Абстракціонізм напрямок від зображення дійсності. Абстракціонізм

У минулому столітті абстрактний напрямок став справжнім проривом в історії мистецтва, але цілком закономірним — людина завжди знаходилася у пошуку нових форм, властивостей та ідей. Але й у нашому столітті цей стиль мистецтва викликає чимало запитань. Що таке абстракціонізм? Поговоримо про це далі.

Абстракціонізм у живописі та мистецтві

У стилі абстракціонізмхудожник використовує візуальну мову форм, контурів, ліній та кольорів, щоб інтерпретувати предмет. Це контрастує з традиційними формами мистецтва, які набувають більш літературної інтерпретації предмета - передають «реальність». Абстракціонізм же йде якнайдалі від класичного образотворчого мистецтва, наскільки це можливо; представляє предметний світ зовсім негаразд, як у реальному житті.

Абстракціонізм у мистецтві кидає виклик розуму спостерігача, так само, як і його емоціям - щоб повністю оцінити витвір мистецтва, спостерігач повинен позбавитися необхідності зрозуміти, що художник намагається сказати, а повинен сам відчути емоцію у відповідь. Усі аспекти життя піддаються інтерпретації через абстракціонізм — віра, страхи, пристрасті, реакція на музику чи природу, наукові та математичні обчислення тощо.

Цей напрямок у мистецтві виникло XX столітті, поруч із кубізмом, сюрреалізмом , дадаїзмом та інші, хоча точний час невідомо. Основними представниками стилю абстракціонізм у живопису прийнято вважати таких художників, як Василь Кандинський, Робер Делоне, Казимир Малевич, Франтішек Купка та Піт Мондріан. Про їхню творчість і важливі картини йдеться далі.

Картини відомих художників: абстракціонізм

Василь Кандинський

Кандинський був одним із піонерів абстрактного мистецтва. Свої пошуки він починав в імпресіонізмі, а вже потім дійшов стилю абстракціонізм. У своїй творчості він експлуатував взаємозв'язок між кольором і формою для створення естетичного досвіду, який охоплював би одночасно і бачення, і емоції глядачів. Він вважав, що абстракція дає простір для глибокого, трансцендентного висловлювання, а копіювання реальності лише заважає цьому процесу.

Живопис був глибоко духовним для Кандинського. Він прагнув передати глибину людських емоцій через універсальну візуальну мову абстрактних форм і кольорів, яка перевершила б фізичні та культурні межі. Він бачив абстракціонізмяк ідеальний візуальний режим, який може висловити «внутрішню потребу» художника та передати людські ідеї та емоції. Він вважав себе пророком, чия місія – ділитися цими ідеалами зі світом, на благо суспільства.

"Композиція IV" (1911)

Приховані у яскравих кольорах та чіткі чорні лінії зображують кілька козаків із списами, а також човни, цифри та замок на вершині пагорба. Як і в багатьох картинах цього періоду, вона є апокаліптичною битвою, яка призведе до вічного світу.

Для того, щоб полегшити розробку безпредметного стилю живопису, як описано в його роботі «Про духовне мистецтво» (1912), Кандинський зменшує об'єкти до піктографічних символів. Завдяки видаленню більшості посилань до зовнішнього світу, Кандинський висловив своє бачення більш універсальним чином, перевівши духовну сутність предмета через всі ці форми візуальну мову. Багато з цих символічних постатей було повторено і уточнено у його пізніх роботах, ставши ще абстрактнішими.

Казимир Малевич

Ідеї ​​Малевича про форму і значення мистецтво так чи інакше призводять до концентрації на теорії стилю абстракціонізм. Малевич працював з різними стилями в живописі, але найбільше був зосереджений на дослідженні чистих геометричних форм (квадрати, трикутники, кола) та їхньому відношенні один до одного в образотворчому просторі.

Завдяки своїм контактам на Заході Малевич міг передати свої ідеї про живопис друзям-художникам у Європі та Сполучених Штатах, і таким чином глибоко впливати на еволюцію сучасного мистецтва.

"Чорний квадрат" (1915)

Культова картина «Чорний квадрат» була вперше показана Малевичем на виставці у Петрограді 1915 року. Ця робота втілює теоретичні принципи супрематизму, розроблені Малевичем у його есе «Від кубізму і футуризму до супрематизму: новий реалізм у живопису».

На полотні перед глядачем знаходиться намальована на білому тлі абстрактна форма у вигляді чорного квадрата – це єдиний елемент композиції. Незважаючи на те, що картина здається простою, на ній присутні такі елементи як відбитки пальців, мазки пензлем, що проглядають через чорні шари фарби.

Для Малевича квадрат означає почуття, а білий - порожнечу, ніщо. Він бачив чорний квадрат як богоподібну присутність, ікону, наче вона могла стати новим священним чином для безпредметного мистецтва. Навіть на виставці ця картина була розміщена на тому місці, де в російському будинку зазвичай мають ікону.

Піт Мондріан

Піта Мондріана, який є одним із засновників голландського руху «Де стиль», визнають за чистоту його абстракцій та методичну практику. Він досить радикально спрощував елементи своїх картин, щоб відображати те, що він бачив, не безпосередньо, а образно, і створювати чітку та універсальну естетичну мову у своїх полотнах.

У своїх найвідоміших картинах з 1920-х років Мондріан зводить форми до ліній та прямокутників, а палітру – до найпростішої. Використання асиметричного балансу стало основним у розвитку сучасного мистецтва, а його культові абстрактні роботи зберігають свій вплив у дизайні та знайомі популярній культурі й у наші дні.

«Сіре дерево» (1912)

«Сіре дерево» є прикладом раннього переходу Мондріана до стилю абстракціонізм. Тривимірне дерево скорочується до найпростіших ліній і площин, з використанням лише сірих і чорних відтінків.

Ця картина є однією з серії робіт Мондріана, створених з більш реалістичним підходом, де, наприклад, дерева представлені натуралістично. Тоді як пізніші твори ставали дедалі абстрактнішими, наприклад, лінії дерева зменшуються до того часу, поки форма дерева стане ледь помітною і вторинної стосовно загальної композиції вертикальних і горизонтальних ліній.

Тут ще можна побачити інтерес Мондріана до відмови від структурованої організації ліній. Цей крок був значним у розвиток чистої абстракції Мондриана.

Робер Делоне

Делоне був одним із найраніших художників стилю абстракціонізм. Його творчість вплинула на розвиток цього напряму, ґрунтуючись на композиційній напрузі, яка була обумовлена ​​протиставленням квітів. Він досить швидко потрапив під нео-імпресіоністський колористичний вплив і дуже уважно стежив за кольором робіт у стилі абстракціонізм. Колір та світло він вважав головними інструментами, за допомогою яких можна вплинути на предметність світу.

До 1910 Делоне зробив власний внесок у кубізм у вигляді двох серій картин, що зображують собори і Ейфелеву вежу, які поєднали в собі кубічні форми, динаміку руху і яскраві кольори. Цей новий спосіб використання колірної гармонії допоміг відокремити цей стиль від ортодоксального кубізму, отримавши назву орфізм, і відразу вплинув на європейських художників. У цьому стилі продовжила писати картини дружина Делоне, художниця Соня Терк-Делоне.

«Ейфелева вежа» (1911)

Головна робота Делоне присвячена Ейфелевій вежі – знаменитому символу Франції. Це одна з найбільших із серії одинадцяти картин, присвячених Ейфелевій вежі між 1909 і 1911 роками. Вона забарвлена ​​в яскраво-червоний колір, що одразу відрізняє її від сірості навколишнього міста. Великий розмір полотна додатково посилює велич цієї споруди. Як привид, вежа підноситься над навколишніми будинками, в переносному сенсі потрясаючи самі основи старого порядку.

Картина Делоне передає це почуття безмежного оптимізму, невинності та свіжості часу, яке ще не стало свідком двох світових воєн.

Франтішек Купка

Франтішек Купка – чехословацький художник, який малює у стилі абстракціонізм, який закінчив Празьку академію мистецтв. Будучи студентом, він насамперед малював на патріотичні теми і писав історичні композиції. Його ранні твори були більш академічними, проте його стиль розвивався протягом багатьох років і в результаті перейшов в абстракціонізм. Написані в дуже реалістичній манері, навіть його ранні твори містили містичні сюрреалістичні теми та символи, що збереглося і при написанні абстракцій.

Купка вірив, що художник та його творчість беруть участь у тривалій творчій діяльності, природа якої не обмежена, як абсолют.

Аморфа. Фуга у двох кольорах» (1907-1908)

Починаючи з 1907-1908 рр., Купка почав малювати серію портретів дівчини, що тримає кулю в руці, ніби вона збиралася грати чи танцювати з нею. Потім він розробив дедалі більш схематичні її зображення, а зрештою отримав серію повністю абстрактних малюнків. Виконані вони були в обмеженій палітрі червоного, синього, чорного та білого кольорів.

1912 року, в Осінньому салоні, одна з таких абстрактних робіт була вперше публічно виставлена ​​в Парижі.

Стиль абстракціонізм не втрачає своєї популярності і в живописі XXI століття - любителі сучасного мистецтва не проти прикрасити таким шедевром свій будинок, і роботи в цьому стилі відлітають з молотка на всіляких аукціонах за нечувані суми.

Дізнатися ще більше про абстракціонізм мистецтва вам допоможе наступне відео:

Текст:Ксюша Петрова

ЦЬОГО ТИЖНЯ В ЄВРЕЙСЬКОМУ МУЗЕЇ І ЦЕНТРІ толерантностізакінчується виставка «Абстракція і образ» Герхарда Ріхтера – перша в Росії персональна експозиція одного з найвпливовіших та найдорожчих сучасних художників. Поки що на нещодавно продовжену виставку Рафаеля та Караваджо та грузинський авангард у ДМІІ ім. А. С. Пушкіна стоять черги, Ріхтера можна подивитися в комфортній компанії кількох десятків відвідувачів. У такому парадоксі винне не тільки те, що Єврейський музей сильно поступається популярності Пушкінському або Ермітажу, а й те, що багато хто досі ставиться до абстрактного мистецтва скептично.

Навіть тих, хто орієнтується в соврисці і добре розуміє, яке значення для світової культури має Чорний квадрат, відлякує елітарність і недоступність абстракції. Ми іронізуємо над творами модних художників, дивуємося аукціонним рекордам і побоюємося, що за фасадом мистецтвознавчих термінів виявиться порожнеча - адже художні переваги робіт, що нагадують дитячі каракулі, іноді викликають сумніви й у професіоналів. Насправді ореол «недоступності» абстрактного мистецтва легко розвіяти – у цій інструкції ми постаралися пояснити, чому абстракцію називають «буддійським телебаченням» і з якого боку до неї підійти.

Герхард Ріхтер. Листопад 1/54. 2012

Не намагайтеся з'ясувати,
що хотів сказати художник

У залах, де висять полотна епохи Відродження, зорієнтується навіть не дуже підготовлений глядач: принаймні він зможе легко назвати, що зображено на картині - люди, фрукти чи море, які емоції відчувають герої, чи є в цьому творі сюжет, чи знайомі йому учасники подій. Перед полотнами Ротко, Поллока чи Малевича ми почуваємося не так упевнено – на них немає об'єкта, за який можна зачепитися поглядом та поміркувати про нього, щоб, як у школі, з'ясувати, що хотів сказати автор. У цьому полягає головна відмінність абстрактної, чи безпредметної, живопису від звичнішої нам фігуративної: художник-абстракціоніст взагалі прагне зобразити навколишній світ, не ставить собі таке завдання.

Якщо уважно подивитися на останні два століття історії західного мистецтва, стає зрозуміло, що відмова від предмета в живописі – не примха купки нонконформістів, а закономірний етап розвитку. У XIX столітті з'явилася фотографія, і художники звільнилися від обов'язку зображати світ таким, яким він є: портрети родичів та улюблених собачок стали робити у фотоательє - виходило швидше та дешевше, ніж замовляти у майстра картину олією. З винаходом фотографії зникла потреба скрупульозно копіювати те, що ми бачимо, щоб зберегти це в пам'яті.

← Джексон Поллок.
Стенографічна фігура. 1942

До середини XIX століття дехто почав підозрювати, що реалістичне мистецтво - це пастка. Художники досконало освоїли закони перспективи та композиції, навчилися зображати людей і тварин з незвичайною точністю, обзавелися відповідними матеріалами, але результат виглядав все менш переконливо. Світ почав стрімко змінюватися, міста ставали більшими, почалася індустріалізація - на цьому тлі реалістичні зображення полів, батальних сцен та оголених натурниць здалися застарілими, відірваними від складних переживань сучасної людини.

Імпресіоністи, постімпресіоністи, фовісти та кубісти - художники, які не побоялися знову поставити питання про те, що важливо в мистецтві: кожен із цих напрямків використовував досвід попереднього покоління, експериментуючи з кольором та формою. У результаті деякі художники дійшли того, що контакт між автором і глядачем відбувається не через проекції реальності, а через лінії, плями і мазки фарби - так мистецтво позбавилося необхідності щось зображати, пропонуючи глядачеві відчути нічим не замутнену радість від взаємодії з кольором , формою, лініями та текстурою. Усе це добре поєднувалося з новими філософськими і релігійними вченнями - зокрема, теософією, а локомотиви російського авангарду Василь Кандинський і Казимир Малевич розробили власні філософські системи, у яких теорія мистецтва пов'язані з принципами ідеального суспільства.

У будь-якій незрозумілій ситуації використовуйте формальний аналіз

Ось кошмар, в якому може опинитися кожен любитель сучасного мистецтва: уявіть, що ви стоїте перед чудовою, як написано в путівнику, картиною Агнес Мартін і не відчуваєте нічого. Нічого, окрім роздратування та легкого смутку – не тому що картина викликає у вас такі відчуття, а тому що ви взагалі не розумієте, що тут намальовано і куди потрібно дивитися (ви навіть не впевнені, що куратори повісили роботу потрібною стороною). У такій ситуації допоможе поспішає формальний аналіз, з якого варто починати знайомство з будь-яким твором мистецтва. Видихніть і спробуйте відповісти на кілька дитячих питань: що я бачу перед собою - картину чи скульптуру, графіку чи живопис? За допомогою яких матеріалів та коли це було створено? Як можна описати ці форми та лінії? Як вони взаємодіють? Рухаються вони чи статичні? Чи є тут глибина – які елементи зображення знаходяться на першому плані, а які на другому?

← Барнетт Ньюман. Без назви. 1945

Наступний етап також досить простий: прислухайтеся до себе і спробуйте визначити, які емоції у вас викликає те, що ви бачите. Чи веселі ці червоні трикутники чи тривожні? Чи відчуваю себе спокійно чи картина тисне на мене? Контрольне питання: чи намагаюся я зрозуміти, на що це схоже, чи дозволяю своєму розуму вільно взаємодіяти з кольором та формою?

Пам'ятайте, що важлива як картина, а й рама - чи його відсутність. У випадку з тими самими Ньюманом, Мондріаном або «амазонкою авангарду» Ольгою Розановою відмова від рами – усвідомлений вибір художника, який запрошує вас відкинути старі уявлення про мистецтво та подумки розширити його межі, буквально вийти за рамки.

Щоб почуватися впевненіше, можете запам'ятати просту класифікацію абстрактних творів: їх прийнято розділяти на геометричні (Піт Мондріан, Елсуорт Келлі, Тео ван Дусбург) та ліричні (Елен Франкенталер, Герхард Ріхтер, Василь Кандинський).

Елен Франкенталер. Orange Hoop. 1965

Елен Франкенталер. Solarium. 1964

Не оцінюйте «вміння малювати»

"Моя дитина/кішка/мавпа може не гірша", - фраза, яку вимовляють щодня в кожному музеї сучасного мистецтва (можливо, десь додумалися поставити спеціальний лічильник). Легкий спосіб відповісти на подібну претензію - пирхнути і закотити очі, нарікаючи на духовну бідність оточуючих, складний і продуктивніший - поставитися до питання серйозно і спробувати пояснити, чому майстерність абстракціоністів варто оцінювати інакше. Великий семіолог Ролан Барт написав проникливе есе про здається «дитячість» каракулів Сая Твомблі, а наша сучасникка Сюзі Ходж присвятила цій темі цілу книгу.

Багато абстракціоністів мають класичну освіту та відмінні навички академічного малюнка – тобто вони здатні намалювати симпатичну вазу з квітами, захід сонця на морі чи портрет, але чомусь не хочуть. Вони вибирають візуальний досвід, не обтяжений предметністю: художники ніби полегшують завдання глядачеві, не даючи йому відволіктися на об'єкти, зображені на картині, і допомагають відразу поринути в емоційне переживання.

← Сай Твомблі. Без назви. 1954

У 2011 році дослідники вирішили перевірити, чи справді полотна в жанрі абстрактного експресіонізму (до цього напряму абстрактного мистецтва виникає найбільше питань) не відрізняються від малюнків маленьких дітей, а також мистецтв шимпанзе та слонів. Випробуваним пропонували подивитися на пари картинок і визначити, які з них зроблені професійними художниками - у 60-70% випадків респонденти обирали справжні твори мистецтва. Перевага невелика, але статистично значуща - мабуть, у роботах абстракціоністів дійсно є щось таке, що відрізняє їх від малюнків розумного шимпанзе. Ще одне нове дослідження показало, що відрізнити роботи абстракціоністів від дитячих малюнків можуть і діти. Щоб перевірити своє художнє чуття, можете пройти тест із аналогічними умовами на BuzzFeed.

Пам'ятайте, що все мистецтво абстрактне

Якщо ваш мозок готовий до невеликого навантаження, подумайте про те, що все мистецтво по суті своїй абстрактне. Фігуративний живопис, чи то натюрморт «Хлопчик із люлькою» Пікассо чи «Останній день Помпеї» Брюллова – це проекція тривимірного світу на плоске полотно, імітація «реальності», яку ми сприймаємо через зір. Про об'єктивність нашого сприйняття теж годі й говорити - адже можливості людського зору, слуху та інших почуттів дуже обмежені, і оцінити їх ми самостійно не можемо.

Мармуровий Давид - не живий хлопець, а шматок каменю, якому Мікеланджело надав форму, що нагадує нам чоловіка (а уявлення про те, як виглядають чоловіки, ми отримали зі свого життєвого досвіду). Якщо дуже близько підійти до Джоконди, вам все одно здаватиметься, що ви бачите її ніжну, майже живу шкіру, прозору вуаль і туман вдалині - але і це по суті абстракція, просто Леонардо да Вінчі дуже ретельно і довго накладав один на одного шари фарби створити дуже тонку ілюзію. Більш наочно фокус із викриттям працює з фовістами та пуантилістами: якщо ви наблизитесь до картини Піссаро, то побачите не бульвар Монмартр і захід сонця в Еранії, а безліч різнокольорових дрібних мазків. Ілюзорній суті мистецтва присвячена знаменита картина Рене Магрітта «Віроломство образів»: звичайно, «це не трубка» - це лише вдало розташовані на полотні мазки фарби.

← Елен Франкенталер.
Nepenthe. 1972

Імпресіоністи, в компетентності яких ми сьогодні не сумніваємося, були абстракціоністами свого часу: Моне, Дега, Ренуара та їхніх друзів звинувачували в тому, що вони відмовилися від реалістичного зображення на користь передачі відчуттів. «Недбалі» мазки, помітні неозброєним оком, «дивна» композиція та інші прогресивні прийоми здавалися публіці того часу блюзнірськими. Наприкінці XIX століття імпресіоністів серйозно звинувачували в «невмінні малювати», вульгарності та цинізмі.

Організаторам паризького Салону довелося повісити «Олімпію» Мані практично під стелею – надто багато знайшлося охочих плюнути в неї чи проткнути полотно парасолькою. Чи ця ситуація відрізняється від інциденту 1987 року в амстердамському музеї Стеделійк, коли чоловік напав з ножем картину «Хто боїться червоного, жовтого та блакитного III» абстракціоніста Барнетта Ньюмана?

Марк Ротко. Без назви. 1944-1946

Не нехтуйте контекстом

Найкращий спосіб відчути твір абстрактного мистецтва - стати перед ним і дивитися, дивитися і дивитися. Деякі роботи можуть занурити глядача у глибокі екзистенційні переживання чи екстатичний транс – найчастіше таке відбувається з картинами Марка Ротко та об'єктами Аніша Капура, але подібний ефект можуть мати й роботи невідомих художників. Хоча емоційний контакт найважливіше, відмовлятися від читання етикеток та знайомства з історичним контекстом не варто: назва не допоможе вам зрозуміти «сенс» твору, але може наштовхнути на цікаві думки. Навіть сухі найменування на кшталт «Композиція № 2» та «Об'єкт № 7» дещо нам повідомляють: даючи своїй роботі таке ім'я, автор закликає нас відмовитися від пошуків «підтексту» чи «символізму» та зосередитись на духовному переживанні.

← Юрій Злотніков. Композиція №22. 1979

Історія створення роботи теж важлива: швидше за все, якщо ви дізнаєтесь, коли і за яких обставин було створено твір, ви розглянете щось нове. Прочитавши біографію художника, дбайливо підготовлену для вас кураторами музею, запитайте себе, яке значення міг мати цей твір у тій країні і в той час, коли працював його автор: той самий «Чорний квадрат» справляє зовсім інше враження, якщо ви щось знаєте про філософські течії та мистецтво початку XX століття. Ще один, менш відомий приклад – серія «Сигнальні системи» піонера російської повоєнної абстракції Юрія Злотнікова. Сьогодні кольорові кружечки на білому полотні не здаються революційними – але у 1950-ті, коли офіційне мистецтво виглядало приблизно так, абстракції Злотнікова були справжнім проривом.

Пригальмуйте

Завжди краще приділити увагу кільком роботам, що вам сподобалися, ніж пробігти по музею галопом, намагаючись осягнути неосяжне. Професор Дженніфер Робертс із Гарварда змушує своїх студентів дивитися на одну картину по три години – від вас, звичайно, ніхто не вимагає такої стійкості, але тридцяти секунд на картину Кандинського явно не вистачить. У своєму маніфесті - зізнанні в коханні абстракції відомий арт-критик Джеррі Зальц називає гіпнотичні полотна Ротко "буддійським телебаченням" - мається на увазі, що вдивлятися в них можна нескінченно.

Повторіть це вдома

Найкращий спосіб перевірити крамольну думку «я можу намалювати не гірше», яка часом виникає і у професійних мистецтвознавців, – провести експеримент у домашніх умовах. Буде цікаво й у зворотній ситуації – якщо ви побоюєтеся братися за фарби через «невміння малювати» чи «відсутність здібностей». Недарма саме абстрактні техніки найчастіше використовують у арт-терапії: вони допомагають висловити складні відчуття, для яких важко підібрати слова. Для багатьох художників, які страждають від внутрішніх протиріч та власної несумісності із зовнішнім світом, абстракція стала чи не єдиним способом примирення з дійсністю (крім наркотиків та алкоголю, звісно).

Абстрактні роботи можна створювати за допомогою будь-яких художніх матеріалів - від акварелі до дубової кори, так що ви напевно знайдете техніку, яка припаде вам до душі та засобам. Мабуть, не варто відразу починати з дріпінгу» - наведений у ній розбір картини Мондріана «Композиція з червоним, синім та жовтим» для найменших не соромно почитати і дорослим.Єврейський музей, АРТ4

Абстракціонізм (Лат. abstractio- видалення, відволікання) або нефігуративне мистецтво– напрям мистецтва, який відмовився від наближеного до дійсності зображення форм у живописі та скульптурі. Одна з цілей абстракціонізму – досягнення «гармонізації», за допомогою зображення певних колірних поєднань та геометричних форм, викликаючи у споглядача почуття повноти та завершеності композиції. Видатні діячі: Василь Кандинський, Казимир Малевич, Наталія Гончарова та Михайло Ларіонов, Піт Мондріан.

Історія

Абстракціонізм(Мистецтво під знаком «нуля форм», безпредметне мистецтво) – художній напрямок, що сформувався в мистецтві першої половини 20 століття, повністю відмовився від відтворення форм реального видимого світу. Засновниками абстракціонізму прийнято вважати В. Кандинського , П. Мондріана іМалевича.

В. Кандинський створив свій тип абстрактного живопису, звільняючи від будь-яких ознак предметності плями імпресіоністів і «диких». Піт Мондріан дійшов своєї безпредметності через геометричну стилізацію природи, розпочату Сезанном і кубістами. Модерністські течії 20 століття, орієнтовані абстракціонізм, повністю відходять від традиційних принципів, заперечуючи реалізм, але при цьому залишаються в рамках мистецтва. Історія мистецтва з появою абстракціонізму пережила революцію. Але ця революція виникла невипадково, а цілком закономірно, і було передбачено ще Платоном! У своєму пізньому творі «Філеб» той писав про красу самих по собі ліній, поверхні та просторових форм, незалежних від будь-якого наслідування видимих ​​предметів, від будь-якого мімезису. Така геометрична краса на відміну від краси природних «неправильних» форм, на думку Платона, має не відносний, а безумовний, абсолютний характер.

20 століття та сучасність

Після 1-ї світової війни 1914-18 роках тенденції абстрактного мистецтва найчастіше виявлялися в окремих творах представників дадаїзму та сюрреалізму; водночас визначилося прагнення знайти застосування необразотворних форм в архітектурі, декороративному мистецтві, дизайні (експерименти групи Стиль» та «Баухауза»). Декілька груп абстрактного мистецтва («Конкретне мистецтво», 1930; «Коло і квадрат», 1930; «Абстракція і творчість», 1931), що об'єднали художників різних національностей та напрямів, виникло на початку 30-х рр., головним чином у Франції. Однак широкого поширення абстрактне мистецтво на той час не набуло, і до середини 30-х років. групи розпалися. У роки 2-ої світової війни 1939–45 у США виникла школа так званого абстрактного експресіонізму (живописці Дж. Поллок, М. Тобіта ін.), що розвивався після війни в багатьох країнах (під назвою ташізму або «безформного мистецтва») і проголосив своїм методом «чистий психічний автоматизм» та суб'єктивну підсвідому імпульсивність творчості, культ несподіваних кольорових та фактурних поєднань.

У другій половині 50-х років у США зародилося мистецтво інсталяції, поп-арту, яке пізніше прославило Енді Уорхола з його нескінченним тиражуванням портретів Мерилін Монро і банок собачого корму – колажний абстракціонізм. У образотворчому мистецтві 60-х стала популярною найменш агресивна, статична форма абстракції – мінімалізм. Тоді ж Барнет Ньюмен, основоположник американського геометричного абстракціонізму разом із А.Ліберманом, А.Хельдомі К.Ноландомуспішно займалися подальшим розвитком ідей голландського неопластицизму та російського супрематизму.

Ще одна течія американського живопису отримала назву «хроматичного» або «постживописного» абстракціонізму. Представники його певною мірою відштовхувалося від фовізму і постімпресіонізму. Жорсткий стиль, підкреслено різкі контури робіт Е.Келлі, Дж.Юнгермана, Ф.Стеллипоступово поступалися місцем живопису споглядального меланхолійного складу. У 70-ті – 80-ті роки американський живопис повернувся до фігуративності. Понад те, широке поширення набуло таке крайнє її прояв, як фотореалізм. Більшість мистецтвознавців сходяться на тому, що 70-ті - це момент істини для американського мистецтва, оскільки в цей період воно нарешті звільнилося від європейського впливу і стало суто американським. Втім, незважаючи на повернення традиційних форм та жанрів, від портрета до історичного живопису, не зник і абстракціонізм.

Картини, твори «необразистого» мистецтва створювалися як і раніше, оскільки поверненням до реалізму США було подолано не абстракціонізм як такої, але його канонізація, заборона на фігуративне мистецтво, яке ототожнювалося насамперед із нашим соцреалізмом, отже, було не вважатися одіозним у «вільному демократичному» суспільстві, заборона на «низькі» жанри, соціальні функції мистецтва. При цьому стилістика абстрактного живопису набула якоїсь м'якості, якої їй не вистачало раніше, – обтічність обсягів, розмитість контурів, багатство півтонів, тонкі колірні рішення ( Є.Мюррей, Г.Стефан, Л.Ріверс, М.Морлі, Л.Чезе, А.Бялоброд).

Усі ці тенденції заклали основу у розвиток сучасного абстракціонізму. У творчості може бути нічого застиглого, остаточного, оскільки це було б смертю йому. Але хоч би якими шляхами йшов абстракціонізм, хоч би яким піддавався трансформаціям, сутність його завжди залишається незмінною. Вона в тому, що абстракціонізм в образотворчому мистецтві – це найбільш доступний і шляхетний спосіб сфотографувати особисте буття, причому у формі, самої, що не є адекватною – подібно до факсимільного відбитка. Разом про те, абстракціонізм – це пряма реалізація свободи.

Напрями

В абстракціонізмі можна виділити два чіткі напрямки: геометрична абстракція, заснована переважно на чітко окреслених конфігураціях (Малевич, Мондріан), і лірична абстракція, в якій композиція організується з вільно поточних форм (Кандинський). Також в абстракціонізм є ще кілька великих самостійних течій.

Кубізм

Авангардистський напрямок в образотворчому мистецтві, що зародився на початку XX століття і характеризується використанням підкреслено умовних форм геометричної форми, прагненням «роздробити» реальні об'єкти на стереометричні примітиви.

Районізм (Лучизм)

Напрямок в абстрактному мистецтві 1910-х р.р., заснований на зміщенні світлових спектрів та світлопередачі. Характерна ідея виникнення форм з «перетину відбитих променів різних предметів», оскільки людиною насправді сприймається не сам предмет, а «сума променів, які від джерела світла, відбитих від предмета».

Неопластицизм

Позначення напряму абстрактного мистецтва, яке існувало у 1917–1928 роках. в Голландії і об'єднувало художників, що групувалися навколо журналу "De Stijl" ("Стиль"). Характерні чіткі прямокутні форми в архітектурі та абстрактний живопис у компонуванні великих прямокутних площин, пофарбованих в основні кольори спектру.

Орфізм

Напрямок у французькому живописі 1910-х років. Художники-орфісти прагнули висловити динаміку руху та музичність ритмів за допомогою «закономірностей» взаємопроникнення основних кольорів спектру та взаємоперетину криволінійних поверхонь.

Супрематизм

Напрямок в авангардистському мистецтві, заснований у 1910-х роках. Малевичем. Виражався в комбінаціях різнокольорових площин найпростіших геометричних контурів. Поєднання різнокольорових геометричних фігур утворює пронизані внутрішнім рухом урівноважені асиметричні супрематичні композиції.

Ташизм

Течія в західноєвропейському абстракціонізмі 1950-60-х років, найбільшого поширення набуло в США. Являє собою живопис плямами, які відтворюють образів реальності, а виражають несвідому активність художника. Мазки, лінії та плями в ташизмі наносяться на полотно швидкими рухами руки без заздалегідь обдуманого плану.

Абстрактний експресіонізм

Рух художників, що малюють швидко і на великих полотнах, з використанням негеометричних штрихів, великих пензлів, іноді капаючи фарбами на полотно, для виявлення емоцій. Експресивний метод фарбування часто має таке ж значення, як саме малювання.

Абстракіонізм в інтер'єрі

Останнім часом абстракціонізм почав переходити з полотен художників до затишного інтер'єру будинку, вигідно оновлюючи його. Мінімалістичний стиль із використанням чітких форм, часом досить незвичайних, робить приміщення незвичайним та цікавим. Але переборщити із кольором дуже просто. Розглянемо поєднання помаранчевого кольору у такій стилістиці інтер'єру.

Білий найкраще розбавляє насичений помаранчевий, і ніби остуджує його. Колір апельсина змушує кімнату стати спекотнішою, тому небагато; не завадить. Акцент повинен бути на меблі або оформлення її, наприклад, помаранчеве покривало. У такому випадку білі стіни заглушать яскравість кольору, але залишать барвисті кімнати. Прекрасним доповненням у такому разі слугуватимуть картини тієї ж гами — головне не переборщити, інакше будуть проблеми зі сном.

Поєднання помаранчевого та блакитного кольорів згубне для будь-якої кімнати, якщо це не стосується дитячої. Якщо підібрати не яскраві відтінки, то вони вдало гармоніюватимуть один з одним, додадуть настрою, і не згубно впливатимуть навіть на гіперактивних дітей.

Помаранчевий відмінно поєднується із зеленим, створюючи ефект мандаринового дерева та шоколадним відтінком. Коричневий – колір, який варіюється від теплого до холодного, тому ідеально нормалізує загальну температуру кімнати. Крім того, таке поєднання кольорів підійде для кухні та вітальні, де потрібно створити атмосферу, але не перевантажити інтер'єр. Оформивши стіни в білий та шоколадний кольори, можна спокійно поставити оранжеве крісло або повісити яскраву картину з насиченим мандариновим кольором. Поки ви в такій кімнаті, у вас буде чудовий настрій та бажання зробити якнайбільше справ.

Картини відомих художників-абстракціоністів

Кандинський був одним із піонерів абстрактного мистецтва. Свої пошуки він починав в імпресіонізмі, а вже потім дійшов стилю абстракціонізм. У своїй творчості він експлуатував взаємозв'язок між кольором і формою для створення естетичного досвіду, який охоплював би одночасно і бачення, і емоції глядачів. Він вважав, що абстракція дає простір для глибокого, трансцендентного висловлювання, а копіювання реальності лише заважає цьому процесу.

Живопис був глибоко духовним для Кандинського. Він прагнув передати глибину людських емоцій через універсальну візуальну мову абстрактних форм і кольорів, яка перевершила б фізичні та культурні межі. Він бачив абстракціонізмяк ідеальний візуальний режим, який може висловити «внутрішню потребу» художника та передати людські ідеї та емоції. Він вважав себе пророком, чия місія – ділитися цими ідеалами зі світом, на благо суспільства.

Приховані у яскравих кольорах та чіткі чорні лінії зображують кілька козаків із списами, а також човни, цифри та замок на вершині пагорба. Як і в багатьох картинах цього періоду, вона є апокаліптичною битвою, яка призведе до вічного світу.

Для того, щоб полегшити розробку безпредметного стилю живопису, як описано в його роботі «Про духовне мистецтво» (1912), Кандинський зменшує об'єкти до піктографічних символів. Завдяки видаленню більшості посилань до зовнішнього світу, Кандинський висловив своє бачення більш універсальним чином, перевівши духовну сутність предмета через всі ці форми візуальну мову. Багато з цих символічних постатей було повторено і уточнено у його пізніх роботах, ставши ще абстрактнішими.

Казимир Малевич

Ідеї ​​Малевича про форму і значення мистецтво так чи інакше призводять до концентрації на теорії стилю абстракціонізм. Малевич працював з різними стилями в живописі, але найбільше був зосереджений на дослідженні чистих геометричних форм (квадрати, трикутники, кола) та їхньому відношенні один до одного в образотворчому просторі. Завдяки своїм контактам на Заході Малевич міг передати свої ідеї про живопис друзям-художникам у Європі та Сполучених Штатах, і таким чином глибоко впливати на еволюцію сучасного мистецтва.

"Чорний квадрат" (1915)

Культова картина «Чорний квадрат» була вперше показана Малевичем на виставці у Петрограді 1915 року. Ця робота втілює теоретичні принципи супрематизму, розроблені Малевичем у його есе «Від кубізму і футуризму до супрематизму: новий реалізм у живопису».

На полотні перед глядачем знаходиться намальована на білому тлі абстрактна форма у вигляді чорного квадрата – єдиний елемент композиції. Незважаючи на те, що картина здається простою, на ній присутні такі елементи як відбитки пальців, мазки пензлем, що проглядають через чорні шари фарби.

Для Малевича квадрат означає почуття, а білий – порожнечу, ніщо. Він бачив чорний квадрат як богоподібну присутність, ікону, наче вона могла стати новим священним чином для безпредметного мистецтва. Навіть на виставці ця картина була розміщена на тому місці, де в російському будинку зазвичай мають ікону.

Піт Мондріан

Піта Мондріана, який є одним із засновників голландського руху «Де стиль», визнають за чистоту його абстракцій та методичну практику. Він досить радикально спрощував елементи своїх картин, щоб відображати те, що він бачив, не безпосередньо, а образно, і створювати чітку та універсальну естетичну мову у своїх полотнах. У своїх найвідоміших картинах з 1920-х років Мондріан зводить форми до ліній та прямокутників, а палітру – до найпростішої. Використання асиметричного балансу стало основним у розвитку сучасного мистецтва, а його культові абстрактні роботи зберігають свій вплив у дизайні та знайомі популярній культурі й у наші дні.

«Сіре дерево» є прикладом раннього переходу Мондріана до стилю абстракціонізм. Тривимірне дерево скорочується до найпростіших ліній і площин, з використанням лише сірих і чорних відтінків.

Ця картина є однією з серії робіт Мондріана, створених з більш реалістичним підходом, де, наприклад, дерева представлені натуралістично. Тоді як пізніші твори ставали дедалі абстрактнішими, наприклад, лінії дерева зменшуються до того часу, поки форма дерева стане ледь помітною і вторинної стосовно загальної композиції вертикальних і горизонтальних ліній. Тут ще можна побачити інтерес Мондріана до відмови від структурованої організації ліній. Цей крок був значним у розвиток чистої абстракції Мондриана.

Робер Делоне

Делоне був одним із найраніших художників стилю абстракціонізм. Його творчість вплинула на розвиток цього напряму, ґрунтуючись на композиційній напрузі, яка була обумовлена ​​протиставленням квітів. Він досить швидко потрапив під нео-імпресіоністський колористичний вплив і дуже уважно стежив за кольором робіт у стилі абстракціонізм. Колір та світло він вважав головними інструментами, за допомогою яких можна вплинути на предметність світу.

До 1910 Делоне зробив власний внесок у кубізм у вигляді двох серій картин, що зображують собори і Ейфелеву вежу, які поєднали в собі кубічні форми, динаміку руху і яскраві кольори. Цей новий спосіб використання колірної гармонії допоміг відокремити цей стиль від ортодоксального кубізму, отримавши назву орфізм, і відразу вплинув на європейських художників. У цьому стилі продовжила писати картини дружина Делоне, художниця Соня Терк-Делоне.

Головна робота Делоне присвячена Ейфелевій вежі – знаменитому символу Франції. Це одна з найбільших із серії одинадцяти картин, присвячених Ейфелевій вежі між 1909 і 1911 роками. Вона забарвлена ​​в яскраво-червоний колір, що одразу відрізняє її від сірості навколишнього міста. Великий розмір полотна додатково посилює велич цієї споруди. Як привид, вежа підноситься над навколишніми будинками, в переносному сенсі потрясаючи самі основи старого порядку. Картина Делоне передає це почуття безмежного оптимізму, невинності та свіжості часу, яке ще не стало свідком двох світових воєн.

Франтішек Купка

Франтішек Купка – чехословацький художник, який малює у стилі абстракціонізм, який закінчив Празьку академію мистецтв. Будучи студентом, він насамперед малював на патріотичні теми і писав історичні композиції. Його ранні твори були більш академічними, проте його стиль розвивався протягом багатьох років і в результаті перейшов в абстракціонізм. Написані в дуже реалістичній манері, навіть його ранні твори містили містичні сюрреалістичні теми та символи, що збереглося і при написанні абстракцій. Купка вірив, що художник та його творчість беруть участь у тривалій творчій діяльності, природа якої не обмежена, як абсолют.

Аморфа. Фуга у двох кольорах» (1907-1908)

Починаючи з 1907-1908 рр., Купка почав малювати серію портретів дівчини, що тримає кулю в руці, ніби вона збиралася грати чи танцювати з нею. Потім він розробив дедалі більш схематичні її зображення, а зрештою отримав серію повністю абстрактних малюнків. Виконані вони були в обмеженій палітрі червоного, синього, чорного та білого кольорів. 1912 року, в Осінньому салоні, одна з таких абстрактних робіт була вперше публічно виставлена ​​в Парижі.

Сучасні абстракціоністи

З початку двадцятого століття художники, зокрема Пабло Пікассо, Сальвадор Далі, Каземір Малевич, Василь Кандинський — експериментують з формами предметів та їх сприйняттям, а також ставлять під сумнів канони, що існують у мистецтві. Ми підготували добірку найвідоміших сучасних художників-абстраціоністів, які вирішили розсунути свої межі пізнання та створити свою власну реальність.

Німецький художник Девід Шнел(David Schnell) любить тинятися місцями, в яких раніше панувала природа, а зараз вони нагромаджені спорудами людей - від ігрових майданчиків до заводів і фабрик. Спогади про ці прогулянки народжують його яскраві абстрактні пейзажі. Даючи волю своїй уяві та пам'яті, а не фотографіям та відеозаписам, Девід Шнел створює картини, які нагадують комп'ютерну віртуальну реальність чи ілюстрації до книг з фантастики.

Створюючи свої великомасштабні абстрактні картини, американська художниця Крістін Бейкер(Kristin Baker) черпає натхнення з історії мистецтв та гонок Наскар та Формули 1. Сналу вона надає своїм роботам об'єму, накладаючи кілька шарів акрилової фарби та обклеюючи силуети скотчем. Потім Крістін акуратно здирає його, що дозволяє побачити нижні шари фарби і робить поверхню картин схожими на багатошаровий різнокольоровий колаж. На останньому етапі роботи вона зіскаблює всі нерівності, роблячи свої картини схожими за відчуттями на рентгенівський знімок.

У своїх роботах художниця грецького походження з Брукліна, Нью-Йорк, Олеанна Анагнос(Eleanna Anagnos) досліджує аспекти повсякденного життя, які часто вислизають від людей. У ході її «діалогу з полотном» звичайні поняття набувають нових смислів і межі: негативний простір стає позитивним і малі форми збільшуються в розмірах. Намагаючись таким чином вдихнути «життя у свої картини», Олеанна намагається пробудити людський розум, який перестав ставити запитання і бути відкритим до чогось нового.

Народжуючи на полотні яскраві бризки та патьоки фарби, американська художниця Сара Спітлер(Sarah Spitler) прагне відобразити у своїй творчості хаос, катастрофи, дисбаланс та безладдя. Її приваблюють ці поняття, оскільки де вони піддаються контролю з боку людини. Тому їхня руйнівна сила робить абстрактні роботи Сари Спітлер потужними, енергійними та захоплюючими. Крім того. образ, що вийшов на полотні з чорнила, акрилових фарб, графітових олівців і емалі підкреслює ефімерність і відносність того, що відбувається навколо.

Черпаючий натхнення з архітектури, художник з Ванкувера, Канада, Джефф Депнер(Jeff Depner) створює багатошарові абстрактні картини, що складаються з геометричних фігур. У створеному ним художньому «хаосі» Джефф шукає гармонію у кольорі, формі та композиції. Кожен із елементів у його картинах пов'язаний один з одним і веде до наступного: «Мої роботи досліджують композиційну структуру [картини] через взаємини кольорів у вибраній палітрі…». На думку художника, його картини – це абстрактні знаки, які мають перенести глядачів на новий, несвідомий рівень.

Абстракціонізм чи безпредметне мистецтво - один із безлічі напрямків у мистецтві, що виникли на початку ХХ століття. В рамках абстракціонізму відбувається відмова від зображення реальних явищ та предметів. На полотні ми бачимо поєднання ліній, геометричних форм, текстур та кольорових плям.

Важливо розуміти, що абстракціонізм виник не звідки: відмова від предмета в живопису - це закономірний етап розвитку мистецтва, що почався ще в XIX столітті (з появою фотографії зникає потреба робити докладне зображення).

Західне мистецтво, починаючи з доби Відродження і до середини XIX століття, спиралося на логіку перспективи і було спробою відтворити ілюзію реальності. До кінця XIX століття багато художників відчули необхідність створити новий вид мистецтва, який би охоплював фундаментальні зміни, що відбуваються в житті суспільства.

Василь Кандінський. "Імпровізація 28". Полотно, олія. Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк. 1912

Підсумком стрімких змін у світі (у тому числі внаслідок глобальної індустріалізації) був стрімкий відхід художників від застарілих зображень оголених натурниць, реалістичних пейзажів та батальних сцен. Все це підкріплювалося філософськими трактатами, такими як «Про духовне мистецтво» Василя Кандинського (1910). Світовідчуття Кандинського, закладене ним у книзі «Про духовне мистецтво» пов'язані з теософськими і антропософськими працями Блаватської Олени і Штайнера Рудольфа, творчість яких вивчав Василь Васильович.

Кандинський вважав, що кольори викликають емоції. Червоний був живий і впевнений у собі; зелений - спокійним, із внутрішньою силою; синій - глибоким та надприродним; жовтий міг бути теплим, збуджуючим, тривожним або зовсім божевільним; а білий здавався мовчазним, але повним можливостей. Він також призначив інструментальні тони кожного кольору. Червоний звучав як труба, зелений – як скрипка у середній позиції, блакитний – як флейта, темно – синій як віолончель, жовтий – як фанфари, білий – як пауза в гармонійній мелодії.

Ці аналогії зі звуками походили з любові Кандинського до музики, особливо до творів сучасного віденського композитора Арнольда Шенберга (1874-1951). Назви Кандинського часто відносяться до квітів у композиції або музики, наприклад, «Імпровізація 28» та «Композиція II».

Визначними представниками течії були М. Ларіонов, П. Мондріан, В. Кандінський, К. Малевич та багато інших. Першим полотном, написаним у новій техніці, є акварель пензля Василя Кандинського (1910).

Василь Кандінський. "Без назви". 49х64 см. Центр Жоржа Помпіду, Париж. 1910

Однією з цілей безпредметного мистецтва вважатимуться досягнення гармонії у створенні певних колірних поєднань геометричних форм задля досягнення у що дивиться різних асоціацій. Відхилення від точного подання абстракції може бути незначним, частковим або повним. Абсолютна абстракція не має жодного відношення до чогось впізнаваного. Художники прагнуть бути об'єктивними, дозволяють глядачеві інтерпретувати зміст кожного твору по-своєму. Таким чином, абстрактне мистецтво не є перебільшеним чи спотвореним поглядом на світ, як ми бачимо у кубістичних картинах Поля Сезанна та Пабло Пікассо. Натомість форма і колір стають фокусом та предметом твору.

Всі форми та колірні поєднання, що знаходяться в периметрі зображення, мають ідею, своє вираження та смислове навантаження. Як би не здавалося глядачеві, дивлячись на картину, де крім ліній і клякс нічого немає, все в абстракції підпорядковане певним правилам вираження.

Робер Делоне. "Синхронні вікна". Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк 55х46 см. 1912

З початку століття культурні зв'язки між художниками великих європейських міст стали надзвичайно активними, оскільки вони прагнули створити форму мистецтва, що дорівнює високим прагненням модернізму.

Новий художній напрямок виник паралельно в кількох країнах на початку 1910-х років. Так, представниками абстракціонізму в Росії були Василь Кандинський (який працював на той час у Німеччині), Михайло Ларіонов і Наталія Гончарова (що заснували лучизм - один із ранніх напрямів абстракціонізму), Казимир Малевич (що вдосконалив абстракцію до супрематизму - повної безпредметності). Будучи символом початку нової епохи, абстракціонізм включив: безпредметне мистецтво, лучизм, неопластилізм, супрематизм, ташизм.

З 1909 по 1913 рік багато експериментальних робіт у пошуках цього "чистого мистецтва" було створено рядом художників: Франциск Пікабіа написав «Каучук» (1909), «Весна» (1912), «Хід, Севілья» (1912), Василь Кандинський написав « Без назви» (1913), Франтішек Купка написав роботи «Орфіста», «Диск Ньютона» (1912), «Аморфа» (1912), Роберт Делоне написав серії «Вікна» та «Форми» (1912-13), Леопольд Сюрваж створив "Кольоровий ритм" (1913), Піт Мондріан пише "Композицію № 11" (1913).

Піт Мондріан. "Композиція № 11". 1913

Хоча ми схильні пов'язувати абстрактне мистецтво з живописом та скульптурою, воно може застосовуватися до будь-якого візуального засобу, включаючи асамбляж та фотографію. Проте саме художники привертають найбільшу увагу у цьому русі.

Ставлення до абстракціонізму не завжди було однозначно - довгий час він перебував в андеграунді, як зазвичай це буває, новий жанр висміювали та засуджували, як мистецтво, яке не має сенсу. Згодом стан справ змінилося - у ХХІ столітті абстракцію сприймають нарівні з іншими формами живопису.

Теги

цецікаво, Фомірякова Ганна, цікаві факти, аукціон, сотбіс, sotheby's, Піт Мондріан, Робер Делоне, Василь Кандинський.

Виникнення абстракціонізму:

Абстракціонізм, як напрямок, виник на початку 20 ст. одночасно у кількох європейських країнах. Визнаними основоположниками та натхненниками цього руху вважаються художники Василь Кандинський, Казимир Малевич, Піт Мондріан, Франтішек Купка та Робер Делоне, які виклали основні положення Абстракціонізму у своїх теоретичних працях та програмних заявах. Різні за цілями і завданням, їх вчення були єдині в одному: Абстракціонізм як найвищий ступінь розвитку образотворчої творчості створює форми, притаманні лише мистецтву. «Звільнений» від копіювання дійсності, він перетворюється на засіб передачі різними образотворчими образами незбагненного духовного початку світобудови, вічних «духовних сутностей», «космічних сил».

Як художнє явище Абстракціонізм вплинув на становлення та розвиток сучасного архітектурного стилю, дизайну, промислового, прикладного та декоративного мистецтва.

Особливості абстракціонізму:

Абстракціонізм (від латів. Abstractus – абстрактний) – одне з головних художніх напрямів у мистецтві 20 століття, у якому структура твори грунтується виключно формальних елементах – лінії, колірному плямі, абстрактної зміни. Твори Абстракціонізму відхилені від форм самого життя: безпредметні композиції втілюють суб'єктивні враження та фантазії художника, потік його свідомості, вони породжують вільні асоціації, рух думки та емоційні співпереживання.

З моменту появи абстракціонізму в ньому намітилися дві основні лінії:

• Перша – геометрична, або логічна абстракція, Що створює простір шляхом поєднання геометричних форм, кольорових площин, прямих та ламаних ліній Вона знаходить втілення у супрематизмі К.Малевича, неопластицизмі П.Мондріана, орфізму Р.Делоне, у творчості майстрів постмальовничої абстракції та оп-арту;
• Друга - лірико-емоційна абстракція, в якій композиції організуються з вільно поточних форм та ритмів, представлена ​​творчістю В.Кандинського, роботами майстрів абстрактного експресіонізму, ташизму, інформального мистецтва.

Майстри абстракціонізму:

Василь Кандинський, Казимир Малевич, Франтішек Купка, Пауль Клеє, Піт Мондріан, Тео Ван Дусбург, Роббер Делоне, Михайло Ларіонов, Любов Попова, Джексон Полок, Йозеф Альберс та інші.

Картини художників: