प्रभाववादी पेंटिंग शहरी परिदृश्य। कॉन्स्टेंटिन कोरोविन द्वारा पेंटिंग्स

उन्नीसवीं शताब्दी के अंतिम दशकों और बीसवीं की शुरुआत में कला में सबसे बड़ी प्रवृत्तियों में से एक प्रभाववाद है, जो फ्रांस से पूरी दुनिया में फैल गया। इसके प्रतिनिधि पेंटिंग की ऐसी विधियों और तकनीकों के विकास में लगे हुए थे जो इसे सबसे स्पष्ट रूप से और स्वाभाविक रूप से गतिशीलता में वास्तविक दुनिया को प्रतिबिंबित करने के लिए, इसके क्षणभंगुर छापों को व्यक्त करने के लिए संभव बनाती हैं।

कई कलाकारों ने प्रभाववाद की शैली में अपने कैनवस बनाए, लेकिन आंदोलन के संस्थापक क्लाउड मोनेट, एडौर्ड मानेट, अगस्टे रेनॉयर, अल्फ्रेड सिसली, एडगर डेगास, फ्रेडरिक बाज़िल, केमिली पिसारो थे। उनके सर्वोत्तम कार्यों का नाम देना असंभव है, क्योंकि वे सभी सुंदर हैं, लेकिन सबसे प्रसिद्ध हैं, जिनकी चर्चा आगे की जाएगी।

क्लाउड मोनेट: "इंप्रेशन। उगता हुआ सूरज"

वह कैनवास जिसके साथ इम्प्रेशनिस्टों के सर्वश्रेष्ठ चित्रों के बारे में बातचीत शुरू करना है। क्लाउड मोनेट ने इसे 1872 में फ्रेंच ले हावरे के पुराने बंदरगाह में जीवन से चित्रित किया था। दो साल बाद, फ्रांसीसी कलाकार और कार्टूनिस्ट नादर की पूर्व कार्यशाला में पेंटिंग को पहली बार जनता को दिखाया गया था। यह प्रदर्शनी कला जगत के लिए जीवन बदलने वाली घटना बन गई है। मोनेट के काम से प्रभावित (सर्वोत्तम अर्थ में नहीं), जिसका मूल नाम "इंप्रेशन, सोलिल लेवेंट" जैसा लगता है, पत्रकार लुई लेरॉय ने पहली बार "इंप्रेशनिज़्म" शब्द गढ़ा, जो पेंटिंग में एक नई दिशा को दर्शाता है।

पेंटिंग 1985 में O. Renoir और B. Morisot के कार्यों के साथ चोरी हो गई थी। पांच साल बाद पता चला। वर्तमान में इंप्रेशन। द राइजिंग सन" पेरिस में मर्मोटन मोनेट संग्रहालय से संबंधित है।

एडौर्ड मोनेट: ओलंपिया

1863 में फ्रांसीसी प्रभाववादी एडौर्ड मानेट द्वारा बनाई गई पेंटिंग "ओलंपिया", आधुनिक चित्रकला की उत्कृष्ट कृतियों में से एक है। इसे पहली बार 1865 में पेरिस सैलून में प्रस्तुत किया गया था। प्रभाववादी कलाकार और उनके चित्र अक्सर खुद को हाई-प्रोफाइल घोटालों के केंद्र में पाते थे। हालांकि, ओलंपिया ने कला के इतिहास में उनमें से सबसे बड़ा कारण बना दिया।

कैनवास पर हम एक नग्न महिला को देखते हैं, जिसका चेहरा और शरीर दर्शकों की ओर है। दूसरा पात्र एक गहरे रंग की नौकरानी है जो कागज में लिपटे एक शानदार गुलदस्ते को पकड़े हुए है। बिस्तर के पैर में एक धनुषाकार पीठ के साथ एक विशिष्ट मुद्रा में एक काला बिल्ली का बच्चा है। पेंटिंग के इतिहास के बारे में ज्यादा जानकारी नहीं है, केवल दो रेखाचित्र हमारे सामने आए हैं। मॉडल, सबसे अधिक संभावना है, मानेट का पसंदीदा मॉडल, क्विज़ मेनार्ड था। एक राय है कि कलाकार ने मार्गुराइट बेलांगर की छवि का इस्तेमाल किया - नेपोलियन की मालकिन।

रचनात्मकता की उस अवधि के दौरान, जब ओलंपिया बनाया गया था, मानेट जापानी कला से मोहित हो गया था, और इसलिए जानबूझकर अंधेरे और प्रकाश की बारीकियों पर काम करने से इनकार कर दिया। इस वजह से, उनके समकालीनों ने चित्रित आकृति का आयतन नहीं देखा, उन्होंने इसे सपाट और खुरदरा माना। कलाकार पर अनैतिकता, अश्लीलता का आरोप लगाया गया था। इससे पहले कभी भी प्रभाववादी चित्रों ने भीड़ से इतनी हलचल और उपहास नहीं किया था। प्रशासन को मजबूर होकर उसके चारों ओर पहरा देना पड़ा। डेगास ने ओलंपिया के माध्यम से मानेट की प्रसिद्धि की तुलना की और जिस साहस के साथ उन्होंने गैरीबाल्डी की जीवन कहानी के साथ आलोचना स्वीकार की।

प्रदर्शनी के बाद लगभग एक चौथाई सदी तक, मास्टर कलाकार द्वारा कैनवास को चुभती आँखों के लिए दुर्गम रखा गया था। फिर इसे 1889 में पेरिस में फिर से प्रदर्शित किया गया। इसे लगभग खरीदा गया था, लेकिन कलाकार के दोस्तों ने आवश्यक राशि एकत्र की और मानेट की विधवा से ओलंपिया खरीदा, और फिर इसे राज्य को दान कर दिया। पेंटिंग अब पेरिस में मुसी डी'ऑर्से के स्वामित्व में है।

अगस्टे रेनॉयर: द ग्रेट बाथर्स

इस पेंटिंग को एक फ्रांसीसी कलाकार ने 1884-1887 में बनाया था। 1863 और बीसवीं शताब्दी की शुरुआत के बीच अब ज्ञात सभी प्रभाववादी चित्रों को ध्यान में रखते हुए, "ग्रेट बाथर्स" को नग्न महिला आकृतियों वाला सबसे बड़ा कैनवास कहा जाता है। रेनॉयर ने इस पर तीन साल से अधिक समय तक काम किया और इस अवधि के दौरान कई रेखाचित्र और रेखाचित्र बनाए गए। उनके काम में कोई अन्य पेंटिंग नहीं थी जिसे वह इतना समय दे सकें।

अग्रभूमि में, दर्शक तीन नग्न महिलाओं को देखता है, जिनमें से दो किनारे पर हैं, और तीसरी पानी में है। आकृतियों को बहुत वास्तविक और स्पष्ट रूप से चित्रित किया गया है, जो कलाकार की शैली की एक विशिष्ट विशेषता है। रेनॉयर के मॉडल अलीना चारिगोट (उनकी भावी पत्नी) और सुज़ैन वैलाडन थे, जो भविष्य में खुद एक प्रसिद्ध कलाकार बन गईं।

एडगर डेगास: ब्लू डांसर्स

लेख में सूचीबद्ध सभी प्रसिद्ध प्रभाववादी चित्रों को कैनवास पर तेल में चित्रित नहीं किया गया है। ऊपर दी गई तस्वीर आपको यह समझने की अनुमति देती है कि पेंटिंग "ब्लू डांसर्स" क्या है। यह 65x65 सेमी मापने वाले पेपर शीट पर पेस्टल में किया गया था और कलाकार के काम की देर की अवधि (1897) से संबंधित है। उन्होंने इसे पहले से ही कमजोर दृष्टि से चित्रित किया है, इसलिए सजावटी संगठन सर्वोपरि है: छवि को बड़े रंगीन धब्बे के रूप में माना जाता है, खासकर जब करीब से देखा जाता है। नर्तकियों का विषय डेगास के करीब था। वह बार-बार अपने काम में दोहराती थी। कई आलोचकों का मानना ​​है कि रंग और रचना के सामंजस्य के संदर्भ में, ब्लू डांसर्स को इस विषय पर कलाकार का सबसे अच्छा काम माना जा सकता है। पेंटिंग को वर्तमान में कला संग्रहालय में रखा गया है। मास्को में ए.एस. पुश्किन।

फ्रेडरिक बाज़िल: "गुलाबी पोशाक"

फ्रांसीसी प्रभाववाद के संस्थापकों में से एक, फ्रेडरिक बाज़िल का जन्म एक धनी शराब बनाने वाले के बुर्जुआ परिवार में हुआ था। लिसेयुम में अध्ययन के वर्षों में भी, उन्होंने पेंटिंग में शामिल होना शुरू कर दिया। पेरिस जाने के बाद, उन्होंने सी। मोनेट और ओ। रेनॉयर से मुलाकात की। दुर्भाग्य से, कलाकार का भाग्य एक छोटे जीवन पथ के लिए नियत था। फ्रेंको-प्रुशियन युद्ध के दौरान 28 वर्ष की आयु में उनकी मृत्यु हो गई। हालाँकि, उनके, हालांकि कुछ, कैनवस को "सर्वश्रेष्ठ प्रभाववादी पेंटिंग" की सूची में शामिल किया गया है। उनमें से एक "पिंक ड्रेस" है, जिसे 1864 में लिखा गया था। सभी संकेतों से, कैनवास को प्रारंभिक प्रभाववाद के लिए जिम्मेदार ठहराया जा सकता है: रंग विरोधाभास, रंग पर ध्यान, धूप और एक रुका हुआ क्षण, जिसे "इंप्रेशन" कहा जाता था। कलाकार के चचेरे भाई टेरेसा डी हॉर्स में से एक ने एक मॉडल के रूप में काम किया। पेंटिंग वर्तमान में पेरिस में मुसी डी'ऑर्से के स्वामित्व में है।

केमिली पिसारो: बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे। दोपहर, धूप"

केमिली पिसारो अपने परिदृश्य के लिए प्रसिद्ध हो गया, जिसकी एक विशिष्ट विशेषता प्रकाश और प्रबुद्ध वस्तुओं का चित्रण है। प्रभाववाद की शैली पर उनके काम का उल्लेखनीय प्रभाव था। कलाकार ने स्वतंत्र रूप से उसमें निहित कई सिद्धांतों को विकसित किया, जिसने भविष्य में रचनात्मकता का आधार बनाया।

पिसारो को दिन के अलग-अलग समय पर एक ही जगह लिखना पसंद था। उनके पास पेरिस के बुलेवार्ड और सड़कों के साथ चित्रों की एक पूरी श्रृंखला है। उनमें से सबसे प्रसिद्ध बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे (1897) है। यह उस सभी आकर्षण को दर्शाता है जो कलाकार पेरिस के इस कोने के जीवंत और बेचैन जीवन में देखता है। उसी स्थान से बुलेवार्ड को देखते हुए, वह दर्शकों को धूप और बादल वाले दिन, सुबह, दोपहर और देर शाम को दिखाता है। नीचे दी गई तस्वीर में - पेंटिंग "रात में बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे।"

इस शैली को बाद में कई कलाकारों ने अपनाया। हम केवल यह उल्लेख करेंगे कि पिस्सारो के प्रभाव में कौन से प्रभाववादी चित्र लिखे गए थे। यह प्रवृत्ति मोनेट (चित्रों की एक श्रृंखला "हैक्स") के काम में स्पष्ट रूप से देखी जाती है।

अल्फ्रेड सिसली: वसंत में लॉन

"लॉन्स इन द स्प्रिंग" 1880-1881 में लिखी गई लैंडस्केप पेंटर अल्फ्रेड सिसली की नवीनतम पेंटिंग्स में से एक है। उस पर, दर्शक को सीन के किनारे एक जंगल का रास्ता दिखाई देता है, जिसके विपरीत किनारे पर एक गाँव है। अग्रभूमि में एक लड़की है - कलाकार की बेटी जीन सिसली।

कलाकार के परिदृश्य इले-डी-फ्रांस के ऐतिहासिक क्षेत्र के वास्तविक वातावरण को व्यक्त करते हैं और विशिष्ट मौसमों की प्राकृतिक घटनाओं की विशेष कोमलता और पारदर्शिता को बनाए रखते हैं। कलाकार कभी भी असामान्य प्रभावों का समर्थक नहीं था और एक साधारण रचना और रंगों के सीमित पैलेट का पालन करता था। पेंटिंग अब लंदन में नेशनल गैलरी में है।

हमने सबसे प्रसिद्ध प्रभाववादी चित्रों को सूचीबद्ध किया है (शीर्षक और विवरण के साथ)। ये विश्व कला की उत्कृष्ट कृतियाँ हैं। पेंटिंग की अनूठी शैली, जिसकी उत्पत्ति फ्रांस में हुई थी, को पहले उपहास और विडंबना के साथ माना जाता था, आलोचकों ने कैनवस लिखने में कलाकारों की घोर लापरवाही पर जोर दिया। अब शायद ही कोई उनकी प्रतिभा को चुनौती देने की हिम्मत करे। प्रभाववादी पेंटिंग दुनिया के सबसे प्रतिष्ठित संग्रहालयों में प्रदर्शित की जाती हैं और किसी भी निजी संग्रह के लिए एक वांछनीय प्रदर्शन हैं।

शैली गुमनामी में नहीं डूबी है और इसके कई अनुयायी हैं। हमारे हमवतन आंद्रेई कोच, फ्रांसीसी चित्रकार लॉरेंट पार्सलियर, अमेरिकी डायना लियोनार्ड और करेन टैर्लटन प्रसिद्ध आधुनिक प्रभाववादी हैं। उनकी पेंटिंग शैली की सर्वश्रेष्ठ परंपराओं में बनाई गई हैं, जो चमकीले रंगों, बोल्ड स्ट्रोक और जीवन से भरी हुई हैं। ऊपर की तस्वीर में - लॉरेंट पार्सलियर का काम "सूर्य की किरणों में।"

इस लेख में आप पीटर्सबर्ग देखेंगे शहरीआर्ट गैलरी "आर्ट-ब्रीज़" में प्रस्तुत किया गया। यहां विभिन्न लेखकों की संग्रहित कृतियां हैं, जो विभिन्न शैलियों और तकनीकों में बनाई गई हैं। इन सभी कार्यों में एक बात समान है - वे सेंट पीटर्सबर्ग को चित्रित करते हैं, जैसा कि कलाकार ने देखा था।

शहरी परिदृश्य 18वीं शताब्दी में चित्रकला की एक शैली का निर्माण काफी देर से हुआ था। यह तब था जब शहरों ने अपना आधुनिक स्वरूप हासिल करना शुरू कर दिया और शहरी निवासियों की संख्या तेजी से बढ़ने लगी। इससे पहले, केवल कुछ मध्ययुगीन कलाकारों ने अपने कैनवस पर शहरों का चित्रण किया था। ये चित्र बहुत ही आदिम थे, इनमें स्थलाकृतिक सटीकता का अभाव था और उन्होंने उन घटनाओं के स्थान को इंगित करने का काम किया, जिनके लिए चित्र का कथानक समर्पित था। पूर्वज cityscapeपेंटिंग में, हम 17 वीं शताब्दी के डच कलाकारों, डेल्फ़्ट के वर्मीर, जे। गोयन और जे। रुइस्डल का नाम ले सकते हैं। यह उनके कार्यों पर है कि कोई शहरी परिदृश्य से मिल सकता है क्योंकि हम इसे आधुनिक चित्रों में देखने के आदी हैं।

समकालीन कलाकार जो सेंट पीटर्सबर्ग की आर्ट ब्रीज़ गैलरी में अपने स्वयं के शहर के दृश्य प्रदर्शित करते हैं, सेंट पीटर्सबर्ग को जीवंत जीवन और शानदार वास्तुकला के साथ एक बड़े पैमाने पर धुंधला समुद्र तटीय शहर के रूप में चित्रित करते हैं। अधिकांश चित्र प्रभाववाद और क्लासिक्स की शैली में बनाए गए थे। रंगों की संतृप्ति और कैनवास को प्रकाश से भरने की क्षमता, जो प्रभाववादी पेंटिंग तकनीक द्वारा प्रदान की जाती है, नेवा पर इस शहर की भावना को पूरी तरह से दर्शाती है!

यूरोपीय चित्रकला का आगे विकास प्रभाववाद से जुड़ा है। यह शब्द संयोग से पैदा हुआ था। इसका कारण सी। मोनेट द्वारा परिदृश्य का नाम "इंप्रेशन" था। सनराइज ”(परिशिष्ट संख्या 1, चित्र 3 देखें) (फ्रांसीसी छाप - छाप से), जो 1874 में प्रभाववादी प्रदर्शनी में दिखाई दिया। कलाकारों के एक समूह का यह पहला सार्वजनिक प्रदर्शन है, जिसमें सी. मोनेट, ई. डेगास, ओ. रेनॉयर, ए. सिसली, सी. पिसारो और अन्य शामिल थे, जिन्हें आधिकारिक बुर्जुआ आलोचना द्वारा कठोर उपहास और उत्पीड़न का सामना करना पड़ा था। सच है, पहले से ही 1880 के दशक के अंत से, उनकी पेंटिंग के औपचारिक तरीकों को अकादमिक कला के प्रतिनिधियों द्वारा उठाया गया था, जिसने डेगस को कड़वी टिप्पणी करने का कारण दिया: "हमें गोली मार दी गई थी, लेकिन साथ ही साथ हमारी जेब में तोड़फोड़ की गई थी।"

अब जबकि प्रभाववाद के बारे में गरमागरम बहस अतीत की बात है, शायद ही कोई यह विवाद करने की हिम्मत करेगा कि प्रभाववादी आंदोलन यूरोपीय यथार्थवादी चित्रकला के विकास में एक और कदम था। "प्रभाववाद, सबसे पहले, वास्तविकता को देखने की कला है, जो अभूतपूर्व शोधन तक पहुंच गई है" (वी। एन। प्रोकोफिव)। दृश्यमान दुनिया के हस्तांतरण में अधिकतम तात्कालिकता और सटीकता के लिए प्रयास करते हुए, उन्होंने मुख्य रूप से खुली हवा में पेंट करना शुरू किया और प्रकृति से एक अध्ययन के महत्व को उठाया, जिसने स्टूडियो में सावधानीपूर्वक और धीरे-धीरे बनाए गए पारंपरिक प्रकार की पेंटिंग को लगभग बदल दिया।

अपने पैलेट को लगातार स्पष्ट करते हुए, प्रभाववादियों ने पेंटिंग को मिट्टी और भूरे रंग के वार्निश और पेंट से मुक्त कर दिया। उनके कैनवस में सशर्त, "संग्रहालय" कालापन, प्रतिबिंबों और रंगीन छायाओं के असीम रूप से विविध नाटक का मार्ग प्रशस्त करता है। उन्होंने न केवल सूर्य, प्रकाश और वायु की दुनिया की खोज की, बल्कि कोहरे की सुंदरता, बड़े शहर के जीवन का बेचैन वातावरण, रात की रोशनी का बिखरना और निरंतर गति की लय की खोज करते हुए, ललित कला की संभावनाओं का विस्तार किया।

खुली हवा में काम करने की विधि के आधार पर, उनके द्वारा खोजे गए शहरी परिदृश्य सहित परिदृश्य ने प्रभाववादियों की कला में एक बहुत ही महत्वपूर्ण स्थान पर कब्जा कर लिया। प्रभाववादियों की कला में व्यवस्थित रूप से परंपरा और नवीनता का विलय कैसे हुआ, इसका प्रमाण, सबसे पहले, 19 वीं शताब्दी के उत्कृष्ट चित्रकार एडौर्ड मानेट (1832-1883) के काम से है। सच है, वे स्वयं को प्रभाववाद का प्रतिनिधि नहीं मानते थे और हमेशा अलग-अलग प्रदर्शन करते थे, लेकिन वैचारिक और विश्वदृष्टि के संदर्भ में, वे निस्संदेह इस आंदोलन के अग्रदूत और वैचारिक नेता दोनों थे।

अपने करियर की शुरुआत में, ई. मानेट को बहिष्कृत कर दिया जाता है (समाज का उपहास)। बुर्जुआ जनता और आलोचकों की नज़र में, उनकी कला बदसूरत का पर्याय बन जाती है, और कलाकार खुद को "एक पागल आदमी जो एक चित्र पेंट करता है, प्रलाप में कांपता है" (एम। डी मोंटिफो) (परिशिष्ट संख्या 1 देखें) कहा जाता है। अंजीर। 4)। उस समय के केवल सबसे व्यावहारिक दिमाग ही मानेट की प्रतिभा की सराहना करने में सक्षम थे। उनमें से सी. बौडेलेयर और युवा ई. ज़ोला थे, जिन्होंने घोषणा की कि "श्री मानेट लौवर में एक जगह के लिए नियत हैं।"

क्लाउड मोनेट (1840-1926) के काम में प्रभाववाद को इसकी सबसे सुसंगत, लेकिन दूरगामी अभिव्यक्ति भी मिली। उनका नाम अक्सर इस चित्रात्मक पद्धति की ऐसी उपलब्धियों से जुड़ा होता है जैसे प्रकाश की मायावी संक्रमणकालीन अवस्थाओं का स्थानांतरण, प्रकाश और वायु का कंपन, निरंतर परिवर्तन और परिवर्तनों की प्रक्रिया में उनका संबंध। "यह, निस्संदेह, नए युग की कला के लिए एक बड़ी जीत थी," वी.एन. प्रोकोफिव लिखते हैं और कहते हैं: "लेकिन इसकी अंतिम जीत भी।" यह कोई संयोग नहीं है कि सेज़ैन ने, हालांकि कुछ हद तक विवादास्पद रूप से अपनी स्थिति को तेज किया, बाद में तर्क दिया कि मोनेट की कला "केवल एक आंख" है।

मोनेट का शुरुआती काम काफी पारंपरिक है। उनमें अभी भी मानव आकृतियाँ हैं, जो भविष्य में अधिक से अधिक स्टाफ़ में बदल जाती हैं और धीरे-धीरे उनके चित्रों से गायब हो जाती हैं। 1870 के दशक में, कलाकार की प्रभाववादी शैली ने आखिरकार आकार ले लिया, अब से उसने खुद को पूरी तरह से परिदृश्य के लिए समर्पित कर दिया। उस समय से, उन्होंने लगभग विशेष रूप से खुली हवा में काम किया है। यह उनके काम में है कि बड़ी पेंटिंग के प्रकार, एट्यूड की आखिरकार पुष्टि की जाती है।

पहले मोनेट में से एक पेंटिंग की एक श्रृंखला बनाना शुरू करता है जिसमें अलग-अलग रोशनी और मौसम की स्थिति के साथ साल और दिन के अलग-अलग समय पर एक ही आदर्श दोहराया जाता है (परिशिष्ट संख्या 1, अंजीर 5, 6 देखें)। उनमें से सभी समान नहीं हैं, लेकिन इन श्रृंखलाओं के सर्वश्रेष्ठ कैनवस रंगों की ताजगी, रंग की तीव्रता और प्रकाश प्रभाव प्रदान करने की कलात्मकता से विस्मित करते हैं।

मोनेट की पेंटिंग में रचनात्मकता के देर के दौर में, सजावटीता और सपाटता की प्रवृत्ति तेज हो रही है। रंगों की चमक और शुद्धता उनके विपरीत हो जाती है, किसी प्रकार की सफेदी दिखाई देती है। देर से प्रभाववादियों के दुरुपयोग के बारे में बोलते हुए "एक हल्का स्वर जो कुछ कामों को एक फीका पड़ा हुआ कैनवास में बदल देता है", ई। ज़ोला ने लिखा: "और आज एक खुली हवा के अलावा कुछ भी नहीं है ... केवल धब्बे रहते हैं: एक चित्र केवल एक है स्पॉट, आंकड़े केवल धब्बे होते हैं, केवल धब्बे होते हैं"।

अन्य प्रभाववादी चित्रकार भी अधिकतर भूदृश्य चित्रकार थे। उनका काम अक्सर अवांछनीय रूप से मोनेट के वास्तव में रंगीन और प्रभावशाली व्यक्ति के बगल में छाया में रहता था, हालांकि वे प्रकृति की सतर्क दृष्टि और चित्रात्मक कौशल में उससे कम नहीं थे। इनमें सबसे पहले अल्फ्रेड सिसली (1839-1899) और केमिली पिसारो (1831-1903) का नाम लिया जाना चाहिए। मूल रूप से एक अंग्रेज, सिसली की कृतियों को एक विशेष सचित्र लालित्य की विशेषता है। शुद्ध हवा के एक शानदार मास्टर, वह एक स्पष्ट सर्दियों की सुबह की स्पष्ट हवा, सूरज द्वारा गर्म कोहरे की हल्की धुंध, एक हवादार दिन में आकाश में चल रहे बादलों को व्यक्त करने में सक्षम थे। इसकी सरगम ​​​​रंगों की समृद्धि और स्वरों की निष्ठा से प्रतिष्ठित है। कलाकार के परिदृश्य हमेशा एक गहरी मनोदशा से प्रभावित होते हैं, जो प्रकृति की उनकी मूल रूप से गीतात्मक धारणा को दर्शाते हैं (देखें परिशिष्ट संख्या 1, अंजीर। 7, 8, 9)।

प्रभाववादियों की सभी आठ प्रदर्शनियों में भाग लेने वाले एकमात्र कलाकार पिसारो का रचनात्मक मार्ग अधिक जटिल था - जे। रेवाल्ड ने उन्हें इस आंदोलन का "पिता" कहा। पेंटिंग में बारबिजोन के करीब के परिदृश्य से शुरू होकर, उन्होंने मानेट और उनके युवा दोस्तों के प्रभाव में, प्लेन एयर पर काम करना शुरू कर दिया, लगातार पैलेट को रोशन किया। धीरे-धीरे, वह अपनी स्वयं की प्रभाववादी पद्धति विकसित करता है। सबसे पहले उन्होंने काले रंग का इस्तेमाल करने से इनकार कर दिया। पिसारो का झुकाव हमेशा पेंटिंग के लिए एक विश्लेषणात्मक दृष्टिकोण की ओर रहा है, इसलिए रंग के अपघटन में उनके प्रयोग - "विभाजनवाद" और "बिंदुवाद"। हालाँकि, वह जल्द ही उस प्रभाववादी तरीके से लौट आता है जिसमें उसकी सर्वश्रेष्ठ रचनाएँ बनाई जाती हैं - शहरी परिदृश्य पेरिस की एक अद्भुत श्रृंखला (देखें परिशिष्ट संख्या 1, अंजीर। 10,11,12,13)। उनकी रचना हमेशा सोची-समझी और संतुलित होती है, पेंटिंग को रंग में परिष्कृत किया जाता है और तकनीक में कलाप्रवीण व्यक्ति।

रूस में, प्रभाववाद में शहरी परिदृश्य को कॉन्स्टेंटिन कोरोविन द्वारा प्रबुद्ध किया गया था। "पेरिस मेरे लिए एक सदमे के रूप में आया ... प्रभाववादी ... उनमें मैंने देखा कि मुझे मास्को में क्या डांटा गया था।" कोरोविन (1861-1939), अपने मित्र वैलेन्टिन सेरोव के साथ, रूसी प्रभाववाद के केंद्रीय व्यक्ति थे। फ्रांसीसी आंदोलन के महान प्रभाव के तहत, उन्होंने अपनी शैली बनाई, जिसने उस अवधि की रूसी कला के समृद्ध रंगों के साथ फ्रांसीसी प्रभाववाद के मुख्य तत्वों को मिश्रित किया (देखें परिशिष्ट संख्या 1, अंजीर। 15)।

18वीं-19वीं शताब्दी यूरोपीय कला के सुनहरे दिनों को चिह्नित किया। फ्रांस में, सम्राट नेपोलियन III ने फ्रेंको-प्रशिया युद्ध के दौरान शत्रुता के बाद, पेरिस के पुनर्निर्माण के साथ आगे बढ़ने का आदेश दिया। पेरिस जल्दी से वही "चमकता हुआ शहर" बन गया जो दूसरे साम्राज्य के अधीन था और एक बार फिर खुद को यूरोपीय कला का केंद्र घोषित कर दिया। इसलिए, कई प्रभाववादी कलाकारों ने अपने कार्यों में आधुनिक शहर के विषय की ओर रुख किया। उनके कार्यों में, आधुनिक शहर एक राक्षस नहीं है, बल्कि मातृभूमि का स्थान है जहां लोग रहते हैं। कई रचनाएँ देशभक्ति की प्रबल भावना से ओत-प्रोत हैं।

यह विशेष रूप से क्लाउड मोनेट के चित्रों में देखा जा सकता है। उन्होंने विभिन्न प्रकार की रोशनी और वायुमंडलीय परिस्थितियों में रूएन कैथेड्रल के दृश्यों के साथ 30 से अधिक पेंटिंग बनाई। उदाहरण के लिए, 1894 में, मोनेट ने दो चित्रों को चित्रित किया - "दोपहर में रूएन कैथेड्रल" और "शाम में रूएन कैथेड्रल।" दोनों पेंटिंग कैथेड्रल के एक ही टुकड़े को दर्शाती हैं, लेकिन अलग-अलग स्वरों में - दोपहर के गर्म पीले-गुलाबी स्वर में और धुंधली रोशनी के ठंडे नीले रंगों में। चित्रों में, रंगीन स्थान पूरी तरह से रेखा को भंग कर देता है, कलाकार पत्थर के भौतिक भारीपन को नहीं, बल्कि एक हल्के रंगीन घूंघट की तरह बताता है।

प्रभाववादियों ने तस्वीर को एक खुली खिड़की की तरह बनाने की कोशिश की, जिसके माध्यम से वास्तविक दुनिया दिखाई दे। अक्सर वे खिड़की से गली तक के दृष्टिकोण को चुनते थे। 1873 में चित्रित और 1874 में पहली प्रभाववादी प्रदर्शनी में दिखाया गया सी. मोनेट द्वारा प्रसिद्ध बुलेवार्ड डेस कैपुसीन इस तकनीक का एक उत्कृष्ट उदाहरण है। यहां बहुत नवीनता है - एक बड़े शहर की सड़क के दृश्य को परिदृश्य के लिए एक मकसद के रूप में चुना गया था, लेकिन कलाकार को इसकी उपस्थिति में दिलचस्पी है, न कि इसके दर्शनीय स्थलों में। लोगों के पूरे द्रव्यमान को एक सामान्यीकृत तरीके से स्लाइडिंग स्ट्रोक में दर्शाया गया है, जिसमें व्यक्तिगत आंकड़े बनाना मुश्किल है।

मोनेट इस काम में लोगों के बमुश्किल बोधगम्य रूप से कंपन करने वाली हवा और गली में गहरी जाने वाली गाड़ियों को छोड़ने का एक तात्कालिक, विशुद्ध रूप से दर्शक प्रभाव देता है। यह कैनवास के विमान के विचार को नष्ट कर देता है, अंतरिक्ष का भ्रम पैदा करता है और इसे प्रकाश, वायु और गति से भर देता है। मानव आँख अनंत की ओर दौड़ती है, और कोई सीमा बिंदु नहीं है जहाँ वह रुक सके।

उच्च दृष्टिकोण कलाकार को अग्रभूमि को छोड़ने की अनुमति देता है, और वह सड़क के फुटपाथ पर पड़े घरों की नीली-बैंगनी छाया के विपरीत उज्ज्वल सूरज की रोशनी देता है। मोनेट धूप पक्ष को नारंगी, सुनहरा-गर्म, छायादार-बैंगनी देता है, लेकिन एक हल्की-हवा की धुंध पूरे परिदृश्य को तानवाला सामंजस्य प्रदान करती है, और घरों और पेड़ों की आकृति हवा में दिखाई देती है, जो सूर्य की किरणों से प्रवेश करती है।

1872 में, ले हावरे में, मोनेट ने लिखा "इंप्रेशन। सनराइज ”- ले हावरे के बंदरगाह का एक दृश्य, जिसे बाद में प्रभाववादियों की पहली प्रदर्शनी में प्रस्तुत किया गया। यहां कलाकार, जाहिरा तौर पर, एक निश्चित मात्रा के रूप में छवि वस्तु के आम तौर पर स्वीकृत विचार से खुद को मुक्त कर लिया और खुद को पूरी तरह से नीले और गुलाबी-नारंगी टन में वातावरण की क्षणिक स्थिति को व्यक्त करने के लिए समर्पित कर दिया। वास्तव में, सब कुछ अमूर्त प्रतीत होता है: ले हावरे घाट और जहाज आकाश में दाग और पानी में प्रतिबिंब के साथ विलीन हो जाते हैं, और अग्रभूमि में मछुआरों और नावों के सिल्हूट कई तीव्र स्ट्रोक से बने काले धब्बे होते हैं। अकादमिक तकनीक की अस्वीकृति, खुली हवा में पेंटिंग और असामान्य विषयों की पसंद को उस समय के आलोचकों द्वारा शत्रुता के साथ माना जाता था। लुई लेरॉय, एक उग्र लेख के लेखक, जो शैवरी पत्रिका में प्रकाशित हुए, ने पहली बार इस विशेष पेंटिंग के संबंध में, पेंटिंग में एक नई प्रवृत्ति की परिभाषा के रूप में "इंप्रेशनिज़्म" शब्द का इस्तेमाल किया।

शहर को समर्पित एक और उत्कृष्ट कार्य क्लाउड मोनेट "गारे सेंट-लज़ारे" की पेंटिंग थी। मोनेट ने सेंट-लज़ारे स्टेशन के उद्देश्य के लिए दस से अधिक चित्रों का प्रदर्शन किया, जिनमें से सात को 1877 में तीसरी प्रभाववादी प्रदर्शनी में प्रदर्शित किया गया था।

मोनेट ने रुए मोन्से पर एक छोटा सा अपार्टमेंट किराए पर लिया, जो स्टेशन से ज्यादा दूर नहीं था। कलाकार को कार्रवाई की पूर्ण स्वतंत्रता दी गई थी। कुछ समय के लिए ट्रेनों की आवाजाही को रोक दिया गया था, और वह स्पष्ट रूप से प्लेटफार्मों, धूम्रपान करने वाले भाप इंजनों की भट्टियों को देख सकता था, जो कोयले से भरे हुए थे - ताकि पाइप से भाप डाली जा सके। मोनेट दृढ़ता से स्टेशन पर "बस गया", यात्रियों ने उसे श्रद्धा और विस्मय के साथ देखा।

चूंकि स्टेशन की उपस्थिति लगातार बदल रही थी, मोनेट ने "प्रकृति" पर केवल रेखाचित्र बनाए, और स्टूडियो में उन्होंने खुद चित्रों को चित्रित किया। कैनवास पर हम एक बड़े रेलवे स्टेशन को देखते हैं, जो एक छत्र से ढका हुआ है, जो लोहे के खंभों पर चढ़ा हुआ है। बाईं और दाईं ओर प्लेटफॉर्म हैं: एक ट्रैक कम्यूटर ट्रेनों के लिए है, दूसरा लंबी दूरी की ट्रेनों के लिए है। स्टेशन के अंदर मंद प्रकाश और चमकदार चमकदार स्ट्रीट लाइट के विपरीत के माध्यम से एक विशेष वातावरण व्यक्त किया जाता है। पूरे कैनवास में बिखरे धुएं और भाप के झोंके प्रकाश की विपरीत धारियों को संतुलित करते हैं। इमारतों के बमुश्किल दिखाई देने वाले सिल्हूट की पृष्ठभूमि के खिलाफ घूमते हुए चमकते बादल, हर जगह धुआँ रिसता है। ऐसा लगता है कि मोटी भाप विशाल टावरों को आकार देती है, जो उन्हें सबसे पतले कोबवे की तरह एक हल्के घूंघट से ढकती है। चित्र को कोमल मौन स्वरों में रंगों के बेहतरीन संक्रमणों के साथ चित्रित किया गया है। अल्पविराम के रूप में तेजी से सटीक स्ट्रोक, उस समय की विशेषता, मोज़ेक के रूप में माना जाता है, दर्शक को यह आभास होता है कि भाप या तो फैल रही है या मोटी हो रही है।

प्रभाववादियों के एक अन्य प्रतिनिधि, के। पिसारो, सभी प्रभाववादियों की तरह, शहर को चित्रित करना पसंद करते थे, जिसने उन्हें अपने अंतहीन आंदोलन, वायु धाराओं के प्रवाह और प्रकाश के खेल से मोहित कर लिया। उन्होंने इसे एक जीवित, बेचैन जीव के रूप में माना, जो मौसम, रोशनी की डिग्री के आधार पर बदलने में सक्षम है।

1897 की सर्दियों और वसंत ऋतु में, पिसारो ने पेरिस के बुलेवार्ड्स नामक चित्रों की एक श्रृंखला पर काम किया। इन कार्यों ने कलाकार को प्रसिद्धि दिलाई और आलोचकों का ध्यान आकर्षित किया जिन्होंने उनका नाम विभाजनवादी आंदोलन से जोड़ा। कलाकार ने पेरिस के एक होटल के एक कमरे की खिड़की से श्रृंखला के लिए रेखाचित्र बनाए, और अप्रैल के अंत में एरागनी में अपने स्टूडियो में चित्रों पर काम पूरा किया। पिसारो के काम में यह श्रृंखला एकमात्र है जिसमें कलाकार ने मौसम और सूरज की रोशनी की विभिन्न स्थितियों को अधिकतम सटीकता के साथ पकड़ने की कोशिश की। इसलिए, उदाहरण के लिए, कलाकार ने बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे को एक ही खिड़की से देखते हुए 30 चित्रों को चित्रित किया।

पेरिस में बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे के चित्रों में, मास्टर सी। पिसारो ने उत्कृष्ट रूप से वायुमंडलीय प्रभावों की समृद्धि, एक बादल भरे दिन की रंगीन जटिलता और सूक्ष्मता से अवगत कराया। शहरी जीवन की गतिशीलता, चित्रकार के त्वरित ब्रश द्वारा इतनी दृढ़ता से सन्निहित है, एक आधुनिक शहर की छवि बनाती है - सामने नहीं, आधिकारिक नहीं, बल्कि उत्साहित और जीवंत। इस उत्कृष्ट प्रभाववादी - "पेरिस के गायक" के काम में शहरी परिदृश्य मुख्य शैली बन गया।

फ्रांस की राजधानी पिसारो के काम में एक विशेष स्थान रखती है। कलाकार लगातार शहर के बाहर रहता था, लेकिन पेरिस ने उसे लगातार आकर्षित किया। पेरिस उसे निरंतर और सार्वभौमिक आंदोलन के साथ मोहित करता है - पैदल चलने वालों का चलना और गाड़ियों का दौड़ना, वायु धाराओं का प्रवाह और प्रकाश का खेल। पिस्सारो शहर उन उल्लेखनीय घरों की सूची नहीं है जो कलाकार की दृष्टि के क्षेत्र में आते हैं, बल्कि एक जीवित और बेचैन जीव हैं। इस जीवन में पकड़े गए, हम उन इमारतों की सामान्यता का एहसास नहीं करते हैं जो बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे को बनाते हैं। ग्रैंड बुलेवार्ड्स की बेचैनी में कलाकार को एक अनूठा आकर्षण मिलता है। सुबह और दिन, शाम और रात, धूप से सराबोर और धूसर, पिसारो ने बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे पर कब्जा कर लिया, उसी खिड़की से इसकी जांच की। दूरी में घटती गली का स्पष्ट और सरल रूप एक स्पष्ट संरचनागत आधार बनाता है जो कैनवास से कैनवास में नहीं बदलता है। अगले वर्ष लौवर होटल की खिड़की से लिखे गए कैनवस के चक्र को पूरी तरह से अलग तरीके से बनाया गया था। साइकिल पर काम करते हुए अपने बेटे को लिखे एक पत्र में, पिसारो ने इस जगह के चरित्र पर जोर दिया, जो बुलेवार्ड्स से अलग है, यानी फ्रेंच थिएटर का क्षेत्र और आसपास का क्षेत्र। दरअसल, वहाँ सब कुछ गली की धुरी पर दौड़ता है। यहाँ - वर्ग, जो कई सर्वव्यापी मार्गों के अंतिम पड़ाव के रूप में कार्य करता है, विभिन्न दिशाओं में प्रतिच्छेद करता है, और हवा की एक बहुतायत के साथ एक विस्तृत चित्रमाला के बजाय, एक बंद अग्रभूमि स्थान हमारी आँखों को दिखाई देता है।

कोरोविन कोन्स्टेंटिन अलेक्सेविच - एक उत्कृष्ट रूसी कलाकार, सज्जाकार, सदी के सबसे बड़े रूसी कलाकारों में से एक (19-20)। कोरोविन प्लेन एयर के मास्टर हैं, जो परिदृश्य, शैली चित्रों, अभी भी जीवन और चित्रों के लेखक हैं। कलाकार का जन्म मास्को में हुआ था। उन्होंने सावरसोव और पोलेनोव के साथ सेंट पीटर्सबर्ग और मॉस्को में अध्ययन किया। कॉन्स्टेंटिन कोरोविन संघों के सदस्य थे: "एसोसिएशन ऑफ ट्रैवलिंग आर्ट एक्जीबिशन", "यूनियन ऑफ रशियन आर्टिस्ट्स" और "वर्ल्ड ऑफ आर्ट"। इसे "रूसी प्रभाववाद" के सबसे प्रमुख प्रतिनिधियों में से एक माना जाता है।

कोरोविन के काम में, प्रकाश और छाया मॉडुलन, तानवाला संबंधों के सामंजस्य के माध्यम से सिंथेटिक सचित्र समाधान प्राप्त करने की इच्छा देखी जा सकती है। ये "उत्तरी आइडियल" (1886), "बालकनी में" हैं। स्पेन के लियोनोरा और अम्पारा" (1888), "हैमरफेस्ट। नॉर्दर्न लाइट्स (1895) और अन्य। और इसके बगल में एक अलग "कोरोविन" अभिविन्यास की चीजें हैं - रूसी निजी ओपेरा टी.एस. हुबातोविच (1880 के दशक की दूसरी छमाही) के एकल कलाकार का एक चित्र, जो एक उत्कृष्ट रंगवादी अवधारणा, एक उल्लासपूर्ण उत्सव आलंकारिक प्रणाली, या एक के साथ आकर्षित करता है। 1890 के दशक की शुरुआत में "पेरिस कैफे", जहां पहली बार कोरोविन ने फ्रांसीसी राजधानी की हवा के सूक्ष्म सुरम्य "स्वाद" को इतनी गहराई से व्यक्त किया।

कोरोविन की पद्धति का मूल सबसे सामान्य और यहां तक ​​कि स्पष्ट रूप से अनाकर्षक मकसद को सटीक रूप से देखे जाने के माध्यम से एक उच्च सौंदर्य तमाशा में बदलने की क्षमता है, जैसा कि यह था, तुरंत रंग सामग्री की छाप।

कोरोविन के चित्रों में पेरिस

विश्व प्रदर्शनी की तैयारी के दौरान पेरिस में रहना - यह प्रवास माध्यमिक और बहुत अधिक सार्थक था - ने समकालीन फ्रांसीसी चित्रकला के लिए कलाकार की आँखें खोल दीं। वह अपनी आकांक्षाओं के अनुरूप प्रभाववादियों का अध्ययन करता है, लेकिन सभी उत्तर-प्रभाववादी आंदोलनों के लिए एक अजनबी बना रहता है। 1900 के दशक में, कोरोविन ने अपनी प्रसिद्ध पेरिस श्रृंखला बनाई। प्रभाववादियों के विपरीत, पेरिस के बारे में उनके विचार अधिक सीधे और भावनात्मक रूप से लिखे गए हैं। वे मास्टर की इच्छा पर हावी हैं "वर्तमान में परिदृश्य में निहित आकर्षण को तोड़ने के लिए" (कोरोविन के छात्र बी। इओगानसन के अनुसार)।

कलाकार शहर के जीवन में सबसे सूक्ष्म संक्रमणकालीन और अप्रत्याशित अवस्थाओं की तलाश कर रहा है - सुबह पेरिस, शाम और रात के शहर में पेरिस ("पेरिस, मॉर्निंग", 1906; "पेरिस इन द इवनिंग", 1907; "ट्वाइलाइट इन इन पेरिस", 1911)। सुबह की धुंध और उगते सूरज की कांपती रोशनी, पेड़ों की हरियाली के साथ बकाइन गोधूलि अभी तक मंद नहीं हुई है और पहले से ही लालटेन जलाई है, गहरे नीले आकाश की मखमली घनत्व और रात के समय पेरिस की रोशनी का तेज बुखार ... इन में कोरोविन छोटी चीजें दृश्य प्रभाव के लगभग एक दस्तावेजी सत्य को प्राप्त करती हैं, और इस बीच, यह एक अद्भुत आध्यात्मिकता की ओर ले जाती है, शहर की छवि की मौलिकता। एक जटिल रंग-टोनल समाधान की विधि के लिए धन्यवाद, एक छोटे से अध्ययन में उन्होंने एक बड़े तैयार चित्र के स्तर पर अंतिम अभिव्यक्ति और दर्शकों की एक रोमांचक भावनात्मक भागीदारी के प्रभाव को जो उन्होंने देखा, दोनों को प्राप्त किया।

कोरोविन ने एक बार कहा था, "मैं चाहता हूं कि दर्शक की आंखें भी सौंदर्य की दृष्टि से आनंद लें, जैसे आत्मा के कान - संगीत।"

चित्रों की तस्वीरें

कोरोविन के चित्रों में पेरिस