Людина завжди прагнула до краси, гармонії та вираження себе. Це прагнення з найдавніших часів проявляється в живопису— образ образотворчого мистецтва, перші твори якого ми можемо зустріти і в первісної людини.

Живописпередає зорові образи у вигляді нанесення фарб на тверду чи гнучку основу (полотно, дерево, папір, картон). Залежно від використовуваних фарб та матеріалів основи виділяють різні технікиі види живопису. Серед них:

• масло;
• темпера;
• емаль;
• гуаш;
• пастель;
• туш;
• живопис по штукатурці: фреска та а секко;
• акварельна;
• суха кисть;
• акрил;
• змішана техніка
• і багато інших.

Технік живопису існує безліч. Все, що залишає будь-який слід на чомусь, строго кажучи, є живописом: живопис створюється природою, часом і людиною.

Колір у живописіє одним із найважливіших виразних засобів. Він сам по собі може бути носієм певної ідеї, крім того, може багаторазово посилювати думку, закладену в сюжеті картини.

Живопис здатний пробуджувати у нас найрізноманітніші почуття та емоції. Споглядаючи, можна наповнитися почуттям гармонії та спокою, зняти стресі поринути в роздуми, а можна зарядитися енергієюі волею до втілення своєї мрії. Картина, яка близька емоційно, здатна утримувати на собі увагу годинами, і власник такої картини знаходитиме в ній щоразу нові смисли, ідеї та послання художника. Споглядання — одна з форм медитації, коли ви поринаєте у свій внутрішній світ і проводите такий необхідний час наодинці із собою.

Крім того, живопис, як і будь-який інший вид мистецтва, допомагає виразити себе, свої емоції та настрій, зняти стрес і внутрішню напругу, а іноді знайти відповіді на важливі питання.

Для багатьох людей живопис стає не просто приємним заняттям, а й корисним проведенням часу, що благотворно впливає на внутрішній стан. Створюючи щось нове, людина розкриває свій потенціал, реалізує свої творчі здібності, пізнає себе та навколишній світ.

Заняття живописом активізують праве(Творче, емоційне) півкуля головного мозку. Це дуже важливо в наш розумний і раціональний вік. Розкриття творчих здібностей допомагає досягненню успіху в абсолютно різних сферах життя(Кар'єрі, відносинах з близькими людьми, особистісному зростанні), оскільки творчий підхід і гнучкість стають частиною вашої особистості.

Можливо, в дитинстві ви любили малювати, а батьки не захотіли віддавати вас до художньої школи? Чи завжди мріяли вміти красиво висловлювати свої думки з допомогою зорових образів? "Вчитися живопису ніколи не пізно!", - Говорять сучасні вчителі. За нинішнього розмаїття технік, жанрів і матеріалів кожен може знайти щось підходяще для себе. А вивчити основи композиції та зорієнтуватися у сучасних стилях та напрямках можна на спеціальних курсах живопису для дорослих.

Живопис - це цілий світ краси, образів та фарб. Якщо ви хочете стати безпосереднім учасником його створення, тоді малярство — для вас!

Студенти, аспіранти, молоді вчені, які використовують базу знань у своєму навчанні та роботі, будуть вам дуже вдячні.

ВСТУП

1. ВИДИ ЖИВОПИСУ

2. ЖИВОПИС І ЇЇ ЖАНРИ

ВИСНОВОК

СПИСОК ЛІТЕРАТУРИ

ВСТУП

Слово «живопис» утворено від слів «живо» та «писати». «Живописати, – пояснює Даль, – зображати вірно і живо пензлем чи словами, пером». Для малюючого зображати правильно означає точну передачу зовнішнього вигляду побаченого, його найважливіших ознак. Правильно передати їх вдавалося графічними засобами - лінією та тоном. Але передати живо цими обмеженими засобами багатоцвіття навколишнього світу, пульсацію життя в кожному сантиметрі кольорової поверхні предмета, чарівність цього життя та постійний рух та зміна неможливо. Правдиво відобразити колорит реального світу допомагає живопис - одне із видів образотворчого мистецтва.

Колір - головний образотворчий і виразний засіб у живопису - має тон, насиченість і світлість; він хіба що сплавляє ціле все характерне у предметі: і те, що можна зобразити лінією, і те, що їй недоступно.

Живопис, як і графіка, користується світлими та темними лініями, мазками та плямами, але на відміну від неї ці лінії, мазки та плями кольорові. Вони передають колір джерела світла через відблиски та яскраво освітлені поверхні, ліплять об'ємну форму предметним (локальним) кольором та кольором, відображеним середовищем, встановлюють просторові відносини та глибину, зображують фактуру та матеріальність предметів.

Завдання живопису - як показати щось, а й розкрити внутрішню сутність зображуваного, відтворити «типові характери у типових обставинах». Тому правдиве художнє узагальнення явищ життя є основою основ реалістичного живопису.

1. ВИДИ ЖИВОПИСУ

Монументальний живопис- це особливий вид живописних творів великого масштабу, що прикрашають стіни та стелі архітектурних споруд. Вона розкриває зміст великих соціальних явищ, які позитивно вплинули на розвиток суспільства, прославляє їх і увічнює, сприяючи вихованню людей у ​​дусі патріотизму, прогресу та гуманності. Височина змісту монументального живопису, значні розміри його творів, зв'язок з архітектурою вимагають великих колірних мас, суворої простоти та лаконізму композиції, ясності контурів та узагальненості пластичної форми.

Декоративний живописзастосовується для прикраси будівель, інтер'єру у вигляді барвистих панно, які реалістичним зображенням створюють ілюзію прориву стіни, зорового збільшення розмірів приміщення або, навмисне сплощеними формами стверджують площинність стіни і замкнутість простору. Візерунки, вінки, гірлянди та інші види декору, що прикрашають твори монументального живопису та скульптури, пов'язують докупи всі елементи інтер'єру, підкреслюючи їхню красу, узгодженість з архітектурою.

Театрально-декораційний живопис(Декорації, костюми, грим, бутафорія, виконані за ескізами художника) допомагає глибше розкрити зміст спектаклю. Особливі театральні умови сприйняття декорації вимагають обліку безлічі точок зору публіки, їхньої великої віддаленості, впливу штучного освітлення та кольорових підсвічувань. Декорація дає уявлення про місце та час дії, активізує у глядача сприйняття того, що відбувається на сцені. Театральний художник прагне в ескізах костюмів та гриму гостро висловити індивідуальний характер персонажів, їхнє соціальне становище, стиль епохи та багато іншого.

Мініатюрний живописнабула великого розвитку в середні віки, до винаходу друкарства. Рукописні книги прикрашалися найтоншими заставками, кінцівками, детально опрацьованими ілюстраціями-мініатюрами. Мальовничою технікою мініатюри російські художники першої половини ХІХ століття майстерно користувалися під час створення невеликих (переважно акварельних) портретів. Чисті глибокі кольори акварелі, їх вишукані поєднання, ювелірна тонкість листа вирізняють ці портрети, повні витонченості та шляхетності.

Верстатний живопис, що виконується на верстаті - мольберті, як матеріальна основа використовує дерево, картон, папір, але найчастіше полотно, натягнуте на підрамник. Станкова картина, будучи самостійним твором, може зображати рішуче все: фактичне та вигадане художником, неживі предмети та людей, сучасність та історію - словом, життя у всіх її проявах. На відміну від графіки станковий живопис має багатство кольору, який допомагає емоційно, психологічно багатогранно і тонко передати красу навколишнього світу.

За технікою та засобами виконання живопис підрозділяється на масляну, темперну, фрескову, воскову, мозаїчну, вітражну, акварельну, гуашеву, пастельну. Ці назви вийшли від сполучної речовини або від способу застосування матеріально-технічних засобів.

Масляний живописвиконується фарбою, стертою на олії. Густа фарба при додаванні до неї олії або спеціальних розріджувачів та лаків розріджується. Олійною фарбою можна працювати на полотні, дереві, картоні, папері, металі.

Темпернаживопис виконується фарбою, приготовленою на яєчному жовтку чи казеїні. Темперна фарба розчиняється водою та наноситься пастозно або рідко на стіну, полотно, папір, дерево. Темперою на Русі створювалися настінні розписи, ікони та візерунки на побутових предметах. В наш час темперу використовують у живописі та графіці, у декоративно-ужитковому мистецтві та художньо-оформлювальному справі.

Фресковий живописприкрашає інтер'єри у вигляді монументально-декоративних композицій, нанесених по сирій штукатурці водяними фарбами. Фреска має приємну матову поверхню та довговічна в умовах закритого приміщення.

Восковий живопис(Енкаустика) застосовувалася ще художниками Стародавнього Єгипту, про що свідчать знамениті «фаюмські портрети» (I століття н. Е..). Сполучною речовиною в енкаустиці служить вибілений віск. Воскові фарби наносяться у розплавленому стані на підігріту основу, після чого припікаються.

Мозаїчний живопис, або мозаїка, збирається з окремих шматочків смальти або кольорового каміння і закріплюється на особливому цементному грунті. Прозора смальта, вставлена ​​в ґрунт під різними кутами, відбиває або заломлює світло, викликаючи спалах та мерехтіння кольору. Мозаїчні панно можна зустріти в метро, ​​в театральних та музейних інтер'єрах і т. д. Вітражний живопис - твори декоративного мистецтва, призначені для прикрашання віконних отворів у будь-якій архітектурній споруді. Вітраж складається зі шматків кольорового скла, скріплених міцним металевим каркасом. Світловий потік, пробиваючи кольорову поверхню вітража, малює на підлозі та стінах інтер'єру декоративно ефектні багатобарвні візерунки.

2. ЖИВОПИС І ЇЇ ЖАНРИ

Жанри живопису (фр. genre - рід, вид) - розподіл творів живопису, що історично склався, відповідно до тем і об'єктів зображення. У сучасному живописі є такі жанри: портрет, історичний, міфологічний, батальний, побутовий, пейзаж, натюрморт, анімалістичний жанр.

Хоча поняття "жанр" з'явилося в живописі порівняно недавно, певні жанрові відмінності існували ще з давніх-давен: зображення тварин у печерах епохи палеоліту, портрети Стародавнього Єгипту та Месопотамії з 3 тис. до н.е., пейзажі та натюрморти в елліністичних та римських мозаїках та фресках. Формування жанру як системи у станковому живописі почалося у Європі XV-XV ст. і завершилося переважно XVII столітті, коли крім поділу образотворчого мистецтва на жанри з'являється поняття " високих " і " низьких " жанрів залежно від предмета зображення, теми, сюжету.

До "високого" жанру відносили історичний та міфологічний жанри, до "низьких" - портрет, пейзаж, натюрморт. Така градація жанрів проіснувала до ХІХ століття. Так, у XVII столітті в Голландії в живописі провідними стали саме "низькі" жанри (пейзаж, побутовий жанр, натюрморт), а парадний портрет, що формально належав до "низького" жанру портрета, до такого не належав.

Ставши формою відображення життя, жанри живопису за всієї стабільності спільних рис є незмінними, вони розвиваються разом із життям, змінюючись у міру розвитку мистецтва. Деякі жанри відмирають чи знаходять новий зміст (наприклад, міфологічний жанр), виникають нові, зазвичай усередині раніше існували (наприклад, усередині пейзажного жанру з'явилися архітектурний пейзаж і марина). З'являються твори, що поєднують у собі різні жанри (наприклад, поєднання побутового жанру з пейзажем, групового портрета з історичним жанром).

Жанр образотворчого мистецтва, що відображає зовнішній та внутрішній вигляд людини або групи людей, називають портретом. Цей жанр поширений у живопису, а й у скульптурі, графіці тощо. Головні вимоги до портрета, - передача зовнішньої подібності і розкриття внутрішнього світу, сутності характеру людини. За характером зображення виділяються дві основні групи: парадні та камерні портрети. Парадний портрет показує людину на повний зріст (на коні, що стоїть або сидить), на архітектурному або пейзажному тлі. У камерному портреті використовується поясне чи погрудне зображення на нейтральному фоні. У особливу групу виділяється автопортрет - зображення художником себе.

Портрет - одне із найдавніших жанрів образотворчого мистецтва, спочатку мав культове призначення, ототожнювався із душею померлого. В античному світі портрет розвивався більше у скульптурі, соціальній та мальовничих портретах -- файюмских портретах I - III ст. У середні віки поняття портрета замінюється узагальненими образами, хоча на фресках, мозаїках, іконах, мініатюрах є деякі індивідуальні риси у зображенні історичних осіб. Пізня готика і Відродження - це бурхливий період розвитку портрета, коли відбувається становлення портретного жанру, що досягає вершин гуманістичної віри в людину та розуміння її духовного життя.

Жанр образотворчого мистецтва, присвячений історичним подіям та персонажам, називається історичним жанром. Історичний жанр, якому властива монументальність, тривалий час розвивався у настінному живописі. З доби Відродження до ХІХ ст. художники використали сюжети античної міфології, християнських легенд. Часто реальні історичні події, які зображуються на картині, насичувалися міфологічними або біблійними алегоричними персонажами.

Історичний жанр переплітається коїться з іншими - побутовим жанром (історико-побутові сцени), портретом (зображення історичних діячів минулого, портретно-історичні композиції), пейзажем ( " історичний пейзаж " ), замикається з батальним жанром.

Історичний жанр знаходить втілення в станкових та монументальних формах, в мініатюрах, ілюстраціях. Зародившись у давнину, історичний жанр поєднував реальні історичні події з міфами. У країнах Стародавнього Сходу навіть існували типи символічних композицій (апофеоз військових перемог монарха, передача йому влади божеством) та оповідальних циклів розписів та рельєфів. У Стародавній Греції були скульптурні зображення історичних героїв, у Давньому Римі створювалися рельєфи зі сценами військових походів та тріумфів.

У середні віки у Європі історичні події знаходили свій відбиток у мініатюрах хронік, в іконах. Історичний жанр у станковому живописі почав складатися в Європі в епоху Відродження, у XVII – XVIII ст. його розглядали як "високий" жанр, висунувши на перший план (релігійні, міфологічні, алегоричні, власне історичні сюжети).

Картини історичного жанру наповнювали драматичним змістом, високими естетичними ідеалами, глибиною людських стосунків.

Жанр образотворчого мистецтва, присвячений героям та подіям, про які розповідають міфи стародавніх народів, називається міфологічним жанром(Від грец. mythos - переказ). Міфологічний жанр стикається з історичним і оформляється в епоху Відродження, коли античні легенди дали багаті можливості для втілення оповідань та персонажів зі складним етичним, найчастіше алегоричним підтекстом. У XVII ст. - Поч. ХІХ століття у творах міфологічного жанру розширюється коло моральних, естетичних проблем, які втілюються у високих художніх ідеалах або зближуються з життям, або створюють святкове видовище. З XIX-XX ст. стали популярними теми німецьких, кельтських, індійських, слов'янських міфів.

Батальним жанром(Від фр. bataille - битва) називають жанр живопису, що є частиною історичного, міфологічного жанру і що спеціалізується на зображенні битв, військових подвигів, бойових дій, що оспівує військові доблесті, лють битви, торжество перемоги. Батальний жанр може містити елементи інших жанрів - побутового, портретного, пейзажного, анімалістичного, натюрморту.

Жанр образотворчого мистецтва, що показує сцени повсякденного, особистого життя людини, повсякденного побуту з селянського та міського побуту, називають побутовим жанром. Звернення до життя і вдач людей зустрічаються вже в розписах і рельєфах Стародавнього Сходу, в античному вазописі та скульптурі, в середньовічних іконах і часословах. Але виділився і набув характерних форм побутової жанр лише як світського станкового мистецтва. Його основні риси почали оформлятися у XIV – XV ст. у вівтарних картинах, рельєфах, шпалерах, мініатюрах у Нідерландах, Німеччині, Франції. У XVI столітті у Нідерландах побутовий жанр став бурхливо розвиватися та відокремився. Одним із його засновників був Ієронім Босх.

На розвиток побутового жанру в Європі дуже великий вплив справила творчість Пітера Брейгеля: він переходить до чистого побутового жанру, показує, що звичайне життя може бути об'єктом вивчення та джерелом краси. XVII століття можна назвати століттям побутового жанру у всіх мальовничих школах Європи.

У XVIII ст. у Франції жанровий живопис пов'язаний із зображенням галантних сцен, "пасторалів", стає вишуканим і граціозним, іронічним. Твори побутового жанру різноманітні: вони показували тепло домашнього побуту та екзотику далеких країн, сентиментальні переживання та романтичні пристрасті. Побутовий жанр, орієнтований показ селянського побуту та життя городянина, яскраво розвивався у російської живопису ХІХ ст.: наприклад, у творах А.Г.Венецианова, П.А.Федотова, В.Г.Перова, І.Е.Рєпіна.

Жанр образотворчого мистецтва, де головним є зображення природи, довкілля, видів сільської місцевості, міст, історичних пам'яток, називається пейзажем(Фр. paysage). Розрізняють сільський, міський пейзаж, архітектурний, індустріальний, морський (марина) та річковий пейзаж.

У давнину та в середні віки пейзаж з'являється в розписах храмів, палаців, в іконах та в мініатюрах. У європейському мистецтві першими звернулися до зображення природи венеціанські живописці доби Відродження. З XVI ст. пейзаж стає самостійним жанром, формуються його різновиди та напрямки: ліричний, героїчний, документальний пейзаж. У ХІХ ст. творчі відкриття майстрів пейзажу, насичення його соціальної проблематикою, розвиток пленеру (зображення природного середовища) завершилися досягненнями імпресіонізму, що дали нові можливості у мальовничій передачі просторової глибини, мінливості світлоповітряного середовища, складності кольорової гами.

Жанр образотворчого мистецтва, який показує предмети побуту, праці, творчості, квіти, плоди, биту дичину, виловлену рибу, розміщені у реальному побутовому середовищі, називається натюрмортом(Фр. Nature morte - мертва натура). Натюрморт може бути наділений складним символічним змістом, відігравати роль декоративного панно, бути т.зв. "обманкою", що дає ілюзорне відтворення реальних предметів чи фігур, що викликають ефект присутності справжньої натури.

Зображення предметів відоме ще в мистецтві античності та середньовіччя. Але першим натюрмортом у станковому живописі вважається картина художника з Венеції Якопо де Барбарі «Куропатка зі стрілою та рукавичками». Вже у XVI столітті натюрморт ділиться на безліч типів: інтер'єр кухні з людьми або без них, накритий стіл у сільській обстановці, "ванітас" із символічними предметами (ваза з квітами, погашена свічка, музичні інструменти). Особливо багатий був голландський натюрморт, скромний за колоритом і зображеними речами, але вишуканий за виразною фактурою предметів, за грою кольору і світла.

Жанр образотворчого мистецтва, що показує тварин, називається анімалістичним жанром(Від лат. animal - тварина). Художник-анімаліст приділяє увагу художньо-подібній характеристиці тварини, її звичкам, декоративній виразності фігури, силуету. Часто тварини наділяються властивими людям рисами, вчинками та переживаннями. Зображення тварин часто зустрічаються в античній скульптурі, вазописі.

ВИСНОВОК

На закінчення узагальним вищесказане:

Живопис поділяють на монументальний, декоративний, театрально-декораційний, мініатюрний та станковий.

За технікою та засобами виконання живопис підрозділяється на масляну, темперну, фрескову, воскову, мозаїчну, вітражну, акварельну, гуашеву, пастельну.

У сучасному живописі є такі жанри: портрет, історичний, міфологічний, батальний, побутовий, пейзаж, натюрморт, анімалістичний жанр.

Історичний живопис - це зображення тих чи інших історичних моментів, і навіть діячів життя минулого.

Батальний живопис ставить за мету відобразити битви, битви та війни. Міфологічний живопис зображує події, описані в міфах, билинах та легендах.

Побутовий (жанровий) живопис - це зображення сцен реального життя, його реалій та атрибутів.

Пейзажний (ландшафтний) живопис - це зображення природної природи або будь-якої місцевості.

Портретний живопис - художнє зображення людини. Специфічним типом портрета є автопортрет.

Натюрморт - це зображення різних неживих предметів, наприклад, плодів, квітів, предметів побуту, начиння, розміщених у реальному побутовому середовищі та композиційно організованих у єдину групу.

СПИСОК ЛІТЕРАТУРИ

1. Батракова СП Художник XX ст. та мова живопису. М., 1996.

2. Віппер Б.Р. Введення у історичне вивчення мистецтва. М., Образотворче мистецтво, 1985

3. Західне мистецтво ХХ століття. Класична спадщина та сучасність. М, 1992.

4. Історія зарубіжного мистецтва. М., Образотворче мистецтво, 1984

5. Історія світового мистецтва. 3-тє видання, Видавництво «Академія», М., 1998.

6. Від конструктивізму до сюрреалізму. М., 1996.

7. Поляков В.В. Історія світового мистецтва. Образотворче мистецтво та архітектура XX ст. М., 1993.

8. Садохін А.П. Культурологія: теорія та історія культури: Навчальний посібник. - М: Ексмо, 2007.

9. Сучасне західне мистецтво. XX століття: проблеми та тенденції. М., 1982.

10. Суздальов П. Про жанри живопису. // Творчість, 2004 № 2, 3. С. 45-49.

Подібні документи

Загальна характеристика, класифікація та види пейзажу як одного з актуальних жанрів видів мистецтва. Виявлення особливостей, взаємозв'язків пейзажного жанру у живописі, фотографії, кіно та телебаченні. Історія появи фотомистецтва на рубежі ХІХ-ХХ століть.

реферат, доданий 26.01.2014


Поняття станкового живопису як самостійного виду мистецтва. Корейський живопис періоду королівства Когуро. Види образотворчого мистецтва та архітектура Сілла. Видатні художники та їх твори. Особливості утримання корейського народного живопису.

реферат, доданий 04.06.2012


Зародження мистецтва у печерній епосі. Розвиток мистецтва у Стародавній Греції та Римі. Особливості розвитку живопису в Середньовіччі, епоху Відродження та Бароко. Художні течії у сучасному мистецтві. Сутність краси з моральної точки зору.

стаття, доданий 16.02.2011


Система класифікації мистецтва на групи просторових (пластичних), тимчасових (динамічних), синтетичних (видовищних) видів. Історичний розвиток, особливості та прийоми використання художніх матеріалів у графіці, скульптурі та живописі.

контрольна робота , доданий 29.01.2010


Вивчення представників італійської школи живопису. Характеристика особливостей основних видів образотворчого мистецтва: станкової та прикладної графіки, скульптури, архітектури та фотографії. Дослідження техніки та прийомів роботи з олійними фарбами.

курсова робота , доданий 15.02.2012


Портрет як жанр у живописі. Історія портретного живопису. Портрет у російському живописі. Побудова композиції портрет. Техніка олійного живопису. Основа під живопис. Олійні художні фарби та пензлі. Палітра барвників і змішування фарб.

дипломна робота , доданий 25.05.2015


Зародження та розвиток у XVII столітті голландського мистецтва. Вивчення творчості найбільших майстрів голландського та нідерландського жанрового та пейзажного живопису. Дослідження специфічних характеристик таких жанрів як побутовий жанр, портрет, пейзаж і натюрморт.

контрольна робота , доданий 04.12.2014


Натюрморт як із жанрів образотворчого мистецтва, знайомство з вміннями і навичками живописного виконання. Особливості використання рідких фарб акрилових. Знайомство із завданнями живопису. Аналіз напружено-аскетичного мистецтва Візантії.

курсова робота , доданий 09.09.2013


Характеристика інтер'єрного живопису, що існує як самостійний жанр мистецтва, і як тло у творах, де зображуються історичні, побутові події. Аналіз особливостей інтер'єру у картинах майстрів живопису К. Брюллова, І. Рєпіна.

контрольна робота , доданий 26.08.2011


Характерні ознаки давньоримського мистецтва. Історичне коріння римської культури. Римський стиль живопису. Основні напрями та різновид давньоримського живопису: фаюмські портрети, монументальний живопис, живопис етрусків.

Слово «живопис» походить від російських слів «живий» і «писати», виходить словосполучення «живий лист». Живопис означає зображення реального світу, намальованого за допомогою підручних матеріалів (олівців, фарб, пластиліну та ін) на плоских поверхнях. Можна сказати, що проекція реального світу через призму уяви художника – це і

Види живопису

Даний рясніє різноманітністю типів та прийомів зображення реальності, які залежать не тільки від техніки виконання роботи художника та використовуваних матеріалів, а й від змісту та смислового посилу творчості. Для того щоб передати почуття, емоції та думки, художник насамперед користується правилами гри з кольором та світлом: співвідношення колірних відтінків та ігри відблисків та тіней. Завдяки цьому секрету картини виходять справді живими.

Щоб досягти такого ефекту, потрібно вміло користуватися барвистими матеріалами. Тому живопис, види якого залежать від техніки малювання та типів фарби, може використовувати акварель, масло, темпер, пастель, гуаш, віск, акрил та інше. Все залежить від бажання митця.

В образотворчому мистецтві існують такі основні види живопису:

1. Монументальний живопис. Від самої назви такого типу мистецтва віє тим, що жити буде багато століть. Цей вид має на увазі під собою симбіоз архітектури та образотворчого мистецтва. Монументальний живопис найчастіше можна побачити у релігійних храмах: це розписані стіни, склепіння, арки та стелі. Коли малюнок і саму будівлю стають одним цілим, такі твори мають глибокий зміст і несуть у собі глобальну культурну цінність. Фрески більше й частіше підпадають під цей вид живопису. Вони, як правило, виконуються не тільки за допомогою фарб, але і керамічної плитки, скла, кольорового каміння, черепашника і т.д.

2. Станковий живопис. Види подібного образотворчого мистецтва дуже поширені та доступні будь-якому художнику. Щоб живопис вважався станковим, творцю знадобиться полотно (мольберт) та рамка під нього. Таким чином, картина носитиме незалежний характер, і немає різниці, де і в якій архітектурній будові вона знаходиться.

3. Види і форми вираження творчості безмежні, і доказом може бути цей тип мистецтва. існує не одну тисячу років: це прикраси для дому, розпис посуду, створення сувенірів, розпис тканин, меблів та ін. Суть творчості полягає в тому, щоб предмет та малюнок на ньому стали одним цілим. Поганий смак вважається, коли художник на предметі зображує зовсім невідповідний малюнок.

4. має на увазі під собою образотворче оформлення для театральних вистав, а також кіно. Цей вид мистецтва дозволяє глядачеві точніше зрозуміти та прийняти образ п'єси, спектаклю чи фільму.

Жанри живопису

Теоретично мистецтва важливим вважається виділення жанрів живопису, кожному у тому числі притаманні свої особливості:

Портрет.

Натюрморт.

Іконопис.

Анімалізм.

Історія.

Це основні, які існують протягом довгих часів в історії мистецтва. Але прогрес не стоїть на місці. З кожним роком список жанрів зростає та збільшується. Так, з'явилися абстракція та фентезі, мінімалізм та ін.

- Це один з основних видів образотворчого мистецтва; є художнім зображенням предметного світу кольоровими фарбами на поверхні. Живопис поділяють на: станковий, монументальний та декоративний.

- В основному представлена ​​роботами, виконаними олійними фарбами на полотні (картоні, дерев'яних дошках або оголити). Являє собою наймасовіший вид живопису. Саме цей вид зазвичай і застосовують до терміна " живопис".

- Це техніка малювання на стінах при оформленні будівель та архітектурних елементів у будинках. Особливо поширена у Європі фреска - монументальний живопис із сирої штукатурки водорозчинними фарбами. Ця техніка малювання добре відома ще з часів античності. Пізніше така техніка використана при оформленні багатьох християнських релігійних храмів та їх склепінь.

Декоративний живопис — (від латинського слова від decoro – прикрашати) це спосіб малювання та нанесення зображень на предмети та деталі інтер'єру, стіни, меблі та інші декоративні предмети. Належить до декоративно-ужиткового мистецтва.

Можливості живописного мистецтва особливо яскраво розкриває станковий живопис із 15 століття, з моменту масового використання олійних фарб. Саме в ній є особливе різноманіття змісту і глибокої розробленості форми. В основі мальовничих художніх засобів лежать кольори (можливості фарб), у нерозривній єдності зі світлотінню, і лінія; колір та світлотінь розроблені та розвинені техніками живопису з повнотою та яскравістю, недоступною іншим видам мистецтва. Цим обумовлено властиву реалістичному живопису досконалість об'ємного та просторового моделювання, живу та точну передачу дійсності, можливості реалізації задуманих художником сюжетів (і способів побудови композицій) та інші образотворчі достоїнства.

Ще однією відмінністю різницях видів живопису є техніки виконання за різновидами фарб. Не завжди достатньо загальних ознак визначення. Кордон між живописом і графікою в кожному окремому випадку: наприклад, твори, виконані аквареллю або пастеллю, можуть відноситися і до тієї і іншої області, залежно від підходу художника і поставлених ним завдань. Хоча малюнки на папері і відносяться до графіки, застосування різних технік малювання фарбами іноді стирає різницю між живописом і графікою.

Необхідно враховувати, що сам семантичний термін "живопис" є словом російської. Воно взято для використання як термін у період формування у Росії образотворчого мистецтва в епоху бароко. Використання слова " живопис " тоді застосовувалося лише до певного виду реалістичного зображення фарбами. Але спочатку воно походить від церковної техніки малювання ікон, в якій використано слово "писати" (що стосується писемності) тому, що це слово є перекладом значення в грецьких текстах (ось такі "труднощі перекладу"). Розвиток в Росії власної художньої школи та успадкування європейських академічних знань у галузі мистецтва, розвинув сферу застосування російського слова "живопис", вписавши його в освітню термінологію та літературну мову. Але в російській мові так і утворилася особливість значення дієслова "писати" щодо писемності та малювання картин.

Жанри живопису

У ході розвитку образотворчого мистецтва сформувалися кілька класичних жанрів картин, які набули своїх особливостей і правил.

Портрет— це реалістичне зображення людини, в якому художник намагається досягти подібності до оригіналу. Один із найпопулярніших жанрів живопису. Більшість замовників використовували талант художників, щоб увічнити власне зображення чи бажаючи отримати зображення близької людини, родича тощо. Замовники прагнули отримати портретну подібність (або навіть прикрасити її), залишивши в історії зорове втілення. Портрети різних стилів є наймасовішою частиною експозиції більшості художніх музеїв та приватних колекцій. Цей жанр включає і такий різновид портрета, як автопортрет - Зображення самого художника, написане ним самим.

Краєвид— один із популярних живописних жанрів, у якому художник прагне відобразити природу, її красу чи особливість. Різні види природи (настрій пори року та погоди) надають яскравий емоційний вплив на будь-якого глядача – це психологічна особливість людини. Прагнення отримати емоційне враження від пейзажів зробило цей жанр одним із найпопулярніших у художній творчості.

— цей жанр багато в чому нагадує пейзаж, але має ключову особливість: на картинах зображуються пейзажі з участю архітектурних об'єктів, будівель чи міст. Особливий напрямок - вуличні види міст, що передають атмосферу місця. Ще одним напрямом цього жанру є зображення краси архітектури конкретної будівлі - її зовнішнього вигляду чи зображення його інтер'єрів.

- Жанр, в якому основним сюжетом картин є історична подія або його інтерпретація художником. Що цікаво – до цього жанру відноситься величезна кількість картин на біблійну тему. Так як у середньовіччі біблійні сюжети вважалися "історичними" подіями та основними замовниками цих картин була церква. "Історичні" біблійні сюжети є у творчості більшості художників. Друге народження історичного живопису відбувається за часів неокласицизму, коли художники звертаються до відомих історичних сюжетів, подій з часів античності чи національних легенд.

- Відбиває сцени воєн і битв. Особливістю є не лише бажання відобразити історичну подію, а й донести глядачеві емоційне піднесення подвигу та героїзму. Надалі цей жанр стає ще й політичним, дозволяючи художнику доносити глядачеві свій погляд (своє ставлення) на те, що відбувається. Подібний ефект політичного акценту та силу таланту митця ми можемо бачити у творчості В. Верещагіна.

- Це жанр живопису з композиціями з неживих предметів, з використанням квітів, продуктів, посуду. Цей жанр один із найпізніших і сформувався в голландській школі живопису. Можливо, його поява спричинена особливістю голландської школи. Економічний розквіт 17 століття Голландії призвів до прагнення доступної розкоші (картинам) у значної кількості населення. Ця ситуація залучила до Голландії багато художників, викликавши гостру конкуренцію серед них. Бідолашним художникам були недоступні моделі та майстерні (люди у відповідному одязі). Малюючи картини продаж, вони використовували підручні кошти (предмети) для композицій картин. Ця ситуація в історії голландської школи є причиною розвитку жанрового живопису.

Жанровий живопис — сюжетом картин є побутові сцени повсякденного життя чи свят, зазвичай за участю пересічних людей. Так само як і натюрморт, набуває поширення у художників Голландії в 17 столітті. У період романтизму і неокласицизму цей жанр знаходить нове народження, картини прагнуть не так відобразити повсякденний побут, скільки романтизувати його, внести в сюжет певний сенс чи мораль.

Марина— вид пейзажу, в якому зображуються морські краєвиди, прибережні краєвиди з видом на море, сходи й заходи сонця на море, кораблі або навіть морські битви. Хоча існує і окремий батальний жанр, але морські битви все одно належать до жанру "марина". Розвиток та популяризація цього жанру також можна віднести до голландської школи 17 століття. Користувався популярністю в Росії завдяки творчості Айвазовського.

- Особливістю цього жанру є створення реалістичних картин, що зображають красу тварин та птахів. Однією з цікавих особливостей цього жанру є картини, що зображають неіснуючих або міфічних тварин. Художники, які спеціалізуються на зображеннях тварин анімалістами.

Історія живопису

Потреба у реалістичному зображенні існувала з найдавніших часів, але мала низку недоліків через відсутність технологій, систематизованої школи та освіти. У давнину частіше можна зустріти приклади прикладного та монументального живопису з технікою малювання по штукатурці. За часів античності, більшого значення надавалося таланту виконавця, художники були обмежені у технології виготовлення фарб та можливості здобути систематизовану освіту. Але вже в античності сформувалися спеціалізовані знання та праці (Вітрувій), які будуть основою нового розквіту європейського мистецтва в епоху Відродження. Декоративний живопис отримував суттєвий розвиток за часів грецької та римської античності (школа втрачена в середні віки), рівень якої був досягнутий лише після 15 століття.

Розпис римської фрески (Помпеї I століття до н.е.), приклад рівня техніки античного живопису:

" Темні віки " середньовіччя, войовниче християнство та інквізиція призводять до заборон вивчення художньої спадщини античності. Величезний досвід античних майстрів, знання в галузі пропорцій, композиції, архітектури та скульптури виявляються під забороною, а багато мистецьких цінностей знищуються через їхнє посвячення античним божествам. Повернення до цінностей мистецтва та науки у Європі відбувається лише у період Ренесансу (відродження).

Художникам раннього Ренесансу (відродження) доводиться надолужувати та відроджувати досягнення та рівень античних художників. Те, чим ми захоплюємося на роботах художників раннього Відродження, було рівнем майстрів Риму. Наочний приклад втрати кількох століть розвитку європейського мистецтва (і цивілізації) у період "темних століть" середньовіччя, войовничого християнства та інквізиції - різниця між цими картинами 14 століть!

Виникнення та поширення технології виготовлення олійних фарб та техніки малювання ними в 15 столітті породжує розвиток станкового живопису та особливий вид продукції художників – кольорові картини олійними фарбами на ґрунтованому полотні чи дереві.

Величезний стрибок у якісному розвитку живопис отримує в епоху Ренесансу, багато в чому завдяки праці Леона Баттіста Альберті (1404-1472). Він уперше виклав основи перспективи у живописі (трактат "Про живопис" 1436 р.). Йому (його працям із систематизації наукових знань) європейська художня школа зобов'язана появі (відродженню) реалістичної перспективи та природності пропорцій у картинах художників. Знаменитий та знайомий багатьом малюнок Леонардо да Вінчі "Вітрувіанська людина "(пропорції людини) 1493, присвячений систематизації античних знань Вітрувія про пропорції і композиції, був створений Леонардо на півстоліття пізніше трактату Альберті "Про живопис". І праця Леонардо є продовженням розвитку європейської (італійської) художньої школи Епохи Ренесансу.

Але яскравий і масовий розвиток живопис отримав, починаючи з 16-17 століть, коли стала поширеною техніка олійного живопису, з'явилися різні технології виготовлення фарб та сформувалися школи живопису. Саме система знань та художньої освіти (техніка малювання), у поєднанні з попитом на витвори мистецтва у аристократії та монархів призводить до бурхливого розквіту образотворчого мистецтва в Європі (період бароко).

Необмежені фінансові можливості європейських монархій, аристократії та підприємців стали чудовим підґрунтям для подальшого розвитку живопису в 17-19 століттях. А ослаблення впливу церкви та світський спосіб життя (помножені на розвиток протестантизму) дозволили народитися безлічі сюжетів, стилів та напрямів у живописі (бароко та рококо).

У ході розвитку образотворчого мистецтва художниками сформовано безліч стилів та технік, які призводять до найвищого рівня реалізму у творах. До кінця 19 століття (з настанням модерністських течій) у живопису починаються цікаві трансформації. Доступність художньої освіти, масова конкуренція та високі вимоги до майстерності художників у публіки (і покупців) породжують нові напрями у способах вираження. Образотворче мистецтво вже не обмежене лише рівнем техніки виконання, художники прагнуть внести до творів особливі значення, способи "погляду" та філософію. Що часто шкодить рівню виконання, стає спекуляцією або способом епатажу. Різноманітність стилів, жваві обговорення і навіть скандали породжують розвиток інтересу до нових форм живопису.

Сучасні комп'ютерні (цифрові) технології малювання відносяться до графіки і не можуть називатися живописом, хоча багато комп'ютерних програм і обладнання дозволяють повністю повторювати будь-які техніки малювання фарбами.

Абріс - лінійні контури зображуваної фігури, її контур.

Абстрактне мистецтво - один з формалістичних напрямів в образотворчому мистецтві, що виникло наприкінці XIX – на початку XX ст. Абстракціоністи відмовилися від зображення предметів та явищ об'єктивного світу (звідси інша назва абстракціонізму – безпредметне мистецтво). Їх творчість - це спроба висловити свої почуття і думки за допомогою поєднань кольорів плям або ліній самих по собі, без зображення реальних предметів і об'єктів. Абстракціоністи відмовилися від малюнка, перспективи, колориту та інших засобів образотворчої мови мистецтва живопису. Цим вони порушили професійні основи живопису, знищили справжні художні можливості. Абстракціонізм спотворює естетичні уподобання людей, відводить їх від розуміння краси природи та життя.

Адаптація - властивість ока пристосовуватись до певних умов освітлення. Розрізняють адаптації до світла, темряви, а також кольору. Особливість останньої полягає в пристосовуванні ока не помічати на предметах колір освітлення.

В умовах сутінків і взагалі при слабкому освітленні в оці найбільш чутливі до світла нервові закінчення (фоторецептори), які називаються паличками. З їхньою допомогою очей сприймає чорно-білі градації. При сильному освітленні вдень більш чутливі інші фоторецептори - колбочки, за допомогою яких сприймається колір. При адаптації до світла чутливість зору знижується, а при адаптації до темряви збільшується. Коли око адаптується до темряви, ми починаємо добре розрізняти деталі краєвиду. Зважаючи на підвищення чутливості ока до темряви в похмурий день і в сутінки, початківець художник втрачає з уваги уявлення про рівень загальної освітленості, яка в цих умовах значно слабша, ніж у сонячний або світлий сірий день. У сутінки світлі предмети йому не здаються зниженими по світлоті настільки, наскільки освітленість стала нижчою за попередню денну освітленість. Погано помічає він також зближені тонові відносини, характерні для сутінків і сірого дня. Крім цього, незважаючи на потемніння, художник-початківець розрізняє в натурі (або тіні) дуже тонкі градації світлотіні на предметах і допускає зайву строкатість і дробовість. Таким чином він спочатку не в змозі точно оцінити та передати ті дійсні зміни світла та кольору, які відбуваються в природі.

Адаптація ґрунтується на різних змінах, що відбуваються в нашому оці, при зміні сили освітленості. Так, наприклад, вдень зіниця зменшується на 1-2 мм, через що в око проходить мало світла. У темряві він розширюється на 8-10 мм, пропускаючи багато світла. Знаючи, що площа зіниці пропорційна квадрату діаметра, можна встановити, що якщо зіниця збільшується вдвічі, то кількість світла, що пропускається, зростає в чотири рази; якщо зіниця збільшується вчетверо, кількість світлового світла зростає в 16 разів. У цьому частково полягає причина того, що ми розрізняємо в сутінки основні світлі відносини. Зірочний рефлекс на світло і темряву, таким чином, компенсує певною мірою зниження освітленості.

Академізм - оцінний термін, що відноситься до тих напрямів у мистецтві, представники яких цілком орієнтуються на встановлені художні авторитети, вважають прогрес сучасного мистецтва над живого зв'язку з життям, а найбільшому наближенні його до ідеалів і форм мистецтва минулих епох, і відстоюють абсолютні, не залежать від місця та часу, норми прекрасного. Історично академізм пов'язаний з діяльністю академій, які виховували молодих художників у дусі нерозсудливого слідування зразкам мистецтва античності та італійського Відродження. Зародившись уперше в Болонській академії XVI століття, ця тенденція набула широкого розвитку в академіях наступного часу; вона була властива і Російській Академії мистецтв у ХІХ ст., що викликало боротьбу з академією передових художників-реалістів. Канонізуючи класицистичні методи та сюжети, академізм відгороджував мистецтво від сучасності, оголошуючи її «низькою», «низовиною», недостойною «високого» мистецтва.

Поняття академізму не можна ототожнювати з усією діяльністю мистецьких академій минулого. У системі академічної освіти було багато переваг. Зокрема, заснована на тривалій традиції, висока культура малюнка, яка була однією із найсильніших сторін академічної освіти.

Акварельні фарби - водно-клейові з тонко розтертих пігментів, змішаних з камеддю, декстрином, гліцерином, іноді з медом або цукровим сиропом; випускаються сухі - у вигляді плиток, напівсирі - у порцелянових чашках або напіврідкі - у тюбиках.

Аквареллю можна писати по сухому або сирому папері відразу, на повну силу кольору і можна працювати лісуванням, поступово уточнюючи колірні відносини натури. Необхідно знати, що акварель не виносить виправлень, замученості, численних повторних прописок змішаними фарбами.

Нерідко художники використовують техніку акварелі разом із іншими матеріалами: гуашшю, темперою, вугіллям. Однак у цьому випадку губляться головні якості акварельного живопису - насиченість, прозорість, чистота і свіжість, тобто те, що відрізняє акварель від будь-якої іншої техніки.

Акцент - прийом підкреслення лінією, тоном чи кольором будь-якого виразного предмета, деталі зображення, куди необхідно звернути увагу глядача.

Алла прима - технічний прийом в акварельному або олійному живописі, що полягає в тому, що етюд або картина пишуться без попередніх прописок і підмальовка, іноді за один прийом, в один сеанс.

Анімаліст - художник, який в основному присвятив свою творчість зображенню тварин.

Ахроматичні кольори - білий, сірий, чорний; розрізняються тільки за світлом і позбавлені колірного тону. На противагу їм існують хроматичні кольори, що мають колірний відтінок різної світлоти і насиченості.

Блік - Елемент світлотіні, найбільш світле місце на освітленій (головним чином блискучій) поверхні предмета. Зі зміною точки зору відблиск змінює своє місце розташування на формі предмета.

Валер - термін художньої практики, що визначає якісну сторону окремого, переважно світлотіньового тону, у його взаємозв'язку з оточуючими тонами. У реалістичному живописі матеріальні властивості предметного світу передаються, переважно, через об'єктивно закономірні тонові відносини. Але щоб живо, цілісно відтворити матеріальність, пластику, кольоровість предмета при певному стані освітленості і в певній обстановці, художник повинен домогтися дуже великої точності і виразності у співвідношеннях тонів; багатство, тонкість співвідношень переходів, що ведуть до виразності живопису, і є основною ознакою валера. У найбільших майстрів XVII-XIX ст. - таких, як Веласкес, Рембрандт, Шарден, Рєпін - живопис завжди багата валерами.

Бачення мальовниче - бачення та розуміння колірних відносин натури з урахуванням впливу середовища та загального стану освітленості, який характерний для натури в момент її зображення. В результаті такого бачення в етюді з'являються правдивість світлових і колірних відносин, багатство тепло-холодних відтінків, їхня кольорова єдність і гармонія, що передають натуру з усією трепетністю життя. І тут говорять про живописності етюду чи картини.

Бачення художнє - Вміння дати необхідну естетичну оцінку якостей, закладених у натурі. Перед зображенням натури художник у основних рисах вже бачить її образне живописне рішення з урахуванням певного матеріалу.

Вітраж - живопис на склі прозорими фарбами або орнамент, складений зі шматочків різнокольорового скла, скріпленого металевою палітуркою, служить для заповнення віконних та дверних отворів. Промені світла, що проникають крізь скла, набувають підвищеної яскравості і утворюють гру кольорових рефлексів в інтер'єрі.

Повітряна перспектива - Зміни деяких ознак предметів, що здаються, під впливом повітряного середовища і простору. Усі ближні предмети сприймаються чітко, з багатьма деталями та фактурою, а віддалені – узагальнено, без подробиць. Контури ближніх предметів виглядають різко, а віддалених – м'яко. На великій відстані світлі предмети здаються темнішими, а темні - світлішими. Всі близькі предмети мають контрастну світлотінь і здаються об'ємними, всі далекі - слабо вираженою світлотінню і здаються плоскими. Кольори всіх віддалених предметів через повітряний серпанок стають менш насиченими і набувають кольору цього серпанку - блакитний, молочно-блідий або фіолетовий. Усі ближні предмети здаються багатобарвними, а віддалені однобарвними. Художник враховує всі ці зміни для передачі простору та стану освітленості – важливих якостей пленерного живопису.

Сприйняття зорове - процес відображення предметів та явищ дійсності у всьому різноманітті їх властивостей, які безпосередньо впливають на органи зору. Поряд із зоровими відчуттями у сприйнятті бере участь і минулий досвід знань та уявлень про той чи інший предмет. Осмислити, зрозуміти сутність сприйманого можна лише за умови зіставлення спостережуваних предметів і явищ із раніше баченими (аконстантне і константне зорове сприйняття). До цього слід додати, що візуальне сприйняття супроводжується асоціативними почуттями, відчуттям краси, які пов'язані з особистим досвідом чуттєвих переживань від впливу навколишнього.

Гамма кольорова - Кольори, що переважають у даному творі та визначають характер його колірного ладу. Кажуть: гамма холодних, теплих, блідих відтінків кольору тощо.

Гармонія - Зв'язок, пропорційність, узгодженість. У образотворчому мистецтві – поєднання форм, взаємозв'язок частин чи кольорів. У живопису - це відповідність деталей цілому не лише за розмірами, а й за кольором (колірна єдність, гамма споріднених відтінків). Джерелом гармонії є закономірності змін кольорових об'єктів природи під впливом сили і спектрального складу освітлення. Гармонія колірного ладу етюду чи картини залежить також від особливостей фізіології та психології зорового сприйняття світлових та колірних якостей об'єктивного світу (контрастна взаємодія квітів, явище ореолу та ін.).

Гравюра- друковане відтворення малюнка, вирізаного або витруєного на дерев'яній дошці (ксилографія), лінолеумі (ліногравюра), металевій пластинці (офорт), камені (літографія) тощо. надрукувати велику кількість різнокольорових відбитків (естампів). За характером обробки друкарської форми (дошки або платівки) та способу друку розрізняють опуклу та поглиблену гравюру.

Графіка - один із видів образотворчого мистецтва, близький живопису з боку змісту та форми, але має свої завдання та художні можливості. На відміну від живопису основним образотворчим засобом графіки є однотонний малюнок (тобто лінія, світлотінь); роль кольору залишається у ній порівняно обмеженою. З боку технічних засобів графіка включає малюнок у власному значенні слова у всіх його різновидах. Як правило, твори графіки виконують на папері, зрідка застосовуються інші матеріали.

Залежно від призначення та змісту, графіка поділяється на станкову, до якої належать твори самостійного значення (не вимагають для розкриття свого змісту неодмінного зв'язку з літературним текстом та не обмежені звуженим, суворо визначеним практичним призначенням), книжкову, що утворює ідейно-художню єдність із літературною або супровідним текстом і одночасно призначену для декоративно-мистецького оформлення книги, плакатну, що є наймасовішим видом образотворчого мистецтва, покликаний здійснювати художніми засобами завдання політичні, агітаційні, художньо-виробничі або прикладні (етикетки, грамоти, поштові марки тощо).

Гризайль - зображення чорно-білою фарбою (або одноколірною, наприклад, коричневою); застосовується часто для допоміжних робіт при виконанні підмальовки або ескізу, а також у навчальних цілях при оволодінні прийомами тонального зображення, яке виконується акварельними або олійними фарбами. Зображення створюється з урахуванням лише тональних (світлот-них) відносин предметів натурної постановки.

Грунт - тонкий шар спеціального складу (клейовий, масляний, емульсійний), що наноситься поверх полотна або картону з метою надання їх поверхні потрібних колірних та фактурних властивостей та обмеження надмірного вбирання сполучної речовини (олії). Якщо працювати олійними фарбами на необгрунтованій основі (наприклад, полотні), фарби не лягають, жухнуть, масло з фарби вбирається в тканину, руйнує полотно і барвистий шар. За складом сполучної речовини розрізняють ґрунти: масляні, клейові, емульсійні, синтетичні. За кольором – тоновані та кольорові. Грунт, як правило, складається з 3 елементів: тонкого шару клею, що покриває плівкою всю поверхню полотна (тобто проклейки), і декількох шарів фарби для грунтовки, у тому числі тонкого завершального шару. Проклейка - тонкий шар клею (столярного, казеїнового або желатинового) - оберігає полотно від проникнення фарби грунтовки або масла в тканину або на зворотний бік полотна, міцно пов'язує наступні шари грунту з полотном. Грунтувальна фарба вирівнює поверхню полотна, створює необхідний (частіше білий) колір та забезпечує міцне з'єднання барвистого шару з ґрунтом.

Грунтівка - у технології живопису: процес нанесення ґрунту на поверхню, призначену для мальовничої роботи.

Гуаш - водна фарба, що володіє великими можливостями, що криють. Фарби після висихання швидко світлішають, і потрібний чималий досвід, щоб передбачити ступінь зміни їх тону та кольору. Гуашевими фарбами пишуть на папері, картоні, фанері. Роботи мають матову бархатисту поверхню.

Деталізація - ретельне опрацювання деталей форми предметів на зображенні. Залежно від завдання, яке ставить художник, ступінь деталізації може бути різною.

Додаткові кольори - два кольори, що дають білий при оптичному змішуванні (червоний та блакитно-зелений, помаранчевий та блакитний, жовтий та синій, фіолетовий та зеленувато-жовтий, зелений та пурпуровий). При механічному змішуванні цих пар додаткових кольорів виходять відтінки зі зниженою насиченістю. Додаткові кольори часто називають контрастними.

Жанр - Внутрішній підрозділ, що історично склався, у всіх видах мистецтва; тип художнього твору в єдності специфічних властивостей його форми та змісту. Поняття «жанр» узагальнює риси, властиві великій групі творів будь-якої епохи, нації чи світового мистецтва взагалі. У кожному виді мистецтва система жанрів складається по-своєму. У образотворчому мистецтві - з урахуванням предмета зображення (портрет, натюрморт, пейзаж, історична і батальна картина), котрий іноді характеру зображення (карикатура, шарж).

Живопис - одне із головних видів образотворчого мистецтва. Правдива передача зовнішнього вигляду предмета, його зовнішніх ознак можлива і графічними засобами – лінією та тоном. Але передати все надзвичайно різноманітне багатоцвіття навколишнього світу, може тільки живопис.

За технікою виконання живопис підрозділяється на масляну, темперну, фрескову, воскову, мозаїчну, вітражну, акварельну, гуашеву, пастельну. Ці назви вийшли від сполучної речовини або від застосовуваних матеріально-технічних засобів. Призначення та зміст мальовничого твору вимагають вибору таких образотворчих засобів, за допомогою яких можна найповніше висловити ідейно-мистецький задум художника.

За жанрами живопис поділяється на станкову, монументальну, декоративну, театрально-декоративну, мініатюрну.

Живопис декоративний не має самостійного значення і служить окрасою екстер'єру та інтер'єру будівель у вигляді барвистих панно, які реалістичним зображенням створюють ілюзію «прориву» стіни, збільшення розмірів приміщення, або, навмисне, сплощеними формами зорово ніби звужують, замикають простір. Візерунки, вінки, гірлянди та інші види декору, що прикрашають твори монументального живопису та скульптури, пов'язують докупи всі елементи інтер'єру, підкреслюючи красу, узгодженість їх з архітектурою. Декоративним живописом прикрашають і речі: скриньки, шкатулки, таці, скрині та ін. Її теми та форми підпорядковані призначенню речей.

Живопис мініатюрний набула великого розвитку в середні віки, до винаходу друкарства. Рукописні книги прикрашалися найтоншими заставками, кінцівками, детально опрацьованими ілюстраціями, мініатюрами. Мальовничою технікою мініатюр російські художники першої половини ХІХ століття вміло користувалися під час створення невеликих (переважно акварельних) портретів. Чисті глибокі кольори акварелі, їх вишукані поєднання, ювелірна тонкість листа вирізняють ці портрети.

Живопис монументальний - особливий вид мальовничих творів великого масштабу, що прикрашають стіни та стелі архітектурних споруд (фреска, мозаїка, панно). Вона розкриває зміст великих соціальних явищ, які справили позитивний вплив на розвиток суспільства, прославляє їх і увічнює. Височина змісту монументального живопису, значні розміри його творів, зв'язок з архітектурою вимагають великих колірних мас, суворої простоти та лаконізму композиції, ясності силуетів та узагальненості пластичної форми.

Живопис станковий - назва походить від верстата (мольберта), у якому створюється картина. Як матеріальну основу використовують дерево, картон, папір, але найчастіше полотно, натягнуте на підрамник. Картина вставляється у раму та сприймається як самостійний художній твір, незалежний від оточення. У зв'язку з цим до створення творів станкового живопису використовуються дещо інші художні засоби, даються тонші і грунтовні колірні і тональні відносини і складніша і докладно розроблена психологічна характеристика персонажів.

Живопис театрально-декораційний - декорації, костюми, грим, бутафорія, виконані за ескізами художника; допомагають глибше розкрити зміст вистави. Особливі театральні умови сприйняття живопису вимагають урахування безлічі точок зору публіки, їхньої більшої віддаленості, впливу штучного освітлення та колірних підсвічувань. Декорація дає уявлення про місце та час дії, активізує у глядача сприйняття того, що відбувається на сцені. В ескізах костюмів та гриму театральний художник прагне гостро висловити індивідуальний характер персонажів, їхнє соціальне становище, стиль епохи та багато іншого.

Живопис академічний - живопис, виконана з будь-якою навчальною метою.

Живопис по сирому - технічний прийом олійного та акварельного живопису. При роботі маслом необхідно закінчити роботу до підсихання фарб і виключити такі етапи, як підмальовки, лісування та повторні прописки. Живопис по сирому має відомі переваги - свіжість барвистого шару, гарну безпеку, порівняльну простоту техніки виконання.

В акварелі перед початком роботи з сирого паперу рівномірно змочують водою. Коли вода вбереться в папір і трохи просохне (через 2-3 хв), починають писати; мазки фарби, лягаючи на вологу поверхню, розпливаються, зливаються один з одним, створюють плавні переходи. Так, можна досягти м'якості у передачі обрисів предметів легкості та просторовості зображення.

Жахлість - небажані зміни у висихаючому барвистому шарі, через які живопис позбавляється свіжості, втрачає блиск, звучність фарб, темніє, стає чорнуватим. Причина жухлості - надмірне зменшення в фарбі сполучної олії, що вбирається грунтом або барвистим шаром нижче, а також нанесення фарб на не цілком просохлий попередній шар масляних фарб.

Закінченість .- така стадія в роботі над етюдом або картиною, коли досягнуто найбільшої повноти втілення творчого задуму, або коли виконано певне образотворче завдання.

"Заміси" опорних фарб - попереднє заготування на палітрі суміші фарб, які відповідають основним тоновим та колірним відносинам об'єктів натури (пейзажу). У процесі роботи до цих основних сумішей вносяться різні варіації відтінків, вливаються нові фарби. Однак заготовлені на палітрі фарби основних об'єктів не дозволяють впасти у надмірне розцвічування, не дають втратити характеру основних колірних відносин. В акварелі ці опорні «заміси» виготовляються в окремих чашках.

Замальовка - малюнок з натури, виконаний переважно поза майстернею з метою збирання матеріалу для більш значної роботи, заради вправи, іноді ж - з якоюсь спеціальною метою (наприклад, за завданням газети, журналу). На відміну від подібного за технічними засобами нарис, виконання замальовки може бути дуже деталізованим.

Ідеалізація у мистецтві - відступ від життєвої правди внаслідок навмисного чи мимовільного прикрашання художником предмета зображення. Ідеалізація зазвичай проявляється у перебільшенні та абсолютизації позитивного початку як якогось граничного, нібито вже досягнутого досконалості; у згладжуванні життєвих протиріч та конфліктів; у втіленні абстрактного, наджиттєвого ідеалу і т. д. Ідеалізація завжди означає розрив з принципами реалізму і так чи інакше виявляється пов'язаною з ідеологією реакційних класів, схильних уникнути правдивої картини життя і які підміняють вивчення дійсності суб'єктивно прикрашеними уявленнями про неї.

Від ідеалізації слід відрізняти свій відбиток у реалістичному мистецтві певного суспільно-прогресивного життєвого ідеалу, яке, будучи важливою стороною ідейного змісту будь-якого реалістичного художнього образу, може іноді бути визначальним початком у художньому рішенні образу.

Ідея картини - основна думка твору, що визначає його зміст та образний лад, що виражається у відповідній формі.

Ілюзорність - подібність зображення до натури; межує з обманом зору. Внаслідок ілюзорності може бути втрачена художня виразність твору та глибина його змісту, якщо у картині прагнення до зовнішньої подібності заступає головне – її задум.

Імпресіонізм - напрям у мистецтві останньої третини 19 - початку 20 ст., представники якого прагнули найбільш природно і неупереджено відобразити реальний світ у його рухливості та мінливості, передати свої швидкоплинні враження. Імпресіонізм зародився у 1860-х роках. у французькому живописі. Е. Мане, О. Ренуар, Е. Дега внесли в мистецтво свіжість і безпосередність сприйняття життя, зображення миттєвих, як би випадкових рухів і ситуацій, неврівноваженість, фрагментарність композиції, несподівані точки зору, ракурси, зрізи фігур. У 1870-80 р.р. сформувався імпресіонізм у французькому пейзажі. К. Моне, К. Пісарро, А. Сіслей виробили послідовну систему пленеру. Крім живописців інтерес до миттєвого руху, текучої форми сприйняли скульптори (О. Роден, М. Рос-со, П. П. Трубецькой).

Імпресіонізм розвивав реалістичні принципи мистецтва, але у творчості його послідовників часто давався взнаки відхід від вивчення основних явищ соціальної дійсності, постійних стійких якостей матеріального світу. Така спрямованість творчості призвела до пізніх імпресіоністів до формалізму.

Інтер'єр - Внутрішній вигляд приміщення. Зображення інтер'єру потребує ґрунтовного знання перспективи. Важливо знайти місце, звідки можна цікавіше закомпонувати зображення. Закінчене зображення інтер'єру, крім цікавої композиції, правильної перспективної побудови, розміщення предметів у просторі, має давати уявлення про висвітлення.

Картина - Твір станкового живопису, що правдиво втілює задум художника, що відрізняється значністю змісту, правдивістю та завершеністю художньої форми. Картина є підсумком тривалих спостережень та роздумів художника над життям. Їй передують нариси, замальовки, етюди, ескізи, в яких художник фіксує окремі явища життя, збирає матеріал для майбутньої картини, шукає основу її композиції та колориту. Створюючи картину, художник спирається на натуру, виходить із неї як у загальному задумі, і у окремих деталях. У цьому вся велику роль грає спостережливість, уяву, задум. Картина по-своєму несе у собі певну ідейно-образну концепцію, а форми вираження є зорово достовірними. Кожна деталь частина співвіднесена з цілим, кожен елемент виражає образ. Для занепадних формалістичних напрямів характерна криза сюжетно-тематичної картини, відмова від значної ідейної проблематики та психологізму. З картин як виганяється сюжет, а й відбувається розрив із предметним зображенням взагалі. За формою зображення картина стає безпредметною, абстрактною.

Клейові фарби - сухі фарби, що випускаються в порошках і змішуються самим художником із клейовою водою. Добре розтерті вони іноді застосовуються художниками при оформленні репродукційних оригіналів як замінники гуашевих фарб. Найчастіше вони виконують театральні декорації.

Клячка - різновид м'якої гумки, що застосовується в тих випадках, коли потрібно освітлити тон тушевки в малюнках олівця. Клячка м'яка і легко розминається пальцями; нею не стирають олівець, а її злегка притискають до тих частин малюнка, які освітлюють: графіт пристає до клячки і утримується нею, після того, як вона буде відібрана від паперу. Якщо ділянки, що освітлюються, дуже малі, клячці надають вигляду гострого конуса.

Клячку можна виготовити в такий спосіб. Звичайну гумку поміщають на два-три дні бензин (можна в гас), потім її витримують ще два дні. Після цього розм'якшену гуму місять з картопляним борошном (крохмалем), борошно слід брати щіпками та її кількістю регулювати в'язкість клячки.

Колорит (етюди чи картини) - характер взаємозв'язку всіх колірних елементів зображення, його колірний лад. Головне його гідність - багатство і узгодженість кольорів, що відповідають самій натурі, що передають у єдності зі світлотінню предметні властивості та стан освітленості моменту, що зображається. Колорит етюду визначається: 1) витриманістю пропорційних натурі колірних відносин з урахуванням загального тонового та колірного стану освітленості; 2) багатством та різноманітністю рефлексів світло-повітряного та предметного середовища; 3) контрастною взаємодією теплих та холодних відтінків; кольору натури, робить їх супідрядними та спорідненими.

Правдиве відображення стану реальних умов освітленості впливає на почуття глядача, створює настрій, викликає відповідні естетичні переживання.

Щітки . Щітки бувають колонкові, біличі, щетинні. Щетинні пензлі призначені для роботи олійними фарбами, але можуть бути використані в живописі темперними та гуашевими фарбами. Біличі та колонкові пензлі використовують у акварелі. За формою бувають плоскі та круглі. Величину пензля позначають номером. Номери плоских пензлів та флейців відповідають їх ширині в міліметрах, а номери круглих пензлів – діаметру (також вираженому у міліметрах).

Після роботи олійними фарбами кисті миють теплою водою з милом. Не можна мити кисті в ацетоні: від цього псується волосся. Акварельні пензлі після роботи миють у чистій воді. У жодному разі не можна давати кистям засихати, особливо після роботи олійними фарбами, ставити кисті в банку волоссям вниз, тому що відбувається деформація волосся. Вимиту кисть потрібно загорнути в папір, тоді вона збереже свою форму.

Композиція - Побудова етюду або картини, узгодження її частин. При натурному зображенні: підбір та постановка предметів, вибір найкращої точки зору, освітленості, визначення формату та розміру полотна, виявлення композиційного центру, підпорядкування йому другорядних частин твору. При створенні картини: вибір теми, розробка сюжету, знаходження формату та розміру твору, характеристика дійових осіб, їх відношення один до одного, пози, рухи та жести, виразність осіб, використання контрастів та ритмів - все це складові елементи композиційної побудови картини, які служать найкращому втілення задуму художника. У такій композиції враховується все: маси предметів та їх силуети, ритм, з яким вони розміщені на полотні, перспектива, уявна лінія горизонту та точка зору на зображуване, колорит картини, угруповання дійових осіб, напрям їх поглядів, напрям лінії перспективного скорочення предметів, розподіл світлотіні, пози і жести і т.д.

Константність зорового сприйняття - тенденція сприймати предмет, його розміри, форму, світлоту, колір стійкими і незмінними, незалежно від змін (видалення від глядача, зміна освітлення, вплив середовища та ін.); - Константність розміру - тенденція сприймати розмір об'єкта постійним, незважаючи на зміну відстані до нього. Як правило, рисувальники-початківці перспективних змін не помічають.

Константність форми - тенденція сприймати дійсну форму, навіть якщо об'єкт повернений так, що його зображення на сітківці ока відрізняється від дійсної форми. (Наприклад, квадратний аркуш паперу, що лежить на столі, здається квадратним, навіть якщо його проекція на сітківці очей не є квадратною.)

Константність яскравості - тенденція сприймати світлоту об'єкта постійною, незважаючи на зміни у освітленості; залежить головним чином постійного співвідношення інтенсивності світла, відбитого як від предмета, і від навколишнього середовища.

Константність кольору - тенденція сприймати предметний колір (його локальне забарвлення) незалежно від умов освітлення, що змінюються, його сили і спектрального складу (денне, вечірнє, штучне).

Через явища константності сприйняття і передача в живопису предметів і явищ саме такими, якими вони видаються оку в конкретних умовах освітлення, у певному середовищі та на певній відстані, становлять на початку навчання певну труднощі. Початківець художник хоч і знає, що колір змінюється в залежності від умов освітлення, бачить його без змін і не наважується, наприклад, зелені за кольором дерева в променях заходу сонця написати червонуватими або блакитне небо написати складним рожево-охристим, яким воно буває на заході сонця.

Недосвідченому живописцеві здається, що білий предмет у всіх своїх частинах білий, темний предмет – темний. А тим часом у натурній постановці звернена до світла поверхня темного предмета відображатиме більше світлових променів, ніж тіньова частина білого предмета, і тому тінь білого предмета буде темнішою, ніж світлова частина темного предмета.

Під час роботи над етюдом пейзажу недосвідчений художник не помічає, як настає сутінки, хоча освітлення значно знизилося.

Навколишні предмети можуть висвітлюватися світлом різного спектрального складу, через що змінюється спектральний склад відбитого від предметів світла. Однак око художника-початківця не помічає і цієї зміни кольоровості.

Константність сприйняття може зростати та посилюватися від багатьох причин. Чим сильніше хроматичне освітлення, і навіть що більше відстань, з якого спостерігається предмет, тим слабше прояв константності. Здатність поверхні предмета сильно відбивати світлові промені теж сприяє аконстантному сприйняттю: світлі за фарбуванням предмети більш помітно показують вплив кольору освітлення. Світлова та колірна адаптації посилюють константність сприйняття. Спостерігаючи зимовий пейзаж при похмурій погоді, можна побачити лише складні сіруваті відтінки. Якщо ж подивитися на цей же зимовий мотив із вікна освітленої електрикою кімнати, то краєвид за вікном сприйматиметься напружено-синюватим. Якщо вийти з приміщення просто неба, то через кілька хвилин синій тон пейзажу зникне. Аналогічно нульова константність у глядачів проявляється при кольоровому освітленні театральної сцени; після того, як згасає в залі тепле електричне освітлення, відкривається завіса і глядач захоплюється сценою зимового, місячного або інших станів освітленості.

В результаті практики художник набуває вміння помічати в натурі зумовлені середовищем та освітленням зміни кольору предмета, бачить і передає все багатство та різноманітність зовнішнього світу, безліч кольорових градацій. В результаті на полотні з'являються переконливість освітлення, колір виглядає ускладненим та збагаченим середовищем та освітленням. Багато художників та педагогів виконували спеціальні вправи, створюючи наочні моделі, щоб усвідомити колористичні особливості різних станів освітленості. Моне, наприклад, написав серію етюдів, зображуючи один і той же об'єкт (стіг сіна), і вивчив таким чином зміну кольору в різних умовах освітленості в природі. Для вироблення аконстантного сприйняття М. М. Кримов ставив білий куб, пофарбований з одного боку чорною фарбою, і висвітлював його з цього боку потужною лампою, залишаючи білу сторону в тіні. При цьому учні його переконувалися, що чорна, освітлена сторона куба, світліша, ніж біла, що знаходиться в тіні. Кримов пропонував учням написати невелику картонну ширму-гармошку, площини якої були пофарбовані в різні кольори та висвітлювалися з двох сторін: з одного – електричною лампою, з іншого – денним світлом. Промені від лампи були спрямовані на ділянки, пофарбовані холодними квітами, а теплі кольори були звернені до денного освітлення. Учні переконувалися, що умови освітлення суттєво змінюють предметні кольори, і у такий спосіб звільнялися від константного сприйняття кольорів.

Початківець живописець повинен позбавитися константності сприйняття і вміти сприймати форму предмета, його світлоту і колір, зумовлені світловим середовищем, освітленням і простором.

Конструкція - в образотворчому мистецтві сутність, характерна риса будови форми, що передбачає закономірну взаємозв'язок елементів форми, її пропорцій.

Контраст - 1) різка відмінність, протилежність двох величин: розміру, кольору (світлого та темного, теплого та холодного, насиченого та нейтрального), руху тощо; 2) контраст світлотний і хроматичний - явище, у якому сприймається відмінність значно більше, ніж фізична основа. На світлому тлі колір предмета здається темнішим, на темному - світлішим. Світлотний контраст найбільш чітко троє на межі темної і світлої поверхонь. Хроматичний контраст - зміна колірного тону та насиченості під впливом навколишніх кольорів (одночасний контраст) або під впливом кольорів, що попередньо спостерігалися (послідовний контраст). Наприклад: зелений колір поруч із червоним збільшує свою насиченість. Сірий колір на червоному тлі набуває зеленого відтінку. Хроматичний контраст проявляється сильніше, коли кольори, що взаємодіють, приблизно рівні по світлоті.

Копіювання - процес отримання копій малюнка чи креслення; може проводитися різними способами: переколюванням, калькуванням, перетисканням, перемальовуванням на просвіт, перемальовуванням по сітці, а також за допомогою пантографа та епідіаскопа.

Переколювання - спосіб копіювання без зміни масштабу: оригінал накладають на чистий аркуш паперу і за допомогою тонкої голки наколюють усі характерні точки малюнка або креслення, через які потім на папері наколоті проводять олівцеві лінії.

Калькування - Спосіб копіювання без зміни масштабу. Кальку накладають на оригінал, якою олівцем чи тушшю малюють зображення; Робочу поверхню кальки слід попередньо знежирити – протерти порошком крейди чи вуглекислої магнезії.

Перетискання - спосіб копіювання без зміни масштабу: під оригінал або його копію на кальці підкладають сухий переказний папір; по лініях зображення оригіналу водять загостреною голкою, завдяки чому на чистому аркуші паперу відтискується зображення, що перекладається. Зворотний бік оригіналу (кальки) можна натерти м'яким олівцем, у разі передавлене зображення виходить чіткішим.

Перемальовка на просвіт - Спосіб копіювання без зміни масштабу. Оригінал кладуть на скло та покривають чистим папером або калькою; за склом знаходиться джерело світла (денне або електричне); лінії оригіналу, що просвічують через папір, обводять олівцем. Існують спеціальні копіювальні верстати, пристосовані для цієї мети.

Перемальовка по сітці - спосіб копіювання з можливою зміною масштабу (збільшенням або зменшенням малюнка) за допомогою зробленої на оригіналі та чистому аркуші паперу координатної сітки. Зображення малюється "по клітинах". Клітини будують квадратні чи прямокутні. Перемалювання по клітинах дуже трудомістка і не може з бездоганною точністю передати лінії оригіналу, оскільки проводиться на око та від руки.

Корпусна (пастозна) прокладка фарб - Виконання етюду або картини щільним, непрозорим, порівняно товстим шаром масляної фарби, що часто має рельєфну фактуру.

Шаги - швидка замальовка з натури, рідше швидка фіксація композиційного задуму як малюнка. Термін "кроки" маловживаний; за загальним змістом він близький ширшому терміну «малюнок».

Ксилографія - гравюра на дереві, основний технічний різновид опуклої гравюри, найдавніша техніка гравюри взагалі. Ксилографію виконують, вирізаючи на дошці, зазвичай грушевого, букового дерева, частини нанесеного поверх неї гравюрного малюнка, які мають залишатися білими. У поздовжній чи обрізній гравюрі волокна дошки паралельні її поверхні, а робота ведеться, переважно, гострими ножами. Можливості цієї техніки порівняно неширокі, труднощі ж значні (опір волокнистого матеріалу ножу нерівномірно у різних напрямах). Торцева гравюра виконується на дошці з перпендикулярним волокном до поверхні; її основний інструмент – штихель, допускає дуже тонку та різноманітну техніку.

На відміну від будь-якого різновиду поглибленої гравюри, ксилографія може друкуватися разом із набором на звичайній друкарській машині, і нерідко застосовується у книжковій ілюстрації.

Лаки . Художники покривають лаками ґрунти, щоб захистити їх від проникнення олії з фарб, вводять лаки до складу сполучної речовини фарби, наносять на затверділий барвистий шар йеред подальшою роботою (для кращого зв'язку шарів) і, нарешті, покривають лаком закінчені твори. При цьому лак посилює насиченість фарб. Лакова плівка захищає картину від безпосереднього зіткнення зі шкідливими газами атмосфери, пилом і кіптявою, що знаходяться у повітрі. Лаки у складі масляної фарби сприяють її більш рівномірному та швидкому висиханню, а барвисті шари краще зв'язуються з ґрунтом та між собою. Картини краще покривати скипидарними лаками, ніж масляними (тоді менше темніють). Лак-фіксатор закріплює роботи, виконані вугіллям, сангіною, пастеллю, акварельними фарбами.

Ліплення форми кольором - процес моделювання предмета, виявлення його обсягу та матеріалу кольоровими відтінками з урахуванням їх змін за світлом та насиченістю.

Лесування - один із прийомів мальовничої техніки, що полягає у нанесенні дуже тонких шарів міцних та напівпрозорих фарб поверх висохлого щільного шару інших фарб. При цьому досягається особлива легкість, звучність кольорів, що є результатом їхнього оптичного змішування.

Ліногравюра - гравюра на лінолеумі, різновид опуклої гравюри. За технікою та художніми засобами ліногравюра подібна до ксилографії і у відбитку нерідко відрізняється від неї лише відсутністю тонких деталей.

Літографія - в образотворчому мистецтві широко поширений різновид графічної техніки, пов'язаний з роботою на камені (щільний вапняк) або металевій пластинці, що замінює його (цинк, алюміній).

Літографію художник виконує, малюючи по зернистій або гладкій поверхні каменю жирним літографським олівцем та спеціальною тушшю. Слідом за травленням каменю кислотою (що впливає на непокриту жиром поверхню) малюнок змивають: натомість наноситься друкарська фарба, яка пристає лише до непротруєних частинок каменю, що точно відповідає малюнку. Фарбу накочують валиком по зволоженому каменю; друкування проводиться на спеціальному верстаті.

Локальний колір - колір, характерний для даного предмета (його забарвлення) і ніяких змін. Насправді так не буває. Предметний колір постійно дещо змінюється під впливом сили та кольору освітлення, навколишнього середовища, просторового видалення і називається він уже не локальним, а зумовленим. Іноді під локальним кольором мають на увазі не предметний колір, а однорідну пляму обумовленого кольору, взятого в основних відношеннях до сусідніх кольорів, без виявлення мозаїки кольорових рефлексів, без нюансування цих основних плям.

Манера - щодо художньої практики: характер чи спосіб виконання як суто технічна особливість (наприклад, «широка манера»).

В історії мистецтва терміном "манера" ​​позначаються іноді загальні властивості виконання, характерні для художника або художньої школи у певний період творчого розвитку (наприклад, "пізня манера Тіціана").

Манерність - у художній практиці: властивості підходу та виконання, позбавлені простоти та природності, що призводять до химерних, надуманих чи умовних результатів. Найчастіше манерність називають пристрасть до будь-якої зовні ефектної, завченої манери та різноманітних упереджених художніх прийомів, тяжіння до стилізаторства. Крайній вираз манірності дає формалістична практика сучасного буржуазного мистецтва.

Масляні фарби - барвники, змішані з олією: лляною (переважно), маковою або горіховою; масляні фарби від впливу світла та повітря поступово тверднуть. Багато основ (полотно, дерево, картон) для роботи на них олійними фарбами заздалегідь загрунтовують. Найпоширеніша грунтовка наступна: матеріал покривають рідким столярним клеєм, а коли він висохне, протирають пемзою, після чого покривають дрібним порошком крейди, змішаним з клейовою водою до консистенції сметани. Для очищення кистей їх миють у гасі, скипидарі або бензині і остаточно в теплій воді з милом, вичавлюючи фарбу з кореня пензля, після чого полощуть у чистій воді.

Матеріальність зображуваних предметів передається насамперед характером світлотіні. Предмети, які з різних матеріалів, мають характерні їм градації світлотіні. Гіпсовий предмет циліндричної форми має плавні переходи від світла через півтінь, тінь та рефлекс. Скляна циліндрична судина не має яскраво виражених градацій світлотіні. На його формі лише відблиски та рефлекси. Металеві предмети теж характеризуються переважно відблисками і рефлексами. Якщо передати малюнку характер світлотіні, то предмети виглядатимуть матеріальними. Інша, ще важливіша умова, від якої залежить зображення матеріальних якостей предметів, - це витриманість на малюнку чи мальовничому етюді пропорційних натурі тональних та колірних відносин між предметами. При сприйнятті матеріальних якостей предметів наша свідомість спирається головним чином їх тональні і колірні відносини (відмінності). Тому, якщо характер світлотіні, тональні та колірні відносини передані відповідно до зорового образу натури, ми отримуємо правдиве зображення матеріальних якостей предметів натюрморту чи об'єктів пейзажу.

Багатошаровий живопис - найважливіший технічний різновид олійного живопису, що вимагає розчленування роботи на ряд послідовних етапів (підмальовки, прописки, лесування), розділених перервами для повного просихання фарби. При виконанні великої тематичної композиції, а також при тривалій роботі взагалі багатошаровий живопис є єдиною повноцінною технікою олійного живопису. До середини ХІХ ст. усі найбільші передові художники минулого застосовували цю техніку як основну. Пізніше імпресіоністи та їхні послідовники відмовилися від неї.

З вузькотехнологічної точки зору, не пов'язаної з технікою старих майстрів, поняття багатошаровий живопис можуть відповідати лише прописки за висохлим барвистим шаром (без підмальовки та лесування).

Моделювання - в образотворчому мистецтві: передача об'ємно-пластичних та просторових властивостей предметного світу за допомогою світлотіньових градацій (живопис, графіка) або відповідною пластикою тривимірних форм (скульптура, зокрема рельєф). Моделювання зазвичай здійснюється з урахуванням перспективи, у живопису ж, крім того, за допомогою нерозривно пов'язаних зі світлом кольорів градацій. Завдання моделювання не обмежуються простим відтворенням предметного світу: беручи участь в ідейно-подібній характеристиці предмета, вона узагальнює, посилює та виявляє найбільш суттєве, характерне.

Модернізм - загальне позначення напрямів мистецтва та літератури кінця XIX-XX ст. (кубізм, дадаїзм, сюрреалізм, футуризм, експресіонізм, абстрактне мистецтво тощо). Основні риси модернізму: заперечення пізнавальної та суспільної ролі мистецтва, його ідейності, народності, підміна мистецтва всілякими трюкацтвами, повне спотворення чи ігнорування професійних традицій реалістичної мистецької спадщини.

Мозаїка - особливий технічний різновид монументального живопису, заснований на застосуванні різнокольорових твердих речовин - смальти, природних кольорових каменів, кольорових емалей поверх обпаленої глини та ін. як основний художній матеріал. Зображення складається зі шматочків таких матеріалів, добре пригнаних один до одного, укріплених на цементі або спеціальній мастиці, а потім відшліфованих. За способом так званого прямого набору мозаїка виконується з лицьового боку - на призначеному їй місці (стіна, склепіння та ін.) або на окремій плиті, яка потім вбирається в стіну. При зворотному наборі кольорові шматочки видно художнику лише з обороту, тому що наклеюються лицьовою поверхнею на тимчасову тонку підкладку (що слідує за перенесенням мозаїки на стіну). Перший з цих способів порівняно складний і трудомісткий, але досконаліший з художньої точки зору.

Мольберт - верстат (звідси визначення «станковий живопис»), необхідний художнику підтримки потрібного нахилу картини під час роботи. Основна вимога до мольберту – стійкість.

Монотипія - особливий вид графічної техніки, пов'язаний з процесом друкування, але різко відрізняється від будь-якого різновиду гравюри повною відсутністю механічних чи технічних впливів на поверхню дошки. Фарби наносять від руки на гладку поверхню з наступним друкуванням на верстаті. Отриманий відбиток є єдиним та неповторним.

Монументальність у творах станкового живопису обумовлена ​​суспільною значимістю тематики картини, її героїчним пафосом, глибиною та силою втілення ідей у ​​відповідних образах – простих, строгих, величних та експресивних.

Малюнок у кольорі - етюд невеликих розмірів, швидко і швидко виконаний. Головне призначення такого начерку - придбання вміння цільно сприймати натуру, знаходити і передавати правильні колірні відносини основних її об'єктів. Відомо, що повноцінний живописний лад зображення визначається пропорційною передачею відмінностей між основними кольоровими плямами натури. Без цього ніяке ретельне опрацювання деталей, рефлексів, мозаїки кольорових відтінків не призведе до повноцінного мальовничого зображення.

Народність - зв'язок мистецтва з народом, обумовленість художніх явищ життям, боротьбою, ідеями, почуттями та прагненнями народних мас, вираження у мистецтві їх інтересів та психології. Один із основних принципів соціалістичного реалізму.

Натура - у практиці образотворчого мистецтва це будь-які природні явища, об'єкти та предмети, які художник зображує, спостерігаючи як модель безпосередньо. З натури виконується, зазвичай, лише етюд, малюнок, замальовка, портрет, котрий іноді пейзаж.

Натуралізм - в образотворчому мистецтві виявляється у відриві від широких узагальнень, від ідейності і призводить до методу суто зовнішнього копіювання всього, що у полі зору. Початківці художники теж іноді думають, що достовірне зображення натури при передачі її об'ємних, матеріальних та просторових якостей і є абсолютна мета образотворчого мистецтва. Звісно, ​​володіти образотворчою грамотою, технічними прийомами мальовничої майстерності необхідно. Проте важливо важливо паралельно з цим розвивати здатність бачити дійсність очима художника. Мальовниче зображення не є дзеркальним відображенням природи. «Живопис, - говорив І. І. Левітан, - не протокол, а пояснення природи мальовничими засобами». Живописець відбирає та узагальнює у барвистому різноманітті природи ті її елементи, які зможуть виразно передати ідейно-образний задум. Він намагається розкрити суть зображуваного, показує те, що його схвилювало. У цьому виявляється особистість художника, його світогляд, а також смак та практичний досвід у використанні барвистих матеріалів та технічних прийомів.

Натюрморт - один з жанрів образотворчого мистецтва, присвячений відтворенню предметів побуту, фруктів, овочів, квітів тощо. . Зображення натюрморту особливо корисне у навчальній практиці для оволодіння живописною майстерністю. У натюрморті художник осягає закони колірної гармонії, набуває технічної навички мальовничого моделювання форми.

Узагальнення художнє - здатність художника пізнавати об'єктивну дійсність, виявляючи головне, суттєве в об'єктах та явищах шляхом порівняння, аналізу та синтезу. Твір образотворчого мистецтва є результатом виразності загального, зберігаючи водночас усю неповторність конкретно-зорового образу.

У вузькопрофесійному розумінні узагальнення - це остання стадія процесу виконання малюнка або живопису з натури, що йде за детальним опрацюванням форми. На цій стадії роботи здійснюється узагальнення деталей з метою створення цілісного образу натури на основі цілісного її зорового сприйняття.

Образ художній - специфічна форма відображення дійсності в конкретно-чуттєвій формі, що візуально сприймається. Створення художнього образу тісно пов'язані з відбором найхарактернішого, з підкресленням істотних сторін предмета чи явища не більше індивідуальної неповторної природи цих предметів і явищ. Відомо, що свідомість людини відбиває як об'єктивний зоровий образ предмета чи явища, а й емоційні якості їх сприйняття. Тому художній образ живопису містить як реальні риси зображуваного об'єкта, а й його чуттєво-емоційну значимість. Кожен образ – це водночас правдиве відображення об'єктивної дійсності та вираження естетичних почуттів художника, індивідуального, емоційного його ставлення до зображуваного, смаку та стилю.

Зворотня перспектива - помилковий прийом малювання перспективи, суть якого в тому, що паралельні та горизонтальні у просторі лінії на картині зображуються не схожими, а розбіжними; зустрічається досить часто у старовинному іконописі, як наслідок незнання художниками елементарних правил побудови перспективи (у деяких випадках допускається свідоме порушення правил перспективної побудови).

Загальний тоновий та колірний стан натури - Результат різної сили освітлення. Щоб передати стан різної освітленості (вранці, вдень, увечері або в сірий день), при побудові ладу етюду не завжди використовуються світлі і яскраві фарби палітри. В одних випадках митець будує відношення у зниженій гамі світла і сили кольору (сірий день, темне приміщення), в інших випадках світлими та яскравими фарбами (наприклад, сонячний день). Таким чином художник витримує тонові та колірні відносини етюду у різних тональних та колірних діапазонах (масштабах). Це сприяє передачі стану освітленості, що особливо важливо у пейзажному живописі, оскільки саме цим станом визначається її емоційний вплив (див. тональний та колірний масштаб зображення).

Об `єм - Зображення тривимірності форми на площині. Здійснюється насамперед правильною конструктивною та перспективною побудовою предмета. Іншим важливим засобом передачі обсягу на площині є градації світлотіні, виражені кольором: відблиск, світло, півтінь, тінь власна та падаюча, рефлекс. Зображення об'єму на образотворчій площині сприяє також напрямок мазка або штрихування, рух їх у напрямку форми (на плоских поверхнях вони прямі та паралельні, на циліндричних та кульових - дугоподібні).

Ореол - явище, відоме також за назвою «іррадіація»; виникає в результаті розсіювання яскравого світла в прозорій рідині, що заповнює очне яблуко. У зв'язку із збільшенням чутливості ока у темряві, він сильно реагує при спостереженні джерел яскравого світла (вогнище або запалена лампа). Вдень вони не здаються яскравими, в сутінки або вночі вони можуть сліпити очі. Колір джерел яскравого світла очей майже не сприймає, але ореол навколо тіл, що світяться, або сильно освітлених предметів має колір більш виражений. Полум'я свічки виглядає майже білим, а ореол навколо нього – жовтим. Сильний відблиск на блискучій поверхні здається білим, а ореол навколо нього приймає на себе колірну властивість джерела світла. Тонкі стовбури дерев на тлі неба повністю огортаються ореолом, тобто виглядають синіми, а на тлі жовтого заходу сонця - помаранчевими або червоними. Коли ореол передається на зображенні, око сприймає предмети, що світяться (свічка, світлі вікна вдень і вночі, зірки на небі та ін.). Зображені без ореолу, неодмінного супутника яскравого світла, стовбур дерева і його крона виглядають жорсткою аплікацією на тлі світлого неба, зірки без ореолу справляють враження цяток фарби, розбризканої пульверизатором по темному тлі, яскраві відблиски без ореолу на тлі.

Основа - у технології живопису: матеріал, на який наноситься ґрунт та барвистий шар картини. Найпоширеніший різновид основи - полотно, дерево (було найпоширенішою основою в античності, в середні віки та епоху Відродження), рідше вживаються картон, папір, метал, скло, лінолеум та інших. У деяких видах живопису (наприклад, фреска, акварель і ін) основа використовується без спеціальної підготовки.

Відмивання - 1) акварельна техніка з використанням дуже рідкої фарби чи туші. Для зафарбовування порівняно великої площі світлим тоном підцвічують фарбою приблизно склянки води, дають фарбі відстоятися (краще потім ще й профільтрувати) і пензликом беруть «розчин» зверху, не торкаючись дна склянки; 2) прийом освітлення фарби або видалення її з паперу за допомогою пензлика, змоченого в чистій воді, та збирання відмоченої фарби промокальним папером (процедура повторюється кілька разів).

Відносини тоноцвіті - відмінності предметів за світлом і кольором: що в натурі світліше, що темніше, плюс відмінності за кольором та його насиченістю.

Відтінок (нюанс) - невелика, часто ледь помітна відмінність у кольорі, світлі або насиченості кольору.

Офорт - голковий або штриховий офорт, широко вживаний технічний різновид поглибленої гравюри на металі. Робота над офортом подряпанням гравюрного ґрунту спеціальними голками, зазвичай у вільній техніці штрихового малюнка. Нерівномірною тривалістю травлення деталей зображення кислотами досягають відмінності в силі та соковитості штриха. Техніка офорту відрізняється порівняльною простотою та великою гнучкістю.

Відчуття зорове - результат взаємодії променистої енергії з органом зору та сприйняття цієї взаємодії свідомістю. В результаті людина отримує різноманітні відчуття світла та кольору, багаті колірні градації, що характеризують форму предметів та явища природи у різноманітних умовах освітлення, середовища та простору.

Палітра - 1) невелика тонка дошка чотирикутної чи овальної форми, на якій митець змішує фарби під час роботи; 2) точний перелік фарб, якими користується той чи інший митець у творчій практиці.

Панорама - мальовниче полотно у вигляді замкнутої кругової стрічки. Перед мальовничим зображенням на полотні поміщаються різні реальні бутафорські предмети, які створюють ілюзію безпосереднього переходу реального простору переднього плану живописний простір картини. Панорама розташовується у спеціально побудованому для неї картинному залі з центральним, зазвичай затемненим оглядовим майданчиком. На відміну від панорами, діорама – це мальовнича картина у вигляді вигнутої напівкруглої стрічки.

Неперевершеними досі зразками є панорами, створені художником Ф. А. Рубо «Оборона Севастополя» (1902-1904) та «Бородинська битва» (1911).

Пастель - Кольорові олівці без оправи, виготовлені із барвистого порошку. Їх одержують шляхом змішування барвистого порошку з клеючою речовиною (вишневим клеєм, декстрином, желатином, казеїном). Працюють пастеллю на папері, картоні чи полотні. Фарби наносять штрихами, як у малюнку, або втирають пальцями з розтушовкою, що дозволяє досягти найтонших барвистих нюансів і найніжніших переходів кольорів, матової бархатистої поверхні. При роботі пастеллю можна легко знімати або перекривати барвисті шари, оскільки вона вільно зіскаблюється з ґрунту. Твори, виконані пастеллю, зазвичай закріплюються спеціальним розчином.

Пастозність - 1) у техніці олійного живопису: значна товщина барвистого шару, використана як художній засіб. Виступаючи технічною особливістю, пастозність завжди залишається помітною для ока і проявляється у відомій нерівномірності барвистого шару, у «рельєфному мазку» та ін. живопис); 2) особлива властивість пластичності фарбового матеріалу, що дозволяє нерозрідженою олійною фарбою повністю зберігати ту форму, яку надає їй пензля.

Краєвид - вид, зображення будь-якої місцевості; у живопису, і графіці жанр та окремий твір, у якому основний предмет зображення – природа. Часто зображуються види міст та архітектурних комплексів (архітектурний краєвид), морські види (марина).

Строкатість (дрібність) зображення - Недоліки малюнка або етюду, які виходять у тому випадку, коли художник-початківець малює або пише натуру частинами, «в упор». В результаті форма предметів виявляється перевантаженою деталями, контури їх різкі, багато предметів та їх поверхні виглядають однаковими за тоном і силою кольору. Це виходить тому, що недосвідчений митець хоч і порівнював предмети за тоном та кольором, але дивився на них поперемінно, окремо. Коли у художника виробляється навичка одночасного (цілісного) бачення та порівняння предметів за трьома властивостями кольору (колір, світло, насиченість), тональна строкатість зображення зникає.

Плани просторові - умовно розділені ділянки простору, що знаходяться на різній відстані від спостерігача. У картині розрізняють кілька планів: перший, другий, третій або передній, середній, задній. Простір на площині полотна чи паперу передається головним чином правильною перспективною побудовою. Якщо предмети або обсяги на просторових планах намальовані без суворого дотримання їх перспективних змін, колірне рішення мало що дасть зображення простору. Передачі просторових якостей зображення сприяє характер мазка (в малюнку - характер штриха). Техніка нанесення штрихування предметів переднього плану більш певна, жорстка та щільна. Мазок фарб - пастозніший, рельєфний, дробовий. Далекі плани передаються м'якшим штрихом, тонким шаром лісуванню фарби.

Пластичність - гармонійність, виразність і гнучкість форм, ліній, помічених художником в натурі, що зображається.

Пленерний живопис - живопис просто неба. Активне значення у написанні етюду на свіжому повітрі мають зміни фарб природи під впливом світла і повітря. Особливу увагу при цьому слід приділяти загальному тоновому та колірному стану натури (що залежить від сили та кольору освітлення) та явищу повітряної перспективи. Визначальним моментом у живопису на пленері є витриманість тонального та колірного масштабу при побудові тонових та колірних відносин етюду (див. тональний та колірний масштаб зображення):

Підмалювань - підготовча стадія роботи над картиною, що виконується у техніці олійного живопису. Підмальовка виконується зазвичай тонким барвистим шаром і може бути однотонним або кольоровим.

Підрамник. Полотно, на якому художник пише картину, натягується на підрамник. Його призначення – тримати полотно у натягнутому стані. Це забезпечується не жорстким скріпленням дерев'яних планок підрамника. При глухому кріпленні кутів підрамника важко виправити провисання полотна від вогкості. На рейках підрамника роблять скоси, спрямовані усередину підрамника. Інакше на місцях зіткнення полотна із внутрішніми ребрами підрамника полотно деформується, на ньому проявляються внутрішні ребра підрамника. Підрамники великих розмірів виготовляють із хрестовиною, яка оберігає їх від діагональних перекосів та прогинів планок.

Напівтінь - Одна з градацій світлотіні на поверхні об'ємного предмета, проміжна між світлом і тінню (як у натурі, так і на зображенні).

Портрет - Зображення, в якому відображено зовнішній вигляд конкретної людини, його індивідуальні риси. Мистецтво портрета вимагає, щоб, поруч із зовнішнім подібністю, у вигляді людини відбивалися його духовні інтереси, соціальне становище, типові риси тієї епохи, до якої належить. Особисте ставлення митця до зображених людей, його світогляд, відбиток творчої манери також мають бути присутніми у портреті.

Примітивізм - одна з формалістичних течій в образотворчому мистецтві. Характеризується повною відмовою від досягнень реалізму заради наслідування форм мистецтва про примітивних епох (первісних племен), навмисного запозичення особливостей дитячих малюнків тощо.

Прописки - у техніці олійного живопису основний етап виконання великого полотна, який слідує за підмальовкою, передуючи лісуванню. Кількість прописок залежить від перебігу роботи художника; кожна з них завершується повним просиханням фарби. У широкому і неточному значенні слова прописками називають іноді і підмалювань, а також будь-яку переробку вже закінченого полотна або його деталі.

Пропорції - Відношення розмірів предметів або їх частин один до одного і до цілого. У малюнку чи живопису ці відносини передаються у пропорційному відповідності, тобто подібними, зменшеними чи збільшеними одне й те саме число раз. Дотримання пропорцій має вирішальне значення, оскільки є характерним ознакою предмета і становлять основу правдивого і виразного зображення.

Пропорційність відносин - Закон реалістичного живопису, що визначає пропорційну зоровому образу натури взаємозв'язок кожної світлоколірної плями етюду з іншими, важлива умова правдивого та цілісного зображення дійсності. Наше зорове сприйняття та впізнавання форми, забарвлення, матеріалу предметів, стану освітленості спирається на їх тональні та колірні відносини. Особливості тону та кольору візуально сприймаються не ізольовано, а залежно від оточення, разом з іншими тонами та кольорами. Тому тонові та колірні відмінності натури митець відтворює на етюді, як і перспективні розміри предметів, методом пропорційної відповідності зображення та зорового образу натури. Цим досягається стан освітленості етюду, правдиве моделювання об'ємної форми, матеріальність, просторова глибина та інші мальовничі якості зображення.

Процес живопису з натури передбачає особливий порядок ведення роботи на початку, у середині та на завершальній стадії. Цей процес йде від загального до детального опрацювання форми і закінчується узагальненням - виділенням головного та підпорядкуванням йому другорядного. У живопису цих стадіях вирішуються такі конкретні завдання: 1) знаходження відносин основних колірних плям з урахуванням тонового і колірного стану освітленості (її сили та спектрального складу); 3) у стадії узагальнення - пом'якшення різких контурів предметів, приглушення або посилення тону і кольору окремих предметів, виділення головного, підпорядкування йому другорядного. Зрештою, все мальовниче зображення приводиться до цілісності та єдності, до того враження, яке отримує зір при цілісному баченні натури.

Розріджувачі . Для акварельних та гуашевих фарб єдиний розріджувач – вода. Для розведення олійних фарб застосовуються склади скипидарного походження (пінен № 4) або продукти переробки нафти в суміші зі спиртом або лляною олією (розріджувачі № 1, 2). Додавання, наприклад пінена, в олійну фарбу сприяє якнайшвидшому їх висиханню. Крім того, щоб забезпечити краще зчеплення барвистих шарів, перед повторною пропискою п'яним протирають затверділу поверхню барвистого шару.

Ракурс - Перспективне скорочення форми предмета, що призводить до зміни його звичних обрисів; різко виражені скорочення, що виникають під час спостереження предмета зверху чи знизу.

Рама. Картина, створена художником, має обрамлення, раму. Вона завершує композицію, надає їй єдності, звертає увагу глядача на сам твір. Найчастіше рама має прямокутну форму, зрідка круглу чи овальну. Часто рейки рами мають тонкі профілювання, ніби сходи, що сходять до самої картини. Вони допомагають оку глядача легше поринути у світ зображуваного. Художники ставляться до рами як до суттєвої частини мальовничої композиції та забарвлюють її у світлі та темні кольори різних відтінків. Є рами з багатими пластичними мотивами, орнаментом умовного рослинного чи геометричного змісту.

Реалізм - метод художньої творчості, заснований на глибокому пізнанні життя та образному відображенні її сутності та краси. Реалізм у живопису ґрунтується на зображенні життя у формах самого життя. Художник постійно вивчає життя з олівцем та пензлем у руці та досконало опановує майстерність правдивого зображення предметів та об'єктів реальної дійсності. Без органічного пізнання та узагальнення життя, з одного боку, та вміння втілити все це у конкретному наочному зображенні, з іншого боку, художній образ у картині перетворюється на схему, позбавлену життєвої переконливості.

Реалізм соціалістичний - метод соціалістичного мистецтва, спрямований на правдиве, історично конкретне відображення дійсності у її революційному розвитку з метою ідейно-естетичного виховання людей у ​​дусі соціалізму та комунізму.

Рефлекс - Світлий або кольоровий відсвіт, що виникає на формі в результаті відображення променів світла навколишніх предметів. Кольори всіх предметів взаємно пов'язані між собою рефлексами. Чим більша різниця за світлом і кольором між двома розташованими поруч предметами, тим помітнішими є рефлекси. На шорстких, матових поверхнях вони слабші, на гладкій вони помітніші і виразніші в обрисах. На полірованих поверхнях вони особливо виразні (у разі їх посилює дзеркальне відображення).

Малюнок -1) повноцінне відтворення предметного світу: об'ємно-просторове моделювання, вірні пропорції, правдива експресія, ясно виражений характер і т. д. Це основа для реалістичного зображення дійсності взагалі - будь-якими технічними засобами та прийомами. Навчання малюнку становить найважливішу частину професійної освіти живописця, графіка та скульптора; 2) різновид художньої графіки, заснований на технічних засобах та можливостях малювання. На відміну від живопису, малюнок виконується переважно твердим барвником (олівець, вугілля, сангіна та ін), як правило, за допомогою штриха та лінії, при допоміжній ролі кольору; 3) окремий твір відповідного різновиду графіки.

Ритм та ритмічність - повторюваність тих чи інших композиційних елементів твору, особлива їхня пропорційність, що веде до стрункої, закономірної злагодженості цілого. Ритм може виявлятися через контрасти та відповідності угруповань фігур, предметів, ліній, рухів, світлотіньових та колірних плям, просторових планів та ін.

Світло - Елемент світлотіньових градацій, служить для позначення освітленої частини поверхні предметів.

Світлота (тон) - Порівняльний ступінь відмінності від темного: чим далі від темного, тим більшу світлоту має колір.

Світлосила - ступінь світло предмета, його тон. Світлосила залежить від присутності інших (сусідніх) тонів, а також від забарвлення предметів.

Світлотінь - закономірні градації світлого та темного на об'ємній формі предмета, завдяки яким як у натурі, так і на малюнку сприймаються оком такі предметні властивості, як об'єм та матеріал. Основні градації світлотіні: відблиск, світло, півтінь, тінь власна, рефлекс, тінь падаюча.

Властивості кольору - колірний тон, або відтінок: червоний, синій, жовтий, жовто-зелений, світла і насиченість (ступінь відмінності його від сірого, тобто ступінь наближеності до чистого спектрального кольору). У процесі живопису за цими трьома властивостями порівнюються кольори натурної постановки, перебувають їх колірні відмінності і передаються на етюді в пропорційних відносинах.

В'яжуча речовина - це в'яжуча речовина (клей, масло, гашене вапно, жовток курячого яйця), за допомогою якого частинки пігменту з'єднуються між собою та закріплюються на поверхні ґрунту, утворюючи барвистий шар. Види живопису - фреска, масляний живопис, темпера - відрізняються саме складом сполучної речовини, хоча пігмент, зазвичай, той самий.

Силует - темне на світлому фоні одноколірне площинне зображення. людини, тварини чи предмета. Термін походить від прізвища французького міністра фінансів XVIII ст. Е. де Сілуетта, на якого була намальована карикатура у вигляді тіньового профілю.

Символ. - образ, алегорично виражає якесь широке поняття або абстрактну ідею. У тому випадку, якщо зв'язок символу з поняттям, що виражається, випливає з внутрішньої змістовної подібності, спорідненості між зображуваним предметом і його алегоричним значенням, вживання символу стає доречним і можливим у реалістичному образотворчому мистецтві. Символ вживають тоді, коли хочуть у лаконічній і стислій формі висловити широке поняття, що багато вміщає.

Зміст та форма в мистецтві - нерозривно пов'язані та взаємозумовлені категорії, одна з яких вказує на те, що саме відображено та виражено у творі (зміст), а друга на те, як, якими засобами це досягнуто (форма). Провідна, визначальна роль належить змісту. Ним стає певне явище життя, усвідомлене та естетично осмислене художником у процесі творчої роботи. До категорії художньої форми в образотворчому мистецтві відносять: сюжет, композицію, типаж, малюнок, колірний лад, об'єм, просторовість, світлотіньова побудова та ін. використання форм вираження. Без практичного оволодіння культурою використання кольору неможливо виразити образний зміст засобами живопису у певному матеріалі.

Порівняння - метод визначення пропорцій, тональних та колірних відносин та ін. Властивості та якості пізнаються нашою свідомістю шляхом порівняння. Зрозуміти характер форми предмета, визначити його тон і колір можна лише в порівнянні з іншими предметами. Щоб зобразити натуру правдиво, художник має створити на етюді пропорційні натурі відмінності предметів за розмірами, тоном та кольором. Саме лише методом порівняння (при цілісному сприйнятті натури) можна визначити в натурі колірні відносини між предметами, передати їх на полотні чи папері.

Стилізація - 1) навмисна імітація художнього стилю, характерна для будь-якого автора, жанру, течії, для мистецтва і культури певного соціального середовища, народності, епохи. Зазвичай передбачає вільне тлумачення змісту та стилю мистецтва, який став прототипом; 2) в образотворчому мистецтві та переважно у декоративному мистецтві, дизайні узагальнення зображуваних фігур та предметів за допомогою умовних прийомів; стилізація особливо уражає орнаменту, де вона перетворює об'єкт зображення на мотив візерунка.

Стиль - 1) спільність ідейно-мистецьких особливостей творів мистецтва певної доби. Виникнення та зміна стилів визначається ходом історичного розвитку суспільства (наприклад, класицизм, бароко та ін.); 2) національна особливість мистецтва (китайський, мавританський стиль тощо). Говорять також про стиль групи художників або одного художника, якщо їхня творчість відрізняється яскравими індивідуальними рисами.

Суха кисть - у живопису і графіці допоміжний технічний прийом, що у роботі слабо насиченими фарбою жорсткими пензлями. Як самостійна техніка суха кисть застосовується головним чином в декоративному мистецтві.

Сфумато - у живопису та графіці термін, пов'язаний з живописом італійського Відродження починаючи з Леонардо да Вінчі та що означає м'якість виконання, невловимість предметних обрисів як результат певного художнього підходу.

Сюжет - 1) конкретна подія чи явище, зображене у картині. Одна й та тема може бути розкрита у безлічі сюжетів; 2) іноді під сюжетом розуміється будь-який об'єкт живої натури чи предметного світу, взятий для зображення. Нерідко сюжет замінює поняття мотив, покладений основою твори (особливо пейзажу).

Творчий процес (творчість) - Процес створення художнього твору, починаючи від зародження образного задуму до його втілення, процес втілення спостережень дійсності в художній образ. У живопису творчість полягає у створенні твору у достовірних зримих формах.

Тема - коло явищ, обраний художником для зображення та розкриття ідеї твору.

Темперні фарби - водно-клейові фарби, виготовлені з сухих порошків, змішаних з яєчним жовтком, розведеним клейовою водою. В даний час виготовляються також напіврідкі фарби, укладені в тюбики і приготовані на жовтку, цільному яйці або емульсії з олії з яйцем і клеєм. Темперними фарбами можна писати густо, як олійними, і рідко, як акварельними, розбавляючи їх водою. Сохнуть вони повільніше за гуаші. Недоліком є ​​різниця у відтінках сирої та висохлої фарби. Картини, написані темперними фарбами, мають матову поверхню, тому їх іноді покривають спеціальним лаком, який усуває цю матовість.

Тінь - елемент світлотіні, найбільш слабко освітлені ділянки в натурі та зображенні. Розрізняють тіні власні та падаючі. Власними називають тіні, що належать самому предмету. Падаючі - це тіні, що відкидаються тілом на навколишні предмети.

Теплі та холодні кольори . Теплі кольори умовно асоціюються з кольором вогню, сонця, розжарених предметів: червоні, червоно-жовтогарячі, жовто-зелені. Холодні кольори асоціюються із кольором води, льоду та інших холодних об'єктів: зелено-блакитні, блакитні, синьо-блакитні, синьо-фіолетові. Ці якості кольору відносні та залежать від розташування поряд іншого кольору. Ультрамарин, наприклад, холодний сам по собі, поряд з берлінською блакиттю буде теплим, а краплак червоний здаватиметься холоднішим, ніж кіновар червона.

У колірному вигляді видимої натури завжди присутні і теплі, і холодні відтінки. Це теплохолодність відтінків ґрунтується насамперед на природних колірних протиставленнях на світлі та в тіні. У природі часто буває так, що кольори у предметів холодні, а тіні теплі, і навпаки. Появі тешюхолодності сприяє і так зване контрастне візуальне сприйняття кольорів: від присутності в сприймається натурі теплого кольору на сітківці очей виникає і враження холодного, хоча в натурі цього немає. Теплохолодність у живописі є природним явищем та невід'ємною якістю живописного зображення етюду натури чи картини.

Техніка - в галузі мистецтва: сукупність спеціальних навичок та прийомів, за допомогою яких виконується художній твір. Поняття «техніка» у вузькому значенні слова зазвичай відповідає прямий, безпосередній результат роботи художника спеціальним матеріалом та інструментом, вміння використовувати художні можливості цього матеріалу; у ширшому значенні це поняття охоплює і відповідні елементи образотворчого характеру - передачу речовинності предметів, ліплення об'ємної форми, моделювання просторових відносин та ін.

Технічні засоби мистецтва не залишаються нейтральними стосовно змісту. Основні особливості реалістичної техніки зумовлені передусім її підпорядкованістю ідейно-образному устрою твору.

Техніка живопису - див. масляний живопис, акварель, гуаш, темпера, клейовий живопис, пастель, енкаустика, фреска, мозаїка.

Тон (без супроводу словом «колірний») – у термінології художників рівнозначний поняттю світло кольору (фарби). Будь-який хроматичний чи ахроматичний колір може мати різну світлоту. Можна сказати про тон в межах одного кольору, наприклад червоного: "світлий тон червоної фарби" або "темний тон фарби". Іноді термін «тон» застосовується до колориту, наприклад «золотистий тон панно», «коричневий тон картини». Художники часто замість терміну "тон" кольору застосовують термін "світло" або "світлосилу" кольору.

Тональність - термін, що позначає зовнішні особливості колориту чи світлотіні у творах живопису та графіки. Він більш уживаний щодо кольору і збігається з терміном «гама кольорова».

Тональний та колірний масштаб зображення . Передача пропорційних натурі тонових і колірних відносин може здійснюватися в різних діапазонах світлоти та насиченості фарб палітри. Це залежить від загального стану сили освітленості натури та від видалення її від малюючого. Щоб передати цей стан, перед початком кожної роботи з натури художник попередньо з'ясовує, якими за силою світла та силою кольору будуть на етюді світлі та яскраві плями натури. Найсвітліші та найнасиченіші за кольором у натурі предмети художник може взяти на етюді або на повну силу світлих та яскравих фарб палітри, або лише у половину їх можливостей. Так витримується тональний та колірний масштаб зображення, в якому знаходять відображення тонові та колірні відносини предметів натурної постановки.

Тонове зображення - Зображення з різними тоновими переходами від світла до тіні, тобто з ділянками, що мають різну силу тону. Типовим прикладом тонового зображення є фотографія, олійний або акварельний малюнок одним кольором (гризайль), а також малюнок олівцем, виконаний прийомом тушовки.

Тонові відносини . Впізнавання об'ємної форми предметів, їх матеріалу відбувається у нашій свідомості з урахуванням зорового сприйняття їх світлотних відносин. Тому світлі відносини малюнка художник повинен відтворювати методом подоби. За допомогою градацій світлотіні на об'ємній формі та передачі пропорційних натурі тональних відносин між забарвленням (матеріалом) предметів художник досягає правдивого об'ємного моделювання форми, вираження матеріальності, просторової глибини та стану освітленості (тональний малюнок, живопис технікою гризайль).

Фактура - характерні особливості поверхні предметів з різних матеріалів як у натурі, і у зображенні (рельєф барвистого шару мазків). Фактура може бути гладкою, шорсткою, рельєфною. Фактура письма багато в чому залежить від властивостей барвистого матеріалу, від особливостей об'єкта натури, які зображує митець, а також поставленого завдання та матеріалу виконання. В акварелі фактура багато в чому залежить від поверхні паперу. У фактурі листа проявляється індивідуальний почерк художника.

Фас (анфас) - Лицьова сторона, вид спереду. Цей термін показує, що модель (голова людини або предмет) розташована фронтально, паралельно до площини картини.

Фон - будь-яке середовище чи площину, що знаходяться за об'єктом зображення.

Форма - 1) зовнішній вигляд, контур; передбачає наявність об'ємності, конструкції, пропорції; 2) в образотворчому мистецтві художня форма - це художні засоби, що служать до створення образу, розкриття змісту (див. зміст і форму).

Формалізм - загальне позначення численних 1Х антиреалістичних шкіл та напрямів в образотворчому мистецтві: кубізм, футуризм, конструктивізм, сюрреалізм, супрематизм, пуризм, дадаїзм, абстракціонізм, поп-арт та ін. Всі ці різновиди формалізму ґрунтуються на протиприродному відділенні форми мистецтва від змісту на визнанні незалежності та самостійності форми, помилково претендуючи на те, щоб шляхом різних комбінацій «чистих» ліній чи кольорів створювати витвори мистецтва. Формалістичне зображення грубо спотворює дійсність, втрачає здатність образного пізнання світу, іноді перетворюється на безглузді, шарлатанські експерименти.

Формат - Форма площини, на якій виконується зображення. Він обумовлений загальними контурами натури, ставленням висоти до ширини. Вибір формату залежить від змісту та відповідає композиції зображення. Для образного ладу формат має важливе значення.

Фреска - найважливіший технічний різновид монументального живопису, що застосовує вапно як основну сполучну речовину.

Колір живопису. Колір взагалі - це властивість предметів викликати певне зорове відчуття відповідно до спектрального складу відбитих променів. У повсякденному житті за кожним предметом чи об'єктом закріплюється якийсь один певний колір. Такий колір називають предметним або локальним (трава – зелена, небо – блакитне, морська вода – синя тощо). У художників-початківців, як правило, переважає предметне бачення кольору, що призводить до дилетантського забарвлення. У мальовничому відношенні правильно зобразити предмет можна лише в тому випадку, якщо передавати не предметний колір, а колір, змінений освітленням та навколишнім середовищем. Предметний колір змінюється при посиленні та ослабленні сили світла. Він також змінюється від спектрального складу освітлення. Середовище, в якому знаходиться предмет, теж відображає колірні промені, які, потрапивши на поверхню інших предметів, утворюють на них кольорові рефлекси. Колір змінюється від контрастного взаємодії. Таким чином, колір предмета завжди є мозаїкою, складеною з кольорових і світлотіньових плям (рефлексів і відблисків), і називається він у цьому випадку не предметним, а обумовленим. Саме такий колір є одним із основних образотворчих засобів реалістичного живопису.

Прийнято вважати, що колір сам по собі може впливати на людину. Іноді думають, що темні та світлі тони створюють бадьорий настрій; сірі і чорні викликають почуття зневіри тощо. буд. У психології із цього приводу ведуться дослідження та експерименти, проте певних закономірностей у цій справі досі виявлено. Художник-живописець не використовує вказані вище значення кольору. Спільного правила емоційного впливу колориту на «різні випадки» у нього немає. Зовсім не обов'язково вирішувати картину в темному або суворому колориті, якщо її тема трагічна чи сумна, а для радісних сюжетів не обов'язковий яскравий колорит. Наприклад, сюжети картин Сурікова «Меншиков у Березові» та «Бояриня Морозова» присвячені трагічній долі людей сильної волі та переконань. У колориті першої картини переважають темні тони. Друга картина побудована на багатих поєднаннях пленерного живопису зимового пейзажу, яскравих одягів натовпу, святкової «килимості» колориту. Характер натурного сюжету, стан освітленості зумовили та колорит цих робіт. Таким чином, колорит картини створюється системою колірних відносин, спрямованих на зображення реальних життєвих умов та обстановки. Колір є засобом зображення об'ємної форми предмета, її матеріальності, просторових якостей, колористичного стану освітленості натури, і тільки розкриваючи таким чином смисловий зміст картини, він і необхідний емоційний вплив.

Колірна єдність і спорідненість фарб. Колір освітлення, його спектральний склад, відповідним чином впливає різноманітні фарби предметів та об'єктів природи, підпорядковує їх певній гамі. В результаті виходить колористична єдність кольорів. Правдиве відображення цих якостей робить етюд з натури особливо правдивим та гармонійним у мальовничому відношенні.

Колірні відносини - відмінності кольорів натури за тоном кольору (відтінку), світлоті і насиченості. У натурі колір завжди сприймається у відносинах з оточуючими його квітами, з якими він перебуває у суворій взаємодії та залежності. Тому колірні відносини етюду повинні передаватися пропорційно до колірних відносин натури. У цьому полягає закон колористичного перекладання фарб видимої натури на діапазон фарб палітри, обумовлюється він психофізіологією нашого зорового сприйняття та мислення.

Цілісність зображення - результат роботи з натури методом відносин (порівнянь) при цільному баченні натури, внаслідок чого митець позбавляється таких недоліків малюнка чи етюду, як дробність та строкатість.

Цілісність сприйняття - Вміння художника бачити предмети натурної постановки одночасно, все одразу. Тільки в результаті цілісного зорового сприйняття можна правильно визначити пропорції предметів, тонові та колірні відносини і досягти цілісності зображення натурної постановки. Цілісність сприйняття полягає професійне вміння бачити і «постановка ока» художника.

Існує ряд порад, як практично сприймати натуру цільно: 1) у момент спостереження, при визначенні колірних відносин примружити або «розпустити» очі на всю натуру; відносини», 3) Р. Фальк для цілісності бачення рекомендував вирізати в шматку картону прямокутний отвір (2X1 см) і дивитися на натуру в площині цього віконця (очей отримує при цьому цілісний мальовничий лад основних колірних відносин натури, схожий на мозаїку з дорогоцінного каміння) ; 4) сприйняти натуру цільно і зрозуміти її колірні відносини можна також за допомогою «чорного дзеркала» (якщо зафарбувати один бік прозорого скла чорною фарбою, то отримаємо дзеркало, в якому при яскравому сонячному освітленні можна розглядати об'єкти пейзажу в зниженій яскравості. У такому дзеркалі предмети відображаються в одній площині в зменшеному вигляді, їх можна охопити все одночасно, це дозволить точніше вловити тональні і колірні відносини натури).

Екстер'єр (на противагу інтер'єру) - зображення зовнішнього вигляду будівлі.

Енкаустика - восковий живопис - маловживаний в даний час різновид мальовничої техніки, заснований на застосуванні воску як сполучної речовини. Найкращий за результатами та міцністю спосіб воскового живопису – антична енкаустика. Переваги її полягають у виняткових якостях спеціально підготовленого воску, який майже не піддається впливу часу чи вогкості, ніколи не дає тріщин і зберігає незмінним свій колір.

Ескіз - попередній малюнок етюду чи картини. У процесі роботи з натури ескізи використовуються як допоміжний матеріал; у них розробляються варіанти композицій аркуша паперу чи полотна. Ескізи виконують як у вигляді олівцевих замальовок, так і в матеріалі.

Етюд - Зображення допоміжного характеру обмеженого розміру, виконане з натури задля ретельного її вивчення. За допомогою етюду художник удосконалює свою професійну майстерність. Основною метою етюдної роботи завжди залишається правдиве та живе втілення мальовничого задуму, створення картини. У реалістичному мистецтві етюд завжди виконує допоміжну роль.

Етюдність є результатом переоцінки ролі етюду, вона неминуче веде до збіднення ідейно-образного змісту. Вважають, що етюдність породжена імпресіонізмом, що обмежує діяльність художника легкою роботою з натури, заміною етюдом картини.

Ефект Пуркіне - Зміна відносної яскравості кольорів при посиленні або ослабленні освітлення. Наприклад, вдень сильною здається відносна яскравість червоного та жовтого, а в сутінки – зеленого та синього кольорів. Справа тут у тому, що вдень при нормальному освітленні наше око бачить за допомогою одних клітин сітківки ока, так званих колб, а при дуже слабкому вже за допомогою інших - паличок. Колбочки більш чутливі до жовтого та червоного кольорів, тоді як палички – до синьо-зеленого. Ще Леонардо да Вінчі помічав: «Зелений та блакитний підсилюють свої кольори в півтіні, а червоний та жовтий виграють у кольорі у найсвітліших місцях».