हॉलैंड। सत्रवहीं शताब्दी देश अभूतपूर्व समृद्धि का अनुभव कर रहा है। तथाकथित "स्वर्ण युग"। 16वीं शताब्दी के अंत में देश के कई प्रांतों ने स्पेन से स्वतंत्रता प्राप्त की।

अब प्रोटेस्टेंट नीदरलैंड अपने तरीके से चला गया। और स्पेन के विंग के तहत कैथोलिक फ़्लैंडर्स (अब बेल्जियम) - अपना।

स्वतंत्र हॉलैंड में, लगभग किसी को भी धार्मिक चित्रकला की आवश्यकता नहीं थी। प्रोटेस्टेंट चर्च ने सजावट की विलासिता को मंजूरी नहीं दी। लेकिन यह परिस्थिति धर्मनिरपेक्ष चित्रकला के "हाथों में खेली गई"।

वस्तुतः नए देश के प्रत्येक निवासी ने इस प्रकार की कला के प्रति प्रेम जगाया। डच चित्रों में अपना जीवन देखना चाहते थे। और कलाकार स्वेच्छा से उनसे मिलने गए।

आसपास की वास्तविकता को पहले कभी इतना चित्रित नहीं किया गया है। साधारण लोग, साधारण कमरे और एक शहरवासी का सबसे साधारण नाश्ता।

यथार्थवाद फला-फूला। 20वीं शताब्दी तक, यह अपनी अप्सराओं और ग्रीक देवी-देवताओं के साथ शिक्षावाद का एक योग्य प्रतियोगी होगा।

इन कलाकारों को "छोटा" डच कहा जाता है। क्यों? चित्र आकार में छोटे थे, क्योंकि वे छोटे घरों के लिए बनाए गए थे। तो, जन वर्मीर की लगभग सभी पेंटिंग आधे मीटर से अधिक ऊंची नहीं हैं।

लेकिन मुझे दूसरा संस्करण बेहतर लगता है। 17वीं शताब्दी में नीदरलैंड में, एक महान गुरु, एक "बड़ा" डचमैन रहता था और काम करता था। और बाकी सब उसकी तुलना में "छोटे" थे।

हम बात कर रहे हैं, बेशक, रेम्ब्रांट के बारे में। आइए उसके साथ शुरू करते हैं।

1. रेम्ब्रांट (1606-1669)

रेम्ब्रांट। 63 साल की उम्र में सेल्फ-पोर्ट्रेट। 1669 लंदन की राष्ट्रीय गैलरी

रेम्ब्रांट को अपने जीवन के दौरान भावनाओं की व्यापक रेंज का अनुभव करने का मौका मिला। इसलिए, उनके शुरुआती कामों में बहुत मज़ा और उतावलापन है। और इतनी सारी जटिल भावनाएँ - बाद वाले में।

यहाँ वह "द प्रोडिगल सन इन द टैवर्न" पेंटिंग में युवा और लापरवाह है। उसके घुटनों पर सास्किया की प्यारी पत्नी है। वह एक लोकप्रिय कलाकार हैं। ऑर्डर आ रहे हैं।

रेम्ब्रांट। मधुशाला में उड़ाऊ पुत्र। 1635 ओल्ड मास्टर्स गैलरी, ड्रेसडेन

लेकिन यह सब कुछ 10 वर्षों में गायब हो जाएगा। सास्किया खपत से मर जाएगा। लोकप्रियता धुएं की तरह गायब हो जाएगी। अनोखे संग्रह वाला बड़ा घर कर्ज के लिए छीन लिया जाएगा।

लेकिन वही रेम्ब्रांट दिखाई देगा, जो सदियों तक रहेगा। पात्रों की नग्न भावनाएँ। उनके सबसे गुप्त विचार।

2. फ्रैंस हल्स (1583-1666)

फ़्रांसिस हल्स। आत्म चित्र। 1650 मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, न्यूयॉर्क

फ्रैंस हल्स अब तक के सबसे महान चित्रकारों में से एक हैं। इसलिए, मैं उसे "बड़े" डचों में भी स्थान दूंगा।

उस समय हॉलैंड में समूह के चित्रों को कमीशन करने का रिवाज था। इसलिए एक साथ काम करने वाले लोगों को दर्शाने वाले समान काम का एक बहुत कुछ था: एक गिल्ड के निशानेबाज, एक शहर के डॉक्टर, एक नर्सिंग होम का प्रबंधन।

इस शैली में, Hals सबसे अलग है। आखिरकार, इनमें से अधिकांश चित्र ताश के पत्तों की तरह लग रहे थे। लोग अपने चेहरे पर एक ही भाव के साथ मेज पर बैठते हैं और बस देखते हैं। हल्स अलग था।

उनके समूह चित्र को देखें "एरोज़ ऑफ़ द गिल्ड ऑफ़ सेंट। जॉर्ज"।

फ़्रांसिस हल्स। सेंट के गिल्ड के तीर। जॉर्ज। 1627 फ्रैंस हल्स संग्रहालय, हार्लेम, नीदरलैंड्स

यहां आपको आसन या चेहरे के भाव में एक भी दोहराव नहीं मिलेगा। वहीं, यहां कोई अव्यवस्था नहीं है। कई पात्र हैं, लेकिन कोई भी अतिश्योक्तिपूर्ण नहीं लगता। आंकड़ों की आश्चर्यजनक रूप से सही व्यवस्था के लिए धन्यवाद।

हां, और एक ही चित्र में, हल्स ने कई कलाकारों को पीछे छोड़ दिया। उनके मॉडल स्वाभाविक हैं। उनके चित्रों में उच्च समाज के लोग दूर की भव्यता से रहित हैं, और नीचे से मॉडल अपमानित नहीं दिखते।

और उनके पात्र बहुत भावुक हैं: वे मुस्कुराते हैं, हंसते हैं, इशारा करते हैं। जैसे, उदाहरण के लिए, यह "जिप्सी" एक धूर्त नज़र के साथ।

फ़्रांसिस हल्स। जिप्सी। 1625-1630

रेम्ब्रांट की तरह हेल्स ने गरीबी में अपना जीवन समाप्त कर लिया। एक ही कारण के लिए। उनका यथार्थवाद ग्राहकों के स्वाद के खिलाफ गया। जो उनके रूप को सुशोभित करना चाहते थे। हल्स ने एकमुश्त चापलूसी नहीं की, और इस तरह अपने स्वयं के वाक्य - "विस्मरण" पर हस्ताक्षर किए।

3. जेरार्ड टेरबोर्च (1617-1681)

जेरार्ड टेरबोर्च। आत्म चित्र। 1668 मॉरीशस रॉयल गैलरी, द हेग, नीदरलैंड्स

टेरबोर्च घरेलू शैली के उस्ताद थे। अमीर और बहुत कम बर्गर धीरे-धीरे बात करते हैं, महिलाएं पत्र पढ़ती हैं, और एक खरीददार प्रेमालाप देखता है। दो या तीन बारीकी से दूरी वाले आंकड़े।

यह वह मास्टर था जिसने घरेलू शैली के सिद्धांत विकसित किए। जिसे बाद में जान वर्मीर, पीटर डी हूच और कई अन्य "छोटे" डचों द्वारा उधार लिया जाएगा।

जेरार्ड टेरबोर्च। एक गिलास नींबू पानी। 1660 के दशक। स्टेट हर्मिटेज संग्रहालय, सेंट पीटर्सबर्ग

नींबू पानी का एक गिलास टेरबोर्च की प्रसिद्ध कृतियों में से एक है। यह कलाकार का एक और फायदा दिखाता है। पोशाक के कपड़े की अविश्वसनीय रूप से यथार्थवादी छवि।

Terborch में असामान्य कार्य भी हैं। जो ग्राहकों की आवश्यकताओं से परे जाने की उनकी इच्छा की बात करता है।

उनका "ग्राइंडर" हॉलैंड के सबसे गरीब निवासियों के जीवन को दर्शाता है। हम "छोटे" डचों की तस्वीरों में आरामदायक आंगन और साफ कमरे देखने के आदी हैं। लेकिन टेरबोर्च ने अनाकर्षक हॉलैंड को दिखाने का साहस किया।

जेरार्ड टेरबोर्च। चक्की। 1653-1655 बर्लिन राज्य संग्रहालय

जैसा कि आप समझते हैं, ऐसे कार्यों की मांग नहीं थी। और वे टेरबोर्च में भी एक दुर्लभ घटना है।

4. जन वर्मीर (1632-1675)

जान वर्मीर। कलाकार की कार्यशाला। 1666-1667 Kunsthistorisches संग्रहालय, वियना

जन वर्मीर कैसा दिखता था यह निश्चित रूप से ज्ञात नहीं है। यह केवल स्पष्ट है कि पेंटिंग "कलाकार की कार्यशाला" में उन्होंने खुद को चित्रित किया। पीछे से सच।

इसलिए, यह आश्चर्य की बात है कि हाल ही में गुरु के जीवन से एक नया तथ्य ज्ञात हुआ है। यह उनकी उत्कृष्ट कृति "स्ट्रीट ऑफ डेल्फ़्ट" से जुड़ा है।

जान वर्मीर। डेल्फ़्ट गली। 1657 एम्स्टर्डम में रिज्क्सम्यूजियम

यह पता चला कि वर्मीर ने अपना बचपन इसी गली में बिताया था। चित्रित घर उसकी चाची का था। उसने वहां अपने पांच बच्चों की परवरिश की। हो सकता है कि वह दरवाजे पर सिलाई कर रही हो, जबकि उसके दो बच्चे फुटपाथ पर खेल रहे हों। विपरीत मकान में वर्मीर खुद रहता था।

लेकिन अधिक बार उन्होंने इन घरों और उनके निवासियों के इंटीरियर का चित्रण किया। ऐसा लगता है कि चित्रों के भूखंड बहुत सरल हैं। यहाँ एक सुंदर महिला है, एक धनी शहर की निवासी, अपने तराजू के काम की जाँच कर रही है।

जान वर्मीर। वजन वाली महिला। 1662-1663 नेशनल गैलरी ऑफ़ आर्ट, वाशिंगटन

हजारों अन्य "छोटे" डचों के बीच वर्मीर कैसे खड़ा हुआ?

वह प्रकाश के एक नायाब गुरु थे। पेंटिंग "वुमन विद स्केल्स" में, प्रकाश धीरे से नायिका, कपड़े और दीवारों के चेहरे को ढँक देता है। छवि को एक अज्ञात आध्यात्मिकता देना।

और वर्मीर के चित्रों की रचनाओं का सावधानीपूर्वक सत्यापन किया जाता है। आपको एक भी अतिरिक्त विवरण नहीं मिलेगा। उनमें से एक को हटाने के लिए पर्याप्त है, चित्र "उखड़ जाएगा", और जादू चला जाएगा।

यह सब वर्मीर के लिए आसान नहीं था। ऐसी अद्भुत गुणवत्ता के लिए श्रमसाध्य कार्य की आवश्यकता थी। प्रति वर्ष केवल 2-3 पेंटिंग। इसके चलते परिवार का भरण पोषण नहीं हो पा रहा है। वर्मीर ने एक कला डीलर के रूप में भी काम किया, अन्य कलाकारों द्वारा काम की बिक्री की।

5. पीटर डी हूच (1629-1684)

पीटर डी हूच। आत्म चित्र। 1648-1649 रिज्क्सम्यूजियम, एम्सटर्डम

होच की तुलना अक्सर वर्मीर से की जाती है। उन्होंने एक ही समय में काम किया, एक ही शहर में एक अवधि भी थी। और एक शैली में - घरेलू। होच में, हम आरामदायक डच आंगनों या कमरों में एक या दो आकृतियाँ भी देखते हैं।

खुले दरवाजे और खिड़कियाँ उनके चित्रों के स्थान को बहुस्तरीय और मनोरंजक बनाते हैं। और आंकड़े इस स्थान में बहुत सामंजस्यपूर्ण रूप से फिट होते हैं। उदाहरण के लिए, उनकी पेंटिंग में "यार्ड में एक लड़की के साथ नौकर।"

पीटर डी हूच। नौकरानी के साथ यार्ड में एक लड़की. 1658 लंदन नेशनल गैलरी

20 वीं शताब्दी तक, होच को अत्यधिक महत्व दिया जाता था। लेकिन कम ही लोगों ने उनके प्रतिद्वंद्वी वर्मीर के कुछ कामों पर ध्यान दिया।

लेकिन 20वीं सदी में सब कुछ बदल गया। हॉक की महिमा फीकी पड़ गई। हालांकि, पेंटिंग में उनकी उपलब्धियों को पहचानना मुश्किल नहीं है। कुछ लोग पर्यावरण और लोगों को इतनी कुशलता से जोड़ सकते हैं।

पीटर डी हूच। सन रूम में कार्ड प्लेयर। 1658 रॉयल आर्ट कलेक्शन, लंदन

कृपया ध्यान दें कि कैनवास "कार्ड प्लेयर्स" पर एक मामूली घर में एक महंगे फ्रेम में एक तस्वीर है।

यह एक बार फिर बताता है कि साधारण डचों के बीच पेंटिंग कितनी लोकप्रिय थी। हर घर में सजी तस्वीरें: एक अमीर बर्गर का घर, एक मामूली शहरवासी और यहां तक ​​कि एक किसान का भी।

6. जान स्टीन (1626-1679)

जान स्टेन। ल्यूट के साथ सेल्फ-पोर्ट्रेट। 1670s थिसेन-बोर्नमिसज़ा संग्रहालय, मैड्रिड

जान स्टीन शायद सबसे हंसमुख "छोटा" डचमैन है। लेकिन नैतिकता से प्यार है। वह अक्सर सराय या गरीब घरों का चित्रण करता था जिसमें दोष पाया जाता था।

इसके मुख्य पात्र मौलवी और आसान गुण वाली महिलाएं हैं। वह दर्शकों का मनोरंजन करना चाहता था, लेकिन उसे एक शातिर जीवन के खिलाफ चेतावनी दी।

जान स्टेन। अव्यवस्था। 1663 कला इतिहास संग्रहालय, वियना

स्टेन के पास शांत काम भी हैं। जैसे, उदाहरण के लिए, "सुबह का शौचालय"। लेकिन यहां भी, कलाकार बहुत स्पष्ट विवरण के साथ दर्शकों को आश्चर्यचकित करता है। स्टॉकिंग गम के निशान हैं, न कि खाली चैम्बर पॉट। और किसी तरह यह बिल्कुल भी नहीं है कि कुत्ता तकिए पर लेट जाता है।

जान स्टेन। सुबह का शौचालय। 1661-1665 रिज्क्सम्यूजियम, एम्सटर्डम

लेकिन तमाम तुच्छता के बावजूद, स्टेन की रंग योजनाएँ बहुत ही पेशेवर हैं। इसमें उन्होंने कई "छोटे डच" को पीछे छोड़ दिया। देखें कि कैसे लाल मोजा नीले जैकेट और चमकीले बेज रंग के गलीचा के साथ पूरी तरह से मेल खाता है।

7. जैकब्स वैन रुइसडेल (1629-1682)

रुइसडेल का पोर्ट्रेट। 19वीं सदी की एक किताब से लिथोग्राफ।

फ्लेमिश पेंटिंग ललित कला के इतिहास में शास्त्रीय स्कूलों में से एक है। रुचि रखने वाले सभी क्लासिक पैटर्नयह वाक्यांश सर्वविदित है, लेकिन इतने महान नाम के पीछे क्या है? क्या आप बिना किसी हिचकिचाहट के इस शैली की कुछ विशेषताओं की पहचान कर सकते हैं, मुख्य नाम बता सकते हैं? बड़े संग्रहालयों के हॉल में अधिक आत्मविश्वास से नेविगेट करने के लिए और दूर 17 वीं शताब्दी से थोड़ा कम शर्मीला होने के लिए, आपको इस स्कूल को जानना होगा।

फ्लेमिश स्कूल का इतिहास

राज्य की आंतरिक स्वतंत्रता के लिए धार्मिक और राजनीतिक संघर्ष के कारण 17 वीं शताब्दी नीदरलैंड में आंतरिक विभाजन के साथ शुरू हुई। इससे सांस्कृतिक क्षेत्र में फूट पड़ गई। देश दो भागों में बंटा हुआ है, दक्षिणी और उत्तरी, जिसकी पेंटिंग अलग-अलग दिशाओं में विकसित होने लगती है। स्पेनिश शासन के तहत कैथोलिक धर्म में बने रहने वाले दक्षिणी लोग प्रतिनिधि बन जाते हैं फ्लेमिश स्कूल, जबकि उत्तरी कलाकार कला इतिहासकार हैं डच स्कूल.

फ्लेमिशो के प्रतिनिधि पेंटिंग स्कूलपुराने इतालवी पुनर्जागरण कलाकार सहयोगियों की परंपरा को जारी रखा: राफेल सेंटी, माइकल एंजेलो बुओनारोटीजिन्होंने धार्मिक और पौराणिक विषयों पर बहुत ध्यान दिया। एक परिचित ट्रैक के साथ चलते हुए, यथार्थवाद के अकार्बनिक कच्चे तत्वों द्वारा पूरक, डच कलाकार कला के उत्कृष्ट कार्यों का निर्माण नहीं कर सके। ठहराव तब तक जारी रहा जब तक वह चित्रफलक पर नहीं उठा पीटर पॉल रूबेन्स(1577-1640)। ऐसा क्या अद्भुत था कि यह डचमैन कला में ला सकता है?

प्रसिद्ध गुरु

रूबेन्स की प्रतिभा ने दक्षिणी लोगों की पेंटिंग में जान फूंक दी, जो उनके सामने बहुत उल्लेखनीय नहीं थी। इतालवी आचार्यों की विरासत से परिचित, कलाकार ने धार्मिक विषयों की ओर मुड़ने की परंपरा को जारी रखा। लेकिन, अपने सहयोगियों के विपरीत, रूबेन्स शास्त्रीय विषयों में सामंजस्यपूर्ण रूप से अपनी शैली की विशेषताओं को बुनने में सक्षम थे, रंगों की संतृप्ति की ओर बढ़ते हुए, जीवन से भरी प्रकृति की छवि।

कलाकार के चित्रों से, मानो एक खुली खिड़की से, ऐसा लगता है जैसे धूप निकल रही हो (द लास्ट जजमेंट, 1617)। शास्त्र या मूर्तिपूजक पौराणिक कथाओं से शास्त्रीय एपिसोड की रचना के असामान्य समाधान ने अपने समकालीनों के बीच एक नई प्रतिभा की ओर ध्यान आकर्षित किया, और अब आकर्षित किया। डच समकालीनों के कैनवस के उदास, मौन रंगों की तुलना में इस तरह के नवाचार ताजा दिखते थे।

एक विशिष्ट विशेषता फ्लेमिश कलाकार का मॉडल था। मोटे बालों वाली महिलाएं, जिन्हें बिना किसी अनुचित अलंकरण के रुचि के साथ चित्रित किया गया था, अक्सर रूबेन्स के चित्रों के केंद्रीय पात्र बन गए। उदाहरण कैनवस "द जजमेंट ऑफ पेरिस" (1625) पर देखे जा सकते हैं, "सुज़ाना एंड द एल्डर्स" (1608), "दर्पण के सामने शुक्र"(1615) और अन्य।

इसके अलावा, रूबेन्स ने प्रदान किया परिदृश्य शैली के गठन पर प्रभाव. उन्होंने फ्लेमिश कलाकारों की पेंटिंग में स्कूल के मुख्य प्रतिनिधि को विकसित करना शुरू किया, लेकिन यह रूबेन्स का काम था जिसने नीदरलैंड के स्थानीय स्वाद को दर्शाते हुए राष्ट्रीय परिदृश्य चित्रकला की मुख्य विशेषताओं को निर्धारित किया।

समर्थक

जल्द ही प्रसिद्ध रूबेन्स ने जल्द ही खुद को नकल करने वालों और छात्रों से घिरा पाया। गुरु ने उन्हें क्षेत्र की लोक विशेषताओं, रंग, गाने के लिए, शायद, असामान्य मानव सौंदर्य का उपयोग करना सिखाया। इसने दर्शकों और कलाकारों को आकर्षित किया। अनुयायियों ने खुद को विभिन्न शैलियों में आज़माया - चित्रों से ( गैस्पारे डी केन, अब्राहम जानसेंस) अभी भी जीवन (फ्रांस स्नाइडर्स) और परिदृश्य (जन वाइल्डेंस)। मूल रूप से निष्पादित फ्लेमिश स्कूल की घरेलू पेंटिंग एड्रियन ब्रौवरतथा डेविड टेनियर्स जूनियर

रूबेन्स के सबसे सफल और उल्लेखनीय छात्रों में से एक था एंथोनी वैन डाइक(1599 - 1641)। उनके लेखक की शैली धीरे-धीरे विकसित हुई, पहले तो पूरी तरह से संरक्षक की नकल के अधीन थी, लेकिन समय के साथ, रंगों के साथ बड़ी सटीकता दिखाई दी। शिक्षक के विपरीत छात्र का रुझान नरम, मंद रंगों की ओर था।

वैन डाइक के चित्रों से यह स्पष्ट होता है कि उनके पास जटिल रचनाएँ, भारी आकृतियों के साथ विशाल स्थान बनाने के लिए एक मजबूत झुकाव नहीं था, जो शिक्षक के चित्रों को अलग करता था। कलाकार के कार्यों की गैलरी सिंगल या डबल, फ्रंट या चेंबर के चित्रों से भरी हुई है, जो रूबेंस से अलग लेखक की शैली प्राथमिकताओं की बात करती है।

मैंने दुनिया भर में प्रसिद्ध, मेरी राय में, डच का चयन करने का फैसला किया ...

तो चलो शुरू करते है:

अरे हाँ, पहले स्थान पर - विंसेंट वान गाग, अपने जीवनकाल के दौरान पहचाना नहीं गया, लेकिन आधुनिक दुनिया द्वारा अपने चमकीले रंगों और काल्पनिक सादगी के लिए प्यार किया। आज यह चोरों में सबसे लोकप्रिय कलाकार है।

रेम्ब्रांट वैन रिजनो- महान डच चित्रकार और उकेरक। उनकी सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग में से एक नाइट वॉच है, चित्र को रहस्यमय माना जाता है। कला इतिहासकार और कला प्रेमी सदियों से इस कैनवास पर अपना सिर खुजला रहे हैं। इसलिए 19वीं सदी के एक आदरणीय डच कला इतिहासकार ने यह साबित करने के लिए वर्षों बिताए कि टुकड़ी 1639 में एम्स्टर्डम में फ्रांसीसी क्वीन मैरी डे मेडिसी के आगमन के अवसर पर परेड में जाती है। घड़ी के रहस्यों में सबसे आकर्षक है एक सुनहरी पोशाक में एक अजीब लड़की की छवि ... आधुनिक डच लोग इस कलाकार को बहुत प्यार और सम्मान करते हैं ... 20 वीं शताब्दी की शुरुआत से, इस कलाकार के चित्रों को उनकी मातृभूमि में वापस करने की नीति को अंजाम दिया गया है।

डेल्फ़्ट के जन वर्मीर।अल्पकालिक, कम लिखा, देर से खुला। वर्मीर का सबसे प्रसिद्ध और "टूरिंग" काम "गर्ल विद ए पर्ल ईयरिंग" है, जो हेग संग्रहालय से संबंधित है। वर्मीर की अधिकांश पेंटिंग संयुक्त राज्य अमेरिका के संग्रहालयों और निजी संग्राहकों की हैं। रूस में इस डच कलाकार का एक भी काम नहीं है।

ऐनी फ्रैंक- डच लड़की ऐनी फ्रैंक की डायरी नाजी अत्याचारों के बारे में सबसे प्रसिद्ध और प्रभावशाली दस्तावेजों में से एक है। अन्ना ने 12 जून 1942 से 1 अगस्त 1944 तक एक डायरी रखी। सबसे पहले, उसने केवल अपने लिए लिखा, 1944 के वसंत तक उसने रेडियो पर नीदरलैंड के शिक्षा मंत्री बोल्केंस्टीन का भाषण सुना। उन्होंने कहा कि कब्जे के दौरान डचों के सभी साक्ष्य सार्वजनिक संपत्ति बन जाने चाहिए। इन शब्दों से प्रभावित होकर, अन्ना ने युद्ध के बाद अपनी डायरी पर आधारित एक पुस्तक प्रकाशित करने का निर्णय लिया।

पॉल वेरहोवेनप्रसिद्ध डच निर्देशक। इस तरह की फिल्मों के निर्माता: शानदार एक्शन फिल्म "रोबोकॉप" (1987), जिसने बॉक्स ऑफिस पर 50 मिलियन डॉलर से अधिक का संग्रह किया, सुपर एक्शन फिल्म "टोटल रिकॉल" (1990) जिसमें अर्नोल्ड श्वार्ज़नेगर ने अभिनय किया। पंथ थ्रिलर बेसिक इंस्टिंक्ट (1992) से सबसे बड़ी सफलता की उम्मीद थी, जिसमें शेरोन स्टोन और माइकल डगलस ने मुख्य भूमिकाएँ निभाईं। इसके बाद वर्होवेन द्वारा शूट किया गया कामुक नाटक शोगर्ल्स (1995), बॉक्स ऑफिस पर पूरी तरह से विफल रहा। निर्देशक शानदार एक्शन फिल्म स्टारशिप ट्रूपर्स (1997) को फिल्माकर आंशिक रूप से "खुद का पुनर्वास" करने में कामयाब रहे। शानदार थ्रिलर द इनविजिबल (2000) आंशिक रूप से सफल रही, जिसके रिलीज होने के बाद वर्होवेन ने छह साल का रचनात्मक ब्रेक लिया।

माता हरी- विश्व जासूसी का मुख्य शिष्टाचार। मार्गरेटा गर्ट्रूड ज़ेल ने 38 वर्षीय रूडोल्फ मैकलियोड के साथ शादी के बंधन में बंधी। दंपति का परिचय, जिनकी उम्र का अंतर 20 वर्ष था, एक समाचार पत्र के माध्यम से एक विज्ञापन के माध्यम से हुआ: एक अकेला अधिकारी मैकलियोड विपरीत लिंग के साथ रोमांटिक संचार चाहता था, और यह मार्गरेटा थी जिसने उसे जुनून की वस्तु के रूप में चुना था। हालाँकि, शादी के कुछ समय बाद और जावा द्वीप पर जाने के बाद, मार्गरेटा का अपने चुने हुए से मोहभंग हो गया: स्कॉटिश मूल के डचमैन मैकलियोड शराब से पीड़ित थे, उन्होंने अपनी पत्नी और दो बच्चों पर सैन्य मामलों में अपना सारा गुस्सा और असंतोष निकाला, और रखैल भी रखा। शादी विफल हो रही थी, और मार्गरेटा ने इंडोनेशियाई परंपराओं, विशेष रूप से, स्थानीय राष्ट्रीय नृत्यों का अध्ययन करने पर ध्यान केंद्रित किया। किंवदंती के अनुसार, यह 1897 में था कि उसने पहली बार छद्म नाम माता हरि के तहत प्रदर्शन करना शुरू किया, जिसका अर्थ मलय में "सूर्य" ("माता" - आंख, "हरि" - दिन, शाब्दिक रूप से - "दिन की आंख") है। उसी समय से, जासूस में परिवर्तन शुरू होता है ...

आर्मिन वैन बुरेन- इलेक्ट्रॉनिक संगीत के सभी प्रशंसकों के लिए, डचमैन आर्मिन वैन ब्यूरेन का नाम एक वास्तविक किंवदंती का नाम है। और यह कोई अतिशयोक्ति नहीं है। पूरे ट्रान्स उद्योग के लिए इस संगीतकार, डीजे और सिर्फ एक असाधारण ऊर्जावान व्यक्तित्व के महत्व को कम करना वास्तव में मुश्किल है।

Tiesto- असली नाम: थिज्स वर्वेस्ट। Tiësto दुनिया में नंबर 2 डीजे है (और अक्सर DJMag सूची में नंबर एक)। टिएस्टो ने एक दिन में रेड बुल पीने का विश्व रिकॉर्ड तोड़ा, वह 31 कैन पीने में सक्षम था - घातक खुराक से लगभग दोगुना, लेकिन वह इसे और नहीं लेना चाहता।

डिर्क निकोलस एडवोकेट- डच फुटबॉलर (मिडफील्डर) और फुटबॉल कोच, नीदरलैंड, यूएई, दक्षिण कोरिया, बेल्जियम, रूस के पूर्व कोच, साथ ही जेनिट सेंट पीटर्सबर्ग, रेंजर्स और अन्य क्लब। 2007 में ज़ेनिट के साथ रूसी फुटबॉल चैम्पियनशिप जीतने के बाद, एडवोकेट इस टूर्नामेंट को जीतने वाले पहले विदेशी कोच बने। 28 मई, 2008 डिक एडवोकेट को सेंट पीटर्सबर्ग के मानद नागरिक की उपाधि से सम्मानित किया गया। इसके अलावा, इसके लिए, शहर की संसद को कोच के लिए व्यक्तिगत रूप से एक विशेष कानून जारी करना पड़ा, क्योंकि सेंट पीटर्सबर्ग का कानून "सेंट पीटर्सबर्ग के मानद नागरिक" शीर्षक पर था।

बेनेडिक्ट स्पिनोज़ा- डच तर्कवादी दार्शनिक, प्रकृतिवादी, आधुनिक समय के दर्शन के मुख्य प्रतिनिधियों में से एक। उनका जन्म एक यहूदी परिवार में हुआ था, लेकिन यहूदियों ने उन्हें चर्च से बहिष्कृत कर दिया था। ईसाई उससे समान रूप से घृणा करते थे। हालाँकि उनके पूरे दर्शन पर ईश्वर का विचार हावी है, लेकिन चर्च वालों ने उन पर नास्तिकता का आरोप लगाया। स्पिनोज़ा के जीवन के वर्ष आधुनिक युग की शुरुआत के साथ मेल खाते थे। अपने काम में, उन्होंने ग्रीक, स्टोइक, नियोप्लाटोनिक और शैक्षिक दर्शन के साथ पुनर्जागरण के वैज्ञानिक विचारों का संश्लेषण किया।

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टिप्पणी। सूची में नीदरलैंड के कलाकारों के अलावा फ़्लैंडर्स के चित्रकार भी शामिल हैं।

15वीं सदी की डच कला
नीदरलैंड में पुनर्जागरण कला की पहली अभिव्यक्ति 15 वीं शताब्दी की शुरुआत में हुई। पहली पेंटिंग जिन्हें पहले से ही प्रारंभिक पुनर्जागरण स्मारकों के रूप में वर्गीकृत किया जा सकता है, भाइयों ह्यूबर्ट और जान वैन आइक द्वारा बनाई गई थीं। उन दोनों - ह्यूबर्ट (1426 में मृत्यु हो गई) और जान (लगभग 1390-1441) - ने डच पुनर्जागरण के गठन में निर्णायक भूमिका निभाई। ह्यूबर्ट के बारे में लगभग कुछ भी ज्ञात नहीं है। जान, जाहिरा तौर पर, एक बहुत ही शिक्षित व्यक्ति था, जिसने ज्यामिति, रसायन विज्ञान, कार्टोग्राफी का अध्ययन किया, ड्यूक ऑफ बरगंडी फिलिप द गुड के कुछ राजनयिक मिशनों को अंजाम दिया, जिनकी सेवा में, उन्होंने पुर्तगाल की यात्रा की। नीदरलैंड में पुनर्जागरण के पहले चरणों का अंदाजा भाइयों के चित्रात्मक कार्यों से लगाया जा सकता है, जो 15वीं शताब्दी के 20 के दशक में बनाए गए थे, और उनमें से जैसे "मिर्र-बेयरिंग वूमेन एट द टॉम्ब" (संभवतः एक पॉलीप्टिक का हिस्सा; रॉटरडैम, संग्रहालय Boijmans-van Beiningen), " चर्च में मैडोना" (बर्लिन), "सेंट जेरोम" (डेट्रायट, कला संस्थान)।

वैन आइक बंधु समकालीन कला में एक असाधारण स्थान रखते हैं। लेकिन वे अकेले नहीं थे। उसी समय, अन्य चित्रकारों ने उनके साथ शैलीगत रूप से और उनसे संबंधित समस्याग्रस्त तरीके से काम किया। उनमें से, पहला स्थान निस्संदेह तथाकथित फ्लेमल मास्टर का है। उसका असली नाम और मूल निर्धारित करने के लिए कई सरल प्रयास किए गए हैं। इनमें से, सबसे ठोस संस्करण, जिसके अनुसार इस कलाकार को रॉबर्ट कैंपिन नाम और काफी विकसित जीवनी मिलती है। पूर्व में मास्टर ऑफ द वेदी (या "घोषणा") मेरोड कहा जाता है। युवा रोजियर वैन डेर वेयडेन को उनके द्वारा किए गए कार्यों को जिम्मेदार ठहराने का एक असंबद्ध दृष्टिकोण भी है।

कम्पिन के बारे में यह ज्ञात है कि उनका जन्म 1378 या 1379 में वालेंसिएनेस में हुआ था, 1406 में टूरने में मास्टर की उपाधि प्राप्त की, वहाँ रहते थे, चित्रों के अलावा कई सजावटी कार्य करते थे, कई चित्रकारों के शिक्षक थे (रोजियर वैन सहित) डेर वेयडेन, जिस पर नीचे चर्चा की जाएगी, 1426 से, और जैक्स डेयर 1427 से) और 1444 में मृत्यु हो गई। कम्पिन की कला ने सामान्य "पंथवादी" योजना में रोजमर्रा की विशेषताओं को बरकरार रखा और इस तरह नीदरलैंड के चित्रकारों की अगली पीढ़ी के बहुत करीब हो गई। रोजियर वैन डेर वेयडेन और जैक्स डेयर के शुरुआती काम, एक लेखक जो कैंपिन पर बेहद निर्भर थे (उदाहरण के लिए, मैगी की उनकी आराधना और मैरी और एलिजाबेथ की बैठक, 1434-1435; बर्लिन), स्पष्ट रूप से कला में रुचि प्रकट करते हैं इस गुरु की, जो निश्चित रूप से समय की प्रवृत्ति प्रकट होती है।

रोजियर वैन डेर वेयडेन का जन्म 1399 या 1400 में हुआ था; और 1464 में उनकी मृत्यु हो गई। डच पुनर्जागरण के कुछ सबसे बड़े कलाकारों (उदाहरण के लिए, मेमलिंग) ने उनके साथ अध्ययन किया, और वह न केवल अपनी मातृभूमि में, बल्कि इटली में भी व्यापक रूप से जाने जाते थे। (कुसा के प्रसिद्ध वैज्ञानिक और दार्शनिक निकोलस ने उन्हें सबसे महान कलाकार कहा, बाद में ड्यूरर ने उनके काम को नोट किया)। रोजियर वैन डेर वेयडेन का काम अगली पीढ़ी के विभिन्न प्रकार के चित्रकारों के लिए एक पौष्टिक आधार के रूप में कार्य करता है। यह कहने के लिए पर्याप्त है कि उनकी कार्यशाला - नीदरलैंड में इस तरह की पहली व्यापक रूप से आयोजित कार्यशाला - का एक मास्टर की शैली के प्रसार पर एक मजबूत प्रभाव था, जो 15 वीं शताब्दी के लिए अभूतपूर्व था, अंततः इस शैली को स्टैंसिल तकनीकों के योग तक पहुंचा दिया और यहां तक ​​कि सदी के अंत में पेंटिंग पर ब्रेक की भूमिका भी निभाई। और फिर भी 15वीं शताब्दी के मध्य की कला को रोजियर परंपरा तक कम नहीं किया जा सकता है, हालांकि यह इसके साथ निकटता से जुड़ा हुआ है। दूसरा तरीका मुख्य रूप से डिरिक बाउट्स और अल्बर्ट औवाटर के काम में सन्निहित है। वे, रोजियर की तरह, जीवन के लिए सर्वेश्वरवादी प्रशंसा के लिए कुछ हद तक अलग हैं, और उनके लिए एक व्यक्ति की छवि तेजी से ब्रह्मांड के सवालों के साथ संपर्क खो रही है - दार्शनिक, धार्मिक और कलात्मक प्रश्न, अधिक से अधिक संक्षिप्तता और मनोवैज्ञानिक निश्चितता प्राप्त कर रहे हैं। लेकिन रोजियर वैन डेर वेयडेन, उच्च नाटकीय ध्वनि के एक मास्टर, एक कलाकार जो व्यक्तिगत और एक ही समय में उदात्त छवियों के लिए प्रयास करते थे, मुख्य रूप से मानव आध्यात्मिक गुणों के क्षेत्र में रुचि रखते थे। बाउट्स और ओवाटर की उपलब्धियां छवि की रोजमर्रा की प्रामाणिकता को बढ़ाने के क्षेत्र में निहित हैं। औपचारिक समस्याओं के बीच, वे दृश्य समस्याओं के रूप में इतना अभिव्यंजक नहीं हल करने से संबंधित मुद्दों में अधिक रुचि रखते थे (चित्र की तीक्ष्णता और रंग की अभिव्यक्ति नहीं, बल्कि चित्र का स्थानिक संगठन और स्वाभाविकता, प्रकाश की स्वाभाविकता और वायु पर्यावरण)।

एक युवा महिला का पोर्ट्रेट, 1445, आर्ट गैलरी, बर्लिन

सेंट इवो, 1450, नेशनल गैलरी, लंदन

सेंट ल्यूक पेंटिंग द इमेज ऑफ़ द मैडोना, 1450, ग्रोनिंगन संग्रहालय, ब्रुग्स

लेकिन इन दो चित्रकारों के काम पर विचार करने के लिए आगे बढ़ने से पहले, एक छोटे पैमाने की घटना पर ध्यान देना आवश्यक है, जो दर्शाता है कि सदी के मध्य की कला की खोज, एक ही समय में एक ही समय की निरंतरता है। वैन आइक-काम्पेन परंपराएं और उनसे धर्मत्याग, इन दोनों गुणों में गहराई से उचित थे। अधिक रूढ़िवादी चित्रकार पेट्रस क्राइस्टस स्पष्ट रूप से इस धर्मत्याग की ऐतिहासिक अनिवार्यता को प्रदर्शित करता है, यहां तक ​​कि उन कलाकारों के लिए भी जो कट्टरपंथी खोजों के लिए इच्छुक नहीं हैं। 1444 से, क्राइस्टस ब्रुग्स का नागरिक बन गया (1472/1473 में उसकी मृत्यु हो गई) - यानी, उसने वैन आइक के सर्वश्रेष्ठ कार्यों को देखा और उसकी परंपरा के प्रभाव में बनाया गया था। रोजियर वैन डेर वेयडेन के तेज सूत्र का सहारा लिए बिना, क्रिस्टस ने वैन आइक की तुलना में अधिक व्यक्तिगत और विभेदित लक्षण वर्णन हासिल किया। हालाँकि, उनके चित्र (ई। ग्रिमस्टन - 1446, लंदन, नेशनल गैलरी; कार्थुसियन भिक्षु - 1446, न्यूयॉर्क, मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट) एक ही समय में उनके काम में कल्पना में एक निश्चित कमी की गवाही देते हैं। कला में, कंक्रीट, व्यक्ति और विशेष के लिए लालसा अधिक से अधिक स्पष्ट थी। शायद ये रुझान बाउट्स के काम में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुए थे। रोजियर वैन डेर वेयडेन (1400 और 1410 के बीच पैदा हुए) से छोटे, वह इस मास्टर की नाटकीय और विश्लेषणात्मक प्रकृति से बहुत दूर थे। और फिर भी, शुरुआती मुकाबले कई मायनों में रोजियर से आते हैं। "क्रॉस से वंश" (ग्रेनेडा, कैथेड्रल) और कई अन्य चित्रों के साथ वेदी का टुकड़ा, जैसे "द एंटोम्बमेंट" (लंदन, नेशनल गैलरी), इस कलाकार के काम के गहन अध्ययन की गवाही देता है। लेकिन यहां मौलिकता पहले से ही ध्यान देने योग्य है - बाउट्स अपने पात्रों को अधिक स्थान देते हैं, उन्हें भावनात्मक वातावरण में उतनी दिलचस्पी नहीं है जितनी कि कार्रवाई में, इसकी प्रक्रिया में, उनके पात्र अधिक सक्रिय हैं। पोर्ट्रेट के लिए भी यही सच है। एक आदमी (1462; लंदन, नेशनल गैलरी) के एक शानदार चित्र में, प्रार्थनापूर्वक उठाया गया - हालांकि बिना किसी अतिशयोक्ति के - आंखें, एक विशेष मुंह की रेखा और बड़े करीने से हाथ में ऐसा व्यक्तिगत रंग होता है जिसे वैन आइक नहीं जानता था। विवरण में भी आप इस व्यक्तिगत स्पर्श को महसूस कर सकते हैं। कुछ हद तक नीरस, लेकिन सरलता से वास्तविक प्रतिबिंब गुरु के सभी कार्यों पर निहित है। उनकी बहुरूपी रचनाओं में सबसे अधिक ध्यान देने योग्य है। और विशेष रूप से उनके सबसे प्रसिद्ध काम में - सेंट पीटर के लौवेन चर्च की वेदी (1464 और 1467 के बीच)। यदि दर्शक हमेशा वैन आइक के काम को रचनात्मकता, सृजन के चमत्कार के रूप में मानता है, तो बाउट्स के कार्यों से पहले अन्य भावनाएं उत्पन्न होती हैं। बाउट्स का रचनात्मक कार्य एक निर्देशक के रूप में उनके बारे में अधिक बताता है। इस तरह की "निर्देशक की" पद्धति की सफलताओं को ध्यान में रखते हुए (अर्थात, एक ऐसी विधि जिसमें कलाकार का कार्य विशिष्ट पात्रों को व्यवस्थित करना है, जैसा कि प्रकृति से लिया गया था, दृश्य को व्यवस्थित करने के लिए) बाद की शताब्दियों में, किसी को ध्यान देना चाहिए डिर्क बाउट्स के काम में यह घटना।

नीदरलैंड की कला में अगला कदम 15वीं शताब्दी के अंतिम तीन या चार दशकों को दर्शाता है - देश के जीवन और इसकी संस्कृति के लिए एक अत्यंत कठिन समय। यह अवधि जोस वैन वासेनहोव (या जोस वैन जेंट; 1435-1440 के बीच - 1476 के बाद) के काम से खुलती है, एक कलाकार जिसने नई पेंटिंग के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, लेकिन जो 1472 में इटली के लिए रवाना हुआ, वहां अभ्यस्त हो गया और इतालवी कला में व्यवस्थित रूप से शामिल। "क्रूसीफिक्सियन" (गेंट, सेंट बावो चर्च) के साथ उनकी वेदी का टुकड़ा कथा के प्रति आकर्षण की गवाही देता है, लेकिन साथ ही साथ ठंडे वैराग्य की कहानी से वंचित करने की इच्छा के बारे में भी। उत्तरार्द्ध वह अनुग्रह और शोभा की मदद से हासिल करना चाहता है। उनकी वेदी की वेदी प्रकृति में धर्मनिरपेक्ष है, जिसमें एक हल्के रंग की योजना है जो उत्तम इंद्रधनुषी स्वरों पर बनी है।
यह अवधि असाधारण प्रतिभा के मास्टर - ह्यूगो वैन डेर गोज़ के काम के साथ जारी है। उनका जन्म 1435 के आसपास हुआ था, 1467 में गेन्ट में मास्टर बने और 1482 में उनकी मृत्यु हो गई। हस के शुरुआती कार्यों में मैडोना और बाल की कई छवियां शामिल हैं, जो छवि के गीतात्मक पहलू (फिलाडेल्फिया, कला संग्रहालय, और ब्रुसेल्स, संग्रहालय) और पेंटिंग "सेंट अन्ना, मैरी विद चाइल्ड एंड ए डोनर" में भिन्न हैं। (ब्रसेल्स, संग्रहालय)। रोजियर वैन डेर वेयडेन के निष्कर्षों को विकसित करते हुए, हस रचना में देखते हैं कि एकाग्रता और दृश्य की भावनात्मक सामग्री को प्रकट करने के साधन के रूप में चित्रित के हार्मोनिक संगठन का इतना अधिक तरीका नहीं है। एक व्यक्ति अपनी व्यक्तिगत भावनाओं के बल पर ही गस के लिए उल्लेखनीय है। उसी समय, गस दुखद भावनाओं से आकर्षित होता है। हालांकि, सेंट जेनेवीव (विलाप के पीछे) की छवि इस बात की गवाही देती है कि, नग्न भावनाओं की तलाश में, ह्यूगो वैन डेर गोज़ ने इसके नैतिक महत्व पर भी ध्यान देना शुरू किया। पोर्टिनारी वेदी में, हस मनुष्य की आध्यात्मिक क्षमताओं में अपना विश्वास व्यक्त करने का प्रयास करता है। लेकिन उनकी कला नर्वस और तनावपूर्ण हो जाती है। गस की कलात्मक तकनीकें विविध हैं - खासकर जब उसे किसी व्यक्ति की आध्यात्मिक दुनिया को फिर से बनाने की आवश्यकता होती है। कभी-कभी, जैसा कि चरवाहों की प्रतिक्रिया को व्यक्त करने में, वह एक निश्चित क्रम में करीबी भावनाओं को जोड़ता है। कभी-कभी, जैसा कि मैरी की छवि में, कलाकार अनुभव की सामान्य विशेषताओं की रूपरेखा तैयार करता है, जिसके अनुसार दर्शक समग्र रूप से भावना को पूरा करता है। कभी-कभी - एक संकीर्ण आंखों वाली परी या मार्गरीटा की छवियों में - वह छवि को रचनात्मक या लयबद्ध तकनीकों के लिए समझने का सहारा लेता है। कभी-कभी मनोवैज्ञानिक अभिव्यक्ति की बहुत मायावी उसके लिए चरित्र चित्रण के साधन में बदल जाती है - ठीक उसी तरह जैसे मारिया बैरोनसेली के सूखे, रंगहीन चेहरे पर मुस्कान का प्रतिबिंब खेलता है। और विराम द्वारा एक बड़ी भूमिका निभाई जाती है - स्थानिक समाधान में और कार्रवाई में। वे मानसिक रूप से विकसित करना संभव बनाते हैं, उस भावना को पूरा करने के लिए जिसे कलाकार ने छवि में रेखांकित किया है। ह्यूगो वैन डेर गोज़ की छवियों की प्रकृति हमेशा इस बात पर निर्भर करती है कि उन्हें समग्र रूप से क्या भूमिका निभानी चाहिए। तीसरा चरवाहा वास्तव में स्वाभाविक है, जोसेफ पूरी तरह से मनोवैज्ञानिक है, उसकी दाईं ओर का फरिश्ता लगभग असली है, और मार्गरेट और मैग्डलीन की छवियां जटिल, सिंथेटिक हैं और असाधारण रूप से सूक्ष्म मनोवैज्ञानिक उन्नयन पर निर्मित हैं।

ह्यूगो वैन डेर गोज़ हमेशा व्यक्त करना चाहते थे, अपनी छवियों में एक व्यक्ति की आध्यात्मिक कोमलता, उसकी आंतरिक गर्मी को शामिल करते हैं। लेकिन संक्षेप में, कलाकार के अंतिम चित्र पति के काम में बढ़ते संकट की गवाही देते हैं, क्योंकि उनकी आध्यात्मिक संरचना व्यक्ति के व्यक्तिगत गुणों के बारे में जागरूकता से नहीं, बल्कि मनुष्य की एकता के दुखद नुकसान से उत्पन्न होती है और कलाकार के लिए दुनिया। आखिरी काम में - "द डेथ ऑफ मैरी" (ब्रुग्स, संग्रहालय) - इस संकट के परिणामस्वरूप कलाकार की सभी रचनात्मक आकांक्षाओं का पतन होता है। प्रेरितों की निराशा निराशाजनक है। उनके इशारे अर्थहीन हैं। क्राइस्ट की चमक में तैरते हुए, उनकी पीड़ा के साथ, यह उनके दुखों को सही ठहराता है, और उनकी छेदी हुई हथेलियाँ दर्शकों को दिखाई देती हैं, और अनिश्चित आकार का आंकड़ा बड़े पैमाने पर संरचना और वास्तविकता की भावना का उल्लंघन करता है। प्रेरितों के अनुभव की वास्तविकता को मापना भी असंभव है, क्योंकि उन सभी की भावना समान है। और यह उतना उनका नहीं है जितना कि कलाकार का। लेकिन इसके वाहक अभी भी शारीरिक रूप से वास्तविक और मनोवैज्ञानिक रूप से आश्वस्त हैं। इसी तरह की छवियों को बाद में पुनर्जीवित किया जाएगा, जब 15 वीं शताब्दी के अंत में डच संस्कृति में सदियों पुरानी परंपरा (बॉश के साथ) समाप्त हो जाएगी। एक अजीब ज़िगज़ैग चित्र की संरचना का आधार बनाता है और इसे व्यवस्थित करता है: बैठा हुआ प्रेरित, केवल गतिहीन, दर्शक को देख रहा है, बाएं से दाएं झुका हुआ है, साष्टांग मैरी दाएं से बाएं है, मसीह, तैरता है, से है बाएं से दायां। और रंग योजना में वही ज़िगज़ैग: बैठे रंग की आकृति मैरी के साथ जुड़ी हुई है, जो एक सुस्त नीले कपड़े पर लेटी है, एक बागे में भी नीला है, लेकिन परम, चरम नीला, फिर ईथर, मसीह का सारहीन नीलापन . और प्रेरितों के वस्त्रों के रंग के आसपास: पीला, हरा, नीला - असीम रूप से ठंडा, स्पष्ट, अप्राकृतिक। "धारणा" में भावना नग्न है। यह आशा या मानवता के लिए कोई जगह नहीं छोड़ता है। अपने जीवन के अंत में, ह्यूगो वैन डेर गोज़ एक मठ में गए, उनके अंतिम वर्ष मानसिक बीमारी से प्रभावित थे। जाहिरा तौर पर, इन जीवनी तथ्यों में दुखद विरोधाभासों का प्रतिबिंब देखा जा सकता है जिन्होंने गुरु की कला को निर्धारित किया। हस के काम को जाना और सराहा गया, और इसने नीदरलैंड के बाहर भी ध्यान आकर्षित किया। जीन क्लॉएट द एल्डर (मौलिन के मास्टर) उनकी कला से काफी प्रभावित थे, डोमेनिको घिरालैंडियो पोर्टिनारी वेदी के टुकड़े को जानता और उसका अध्ययन करता था। हालाँकि, उनके समकालीनों ने उन्हें नहीं समझा। नीदरलैंड की कला लगातार एक अलग रास्ते की ओर झुक रही थी, और हस के काम के प्रभाव के कुछ निशान ही इन अन्य प्रवृत्तियों की ताकत और व्यापकता को स्थापित करते हैं। उन्होंने हैंस मेमलिंग के कार्यों में सबसे बड़ी पूर्णता और निरंतरता के साथ खुद को प्रकट किया।

सांसारिक घमंड, त्रिपिटक, केंद्रीय पैनल,

नरक, त्रिपिटक "सांसारिक वैनिटी" का बायां पैनल,
1485, ललित कला संग्रहालय, स्ट्रास्टबर्ग

हंस मेमलिंग, जाहिरा तौर पर 1433 में फ्रैंकफर्ट एम मेन के पास सेलिगेंस्टेड में पैदा हुए थे (1494 में मृत्यु हो गई), कलाकार ने रोजियर से उत्कृष्ट प्रशिक्षण प्राप्त किया और ब्रुग्स में स्थानांतरित होने के बाद, वहां व्यापक लोकप्रियता हासिल की। पहले से ही अपेक्षाकृत प्रारंभिक कार्य उनकी खोज की दिशा को प्रकट करते हैं। प्रकाश और उदात्त की शुरुआत ने उनसे बहुत अधिक धर्मनिरपेक्ष और सांसारिक अर्थ प्राप्त किया, और सांसारिक सब कुछ - कुछ आदर्श उत्साह। एक उदाहरण मैडोना, संतों और दाताओं (लंदन, नेशनल गैलरी) के साथ वेदी है। मेमलिंग अपने वास्तविक नायकों की रोजमर्रा की उपस्थिति को संरक्षित करने और आदर्श नायकों को उनके करीब लाने का प्रयास करता है। महान शुरुआत कुछ सर्वेश्वरवादी रूप से समझी जाने वाली सामान्य विश्व शक्तियों की अभिव्यक्ति नहीं रह जाती है और एक व्यक्ति की प्राकृतिक आध्यात्मिक संपत्ति में बदल जाती है। मेमलिंग के काम के सिद्धांत तथाकथित फ्लोरिन्स-अल्टार (1479; ब्रुग्स, मेमलिंग संग्रहालय) में अधिक स्पष्ट रूप से आते हैं, मुख्य मंच और दक्षिणपंथी, संक्षेप में, रोजियर के म्यूनिख वेदी के संबंधित भागों की मुफ्त प्रतियां हैं। . वह वेदी के आकार को काफी कम कर देता है, रोजियर की रचना के शीर्ष और किनारों को काट देता है, आंकड़ों की संख्या कम कर देता है और, जैसा कि यह था, कार्रवाई को दर्शक के करीब लाता है। घटना अपना राजसी दायरा खो देती है। प्रतिभागियों की छवियां प्रतिनिधित्व से वंचित हैं और निजी विशेषताओं का अधिग्रहण करती हैं, रचना नरम सद्भाव की छाया है, और रंग, शुद्धता और पारदर्शिता बनाए रखते हुए, रोजियर की ठंड, तेज सोनोरिटी को पूरी तरह से खो देता है। यह हल्के, स्पष्ट रंगों से कांपने लगता है। इससे भी अधिक विशेषता है घोषणा (लगभग 1482; न्यूयॉर्क, लेमन संग्रह), जहां रोजियर की योजना का उपयोग किया जाता है; मैरी की छवि को नरम आदर्शीकरण की विशेषताएं दी गई हैं, परी को महत्वपूर्ण रूप से शैलीबद्ध किया गया है, और आंतरिक वस्तुओं को वैन आइकियन प्रेम के साथ लिखा गया है। उसी समय, इतालवी पुनर्जागरण के रूपांकनों - माला, पुट्टी, आदि - मेमलिंग के काम में तेजी से प्रवेश कर रहे हैं, और संरचना संरचना अधिक से अधिक मापी और स्पष्ट होती जा रही है (मैडोना और चाइल्ड, एंजेल और डोनर, वियना के साथ ट्रिप्टिच) ) कलाकार कंक्रीट, बर्गर जैसी शुरुआत और आदर्श, सामंजस्यपूर्ण एक के बीच की रेखा को धुंधला करने की कोशिश करता है।

मेमलिंग की कला ने उत्तरी प्रांतों के उस्तादों का ध्यान आकर्षित किया। लेकिन वे अन्य विशेषताओं में भी रुचि रखते थे - वे जो हुस के प्रभाव से जुड़े थे। हॉलैंड सहित उत्तरी प्रांत उस अवधि में आर्थिक और आध्यात्मिक रूप से दक्षिणी प्रांतों से पिछड़ गए। प्रारंभिक डच पेंटिंग आम तौर पर देर से मध्ययुगीन अभी तक प्रांतीय मोल्ड से आगे नहीं जाती थी, और इसकी शिल्प फ्लेमिश चित्रकारों की कलात्मकता के स्तर तक कभी नहीं बढ़ी। केवल 15वीं शताब्दी की अंतिम तिमाही से ही हर्टजेन टोट सिंट जेन्स की कला की बदौलत स्थिति में बदलाव आया। वह हार्लेम में सेंट जॉन के भिक्षुओं के साथ रहते थे (जिसके लिए उनका उपनाम है - अनुवाद में सिंट जान्स का अर्थ सेंट जॉन है) और युवा - अट्ठाईस साल की उम्र में (लीडेन (?) में 1460/65 के आसपास पैदा हुए, 1490-1495 में हार्लेम में मृत्यु हो गई)। गर्टगेन ने उस चिंता को अस्पष्ट रूप से महसूस किया जिसने हस को चिंतित किया। लेकिन अपनी दुखद अंतर्दृष्टि के बिना, उन्होंने सरल मानवीय भावना के कोमल आकर्षण की खोज की। वह मनुष्य की आंतरिक, आध्यात्मिक दुनिया में रुचि के साथ गस के करीब है। गर्टजेन की प्रमुख कृतियों में हार्लेम जॉनाइट्स के लिए लिखी गई एक वेदी है। इसमें से, दाहिनी ओर, अब दो तरफा देखा जाने वाला सैश संरक्षित किया गया है। इसका आंतरिक भाग एक बड़ा बहु-आकृति वाला शोक दृश्य है। गर्टजेन समय के अनुसार निर्धारित दोनों लक्ष्यों को प्राप्त करता है: गर्मजोशी, भावनाओं की मानवता और एक महत्वपूर्ण रूप से आश्वस्त कथा का निर्माण करना। उत्तरार्द्ध विशेष रूप से पत्ती के बाहरी हिस्से पर ध्यान देने योग्य है, जिसमें जूलियन द एपोस्टेट द्वारा जॉन द बैपटिस्ट के अवशेषों को जलाने को दर्शाया गया है। कार्रवाई में भाग लेने वालों को एक अतिरंजित विशेषता के साथ संपन्न किया जाता है, और कार्रवाई को कई स्वतंत्र दृश्यों में विभाजित किया जाता है, जिनमें से प्रत्येक को जीवंत अवलोकन के साथ प्रस्तुत किया जाता है। रास्ते के साथ, मास्टर बनाता है, शायद, नए समय की यूरोपीय कला में पहले समूह के चित्रों में से एक: चित्र विशेषताओं के एक सरल संयोजन के सिद्धांत पर बनाया गया, वह 16 वीं शताब्दी के काम का अनुमान लगाता है। गर्टजेन के काम को समझने के लिए, उनका "फैमिली ऑफ क्राइस्ट" (एम्स्टर्डम, रिज्क्सम्यूजियम), एक चर्च इंटीरियर में प्रस्तुत किया गया, जिसे वास्तविक स्थानिक वातावरण के रूप में व्याख्या किया गया, बहुत कुछ देता है। अग्रभूमि के आंकड़े महत्वपूर्ण रहते हैं, बिना किसी भावना को दिखाए, शांत गरिमा के साथ अपनी रोजमर्रा की उपस्थिति को बनाए रखते हैं। कलाकार छवियां बनाता है, शायद नीदरलैंड की कला में चरित्र में सबसे अधिक बर्गर। साथ ही, यह महत्वपूर्ण है कि हर्टजेन कोमलता, अच्छे दिखने और एक निश्चित भोलेपन को बाहरी रूप से विशिष्ट संकेतों के रूप में नहीं, बल्कि मानव आध्यात्मिक दुनिया के कुछ गुणों के रूप में समझता है। और गहरी भावनात्मकता के साथ जीवन की बर्गर भावना का यह संलयन हर्टजेन के काम की एक महत्वपूर्ण विशेषता है। यह कोई संयोग नहीं है कि उन्होंने अपने नायकों के आध्यात्मिक आंदोलनों को एक उत्कृष्ट सार्वभौमिक चरित्र नहीं दिया। वह जानबूझकर अपने पात्रों को असाधारण बनने से रोकता है। इस वजह से, वे व्यक्तिगत नहीं लगते हैं। उनमें कोमलता होती है और कोई अन्य भावना या बाहरी विचार नहीं, उनके अनुभवों की बहुत ही स्पष्टता और पवित्रता उन्हें रोजमर्रा की दिनचर्या से दूर कर देती है। हालाँकि, इससे उत्पन्न छवि की आदर्शता कभी भी अमूर्त या कृत्रिम नहीं लगती है। ये विशेषताएं कलाकार के सर्वश्रेष्ठ कार्यों में से एक, "नेटिविटी" (लंदन, नेशनल गैलरी), एक छोटी सी तस्वीर, जो उत्साह और आश्चर्य की भावनाओं से भरी हुई हैं, को भी अलग करती हैं।
गर्टजेन की मृत्यु जल्दी हो गई, लेकिन उनकी कला के सिद्धांत अस्पष्ट नहीं रहे। हालांकि, उनके करीब खड़े ब्राउनश्वेग डिप्टीच के मास्टर ("सेंट बावो", ब्राउनश्वेग, संग्रहालय; "क्रिसमस", एम्स्टर्डम, रिज्क्सम्यूजियम) और कुछ अन्य अज्ञात स्वामी ने हर्टजेन के सिद्धांतों को इतना विकसित नहीं किया क्योंकि उन्होंने उन्हें चरित्र दिया एक सामान्य मानक। शायद उनमें से सबसे महत्वपूर्ण है मास्टर कन्या अंतर कुंवारी (एम्स्टर्डम रिजक्सम्यूजियम की पेंटिंग के नाम पर, पवित्र कुंवारी के बीच मैरी का चित्रण), जिन्होंने भावनाओं के मनोवैज्ञानिक औचित्य के लिए इतना गुरुत्वाकर्षण नहीं किया जितना कि इसकी अभिव्यक्ति की तीक्ष्णता के लिए छोटे में , बल्कि हर रोज और कभी-कभी लगभग जानबूझकर बदसूरत आंकड़े (एंटॉम्बमेंट, सेंट लुइस, संग्रहालय; विलाप, लिवरपूल; घोषणा, रॉटरडैम)। लेकिन। उनका काम बल्कि इसके विकास की अभिव्यक्ति के बजाय एक सदियों पुरानी परंपरा के समाप्त होने का प्रमाण है।

कलात्मक स्तर में तेज गिरावट दक्षिणी प्रांतों की कला में भी ध्यान देने योग्य है, जिनके स्वामी अधिक से अधिक रोज़मर्रा के छोटे-छोटे विवरणों से दूर हो गए थे। दूसरों की तुलना में अधिक दिलचस्प सेंट उर्सुला की कथा के उच्च कथा वाले मास्टर हैं, जिन्होंने 15 वीं शताब्दी के 80-90 के दशक में ब्रुग्स में काम किया ("द लीजेंड ऑफ सेंट उर्सुला"; ब्रुग्स, द मोनेस्ट्री ऑफ द ब्लैक सिस्टर्स), बैरोनसेली जीवनसाथी (फ्लोरेंस, उफीज़ी) के चित्रों के एक अज्ञात लेखक, जो कौशल से रहित नहीं थे, बल्कि सेंट लूसिया ("सेंट लूसिया की वेदी", 1480, ब्रुग्स, सेंट) की किंवदंती के बहुत पारंपरिक ब्रुग्स मास्टर भी थे। जेम्स चर्च, और एक पॉलीप्टिक, तेलिन, संग्रहालय)। 15वीं शताब्दी के अंत में खाली, क्षुद्र कला का निर्माण हस और हर्टजेन की खोजों का अपरिहार्य विरोध है। मनुष्य ने अपने विश्वदृष्टि के मुख्य स्तंभ को खो दिया है - ब्रह्मांड की सामंजस्यपूर्ण और अनुकूल संरचना में विश्वास। लेकिन अगर इसका व्यापक परिणाम केवल पूर्व अवधारणा की दरिद्रता थी, तो एक करीब से देखने पर दुनिया में खतरनाक और रहस्यमयी विशेषताएं सामने आईं। उस समय के अघुलनशील सवालों के जवाब देने के लिए, देर से मध्ययुगीन रूपक, दानव विज्ञान, और पवित्र शास्त्र की उदास भविष्यवाणियां शामिल थीं। बढ़ते तीव्र सामाजिक अंतर्विरोधों और गंभीर संघर्षों के संदर्भ में बॉश की कला का उदय हुआ।

Hieronymus van Aken, उपनाम बॉश, का जन्म हर्टोजेनबोश में हुआ था (उनकी मृत्यु 1516 में हुई थी), यानी नीदरलैंड के मुख्य कला केंद्रों से दूर। उनकी प्रारंभिक रचनाएँ कुछ प्रधानता के स्पर्श से रहित नहीं हैं। लेकिन पहले से ही वे अजीब तरह से प्रकृति के जीवन की एक तेज और परेशान करने वाली भावना को लोगों के चित्रण में एक ठंडी विचित्रता के साथ जोड़ते हैं। बॉश आधुनिक कला की प्रवृत्ति के प्रति प्रतिक्रिया करता है - वास्तविक के लिए अपनी लालसा के साथ, किसी व्यक्ति की छवि के अपने ठोसकरण के साथ, और फिर - इसकी भूमिका और महत्व में कमी। वह इस प्रवृत्ति को एक निश्चित सीमा तक ले जाता है। बॉश की कला में, मानव जाति की व्यंग्यपूर्ण या बेहतर, व्यंग्यात्मक छवियां दिखाई देती हैं। यह उनका "मूर्खता के पत्थरों को निकालने का ऑपरेशन" (मैड्रिड, प्राडो) है। ऑपरेशन एक भिक्षु द्वारा किया जाता है - और यहां पादरी पर एक बुरी मुस्कराहट दिखाई देती है। लेकिन जिसे यह बनाया गया है, वह देखने वाले को गौर से देखता है, यह नज़र हमें कार्रवाई में शामिल कर लेती है। बॉश के काम में व्यंग्य बढ़ता है, वह लोगों को मूर्खों के जहाज पर यात्रियों के रूप में प्रस्तुत करता है (लौवर में इसके लिए एक पेंटिंग और एक ड्राइंग)। वह लोक हास्य की ओर मुड़ता है - और यह उसके हाथ के नीचे एक उदास और कड़वी छाया लेता है।
बॉश जीवन की उदास, तर्कहीन और आधार प्रकृति की पुष्टि के लिए आता है। वह न केवल अपने विश्वदृष्टि, अपने जीवन की भावना को व्यक्त करता है, बल्कि इसे एक नैतिक और नैतिक मूल्यांकन भी देता है। हेस्टैक बॉश के सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से एक है। इस वेदी में, वास्तविकता की एक नग्न भावना रूपक के साथ जुड़ी हुई है। घास का ढेर पुरानी फ्लेमिश कहावत की ओर इशारा करता है: "दुनिया एक घास का ढेर है: और हर कोई इससे वह लेता है जो वह पकड़ सकता है"; एक परी और कुछ शैतानी प्राणी के बीच सादे दृष्टि में लोग चुंबन और संगीत बजाते हैं; शानदार जीव वैगन खींचते हैं, और पोप, सम्राट, सामान्य लोग खुशी और आज्ञाकारी रूप से इसका पालन करते हैं: कुछ आगे दौड़ते हैं, पहियों के बीच दौड़ते हैं और मर जाते हैं, कुचल जाते हैं। दूरी में परिदृश्य न तो शानदार है और न ही शानदार। और सब से ऊपर - एक बादल पर - उठे हुए हाथों वाला एक छोटा सा मसीह। हालाँकि, यह सोचना गलत होगा कि बॉश अलंकारिक उपमाओं की पद्धति की ओर अग्रसर है। इसके विपरीत, वह यह सुनिश्चित करने का प्रयास करता है कि उसका विचार कलात्मक निर्णयों के सार में सन्निहित हो, ताकि वह दर्शकों के सामने एक एन्क्रिप्टेड कहावत या दृष्टांत के रूप में न हो, बल्कि जीवन के एक सामान्यीकरण के बिना शर्त के रूप में प्रकट हो। मध्य युग से अपरिचित फंतासी के परिष्कार के साथ, बॉश अपने चित्रों को ऐसे जीवों से भर देता है जो अलग-अलग जानवरों के रूपों, या जानवरों के रूपों को निर्जीव दुनिया की वस्तुओं के साथ जोड़ते हैं, उन्हें स्पष्ट रूप से असंभव संबंधों में डालते हैं। आकाश लाल हो जाता है, पाल वाले पक्षी हवा में उड़ते हैं, राक्षसी जीव पृथ्वी के चेहरे पर रेंगते हैं। घोड़े की टांगों वाली मछलियाँ अपना मुँह खोलती हैं, और चूहे उनके बगल में होते हैं, अपनी पीठ पर लकड़ी के घोंघे को ले जाते हैं जिनसे लोग निकलते हैं। घोड़े का समूह एक विशाल जग में बदल जाता है, और एक पूंछ वाला सिर पतले नंगे पैरों पर कहीं छिप जाता है। सब कुछ रेंगता है और सब कुछ तेज, खरोंच रूपों से संपन्न होता है। और सब कुछ ऊर्जा से संक्रमित है: प्रत्येक प्राणी - छोटा, धोखेबाज, दृढ़ - एक बुराई और जल्दबाजी के साथ जब्त किया जाता है। बॉश इन फैंटमसागोरिक दृश्यों को सबसे बड़ी प्रेरकता देता है। वह अग्रभूमि में प्रकट होने वाली क्रिया की छवि को त्याग देता है और उसे पूरी दुनिया में फैला देता है। वह अपने बहु-चित्रित नाटकीय फालतू के नाटकों को इसकी व्यापकता में एक भयानक रंग प्रदान करता है। कभी-कभी वह चित्र में एक कहावत का नाटकीयकरण प्रस्तुत करता है - लेकिन उसमें कोई हास्य नहीं बचा है। और केंद्र में वह सेंट एंथोनी की एक छोटी रक्षाहीन आकृति रखता है। उदाहरण के लिए, लिस्बन संग्रहालय से केंद्रीय सैश पर "सेंट एंथोनी के प्रलोभन" के साथ वेदी है। लेकिन यहां बॉश वास्तविकता का एक अभूतपूर्व तेज, नग्न भाव दिखाता है (विशेषकर उल्लिखित वेदी के बाहरी दरवाजों के दृश्यों में)। बॉश के परिपक्व कार्यों में, दुनिया असीम है, लेकिन इसकी स्थानिकता अलग है - कम तेज। हवा साफ और नम लगती है। इस प्रकार "जॉन ऑन पेटमोस" लिखा गया है। इस चित्र के पीछे, जहाँ मसीह की शहादत के दृश्यों को एक चक्र में दर्शाया गया है, अद्भुत परिदृश्य प्रस्तुत किए गए हैं: पारदर्शी, स्वच्छ, नदी के विस्तृत खुले स्थानों के साथ, एक ऊँचा आकाश, और अन्य - दुखद और तीव्र (" क्रूसीफिकेशन")। लेकिन बॉश जितना जिद से लोगों के बारे में सोचता है। वह उनके जीवन की पर्याप्त अभिव्यक्ति खोजने की कोशिश करता है। वह एक बड़ी वेदी के रूप का सहारा लेता है और लोगों के पापी जीवन का एक अजीब, प्रेत-भव्य भव्य तमाशा बनाता है - "गार्डन ऑफ डिलाइट्स"।

कलाकार की नवीनतम रचनाएँ उसके पिछले कार्यों की कल्पना और वास्तविकता को अजीब तरह से जोड़ती हैं, लेकिन साथ ही उनमें दुखद सामंजस्य की भावना होती है। दुष्ट प्राणियों के समूह बिखरे हुए हैं, जो पहले विजयी रूप से चित्र के पूरे क्षेत्र में फैल रहे थे। अलग, छोटे, वे अभी भी एक पेड़ के नीचे छिपते हैं, शांत नदी जेट से दिखाई देते हैं या घास के साथ उगने वाली सुनसान पहाड़ियों से गुजरते हैं। लेकिन वे आकार में कम हो गए, गतिविधि खो दी। वे अब मनुष्यों पर हमला नहीं करते हैं। और वह (अभी भी यह सेंट एंथोनी है) उनके बीच बैठता है - पढ़ता है, सोचता है ("सेंट एंथोनी", प्राडो)। बॉश को दुनिया में एक व्यक्ति की स्थिति में कोई दिलचस्पी नहीं थी। संत एंथोनी अपने पिछले कार्यों में रक्षाहीन, दयनीय हैं, लेकिन अकेले नहीं - वास्तव में, वह स्वतंत्रता के उस हिस्से से वंचित हैं जो उन्हें अकेलापन महसूस करने की अनुमति देगा। अब परिदृश्य सिर्फ एक व्यक्ति के साथ जुड़ा हुआ है, और दुनिया में मानव अकेलेपन का विषय बॉश के काम में आता है। बॉश के साथ 15वीं सदी की कला समाप्त हो जाती है। बॉश का काम शुद्ध अंतर्दृष्टि के इस चरण को पूरा करता है, फिर गहन खोज और दुखद निराशा।
लेकिन उनकी कला द्वारा व्यक्त की गई प्रवृत्ति केवल एक ही नहीं थी। कोई कम रोगसूचक एक और प्रवृत्ति नहीं है जो एक छोटे पैमाने के मास्टर के काम से जुड़ी है - जेरार्ड डेविड। उनकी मृत्यु देर से हुई - 1523 में (1460 के आसपास पैदा हुए)। लेकिन, बॉश की तरह, उन्होंने 15वीं सदी को बंद कर दिया। पहले से ही उनके शुरुआती काम (द एनाउंसमेंट; डेट्रॉइट) एक पेशेवर-वास्तविक गोदाम के हैं; 1480 के दशक के अंत के काम (कैम्बिस के कोर्ट के प्लॉट पर दो पेंटिंग; ब्रुग्स, संग्रहालय) बाउट्स के साथ घनिष्ठ संबंध प्रकट करते हैं; एक विकसित, सक्रिय परिदृश्य वातावरण ("मिस्र में उड़ान पर आराम"; वाशिंगटन, नेशनल गैलरी) के साथ एक गेय प्रकृति की अन्य रचनाओं से बेहतर। लेकिन सबसे प्रमुख रूप से, गुरु के लिए सदी से आगे जाने की असंभवता उनके ट्रिप्टिच में क्राइस्ट के बपतिस्मा (16 वीं शताब्दी की शुरुआत; ब्रुग्स, संग्रहालय) के साथ दिखाई देती है। पेंटिंग की निकटता, लघुकरण चित्र के बड़े पैमाने के साथ सीधे संघर्ष में प्रतीत होता है। उनकी दृष्टि में वास्तविकता जीवन से रहित है, क्षीण है। रंग की तीव्रता के पीछे न तो आध्यात्मिक तनाव है और न ही ब्रह्मांड की अनमोलता का आभास। पेंटिंग शैली का इनेमल ठंडा, आत्म-निहित और भावनात्मक फोकस से रहित है।

नीदरलैंड में 15वीं शताब्दी महान कला का समय था। सदी के अंत तक, यह अपने आप समाप्त हो गया था। नई ऐतिहासिक परिस्थितियों, समाज के विकास के दूसरे चरण में संक्रमण ने कला के विकास में एक नया चरण पैदा किया। इसकी उत्पत्ति 16वीं शताब्दी की शुरुआत में हुई थी। लेकिन नीदरलैंड में, धर्मनिरपेक्ष सिद्धांत के मौलिक संयोजन के साथ, जो अभी भी वैन आइक्स से है, उनकी कला की विशेषता, जीवन की घटनाओं का आकलन करने में धार्मिक मानदंडों के साथ, किसी व्यक्ति को उसकी आत्मनिर्भर महानता में देखने में असमर्थता के साथ, बाहर दुनिया के साथ या भगवान के साथ आध्यात्मिक संवाद के सवाल, नीदरलैंड में एक नया युग अनिवार्य रूप से पूरे पिछले विश्वदृष्टि के सबसे मजबूत और सबसे गंभीर संकट के बाद ही आना था। यदि इटली में उच्च पुनर्जागरण क्वाट्रोसेंटो कला का तार्किक परिणाम था, तो नीदरलैंड में ऐसा कोई संबंध नहीं था। एक नए युग में संक्रमण विशेष रूप से दर्दनाक निकला, क्योंकि कई मायनों में यह पिछली कला से वंचित था। इटली में, मध्ययुगीन परंपराओं के साथ एक विराम 14 वीं शताब्दी की शुरुआत में हुआ, और इतालवी पुनर्जागरण की कला ने पूरे पुनर्जागरण के दौरान अपने विकास की अखंडता को बरकरार रखा। नीदरलैंड में, स्थिति अलग है। 15वीं शताब्दी में मध्ययुगीन विरासत के उपयोग ने 16वीं शताब्दी में स्थापित परंपराओं को लागू करना मुश्किल बना दिया। डच चित्रकारों के लिए, 15वीं और 16वीं शताब्दी के बीच की रेखा विश्वदृष्टि में आमूल-चूल परिवर्तन से जुड़ी थी।