रैंकेंथेलर।
नेपेंथे। 1972

प्रभाववादी, जिनकी क्षमता पर हमें आज संदेह नहीं है, अपने समय के अमूर्तवादी थे: मोनेट, डेगास, रेनॉयर और उनके दोस्तों पर संवेदनाओं को व्यक्त करने के पक्ष में यथार्थवादी प्रतिनिधित्व को छोड़ने का आरोप लगाया गया था। "लापरवाह" स्ट्रोक, नग्न आंखों के लिए दृश्यमान, "अजीब" रचना और अन्य प्रगतिशील तकनीकें उस समय की जनता के लिए ईशनिंदा लग रही थीं। 19वीं शताब्दी के अंत में, प्रभाववादियों पर "आकर्षित करने में असमर्थता", अश्लीलता और निंदक का गंभीर आरोप लगाया गया था।

पेरिस सैलून के आयोजकों को मानेट के ओलंपिया को व्यावहारिक रूप से छत के नीचे लटका देना पड़ा - बहुत सारे ऐसे थे जो उस पर थूकना चाहते थे या छतरी से कैनवास को छेदना चाहते थे। क्या यह स्थिति एम्स्टर्डम के स्टेडेलिज्क संग्रहालय में 1987 की घटना से बहुत अलग है, जब एक व्यक्ति ने अमूर्त कलाकार बार्नेट न्यूमैन की पेंटिंग "हूज़ अफ्रेड ऑफ़ रेड, येलो एंड ब्लू III" पर चाकू से हमला किया था?

मार्क रोथको। शीर्षकहीन। 1944-1946

संदर्भ की उपेक्षा न करें

अमूर्त कला के काम का अनुभव करने का सबसे अच्छा तरीका है कि उसके सामने खड़े होकर देखो और देखो और देखो। कुछ रचनाएँ दर्शकों को गहरे अस्तित्व के अनुभवों या एक उन्मादपूर्ण समाधि में डुबो सकती हैं - ज्यादातर ऐसा मार्क रोथको के चित्रों और अनीश कपूर की वस्तुओं के साथ होता है, लेकिन अज्ञात कलाकारों के काम का भी एक समान प्रभाव हो सकता है। यद्यपि भावनात्मक संपर्क सबसे महत्वपूर्ण है, आपको लेबल पढ़ने और ऐतिहासिक संदर्भ से परिचित होने से इनकार नहीं करना चाहिए: शीर्षक आपको काम के "अर्थ" को समझने में मदद नहीं करेगा, लेकिन यह दिलचस्प विचारों को जन्म दे सकता है। यहां तक कि "रचना संख्या 2" और "वस्तु संख्या 7" जैसे सूखे शीर्षक हमें कुछ बताते हैं: अपने काम को यह नाम देकर, लेखक हमें "उपपाठ" या "प्रतीकवाद" की खोज को छोड़ने और आध्यात्मिक अनुभव पर ध्यान केंद्रित करने का आग्रह करता है। .

यूरी ज़्लॉटनिकोव. रचना संख्या 22। 1979

कार्य के निर्माण का इतिहास भी महत्वपूर्ण है: सबसे अधिक संभावना है, यदि आप यह पता लगाते हैं कि कार्य कब और किन परिस्थितियों में बनाया गया था, तो आप इसमें कुछ नया देखेंगे। संग्रहालय के क्यूरेटर द्वारा आपके लिए तैयार कलाकार की जीवनी को पढ़ने के बाद, अपने आप से पूछें कि उस देश में इस काम का क्या महत्व हो सकता है और जिस समय इसके लेखक ने काम किया था: वही "ब्लैक स्क्वायर" पूरी तरह से अलग देता है प्रभाव, यदि आप 20वीं शताब्दी की शुरुआत की दार्शनिक धाराओं और कला के बारे में कुछ जानते हैं। एक और, कम प्रसिद्ध उदाहरण रूसी युद्ध के बाद के अमूर्तता के अग्रदूत यूरी ज़्लॉटनिकोव द्वारा सिग्नल सिस्टम श्रृंखला है। आज, एक सफेद कैनवास पर रंगीन सर्कल क्रांतिकारी नहीं लगते हैं - लेकिन 1950 के दशक में, जब आधिकारिक कला कुछ इस तरह दिखती थी, ज़्लॉटनिकोव के अमूर्त एक वास्तविक सफलता थी।

गति कम करो

कुछ कामों पर ध्यान देना हमेशा बेहतर होता है जिन्हें आप संग्रहालय के माध्यम से सरपट दौड़ते हुए देखते हैं, विशालता को समझने की कोशिश करते हैं। हार्वर्ड के प्रोफेसर जेनिफर रॉबर्ट्स अपने छात्रों को तीन घंटे तक एक तस्वीर देखने के लिए मजबूर करते हैं - बेशक, किसी को भी आपसे ऐसी सहनशक्ति की आवश्यकता नहीं है, लेकिन कैंडिंस्की पेंटिंग के लिए तीस सेकंड स्पष्ट रूप से पर्याप्त नहीं हैं। अपने घोषणापत्र में - अमूर्तता के लिए प्यार की घोषणा, प्रसिद्ध कला समीक्षक जेरी साल्ट्ज़ ने रोथको के कृत्रिम निद्रावस्था वाले कैनवस को "बौद्ध टेलीविजन" कहा - यह समझा जाता है कि कोई भी उन्हें अंतहीन रूप से देख सकता है।

इसे घर पर दोहराएं

देशद्रोही विचार "मैं ठीक वैसे ही आकर्षित कर सकता हूँ" का परीक्षण करने का सबसे अच्छा तरीका है, जो कभी-कभी पेशेवर कला समीक्षकों के बीच उत्पन्न होता है, घर पर एक प्रयोग करना है। विपरीत स्थिति में यह दिलचस्प होगा - यदि आप "आकर्षित करने में असमर्थता" या "क्षमता की कमी" के कारण पेंट लेने से डरते हैं। यह बिना कारण नहीं है कि कला चिकित्सा में अमूर्त तकनीकों का सबसे अधिक उपयोग किया जाता है: वे जटिल संवेदनाओं को व्यक्त करने में मदद करते हैं जिनके लिए शब्दों को खोजना मुश्किल है। आंतरिक विरोधाभासों और बाहरी दुनिया के साथ अपनी असंगति से पीड़ित कई कलाकारों के लिए, अमूर्तता वास्तविकता के साथ सामंजस्य स्थापित करने का लगभग एकमात्र तरीका बन गया है (नशीले पदार्थों और शराब को छोड़कर, निश्चित रूप से)।

पानी के रंग से लेकर ओक की छाल तक, किसी भी कला माध्यम का उपयोग करके सार कार्यों का निर्माण किया जा सकता है, इसलिए आप निश्चित रूप से एक ऐसी तकनीक ढूंढेंगे जो आपके स्वाद और बजट के अनुकूल हो। शायद आपको शुरुआत नहीं करनी चाहिए टपकता "- मोंड्रियन की पेंटिंग का विश्लेषण" लाल, नीले और पीले रंग के साथ रचना "सबसे छोटे के लिए वयस्कों द्वारा पढ़ने में शर्म नहीं आती है।यहूदी संग्रहालय, ART4

अमूर्तवाद (अव्य। सार- हटाना, व्याकुलता) या गैर-आलंकारिक कला- कला की एक दिशा जिसने चित्रकला और मूर्तिकला में वास्तविकता के अनुमानित रूपों के प्रतिनिधित्व को त्याग दिया। अमूर्तवाद के लक्ष्यों में से एक कुछ रंग संयोजनों और ज्यामितीय आकृतियों को चित्रित करके "सामंजस्य" प्राप्त करना है, जिससे दर्शक रचना की पूर्णता और पूर्णता को महसूस कर सके। प्रमुख हस्तियां: वासिली कैंडिंस्की, काज़िमिर मालेविच, नतालिया गोंचारोवा और मिखाइल लारियोनोव, पीट मोंड्रियन।

कहानी

अमूर्तवाद("शून्य रूपों", गैर-उद्देश्य कला के संकेत के तहत कला) - एक कलात्मक दिशा जो 20 वीं शताब्दी की पहली छमाही की कला में बनाई गई थी, वास्तविक दृश्य दुनिया के रूपों को पुन: पेश करने से पूरी तरह से इनकार कर रही थी। अमूर्तवाद के संस्थापक वी। कैंडिंस्की माने जाते हैं , पी. मोंड्रियन तथाके मालेविच।

वी। कैंडिंस्की ने अपनी तरह की अमूर्त पेंटिंग बनाई, जो निष्पक्षता के किसी भी लक्षण से प्रभाववादियों और "जंगली" के धब्बे को मुक्त करती है। पीट मोंड्रियन प्रकृति के ज्यामितीय शैलीकरण के माध्यम से अपनी व्यर्थता पर आ गया, जिसे सीज़ेन और क्यूबिस्ट द्वारा शुरू किया गया था। 20वीं शताब्दी के आधुनिकतावादी रुझान, अमूर्तवाद पर केंद्रित, पारंपरिक सिद्धांतों से पूरी तरह से हट जाते हैं, यथार्थवाद को नकारते हैं, लेकिन साथ ही कला के ढांचे के भीतर रहते हैं। अमूर्तवाद के आगमन के साथ कला के इतिहास में एक क्रांति का अनुभव हुआ। लेकिन यह क्रांति संयोग से नहीं, बल्कि स्वाभाविक रूप से उत्पन्न हुई, और इसकी भविष्यवाणी प्लेटो ने की थी! अपने बाद के काम फिलेबस में, उन्होंने अपने आप में रेखाओं, सतहों और स्थानिक रूपों की सुंदरता के बारे में लिखा, किसी भी नकल के दृश्य वस्तुओं की किसी भी नकल से स्वतंत्र। प्लेटो के अनुसार, इस तरह की ज्यामितीय सुंदरता, प्राकृतिक "अनियमित" रूपों की सुंदरता के विपरीत, सापेक्ष नहीं है, लेकिन बिना शर्त, निरपेक्ष है।

20वीं सदी और वर्तमान

1914-18 के प्रथम विश्व युद्ध के बाद, अमूर्त कला की प्रवृत्ति अक्सर दादावाद और अतियथार्थवाद के प्रतिनिधियों द्वारा व्यक्तिगत कार्यों में प्रकट हुई; उसी समय, वास्तुकला, सजावटी कला और डिजाइन में गैर-सचित्र रूपों के लिए आवेदन खोजने की इच्छा निर्धारित की गई थी (स्टिल और बॉहॉस समूहों के प्रयोग)। अमूर्त कला के कई समूह ("कंक्रीट आर्ट", 1930; "सर्कल एंड स्क्वायर", 1930; "एब्स्ट्रक्शन एंड क्रिएटिविटी", 1931), विभिन्न राष्ट्रीयताओं और प्रवृत्तियों के कलाकारों को एकजुट करते हुए, 30 के दशक की शुरुआत में मुख्य रूप से फ्रांस में उत्पन्न हुए। हालांकि, उस समय और 30 के दशक के मध्य तक अमूर्त कला व्यापक नहीं थी। समूह टूट गए। द्वितीय विश्व युद्ध (1939-45) के वर्षों के दौरान, संयुक्त राज्य अमेरिका में तथाकथित अमूर्त अभिव्यक्तिवाद का एक स्कूल उत्पन्न हुआ (चित्रकार) जे. पोलक, एम. टोबीआदि), जो कई देशों में युद्ध के बाद विकसित हुआ (ताचिस्म या "निराकार कला" के नाम से) और इसकी विधि "शुद्ध मानसिक automatism" और रचनात्मकता के व्यक्तिपरक अवचेतन आवेग, अप्रत्याशित रंग और बनावट संयोजनों के पंथ के रूप में घोषित किया गया।

50 के दशक के उत्तरार्ध में, स्थापना की कला, पॉप कला, का जन्म संयुक्त राज्य अमेरिका में हुआ था, जिसने कुछ समय बाद एंडी वारहोल को मर्लिन मुनरो के चित्रों और कुत्ते के भोजन के डिब्बे - कोलाज एब्स्ट्रैक्शनिज़्म के अपने अंतहीन प्रतिकृति के साथ महिमामंडित किया। 60 के दशक की दृश्य कलाओं में, अमूर्तता, अतिसूक्ष्मवाद का सबसे कम आक्रामक, स्थिर रूप लोकप्रिय हो गया। एक ही समय पर बार्नेट न्यूमैन, अमेरिकी ज्यामितीय अमूर्तवाद के संस्थापक के साथ-साथ ए लिबरमैन, ए हेल्डोतथा के. नोलैंडडच नियोप्लास्टिकवाद और रूसी सर्वोच्चतावाद के विचारों के आगे विकास में सफलतापूर्वक लगे हुए हैं।

अमेरिकी चित्रकला में एक और प्रवृत्ति को "रंगीन" या "पेंटिंग के बाद" अमूर्तवाद कहा जाता था। इसके प्रतिनिधियों ने कुछ हद तक फाउविज्म और पोस्ट-इंप्रेशनवाद को खारिज कर दिया। कठोर शैली, कार्यों की तेज रूपरेखा पर जोर दिया ई. केली, जे. जुंगरमैन, एफ. स्टेलाधीरे-धीरे एक चिंतनशील उदासीन गोदाम की पेंटिंग को रास्ता दिया। 1970 और 1980 के दशक में, अमेरिकी पेंटिंग आलंकारिक कला में लौट आई। इसके अलावा, फोटोरिअलिज्म के रूप में इसकी ऐसी चरम अभिव्यक्ति व्यापक हो गई है। अधिकांश कला इतिहासकार इस बात से सहमत हैं कि 70 का दशक अमेरिकी कला के लिए सच्चाई का क्षण है, क्योंकि इस अवधि के दौरान यह अंततः यूरोपीय प्रभाव से मुक्त हो गया और विशुद्ध रूप से अमेरिकी बन गया। हालांकि, पारंपरिक रूपों और शैलियों की वापसी के बावजूद, चित्रांकन से लेकर ऐतिहासिक चित्रकला तक, अमूर्त कला भी गायब नहीं हुई है।

पेंटिंग, "नॉन-फाइन" कला के कार्यों को पहले की तरह बनाया गया था, क्योंकि संयुक्त राज्य अमेरिका में यथार्थवाद की वापसी इस तरह से अमूर्तवाद से नहीं हुई थी, बल्कि इसके विमुद्रीकरण द्वारा, आलंकारिक कला पर प्रतिबंध, जिसे मुख्य रूप से हमारे सामाजिक यथार्थवाद के साथ पहचाना गया था। , और इसलिए कला के सामाजिक कार्यों पर "निम्न" शैलियों पर प्रतिबंध, "मुक्त लोकतांत्रिक" समाज में घृणित नहीं माना जा सकता है। उसी समय, अमूर्त पेंटिंग की शैली ने एक निश्चित नरमता हासिल कर ली, जिसमें पहले इसकी कमी थी - वॉल्यूम का सुव्यवस्थित होना, आकृति का धुंधला होना, हाफ़टोन की समृद्धि, सूक्ष्म रंग समाधान ( E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A.Bialobrod).

इन सभी प्रवृत्तियों ने आधुनिक अमूर्तवाद के विकास की नींव रखी। रचनात्मकता में कुछ भी जमे हुए, अंतिम नहीं हो सकता, क्योंकि यह उसके लिए मृत्यु होगी। लेकिन कोई फर्क नहीं पड़ता कि अमूर्तवाद किस रास्ते पर ले जाता है, चाहे वह कितने भी परिवर्तनों से गुजरे, इसका सार हमेशा अपरिवर्तित रहता है। यह इस तथ्य में निहित है कि ललित कला में अमूर्तवाद व्यक्तिगत अस्तित्व को पकड़ने का सबसे सुलभ और महान तरीका है, और एक ऐसे रूप में जो एक प्रतिकृति प्रिंट की तरह सबसे पर्याप्त है। साथ ही, अमूर्तवाद स्वतंत्रता की प्रत्यक्ष प्राप्ति है।

दिशा-निर्देश

अमूर्तवाद में, दो स्पष्ट दिशाओं को प्रतिष्ठित किया जा सकता है: ज्यामितीय अमूर्तता, मुख्य रूप से स्पष्ट रूप से परिभाषित विन्यास (मालेविच, मोंड्रियन), और गीतात्मक अमूर्तता पर आधारित है, जिसमें रचना स्वतंत्र रूप से बहने वाले रूपों (कैंडिंस्की) से आयोजित की जाती है। अमूर्तवाद में भी कई अन्य प्रमुख स्वतंत्र रुझान हैं।

क्यूबिज्म

दृश्य कलाओं में एक अवंत-गार्डे प्रवृत्ति जो 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में उत्पन्न हुई और सशक्त रूप से सशर्त ज्यामितीय रूपों के उपयोग की विशेषता है, वास्तविक वस्तुओं को स्टीरियोमेट्रिक प्राइमेटिव में "विभाजित" करने की इच्छा।

रेयोनिस्म (लुचिज़्म)

1910 के दशक की अमूर्त कला में दिशा, प्रकाश स्पेक्ट्रा और प्रकाश संचरण की पारी के आधार पर। "विभिन्न वस्तुओं की परावर्तित किरणों के पार" से रूपों के उद्भव का विचार विशेषता है, क्योंकि एक व्यक्ति वास्तव में वस्तु को नहीं मानता है, लेकिन "प्रकाश स्रोत से आने वाली किरणों का योग, से परिलक्षित होता है वस्तु।"

नियोप्लास्टिकवाद

1917-1928 में मौजूद अमूर्त कला की दिशा का पदनाम। हॉलैंड में और संयुक्त कलाकारों ने "डी स्टाइल" ("स्टाइल") पत्रिका के आसपास समूह बनाया। स्पेक्ट्रम के प्राथमिक रंगों में चित्रित बड़े आयताकार विमानों के लेआउट में वास्तुकला और अमूर्त पेंटिंग में स्पष्ट आयताकार आकृतियों द्वारा विशेषता।

ऑर्फिज्म

1910 के फ्रांसीसी चित्रकला में निर्देशन। कलाकारों-ऑर्फ़िस्टों ने स्पेक्ट्रम के प्राथमिक रंगों के अंतर्विरोध और वक्रतापूर्ण सतहों के प्रतिच्छेदन की "नियमितताओं" की मदद से आंदोलन की गतिशीलता और लय की संगीतमयता को व्यक्त करने की मांग की।

सर्वोच्चतावाद

अवंत-गार्डे कला में निर्देशन, 1910 के दशक में स्थापित किया गया। मालेविच। यह सबसे सरल ज्यामितीय रूपरेखा के बहुरंगी विमानों के संयोजन में व्यक्त किया गया था। बहुरंगी ज्यामितीय आकृतियों का संयोजन संतुलित असममित सर्वोच्चतावादी रचनाएँ बनाता है जो आंतरिक गति के साथ व्याप्त हैं।

तचिस्मे

1950 और 60 के दशक के पश्चिमी यूरोपीय अमूर्तवाद में प्रवृत्ति, जो संयुक्त राज्य अमेरिका में सबसे व्यापक थी। यह धब्बों वाली एक पेंटिंग है जो वास्तविकता की छवियों को फिर से नहीं बनाती है, लेकिन कलाकार की अचेतन गतिविधि को व्यक्त करती है। टैचिसमे में स्ट्रोक, रेखाएं और धब्बे बिना किसी पूर्व-निर्धारित योजना के त्वरित हाथ आंदोलनों के साथ कैनवास पर लागू होते हैं।

अमूर्त अभिव्यंजनावाद

भावनाओं को पूरी तरह से बाहर लाने के लिए, गैर-ज्यामितीय स्ट्रोक, बड़े ब्रश, कभी-कभी कैनवास पर टपकने वाले पेंट का उपयोग करके जल्दी और बड़े कैनवस पर पेंट करने वाले कलाकारों का आंदोलन। यहां पेंटिंग की अभिव्यंजक विधि अक्सर पेंटिंग जितनी ही महत्वपूर्ण होती है।

इंटीरियर में अमूर्तवाद

हाल ही में, अमूर्त कला ने कलाकारों के चित्रों से घर के आरामदायक इंटीरियर में स्थानांतरित करना शुरू कर दिया है, इसे अनुकूल रूप से अद्यतन किया है। स्पष्ट रूपों के उपयोग के साथ न्यूनतम शैली, कभी-कभी काफी असामान्य, कमरे को असामान्य और रोचक बनाती है। लेकिन रंग के साथ ओवरबोर्ड जाना आसान है। ऐसी आंतरिक शैली में नारंगी के संयोजन पर विचार करें।

सफेद सबसे अच्छा अमीर नारंगी को पतला करता है, और, जैसा कि यह था, इसे ठंडा करता है। नारंगी रंग कमरे को गर्म बनाता है, इसलिए ज्यादा नहीं; रोकथाम नहीं। फर्नीचर या उसके डिजाइन पर जोर दिया जाना चाहिए, उदाहरण के लिए, एक नारंगी बेडस्प्रेड। इस मामले में, सफेद दीवारें रंग की चमक को खत्म कर देंगी, लेकिन कमरे को रंगीन छोड़ दें। इस मामले में, एक ही श्रेणी के चित्र एक उत्कृष्ट जोड़ के रूप में काम करेंगे - मुख्य बात यह ज़्यादा नहीं है, अन्यथा नींद की समस्या होगी।

नारंगी और नीले रंग का संयोजन किसी भी कमरे के लिए हानिकारक है, अगर यह नर्सरी पर लागू नहीं होता है। यदि आप उज्ज्वल रंगों का चयन नहीं करते हैं, तो वे सफलतापूर्वक एक-दूसरे के साथ सामंजस्य स्थापित करेंगे, मूड जोड़ेंगे, और अतिसक्रिय बच्चों पर भी प्रतिकूल प्रभाव नहीं डालेंगे।

नारंगी हरे रंग के साथ अच्छी तरह से चला जाता है, एक कीनू के पेड़ और एक चॉकलेट टिंट का प्रभाव पैदा करता है। भूरा एक रंग है जो गर्म से ठंडे में भिन्न होता है, इसलिए यह कमरे के समग्र तापमान को पूरी तरह से सामान्य करता है। इसके अलावा, रंगों का यह संयोजन रसोई और रहने वाले कमरे के लिए उपयुक्त है, जहां आपको माहौल बनाने की जरूरत है, लेकिन इंटीरियर को अधिभारित नहीं करना चाहिए। सफेद और चॉकलेट रंगों में दीवारों को सजाकर, आप सुरक्षित रूप से एक नारंगी कुर्सी रख सकते हैं या एक समृद्ध कीनू रंग के साथ एक उज्ज्वल तस्वीर लटका सकते हैं। जब आप ऐसे कमरे में होते हैं, तो आपका मूड बहुत अच्छा होगा और जितना संभव हो उतना काम करने की इच्छा होगी।