Збираєтеся у подорож, відрядження чи тур вихідного дня? Чому б, нарешті, не побачити жодну зі списку наймістичніших картин світу?! Це полотна, за якими тягнеться цілий шлейф легенд, фатальних випадків і історій, що хвилюють уяву.

«Водяні лілії»

Художник: Клод Моне

Де побачити: знаходиться у приватній колекції колекціонера зі США, який купив її на аукціоні у 2015 році за рекордні 54,01 мільйона доларів. До цього вона 70 років не виставлялася.

Ця картина уславилася тим, що її переслідують пожежі. Перший трапився в будинку її творця - Клода Моне, невдовзі після того, як він її перестав малювати. Майстерня Моне згоріла майже повністю. Вдалося врятувати лише кілька картин, серед яких була «Водяна лілія». Незабаром полотно купили господарі кабаре на Монмартрі. Але не минуло й місяця… Заклад згорів ущент. У будинку французького мецената Оскара Шмітца «лілії» жили близько року, а згодом він згорів. Картина якимось чином вціліла, хоча осередок займання знаходився в робочому кабінеті, де вона висіла. Нью-Йоркський музей мистецтв вона «спепелила» через чотири місяці, і сама дуже постраждала під час пожежі. Картину відновили. Повідомлень про пожежу у володіннях її нинішніх власників наразі не було. Хоча, знати, ім'я її власника офіційно невідоме.

«Крік»

Художник: Едвард Мунк

Де побачити: Національна галерея (Осло, Норвегія)

Мунк створив серію картин "Крік". Кожна їх – одне з найвідоміших полотен історія світового мистецтва. На картині – безволоса жахлива істота на тлі кривавого неба. Вважається, що «Крік» Мунка викликає у людей, які її тривалий час спостерігають, депресію та психічні розлади. Не дивно, якщо зважити на те, що Мунк сам страждав від маніакально-депресивного психозу, і він вилився з нього в серію картин «Крік».

За легендою, життя музейного службовця, який упустив полотно, стало пеклом через раптовий головний біль. Він, нібито, наклав на себе руки. І це лише дві події з низки фатальних, пов'язаних із «Криком».

«Венера із дзеркалом»

Художник: Дієго Веласкес

Де побачити: Національна галерея (Лондон, Великобританія)

Відома завдяки тому, що руйнує своїх власників. Тому полотно довгий час переходило з рук в руки, і одного разу його за безцінь продали до музею. Деякий час «Венера з дзеркалом» була в різних приватних колекціях, але її погана репутація не дозволила прижитися, ні в шикарних апартаментах.

«Демон повалений»

Художник: Михайло Врубель

Де побачити: Державна Третьяковська галерея (Москва, Росія)

Робота над полотном – трагедія життя Врубеля. Вона дуже похитнула його психіку. Художник працював над нею в стані маніакального збудження, у нього були галюцинації, він уявляв себе і Пушкіним, і Христом... Демон, що снився, «вимагав», щоб Врубель назвав полотно іконою і люди поклонялися йому. Навіть коли «Демон повалений» вирушила на виставку, художник як одержимий поїхав за нею, і наносив останні штрихи у виставковому залі, ні на кого не звертаючи уваги.

«Жінка дощу»

Художник: Світлана Телець

Де побачити: після всіх продажів повертається до художниці до Вінниці (Україна)

Ця картина понад 10 років кочує за приватними колекціями, але постійно повертається до свого творця. Ні в кого не виходить зжитися з «Жінкою дощу». Повертаючи полотно, люди розповідають, як погано воно впливає на їхній психічний стан, сниться їм, викликає почуття, що за ними весь час хтось спостерігає. Цікаво, що сама Світлана Телець працювала над нею з дивними почуттями – мала видіння, якийсь час полотно, за її словами, «не підпускало» її до себе.

«Хлопчик, що плаче»

Художник: Джованні Браголіна

Кожен художній твір несе в собі певний посил автора, передає його внутрішній світ і характер.

Картини не є винятком, часто вони наділені енергетикою творця, який намалював їх, що веде до всяких таємничим та містичним подіям. А іноді автор спеціально намагається зашифровувати якісь загадки та головоломки у своєму творі, деякі досі не розгадані.

Це, мабуть, найбільш відоме і найзагадковіше полотно на сьогоднішній день. Мільйони людей щороку відвідуютьЛувр, щоб подивитися на знамениту "Джоконду" Леонардо да Вінчі. Що ж такого таємничого таїть у собі її посмішка?

Досі точаться суперечки, хто ж зображенона портрет. Версій безліч, це і дружина торговця шовком Франческо дель Джокондо, і мати Леонардо, і його учень натурник Салаї, і навіть автопортрет самого майстра да Вінчі.

Крім того, у самій картині зашифровано кілька таємних знаків. Нещодавно, за допомогою найсильнішого мікроскопа вдалося виявити крихітні літери та цифрив очах Мони Лізи. Також різні цифрові знаки перебувають і інших фрагментах твори.

Картина із подвійним дном, точніше обличчям. У 60-х роках за допомогою рентгена її просвітили і побачили, що відразу після написання виглядала вона інакше. Спочатку обличчя Данаї було обличчям дружини Рембрандта Саскії, яка була його музою. Після її смерті художник під тиском своєї коханки змінив вигляд на полотнідодавши її риси.

Примітно, що творив своє дітище майстер 11 років, і майже стільки ж тривала її реставрація після того, як у 1985 році полотно облили кислотою та порізали ножем.

А в основі твору лежить міф про Данаю, заточеного своїм батьком Акрісієм, який боявся пророцтва. Воно говорило, що він загине від руки свого онука. Правитель Олімпу Зевс, зачарований красою дівчини, проник у ув'язнення у вигляді золотого дощу. Від нього і народився Персей, який згодом виконав переказ і убив свого діда.

За деякими картинами тягнеться шлейф нещасть та загадкових подій. Не уникла цього й картина Володимира Боровиковського. У ХІХ ст. недобрі чутки ходили про цей портрет. А все тому, що зображена на ній дочка відставного генерала Івана Толстого графиня Марія Лопухіна померла незабаром після написання картини. У салонах тодішніх пліткарів шепотілися, що у картині заточений дух графині, що померла, який забирає душі дівчатдивлячись на неї. Щонайменше десяток молодих дворянок на виданні стали жертвами злощасного полотна.

1880 року меценат Третьяков купив портрет Лопухіної для своєї галереї, де він і знаходиться до цього дня. Смерті та чутки припинилися. Толі дух заспокоївся, то дворянського стану поменшало.

2005 р.) йшлося про твори, в яких крім основного сюжету є ще один - прихований. Він проявляється, коли наближаєшся до картини, віддаляєшся від неї чи дивишся під певним кутом. Тепер ви дізнаєтеся про найправдивіші картини, які тим не менш називаються "обманками", про примарні силуети, "двозірки", "троєзори", а також про рідкісний вид ікон.

Р. Теплов. Натюрморт обманка. 1737 рік. Державний Ермітаж, Санкт-Петербург.

П. Дрождін. "Портрет художника А. П. Антропова із сином перед портретом дружини". 1776 рік. Російський музей, Санкт-Петербург.

Р. Магрітт. "Уділ людський". 1933 рік. Національна мистецька галерея, Вашингтон.

Невідомий митець. "Лілії Франції" (шість силуетів родини Бурбонів). 1815 рік.

О. Каню. "Капрал фіалок (силуети Бонапарта, його дружини та сина)". 1815 рік. У назві картини міститься нагадування про те, що Наполеон розпочинав військову службу у чині капрала.

С. Дель-Прете. "Таємниця між осіннім листям". 1991 рік. Галерея у Берні, Швейцарія.

В. Брегеда. "Пророцтво". 1994 рік.

Н. Замятіна. "Сни про Грецію". 2004 рік.

Слова-"двоєвзори": акули - жулля, дзюрчі - не урчі, світ - МДУ, міцний - точний. Автори - Ольга та Сергій Федіни.

Поштова листівка. "Моя дружина та моя теща". Початок ХХ ст. Росія.

Я. Ботвінік. "Мій чоловік та мій тесть". Перша половина ХХ ст. США.

Р. Фішер. "Мама, тато та дочка". 1968 рік. США.

С. Орлов. "Роза для двох". 2004 рік. Москва.

С. Далі. "Зникаючий бюст Вольтера". 1940 рік. Музей Далі, Санкт-Петербург, США.

Дві картини Сальвадора Далі: ліворуч - "Голова жінки у вигляді битви". 1936; праворуч – "Іспанія". 1938 рік.

В. Коваль. "Kovalland (автопортрет художника)". 1994 рік.

Потрійна ікона "Дієсусний чин". ХІХ століття. Росія.

Наука та життя // Ілюстрації

Ікона з ликами Ісуса та Марії Магдалини. Перша половина XVII ст. Мелхейм, Німеччина.

Портрет Олександра III з дружиною та сином. Кінець ХІХ століття. Церковний музей при храмі Святителя Митрофана Воронезького, Москва.

Габріель фон Макс. "Платок святої Вероніки". 1870-ті роки. Німеччина.

"Спас Нерукотворний". Фото 1970-х років з картини невідомого художника, Росія.

ПРАВДИВІ ОБМАНКИ

Посперечалися два художники - Зевксис і Паррасій: хто з них кращий. Зевксис намалював виноградне гроно і поставив картину біля відчиненого вікна. Птахи, що пролітали повз, побачили виноград, сіли і спробували клювати намальовані ягоди. Настала черга Парасія. "Ну і де твоя робота?" - "Там, за фіранкою". Зевксис підійшов до фіранки і спробував її відсмикнути. А вона виявилася намальованою. Легенда народилася у Стародавній Греції, приблизно за 500 років до нашої ери.

Вона правдивіша, ніж може здатися на перший погляд. Справа в тому, що багато птахів не мають стереоскопічного зору, оскільки очі у них розташовані по обидва боки голови. Те, що бачить одне око, не бачить інше. Через відсутність загального поля огляду мозок неспроможна сформувати об'ємне зображення. І досвідчені мисливці знають, що примітивна, не розфарбована модель качки приваблює селезня, що летить, не гірше живого підсадного птаха.

Для нас у грецькій легенді важливо те, що картина обдурила не птахів, а око майстра-живописця. У російського художника ХІХ століття Федора Толстого є картини, які з сюжетом давньогрецької легенди. На одній із них - натюрморт, "прикритий" листом кальки. Один її кут загнутий. І ця частина натюрморту виглядає настільки достовірною, що мимоволі відчуваєш бажання зрушити кальку нижче, щоб побачити зображення повністю. Картини цього типу отримали назву "обманки", хоча йдеться чи не про найправдивіший з усіх жанрів живопису.

Поява такого роду картин стала можливою тільки після винаходу перспективи, світлотіней і... олійних фарб. Рецепти їхнього приготування зустрічаються ще в книгах XIII століття. Але лише на початку XV століття голландський художник Ян ван Ейк (1390-1441) настільки покращив технологію виготовлення фарб, що його нерідко називають винахідником техніки живопису маслом. Він першим по-новому застосував її, накладаючи тонкі прозорі шари фарб один поверх іншого, досягаючи виняткової глибини та багатства кольору, а також тонкощів світлотіньових та колірних переходів. Після Яна вана Ейка ​​митці отримали можливість досягати такого зображення, яке неважко було сплутати з оригіналом.

Родоначальник жанру обманок у Росії - Григорій Теплов, художник, поет, музикант, філософ, державний діяч XVIII століття. Одна з його робіт – на попередній сторінці. Шкода, що репродукції обманок у журналах та книгах нездатні передати відчуття, яке з'являється при погляді на оригінал. До речі, тому обманки рідко побачиш у книжках з мистецтва. Значною мірою це пояснюється різницею у розмірах картини та її друкованої репродукції, а також тим, що потрібний ефект зазвичай виникає залежно від відстані між зображенням та глядачем.

Існує ще один вид обманок. У Російському музеї Петербурзі, наприклад, є картина Петра Дрождіна, художника XVIII століття. Там автор зобразив сім'ю свого вчителя художника Антропова. Придивившись, помічаєш, що батько та син стоять поруч не з дружиною та матір'ю, а з її портретом. Край мольберта, що спочатку здавався світлим отвором у стіні, відокремлює стоять від зображення.

Бельгійський художник XX століття Рене Магрітт теж використав прийом із "мольбертами". Краї їх майже видно, і малюнки непомітно переходять у основний сюжет картини, зливаючись із нею. На одному пейзажі - ліс, починаючи за вікном, продовжується на намальованому мольберті, на іншому - море з мольберту перетікає у "реальне" море.

Магрітт - майстер картин-парадоксів. На одному полотні він поєднував предмети та явища, несумісні у житті; наприклад, денне небо та будинок, занурений у нічну темряву, або людина, що дивиться в дзеркало перед собою, бачить у ньому лише власну потилицю. Принцип парадоксальності він використав і в назвах полотен. Коли, за власним визнанням художника, йому не вистачало фантазії, він збирав друзів та просив допомогти у пошуку назви. Пейзаж з мольбертом, наприклад, зветься "Уділ людський".

ПРИВІТНІ СИЛУЕТИ

Існує особливий прийом для створення прихованого зображення: коли митці використовують контури намальованих предметів. Вперше картини зі "захованими силуетами" з'явилися, мабуть, у середньовічній Франції. Головними їхніми героями стали, зрозуміло, королі. Про те, що лілія - ​​символ династії Бурбонів, нам добре відомо вже хоча б по костюмах головних героїв із кінофільмів, знятих за романом Олександра Дюма "Три мушкетери". Двісті років тому, малюючи букети королівських лілій, художники перетворювали вигини стебел, контури листя та пелюстки на людські обличчя. Коли вгадуєш секрет, букет перетворюється на портрет королівської родини. Після того, як династію Бурбонів повалили, художники почали малювати імператора Наполеона з дружиною та сином. Але Джозефін любила фіалки, тому вони прийшли на зміну ліліям.

За минулі сторіччя художники, звісно, ​​розширили тематику подібних робіт. Один із прикладів - картина, на якій ви спочатку бачите кілька сухих листків, що летять у повітрі. А ще на полотні намальований клаптик паперу з написом французькою: "Сновидіння, що носить вітром і часом". Зазвичай митці не пишуть на лицьовій стороні картини її назви. Тут у лівому нижньому кутку полотна написано німецькою: "Таємниця між осіннім листям". Це не лише назва картини, а й ключ, що розкриває задум художника – Сандро Дель-Прете. Його ім'я сьогодні відоме у всьому світі. А починав він як аматор (повідомляю це спеціально для учасників конкурсу загадкових картин). У молодості Дель-Прете навчався малюванню лише шість місяців, до 44 років не вважав себе професійним художником і працював у страховій компанії у рідному швейцарському місті Берн, де мешкає досі.

На картині художника з Таганрога Віктора Брегеди, якого теж залучив цей прийом, уклінні постаті схилилися в молитві на тлі пустельного гірського пейзажу. Це лише частина сюжету, яку бачиш відразу, але назва - "Пророцтво" - підказує, що головний зміст не настільки очевидний і ще не розкритий. Невидимі в першу мить, на картині присутні ті, перед ким схилилися паломники: Бог-отець, Бог-син і крилатий вершник - ангел, що спустився з неба.

Картина москвички Наталії Замятіної "Сни про Грецію" виглядає як звичайний натюрморт із фарфоровою вазою та фруктами. Здається, що назва не зовсім відповідає зображенню. Але придивіться уважно до драпірування. Що ховають (або виявляють) складки тканини та контури вази?

ДВОЄВЗОРИ

Термін, що дав назву розділу статті, вигадав письменник і автор багатьох публікацій у журналі "Наука і життя" Сергій Федін. Двоєзірами він назвав тексти, які можна читати двома способами. Візьмемо для прикладу слово "акули". Перші дві літери "ак" можна написати і як одну літеру "ж". А "и" легко зобразити схожою на "є". Залишимо без змін літери в середині і отримаємо слово, яке легко прочитати двома способами: "акули" та "жульє". Декілька прикладів подібних написів тут наводяться.

Слово "двоєзір" відповідає англійському "ambigram" - двоїстий. Про словесні двоєвзори тут розказано тому, що на їхньому прикладі легше усвідомити сприйняття двоїстих зображень і в живописі.

Що ми шукаємо, рухаючись поглядом лініями двоєвзора? Якусь знайому букву. У картинах відбувається те саме. Мозок шукає знайомі образи, що вже є в пам'яті, яка зовсім не схожа на сховище фотографічних знімків. Пам'ять - свого роду "шифратор", що вловлює властивості зображення, наприклад наявність прямих та вигнутих ділянок ліній, меж зміни яскравості, кольору тощо.

Розглядаючи двоєвзори більш уважно, ми знаходимо літери, які спочатку не помітили, і складаємо з них друге слово. Те саме відбувається і з прихованим зображенням.

Поки що ніхто не вигадав слово "троє-погляди", тобто зображення трьох слів різних значень в одному записі. Якщо вам це вдасться, обов'язково надішліть свій твір на конкурс загадкових картин. А ось мальовничі троєзори вже створені, і про них ми зараз розповімо.

ДВУЛИКИЙ І ТРИХЛИКИЙ ЖИВОПИС

У попередньому номері журналу у статті "Невидимо-видиме" ви зустрічали зображення жіночої голівки, яка виглядає то молодою, то старою залежно від положення картини. Тепер познайомимося із портретом, який не потрібно перевертати. На запитання: "Молода чи стара жінка на ньому зображена?" - Різні люди дають протилежні відповіді. Одні кажуть – дівчина, інші – стара. Картинка давно стала класичною. Але тим, хто бачить її вперше, щоразу доводиться пояснювати, як розглянути друге зображення: "Око жінки - це вушко дівчини, а ніс - овал молодого обличчя". Як стверджують фізіологи, глядач, розглядаючи портрет, найбільшу увагу приділяє очам та носу. Тому перше враження зазвичай залежить від того, на яку частину картини впав ваш погляд у першу мить. Після невеликого тренування можна навчитися замовляти собі, кого ви хочете побачити.

За кількістю публікацій у книгах і журналах сюжет із молодою та старою жінкою далеко випереджає решту ілюзійних картинок. Автором її іноді називають американського карикатуриста У. Хілла, який опублікував роботу в 1915 році в журналі "Пак" (у перекладі російською "Puck" - ельф, казковий дух). Іноді зображення приписують психіатру Є. Борінгу, який використав портрет у 1930-х роках як ілюстрацію до своїх робіт. У вченому середовищі "Двох жінок" і сьогодні називають "Boring figure". Насправді ще в перші роки XX століття в Росії випустили в обіг листівку з такою ж картинкою та написом: "Моя дружина та моя теща". Прототипом для неї стала німецька поштова картка 1880 року (автор невідомий).

Картинка з двома жінками регулярно відтворюється в книгах з психології. Але досі багато в чому залишається невідомим, як розум людини сприймає подвійні зображення. Художники лише продовжують розвивати вже відомий прийом. У першій половині XX століття з'явився аналогічний портрет літнього та молодого чоловіка. Потім, у 1968 році, художник Г. Фішер зробив нову зачіску обом дамам і отримав третю дійову особу. Практично він додав лише один елемент, і картина стала називатися "Мама, тато і дочка". Жіноче волосся перетворилося на профіль чоловіка, завдяки чому на портреті опинилося троє людей.

На сучасній картині московського художника Сергія Орлова (див. стор. 132) присутні не тільки дві різні особи, а й дві жіночі постаті, що належать одночасно і дівчині та старій. Літня леді дивиться на квітку, яку вона тримає в руці. Молода сидить до нас спиною, поправляючи зачіску і повернувши голову вліво.

Роботи Сергія Орлова, Віктора Брегеди та інших художників, які працюють у цій манері, можна побачити в Інтернеті. Існує спеціальний проект "Двоїстості" http://hiero.ru/project/Dubl сайту "Ієрогліф", де автори виставляють роботи для обговорення.

Жодна книга про ілюзорні картини не обходиться без розповіді про творчість іспанця Сальвадора Далі. Через 300 років після Арчімбольдо він відродив напрямок ілюзорних картин.

На першій картині глядач бачить двох багато одягнених жінок. Чоловік у чалмі вводить їх у галерею. Цю сцену художник перетворює на другий сюжет. З арки галереї формується контур людської голови - зображення скульптурного портрета французького філософа Вольтера роботи Гудона.

Сюжет із Вольтером зустрічається у роботах Далі неодноразово. Двічі він використав і сюжет картини "Голова жінки у вигляді битви" (вгорі зліва), де фігури вершників, що скачуть, і мечущихся по жовтому полю людей складаються в обличчя жінки. Але потім "Голова жінки у вигляді битви" увійшла як деталь іншого полотна: "Іспанія". Факт цей свідчить про те, як важко знайти нове оригінальне рішення для дволикої картини.

Якби я став організатором виставки найкращих двоїстих картин, то поруч із роботами Далі розмістив би картини сучасного волгоградського художника Владислава Коваля. І неодмінно - "Сталінградську мадонну", в якій образ жінки з немовлям на руках пліток із гілок берези. У полотні "Списання на берег" далекі прибережні скелі, що видніються на горизонті, перетворюються на самотню, пониклу постать моряка. У картині "Ікар" її герой видно то, що летить, то полеглим. На наступному полотні солдат, що замерзає, закутаний у плащ-намет, перетворюється на мадонну з дитиною. У роботі "Піраміда" В. Коваль вперше в історії мистецтва поєднав кілька двоїстих зображень у цілісне художнє твір. Причому використав майже всі мальовничі прийоми, про які я розповів. Тут і побудова нових образів з деталей пейзажу, і картини, зміст яких залежить від кута зору чи відстані. Сьогодні Коваль – один із найвідоміших художників Росії. У його популярності цікавий початок. Під час навчання у Москві він надсилав листи рідним у Волгоград і на конвертах марки не наклеював, а малював. Усі надіслані листи дійшли до адресатів без доплати. Коли Міністерство друку оголосило конкурс серед художників, студент Владислав Коваль приніс організаторам пачку конвертів. І став переможцем, наймолодшим серед учасників.

НЕЗВИЧНІ ІКОНИ

Приклади загадкових картин зустрічаються навіть у такому суворому та канонічному вигляді мистецтва, як ікони. У Музей давньоруського мистецтва в Москві одного разу принесли ікону "Ісус у в'язниці". На лицьовій її частині зображено Ісуса з кайданами на ногах, а навколо - знаряддя Страстей, тобто тортур. Біля кожного вказано назву. Виходячи з особливостей написання слів, мистецтвознавці визначили, що автор є старообрядцем. Незвичайність ікони в тому, що зображення перетинали вузькі вертикальні смужки. Було висловлено припущення, що це сліди від ґрат, які колись закривали образ Христа. Однак розгадка темних смуг виявилася набагато цікавішою, і належить вона керівнику іконописної майстерні "Канон", мистецтвознавцю та художнику Олександру Ренжину.

Виявляється, ікона колись містила не одне, а три зображення. Смуги - не що інше, як сліди від вертикальних платівок, що кріпилися до рами (окладу) ікони. Вони впритул прилягали до її поверхні і тому залишили сліди. На обох сторонах кожної платівки було намальовано (прийнято говорити – написано) частини ще двох ікон. Стоячи навпроти ікони, ви могли бачити один образ, пересунувшись ліворуч – інший, праворуч – третій. Пластини ікони були втрачені, але Ренжин вдалося знайти точно таку ж цілу ікону. З'ясувалося, що на 12 платівках з двох сторін написані частини образів Богоматері та Іоанна Предтечі. Коли дивишся на ікону збоку, частини зображення складаються єдине ціле.

У запасниках Музею історії релігій у Санкт-Петербурзі зберігаються ікони такого типу, але з іншим сюжетом. На одній із них на передньому плані – голуб, символ Святого Духа. Але варто відійти вправо, як з'явиться образ Бога-батька, вліво – лик Бога-сина. Сучасному глядачеві, розпещеному світловими ефектами, важко уявити силу враження троїстих ікон на віруючих минулих століть, та ще й у сутінках церкви, освітленої лише свічками. Крім того, у XX столітті подібний прийом використовували у рекламі, і тому він втратив свою незвичність.

Існують ікони, поверхня яких не плоска, а профільна з вертикальними канавками трикутного перерізу. З одного боку кожної канавки написаний образ, видний ліворуч, але в інший - видно справа. Коли дивишся попереду, то бачиш "суміш" двох зображень. Тому в церкві перед такою іконою ставили великий свічник, щоб її було видно лише з двох боків.

При храмі святителя Митрофана Воронезького у Москві на 2-й Хуторській вулиці є церковний музей. Там серед інших цікавих експонатів можна побачити потрійне зображення. Це не ікона, а портрет царської родини. Стоячи навпроти портрета, ви бачите імператора Олександра ІІІ. Відійдете вправо – виникає образ імператриці Марії Федорівни. Глядачі, що стоять ліворуч, бачать юного спадкоємця, майбутнього імператора Миколи II. Цікава риса зображення допомогла встановити час його створення. На правому скроні Миколи видно криваву пляму. Це слід японського меча. У 1890-1891 роках спадкоємець здійснив кругосвітню подорож, і в Японії на нього було скоєно замах. Японський поліцейський вдарив Миколу мечем, але юний спадкоємець відхилився і отримав лише незначне поранення. Вдруге нападник ударити не встиг, його збили з ніг, але не господарі, які приймали високого гостя, а грецький королевич Георг, який супроводжував Миколу.

ЛЕГЕНДА ПРО СВЯТУ ВІРОНИКУ

1879 року в Петербурзі проходила виставка німецьких художників. Один із них, Габріель фон Макс, представив картину "Платок Святої Вероніки" із зображенням прибитого цвяхами до стіни шматка грубого полотна з обличчям Христа в центрі. Незвичайність картини в тому, що глядачі могли бачити очі Спасителя то закритими, то відкритими. Газети того часу писали, що організаторам довелося поставити стільці в залі, так як деякі дами непритомніли, вигукуючи: "Дивиться! Дивиться!"

Зрозуміло, загадкова картина привернула увагу столичних художників, які намагалися розгадати секрет, а художник Іван Крамський написав про неї статтю для журналу "Новий час", де розкрив прийом, за допомогою якого німецький автор вимагав потрібного ефекту.

Легенда про святу Вероніку поширилася Європою в Середньовіччі. Пізніше вона стала офіційним церковним Переданням, тобто була визнана такою самою істинною, як записані в Євангелії. Коли Ісуса Христа вели на гору Голгофу, щоб там розіп'яти, якась жаліслива жінка на ім'я Вероніка хусткою витерла з його обличчя піт, що застилав очі. При цьому на хустці чудово відобразилося обличчя Спасителя у терновому вінці. Передання лягло в основу православної ікони "Спас Нерукотворний". Нам, нефахівцям, найпростіше дізнатися цю ікону з зображення хустки, на якому написано обличчя Ісуса, хоча саму хустку (частіше кажуть "плат") малюють по-різному і досить умовно. У західних християн подібне зображення називається "Платок святої Вероніки".

Від знавця російського мистецтва священика Валентина Дронова почув я історію, яку наводжу тут дослівно: "Два чи три рази в житті доводилося мені бачити ікону "Спас Нерукотворний", яка була чудовою властивістю. Очі Ісуса на ній здавались то відкритими, то закритими. Це залежало". душевного стану того, хто молиться. Якщо він був спокійний - Спаситель ніби спав. Якщо ж перебував у хвилюванні - очі відкривалися". Вдома у отця Валентина зберігалася фотографія цього зображення, що тут наводиться.

Мені поки що не вдалося знайти щось подібне в наших музеях. У путівнику Віфлеємом - містом, де, за переказами, народився Христос, сказано, що одна з фресок на колоні в храмі Різдва має таку ж властивість: "лик на іконі відкриває і закриває очі".

Ікона, про яку розказано, зустрічається дуже рідко, тому важливі будь-які свідчення людей, які бачили або хоча б чули про подібні зображення. Просимо читачів обов'язково повідомити про це редакцію журналу.

Якісь витвори мистецтванемов б'ють глядача по голові, приголомшуючи і дивуючи. Якісь - затягують у роздуми та у пошуки смислових верств, таємної символіки. Деякі картини овіяні таємницями та містичними загадками, а деякі – дивують непомірною ціною.

Живопис, якщо не брати до уваги реалістів, Завжди була, є і буде дивною. Метафоричної, яка шукає нові форми та засоби вираження. Але деякі дивні картини дивніші за інші.

Зрозуміло, що "дивина" - це досить суб'єктивне поняття, і для кожного є свої дивовижні картини, що вибиваються з інших творів мистецтва.

Ми навмисно не включили до цієї збіркиСальвадора Далі, чиї роботи повністю потрапляють під формат цього матеріалу і першими приходять на думку.

1. Едвард Мунк "Крік"

1893, картон, олія, темпера, пастель. 91х73,5 см

Національна галерея, Осло

«Крік» вважається знаковою подієюекспресіонізму та однієї з найвідоміших картин у світі.

«Я йшов стежкою з двома друзями- сонце сідало - несподівано небо стало криваво-червоним, я зупинився, відчуваючи знемогу, і сперся на паркан - я дивився на кров і язики полум'я над синювато-чорним фіордом і містом - мої друзі пішли далі, а я стояв, тремтячи від хвилювання, відчуваючи нескінченний крик, що пронизує природу», говорив Едвард Мунк історію створення картини.

Існують два трактування зображеного: це сам герой охоплений жахом і безмовно кричить, притискаючи руки до вух; або ж герой закриває вуха від крику світу і природи, що звучить навколо. Мунк написав 4 версії «Крика», і є версія, що картина ця – плід маніакально-депресивного психозу, від якого страждав митець. Після курсу лікування у клініці Мунк не повертався до роботи над полотном.

2. Поль Гоген «Звідки ми прийшли? Хто ми? Куди ми йдемо?"

1897-1898, полотно, олія. 139,1 х374, 6 см

Музей образотворчих мистецтв, Бостон

Глибоко філософська картинаПостімпресіоніста Поля Гогена була написана ним на Таїті, куди той втік від Парижа. По завершенні роботи він хотів навіть покінчити життя самогубством, тому що «Я вірю, що це полотно не тільки перевершує всі мої попередні, і що я ніколи не створю щось краще або навіть схоже».

За вказівкою самого Гогена картинуслід читати праворуч - три основні групи фігур ілюструють питання, поставлені в назві. Три жінки з дитиною представляють початок життя; середня група символізує повсякденне існування зрілості; у заключній групі, за задумом художника, «стара жінка, що наближається до смерті, здається примирилася і віддалася своїм роздумам», біля її ніг «дивний білий птах... представляє марність слів».

3. Пабло Пікассо "Герніка"

1937, полотно, олія. 349х776 см

Музей королеви Софії, Мадрид

Величезне полотно-фреска «Герніка», написана Пікассо в 1937 році, розповідає про наліт добровільного підрозділу Люфтвафф на місто Герніка, в результаті якого шеститисячне місто було повністю знищене. Картина була написана буквально за місяць - перші дні роботи над картиною Пікассо працював по 10-12 годин і вже в перших начерках можна було побачити головну ідею. Це одна з найкращих ілюстрацій кошмару фашизму, а також людської жорстокості та горя.

«Герніка» представляє сцени смерті,насильства, звірства, страждання та безпорадності, без зазначення їх безпосередніх причин, але вони очевидні. Розповідають, що 1940 року Пабло Пікассо викликали до гестапо в Парижі. Мова одразу зайшла про картину. "Це зробили ви?" - "Ні, це зробили ви".

4. Ян ван Ейк «Портрет подружжя Арнольфіні»

1434, дерево, олія. 81.8х59.7 см

Лондонська національна галерея, Лондон

Портрет імовірно Джованні ді Ніколао Арнольфініта його дружини є одним із найскладніших творів західної школи живопису Північного Відродження.

Знаменита картина цілком і повністю наповненасимволами, алегоріями та різноманітними відсиланнями - аж до підпису «Ян ван Ейк був тут», що перетворило її не просто на витвір мистецтва, а на історичний документ, що підтверджує подію, на якій був присутній художник.

У Росії останніх роківкартина набула великої популярності завдяки портретній схожості Арнольфіні з Володимиром Путіним.

5. Михайло Врубель «Демон, що сидить»

1890, полотно, олія. 114х211 см

Третьяковська галерея, Москва

Картина Михайла Врубеля дивує образом демона.Сумний довговолосий хлопець зовсім не схожий на загальнолюдські уявлення про те, як має виглядати злий дух. Сам художник говорив про найвідомішу свою картину:

«Демон — дух не так злобний,скільки страждає і скорботний, у своїй дух владний, великий». Це образ сили людського духу, внутрішньої боротьби, сумнівів. Трагічно зчепивши руки, Демон сидить із сумними, спрямованими в далечінь величезними очима, в оточенні квітів. Композиція підкреслює стислість фігури демона, нібито затиснутого між верхньою і нижньою перекладинами рами.

6. Василь Верещагін «Апофеоз війни»

1871, полотно, олія. 127х197 см

Державна Третьяковська галерея, Москва

Верещагін - один із головних російськиххудожників-баталістів, але він малював війни та битви не тому, що любив їх. Навпаки, він намагався передати людям своє негативне ставлення до війни. Одного разу Верещагін у запалі емоцій вигукнув: «Більше батальних картин не писатиму — баста! Я надто близько до серця приймаю те, що пишу, виплакую (буквально) горе кожного пораненого та вбитого». Ймовірно, результатом цього вигуку стала страшна картина «Апофеоз війни», на якій зображено поле, ворони та гора людських черепів.

Картина написана так глибоко та емоційно, що за кожним черепом, що лежить у цій купі, починаєш бачити людей, їхні долі та долі тих, хто цих людей більше не побачить. А сам Верещагін із сумним сарказмом називав полотно «натюрмортом» - у ньому зображена «мертва природа».

Усі деталі картини, у тому числі жовтий колоритсимволізують смерть і спустошення. Ясне синє небо підкреслює мертвість картини. Ідею «Апофеозу війни» виражають також шрами від шабель та дірки від куль на черепах.

7. Грант Вуд "Американська готика"

1930, олія. 74х62 см

Чикаго інститут мистецтв, Чикаго

«Американська готика»- один із найвідомішихобразів в американському мистецтві XX століття, найвідоміший мистецький мем XX і XXI століть.

Картина з похмурим батьком і дочкоюпереповнена деталями, які вказують на суворість, пуританство та ретроградство зображених людей. Сердиті обличчя, вила прямо посередині картини, старомодна навіть за мірками 1930 року одяг, виставлений лікоть, шви на одязі фермера, що повторюють форму вил, а значить і загрозу, яка адресована всім, хто зазіхне. Всі ці деталі можна розглядати нескінченно і тулитися від незатишку.

Цікаво, що судді конкурсу в інституті Чикагомистецтв сприйняли «Готику» як «гумористичну валентинку», а жителі штату Айова страшенно образилися на Вуда за те, що той зобразив їх у такому неприємному світлі.

8. Рене Магрітт «Закохані»

1928, полотно, олія

Картина «Закохані» («Коханці»)існує у двох варіантах. На одному чоловік і жінка, чиї голови закутані білою тканиною, цілуються, а на іншому – дивляться на глядача. Картина дивує та зачаровує. Двома фігурами без обличчя Магріт передав ідею та сліпоті кохання. Про сліпоту у всіх сенсах: закохані нікого не бачать, не бачимо їх справжніх осіб і ми, а крім того, закохані – загадка навіть одна для одної. Але при цій зрозумілості, що здається, ми все одно продовжуємо дивитися на магриттовських закоханих і думати про них.

Чи не всі картини Магрітта- це ребуси, які повністю розгадати неможливо, тому що вони порушують питання про саму сутність буття. Магріт весь час говорить про оманливість видимого, про його приховану таємничість, яку ми зазвичай не помічаємо.

9. Марк Шагал "Прогулянка"

1917, полотно, олія

Державна Третьяковська Галерея

Зазвичай дуже серйознийу своєму живописі Марк Шагал написав чудовий маніфест власного щастя, наповнений алегоріями та любов'ю. «Прогулянка» - це автопортрет із дружиною Беллою. Його кохана ширяє в небі і того дивись потягне в політ і Шагала, що стоїть на землі неміцно, ніби торкаючись її тільки шкарпетками туфель. В іншій руці у Шагала синиця - він щасливий, він має і синиця в руках (ймовірно, його живопис), і журавель у небі.

10. Ієронім Босх «Сад земних насолод»

1500-1510, дерево, олія. 389х220 см

Прадо, Іспанія

«Сад земних насолод»- найвідоміший триптих Ієроніма Босха, який отримав свою назву на тему центральної частини, присвячений гріху хтивості. На сьогоднішній день жодне з наявних тлумачень картини не визнано єдино вірним.

Неминуча чарівність і одночасно дивинаТриптих полягає в тому, як художник висловлює головну ідею через безліч деталей. Картина переповнена прозорими фігурками, фантастичними спорудами, чудовиськами, які набули тіла галюцинаціями, пекельними карикатурами реальності, на яку він дивиться випробуваючим, надзвичайно гострим поглядом. Деякі вчені хотіли бачити в триптиху зображення життя людини крізь призму її марності та образи земного кохання, інші - торжество хтивості. Однак простодушність і деяка відстороненість, з якими трактовані окремі фігурки, а також прихильне ставлення до цього твору з боку церковної влади змушують сумніватися, що змістом його могло бути прославлення тілесних насолод.

11. Густав Клімт «Три віки жінки»

1905, полотно, олія. 180х180 см

Національна галерея сучасного мистецтва, Рим

«Три віки жінки» одночасно і радісна, та сумна. У ній трьома фігурами написана історія життя жінки: безтурботність, умиротворення та розпач. Молода жінка органічно вплетена в орнамент життя, стара - виділяється із неї. Контраст між стилізованим зображенням молодої жінки і натуралістичним чином старої набуває символічного сенсу: перша фаза життя несе з собою нескінченні можливості та метаморфози, остання — незмінна постійність та конфлікт з реальністю.

Полотно не відпускає, забирається в душуі змушує думати про глибину послання художника, як і про глибину і неминучість життя.

12. Егон Шиле «Сім'я»

1918, полотно, олія. 152.5х162.5 см

Галерея «Бельведер», Відень

Шіле був учнем КлімтаАле, як і всякий чудовий учень, він не копіював свого вчителя, а шукав нового. Шиле куди трагічніший, дивніший і страшніший, ніж Густав Клімт. У його роботах багато того, що можна було б назвати порнографією, різноманітних перверсій, натуралізму і при цьому щемливого розпачу.

«Сім'я» – його остання робота, В якій розпач доведено до абсолюту, незважаючи на те, що це - найменш дивно виглядає його картина. Він намалював її перед смертю, після того, як від іспанки померла його вагітна дружина Едіт. Він помер у 28 років лише через три дні після Едіт, встигнувши намалювати її, себе та їх так і ненароджену дитину.

13. Фріда Кало "Дві Фріди"

1939

Історія важкого життя мексиканської художниціФріди Кало стала широко відома після виходу фільму «Фріда» із Сальмою Хайєк у головній ролі. Кало писала в основному автопортрети і пояснювала це просто: «Я пишу себе, тому що багато часу проводжу на самоті і тому, що є тією темою, яку знаю найкраще».

На жодному автопортреті Фріда Калоне посміхається: серйозне, навіть скорботне обличчя, густі брови, що зрослися, трохи помітні вусики над щільно стиснутими губами. Ідеї ​​її картин зашифровані в деталях, фоні, фігурах, що з'являються поруч із Фрідою. Символіка Кало спирається на національні традиції та тісно пов'язана з індіанською міфологією доіспанського періоду.

В одній із найкращих картин – «Дві Фріди»- вона висловила чоловічий і жіночий початок, поєднані в ній єдиною кровоносною системою, що демонструють її цілісність.

14. Клод Моне Міст Ватерлоо. Ефект туману»

1899, полотно, олія

Державний Ермітаж, Санкт-Петербург

При розгляді картини зблизькаглядач не бачить нічого, крім полотна на яке нанесені часті густі масляні мазки. Вся магія твору розкривається, коли ми поступово починаємо відсуватися від полотна на більшу відстань. Спочатку перед нами починають виявлятися незрозумілі півкола, що проходять через середину картини, потім, ми бачимо явні контури човнів і, відійшовши на відстань приблизно двох метрів, перед нами різко промальовуються і вишиковуються в логічний ланцюжок всі сполучні твори.

15. Джексон Поллок «Номер 5, 1948»

1948, фіброліт, олія. 240х120 см

Дивність цієї картини в тому,що полотно американського лідера абстрактного експресіонізму, яке він намалював, розливаючи фарбу по розкладеному на підлозі шматку фіброліту - найдорожча картина у світі. 2006 року на аукціоні Сотбіс за неї заплатили 140 мільйонів доларів. Девід Гіффен, кінопродюсер та колекціонер, продав її мексиканському фінансисту Девіду Мартінесу.

«Я продовжую відходити від звичайних інструментівхудожника, таких, як мольберт, палітра та пензлі. Я волію палички, совки, ножі і фарбу, що ллється, або суміш фарби з піском, побитим склом або чимось ще. Коли я всередині живопису, я не розумію, що я роблю. Розуміння приходить пізніше. Я не маю страху перед змінами чи руйнуванням образу, оскільки картина живе своїм власним життям. Я просто допомагаю їй вийти назовні. Але якщо я втрачаю контакт із картиною, виходить бруд і безладдя. Якщо ж ні, це чиста гармонія, легкість того, як ти береш і віддаєш».

16. Жоан Міро «Чоловік і жінка перед купою екскрементів»

1935, мідь, олія, 23х32 см

Фонд Жоана Міро, Іспанія

Хороша назва.І хто б міг подумати, що ця картина говорить нам про жах громадянських воєн.

Картина була зроблена на аркуші мідіза тиждень між 15 та 22 жовтня 1935 року. За словами Міро, це є результатом спроби зобразити трагедію Громадянської війни в Іспанії. Міро говорив, що це картина про період занепокоєння. На картині зображені чоловік і жінка, що тягнуться один до одного в обійми, але не рухаються. Збільшені статеві органи та зловісні кольори були описані як «повні огиди та бридкої сексуальності».

17. Яцек Йєрка «Ерозія»

Польський неосюрреаліст відомий у всьому світізавдяки своїм дивовижним картинам, у яких поєднуються реальності, створюючи нові. Важко розглядати його гранично детальні та певною мірою зворушливі роботи по одній, але такий формат нашого матеріалу, і нам довелося вибрати одну – для ілюстрації його фантазії та майстерності. Рекомендуємо ознайомитись детальніше.

18. Білл Стоунхем "Руки противяться йому"

1972

Цю роботу, звичайно, не можна зарахуватидо шедеврів світового живопису, але те, що він дивний - це факт.

Навколо картини з хлопчиком, лялькою та долоньками, притиснутими до скла, ходять легенди Від «через цю картину помирають» до «діти на ній живі». Виглядає картина і справді моторошно, що породжує у людей зі слабкою психікою масу страхів і домислів.

Художник запевняв, що на картинізображений він сам у віці п'яти років, що двері – уявлення розділової лінії між реальним світом та світом снів, а лялька – провідник, який зможе провести хлопчика через цей світ. Руки представляють альтернативні життя чи можливості.

Картина здобула популярність у лютому 2000 року, коли вона була виставлена ​​на продаж на eBay з передісторією, яка розповідає, що картина – «з привидами». "Руки противяться йому" купив за 1025 доларів Кім Сміт, який потім був просто завалений листами з моторошними історіями та вимогами спалити картину

Картини великих художників здатні не тільки захоплювати і дарувати естетичну насолоду, а й викликати містичний трепет і страх. Багато картин майстрів таять у собі загадки. Про них наша розповідь.

Талановиті картини завжди викликають внутрішній трепет і захоплення у шанувальників живопису. Полотна великих майстрів зачаровують і полонюють, оскільки красиві картини пробуджують у душах найпотаємніше, те, що найчастіше людина прагне приховати навіть від себе. Карл Юнг називав це несвідомим.

Тому картини відомих художників сприймаються як таємничі послання, де відкриваються таємниці світу. Щоб їх розгадати, потрібно бути максимально уважним до деталей та символів полотен.

Не одне покоління мистецтвознавця прагне розгадати шифри Ієроніма Босха, замислюється над кодом полотен Леонардо да Вінчі, і Мікеланджело, і Боттічеллі, у захваті застигає перед картинами голландців. Що вже говорити про картини епохи модернізму та постмодернізму, де краса, одухотвореність і точність ліній поступилися місцем культурним символам, переплетенню ліній та кубічним формам.

Картини зі змістом Пабло Пікассо та Фріди Кало, Джексона Поллока та Сальвадора Далі відкривають трагічні та містичні сторони буття сучасної людини. Щоб прочитати їх, необхідно мати великі знання і творчу інтуїцію.

Пропонуємо відвідати віртуальну галерею та дізнатися, які знамениті картини художників таять у собі загадки або з якими пов'язані драматичні історії:

«Таємна вечеря» (Леонардо да Вінчі)

Багато хто помітить, що цей шедевр не зовсім картина, а фреска. Проте фреска - те саме полотно, тільки виконане на сирій штукатурці. Говорити про таємницю цієї картини почали ще в XIX столітті, коли уми аристократії були захоплені різними містичними навчаннями, у Європі процвітали масонські ложі та різні таємні товариства. У ХХI столітті інтерес до фрески відродився завдяки книзі Дена Брауна «Код да Вінчі» та серіалу «Демони да Вінчі».

Справді, цей витвір видатного художника епохи Відродження містить багато таємних знаків, що формують підтекст фрески. Насамперед слід звернути увагу, що над її створенням художник працював три роки, до 1498-го (Леонардо явно писав не на сирому ґрунті – це привід вважати «Таємну вечерю» картиною, а не фрескою). Композицію замовив дож Венеції Людовико Сфорца - відомий гульвіса, містик, торговець та інтриган.

Поняття вірності у сімейному житті були чужі Сфорца, він був невгамовним у своїх пристрастях, від чого страждала його побожна дружина герцогиня Беатріче д'Есте. Незважаючи на те, що вона була однією з найкрасивіших жінок епохи Ренесансу, Людовіко з дивовижною постійністю зраджував її з найкращими гетерами Венеції.

Тільки смерть Беатріче змусила Сфорца переосмислити свої пріоритети та зупинитися у пошуку любовних втіх. Щоб увічнити її пам'ять, венеціанський герцог замовив «Таємну вечерю» та Вінчі.

З цією передісторією пов'язана перша загадка полотна: апостол Іоанн, що сидить праворуч від Христа, зовні більше похід на жінку, ніж на чоловіка. Так народився здогад, що це Марія Магдалена – дружина Ісуса. Вона підтверджувалася ще й знаком, який творять нахили цих двох персонажів. Виходить постать, яка нагадує поєднання двох трикутників, що у містичних навчаннях означало зв'язок жіночого та чоловічого почав як основи світобудови.

Друга загадка – образ Юди. На початку роботи над картиною Леонардо дуже швидко знайшов натурника образа Ісуса. Ним став юнак-співачий із церковного хору. Його краса та благообразність вразили художника.

А ось для Юди натуру довелося шукати майже три роки. Одного разу в канаві Леонардо побачив п'яницю, що опустився. Він привів його в трапезну і за лічені дні написав антипода Христа. Розговорившись із натурником, художник дізнався, що життя того пішло під укіс з моменту, коли він позував для створення образу Ісуса да Вінчі. Таким чином, Христос і той, хто зрадив його, списані з однієї людини з різницею в три роки.

Третя загадка – на картині є автопортрет Леонардо. Це апостол Фаддей, який сидить другим праворуч.

Четвертий код - цифра три, що повторюється. Придивіться до полотна, всі персонажі згруповані по три. У цьому є символічний шифр святої Трійці - Сина, Духа і Бога.

"Створення Адама" (Мікеланджело)

Фреска одного з уславлених майстрів епохи Відродження, створена XVI столітті, зображує Бога, простягає руку Адаму. Це четвертий із дев'яти сюжетів Буття, які автор зобразив у Сикстинській капелі. Картина зображує, як Бог вдихає душу в щойно створену людину.

Анатоми встановили, що пурпуровий плащ Творця, під яким зібрані ангели, за контурами нагадує мозок людини. Мікеланджело, як і всі художники на той час, предметно вивчав анатомію, тому чудово знав, як виглядає цей орган. Але навіщо він зобразив його на картині з релігійним сюжетом?

Мистецтвознавці припустили, що таким чином прогресивний художник і мислитель вказував на те, що рушійна та розвиваюча людина сила – це розум. Крім цього, є ще низка нюансів, на які слід звернути увагу:

1. Поза Адама симетрична позі Бога. Проте першолюд розслаблений, і лише божественний розум здатний наповнити його енергією.
2. Герої, оповиті плащем Творця, створюють контур людського мозку. Причому Мікеланджело лініями окреслив гіпофіз, варолієвий міст (передає імпульси від головного мозку до спинного), хребетні артерії.

Картина - промовисте послання прогресивного художника-гуманіста, який вірив у могутність людського розуму.

"Фламандські прислів'я" (Пітер Брейгель-старший)

Картина створена голландським живописцем у середині XVI ст. На перший погляд, її сюжет простий - звичайний день на базарній площі. Однак на полотні є 112 окремих композиційних складових, які втілюють популярні фразеологічні звороти.

Придивіться уважно до зображення і побачите ілюстрації до ідіом: битися головою об стіну; прив'язати диявола до подушки; вішати дзвіночок на кота (нерозумний вчинок); говорити двома ротами; смажити оселедець заради ікринки та ін.

Ця картина представляє живий інтерес не тільки для мистецтвознавців та культурологів, а й для філологів.

"Дана" (Харменс ван Рейн Рембрандт)

Цю картину голландський художник писав упродовж 11 років (1636–1647 рр.). На погляд на полотні відображена героїня давньогрецького міфу Даная, яку сховав у підземеллі власний батько. Причина тому пророцтво, за яким цар Аргоса впаде від руки свого онука.

«Дана» Рембрандта – це символ чоловічої непостійності. Вивчаючи картину, мистецтвознавці встановили, що на безіменному пальці Данаї є обручка, хоча, згідно з легендою, вона була незаміжньою панночкою, коли її ув'язнили. До того ж на картині не було золотого дощу, яким пролився Зевс, щоб зародити в Дана життя.

Другий момент, який збентежив дослідників, це те, що обличчя героїні не було схоже на Саськію ван Ейленбюрх – молоду дружину Рембрантдта, яка служила моделлю для всіх його картин 1630-х років. Тим більше це дивно, оскільки Дана писалася художником для прикраси власного будинку. То кого ж замість дружини він зняв на полотні?

Відповідь було отримано у 1950-х рр., коли мистецтвознавці почали використовувати рентген вивчення полотен. Виявилося, що спочатку Дана була списана з Саскії, а згодом її образ художник переписав, надавши риси годувальниці свого сина Гертьє Діркс. Після смерті Саскії вона стала його коханкою, співмешканкою та новою музою.

«Спальня в Арлі» (Вінсент Ван Гог)

Не витримавши цькування паризького бомонду, Вінсент Ван Гог втікає зі столиці Франції. Навесні 1888 року він усамітнюється у маленькому флігельку в Арлі, купленому за власний кошт від спадщини. Художник нарешті знайшов свій будинок і власну майстерню. В Арлі він прожив деякий час, чекаючи ще одного паризького втікача Поля Гогена. Разом із ним Ван Гог хотів створити братство художників.

Картина «Спальня в Арлі», або «Жовта спальня» - це документальне підтвердження душевної хвороби живописця. По ній психіатри можуть вивчати зміни особистості, яка страждає на шизофренію. Ось на які знаки слід звернути увагу:

1. Насичений, або навіть нав'язливий жовтий колір. Він виглядає неприродно в інтер'єрі спальні. Вся річ у наперстянці, за допомогою якої Вінсент Ван Гог боровся з епілептичними нападами. Регулярний прийом цих ліків призводить до зміни сприйняття кольору. Люди бачать світ у жовто-зеленому кольорі.
2. Парність предметів у кімнаті: два стільці, дві подушки, два портрети, пара гравюр авторства Ван Гога. Таким чином автор намагався набути душевної рівноваги, впоратися з самотністю.
3. Закриті віконниці – символ внутрішньої замкнутості художника та почуття захищеності.
4. Дзеркало на стіні купили Ван Гогом для створення автопортретів. Люди відмовляли йому позувати, бо не сприймали його картини як творчість.
5. Червона ковдра на ліжку зіграла драматичну роль життя художника. Під час одного з нападів він відрізав собі мочку вуха і, загорнувшись у цю ковдру, намагався подолати страх, що охопив його.

Картина – відображення внутрішнього світу художника. У випадку з Ван Гогом «Спальня в Арлі» - це історія його самотності та божевілля.

"Крік" (Едвард Мунк)

"Крік" - одна з наймістичніших картин ХХ століття. Вона втілила передчуття всесвітньої трагедії, яке охопило митця під час однієї із прогулянок. Мунк побачив кривавий захід сонця, що палахкотів на небосхилі, і внутрішньо почув крик страждання природи. Саме це він і хотів відобразити на своєму полотні.

Безволоса людина, що за обрисами нагадує скелет, широко розгортає рота і в жаху закриває вуха - так вражає його пронизливе виття природи. Відчуття, пережите художником та відображене на полотні, стало пророчим. «Крік» став символом ХХ століття – століття насильства, воєн, жорстокості, ненависті до людини, катування довкілля.

З картиною пов'язана низка містичних історій. Так, усіх власників «Крику» осягало нещастя – руйнування, смерть, нещасні випадки. Коли картина потрапила до музею, кілька працівників виявили необережність у роботі з нею – упустили полотно. Через час один наклав на себе руки, а інший згорів в автомобільній катастрофі. Ці нещастя пов'язали з роковою дією шедевра.

Вчені впевнені, що, як і у випадку Ван Гога, полотно – втілення психічного розладу його творця – Едварда Мунка.

«Старий рибалка» (Тивадар Костка Чонтварі)

Аптекар з Угорщини, побачивши пророчий сон, продав аптеку, придбав усе, що потрібно для малювання, і вирушив навчатися майстерності у ліванських художників.

Після повернення на батьківщину на початку ХХ століття він представив оригінальну роботу – картину «Старий рибалка». Здавалося, що в ній немає нічого особливого: публіці було невтямки, що такого загадкового в цьому полотні. Вся річ у підтексті, який не так просто прочитати. Розгадати його вдалося лише за 50 років.

Чонтварі писав дивні і трохи лякаючі картини, тому вони не популярні. В результаті помер у злиднях, а його полотна опинилися на смітнику. Лише кілька картин майстра збереглися та опинилися у музеї міста Печа. Серед них був «Старий рибалка».

Один із музейних співробітників додумався використати дзеркало, щоб розкрити підтекст шедевра. Виявилося, що якщо розділити дзеркалом картину навпіл, тоді утворюється два сюжети-антагоністи: на першому зображений Бог, що пливе в човні спокійним морем, а на другому - диявол у бурхливому морі. Ось така метафора складності буття створена угорським художником.

Це лише невелика частина тих знаменитих картин, що викликають містичний трепет і поклоніння. Захоплення, жах та поклоніння викликають твори Михайла Врубеля, Поля Гогена, Пабло Пікассо, Густава Клімта та Каземира Малевича. Їх розгадують, ними захоплюються, до розуміння їхнього змісту йдуть роками. Пізнання загадок великих полотен – це крок до пізнання людини та світу.

Популярні новини

17:56