ललित कला के काम का विश्लेषण। ललित कला के कार्यों के विश्लेषण के सिद्धांत और तरीके चित्रकला के कार्यों के विश्लेषण के लिए योजना

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स्थापत्य कार्य का विश्लेषण हाउस पशकोव

"फॉर्म की मदद से कलाकार का कार्य सामग्री को नष्ट करना है," एफ। शिलर, पुस्तक से बी.आर. विपर, कला के ऐतिहासिक अध्ययन का परिचय। दरअसल, वास्तुकला का मुख्य कार्य सामग्री को बदलना, उसे संशोधित करना और उसे अपने कलात्मक लक्ष्यों के अधीन करना है। और, परिणामस्वरूप, मात्रा और स्थान के अभिव्यंजक संयोजन के आधार पर एकल रचना बनाएं। आर्किटेक्ट्स को इमारत की सामंजस्यपूर्ण संरचना में तीन पक्षों को जोड़ने के लिए भी कहा जाता है: एक तरफ, सुविधा और लाभ (कार्यात्मक कार्य); दूसरी ओर, ताकत और अर्थव्यवस्था (रचनात्मक और तकनीकी और आर्थिक कार्य); तीसरे के साथ - रूपों की सुंदरता (सौंदर्य कार्य)। और अंत में, रचना का लक्ष्य बन जाता है - रूप और सामग्री की एकता प्राप्त करना। और इसे हासिल करना इतना आसान नहीं है। मास्को में सबसे प्रमुख घरों में से एक पर विचार करें। कौन से गुण, कौन सी वास्तु तकनीक ने इस इमारत के उच्च मूल्यांकन को निर्धारित किया?

पश्कोव हाउस आर्किटेक्चरल

पश्कोव हाउस 1784-1786 में बनाया गया था। XVIII सदी के उत्तरार्ध में। धनी जमींदार पश्कोव द्वारा नियुक्त वसीली बाझेनोव। यह एक ऐसा समय था जब क्लासिकवाद की महान सादगी और संयम बरोक की समृद्ध उदारता से टूट गया था। उस समय के मान्यता प्राप्त मास्टर, वसीली बाझेनोव, मास्को क्लासिकवाद की शैली बनाने में कामयाब रहे, जो यहां बारोक और क्लासिकवाद के सिद्धांतों को व्यवस्थित रूप से जोड़ता है। इन शैलियों के पसंदीदा तरीकों से इसकी पुष्टि होती है। उदाहरण के लिए, मोखोवाया स्ट्रीट को देखने वाला लंबा अग्रभाग शास्त्रीय शैली में बनाया गया है, जो एकरूपता, स्थिरता और सही क्रम पर जोर देता है। इसकी संरचना केंद्रीय भवन की धुरी के सापेक्ष स्पष्ट रूप से सममित रूप से सामने आती है। इसके दाईं और बाईं ओर, दो एक-कहानी दीर्घाएँ प्रस्थान करती हैं, जो दो-मंजिला समान रूपरेखाओं के साथ समाप्त होती हैं। पश्कोव के घर में दो मुख्य पहलू हैं - एक सड़क पर दिखता है और एक महल, गंभीर चरित्र है, दूसरा आंगन के लिए उन्मुख है और इसमें अधिक आरामदायक, संपत्ति दिखता है। एक बेलनाकार बेल्वेडियर ऊपर उठता है (बाझेनोव ने इसे रोटुंडा के माध्यम से बनाया, एक गुंबद के साथ युग्मित स्तंभों से घिरा हुआ, ग्रीक देवी मिनर्वा की एक मूर्ति के साथ ताज पहनाया गया) दो निचले लोगों के संयोजन में, इसने एक स्पष्ट समद्विबाहु त्रिभुज का गठन किया। ये क्लासिकिज्म शैली की तकनीकें हैं, जिसका शाब्दिक अर्थ लैटिन में "अनुकरणीय" है। स्थापत्य सजावट के डिजाइन में बारोक शेड स्पष्ट रूप से दिखाई देते हैं, विशेष रूप से, केंद्रीय भवन के मुखौटे की क्रम प्रणाली, एक तरफ, सख्त शास्त्रीय, दूसरी ओर, इसके विवरण में (बेलस्ट्रेड, मूर्तियों पर फूलदान) प्लास्टर सजावट विवरण) सामान्य शास्त्रीय कैनन की तुलना में अधिक स्वतंत्रता और मौलिकता के साथ।

घर आज तक अपने मूल रूप में नहीं बचा है, इसे कई बार बनाया गया था। विशेष रूप से, 1812 में घर आग से नष्ट हो गया था। आर्किटेक्ट्स ने 18 वीं शताब्दी की छवियों के अनुसार घर को बहाल करने की कोशिश की, जिस तरह से इसे मूल रूप से बनाया गया था।

इमारत की स्थापत्य शैली का दृश्य

पश्कोव का घर एक महल प्रकार की वास्तुकला है, एक प्रकार जो जीवन के एक निश्चित तरीके (प्रकार) पर जोर देता है। इस मामले में, बाझेनोव एक प्रकार की रूसी शहरी कुलीन संपत्ति विकसित करता है और पशकोव हाउस को एक वास्तुशिल्प परिसर के रूप में बनाता है जिसमें तीन मंजिला मुख्य इमारत होती है जिसमें एक रोटुंडा-बेल्वेडियर और दो मंजिला आउटबिल्डिंग एक मंजिला दीर्घाओं से जुड़ी होती है।

पहले तो इमारत को करीब से देखने पर ऐसा लगता है कि घर छोटा है। लेकिन यह इससे बड़ा लगता है, मुख्य भवन से सटे एक सीधी रेखा में सड़क के किनारे फैली दीर्घाओं और बाहरी इमारतों के लिए धन्यवाद। वे किनारों के साथ समग्र वास्तुशिल्प संरचना को पूरा करते प्रतीत होते हैं। इस तरह की तीन-भाग की रचना, जिसमें एक केंद्रीय भवन, मार्ग दीर्घाओं और बाहरी इमारतें शामिल हैं, वास्तुकार की सनक नहीं है - यह उस समय के जीवन से उचित है। मुख्य घर में मालिक के रहने वाले कमरे और राज्य के कमरे थे। आउटबिल्डिंग में एक किचन था, नौकर रहते थे और मेहमान रुकते थे। गैलरी ने बाहर जाने के बिना आउटबिल्डिंग से घर तक जाना संभव बना दिया, जो विशेष रूप से खराब मौसम या सर्दियों में महत्वपूर्ण था।

अंतरिक्ष में जगह

सदन की रचना का स्थापत्य स्थान व्यवस्थित है। इसका स्थान अच्छी तरह से सोचा गया है। और न केवल शहरी पहनावा में, बल्कि रचना के भीतर भी। इमारत की प्रभावशाली उपस्थिति आंशिक रूप से इसके निर्माण की जगह के कारण है। पश्कोव का घर उच्च वागनकोवस्की पहाड़ी पर खड़ा है, जैसे कि दो अवरोही सड़कों के खुले कोने पर, इसके उदय की रेखा जारी है।

घर के शहरी स्थापत्य कलाकारों की टुकड़ी को मनोरम के रूप में वर्णित किया जा सकता है। साइट की ऊंची स्थिति और सभी पक्षों से इसकी दृश्यता ने संरचना की संरचना की त्रि-आयामी और उच्च वृद्धि प्रकृति की बेहतर पहचान में योगदान दिया, जो कि क्रेमलिन के परिवेश के समूह में व्यवस्थित रूप से प्रवेश किया।

दृश्य धारणा में भवन का द्रव्यमान समग्र वास्तुशिल्प रूप की सामग्री की मात्रा के दृश्य मूल्यांकन पर निर्भर करता है। यहां का द्रव्यमान काफी मुक्त व्यवस्था के साथ विच्छेदित है। पश्कोव हाउस का पतला पिरामिडनुमा सिल्हूट, साइड विंग्स द्वारा जोर दिया गया, इसके मध्य भवन के शीर्ष की आकांक्षा, साथ ही इसकी राहत रोटुंडा-बेल्वेडियर के लिए धन्यवाद - यह सब, बल्कि, लोक की परंपराओं पर वापस जाता है प्राचीन रूस की वास्तुकला। बाज़ेनोव की इमारत के द्रव्यमान का तथाकथित जैविक विकास यहाँ अभिव्यक्ति की एक उच्च शक्ति तक पहुँचता है।

निर्माण प्रकार

डिजाइन रैक-एंड-बीम है। इमारत एक स्पष्ट लेआउट और संगठित विवर्तनिक पैमाने द्वारा प्रतिष्ठित है।

वास्तु सजावट

सामान्य तौर पर, घर की स्थापत्य सजावट को प्लास्टिक कहा जा सकता है। लेकिन यह इतना समृद्ध है कि इस पर अधिक विस्तार से ध्यान देना आवश्यक है।

ए) स्थापत्य सजावट के स्थान का सिद्धांत

रोइंग के सिद्धांत के अनुसार पश्कोव के घर के पास स्थापत्य सजावट का स्थान, ऐसा सिद्धांत महल की वास्तुकला की विशेषता है। वास्तुशिल्प सजावट के तत्वों और तत्वों को क्रमबद्ध करें और क्रमबद्ध पंक्तियों में पालन करें।

तहखाने की गैलरी, जैसा कि यह थी, मुख्य भवन को आउटबिल्डिंग के साथ संतुलित करती है और, जुड़ाव के कानून का पालन करते हुए, मुखौटा की पूरी लंबाई का विस्तार करती है।

स्थापत्य सजावट का स्थान - भवन की संरचना को निर्धारित करता है।

बी) रचना

पश्कोव हाउस की पूरी तरह से हल्की और समृद्ध रचना बाज़ेनोव के रचनात्मक कौशल और शहरी पहनावा के हिस्से के रूप में एक अलग इमारत के लिए उनके व्यापक शहरी नियोजन दृष्टिकोण का एक अद्भुत उदाहरण है।

पूरे वास्तुशिल्प परिसर को रचना के एक गहरे-स्थानिक दृश्य के रूप में चित्रित किया जा सकता है, क्योंकि इसमें मुख्य घर, आउटबिल्डिंग, फ्रंट प्रवेश यार्ड, उद्यान और विभिन्न आउटबिल्डिंग शामिल हैं। क्या गहराई में आंदोलन की आवश्यकता है, प्रवेश। लेकिन अगर हम पश्कोव हाउस को अलग से मानते हैं, तो इसकी लंबाई और आयामों की ऊंचाई में आयामों की गहराई में आयामों की प्रबलता - हमें बताती है कि घर की संरचना स्पष्ट रूप से सामने है। निर्माण मुख्य रूप से मुखौटा विमानों में तय किया जाता है, यहां मुख्य अर्थ और सौंदर्य स्थापत्य भार है। इसके अलावा, समरूपता के प्रभुत्व के चेहरे पर। ऐसा लगता है कि दो मंजिला इमारतें मुख्य मोर्चे के केंद्रीय अक्ष के सापेक्ष इमारत को संतुलित करती हैं। एक संस्करण यह भी है कि क्रेमलिन का मुखौटा बिल्कुल सामने नहीं है, बल्कि एक पार्क है, और पीछे की तरफ एक विशाल प्रांगण है, जिसकी कल्पना बाज़ेनोव ने सामने की तरह की है।

सी) आदेश प्रणाली

सदन की व्यवस्था प्रणाली बहुत समृद्ध है, यह स्पष्ट रूप से इसके डिजाइन से माना जाता है। क्षैतिज जंगली भूमि तल के विपरीत, केंद्रीय अग्रभाग भवन के दो मुख्य मंजिल हैं। कोरिंथियन कंपोजिट ऑर्डर का उपयोग उभरे हुए पोर्टिको में किया जाता है, जो दोनों मंजिलों को एकजुट करता है और इमारत के पैमाने को नेत्रहीन रूप से बढ़ाता है। वही सटीक क्रम केंद्रीय भवन की दीवारों पर पायलटों को सजाता है।

चार-स्तंभ वाले पोर्टिको के किनारों पर स्तंभों के आधार पर मूर्तियाँ रखी गई हैं। आउटबिल्डिंग के स्तंभ और पायलट चार-तरफा विकर्ण राजधानियों के साथ एक जटिल आयनिक क्रम का उपयोग करते हैं। वे कलात्मक स्वतंत्रता और मुखौटे की संरचना में रूपरेखा की भूमिका पर जोर देते हैं।

केंद्रीय भवन की छत को तैयार करने वाला कटघरा, खंभों पर हरे-भरे फूलदान रखता है, जो फ्रिज़ और कंगनी से केंद्रीय आयतन को पूरा करने वाले रोटुंडा में संक्रमण को नरम करता है। यह एक ओवरलैड आयनिक ऑर्डर का उपयोग करता है (बाद में पूर्व कोरिंथियन ऑर्डर के प्रतिस्थापन के रूप में बहाल किया गया)। इस प्रकार, आर्किटेक्ट्स ने एक लाइटर पर भारी ऑर्डर देकर घर को भारी बना दिया। लेकिन सामान्य रूप से रोटुंडा-बेल्वेडियर ऐसा स्थिर रूप नहीं है और भवन की समग्र छाप को सुविधाजनक बनाते हुए, संपूर्ण रचना की ऊर्ध्व आकांक्षा पर जोर देता है।

अन्य कला रूपों की तरह, लय वास्तुकला में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है। यह उनकी सर्वोच्चता है जो सावधानीपूर्वक लयबद्ध स्थान की कला के रूप में वास्तुकला की बात करना संभव बनाती है। यही कारण है कि वास्तुकला को अक्सर "जमे हुए संगीत" कहा जाता है। दरअसल, संगीत की कला में लय भी सबसे महत्वपूर्ण रचना साधन है।

पश्कोव हाउस के लयबद्ध तत्वों में शामिल हैं: कोलोनेड, आर्केड, तहखाने के फर्श का जंग, फ्रिज़, और कई लयबद्ध रूप से दोहराए जाने वाले सजावटी तत्व।

हालांकि, कला के किसी भी काम की लय एक साधारण विकल्प नहीं है। यह एक प्रकार की एकता है जिसमें अनेक लयबद्ध पंक्तियाँ विलीन हो जाती हैं। तो यहाँ कोलनेड की लयबद्ध स्पंदन, बिल्कुल समान आकार और स्तंभों की संख्या के तीन पोर्टिको में समूहीकृत, स्तंभ के ऊर्ध्वाधर भागों की ठीक समायोजित लय (केवल अंतर क्रम में है), डिजाइन की सनकी लय फ्रिज़, डायनेमिक रस्टिकेशन, पाइलस्टर्स - यह सब सावधानीपूर्वक सोचा गया है और आर्किटेक्ट द्वारा एक ही सामंजस्य में विलय कर दिया गया है।

स्थापत्य लय की मदद से, बाझेनोव अंतरिक्ष और समय दोनों में दर्शकों की धारणा बनाता है। लय बहुत महत्वपूर्ण है। दरअसल, संरचना के सापेक्ष, दर्शक गतिहीन रह सकता है, और फिर उसकी धारणा में मुख्य भूमिका स्थानिक लय द्वारा निभाई जाती है। लेकिन जैसे ही दर्शक इमारत को बायपास करना शुरू करता है या, इसके अलावा, इसमें प्रवेश करने के लिए, वह समय पर लय में रहता है। इस प्रकार, स्थापत्य पहनावा की धारणा एक संगीत या साहित्यिक कार्य की धारणा की प्रकृति की याद दिलाती है, जहां रूप क्रमिक रूप से प्रकट होता है, खंड द्वारा खंडित होता है। इसके अलावा, आज वास्तुकला को आमतौर पर मानव अस्तित्व के स्थान के निर्माण की कला के रूप में परिभाषित किया जाता है। और वास्तुकार, अंतरिक्ष का निर्माण स्वयं करता है, इसे दर्शक की धारणा में लयबद्ध रूप से स्पंदित करता है।

भवन का मूल उद्देश्य

भवन का मूल उद्देश्य प्रशासनिक है। प्रारंभ में राजशाही के सामंजस्य और तर्कसंगतता के भ्रम के रूप में कल्पना की गई, प्रबुद्ध निरपेक्षता की नीति, यह समय के साथ एक सार्वजनिक भवन में बदल जाती है।

आज पश्कोव हाउस रूसी राज्य पुस्तकालय की इमारतों में से एक है जिसका नाम वी। आई। लेनिन के नाम पर रखा गया है। यह राज्य द्वारा संरक्षित है और मॉस्को की सबसे खूबसूरत इमारतों में से एक है। दुर्भाग्य से, हाल ही में इसे आकस्मिक आगंतुकों की आंखों से व्यावहारिक रूप से बंद कर दिया गया है, हम केवल मोखोवाया स्ट्रीट के किनारे से इसकी भव्यता की प्रशंसा कर सकते हैं।

निष्कर्ष

रूप-निर्माण फंतासी के दृष्टिकोण से, कला के अन्य क्षेत्रों पर वास्तुकला की श्रेष्ठता स्पष्ट है। यह घटना क्या है? और तथ्य यह है कि स्थापत्य रूपों की प्रकृति में कोई प्रत्यक्ष उपमा नहीं है, यह पुनरुत्पादन नहीं करता है और एक विदेशी भाषा की नकल नहीं करता है, लेकिन स्वयं बोलता है। इस प्रकार, हम एक बार फिर कह सकते हैं कि वास्तुकला अंतरिक्ष में सन्निहित कलाओं का एक प्रकार का संश्लेषण है। स्मारक, अलंकरण, अनुप्रयुक्त कला, इसलिए मूर्तिकला और चित्रकला दोनों की विशेषता, और नाम मिला - वास्तुकला।

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ललित कला के कार्यों के विश्लेषण के सिद्धांत

ललित कला के कार्यों के विश्लेषण और विवरण के मूल सिद्धांत

आपको जो जानने की जरूरत है उसकी अनुमानित राशि है

• –अनुशासन के अध्ययन का परिचय "कला के काम का विवरण और विश्लेषण।"

अनुशासन की प्रमुख अवधारणाएं: कला, कलात्मक छवि; कला की आकृति विज्ञान; प्रकार, जीनस, कला की शैली; प्लास्टिक अस्थायी, सिंथेटिक कला रूप; विवर्तनिक और सचित्र; शैली, कला की "भाषा"; लाक्षणिकता, व्याख्याशास्त्र, साहित्यिक पाठ; औपचारिक विधि, शैलीगत विश्लेषण, प्रतिमा विज्ञान, प्रतिरूप; विशेषता, पारखी; कला इतिहास में सौंदर्य मूल्यांकन, समीक्षा, मात्रात्मक तरीके।

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किसी भी विज्ञान की तरह, कला इतिहास के सिद्धांत की भी अपनी विधियाँ हैं। आइए हम मुख्य नाम दें: आइकोनोग्राफिक विधि, वोल्फलिन की विधि, या औपचारिक शैलीगत विश्लेषण की विधि, प्रतीकात्मक विधि, हेर्मेनेयुटिक्स की विधि।

आइकोनोग्राफिक पद्धति के संस्थापक रूसी वैज्ञानिक एन.पी. कोंडाकोव और फ्रांसीसी ई. मल। दोनों वैज्ञानिक मध्य युग की कला में लगे हुए थे (कोंडाकोव एक बीजान्टिन चित्रकार थे, मल ने पश्चिमी मध्य युग का अध्ययन किया)। यह विधि "छवि के इतिहास", कथानक के अध्ययन पर आधारित है। कार्यों के अर्थ और सामग्री को जो दर्शाया गया है उसकी जांच करके समझा जा सकता है। प्राचीन रूसी आइकन को केवल छवियों की उपस्थिति और विकास के इतिहास का गहराई से अध्ययन करके ही समझा जा सकता है।

समस्या यह नहीं है कि क्या दर्शाया गया है, लेकिन इसे कैसे चित्रित किया गया है, प्रसिद्ध जर्मन वैज्ञानिक जी। वोल्फलिन लगे हुए थे। वोल्फलिन ने कला के इतिहास में एक "औपचारिकवादी" के रूप में प्रवेश किया, जिसके लिए कला की समझ को इसकी औपचारिक संरचना के अध्ययन तक सीमित कर दिया गया है। उन्होंने एक "उद्देश्य तथ्य" के रूप में कला के काम के अध्ययन के निकट एक औपचारिक-शैलीगत विश्लेषण करने का प्रस्ताव रखा, जिसे मुख्य रूप से स्वयं से समझा जाना चाहिए।

कला के एक काम के विश्लेषण की प्रतीकात्मक पद्धति अमेरिकी इतिहासकार और कला सिद्धांतकार ई। पैनोफस्की (1892-1968) द्वारा विकसित की गई थी। यह विधि किसी कार्य के अर्थ को प्रकट करने के लिए "सांस्कृतिक" दृष्टिकोण पर आधारित है। छवि को समझने के लिए, वैज्ञानिक के अनुसार, न केवल प्रतीकात्मक और औपचारिक-शैलीगत तरीकों का उपयोग करना, उनसे एक संश्लेषण बनाना, बल्कि किसी व्यक्ति के आध्यात्मिक जीवन की आवश्यक प्रवृत्तियों से परिचित होना भी आवश्यक है, अर्थात। युग और व्यक्तित्व, दर्शन, धर्म, सामाजिक स्थिति का विश्वदृष्टि - वह सब जिसे "समय का प्रतीक" कहा जाता है। यहां कला समीक्षक को संस्कृति के क्षेत्र में व्यापक ज्ञान की आवश्यकता है। यह इतना विश्लेषण करने की क्षमता नहीं है, बल्कि अंतर्ज्ञान को संश्लेषित करने की आवश्यकता है, क्योंकि कला के एक काम में, जैसा कि यह था, एक पूरे युग को संश्लेषित किया जाता है। इस प्रकार, पैनोफ़्स्की ने ड्यूरर की कुछ नक्काशी, टिटियन के कार्यों और अन्य के अर्थ को शानदार ढंग से प्रकट किया। इन सभी तीन विधियों, उनके सभी प्लस और माइनस के साथ, शास्त्रीय कला को समझने के लिए उपयोग किया जा सकता है।

XX सदी की कला को समझना मुश्किल है। और विशेष रूप से 20वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, उत्तर-आधुनिकतावाद की कला, जिसे हमारी समझ के लिए एक प्राथमिकता नहीं बनाया गया है: इसमें अर्थ की अनुपस्थिति कार्य का अर्थ है। उत्तर आधुनिकतावाद की कला कुल खेल सिद्धांत पर आधारित है, जहां दर्शक एक काम बनाने की प्रक्रिया के सह-लेखक के रूप में कार्य करता है। व्याख्या के माध्यम से हर्मेनेयुटिक्स समझ रहा है। लेकिन आई. कांट ने यह भी कहा कि कोई भी व्याख्या उस बात की व्याख्या है जो स्पष्ट नहीं है, और यह कि यह एक हिंसक कृत्य पर आधारित है। हां यह है। समकालीन कला को समझने के लिए, हमें इस "बिना नियमों के खेल" में शामिल होने के लिए मजबूर किया जाता है, और आधुनिक कला सिद्धांतकार समानांतर चित्र बनाते हैं, जो वे देखते हैं उसकी व्याख्या करते हैं।

इस प्रकार, कला को समझने के इन चार तरीकों पर विचार करने के बाद, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि कला के इतिहास में किसी विशेष अवधि से निपटने वाला प्रत्येक वैज्ञानिक हमेशा किसी कार्य के अर्थ और सामग्री को प्रकट करने के लिए अपना दृष्टिकोण खोजने का प्रयास करता है। और यह कला के सिद्धांत की मुख्य विशेषता है।

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पारखी का इतिहास विशद रूप से और विस्तार से घरेलू कला विद्वानों द्वारा वर्णित है। वी.एन. लाज़रेव (1897-1976) ("पारखी का इतिहास"), बी.आर. वाइपर (1888-1967) ("एट्रिब्यूशन की समस्या पर")। XIX सदी के मध्य में। कला का एक नया प्रकार "पारखी" प्रकट होता है, जिसका उद्देश्य एट्रिब्यूशन है, अर्थात। कार्य, समय, सृजन का स्थान और लेखकत्व की प्रामाणिकता स्थापित करना। पारखी के पास एक अभूतपूर्व स्मृति और ज्ञान, त्रुटिहीन स्वाद है। उन्होंने कई संग्रहालय संग्रह देखे हैं और, एक नियम के रूप में, एक काम को जिम्मेदार ठहराने का उनका अपना तरीका है। एक विधि के रूप में ज्ञान के विकास में अग्रणी भूमिका इतालवी की थी जियोवानी मोरेलि (1816-1891), जिन्होंने पहली बार एक पेंटिंग के निर्माण में कुछ नियमितताओं को कम करने की कोशिश की, "कलात्मक भाषा का व्याकरण" बनाने के लिए, जो कि एट्रिब्यूशन पद्धति का आधार बनना (और बनना) था। मोरेली ने इतालवी कला के इतिहास में कई मूल्यवान खोजें कीं। मोरेली का अनुयायी था बर्नार्ड बर्नसन (1865-1959), जिन्होंने तर्क दिया कि निर्णय का एकमात्र सच्चा स्रोत कार्य ही है। बर्नसन ने एक लंबा और रंगीन जीवन जिया। वी.एन. लाज़रेव ने पारखी के इतिहास पर एक प्रकाशन में, वैज्ञानिक के संपूर्ण रचनात्मक पथ का उत्साहपूर्वक वर्णन किया। पारखी के इतिहास में कोई कम दिलचस्प जर्मन वैज्ञानिक नहीं है मैक्स फ्रीडलैंडर (1867-1958)। फ्रीडलैंडर ने एट्रिब्यूशन पद्धति के आधार को कला के देखे गए काम से प्राप्त पहली छाप माना। तभी कोई वैज्ञानिक विश्लेषण के लिए आगे बढ़ सकता है, जिसमें सबसे छोटा विवरण मायने रखता है। उन्होंने स्वीकार किया कि कोई भी शोध पहली छाप की पुष्टि और पूरक कर सकता है या इसके विपरीत, इसे अस्वीकार कर सकता है। लेकिन यह इसे कभी नहीं बदलेगा। फ्राइडलैंडर के अनुसार, एक पारखी के पास एक कलात्मक स्वभाव और अंतर्ज्ञान होना चाहिए, जो "कम्पास तीर की तरह, उतार-चढ़ाव के बावजूद, हमें रास्ता दिखाता है।" घरेलू कला के इतिहास में, कई वैज्ञानिक और संग्रहालय कार्यकर्ता एट्रिब्यूशन कार्य में लगे हुए थे और उन्हें पारखी के रूप में जाना जाता था। बी.आर. विपर ने एट्रिब्यूशन के तीन मुख्य मामलों को अलग किया: सहज, यादृच्छिक, और तीसरा - एट्रिब्यूशन में मुख्य तरीका - जब शोधकर्ता विभिन्न तरीकों का उपयोग करके काम के लेखक की स्थापना के लिए संपर्क करता है। वाइपर की विधि का परिभाषित मानदंड पेंटिंग की बनावट और भावनात्मक लय है। बनावट से तात्पर्य पेंट, स्ट्रोक की प्रकृति आदि से है। भावनात्मक लय एक पेंटिंग या ललित कला के किसी अन्य रूप में कामुक और आध्यात्मिक अभिव्यक्ति की गतिशीलता है। लय और बनावट को समझने की क्षमता कलात्मक गुणवत्ता की सही समझ और प्रशंसा का सार है। इस प्रकार, पारखी, संग्रहालय के कर्मचारियों द्वारा किए गए कई गुणों और खोजों ने कला के इतिहास में एक निर्विवाद योगदान दिया: उनकी खोजों के बिना, हम मूल के लिए नकली लेते हुए, कार्यों के सच्चे लेखकों को नहीं पहचान पाएंगे। हमेशा कुछ वास्तविक विशेषज्ञ रहे हैं, वे कला की दुनिया में जाने जाते थे और उनके काम को अत्यधिक महत्व दिया जाता था। पारखी-विशेषज्ञ की भूमिका विशेष रूप से 20वीं शताब्दी में बढ़ गई, जब कला बाजार, ललित कला के कार्यों की भारी मांग के कारण, नकली से भर गया था। एक भी संग्रहालय नहीं, कलेक्टर बिना गहन जांच के कोई कृति खरीदेंगे। यदि पहले पारखी ज्ञान और व्यक्तिपरक धारणा के आधार पर अपने निष्कर्ष निकालते हैं, तो आधुनिक विशेषज्ञ तकनीकी और तकनीकी विश्लेषण के उद्देश्य डेटा पर निर्भर करता है, अर्थात्: चित्र का एक्स-रे संचरण, पेंट की रासायनिक संरचना का निर्धारण, कैनवास, लकड़ी, मिट्टी की उम्र का निर्धारण। इस तरह गलतियों से बचा जा सकता है। इस प्रकार, एक स्वतंत्र मानवीय विज्ञान के रूप में कला के इतिहास के निर्माण के लिए संग्रहालयों के उद्घाटन और पारखी की गतिविधियों का बहुत महत्व था।

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आदिम विश्लेषण एल्गोरिथ्म:

कला के कार्यों के विश्लेषण के लिए एल्गोरिथ्म

1. पेंटिंग के शीर्षक का अर्थ।
2. शैली संबद्धता।
3. चित्र के कथानक की विशेषताएं। पेंटिंग के कारण। प्रश्न के उत्तर की तलाश करें: क्या लेखक ने दर्शकों को अपने इरादे से अवगत कराया?
4. चित्र की संरचना की विशेषताएं।
5. कलात्मक छवि का मुख्य साधन: रंग, ड्राइंग, बनावट, काइरोस्कोरो, लेखन की शैली।
6. कला के इस काम का आपकी भावनाओं और मनोदशा पर क्या प्रभाव पड़ा?
7. यह कला का टुकड़ा कहाँ स्थित है?

वास्तुकला के कार्यों का विश्लेषण करने के लिए एल्गोरिदम

1. एक स्थापत्य संरचना और उसके लेखक के निर्माण के इतिहास के बारे में क्या जाना जाता है?
2. इस कार्य का संबंध सांस्कृतिक और ऐतिहासिक युग, कलात्मक शैली, दिशा से है।
3. इस काम में विट्रुवियस के सूत्र ने क्या अवतार पाया: शक्ति, उपयोगिता, सौंदर्य?
4. एक वास्तुशिल्प छवि (समरूपता, लय, अनुपात, प्रकाश और छाया और रंग मॉडलिंग, स्केल), टेक्टोनिक सिस्टम (पोस्ट-बीम, लैंसेट-आर्क, आर्क-डोम) बनाने के लिए कलात्मक साधनों और तकनीकों को इंगित करें।
5. वास्तुकला के प्रकार से संबंधित इंगित करें: त्रि-आयामी संरचनाएं (सार्वजनिक: आवासीय, औद्योगिक); परिदृश्य (परिदृश्य या छोटे रूप); शहरी नियोजन।
6. एक वास्तुशिल्प संरचना की बाहरी और आंतरिक उपस्थिति, इमारत और राहत के बीच संबंध, परिदृश्य की प्रकृति के बीच संबंध इंगित करें।
7. इसकी स्थापत्य उपस्थिति के डिजाइन में अन्य प्रकार की कलाओं का उपयोग कैसे किया जाता है?
8. काम का आप पर क्या प्रभाव पड़ा?
9. कलात्मक छवि किन संघों को उद्घाटित करती है और क्यों?
10. वास्तुकला कहाँ स्थित है?

मूर्तिकला के कार्यों का विश्लेषण करने के लिए एल्गोरिदम

1. काम के निर्माण का इतिहास।
2. लेखक के बारे में। यह कार्य उसके कार्य में क्या स्थान रखता है?
3. कलात्मक युग से संबंधित।
4. काम के शीर्षक का अर्थ।
5. मूर्तिकला के प्रकारों से संबंधित (स्मारकीय, स्मारक, चित्रफलक)।
6. सामग्री का उपयोग और इसके प्रसंस्करण की तकनीक।
7. मूर्तिकला के आयाम (यदि जानना महत्वपूर्ण है)।
8. आसन का आकार और आकार।
9. यह मूर्ति कहाँ स्थित है?
10. इस काम का आप पर क्या प्रभाव पड़ा?
11. कलात्मक छवि किन संघों को उद्घाटित करती है और क्यों?

अधिक:

कला के एक कार्य का विश्लेषण करने के लिए नमूना प्रश्न

भावनात्मक स्तर:

• काम क्या प्रभाव डालता है?
• लेखक किस मनोदशा को व्यक्त करने का प्रयास कर रहा है?
• दर्शक किन संवेदनाओं का अनुभव कर सकता है?
• कार्य की प्रकृति क्या है?
• पैमाने, प्रारूप, क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर या विकर्ण भागों की व्यवस्था, कुछ वास्तुशिल्प रूपों का उपयोग, चित्र में कुछ रंगों का उपयोग और स्थापत्य स्मारक में प्रकाश का वितरण काम की भावनात्मक छाप में कैसे मदद करता है?

विषय स्तर:

• तस्वीर में क्या (या कौन) है?
• सामने के सामने खड़े होने पर दर्शक क्या देखता है? अंदरूनी हिस्सों में?
• आप मूर्तिकला में किसे देखते हैं?
• आपने जो देखा, उसमें से मुख्य बात को हाइलाइट करें।
• यह समझाने की कोशिश करें कि यह आपके लिए मुख्य बात क्यों प्रतीत होती है?
• कलाकार (वास्तुकार, संगीतकार) किस माध्यम से मुख्य बात को अलग करता है?
• कार्य (विषय रचना) में वस्तुओं को कैसे व्यवस्थित किया जाता है?
• कार्य (रैखिक रचना) में मुख्य रेखाएँ कैसे खींची जाती हैं?
• एक वास्तुशिल्प संरचना (वास्तुशिल्प संरचना) में वॉल्यूम और रिक्त स्थान की तुलना कैसे की जाती है?
• कहानी का स्तर:
• चित्र के कथानक को फिर से बताने का प्रयास करें।
• कल्पना करने की कोशिश करें कि इस स्थापत्य संरचना में कौन सी घटनाएं अधिक बार हो सकती हैं।
• अगर यह जीवन में आता है तो यह मूर्ति क्या कर सकती है (या कह सकती है)?

प्रतीकात्मक स्तर:

• क्या काम में ऐसी वस्तुएं हैं जो किसी चीज का प्रतीक हैं?
• क्या कार्य की संरचना और उसके मुख्य तत्वों का एक प्रतीकात्मक चरित्र है: क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर, विकर्ण, वृत्त, अंडाकार, रंग, घन, गुंबद, मेहराब, तिजोरी, दीवार, टॉवर, शिखर, इशारा, मुद्रा, कपड़े, ताल, समय , आदि।?
• काम का शीर्षक क्या है? यह अपने कथानक और प्रतीकवाद से कैसे संबंधित है?
• आपको क्या लगता है कि काम के लेखक लोगों को क्या बताना चाहते थे?

एक पेंटिंग के विश्लेषण की योजना

1. 1. लेखक, कार्य का शीर्षक, निर्माण का समय और स्थान, विचार का इतिहास और उसका कार्यान्वयन। मॉडल चयन।
2. 2. शैली, दिशा।
3. 3. पेंटिंग का प्रकार: चित्रफलक, स्मारकीय (फ्रेस्को, टेम्परा, मोज़ेक)।
4. 4. सामग्री का विकल्प (चित्रफलक पेंटिंग के लिए): ऑइल पेंट, वॉटरकलर, गौचे, पेस्टल। कलाकार के लिए इस सामग्री के उपयोग की विशेषताएं।
5. 5. पेंटिंग की शैली (पोर्ट्रेट, लैंडस्केप, स्टिल लाइफ, ऐतिहासिक पेंटिंग, पैनोरमा, डायरैमा, आइकन पेंटिंग, मरीना, पौराणिक शैली, रोजमर्रा की शैली)। कलाकार के कार्यों के लिए शैली की विशेषताएं।
6. 6. सुरम्य भूखंड। प्रतीकात्मक सामग्री (यदि कोई हो)।
7. 7. कार्य की सुरम्य विशेषताएं:

• रंग;
• रोशनी;
• मात्रा;
• समतलता;
• रंग;
• कलात्मक स्थान (कलाकार द्वारा रूपांतरित स्थान);
• रेखा।

9. काम देखते समय प्राप्त व्यक्तिगत प्रभाव।

विशिष्टता:

• संरचना योजना और उसके कार्य
  • आकार
  • प्रारूप (लंबवत और क्षैतिज रूप से लम्बा, वर्गाकार, अंडाकार, गोल, पक्षानुपात)
  • ज्यामितीय पैटर्न
  • मुख्य रचना पंक्तियाँ
  • संतुलन, छवि के कुछ हिस्सों का एक दूसरे के साथ और पूरे के साथ अनुपात,
  • देखने का क्रम
• अंतरिक्ष और इसके कार्य।
  • परिप्रेक्ष्य, लुप्त बिंदु
  • समतलता और गहराई
  • स्थानिक योजना
  • दर्शक और कार्य के बीच की दूरी, चित्र के स्थान में या उसके बाहर दर्शक का स्थान
  • देखने का बिंदु और कोणों की उपस्थिति, क्षितिज रेखा
• Chiaroscuro, मात्रा और उनकी भूमिका।
  • मात्रा और विमान
  • रेखा, सिल्हूट
  • प्रकाश स्रोत, दिन का समय, प्रकाश प्रभाव
  • प्रकाश और छाया का भावनात्मक प्रभाव
• रंग, रंग और उसके कार्य
  • तानवाला या स्थानीय रंग की प्रबलता
  • गर्म या ठंडे रंग
  • रैखिकता या सुरम्यता
  • मुख्य रंग धब्बे, उनके रिश्ते और रचना में उनकी भूमिका
  • स्वर, वैलेरी
  • सजगता
  • रंग का भावनात्मक प्रभाव
• सतह बनावट (स्मीयर)।
  • स्ट्रोक की प्रकृति (खुली बनावट, चिकनी बनावट)
  • स्मीयर ओरिएंटेशन
  • धब्बा आकार
  • ग्लेज़िंग

स्थापत्य स्मारकों का विवरण और विश्लेषण

विषय 1. वास्तुकला की कलात्मक भाषा।

एक कला के रूप में वास्तुकला। "कलात्मक वास्तुकला" की अवधारणा। वास्तुकला में कलात्मक छवि। वास्तुकला की कलात्मक भाषा: कलात्मक अभिव्यक्ति के ऐसे साधनों की अवधारणा जैसे रेखा, विमान, स्थान, द्रव्यमान, लय (अतालता), समरूपता (विषमता)। वास्तुकला में विहित और प्रतीकात्मक तत्व। भवन योजना की अवधारणा, बाहरी, आंतरिक। वास्तुकला में शैली।

विषय 2. स्थापत्य संरचनाओं के मुख्य प्रकार

शहरी कला के स्मारक: ऐतिहासिक शहर, उनके हिस्से, प्राचीन योजना के स्थल; वास्तुशिल्प परिसरों, पहनावा। आवासीय वास्तुकला के स्मारक (व्यापारियों, रईसों, किसानों, लाभदायक घरों, आदि की संपत्ति) नागरिक सार्वजनिक वास्तुकला के स्मारक: थिएटर, पुस्तकालय, अस्पताल, शैक्षिक भवन, प्रशासनिक भवन, रेलवे स्टेशन, आदि। पंथ स्मारक: मंदिर, चैपल, मठ . रक्षा वास्तुकला: जेल, किले के टॉवर, आदि। औद्योगिक वास्तुकला के स्मारक: कारखाने के परिसर, भवन, फोर्ज, आदि।

उद्यान और पार्क स्मारक, उद्यान और परिदृश्य कला: उद्यान और पार्क।

विषय 3. एक स्थापत्य स्मारक का विवरण और विश्लेषण

भवन योजना, निर्माण सामग्री, बाहरी आयतन की संरचना। सड़क और आंगन के अग्रभाग, दरवाजे और खिड़की के उद्घाटन, बालकनियों, बाहरी और आंतरिक सजावट का विवरण। एक स्थापत्य स्मारक की शैली और कलात्मक गुणों के बारे में निष्कर्ष, शहर, गांव, क्षेत्र की ऐतिहासिक और स्थापत्य विरासत में इसका स्थान।

एक स्थापत्य स्मारक के मोनोग्राफिक विश्लेषण के तरीके

1. रचनात्मक और विवर्तनिक प्रणालियों के विश्लेषण में शामिल हैं:

ए) इसके रचनात्मक आधार के स्मारक के परिप्रेक्ष्य या ऑर्थोगोनल अनुमानों पर चित्रमय पहचान (उदाहरण के लिए, एक बिंदीदार रेखा के साथ वाल्टों और गुंबदों की रूपरेखा तैयार करना, मुखौटा पर आंतरिक संरचना को "प्रदर्शित करना", एक प्रकार का "संयोजन" मुखौटा अनुभाग के साथ, आंतरिक आदि की संरचना को स्पष्ट करने के लिए अनुभागों पर सतहों को छायांकित करना)

बी) संरचनात्मक तत्वों और संबंधित टेक्टोनिक वास्तुशिल्प रूपों की निकटता और परस्पर संबंध की डिग्री की व्याख्या (उदाहरण के लिए, परिधि मेहराब का चयन, वर्गों में वाल्ट और उनकी परिभाषा, ज़कोमर, कोकेशनिक, तीन-ब्लेड मेहराब के रूपों पर उनका प्रभाव) , आदि।)

ग) एक स्मारक की कुछ टेक्टोनिक योजनाओं को तैयार करना (उदाहरण के लिए, गॉथिक कैथेड्रल के गुंबददार घास के आवरण का एक आरेख या एक स्तंभहीन मंदिर के आंतरिक स्थान का "कास्ट" आरेख - एक्सोनोमेट्री, आदि में);

2. अनुपात और अनुपात का विश्लेषण, एक नियम के रूप में, ऑर्थोगोनल अनुमानों में किया जाता है और इसमें दो बिंदु होते हैं:

ए) स्मारक के मुख्य आयामी मानकों के बीच कई अनुपात (उदाहरण के लिए, 2:3, 4:5, आदि) की खोज करें, इस तथ्य को ध्यान में रखते हुए कि इन अनुपातों को एक समय में निर्माण के दौरान अलग करने के लिए उपयोग किया जा सकता है प्रकृति में आवश्यक मूल्य। उसी समय, स्मारक में बार-बार सामने आने वाले आयामी मूल्यों (मॉड्यूल) की तुलना लंबाई (पैर, सैजेन, आदि) के ऐतिहासिक उपायों से की जानी चाहिए;

बी) सबसे सरल ज्यामितीय आकृतियों (वर्ग, दोहरा वर्ग, समबाहु त्रिभुज, आदि) के तत्वों के नियमित संबंधों के आधार पर स्मारक के मुख्य रूपों और आर्टिक्यूलेशन के आकार के बीच अधिक या कम निरंतर ज्यामितीय कनेक्शन की खोज और उनके डेरिवेटिव। प्रकट अनुपात को स्मारक के विवर्तनिक रूपों के निर्माण के तर्क और इसके अलग-अलग हिस्सों के निर्माण के स्पष्ट अनुक्रम का खंडन नहीं करना चाहिए। मूल ज्यामितीय आकृति (उदाहरण के लिए, एक वर्ग) के आयामों को मापांक के साथ और लंबाई के ऐतिहासिक उपायों के साथ जोड़कर विश्लेषण पूरा किया जा सकता है।

प्रशिक्षण अभ्यास में, किसी को बहुत अधिक संबंधों की पहचान करने का प्रयास नहीं करना चाहिए, चयनित अनुपात और अनुपात की गुणवत्ता पर ध्यान देना अधिक महत्वपूर्ण है, अर्थात, उनका संरचनागत महत्व, मुख्य विवर्तनिक डिवीजनों के आयामी संबंधों के साथ उनका संबंध मात्रा और स्मारक के निर्माण की प्रक्रिया में उनके उपयोग की संभावना।

3. मेट्रो-लयबद्ध पैटर्न का विश्लेषण ऑर्थोगोनल ड्रॉइंग और स्मारक के परिप्रेक्ष्य छवियों (ड्राइंग, फोटोग्राफ, स्लाइड इत्यादि) दोनों पर किया जा सकता है। विधि का सार लंबवत और क्षैतिज दोनों रूपों के मीट्रिक और लयबद्ध श्रृंखला के स्मारक की किसी भी छवि पर ग्राफिक अंडरलाइनिंग (रेखा, स्वर, छायांकन या रंग द्वारा) में कम हो जाता है। इस तरह से प्रतिष्ठित मीट्रिक पंक्तियाँ (उदाहरण के लिए, कोलोनेड्स, विंडो ओपनिंग, कॉर्निस, आदि) और लयबद्ध पंक्तियाँ (उदाहरण के लिए, ऊँचाई में घटती हुई टियर, मेहराब के बदलते स्पैन, आदि) "स्थिर" या की पहचान करना संभव बनाती हैं। इस स्मारक की "गतिशील" स्थापत्य रचना। इसी समय, लयबद्ध श्रृंखला के रूपों के सदस्यों में परिवर्तन के पैटर्न की व्याख्या अनुपात के विश्लेषण से निकटता से संबंधित है। अध्ययन के परिणामस्वरूप, इस स्थापत्य स्मारक के रूपों की मेट्रो-लयबद्ध श्रृंखला के निर्माण की विशेषताओं को दर्शाते हुए, सशर्त योजनाएं तैयार की जाती हैं।

4. ग्राफिक पुनर्निर्माण आपको स्मारक के ऐतिहासिक अस्तित्व के किसी भी चरण में इसके खोए हुए स्वरूप को फिर से बनाने की अनुमति देता है। पुनर्निर्माण या तो एक ऑर्थोगोनल ड्राइंग (योजना, मुखौटा) के रूप में किया जाता है, जब एक उपयुक्त अंतर्निहित आधार होता है, या जीवन से चित्र या एक तस्वीर (स्लाइड) से बनाई गई परिप्रेक्ष्य छवि के रूप में होता है। पुनर्निर्माण के स्रोत के रूप में, स्मारक की प्रकाशित प्राचीन छवियों, विभिन्न ऐतिहासिक विवरणों के साथ-साथ उसी युग के समान स्मारकों पर सामग्री का उपयोग करना चाहिए।

शैक्षिक उद्देश्यों के लिए, छात्र को केवल एक स्केच पुनर्निर्माण करने के लिए आमंत्रित किया जाता है, जो केवल सामान्य शब्दों में स्मारक के मूल या परिवर्तित स्वरूप की प्रकृति को बताता है।

कई मामलों में, एक छात्र अलग-अलग शोधकर्ताओं द्वारा बनाए गए एक ही स्मारक के लिए पुनर्निर्माण विकल्पों की तुलना करने के लिए खुद को सीमित कर सकता है। लेकिन फिर इन विकल्पों को एक उचित मूल्यांकन देना और उनमें से सबसे संभावित को उजागर करना आवश्यक है। छात्र को समान स्मारकों या उनके टुकड़ों की छवि के साथ अपनी पसंद को ग्राफिक रूप से प्रमाणित करना चाहिए।

एक विशेष प्रकार का पुनर्निर्माण - स्मारक के मूल और बाद में खोए हुए रंग की बहाली - एक ऐतिहासिक शहरी वातावरण के संभावित समावेश के साथ ऑर्थोगोनल पहलुओं या परिप्रेक्ष्य छवियों के आधार पर किया जाता है।

ग्राफिक पुनर्निर्माण कार्य करते समय, ड्राइंग और फोटोमोंटेज की विधि का व्यापक रूप से उपयोग किया जा सकता है।

5. वास्तुशिल्प चित्रों का निर्माण एक विकसित त्रि-आयामी संरचना के साथ स्मारकों का विश्लेषण करने की एक तकनीक है, जिसे समय के साथ क्रमिक धारणा के लिए डिज़ाइन किया गया है, जैसे एथेंस में एरेचथियन या मॉस्को में पोक्रोव्स्की कैथेड्रल। ऐसे स्मारक के चारों ओर घूमते समय, दर्शक, कुछ खंडों को दूसरों द्वारा कवर किए जाने के कारण, एक दूसरे में बहने वाली बहुत सारी परिप्रेक्ष्य छवियों को देखता है, जिन्हें वास्तुशिल्प चित्र कहा जाता है।

छात्र का कार्य वास्तुशिल्प चित्रों के गुणात्मक रूप से विभिन्न समूहों को अलग करना है, योजना पर चित्रों के इन समूहों की धारणा के क्षेत्रों को नामित करना और प्रत्येक समूह को एक, विशेषता के साथ, एक परिप्रेक्ष्य ड्राइंग या फोटोग्राफ (स्लाइड) के रूप में चित्रित करना है।

गुणात्मक रूप से भिन्न चित्रों की संख्या आमतौर पर पाँच या छह से अधिक नहीं होती है।

6. पैमाने और पैमाने के विश्लेषण में वास्तुशिल्प मात्रा के विभाजनों की बड़े पैमाने पर भूमिका की पहचान करना और विशिष्ट विवरण के स्मारक के ऑर्थोगोनल या परिप्रेक्ष्य छवियों पर ग्राफिकल चयन की पहचान करना शामिल है - "स्केल संकेतक", जैसे कदम, बेलस्ट्रेड इत्यादि। एक सार्वभौमिक उपकरण वास्तुशिल्प पैमाने के रूप में आदेश की भूमिका पर विशेष ध्यान दिया जाना चाहिए।

स्थापत्य स्मारकों के तुलनात्मक विश्लेषण के तरीके

1. दो स्मारकों की त्रि-आयामी संरचना की तुलना योजनाओं, पहलुओं या वर्गों की तुलना करके की जाती है, जिन्हें एक सामान्य पैमाने पर घटाया जाता है। योजनाओं, पहलुओं और वर्गों को ओवरले या संयोजित करना बहुत प्रभावी है; कभी-कभी, दो स्मारकों के अनुमानों की तुलना करते समय, उन्हें कुछ सामान्य आकार में लाना उपयोगी होता है, उदाहरण के लिए, समान ऊंचाई या चौड़ाई तक (इस मामले में, स्मारकों के अनुपात की भी तुलना की जाती है)।

प्रकृति या तस्वीरों से चित्र के रूप में स्मारकों की परिप्रेक्ष्य छवियों की तुलना करने के उद्देश्य से तुलना भी संभव है। इस मामले में, चित्र या तस्वीरें समान कोणों से और ऐसे बिंदुओं से ली जानी चाहिए, जिनसे स्मारकों की वॉल्यूमेट्रिक संरचना की विशिष्ट विशेषताएं सामने आती हैं। यह सुनिश्चित किया जाना चाहिए कि, उनके सापेक्ष आकार के संदर्भ में, स्मारकों की छवियां प्रकृति में उनके आकार के अनुपात के लगभग अनुरूप हों।

तुलनात्मक तुलना के सभी मामलों में, स्मारकों के बीच अंतर आमतौर पर उनकी समानता के क्षणों की तुलना में अधिक स्पष्ट रूप से सामने आता है। इसलिए, तुलनात्मक वस्तुओं को एक साथ लाने के लिए ग्राफिक रूप से जोर देना जरूरी है, उदाहरण के लिए, रचनात्मक तकनीकों की पहचान, संस्करणों के संयोजन में समानता, विभाजन की समान प्रकृति, उद्घाटन का स्थान इत्यादि।

मूर्तिकला के स्मारकों का विवरण और विश्लेषण

मूर्तिकला की कलात्मक भाषा

मूर्तिकला के कार्यों का विश्लेषण करते समय, कला के रूप में मूर्तिकला के अपने मापदंडों को ध्यान में रखना आवश्यक है। मूर्तिकला एक कला रूप है जिसमें एक वास्तविक त्रि-आयामी मात्रा आसपास के त्रि-आयामी अंतरिक्ष के साथ बातचीत करती है। मूर्तिकला के विश्लेषण में मुख्य बात मात्रा, स्थान और वे कैसे बातचीत करते हैं। मूर्तिकला सामग्री। मूर्तिकला के प्रकार। मूर्तिकला की शैलियाँ।

मूर्तिकला के काम का विवरण और विश्लेषण।

नमूना योजना:

1. इस मूर्ति का आकार क्या है? मूर्तिकला स्मारकीय, चित्रफलक, लघु है। आकार प्रभावित करता है कि यह अंतरिक्ष के साथ कैसे इंटरैक्ट करता है।

2. विश्लेषित कार्य किस स्थान पर स्थित था (मंदिर में, चौक पर, घर में, आदि)? यह किस दृष्टिकोण के लिए बनाया गया था (दूर से, नीचे से, निकट से)? क्या यह एक वास्तुशिल्प या मूर्तिकला पहनावा का हिस्सा है या यह एक स्वतंत्र काम है?

3. किस हद तक विचाराधीन कार्य में त्रि-आयामी स्थान शामिल है (वास्तुकला से संबंधित गोल मूर्तिकला और मूर्तिकला; स्थापत्य और मूर्तिकला रूप, उच्च राहत; राहत; आधार-राहत; सुरम्य राहत; प्रति-राहत)

4. यह किस सामग्री से बना है? इस सामग्री की विशेषताएं क्या हैं? यहां तक ​​​​कि अगर आप कास्ट का विश्लेषण कर रहे हैं, तो यह याद रखना महत्वपूर्ण है कि मूल किस सामग्री से बनाया गया था। मूल के हॉल में जाएं, देखें कि मूर्तिकला कैसा दिखता है, जिस सामग्री में आपकी रुचि है। मूर्तिकला की कौन सी विशेषताएं इसकी सामग्री से निर्धारित होती हैं (इस सामग्री को इस काम के लिए क्यों चुना गया था)?

5. क्या मूर्तिकला निश्चित दृष्टिकोणों के लिए डिज़ाइन की गई है, या घूमने पर यह पूरी तरह से खुलती है? इस मूर्तिकला में कितने पूर्ण अभिव्यंजक सिल्हूट हैं? ये सिल्हूट क्या हैं (बंद, कॉम्पैक्ट, ज्यामितीय रूप से सही या सुरम्य, खुला)? सिल्हूट एक दूसरे से कैसे संबंधित हैं?

6. इस मूर्तिकला या मूर्तिकला समूह में अनुपात (भागों और संपूर्ण का अनुपात) क्या है? मानव आकृति के अनुपात क्या हैं?

7. मूर्तिकला का पैटर्न क्या है (बड़े संरचनात्मक ब्लॉकों के बीच संबंधों का विकास और जटिलता, आंतरिक अभिव्यक्ति की लय और सतह के विकास की प्रकृति)? अगर हम राहत के बारे में बात कर रहे हैं, तो देखने का कोण बदलने पर पूरा कैसे बदल जाता है? राहत की गहराई कैसे बदलती है और स्थानिक योजनाएँ कैसे बनती हैं, कितने हैं?

8. गढ़ी गई सतह की बनावट क्या है? सजातीय या विभिन्न भागों में भिन्न? औजारों के स्पर्श के चिकने या "स्केची" निशान दिखाई दे रहे हैं, प्राकृतिक जैसे, सशर्त। यह बनावट भौतिक गुणों से कैसे संबंधित है? बनावट एक मूर्तिकला रूप के सिल्हूट और मात्रा की धारणा को कैसे प्रभावित करती है?

9. मूर्तिकला में रंग की क्या भूमिका है? आयतन और रंग कैसे परस्पर क्रिया करते हैं, वे एक दूसरे को कैसे प्रभावित करते हैं?

10. यह मूर्ति किस शैली से संबंधित है? यह किस लिए था?

11. आकृति की व्याख्या क्या है (प्रकृतिवादी, सशर्त, कैनन द्वारा निर्धारित, मूर्तिकला द्वारा अपने स्थापत्य वातावरण में कब्जा किए गए स्थान, या कुछ और)।

12. क्या आप काम में किसी अन्य प्रकार की कला के प्रभाव को महसूस करते हैं: वास्तुकला, पेंटिंग?

चित्रों का विवरण और विश्लेषण

पेंटिंग की कलात्मक भाषा

पेंटिंग की अवधारणा। कलात्मक अभिव्यक्ति के साधन: कलात्मक स्थान, रचना, रंग, लय, एक रंगीन स्ट्रोक का चरित्र। पेंटिंग सामग्री और तकनीक: तेल, तड़का, गौचे, जल रंग, मिश्रित मीडिया, आदि चित्रफलक और स्मारकीय पेंटिंग। स्मारकीय पेंटिंग की किस्में: फ्रेस्को, मोज़ेक, सना हुआ ग्लास, आदि। पेंटिंग शैलियों: चित्र, परिदृश्य, रोजमर्रा की शैली, स्थिर जीवन, पशुवादी, ऐतिहासिक, आदि।

पेंटिंग का विवरण

काम के बुनियादी मापदंडों का निर्धारण: लेखक, निर्माण की तारीख, पेंटिंग का आकार, पेंटिंग का प्रारूप: क्षैतिज या लंबवत लम्बी आयत (संभवतः एक गोल अंत के साथ), वर्ग, वृत्त (टोंडो), अंडाकार। तकनीक (तापमान, तेल, जल रंग, आदि) और किस आधार पर (लकड़ी, कैनवास, आदि) पेंटिंग बनाई गई थी, आदि।

चित्रों का विश्लेषण

नमूना विश्लेषण योजना:

1. क्या तस्वीर में कोई साजिश है? क्या दिखाया गया है? चित्रित पात्र, वस्तुएँ किस वातावरण में स्थित हैं?
2. छवि के विश्लेषण के आधार पर, आप शैली के बारे में निष्कर्ष निकाल सकते हैं। क्या शैली: चित्र, परिदृश्य, स्थिर जीवन, नग्न, रोजमर्रा की जिंदगी, पौराणिक, धार्मिक, ऐतिहासिक, पशुवत, क्या पेंटिंग संबंधित है?
3. आपको क्या लगता है कि कलाकार किस कार्य को हल कर रहा है - दृश्य? अभिव्यंजक? छवि की परंपरा या प्रकृतिवाद की डिग्री क्या है? क्या पारंपरिकता आदर्शीकरण की ओर या अभिव्यंजक विकृति की ओर बढ़ती है? एक नियम के रूप में, चित्र की रचना शैली के साथ जुड़ी हुई है।
4. एक रचना के घटक क्या हैं? छवि की वस्तु और चित्र के कैनवास पर पृष्ठभूमि/स्थान का अनुपात क्या है?
5. चित्र में वस्तुएँ चित्र तल के कितने निकट हैं?
6. कलाकार ने किस कोण को चुना - ऊपर से, नीचे से, चित्रित वस्तुओं के साथ फ्लश?
7. दर्शक की स्थिति कैसे निर्धारित की जाती है - क्या वह चित्र में चित्रित छवि के साथ बातचीत में शामिल है, या उसे एक अलग विचारक की भूमिका सौंपी गई है?
8. क्या रचना को संतुलित, स्थिर या गतिशील कहा जा सकता है? यदि कोई आंदोलन है, तो उसे कैसे निर्देशित किया जाता है?
9. सचित्र स्थान कैसे बनाया जाता है (सपाट, अनिश्चित काल तक, स्थानिक परत को बंद कर दिया जाता है, गहरा स्थान बनाया जाता है)? स्थानिक गहराई का भ्रम कैसे प्राप्त किया जाता है (चित्रित आंकड़ों के आकार में अंतर, वस्तुओं या वास्तुकला की मात्रा दिखाते हुए, रंग उन्नयन का उपयोग करके)? रचना ड्राइंग के माध्यम से विकसित की गई है।
10. चित्र में रैखिक शुरुआत कितनी स्पष्ट है?
11. क्या अलग-अलग वस्तुओं का परिसीमन करने वाली आकृति पर बल दिया गया है या छुपाया गया है? यह प्रभाव किस माध्यम से प्राप्त होता है?
12. वस्तुओं का आयतन किस हद तक व्यक्त किया जाता है? कौन सी तकनीकें मात्रा का भ्रम पैदा करती हैं?
13. पेंटिंग में प्रकाश क्या भूमिका निभाता है? यह कैसा है (चिकनी, तटस्थ; विषम, मूर्तिकला मात्रा; रहस्यमय)। क्या प्रकाश स्रोत/दिशा पठनीय है?
14. क्या चित्रित आकृतियों/वस्तुओं के सिल्हूट पठनीय हैं? वे अपने आप में कितने अर्थपूर्ण और मूल्यवान हैं?
15. छवि कितनी विस्तृत (या इसके विपरीत सामान्यीकृत) है?
16. क्या चित्रित सतहों (चमड़े, कपड़े, धातु, आदि) की बनावट की विविधता से अवगत कराया गया है? रंग।
17. चित्र में रंग क्या भूमिका निभाता है (क्या यह चित्र और आयतन के अधीन है, या इसके विपरीत, क्या यह चित्र को अपने अधीन करता है और रचना को स्वयं बनाता है)।
18. क्या रंग सिर्फ मात्रा का रंग है या कुछ और? क्या यह वैकल्पिक रूप से वफादार या अभिव्यंजक है?
19. क्या तस्वीर में स्थानीय रंग या तानवाला रंग प्रमुख हैं?
20. क्या रंग के धब्बों की सीमाएँ अलग-अलग हैं? क्या वे आयतन और वस्तुओं की सीमाओं से मेल खाते हैं?
21. क्या कलाकार बड़े पैमाने पर रंग या छोटे स्मीयर के साथ काम करता है?
22. गर्म और ठंडे रंग कैसे लिखे जाते हैं, क्या कलाकार पूरक रंगों के संयोजन का उपयोग करता है? वह इसे क्यों कर रहा है? सबसे अधिक प्रकाशित और छायांकित स्थानों को कैसे स्थानांतरित किया जाता है?
23. क्या कोई चकाचौंध, सजगता है? छाया कैसे लिखी जाती है (बधिर या पारदर्शी, क्या वे रंगीन होते हैं)?
24. क्या किसी रंग या रंगों के संयोजन के उपयोग में लयबद्ध दोहराव को अलग करना संभव है, क्या किसी भी रंग के विकास का पता लगाना संभव है? क्या कोई प्रभावशाली रंग/रंग संयोजन है?
25. सचित्र सतह की बनावट कैसी है - चिकनी या चिपचिपी? क्या व्यक्तिगत स्ट्रोक अलग-अलग हैं? यदि हां, तो वे क्या हैं - छोटा या लंबा, तरल, मोटा या लगभग सूखा पेंट?

ग्राफिक कार्यों का विवरण और विश्लेषण

ग्राफिक्स की कलात्मक भाषा

ललित कला के रूप में ग्राफिक्स। ग्राफिक्स की कलात्मक अभिव्यक्ति का मुख्य साधन: रेखा, स्ट्रोक, स्पॉट, आदि। रैखिक और काले और सफेद ड्राइंग। उत्कीर्णन, उत्कीर्णन के प्रकार: जाइलोग्राफी, लिथोग्राफी, लिनोकट, नक़्क़ाशी, मोनोटाइप, एक्वाटिंट, आदि चित्रफलक ग्राफिक्स। पुस्तक ग्राफिक्स। पोस्टर कला, पोस्टर। एप्लाइड ग्राफिक्स।

ग्राफिक्स के कार्यों का विवरण

काम के बुनियादी मापदंडों का निर्धारण: लेखक, निर्माण की तारीख, शीट का आकार, प्रारूप, तकनीक।

ग्राफिक कार्यों का विश्लेषण

नमूना विश्लेषण योजना:

1. स्थानिक स्थिति की सामान्य परिभाषा, चित्रित स्थान की विशेषताएं। अंतरिक्ष - गहरा या नहीं, बंद या खुला, जिस योजना पर उच्चारण केंद्रित हैं। प्रमुख (इस कार्य के लिए सबसे आवश्यक) गहराई निर्माण और उनके उपयोग का साधन है। उदाहरण के लिए: रैखिक या हवाई परिप्रेक्ष्य की प्रकृति (यदि उपयोग किया जाता है)। चित्रित स्थान की विशेषताएं। अंतरिक्ष की अखंडता/विघटन। योजनाओं में विभाजन, ध्यान का वितरण (कुछ योजनाओं में से एक या धारणा की एकरूपता)। दृष्टिकोण। दर्शक और चित्रित स्थान की बातचीत (गहरी जगह की कोई छवि न होने पर भी यह आइटम आवश्यक है)।
2. स्थान, अनुपात, समतल और अंतरिक्ष में तत्वों के संबंध।

रचना के प्रकार का निर्धारण - यदि संभव हो तो। भविष्य में, एक स्पष्टीकरण: इस ग्राफिक कार्य में इस प्रकार की रचना वास्तव में कैसे सन्निहित है, इसके उपयोग की बारीकियां क्या हैं। स्वरूप विशेषताएँ (आनुपातिक आकार)। प्रारूप और संरचना का अनुपात: छवि और उसकी सीमाएँ। शीट के भीतर जनता का वितरण। रचना संबंधी उच्चारण और उसका स्थान; अन्य तत्वों के साथ इसका संबंध; प्रमुख दिशाएँ: गतिकी और स्टैटिक्स। स्थानिक संरचना, उच्चारण की नियुक्ति के साथ रचना के मुख्य तत्वों की बातचीत।

1. ग्राफिक तकनीक का विश्लेषण।
2. विश्लेषण का परिणाम रूप, उसके अभिव्यंजक गुणों और प्रभाव के निर्माण के सिद्धांतों की पहचान है। कार्य के औपचारिक और अभिव्यंजक गुणों के आधार पर, कोई इसके अर्थ (सामग्री, विचार) का प्रश्न उठा सकता है, अर्थात। इसकी व्याख्या करने के लिए आगे बढ़ें। उसी समय, कथानक को ध्यान में रखना आवश्यक है (इस कार्य में कथानक की व्याख्या कैसे की जाती है?), पात्रों के चित्रण की बारीकियां (साजिश चित्र और चित्र में - पोज़, हावभाव, चेहरे के भाव, टकटकी) , प्रतीकवाद (यदि कोई हो), आदि, लेकिन साथ ही समय प्रतिनिधित्व का साधन है और इसलिए चित्र का प्रभाव है। एक व्यापक कलात्मक संदर्भ (एक पूरे के रूप में लेखक का काम: युग की कला, स्कूल, आदि) के साथ, जिस प्रकार और शैली से संबंधित है, उसकी आवश्यकताओं के साथ काम की पहचान की गई व्यक्तिगत विशेषताओं को सहसंबंधित करना भी संभव है। . इससे, कला के इतिहास में काम के मूल्य और महत्व, इसके स्थान के बारे में एक निष्कर्ष निकाला जा सकता है।

कला और शिल्प और लोक कला के कार्यों का विवरण और विश्लेषण

कला और शिल्प और लोक कला के प्रकार

लकड़ी, धातु आदि पर चित्रकारी। कढ़ाई। कालीन बुनाई। आभूषण कला। लकड़ी की नक्काशी, हड्डियाँ। चीनी मिट्टी की चीज़ें। कलात्मक वार्निश, आदि।

सजावटी, अनुप्रयुक्त और लोक कला के स्मारकों का विवरण

सजावटी और अनुप्रयुक्त कला की तरह। सामग्री। इसके प्रसंस्करण की विशेषताएं। आयाम। नियुक्ति। रंग, बनावट की विशेषता। वस्तु के उपयोगितावादी और कलात्मक-सौंदर्य कार्यों के बीच सहसंबंध की डिग्री।

कला और शिल्प और लोक कला के स्मारकों का विश्लेषण

नमूना विश्लेषण योजना

1. यह आइटम किस लिए है?
2. इसके आयाम क्या हैं?
3. वस्तु की सजावट कैसे स्थित है? आलंकारिक और सजावटी सजावट के क्षेत्र कहाँ स्थित हैं? छवियों का स्थान वस्तु के आकार से कैसे संबंधित है?
4. किस प्रकार के आभूषणों का उपयोग किया जाता है? वे वस्तु के किन भागों पर स्थित हैं?
5. आलंकारिक चित्र कहाँ स्थित हैं? क्या वे सजावटी लोगों की तुलना में अधिक जगह लेते हैं, या वे सिर्फ सजावटी रजिस्टरों में से एक हैं?
6. आलंकारिक छवियों के साथ एक रजिस्टर कैसे बनाया जाता है? क्या यह कहना संभव है कि यहां मुफ्त रचना तकनीकों का उपयोग किया जाता है या जुड़ाव के सिद्धांत का उपयोग किया जाता है (समान मुद्रा में आंकड़े, न्यूनतम गति, एक दूसरे को दोहराएं)?
7. आंकड़े कैसे दर्शाए गए हैं? क्या वे मोबाइल, जमे हुए, शैलीबद्ध हैं?
8. आंकड़ों का विवरण कैसे स्थानांतरित किया जाता है? क्या वे अधिक प्राकृतिक या सजावटी दिखते हैं? आंकड़े स्थानांतरित करने के लिए किन तकनीकों का उपयोग किया जाता है?
9. हो सके तो वस्तु के अंदर देखो। क्या कोई छवि और आभूषण है? ऊपर दिए गए आरेख के अनुसार उनका वर्णन करें।
10. आभूषणों और आकृतियों के निर्माण में कौन से प्राथमिक और द्वितीयक रंगों का उपयोग किया जाता है? मिट्टी का स्वर ही क्या है? यह छवि के चरित्र को कैसे प्रभावित करता है - क्या यह इसे अधिक सजावटी या इसके विपरीत, अधिक प्राकृतिक बनाता है?

बोल:

किसी कार्य का विश्लेषण बुद्धि का एक जटिल कार्य है, जिसके लिए बहुत अधिक ज्ञान और कौशल की आवश्यकता होती है।

कई दृष्टिकोण, तकनीक, विश्लेषण के तरीके हैं, लेकिन वे सभी कई जटिल क्रियाओं में फिट होते हैं:

1. 1) काम के ताने-बाने में निहित जानकारी को डिकोड करना,
2. 2) कला के काम के निर्माण की प्रक्रिया और परिस्थितियों का एक विश्लेषणात्मक अध्ययन, इसकी समझ को गहरा और समृद्ध करने में मदद करता है,
3. 3) व्यक्तिगत और सामूहिक धारणा में काम की कलात्मक छवि की ऐतिहासिक गतिशीलता का अध्ययन।

पहले मामले में, काम के साथ अपने आप में एक मूल्य के रूप में काम होता है - एक "पाठ"; दूसरे में, हम संदर्भ में पाठ पर विचार करते हैं, कलात्मक छवि में बाहरी आवेगों के प्रभाव के निशान प्रकट करते हैं; तीसरे में, हम कलात्मक छवि में परिवर्तन का अध्ययन करते हैं, इस पर निर्भर करता है कि विभिन्न युगों में इसकी धारणा कैसे बदलती है।

कला का प्रत्येक कार्य, अपनी मौलिकता के आधार पर, अपने स्वयं के पथ, अपने तर्क, विश्लेषण के अपने तरीकों को निर्धारित करता है।

फिर भी, मैं कला के काम के साथ व्यावहारिक विश्लेषणात्मक कार्य के कुछ सामान्य सिद्धांतों पर आपका ध्यान आकर्षित करना चाहता हूं और कुछ सलाह देना चाहता हूं।

"यूरेका!" (विश्लेषण साज़िश)। पहली और सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि कला का काम ही बताता है कि कलात्मक छवि के अर्थ की गहराई में कोई किस तरह से प्रवेश कर सकता है। एक तरह का "हुक" होता है जो अचानक से एक सवाल से मन को जकड़ लेता है। इसके उत्तर की खोज - चाहे आंतरिक एकालाप में, कर्मचारियों या छात्रों के साथ संचार में - अक्सर अंतर्दृष्टि (यूरेका!) की ओर ले जाती है। इसलिए, इस तरह की बातचीत - आपको सीखना चाहिए कि उन्हें एक समूह के साथ कैसे संचालित किया जाए - को अनुमानी कहा जाता है। एक संग्रहालय या स्थापत्य वातावरण में विश्लेषणात्मक कार्य आमतौर पर ऐसे प्रश्नों से शुरू होता है - कलात्मक "पाठ" में अंतर्निहित जानकारी का "डिकोडिंग"।

प्रश्न पूछना अक्सर उत्तर खोजने से अधिक कठिन होता है।

- अलेक्जेंडर इवानोव के "नेकेड बॉय" का इतना दुखद चेहरा क्यों है?

- उसी इवानोव की पेंटिंग "द अपीयरेंस ऑफ द मसीहा" में एक लकवाग्रस्त व्यक्ति को उठाते हुए एक युवक की आकृति क्यों है, जो मसीह के कपड़े पहने हुए है?

— के.एस. की तस्वीर में आइकन केस खाली क्यों है? पेट्रोव-वोडकिन "मदर" 1915?

- क्यों पी.डी. पेंटिंग "मेजर मैचमेकिंग" के दूसरे संस्करण में फेडोटोव ने झूमर को हटा दिया - वह विवरण जिसे वह इतने लंबे समय से ढूंढ रहा था?

— श्री की मूर्तिकला में क्यों। शुबिन के संगमरमर से बने माखेलसन को एक चिकना चमक के लिए पॉलिश किया गया है, जबकि ज्यादातर मामलों में उनके चित्रों में चेहरों की "त्वचा" मैट लगती है?

ऐसे कई प्रश्न हैं जिन्हें याद किया जा सकता है, वे सभी प्रत्येक व्यक्ति में निहित एक अद्वितीय, व्यक्तिगत दृष्टि के प्रमाण हैं। मैं जानबूझ कर यहाँ उत्तर नहीं देता - उन्हें स्वयं खोजने का प्रयास करें।

कला के एक काम के साथ विश्लेषणात्मक कार्य में, आपको न केवल इसे नई आंखों से देखने की क्षमता, इसे सीधे देखने की क्षमता से, बल्कि अमूर्त करने की क्षमता, धारणा के कुछ क्षणों और रूप और सामग्री के तत्वों को अलग करने में भी मदद मिलेगी। .

अगर हम प्लास्टिक कला के बारे में बात कर रहे हैं, तो ये रचना, आरेख, विश्लेषणात्मक रेखाचित्र, रंगीन "लेआउट", स्थानिक निर्माण का विश्लेषण, सहायक उपकरण का "खेल" आदि हैं। इन सभी और अन्य साधनों का उपयोग काम में किया जा सकता है। लेकिन एक बात याद रखनी चाहिए: कोई भी विश्लेषणात्मक तकनीक, सबसे पहले, रूप के तत्वों की व्याख्या करने, उन्हें समझने का एक तरीका है। मापें, लेआउट करें, आरेख बनाएं, लेकिन इन आरेखों के लिए स्वयं नहीं, बल्कि उनके अर्थ को समझने के लिए, क्योंकि वास्तव में कलात्मक छवि में कोई "खाली" नहीं होती है - सामग्री स्वयं, और आकार, और बनावट तक प्रारूप, यानी वस्तु कला की सतह अर्थ से भरी है। दूसरे शब्दों में, यह कला की भाषा के बारे में है।

उनकी मौलिकता, विशिष्टता के बावजूद, कला के काम खुद को टाइपोलॉजी के लिए उधार देते हैं, उन्हें निश्चित रूप से, मुख्य रूप से कला के प्रकार के आधार पर वर्गीकृत किया जा सकता है।

कला सिद्धांत और सौंदर्यशास्त्र पर पाठ्यक्रमों में टाइपोलॉजी की समस्या आपके लिए अध्ययन का विषय होगी, और पाठ्यक्रम की शुरुआत में हम इसके उन पहलुओं पर ध्यान देना चाहेंगे जो विश्लेषण में महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं, विशेष रूप से कला की व्याख्या। इसके अलावा, हमें मौलिक अवधारणाओं के अर्थ को निर्धारित करने का अवसर मिलता है (इस काम का महत्व ऊपर बताया गया था)।

इसलिए, कला का एक काम एक प्रकार से संबंधित हो सकता है, जिन्हें विभाजित किया गया है: एकल-घटक (मोनोस्ट्रक्चरल), सिंथेटिक और तकनीकी।

• एक घटक - पेंटिंग, ग्राफिक्स, मूर्तिकला, वास्तुकला, साहित्य, संगीत, कला और शिल्प।
• सिंथेटिक - नाट्य और शानदार कला।
• तकनीकी - फिल्म, टेलीविजन, कंप्यूटर ग्राफिक्स।

एक-घटक कलाओं को, बदले में, विभाजित किया गया है:

• स्थानिक (वास्तुकला, पेंटिंग, ग्राफिक्स, कला और शिल्प)
• अस्थायी (साहित्य, संगीत),

साथ ही सचित्र (पेंटिंग, ग्राफिक्स, मूर्तिकला) और गैर-सचित्र (वास्तुकला, कला और शिल्प, साहित्य, संगीत)।

चूंकि कलाओं के वर्गीकरण में अलग-अलग दृष्टिकोण हैं, और चूंकि ये सभी परिभाषाएं निरपेक्ष नहीं हैं, लेकिन सापेक्ष हैं, हम उन्हें निर्धारित करेंगे, और सबसे पहले हम - बहुत संक्षेप में - अंतरिक्ष और समय की समस्या पर ध्यान देंगे। कला, क्योंकि यह उतनी सरल नहीं है जितनी पहली नज़र में लग सकती है, और काम के विश्लेषण में बहुत महत्वपूर्ण है।

सबसे पहले, हम ध्यान दें कि कला का स्थानिक और लौकिक में विभाजन बहुत ही मनमाना है और यह काम के अस्तित्व की विशेषताओं पर आधारित है: स्थानिक कला के भौतिक वाहक वास्तव में उद्देश्यपूर्ण हैं, अंतरिक्ष में एक स्थान पर कब्जा करते हैं, और केवल बढ़ते हैं पुराने और समय में पतन। लेकिन आखिरकार, संगीत और साहित्यिक कार्यों के भौतिक वाहक भी अंतरिक्ष (नोट्स, रिकॉर्ड, कैसेट, और अंत में, कलाकार और उनके वाद्ययंत्र; पांडुलिपियां, किताबें, पत्रिकाएं) में एक स्थान पर कब्जा कर लेते हैं। यदि हम कलात्मक छवियों के बारे में बात करते हैं, तो वे एक निश्चित आध्यात्मिक स्थान पर "कब्जा" करते हैं और सभी कलाओं में समय के साथ विकसित होते हैं।

इसलिए, हम इन श्रेणियों के अस्तित्व को वर्गीकरण के रूप में नोट करने के बाद, विश्लेषणात्मक दृष्टिकोण से उनके बारे में बात करने का प्रयास करेंगे, हमारे लिए - इस मामले में - अधिक महत्वपूर्ण।

हमने ऊपर उल्लेख किया है कि भौतिक-आदर्श घटना के रूप में कला का कोई भी कार्य अंतरिक्ष और समय में मौजूद होता है, और इसका भौतिक आधार किसी तरह मुख्य रूप से अंतरिक्ष से जुड़ा होता है, और आदर्श समय के साथ।

हालांकि, कला का एक काम अन्य पहलुओं में भी अंतरिक्ष से संबंधित है। किसी व्यक्ति द्वारा प्राकृतिक स्थान और उसके अनुभव का कलात्मक छवि पर बहुत प्रभाव पड़ता है, उदाहरण के लिए, स्थानिक निर्माण की विभिन्न प्रणालियों के लिए पेंटिंग और ग्राफिक्स में, वास्तुकला में स्थानिक समस्याओं को हल करने की विशेषताओं का निर्धारण, साहित्य में अंतरिक्ष की छवि। . सभी कलाओं में, "किसी चीज़ का स्थान", "व्यक्ति का स्थान", "समाज का स्थान", प्राकृतिक - सांसारिक और ब्रह्मांडीय - अंतरिक्ष, और अंत में, उच्चतम आध्यात्मिक वास्तविकता का स्थान - निरपेक्ष, भगवान, अलग हैं।

कलात्मक सोच की प्रणाली के बाद दुनिया की दृष्टि बदल रही है; पुरानी व्यवस्था से नई प्रणाली की ओर यह आंदोलन अंतरिक्ष की अवधारणा में बदलाव से चिह्नित है। इस प्रकार, उच्चतम आध्यात्मिक वास्तविकता से ध्यान के केंद्र का स्थानांतरण - 17 वीं शताब्दी में भगवान, स्वर्गीय दुनिया 17 वीं शताब्दी की रूसी कला में एक व्यक्ति के लिए कलाकार के क्षितिज, और रिवर्स परिप्रेक्ष्य की अनंतता को सीमित करने के लिए लग रहा था। प्रत्यक्ष की सीमा द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था।

समय भी गतिशील और बहुआयामी है।

यह भौतिक वाहक का वास्तविक समय है, जब नोट पीले हो जाते हैं, फिल्में विचुंबकित हो जाती हैं, तेल से सना हुआ बोर्ड काला हो जाता है, और कलात्मक छवि का समय, अंतहीन रूप से विकसित, व्यावहारिक रूप से अमर हो जाता है। यह भी एक भ्रामक समय है जो कलात्मक छवि के अंदर मौजूद है, वह समय जिसमें चित्रित वस्तु और व्यक्ति, समाज, मानवता पूरी तरह से रहते हैं। यह काम के निर्माण का समय है, ऐतिहासिक युग और जीवन की अवधि, और अंत में, लेखक की उम्र, यह समय कार्रवाई की लंबाई और "विराम" का समय है - चित्रित एपिसोड के बीच टूट जाता है। अंत में, यह धारणा के लिए तैयारी का समय है, काम के संपर्क में धारणा, कथित कलात्मक छवि का अनुभव और समझ।

प्रत्येक कला में, स्थान और समय को अलग तरह से प्रदर्शित किया जाता है, और इसकी चर्चा निम्नलिखित अध्यायों में की जाती है, जिनमें से प्रत्येक कलात्मक छवि की अंतर्निहित संरचना के साथ एक विशेष प्रकार की कला के लिए समर्पित है।

यह कोई संयोग नहीं है कि मैंने "प्रदर्शित" लिखा और "चित्रित" नहीं किया, क्योंकि हमें इन अवधारणाओं को भी अलग करने की आवश्यकता है।

प्रदर्शित करने का अर्थ है वास्तविकता की घटना के लिए एक आलंकारिक समकक्ष खोजना, इसे एक कलात्मक छवि के कपड़े में बुनना, चित्रित करना - एक दृश्य - दृश्य, मौखिक - मौखिक या ध्वनि - किसी चीज़ का श्रवण एनालॉग बनाना। कलाओं को, जैसा कि ऊपर बताया गया है, चित्रात्मक और गैर-चित्रात्मक में विभाजित किया गया है, इसलिए नहीं कि संगीत में चित्रित करना असंभव है, उदाहरण के लिए, ट्रेन का शोर या मुर्गे का रोना (या यहां तक ​​कि एक पूरे पोल्ट्री यार्ड), लेकिन में साहित्य में लगभग किसी भी दृश्य या श्रव्य वस्तु का वर्णन करना असंभव है। यह संगीत और साहित्य दोनों में संभव है: पहले मामले में, हम ओनोमेटोपोइया के साथ काम कर रहे हैं, दूसरे में, विवरण के साथ। इसके अलावा, एक प्रतिभाशाली लेखक, जिसने पेंटिंग, मूर्तिकला, संगीत के काम के साथ गहरा अनुभव किया है, ऐसे शब्द पा सकते हैं कि उनका विवरण ठीक या संगीत कला के काम का एक पूर्ण और अत्यधिक कलात्मक मौखिक (मौखिक) एनालॉग बन जाएगा। .

स्थापत्य कार्य (उनके भागों का उल्लेख नहीं करना: मिस्र के मंदिरों, छाल, अटलांटिस, राहत और अन्य सजावटी मूर्तिकला तत्वों के कमल के आकार के स्तंभ) भी चित्र हो सकते हैं: उदाहरण के लिए, 1930 के दशक में सोवियत संघ में घरों का निर्माण करना फैशनेबल था। कारों या अन्य वस्तुओं का रूप। लेनिनग्राद में, एक स्कूल को हथौड़े और दरांती के आकार में भी बनाया गया था, हालाँकि इसे केवल एक पक्षी की नज़र से देखा जा सकता है। और गैर-ललित कला और शिल्प में पक्षियों, मछलियों, मानव आकृतियों आदि के रूप में विभिन्न पोत!

इसके विपरीत, ललित कला के काम अक्सर अमूर्त पेंटिंग और मूर्तिकला की तरह "कुछ भी नहीं दर्शाते"।

तो यह वर्गीकरण विशेषता सापेक्ष हो जाती है। और फिर भी यह मौजूद है: नेत्रहीन, अर्थात्, नेत्रहीन "ललित कला" हैं, जो दुनिया की घटनाओं की छवि पर आधारित हैं, और गैर-सचित्र, मौखिक और संगीतमय हैं।

कला हमेशा सशर्त होती है और जीवन जीने की इस या उस घटना की पूर्ण समानता नहीं बना सकती (उल्लेख नहीं करना चाहिए कि इसे नहीं करना चाहिए)। कलाकार मौजूदा वास्तविकता की नकल नहीं करता है, वह दुनिया या उसके तत्वों के कलात्मक और आलंकारिक मॉडल बनाता है, उन्हें सरल और रूपांतरित करता है। यहां तक ​​​​कि पेंटिंग, कला का सबसे "भ्रम", जो बहुरंगी दुनिया की सभी समृद्धि को कैनवास पर पकड़ने और संदेश देने में सक्षम प्रतीत होता है, में नस्ल की नकल करने की बेहद सीमित क्षमता है।

मैं वास्तव में सीएस से प्यार करता हूं। पेट्रोव-वोडकिन। उनकी एक प्रदर्शनी में, उनकी "अवर लेडी - टेंडरनेस ऑफ एविल हार्ट्स" - शुद्ध लाल, नीले और सोने की चमक - को खिड़की के बगल की दीवार पर रूसी संग्रहालय के हॉल में रखा गया था।

कई सालों तक, चित्र स्टोररूम में छिपा हुआ था, और अब जब यह हॉल में था, तो कोई भी बैठ सकता था और इसे देख सकता था, ऐसा लगता था, एड इनफिनिटम। पृष्ठभूमि एक ब्रह्मांडीय रूप से गहरी, स्वर्ग की गहराइयों की शुद्ध प्रकाश, छायांकन, लाल रंग के मेफोरियम के साथ, भगवान की माँ के सुंदर नम्र चेहरे के साथ चमकती है ...

मैं बहुत देर तक बैठा रहा, बाहर अंधेरा हो गया, सर्दियों की शाम खिड़की में चमक उठी - और मेरे लिए क्या झटका था मामूली सर्दियों के सेंट माचिस की शांत चमक। तभी मुझे यह पता लगाने का मौका नहीं मिला, बल्कि यह देखने और महसूस करने का मौका मिला कि जीवन की नकल में कला की संभावनाएं वास्तव में कैसे सीमित हैं, अगर हम इसे एक भोले दर्शक के पसंदीदा मानदंड के आधार पर आंकें: छवि समान है या नहीं मूल को। और जीवन की घटनाओं को यथासंभव समान रूप से पुन: पेश करना उसकी पूरी ताकत नहीं है, जितना संभव हो सके।

एक कलात्मक छवि केवल जीवन की पुनरावृत्ति नहीं है, और इसकी सत्यता, मौखिक या दृश्य, किसी भी तरह से मुख्य गुण नहीं है। कला दुनिया में महारत हासिल करने के तरीकों में से एक है: इसका ज्ञान, मूल्यांकन, मनुष्य द्वारा परिवर्तन। और हर बार कलात्मक छवि में - विभिन्न प्रकार की कलाओं में और विभिन्न कलात्मक प्रणालियों में - घटना (किसी व्यक्ति की भावनाओं से क्या माना जाता है) और सार (घटना का सार) इसके आवश्यक गुणों की समग्रता) सहसंबद्ध हैं, यह प्रदर्शित करने के लिए कि किस कला को मान्यता दी गई है।

कलात्मक सोच की प्रत्येक प्रणाली सार को पहचानने की अपनी विधि बनाती है - रचनात्मक विधि। स्कूल में, आप पहले से ही इस तरह के विशिष्ट यूरोपीय रचनात्मक तरीकों से परिचित हो गए हैं जैसे कि बारोक, क्लासिकिज्म, भावुकता, रोमांटिकवाद, यथार्थवाद, प्रतीकवाद, आधुनिकतावाद, समाजवादी यथार्थवाद, अतियथार्थवाद, आदि। बेशक, आपको याद है कि प्रत्येक विधि समझ के नाम पर बनाई गई थी। , प्रशंसा, मनुष्य और पूरी दुनिया का परिवर्तन और उनके व्यक्तिगत गुण। याद रखें कि किसी व्यक्ति के बारे में ज्ञान लगातार "एकत्र" कैसे होता है: बारोक अध्ययन करता है और किसी व्यक्ति की तूफानी, बेलगाम भावनाओं की दुनिया को प्रदर्शित करता है; क्लासिकिज्म - इसका सर्व-मापने वाला संतुलित दिमाग; भावुकता मानव निजता के अधिकार और उदात्त, लेकिन विशुद्ध रूप से व्यक्तिगत भावनाओं की पुष्टि करती है; रूमानियत - "अच्छे या बुरे के लिए" व्यक्ति के मुक्त विकास की सुंदरता, दुनिया के "घातक मिनटों" में इसकी अभिव्यक्तियाँ; यथार्थवाद किसी व्यक्ति के गठन और जीवन की सामाजिक नींव को दर्शाता है; प्रतीकवाद फिर से मानव आत्मा की रहस्यमय गहराई में भाग जाता है, और अतियथार्थवाद अवचेतन, आदि की गहराई में घुसने की कोशिश करता है। इसलिए इन रचनात्मक प्रणालियों में से प्रत्येक की छवि का अपना विषय है, एक ही वस्तु में अलग - एक व्यक्ति। और उनके कार्य: आदर्श की पुष्टि, अध्ययन, प्रदर्शन, आदि।

इसके अनुसार, किसी वस्तु को बदलने के लिए एक विधि भी विकसित की जाती है, जिससे उसकी वास्तविक सामग्री को प्रकट करना संभव हो जाता है: यह किसी वस्तु का आदर्शीकरण है - परिवर्तन, "अपरिपूर्ण वास्तविकता से उसकी अपूर्णता" की कलात्मक मुक्ति, इसकी तुलना करना एक आदर्श (संक्षिप्त दार्शनिक विश्वकोश। एम।, 1994) बारोक, क्लासिकिज्म, रोमांटिकवाद जैसी विधियों में, जो आपस में भिन्न हैं कि आदर्श को अलग तरह से समझा जाता है; यह यथार्थवाद की एक विशिष्ट विशेषता है, और एक प्रतीक है जिसे मानव जाति ने दुनिया के कलात्मक विकास के विभिन्न चरणों में इस्तेमाल किया है।

सामान्यीकरण के बहुत उच्च स्तर पर कला के विकास के इतिहास को देखते हुए, हम कह सकते हैं कि यह दुनिया के कलात्मक-आलंकारिक मॉडलिंग के दो ध्रुवों के बीच विकसित होता है: इसे बनाने की इच्छा से लेकर, के भ्रम तक। अंतिम सामान्यीकरण के लिए एक प्रशंसनीय प्रजनन। इन दो विधियों को मस्तिष्क के दो गोलार्द्धों के काम के साथ सहसंबद्ध किया जा सकता है: बाएं विश्लेषणात्मक, अपने ज्ञान के नाम पर घटना को भागों में विभाजित करना, और सही - सामान्यीकरण, कल्पनाशील, अभिन्न छवियों का निर्माण (जरूरी नहीं कि कलात्मक) एक ही उद्देश्य।

पृथ्वी पर, एक गोलार्ध के विकास में ध्यान देने योग्य लाभ वाले लोगों के प्रभुत्व वाले क्षेत्र हैं। आप निश्चित रूप से, बहुत सशर्त रूप से कह सकते हैं कि "पूर्व", "पूर्व का आदमी" की अवधारणाएं सही-गोलार्ध - कल्पनाशील (आलंकारिक) सोच से जुड़ी हैं, जबकि "पश्चिम", "पश्चिम का आदमी" के साथ वाम-गोलार्ध, विश्लेषणात्मक, वैज्ञानिक।

और यहाँ हम एक दृश्य विरोधाभास का सामना कर रहे हैं।

स्मरण करो: बायां गोलार्द्ध अमूर्त-तार्किक, मौखिक, विश्लेषणात्मक सोच की देखरेख करता है; सही - ठोस, आलंकारिक, गैर-मौखिक, सामान्यीकरण।

पहली नज़र में, यह निर्धारित करना आसान है कि क्या अधिक विशिष्ट है: एक चित्र जो एक निश्चित व्यक्ति की उपस्थिति और चरित्र को बताता है, या कहें, ट्रैफिक लाइट पर एक छोटा आदमी - एक व्यक्ति का एक अत्यंत सामान्यीकृत पदनाम, का एक गुच्छा एक डच अभी भी जीवन में चित्रित अंगूर, या एक प्राच्य आभूषण में एक अंतहीन बेल, जिसमें कई सशर्त शामिल हैं, पत्तियों और समूहों के सजावटी तत्वों के स्तर पर लाए गए हैं।

उत्तर स्पष्ट है: नकली छवियां - एक चित्र, एक स्थिर जीवन - ठोस हैं, सजावटी सामान्यीकरण अधिक सारगर्भित हैं। पहले मामले में, "यह व्यक्ति", "यह गुच्छा" की अवधारणाएं आवश्यक हैं, दूसरे में, "आदमी", "गुच्छा" पर्याप्त हैं।

यह समझना कुछ अधिक कठिन है कि चित्र और स्थिर जीवन, कलात्मक चित्र होने के कारण, एक ही समय में अधिक विश्लेषणात्मक हैं - आभूषण के तत्वों की तुलना में "बाएं-गोलार्ध"। वास्तव में, कल्पना करें कि चित्र का वर्णन करने के लिए कितने शब्दों की आवश्यकता होगी - इस छवि का मौखिक "अनुवाद" काफी लंबा और कम या ज्यादा उबाऊ होगा, जबकि आभूषण में बेल को कम से कम तीन शब्दों द्वारा परिभाषित किया गया है: चढ़ाई की बेल आभूषण। लेकिन, प्रकृति से एक बेल को स्केच करने के बाद, आभूषण के लेखक ने इस छवि को एक से अधिक बार दोहराया, अंतिम सामान्यीकरण प्राप्त किया, जो एक प्रतीक के स्तर तक पहुंचने की अनुमति देता है जिसमें एक नहीं, बल्कि कई अर्थ होते हैं।

यदि आप एक दृश्य छवि बनाने के पश्चिमी विश्लेषणात्मक (नकल, अनुकरणीय) और पूर्वी सामान्यीकृत (सजावटी) तरीकों के बारे में अधिक जानना चाहते हैं, तो एल.ए. द्वारा उत्कृष्ट पुस्तक पढ़ें। लेलेकोव "प्राचीन रूस और पूर्व की कला" (एम।, 1978)। कलात्मक-आलंकारिक सोच की दो प्रणालियों पर चर्चा करते हुए, लेखक ने बयानों की दो श्रृंखलाओं का विरोध किया है।

पहला सुकरात का है: "पेंटिंग हम जो देखते हैं उसकी छवि है।"

दूसरा बुद्ध के लिए है: "कलाकार ने एक ऐसा चित्र बनाने के लिए रंगों को तैयार किया है जिसे रंग में नहीं देखा जा सकता है।"

दो कुशल चित्रकारों की प्रतियोगिता के बारे में प्राचीन किंवदंती - ज़्यूक्सिस और पारहियस - बताती है कि कैसे उनमें से एक ने एक बेल की शाखा को चित्रित किया और कैसे पक्षियों ने इस चित्र पर चित्रित जामुन को चोंच मारने के लिए झुंड लिया - इतना महान था कि जीवन को भरने का भ्रम। दूसरे ने अपने सहयोगी की आंख को धोखा दिया, कैनवास पर उस पर्दे का चित्रण किया जिसके साथ चित्र को कथित तौर पर कवर किया गया था, ऐसी कला के साथ कि उसने उसे जल्दी से वापस खींचने के लिए कहा। एक भ्रम पैदा करना - दृश्य की नकल - प्रत्येक प्रतिद्वंद्वियों के लिए सर्वोच्च लक्ष्य था।

बुद्ध एक पूरी तरह से अलग लक्ष्य की बात करते हैं: रंगों से चित्रित एक दृश्य छवि केवल उस छवि का वाहक है जो किसी व्यक्ति की आत्मा में पैदा होती है। दमिश्क के ईसाई दार्शनिक जॉन ने बुद्ध को प्रतिध्वनित किया: "हर छवि एक रहस्योद्घाटन और छिपे हुए का संकेत है।"

वास्तव में, आइकोस्टेसिस के स्तंभों को सुशोभित करने वाली बेल जीवन और उर्वरता का प्रतीक है, ईडन गार्डन (क्राइस्ट गार्डन), अनंत काल का प्रतीक है।

यहां बताया गया है कि कैसे एल.ए. एक अन्य आभूषण के बारे में लेलेकोव: बारी-बारी से फल और फूल की इंटरविविंग, जो कि ओरिएंटल आभूषणों में बहुत आम है, "कारण और प्रभाव की एकता और अस्तित्व की अनंत काल की अवधारणा, सृजन का विषय और जीवन के निरंतर नवीनीकरण को दर्शाता है। अतीत और भविष्य का संबंध, विरोधों का टकराव ”(इबिड। एस। 39)।

लेकिन जिस तरह स्पष्ट "बाएं-गोलार्ध" वैज्ञानिकों और "दाएं-गोलार्ध" कलाकारों के अपेक्षाकृत कुछ समूहों के बीच, संक्रमणकालीन प्रकारों की एक प्रमुख संख्या है, इसलिए प्रकृतिवादी एक के बीच, जो अपने आप में मूल्यवान है और अपने आप में मूल्यवान नहीं है। छिपे हुए अर्थ, उपस्थिति की एक भ्रामक छवि (घटना) और शुद्ध आभूषण जिसमें कई अर्थ होते हैं, एक मिश्रित प्रकार की छवियों द्वारा कब्जा कर लिया गया एक विशाल स्थान है - हमने उनके बारे में ऊपर बात की थी।

शायद उनमें से सबसे सामंजस्यपूर्ण यथार्थवादी छवि है, जब कलाकार दृश्य के प्रतीक के लिए घटना के सार को मूर्त रूप देने का प्रयास करता है। हाँ, अल. इवानोव ने प्लीइन एयर के नियमों की खोज की और किसी व्यक्ति के आंतरिक गुणों और गुणों को उसके बाहरी रूप में शामिल करने के लिए एक विधि विकसित की, अपनी रचनाओं को एक गहरे प्रतीकात्मक अर्थ से भर दिया।

20 वीं शताब्दी के अमूर्त कलाकार, अपने चित्रों को विघटित करते हुए, वितरित करते हुए, कैनवास पर एक "दूसरा", भ्रामक वास्तविकता बनाने से इनकार करते हुए, मानव अतिचेतना के क्षेत्र में बदल गए, छवि को उसकी मौलिकता में, मानव की गहराई में पकड़ने की कोशिश की आत्मा, या, इसके विपरीत, इसका निर्माण किया।

इसलिए, विश्लेषण में, पहले प्रश्न की साज़िश के बाद, आपको यह सोचना होगा कि काम की कलात्मक छवि, छवि का विषय, विधि और साधन का "स्पेस-टाइम सातत्य" क्या है। वस्तु को रूपांतरित करना। और आपके सामने एक और महत्वपूर्ण प्रश्न उठता है: मौलिक रचना और संबंध क्या हैं - कलात्मक छवि की संरचना।

किसी कार्य की कलात्मक छवि अखंडता है, और किसी भी अखंडता की तरह, इसे तत्वों से युक्त प्रणाली के रूप में वर्णित किया जा सकता है (जिनमें से प्रत्येक, बदले में, अभिन्न भी है और एक प्रणाली के रूप में प्रतिनिधित्व किया जा सकता है) और उनके अंतर्संबंध। संरचितता और पर्याप्त संख्या में तत्व समग्र रूप से कलात्मक छवि के कामकाज को सुनिश्चित करते हैं, जैसे कि आवश्यक भागों की उपस्थिति और उनकी सही विधानसभा - कनेक्शन, संरचना, अलार्म घड़ी की प्रगति और समय पर बजना सुनिश्चित करती है।

कलात्मक छवि के तत्वों के रूप में क्या निर्दिष्ट किया जा सकता है? कविता, सद्भाव, रंग, मात्रा, आदि? ये रूप तत्व हैं। छवि, वस्तु, सार, घटना का विषय? ये सामग्री तत्व हैं। तार्किक रूप से, यह स्पष्ट रूप से पहचाना जाना चाहिए कि किसी कार्य की कलात्मक छवि के तत्व भी छवियां हैं: पेट्रोग्लिफ्स में सबसे सरल प्रतिष्ठित छवि से लेकर मनोवैज्ञानिक चित्र तक पूरी श्रृंखला में एक व्यक्ति; मानव निर्मित वस्तुओं की एक असंख्य विविधता में भौतिक वस्तु दुनिया, जिसकी समग्रता को अक्सर सभ्यता या "दूसरी प्रकृति" कहा जाता है; सामाजिक संबंध, परिवार से सार्वभौमिक तक; प्रकृति अपनी सभी अभिव्यक्तियों और रूपों में चमत्कारी है: जानवरों की चेतन दुनिया, निर्जीव दुनिया - निकट, ग्रह और ब्रह्मांडीय; अंत में, वह उच्च आध्यात्मिक व्यवस्था, जो सभी कलात्मक प्रणालियों में मौजूद है और जिसे विभिन्न युगों के संतों द्वारा अलग-अलग कहा जाता है: उच्च मन, निरपेक्ष, ईश्वर।

इन छवियों में से प्रत्येक को अलग-अलग कलाओं में अलग-अलग तरीकों से महसूस किया जाता है और इसमें एक अतिविशिष्ट, सामान्य चरित्र होता है।

कला के एक काम के भीतर संक्षिप्तता प्राप्त करना, इस तरह की छवि को एक अधिक जटिल संपूर्ण प्रणाली में एक घटक के रूप में शामिल किया जा सकता है (उदाहरण के लिए, प्रकृति की छवियां तुर्गनेव के उपन्यासों में, रिमस्की-कोर्साकोव के ओपेरा में और रेपिन के चित्रों में एक महत्वपूर्ण स्थान रखती हैं। ) छवियों में से एक केंद्रीय स्थान ले सकता है, बाकी को अधीनस्थ कर सकता है (जैसे ललित कला की मोनोस्ट्रक्चरल शैलियां - चित्र, परिदृश्य, आदि), या यह कला के कार्यों की एक विस्तृत परत बना सकती है - श्रृंखला से एक के काम में मास्टर (उदाहरण के लिए, "पेट्रिडा" इन .ए। सेरोवा) मैं सोवियत कला में "लेनिनियाना" जैसी विशाल संरचनाओं के लिए।

इसलिए किसी कार्य के विश्लेषण की प्रक्रिया में, आलंकारिक तत्वों को प्रतिष्ठित किया जा सकता है और उनके बीच संबंध स्थापित किए जा सकते हैं। अक्सर ऐसा काम लेखक के इरादे को और अधिक गहराई से समझने में मदद करता है, और कलात्मक छवि को बेहतर ढंग से समझने और व्याख्या करने के लिए, काम के साथ संवाद करने में अनुभव की गई भावनाओं से अवगत होने में मदद करता है।

इस लघु खंड को संक्षेप में प्रस्तुत करना "पाठ" की आत्मनिर्भर अखंडता के रूप में कला के काम का विश्लेषणआइए सबसे महत्वपूर्ण पर प्रकाश डालें:

1. 1) विश्लेषण कला के काम के साथ काम करने की प्रणाली में शामिल कार्यों में से केवल एक है। विश्लेषणात्मक कार्य की प्रक्रिया में आपको जिन सबसे महत्वपूर्ण प्रश्नों का उत्तर देना चाहिए, उनमें से एक यह है: कैसे, किस तरह और किस माध्यम से कलाकार ठीक उसी प्रभाव को प्राप्त करने में सक्षम था जिसे आपने पूर्व-विश्लेषणात्मक संचार में अनुभव किया और महसूस किया। कलात्मक छवि?
2. 2) पूरे को भागों में विभाजित करने के एक ऑपरेशन के रूप में विश्लेषण (हालांकि संश्लेषण के तत्वों को शामिल करना) अपने आप में एक अंत नहीं है, बल्कि कलात्मक छवि के शब्दार्थ मूल में गहरी पैठ का एक तरीका है;
3. 3) कला का प्रत्येक कार्य अद्वितीय, अनुपयोगी है, इसलिए यह व्यवस्थित रूप से सही है - और शिक्षक के लिए यह बहुत महत्वपूर्ण है - "विश्लेषण की साज़िश" को खोजने के लिए - मुख्य प्रश्न जो विशेष रूप से सामूहिक कार्य, एक श्रृंखला में शामिल होगा, या बल्कि, प्रश्नों की एक प्रणाली, जिसके उत्तर और विश्लेषण की एक समग्र तस्वीर तैयार करेंगे;
4. 4) कला का प्रत्येक कार्य दुनिया का एक कलात्मक-आलंकारिक मॉडल है, जो वास्तविक पहलुओं, भागों, पहलुओं को दर्शाता है
   दुनिया और उसके मुख्य तत्व: मनुष्य, समाज, सभ्यता, प्रकृति, ईश्वर। होने के ये पहलू, भाग, पहलू एक सार्थक आधार बनाते हैं - छवि का विषय, जो एक ओर, पहले से ही वस्तुनिष्ठ वास्तविकता है, क्योंकि यह इसका केवल एक हिस्सा है, और दूसरी ओर, यह शुरू में अधिक समृद्ध है, क्योंकि यह लेखक के दृष्टिकोण को धारण करता है, रचनात्मक प्रक्रिया में समृद्ध होता है, दुनिया के बारे में ज्ञान को वस्तुगत रूप में, कला के काम में वृद्धि देता है, और अंत में, यह रचनात्मकता की प्रक्रिया में साकार होता है। विश्लेषणात्मक कार्य में, आपको प्रश्नों का उत्तर देना होगा: इस कार्य में छवि का उद्देश्य क्या है? छवि का विषय क्या है? काम की कलात्मक छवि को आत्मसात करके हम दुनिया के बारे में क्या नई चीजें सीखते हैं?
5. 5) कला का प्रत्येक कार्य कला के प्रकारों में से एक है, जिसके अनुसार छवि के विषय को बदलने की विधि, कलात्मक छवि का निर्माण, कला की विशिष्ट भाषा बनती है।
6. 6) एक संपूर्ण के रूप में कला और भौतिक दुनिया की एक घटना के रूप में एक अलग काम अंतरिक्ष और समय में मौजूद है। प्रत्येक युग, प्रत्येक सौंदर्य प्रणाली इन वास्तविकताओं और अपने लक्ष्यों की अपनी समझ के अनुसार समय और स्थान की अपनी कलात्मक अवधारणा विकसित करती है। इसलिए, कार्य में स्थान और समय के अवतार की विशेषताओं का विश्लेषण एक आवश्यक विश्लेषणात्मक ऑपरेशन है;
7. 7) दुनिया का एक कलात्मक-आलंकारिक मॉडल सचित्र (दृश्य) या गैर-सचित्र (श्रवण, मौखिक या दृश्य-रचनात्मक) हो सकता है। जीवन की नकल (यहां तक ​​कि एक भ्रम पैदा करने की कोशिश करने की हद तक- "धोखाधड़ी") या, इसके विपरीत, सभी मध्यवर्ती रूपों की तरह, एक छवि का पूर्ण "डी-ऑब्जेक्टिफिकेशन", अपने आप में एक अंत नहीं है, यह हमेशा सार्थक होता है, लक्ष्य-निर्धारण के अवतार के रूप में कार्य करता है, विश्लेषण में प्रकट होता है। उसी समय, घटना और सार के बीच एक संबंध स्थापित होता है, जिसकी समझ और विकास अंततः कला के मुख्य कार्यों में से एक है। इसलिए विश्लेषण की प्रक्रिया में, यह समझना आवश्यक है कि कौन सी घटना कलात्मक छवि (छवि वस्तु) को रेखांकित करती है, वस्तु के कौन से गुण, गुण, पहलू कलाकार (छवि वस्तु) के लिए रुचि रखते थे, कैसे, किस तरह से वस्तु बदल दिया गया था और संरचना क्या है - मौलिक रचना और संरचना - परिणामी कलात्मक छवि। इन सवालों के जवाब से, कोई भी कला के काम के अर्थ को अच्छी तरह से समझ सकता है, वह क्या है जो एक कलात्मक छवि के ताने-बाने से चमकता है।

इससे पहले कि मैं विश्लेषण और कला के काम के साथ काम करने में इसके स्थान के बारे में बात करूँ, मैं आपको दो सलाह देता हूँ।

पहला विश्लेषण के अर्थ की चिंता करता है। भले ही कला का यह या वह काम आपके लिए करीब या आंतरिक रूप से विदेशी हो, विश्लेषण - व्याख्या आपको लेखक को समझने में मदद करेगी, और काम के बारे में बातचीत में, अपने मूल्यांकन को सही ठहराएगी। कला के संबंध में, "पसंद - नापसंद" को अन्य योगों के साथ बदलना बेहतर है:

"मैं समझता हूं और स्वीकार करता हूं" या "मैं समझता हूं, लेकिन मैं स्वीकार नहीं करता!" और साथ ही अपनी राय को सही ठहराने के लिए हमेशा तैयार रहें।

दूसरी युक्ति आपके लिए विशेष रूप से उपयोगी होगी यदि आपको समकालीन कला प्रदर्शनी में काम करना है या किसी कलाकार के स्टूडियो में जाना है।

किसी भी सामान्य व्यक्ति के लिए, लेखक की उपस्थिति एक निवारक है, इसलिए एक समकालीन कला प्रदर्शनी में हमेशा ऐसे काम करें जैसे कि लेखक आपके बगल में खड़ा हो - यह एक बहुत ही वास्तविक अवसर है।

लेकिन मुख्य बात: एक बार और सभी के लिए, इस विचार को त्याग दें कि एक "सही" और "गलत" कला है, "अच्छा" और "बुरा"। कला का एक काम मूल्यांकन के अधीन है: आखिरकार, इसका निर्माता एक मास्टर हो सकता है, या शायद एक ढुलमुल डिलेटेंट, एक सुपर-अनुकूली अवसरवादी, एक सट्टेबाज हो सकता है।

लेकिन प्रदर्शनी हॉल में, आपको अभियोजक के रूप में कार्य करने के लिए जल्दी नहीं करना चाहिए, पहले यह समझने की कोशिश करना बेहतर है कि अपेक्षित आनंद के बजाय काम ने आपको इतनी जलन क्यों दी: क्या यह इसलिए है क्योंकि आपने सहज रूप से छवि की बेरुखी को महसूस किया है, इसकी सामान्य विनाशकारी शक्ति, इससे आने वाली नकारात्मक ऊर्जा की लहरें, या कि, आपके व्यक्तित्व की ख़ासियत के कारण, आप उन लोगों के साथ "अनुनाद" में नहीं आए, लाक्षणिक रूप से, कंपन जो कलात्मक छवि का कारण बने।

हम सभी कला को कितना अलग समझते हैं - इसके तत्वों और सामान्य तौर पर - मैंने टीवी स्क्रीन के पास पूरी तरह से अप्रत्याशित रूप से महसूस किया। ... मैं कोलोमेन्स्कॉय से बहुत प्यार करता हूं - कज़ान मदर ऑफ गॉड के अपने शांत सफेद चर्च के साथ, चर्च ऑफ द एसेंशन ऑफ क्राइस्ट का पतला तम्बू तेजी से मोस्कवा नदी से ऊपर उठ रहा है, कैथेड्रल ऑफ जॉन द बैपटिस्ट के सोने का पानी चढ़ा हुआ गुंबद। खड्ड के पीछे पहाड़ पर डायकोवो, पेड़ों के गुच्छों, प्राचीन खंभों और घनी हरी घास में पोषित पत्थरों के साथ। मैं कई वर्षों से कला इतिहास के क्रम में विद्यार्थियों को 16वीं-17वीं शताब्दी की इन अद्भुत रचनाओं के बारे में बता रहा हूं। लेकिन टीवी पर "ट्रैवल क्लब" में एक छोटी सी कहानी मेरे लिए एक रहस्योद्घाटन थी। प्रमुख पादरी ने दिखाया और साबित किया कि प्राकृतिक और स्थापत्य में सन्निहित मीट्रिक रूप से गठित पहनावा सोफिया - भगवान की बुद्धि के प्रतीक की छवि बनाता है। मैं, एक स्थापित तर्कसंगत चेतना वाला व्यक्ति, इस चमत्कार को इस तरह से कभी नहीं देख पाता। लेकिन अब, निश्चित रूप से, स्रोत के संदर्भ में, मैं छात्रों को, दूसरों के बीच, यह व्याख्या पेश करूंगा।

साहित्य:

वोल्फ्लिन

जानसन एच.वी., जानसन ई.एफ. कला इतिहास की मूल बातें - खोजने के लिए। मिल गया। शेयर करना। और गोम्ब्रिच भी।

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बुनियादी अवधारणाओं की शब्दावली .... 419

कला विश्लेषण

उदाहरण प्रश्न और आरेख

वास्तुकला का एक काम

वास्तुकला के कार्यों का विश्लेषण करते समय, कला के रूप में वास्तुकला की विशेषताओं को ध्यान में रखना आवश्यक है। वास्तुकला कला का एक रूप है, जो एक इमारत के कलात्मक चरित्र में प्रकट होता है। इसलिए, संरचना की उपस्थिति, पैमाने और रूपों का विश्लेषण किया जाना चाहिए।

1. किन निर्माण वस्तुओं पर ध्यान देने योग्य है?

2. इस कृति में लेखक के विचारों को किन विधियों और साधनों की सहायता से व्यक्त किया गया है?

3. टुकड़ा क्या प्रभाव डालता है?

4. प्राप्तकर्ता (समझने वाला) किस अनुभूति का अनुभव कर सकता है?

5. पैमाने, प्रारूप, भागों की क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर या विकर्ण व्यवस्था, कुछ स्थापत्य रूपों का उपयोग, एक वास्तुशिल्प स्मारक में प्रकाश का वितरण काम की भावनात्मक छाप में कैसे मदद करता है?

6. सामने के सामने खड़े होने पर आगंतुक क्या देखता है?

7. यह समझाने की कोशिश करें कि यह आपके लिए मुख्य बात क्यों लगती है?

8. वास्तुकार किस माध्यम से मुख्य बात को उजागर करता है? एक वास्तुशिल्प छवि (समरूपता, लय, अनुपात, प्रकाश और छाया और रंग मॉडलिंग, पैमाने) बनाने के लिए मुख्य कलात्मक साधनों और तकनीकों का वर्णन करें।

9. एक वास्तुशिल्प संरचना (वास्तुशिल्प संरचना) में वॉल्यूम और रिक्त स्थान कैसे व्यवस्थित होते हैं?

10. इस वस्तु का एक निश्चित प्रकार की वास्तुकला से संबंध का वर्णन करें: त्रि-आयामी संरचनाएं (सार्वजनिक: आवासीय, औद्योगिक); परिदृश्य (परिदृश्य या छोटे रूप), शहरी नियोजन।

11. कल्पना करने की कोशिश करें कि इस वास्तुशिल्प संरचना में कौन सी घटनाएं अधिक बार हो सकती हैं।

12. क्या कार्य की संरचना और उसके मुख्य तत्वों में एक प्रतीकात्मक चरित्र है: गुंबद, मेहराब, तिजोरी, दीवार, मीनार, शांत?

13. टुकड़े का शीर्षक क्या है? और आप इसे क्या नाम देंगे?

14. इस कार्य का सांस्कृतिक और ऐतिहासिक युग, कलात्मक शैली, दिशा से संबंध निर्धारित करें।

16. इस कार्य का रूप और विषयवस्तु किस प्रकार सहसम्बन्धित है?

17. इस स्थापत्य संरचना के बाहरी और आंतरिक स्वरूप के बीच क्या संबंध है? क्या यह पर्यावरण में सामंजस्यपूर्ण रूप से फिट बैठता है?

18. आपकी राय में, विट्रुवियस के सूत्र ने इस काम में क्या अवतार पाया: उपयोगिता, शक्ति, सौंदर्य?

19. क्या इस स्थापत्य वस्तु के स्वरूप के डिजाइन में अन्य प्रकार की कलाओं का उपयोग किया गया है? कौन सा? क्या आपको लगता है कि लेखक की पसंद उचित है?

पेंटिंग का काम

कथा-रोज़मर्रा की धारणा से अमूर्त करने के लिए, याद रखें कि चित्र दुनिया के लिए एक खिड़की नहीं है, बल्कि एक ऐसा विमान है जिस पर पेंटिंग के माध्यम से अंतरिक्ष का भ्रम पैदा किया जा सकता है। इसलिए, काम के बुनियादी मानकों का विश्लेषण करना सबसे पहले महत्वपूर्ण है।

1. पेंटिंग का आकार (स्मारकीय, चित्रफलक, लघु)?

2. चित्र का प्रारूप: एक क्षैतिज या लंबवत लम्बी आयत (संभवतः एक गोल सिरे के साथ), एक वर्ग, एक वृत्त (टोंडो), एक अंडाकार?

3. पेंटिंग किस तकनीक (तापमान, तेल, जल रंग, आदि) में और किस आधार पर (लकड़ी, कैनवास, आदि) बनाई गई थी?

4. इसे किस दूरी से सबसे अच्छा माना जाता है?

छवि विश्लेषण।

5. क्या तस्वीर में कोई साजिश है? क्या दिखाया गया है? चित्रित पात्र, वस्तुएँ किस वातावरण में स्थित हैं?

6. छवि के विश्लेषण के आधार पर, शैली (चित्र, परिदृश्य, स्थिर जीवन, नग्न, रोजमर्रा की जिंदगी, पौराणिक, धार्मिक, ऐतिहासिक, पशुवादी) के बारे में निष्कर्ष निकालें।

7. आपकी राय में, कलाकार किस कार्य को हल करता है - दृश्य? अभिव्यंजक? छवि की परंपरा या प्रकृतिवाद की डिग्री क्या है? क्या पारंपरिकता आदर्शीकरण की ओर या अभिव्यंजक विकृति की ओर बढ़ती है?

संरचना विश्लेषण

8. रचना के घटक क्या हैं? छवि की वस्तु और चित्र के कैनवास पर पृष्ठभूमि/स्थान का अनुपात क्या है?

9. चित्र में वस्तुएँ चित्र तल के कितने निकट हैं?

10. कलाकार ने किस कोण को चुना - ऊपर से, नीचे से, चित्रित वस्तुओं के साथ फ्लश?

11. दर्शक की स्थिति कैसे निर्धारित की जाती है - क्या वह चित्र में चित्रित के साथ बातचीत में शामिल है, या उसे एक अलग विचारक की भूमिका सौंपी गई है?

12. क्या रचना को संतुलित, स्थिर या गतिशील कहा जा सकता है? यदि कोई आंदोलन है, तो उसे कैसे निर्देशित किया जाता है?

13. पिक्चर स्पेस कैसे बनाया जाता है (फ्लैट, अनिश्चित काल तक, स्थानिक परत को बंद कर दिया जाता है, गहरी जगह बनाई जाती है)? स्थानिक गहराई का भ्रम कैसे प्राप्त किया जाता है (चित्रित आंकड़ों के आकार में अंतर, वस्तुओं या वास्तुकला की मात्रा दिखाते हुए, रंग उन्नयन का उपयोग करके)?

आरेखण विश्लेषण।

14. चित्र में रैखिक शुरुआत कितनी स्पष्ट है?

15. क्या अलग-अलग वस्तुओं का परिसीमन करने वाली रूपरेखाओं पर जोर दिया गया है या उन्हें सुचारू किया गया है? यह प्रभाव किस माध्यम से प्राप्त होता है?

16. वस्तुओं का आयतन किस हद तक व्यक्त किया जाता है? कौन सी तकनीकें मात्रा का भ्रम पैदा करती हैं?

17. एक पेंटिंग में प्रकाश क्या भूमिका निभाता है? यह क्या है (चिकनी, तटस्थ; विषम, मूर्तिकला मात्रा; रहस्यमय)? क्या प्रकाश स्रोत/दिशा पठनीय है?

18. क्या चित्रित आकृतियों/वस्तुओं के सिल्हूट पठनीय हैं? वे अपने आप में कितने अर्थपूर्ण और मूल्यवान हैं?

19. छवि कितनी विस्तृत (या इसके विपरीत सामान्यीकृत) है?

20. क्या चित्रित सतहों (चमड़े, कपड़े, धातु, आदि) की बनावट की विविधता प्रसारित होती है?

रंग विश्लेषण।

21. चित्र में रंग क्या भूमिका निभाता है (क्या यह चित्र और आयतन के अधीनस्थ है, या इसके विपरीत, क्या यह चित्र को अपने अधीन करता है और रचना को स्वयं बनाता है)?

22. क्या रंग सिर्फ मात्रा का रंग है या कुछ और? क्या यह वैकल्पिक रूप से वफादार या अभिव्यंजक है?

23. क्या रंगीन धब्बों की सीमाएं अलग-अलग हैं? क्या वे आयतन और वस्तुओं की सीमाओं से मेल खाते हैं?

24. क्या कलाकार बड़े पैमाने पर रंग या छोटे स्ट्रोक के साथ काम करता है?

25. गर्म और ठंडे रंग कैसे लिखे जाते हैं, क्या कलाकार पूरक रंगों के संयोजन का उपयोग करता है? वह इसे क्यों कर रहा है? सबसे अधिक प्रकाशित और छायांकित स्थानों को कैसे स्थानांतरित किया जाता है?

26. क्या चकाचौंध, सजगताएं हैं? छाया कैसे लिखी जाती है (बधिर या पारदर्शी, क्या वे रंगीन होते हैं)? क्या कोई प्रभावशाली रंग/रंग संयोजन है?

अन्य विकल्प

1. वस्तु (तथ्य, घटना, घटना) के लिए लेखक के भावनात्मक रवैये की कौन सी वस्तुएँ ध्यान देने योग्य हैं?

2. निर्धारित करें कि क्या यह काम पेंटिंग की शैली (ऐतिहासिक, चित्र, स्थिर जीवन, युद्ध, अन्य) से संबंधित है।

3. इस कृति में लेखक के विचारों को किन विधियों और साधनों की सहायता से व्यक्त किया गया है?

4. टुकड़ा क्या प्रभाव डालता है?

7. कुछ रंगों का उपयोग भावनात्मक प्रभाव में कैसे मदद करता है?

8. तसवीर में क्या दिखाया गया है?

9. आपने जो देखा उसमें से मुख्य चीज़ को हाइलाइट करें।

10. यह समझाने की कोशिश करें कि यह आपके लिए मुख्य बात क्यों प्रतीत होती है?

11. कलाकार किस माध्यम से मुख्य बात को उजागर करता है?

12. काम (रंग संरचना) में रंगों की तुलना कैसे की जाती है?

13. चित्र के कथानक को फिर से बताने का प्रयास करें।

14. क्या काम में ऐसे प्लॉट हैं जो किसी चीज़ का प्रतीक हैं?

15. टुकड़े का शीर्षक क्या है? यह अपने कथानक और प्रतीकवाद से कैसे संबंधित है?

16. क्या कार्य की संरचना और उसके मुख्य तत्वों का एक प्रतीकात्मक चरित्र है: क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर, विकर्ण, वृत्त, अंडाकार, रंग, घन?

मूर्तिकला का काम

मूर्तिकला के कार्यों का विश्लेषण करते समय, कला के रूप में मूर्तिकला के अपने मापदंडों को ध्यान में रखना आवश्यक है। मूर्तिकला एक कला रूप है जिसमें एक वास्तविक त्रि-आयामी मात्रा आसपास के त्रि-आयामी अंतरिक्ष के साथ बातचीत करती है। इसलिए, आयतन, स्थान और वे कैसे बातचीत करते हैं, इसका विश्लेषण किया जाना चाहिए।

1. टुकड़ा क्या प्रभाव डालता है?

3. कार्य की प्रकृति क्या है?

4. वस्तु (तथ्य, घटना, घटना) के प्रति लेखक के भावनात्मक रवैये की कौन सी वस्तुएँ ध्यान देने योग्य हैं?

5. इस कृति में लेखक के विचारों को किन विधियों और साधनों की सहायता से व्यक्त किया गया है?

6. मूर्तिकला का आकार क्या है? एक मूर्तिकला का आकार (स्मारकीय, चित्रफलक, लघु) अंतरिक्ष के साथ उसकी बातचीत को प्रभावित करता है।

7. यह मूर्ति किस शैली से संबंधित है? यह किस लिए था?

8. लेखक द्वारा प्रयुक्त मूल सामग्री, उसकी विशेषताओं का वर्णन करें। मूर्तिकला की कौन सी विशेषताएं इसकी सामग्री से निर्धारित होती हैं (इस सामग्री को इस काम के लिए क्यों चुना गया था)? क्या इसके गुण कार्य के विचार के अनुरूप हैं? क्या अन्य सामग्रियों से समान कार्य प्रस्तुत करना संभव है? यह क्या होगा?

9. गढ़ी गई सतह की बनावट क्या है? सजातीय या विभिन्न भागों में भिन्न? औजारों के स्पर्श के चिकने या "स्केची" निशान दिखाई दे रहे हैं, प्राकृतिक जैसे, सशर्त। यह बनावट भौतिक गुणों से कैसे संबंधित है? बनावट एक मूर्तिकला रूप के सिल्हूट और मात्रा की धारणा को कैसे प्रभावित करती है?

10. भागों के पैमाने, प्रारूप, क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर या विकर्ण व्यवस्था कैसे काम की भावनात्मक छाप में मदद करती है?

11. मूर्तिकला में रंग की क्या भूमिका है? आयतन और रंग कैसे परस्पर क्रिया करते हैं, वे एक दूसरे को कैसे प्रभावित करते हैं?

12. आप मूर्तिकला में किसे (क्या) देखते हैं?

13. आपने जो देखा उससे सबसे महत्वपूर्ण, विशेष रूप से मूल्यवान को हाइलाइट करें।

14. यह समझाने की कोशिश करें कि वास्तव में यह आपको सबसे महत्वपूर्ण, विशेष रूप से मूल्यवान क्यों लगता है?

15. मूर्तिकार किस माध्यम से मुख्य बात को उजागर करता है?

16. कार्य (विषय रचना) में वस्तुओं को कैसे व्यवस्थित किया जाता है?

17. कार्य किस स्थान पर स्थित था (मंदिर में, चौक पर, घर में, आदि)? यह किस धारणा के लिए (दूर से, नीचे से, निकट से) डिजाइन किया गया था? क्या यह एक वास्तुशिल्प या मूर्तिकला पहनावा का हिस्सा है या यह एक स्वतंत्र काम है?

18. क्या मूर्तिकला निश्चित दृष्टिकोणों के लिए डिज़ाइन की गई है, या घूमते समय यह पूरी तरह से प्रकट होती है? उसके पास कितने तैयार अभिव्यंजक सिल्हूट हैं? वे क्या हैं (बंद, कॉम्पैक्ट, ज्यामितीय रूप से सही या सुरम्य, खुला)? वे एक दूसरे से कैसे संबंधित हैं?

19. अगर यह जीवन में आता है तो यह मूर्तिकला क्या कर सकती है (या कह सकती है)?

20. टुकड़े का शीर्षक क्या है? इसका (नाम) अर्थ क्या है, आपको क्या लगता है? यह कथानक और प्रतीकात्मकता से कैसे संबंधित है?

21. मोटिफ की व्याख्या क्या है (प्राकृतिक, सशर्त, कैनन द्वारा निर्धारित, मूर्तिकला द्वारा अपने स्थापत्य वातावरण में कब्जा किए गए स्थान द्वारा निर्धारित, या कुछ अन्य)?

22. आपकी राय में, काम के लेखक लोगों को किन वैचारिक पदों से अवगत कराना चाहते थे?

23. क्या आप काम में किसी अन्य प्रकार की कला के प्रभाव को महसूस करते हैं: वास्तुकला, पेंटिंग?

24. आपको क्यों लगता है कि मूर्ति को सीधे देखना बेहतर है, न कि तस्वीरों या प्रतिकृतियों में? आपने जवाब का औचित्य साबित करें।

कला और शिल्प की वस्तुएं

सजावटी और अनुप्रयुक्त कला की वस्तुओं का विश्लेषण करते समय, यह याद रखना चाहिए कि उन्होंने मुख्य रूप से मानव जीवन में एक व्यावहारिक भूमिका निभाई है और हमेशा एक सौंदर्य कार्य नहीं करते हैं। उसी समय, वस्तु का आकार, इसकी कार्यात्मक विशेषताएं छवि की प्रकृति को प्रभावित करती हैं।

1. ऐसी वस्तु किसके लिए अभिप्रेत है?

2. इसके आयाम क्या हैं?

3. वस्तु की सजावट किस प्रकार स्थित है? आलंकारिक और सजावटी सजावट के क्षेत्र कहाँ स्थित हैं? छवियों का स्थान वस्तु के आकार से कैसे संबंधित है?

4. किस प्रकार के आभूषणों का प्रयोग किया जाता है? वे वस्तु के किन भागों पर स्थित हैं?

5. आलंकारिक चित्र कहाँ स्थित हैं? क्या वे सजावटी लोगों की तुलना में अधिक जगह लेते हैं, या वे सिर्फ सजावटी रजिस्टरों में से एक हैं?

6. आलंकारिक छवियों वाला एक रजिस्टर कैसे बनाया जाता है? क्या यह कहना संभव है कि यहां मुफ्त रचना तकनीकों का उपयोग किया जाता है या जुड़ाव के सिद्धांत का उपयोग किया जाता है (समान मुद्रा में आंकड़े, न्यूनतम गति, एक दूसरे को दोहराएं)?

7. आकृतियों को किस प्रकार दर्शाया गया है? क्या वे मोबाइल, जमे हुए, शैलीबद्ध हैं?

8. स्थानांतरित किए गए आंकड़ों का विवरण कैसे दिया जाता है? क्या वे अधिक प्राकृतिक या सजावटी दिखते हैं? आंकड़े स्थानांतरित करने के लिए किन तकनीकों का उपयोग किया जाता है?

9. हो सके तो वस्तु के अंदर देखें। क्या कोई छवि और आभूषण है? ऊपर दिए गए आरेख के अनुसार उनका वर्णन करें।

10. आभूषणों और आकृतियों के निर्माण में किन प्राथमिक और द्वितीयक रंगों का उपयोग किया जाता है? मिट्टी का स्वर ही क्या है? यह छवि के चरित्र को कैसे प्रभावित करता है - क्या यह इसे अधिक सजावटी या इसके विपरीत, अधिक प्राकृतिक बनाता है?

11. इस प्रकार की कला और शिल्प के अलग-अलग पैटर्न के बारे में निष्कर्ष निकालने का प्रयास करें।

कला विश्लेषण एल्गोरिदम

इस एल्गोरिथम पर काम करने की मुख्य शर्त यह है कि तस्वीर का नाम काम करने वालों को नहीं पता होना चाहिए।

आप इस पेंटिंग को क्या नाम देंगे?

क्या आपको तस्वीर पसंद है या नहीं? (उत्तर अस्पष्ट होना चाहिए)।

इस तस्वीर के बारे में बताएं ताकि जिसे नहीं पता उसे इसके बारे में अंदाजा हो सके।

यह तस्वीर आप में क्या भावनाएँ जगाती है?

क्या आप पहले प्रश्न के उत्तर में कुछ जोड़ना या बदलना चाहेंगे?

दूसरे प्रश्न पर वापस जाएं। क्या आपका आकलन वही रहा है या बदल गया है? अब आप इस तस्वीर को इतना रेट क्यों करते हैं?

कला के कार्यों के विश्लेषण के लिए एल्गोरिथ्म

पेंटिंग के शीर्षक का अर्थ।

शैली संबद्धता।

चित्र के कथानक की विशेषताएं। पेंटिंग के कारण। प्रश्न के उत्तर की तलाश करें: क्या लेखक ने दर्शकों को अपने इरादे से अवगत कराया?

चित्र की संरचना की विशेषताएं।

कलात्मक छवि का मुख्य साधन: रंग, ड्राइंग, बनावट, काइरोस्कोरो, लेखन की शैली।

कला के इस काम का आपकी भावनाओं और मनोदशा पर क्या प्रभाव पड़ा?

यह कला का टुकड़ा कहाँ स्थित है?

वास्तुकला के कार्यों का विश्लेषण करने के लिए एल्गोरिदम

एक स्थापत्य संरचना और उसके लेखक के निर्माण के इतिहास के बारे में क्या जाना जाता है?

इस कार्य का संबंध सांस्कृतिक और ऐतिहासिक युग, कलात्मक शैली, दिशा से है।

इस काम में विट्रुवियस के सूत्र ने क्या अवतार पाया: शक्ति, उपयोगिता, सौंदर्य?

एक वास्तुशिल्प छवि (समरूपता, लय, अनुपात, प्रकाश और छाया और रंग मॉडलिंग, स्केल), टेक्टोनिक सिस्टम (पोस्ट-बीम, लैंसेट-आर्क, आर्क-डोम) बनाने के लिए कलात्मक साधनों और तकनीकों को इंगित करें।

वास्तुकला के प्रकार से संबंधित इंगित करें: त्रि-आयामी संरचनाएं (सार्वजनिक: आवासीय, औद्योगिक); परिदृश्य (परिदृश्य या छोटे रूप); शहरी नियोजन।

एक वास्तुशिल्प संरचना की बाहरी और आंतरिक उपस्थिति, इमारत और राहत के बीच संबंध, परिदृश्य की प्रकृति के बीच संबंध इंगित करें।

इसकी स्थापत्य उपस्थिति के डिजाइन में अन्य प्रकार की कलाओं का उपयोग कैसे किया जाता है?

काम का आप पर क्या प्रभाव पड़ा?

कलात्मक छवि किन संघों को उद्घाटित करती है और क्यों?

वास्तुकला कहाँ स्थित है?

मूर्तिकला के कार्यों का विश्लेषण करने के लिए एल्गोरिदम

काम के निर्माण का इतिहास।

कलात्मक युग से संबंधित।

काम के शीर्षक का अर्थ।

मूर्तिकला के प्रकारों से संबंधित (स्मारकीय, स्मारक, चित्रफलक)।

सामग्री का उपयोग और इसके प्रसंस्करण की तकनीक।

मूर्तिकला के आयाम (यदि जानना महत्वपूर्ण है)।

आसन का आकार और आकार।

यह मूर्ति कहाँ स्थित है?

इस काम का आप पर क्या प्रभाव पड़ा?

कलात्मक छवि किन संघों को उद्घाटित करती है और क्यों?

फिल्म के इतिहास का विश्लेषण।

विश्लेषण का पहला भाग। उपस्थिति का इतिहास। निर्देशक का विचार। पटकथा लेखक और कैमरामैन के साथ काम करना।

1. नायकों के पात्रों का विश्लेषण।

पात्रों के साथ फिल्म की संतृप्ति। मुख्य पात्रों के लक्षण (व्यक्तित्व विवरण)। माध्यमिक पात्रों के लक्षण (मुख्य पात्रों के संबंध में उनके कार्य, फिल्म की कार्रवाई के लिए)। भूमिका पर अभिनेताओं का काम। अभिनेता के खेल का विश्लेषण।

2. निर्देशक की व्यक्तिपरकता के प्रतिबिंब के रूप में फिल्म विश्लेषण

कला के एक स्वतंत्र कार्य के रूप में कलात्मक सिनेमा। लेखक, यानी। निर्देशक की स्थिति (अक्सर यह उनके साक्षात्कार में ही प्रकट होती है, आप इसे साक्षात्कार, संस्मरण, सिनेमा के निर्माण में प्रतिभागियों के लेखों में पा सकते हैं)। फिल्म पर उनके व्यक्तिगत और सामाजिक जीवन में वास्तविक घटनाओं का प्रभाव। निर्देशक की आंतरिक दुनिया का प्रतिबिंब।

कला के एक कार्य का विश्लेषण करने के लिए नमूना प्रश्न

भावनात्मक स्तर:

काम क्या प्रभाव डालता है?

लेखक किस मनोदशा को व्यक्त करने का प्रयास कर रहा है?

दर्शक किन संवेदनाओं का अनुभव कर सकता है?

कार्य की प्रकृति क्या है?

पैमाने, प्रारूप, क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर या विकर्ण भागों की व्यवस्था, कुछ वास्तुशिल्प रूपों का उपयोग, चित्र में कुछ रंगों का उपयोग और स्थापत्य स्मारक में प्रकाश का वितरण काम की भावनात्मक छाप में कैसे मदद करता है?

विषय स्तर:

तस्वीर में क्या (या कौन) है?

सामने के सामने खड़े होने पर दर्शक क्या देखता है? अंदरूनी हिस्सों में?

आप मूर्तिकला में किसे देखते हैं?

आपने जो देखा, उसमें से मुख्य बात को हाइलाइट करें।

यह समझाने की कोशिश करें कि यह आपके लिए मुख्य बात क्यों प्रतीत होती है?

कलाकार (वास्तुकार, संगीतकार) किस माध्यम से मुख्य बात को अलग करता है?

कार्य (विषय रचना) में वस्तुओं को कैसे व्यवस्थित किया जाता है?

कार्य (रैखिक रचना) में मुख्य रेखाएँ कैसे खींची जाती हैं?

एक वास्तुशिल्प संरचना (वास्तुशिल्प संरचना) में वॉल्यूम और रिक्त स्थान की तुलना कैसे की जाती है?

कहानी का स्तर:

चित्र के कथानक को फिर से बताने का प्रयास करें।

कल्पना करने की कोशिश करें कि इस स्थापत्य संरचना में कौन सी घटनाएं अधिक बार हो सकती हैं।

अगर यह जीवन में आता है तो यह मूर्ति क्या कर सकती है (या कह सकती है)?

प्रतीकात्मक स्तर:

क्या काम में ऐसी वस्तुएं हैं जो किसी चीज का प्रतीक हैं?

क्या कार्य की संरचना और उसके मुख्य तत्वों का एक प्रतीकात्मक चरित्र है: क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर, विकर्ण, वृत्त, अंडाकार, रंग, घन, गुंबद, मेहराब, तिजोरी, दीवार, टॉवर, शिखर, इशारा, मुद्रा, कपड़े, ताल, समय , आदि।?

काम का शीर्षक क्या है? यह अपने कथानक और प्रतीकवाद से कैसे संबंधित है?

आपको क्या लगता है कि काम के लेखक लोगों को क्या बताना चाहते थे?

स्रोत: इंटरनेट

एक पेंटिंग के विश्लेषण की योजना

2. शैली, दिशा।

3. पेंटिंग का प्रकार: चित्रफलक, स्मारकीय (फ्रेस्को, टेम्परा, मोज़ेक)।

4. सामग्री का विकल्प (चित्रफलक पेंटिंग के लिए): ऑइल पेंट, वॉटरकलर, गौचे, पेस्टल। कलाकार के लिए इस सामग्री के उपयोग की विशेषताएं।

5. पेंटिंग की शैली (पोर्ट्रेट, लैंडस्केप, स्टिल लाइफ, ऐतिहासिक पेंटिंग, पैनोरमा, डायरैमा, आइकन पेंटिंग, मरीना, पौराणिक शैली, रोजमर्रा की शैली)। कलाकार के कार्यों के लिए शैली की विशेषताएं।

6. सुरम्य भूखंड। प्रतीकात्मक सामग्री (यदि कोई हो)।

7. कार्य की सुरम्य विशेषताएं:

रंग;

रोशनी;

मात्रा;

समतलता;

रंगना;

कलात्मक स्थान (कलाकार द्वारा रूपांतरित स्थान);

रेखा।

8.विवरण।

9. काम देखते समय प्राप्त व्यक्तिगत प्रभाव।

मूर्तिकला कार्य विश्लेषण योजना

2. शैली, दिशा।

3. मूर्तिकला का प्रकार: गोल मूर्तिकला, स्मारकीय मूर्तिकला, छोटा प्लास्टिक, राहत और इसकी विविधता (आधार-राहत, उच्च राहत), मूर्तिकला चित्र, हेर्मा, आदि।

4. मॉडल की पसंद (वास्तव में मौजूदा व्यक्ति, जानवर, कलाकार की कल्पना, रूपक छवि)।

5.प्लास्टिक (बॉडी लैंग्वेज), लाइट और शेड मॉडलिंग।

6. पर्यावरण के साथ बातचीत: मूर्तिकला रंग

(रंग) और पर्यावरण की रंग पृष्ठभूमि, प्रकाश प्रभाव (बैकलाइट); वास्तुकला के एक तत्व के रूप में मूर्तिकला, एक मुक्त खड़ी मूर्ति, आदि।

7. सामग्री की पसंद और इसकी सशर्तता (संगमरमर, ग्रेनाइट, लकड़ी, कांस्य, मिट्टी, आदि)।

8.राष्ट्रीय विशेषताएं।

9. स्मारक की व्यक्तिगत धारणा।

वास्तु कार्य विश्लेषण योजना

2. शैली, दिशा। बड़े या छोटे रूपों की वास्तुकला।

3. स्थापत्य पहनावा में स्थान (समावेशन, अलगाव,

परिदृश्य के साथ सहसंबंध, एक जैविक विवरण की भूमिका, आदि)। टेक्टोनिक्स: दीवार प्रणाली, चिनाई, रैक और गिर गया

संरचना, फ्रेम संरचना, गुंबददार संरचना, आधुनिक

स्थानिक संरचना (मुड़ा हुआ, पेंच, आदि)।

4. एक विशेष वास्तुशिल्प उपस्थिति के निर्माण में प्रयुक्त सामग्री और इसकी भागीदारी। संरचना में उनके काम की प्रकृति (खंभे - वे ले जाते हैं, वाल्ट वसंत, कॉर्निस आराम, मेहराब उठते हैं, गुंबद ताज, आदि)।

5. किसी विशेष कार्य में स्थापत्य भाषा की मौलिकता,

के माध्यम से व्यक्त किया गया:

समरूपता, विषमता, विषमता;

भागों की लय, विवरण;

आयतन (चपटा, लंबवत रूप से संकुचित, घन, आदि);

अनुपात (विवरण और भागों का सामंजस्य);

कंट्रास्ट (रूपों का विरोध);

सिल्हूट (बाहरी आकृति);

स्केल (एक व्यक्ति के साथ संबंध); तस्वीर के विश्लेषण के लिए एक और तकनीक, जिसे ए। मेलिक-पाशेव द्वारा प्रस्तावित किया गया था। अपने पाठों में, मैं ऐतिहासिक और रोज़मर्रा की शैलियों का अध्ययन करते समय इसका सबसे अधिक उपयोग करता हूँ। मेरा सुझाव है कि बच्चे ध्यान से चित्र पर विचार करें, जबकि मैं इसके लेखक का नाम लेता हूं, लेकिन नाम का संकेत नहीं देता। फिर मैं प्रस्तावित प्रश्नों के उत्तर लिखित रूप में देने का प्रस्ताव करता हूं। बच्चे प्रश्न संख्या 3 का उत्तर लिखित में नहीं देते हैं, हम सब मिलकर इस पर चर्चा करते हैं। मैं प्रमुख प्रश्नों के बारे में पहले से सोचता हूं जो बच्चों को चित्र के कथानक को पूरी तरह से प्रकट करने और अन्य प्रश्नों के गहरे उत्तर देने में मदद करेंगे।

चित्र के लिए प्रश्न:

1. आप इस पेंटिंग को क्या कहेंगे?

2. क्या आपको तस्वीर पसंद है या नहीं?

3. इस तस्वीर के बारे में बताएं ताकि जिसे नहीं पता उसे इसके बारे में अंदाजा हो सके।

4. यह तस्वीर आप में क्या मूड जगाती है?

7. क्या आप पहले प्रश्न के उत्तर में कुछ जोड़ना या बदलना चाहते हैं?

8. दूसरे प्रश्न के उत्तर पर लौटें। क्या आपका आकलन वही रहा है या बदल गया है? आप तस्वीर की इतनी सराहना क्यों करते हैं?

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सार

विषय पर:

माइकल एंजेलो बुओनारोती की पेंटिंग "द लास्ट जजमेंट" के उदाहरण पर कला के काम का विश्लेषण

पूर्ण: छात्र जीआर। ZSR-151 ए.ए. करेवा

द्वारा जांचा गया: प्रोफेसर गुमेन्युक ए.एन.

परिचय

1. अंतिम निर्णय की साजिश

2. पेंटिंग और आइकन के बीच अंतर के बारे में सामान्य जानकारी

3. माइकल एंजेलो बुओनारोती (1475-1564) "द लास्ट जजमेंट" (1535-1541) द्वारा सिस्टिन चैपल की वेदी फ्रेस्को की रचना

निष्कर्ष

प्रयुक्त साहित्य की सूची

परिचय

द लास्ट जजमेंट माइकल एंजेलो द्वारा वेटिकन में सिस्टिन चैपल की वेदी की दीवार पर एक भित्ति चित्र है। कलाकार ने 1537 से 1541 तक - चार साल तक फ्रेस्को पर काम किया। माइकल एंजेलो ने सिस्टिन चैपल की छत की पेंटिंग पूरी करने के तीन दशक बाद वापसी की। सिस्टिन चैपल की वेदी के पीछे की पूरी दीवार पर बड़े पैमाने पर फ़्रेस्को है. इसका विषय मसीह का दूसरा आगमन और सर्वनाश था।

द लास्ट जजमेंट को एक ऐसा काम माना जाता है जिसने कला में पुनर्जागरण को समाप्त कर दिया, जिसके लिए माइकल एंजेलो ने खुद सिस्टिन चैपल की छत और तिजोरी के चित्रों में श्रद्धांजलि अर्पित की, और मानव-केंद्रित मानवतावाद के दर्शन में निराशा की एक नई अवधि खोली।

1. अंतिम निर्णय की साजिश

मसीह का दूसरा आगमन, जब, ईसाई सिद्धांत के अनुसार, मृतकों का एक सामान्य पुनरुत्थान होगा, जो जीवितों के साथ, अंत में न्याय किया जाएगा, और यह उनके लिए नियुक्त किया जाएगा कि उन्हें स्वर्ग ले जाया जाए या फेंक दिया जाए नरक में। पवित्र शास्त्र इसके बारे में कई बार बोलता है, लेकिन मुख्य अधिकार मसीह के शिष्यों के लिए भाषण है, जो मैथ्यू द्वारा बताया गया है: और एक को दूसरे को अलग करना, जैसे चरवाहा भेड़ों को बकरियों से अलग करता है; और भेड़-बकरियों को उसकी दहिनी ओर, और बकरियों को उसकी बाईं ओर रख।” उनका न्याय उनकी दया के कामों के अनुसार किया जाएगा, जो उन्होंने अपने सांसारिक जीवन में किए थे। पापियों को "अनन्त पीड़ा" में जाना होगा।

ईसा का दूसरा आगमन (या पृथ्वी पर मसीह का राज्य) वर्ष 1000 में आत्मविश्वास से अपेक्षित था, और जब ये अपेक्षाएँ पूरी नहीं हुईं, तो चर्च ने "चार अंतिम कार्यों" - मृत्यु के सिद्धांत को अधिक महत्व देना शुरू कर दिया। , न्याय, स्वर्ग, नरक।

उस समय से, अंतिम निर्णय की छवियां (मुख्य रूप से 12 वीं-13 वीं शताब्दी में) फ्रांसीसी कैथेड्रल के मूर्तिकला पश्चिमी पेडिमेंट्स पर दिखाई देने लगीं।

यह कई भागों के साथ एक बड़ी कहानी है। क्राइस्ट द जज केंद्रीय आकृति है। उसके दोनों ओर प्रेरित हैं जो उसके साथ अन्तिम भोज में थे: "और तुम सिंहासनों पर बैठकर इस्राएल के बारह गोत्रों का न्याय करोगे।"

नीचे - मृत, कब्रों से या पृथ्वी या समुद्र से उठना: "और जो पृथ्वी की धूल में सो रहे हैं, उनमें से बहुत से लोग जागेंगे, कुछ अनन्त जीवन के लिए, कुछ लोग अनन्त निंदा और लज्जा के लिए।" “तब समुद्र ने उन मरे हुओं को जो उन में थे दे दिया; और हर एक का उसके कामोंके अनुसार न्याय किया गया।” महादूत माइकल वह तराजू रखता है जिस पर वह आत्माओं को तौलता है। धर्मी - मसीह के दाहिने हाथ पर, स्वर्गदूतों द्वारा स्वर्ग के साथ, उसके नीचे बाईं ओर, पापियों को नरक में ले जाया जाता है, जहाँ उन्हें भयानक पीड़ा में चित्रित किया जाता है। (हॉल डी। डिक्शनरी ऑफ प्लॉट्स एंड सिंबल इन आर्ट। एम, 1996)

2. सामान्यएक पेंटिंग और एक आइकन के बीच अंतर के बारे में जानकारी

चित्र, सबसे पहले, भावनात्मक क्षेत्र पर कार्य करता है। चिह्न - मन और अंतर्ज्ञान पर। चित्र मूड, आइकन - व्यक्ति की स्थिति को दर्शाता है। चित्र की सीमाएँ हैं, कथानक की रूपरेखा; आइकन - असीम में शामिल है। कुछ का मानना ​​है कि प्राचीन चिह्न चित्रकारों को मानव शरीर के प्रत्यक्ष परिप्रेक्ष्य और समरूपता के नियमों का पता नहीं था, अर्थात। संरचनात्मक एटलस से अपरिचित थे। हालाँकि, उस युग के कलाकारों ने मानव शरीर के सटीक अनुपात को देखा जब उन्होंने सामान्य रूप से मूर्तियाँ या मूर्तियां बनाईं (तीन आयामी छवि का उपयोग पूर्वी चर्च में नहीं किया गया था, लेकिन केवल धर्मनिरपेक्ष कला में हुआ था)। प्रत्यक्ष परिप्रेक्ष्य की अनुपस्थिति अन्य स्थानिक आयामों की गवाही देती है, किसी व्यक्ति की अंतरिक्ष पर शासन करने की संभावनाओं के लिए। अंतरिक्ष एक बाधा बनना बंद कर देता है। दूर की वस्तु मायावी कम नहीं हो जाती। आइकन में मान स्थानिक नहीं हैं, लेकिन प्रकृति में स्वयंसिद्ध हैं, जो गरिमा की डिग्री को व्यक्त करते हैं। उदाहरण के लिए, राक्षसों को स्वर्गदूतों से छोटे होने के रूप में दर्शाया गया है; शिष्यों में से मसीह उनसे ऊपर उठ जाता है, आदि।

तस्वीर को विश्लेषणात्मक रूप से देखा जा सकता है। आप चित्र के अलग-अलग अंशों के बारे में बात कर सकते हैं, यह इंगित कर सकते हैं कि आपको क्या पसंद है और आपको इसके बारे में क्या पसंद नहीं है। और आइकन को कोशिकाओं में, टुकड़ों में, विवरणों में विभाजित नहीं किया जा सकता है, इसे एक आंतरिक धार्मिक भावना द्वारा कृत्रिम रूप से माना जाता है। आइकन सुंदर होता है जब यह किसी व्यक्ति को प्रार्थना के लिए बुलाता है, जब आत्मा ऊर्जा के एक गतिशील क्षेत्र को महसूस करती है और शाश्वत प्रकाश के राज्य से आइकन के माध्यम से विकिरण करती है। आइकन में, आंकड़े गतिहीन हैं, वे जमे हुए प्रतीत होते हैं। लेकिन यह मौत की ठंड नहीं है; यह आंतरिक जीवन, आंतरिक गतिशीलता पर जोर देता है। संत तेजी से आध्यात्मिक उड़ान पर हैं, ईश्वर की ओर शाश्वत गति में हैं, जहां दिखावटी मुद्राओं, उतावलेपन और बाहरी अभिव्यक्ति के लिए कोई जगह नहीं है।

एक व्यक्ति, एक गहरी भावना से बंधा हुआ या विचार में डूबा हुआ, भी आंतरिक में बदल जाता है, और बाहरी से यह वियोग उसकी आत्मा की तीव्रता और तीव्रता की गवाही देता है। इसके विपरीत, बाहरी गतिकी - अस्थायी अवस्थाओं के रूप में भावनाओं की मुहर - से पता चलता है कि जिसे वे आइकन पर चित्रित करना चाहते थे वह अनंत काल में नहीं है, बल्कि समय में, कामुक और क्षणिक की शक्ति में है।

माइकल एंजेलो द्वारा बनाई गई सिस्टिन चैपल में अंतिम निर्णय की पेंटिंग पश्चिमी कला के शिखर में से एक है। आंकड़े मानव शरीर के अनुपात और सद्भाव के नियमों के अद्भुत ज्ञान के साथ निष्पादित किए जाते हैं। वे शरीर रचना का अध्ययन कर सकते हैं। प्रत्येक व्यक्ति का अपना विशिष्ट व्यक्तित्व और मनोवैज्ञानिक विशेषताएं होती हैं। वहीं इस तस्वीर का धार्मिक महत्व शून्य है। इसके अलावा, यह बुतपरस्ती का एक पुनरुत्थान है जो कैथोलिक दुनिया के दिल में पैदा हुआ है। पेंटिंग "द लास्ट जजमेंट" का विषय बुतपरस्त और यहूदी परंपराओं का प्रतीक है। चारोन मृतकों की आत्माओं को वैतरणी नदी के पानी में ले जाता है। छवि प्राचीन पौराणिक कथाओं से ली गई है। मृतकों का पुनरुत्थान यहोशापात की घाटी में होता है, जैसा कि तल्मूडिक परंपरा बताती है।

पेंटिंग एक जोरदार प्राकृतिक शैली में बनाई गई है। माइकल एंजेलो ने शवों को नग्न रंग में रंग दिया। जब पोप पॉल III ने सिस्टिन चैपल की पेंटिंग की जांच करते हुए, पोप दरबार के समारोहों के मास्टर, बियागियो दा सेसेना से पूछा कि उन्हें पेंटिंग कैसी लगी, तो उन्होंने जवाब दिया: "आपकी पवित्रता, ये आंकड़े एक सराय में कहीं उपयुक्त होंगे, और आपके चैपल में नहीं।" ("रूढ़िवादी आइकन की भाषा पर।" आर्किमंड्राइट राफेल (कारेलिन), 1997)

रूढ़िवादी कला से इसके मूलभूत अंतर पर जोर देने के लिए हमने पश्चिमी यूरोपीय चित्रकला को छुआ। यह इस तथ्य का एक प्रमुख उदाहरण है कि प्रपत्र सामग्री से मेल नहीं खाता, चाहे वह अपने आप में कितना भी शानदार क्यों न हो। पुनर्जागरण के तथाकथित धार्मिक चित्रकला में एक पद्धतिगत त्रुटि है। चित्रकार मिमिक आर्ट के माध्यम से प्रयास करते हैं, अर्थात्। भावनाओं और जुनून से संतृप्त एक तस्वीर, स्वर्गीय को सांसारिक विमान में स्थानांतरित करने के लिए, लेकिन इसके विपरीत प्राप्त करने के लिए - वे अपरिवर्तनीय भौतिकता को स्वर्ग के क्षेत्र में स्थानांतरित करते हैं; सांसारिक और कामुक के साथ, वे आध्यात्मिक और शाश्वत को विस्थापित करते हैं (या बल्कि, वहाँ स्वर्ग के लिए कोई जगह नहीं है, पृथ्वी ने कब्जा कर लिया है और सब कुछ निगल लिया है), उनका दिल; थोड़ी झुकी हुई आकृति, ईश्वर की इच्छा के प्रति आज्ञाकारिता आदि।

कैथोलिक चित्र एक आयामी है, रूढ़िवादी चिह्न बहुआयामी है। एक आइकन में, विमान एक-दूसरे के साथ प्रतिच्छेद करते हैं, वे एक-दूसरे में विलय या घुलने के बिना सह-अस्तित्व या अंतर-प्रवेश करते हैं। चित्र में समय दर्ज है, जैसे कलाकार की इच्छा से रुका हुआ क्षण, मानो किसी फोटोग्राफिक फ्लैश द्वारा। एक आइकन में, समय सशर्त होता है, इसलिए कालानुक्रमिक बेमेल में घटनाओं को आइकन के क्षेत्र में दर्शाया जा सकता है। आइकन आंतरिक योजना और घटनाओं के आरेखण के समान है। प्रतीक छवि की एक साथ विशेषता की विशेषता है: सभी घटनाएं एक ही बार में होती हैं। माइकल एंजेलो सिस्टिन फ्रेस्को आइकन

चित्र कल्पना के तत्वों के साथ वास्तविकता की नकल है, जो सांसारिक वास्तविकताओं से अपने मूड के लिए सामग्री भी लेता है। आइकन आध्यात्मिक चिंतन का अवतार है, जो एक रहस्यमय अनुभव में, भगवान के साथ संवाद की स्थिति में दिया जाता है, लेकिन चिंतन को लाइनों और रंगों की प्रतीकात्मक भाषा के माध्यम से प्रसारित और वस्तुबद्ध किया जाता है। एक आइकन एक धार्मिक पुस्तक है जिसे ब्रश और पेंट के साथ चित्रित किया गया है। आइकन में, दो क्षेत्रों की छवि - स्वर्गीय और सांसारिक - समानता के सिद्धांत के अनुसार नहीं, बल्कि समरूपता के सिद्धांत के अनुसार दी गई है। धार्मिक विषयों पर एक पेंटिंग में, जिसे गलत तरीके से एक आइकन कहा जाता है, या तो स्वर्गीय और सांसारिक चीजों, परिसीमन के बीच कोई अंतर नहीं है, या वे इतिहास की "समानांतर रेखाओं" से जुड़े हुए हैं, समय और स्थान में एक होने के नाते।

चित्र में, प्रत्यक्ष, रैखिक परिप्रेक्ष्य का सिद्धांत, भौतिक और आध्यात्मिक दोनों संस्थाओं की छवि में मात्रा, त्रि-आयामीता का भ्रम देता है। आध्यात्मिक स्वयं को चित्र में प्रकट नहीं करता है, लेकिन इसमें भौतिक, विशाल रूपों और निकायों द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है, और इन विदेशी रूपों में गायब हो जाता है। चित्र में आध्यात्मिक अतिसूक्ष्म होना बंद हो जाता है, लेकिन "स्वाभाविक" हो जाता है, यहाँ मंदिर की अपवित्रता है। आइकोनोक्लास्ट्स ने ठीक ही इस ओर इशारा किया, धार्मिक विषयों पर चित्र चित्रों को नकारते हुए, लेकिन गलत तरीके से ललित कला की सभी संभावनाओं को गलत तरीके से सामान्यीकृत किया - इस मामले में, आइकन पेंटिंग - जो आध्यात्मिक दुनिया को खोलती है, इसे अनंत के साथ एक अनंत विस्तार के रूप में नहीं पहचानती है, भौतिक संसार की वास्तविकताओं के साथ, जो मृत्यु और क्षय की शक्ति के अधीन है।

आइकोक्लास्ट्स ने कल्पना या रूपक के साथ एक नकली चित्र के साथ आइकन की पहचान की, लेकिन आइकन, एक पवित्र प्रतीक के रूप में, उनके द्वारा अनदेखा या गलत समझा गया। आइकन में, न केवल समय और अनंत काल के दो क्षेत्रों का विरोध है, बल्कि इसकी लय में - समय की चर्च, अनंत काल के लिए इसका आकर्षण। ("रूढ़िवादी आइकन की भाषा पर।" आर्किमंड्राइट राफेल (कारेलिन), 1997)

3. सिस्टिन चैपल की वेदी फ्रेस्को की संरचनामाइकल एंजेलो बुओनारोटिक(1475-1564) "आखिरी फैसला" (1535-1541)

रचना के निर्माण में लेखक का असामान्य निर्णय आइकनोग्राफी के सबसे महत्वपूर्ण पारंपरिक तत्वों को संरक्षित करता है। अंतरिक्ष को दो मुख्य विमानों में विभाजित किया गया है: स्वर्गीय - मसीह के साथ न्यायाधीश, भगवान और संतों की माता, और सांसारिक - मृतकों के पुनरुत्थान और उन्हें धर्मी और पापियों में विभाजित करने के दृश्यों के साथ।

तुरही बजाने वाले स्वर्गदूत अंतिम न्याय की शुरुआत की घोषणा करते हैं। एक किताब खोली जाती है जिसमें सभी मानव कर्म दर्ज होते हैं। मसीह स्वयं एक दयालु मुक्तिदाता नहीं है, बल्कि एक दंड देने वाला स्वामी है। न्यायाधीश का इशारा एक धीमी लेकिन कठोर परिपत्र गति को गति देता है जो अपनी धारा में धर्मी और पापियों के रैंकों को खींचता है। मसीह के बगल में बैठी परमेश्वर की माता ने जो कुछ हो रहा था, उससे मुंह मोड़ लिया।

वह मध्यस्थ के रूप में अपनी पारंपरिक भूमिका को त्याग देती है और अंतिम निर्णय पर कांपती है। संतों के आसपास: प्रेरित, नबी। शहीदों के हाथों में यातना के उपकरण हैं, जो उनके विश्वास के लिए सहे गए कष्टों के प्रतीक हैं।

मरे हुए, आशा और भय के साथ अपनी आँखें खोलते हुए, अपनी कब्रों से उठते हैं और परमेश्वर के न्याय की ओर जाते हैं। कुछ अपने स्वयं के पापों की गंभीरता के आधार पर, आसानी से और स्वतंत्र रूप से उठते हैं, अन्य अधिक धीरे-धीरे। आत्मा में मजबूत उन लोगों की मदद करते हैं जिन्हें मदद की जरूरत है।

जिन लोगों को शुद्ध होने के लिए नीचे जाना पड़ता है, उनके चेहरे डरावने होते हैं। भयानक पीड़ाओं को देखते हुए, पापी नरक में नहीं जाना चाहते। लेकिन न्याय को बनाए रखने के उद्देश्य से ताकतें उन्हें उस स्थान पर धकेल देती हैं, जहां पीड़ित लोगों को माना जाता है। और शैतान उन्हें मिनोस के पास खींचते हैं, जो अपनी पूंछ को शरीर के चारों ओर लपेटकर नरक के चक्र को इंगित करता है, जिसमें पापी को उतरना चाहिए। (मृत आत्माओं के न्यायाधीश के लिए, कलाकार ने समारोहों के मास्टर, पोप बियागियो दा सेसेना के चेहरे की विशेषताएं दीं, जो अक्सर चित्रित आंकड़ों की नग्नता के बारे में शिकायत करते थे। उनके गधे के कान अज्ञानता का प्रतीक हैं।) और इसके बगल में वाहक चारोन द्वारा संचालित एक बजरा है। एक आंदोलन के साथ, वह पापी आत्माओं को लेता है। उनकी निराशा और रोष को जबरदस्त ताकत के साथ व्यक्त किया जाता है। बजरा के बाईं ओर एक नारकीय रसातल है - वहाँ शुद्धिकरण का प्रवेश द्वार है, जहाँ राक्षस नए पापियों की प्रतीक्षा करते हैं। ऐसा लगता है कि दहशत की चीखें और बदनसीबों के दांत पीसने की आवाजें सुनाई दे रही हैं।

ऊपर, शक्तिशाली चक्र के बाहर, मोक्ष की प्रतीक्षा करने वाली आत्माओं के ऊपर, पंखहीन स्वर्गदूत स्वयं मुक्तिदाता की पीड़ा के प्रतीक के साथ चढ़ते हैं। ऊपर दाईं ओर, सुंदर और युवा प्राणी पापियों के उद्धार के गुणों को धारण करते हैं। (स्मिरनोवा I.A. इतालवी पुनर्जागरण की स्मारकीय पेंटिंग। M.: ललित कला, 1987)

निष्कर्ष

इस निबंध में, माइकल एंजेलो के फ्रेस्को "द लास्ट जजमेंट" को "द लास्ट जजमेंट" (1580 के दशक) के आइकन की तुलना में माना गया था। आइकन और फ्रेस्को दोनों एक ही कथानक पर लिखे गए हैं - मसीह का दूसरा आगमन और मानव जाति के पापों पर भयानक निर्णय। उनकी एक समान रचना है: मसीह को केंद्र में दर्शाया गया है, और प्रेरित उसके बाएं और दाएं हाथों पर स्थित हैं। भगवान उनसे ऊपर हैं। मसीह के अधीन पापी हैं जिन्हें नरक का वादा किया गया है। दोनों तस्वीरें विपरीत परिप्रेक्ष्य में हैं। लेकिन साथ ही, माइकल एंजेलो के फ्रेस्को की तुलना में आइकन में कम चमकीले रंगों का उपयोग किया जाता है। आइकन में कई प्रतीकात्मक चित्र हैं (एक बच्चे के साथ एक हथेली - "भगवान के हाथ में धर्मी आत्माएं", और यहां, तराजू - यानी "मानव कर्मों का एक उपाय")।

आधुनिक समय में, इन कार्यों का निर्माण युगांतिक विचारों वाले लोगों के बीच लोकप्रिय था, इसलिए इन छवियों ने मानवता को डराने के लिए नहीं, बल्कि सांसारिक पाप रहित जीवन के समान एक धर्मी जीवन जीने के विचार को व्यक्त करने के लिए अपने उद्देश्य को उचित ठहराया। यीशु मसीह।

प्रयुक्त साहित्य की सूची

1. हॉल डी। कला में भूखंडों और प्रतीकों का शब्दकोश। एम, 1996

2. "रूढ़िवादी आइकन की भाषा पर।" आर्किमंड्राइट राफेल (कारेलिन) 1997

3. स्मिरनोवा आई.ए. इतालवी पुनर्जागरण की स्मारकीय पेंटिंग। एम.: विजुअल आर्ट्स, 1987

4. बुस्लाव एफ.आई. रूसी मूल के अनुसार अंतिम निर्णय की छवियां // Buslaev F.I. काम करता है। टी। 2. सेंट पीटर्सबर्ग, 1910।

5. अलेक्सेव एस। दृश्यमान सत्य। रूढ़िवादी चिह्नों का विश्वकोश। 2003

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सार, जोड़ा गया 03/18/2012


लोरेंजो द मैग्निफिकेंट के समय में फ्लोरेंस में कला और मानवतावाद का विश्लेषण। माइकल एंजेलो बुओनारोती की जीवनी और कार्य। व्यक्तित्व की मनोवैज्ञानिक संरचना और गुरु के विचार, उनकी मूर्तियों और चित्रों की विशिष्ट विशेषताएं। वेटिकन में सिस्टिन चैपल में पेंटिंग।

थीसिस, जोड़ा गया 12/10/2017


माइकल एंजेलो बुओनारोती के काम की विशेषताओं का अध्ययन - इतालवी मूर्तिकार, चित्रकार, वास्तुकार, कवि। उच्च पुनर्जागरण की कला की विशिष्ट विशेषताएं। डेविड. माइकल एंजेलो - द क्रिएशन ऑफ एडम द्वारा सिस्टिन पेंटिंग से प्रसिद्ध फ्रेस्को।

प्रस्तुति, 10/24/2014 को जोड़ा गया


माइकल एंजेलो बुओनारोटी की संक्षिप्त जीवनी - महान मूर्तिकार और कलाकार। उनकी रचनात्मक उपलब्धियां: वखक और पीट की मूर्तियां, डेविड की संगमरमर की छवि, भित्तिचित्र "काशिन की लड़ाई" और "अंघियार की लड़ाई"। सिस्टिन चैपल में पेंटिंग का इतिहास।

प्रस्तुति, 12/21/2010 को जोड़ा गया


माइकल एंजेलो बुओनारोती (1475-1564) की जीवनी, उपस्थिति और चरित्र - इटली में पुनर्जागरण के महान प्रतिभाशाली वास्तुकार, साथ ही प्रारंभिक और देर से, पूर्ण और अधूरे कार्यों का विवरण। माइकल एंजेलो और विटोरिया कोलोना के बीच संबंधों का विश्लेषण।

सार, 11/14/2010 जोड़ा गया


इटली और उसके पूर्ववर्ती राज्यों के स्वदेशी लोगों की संस्कृति। इतालवी संस्कृति के इतिहास की अवधि। लियोनार्डो दा विंची का काम। एक युवा फ्लोरेंटाइन मोना लिसा की छवि। माइकल एंजेलो द्वारा वेटिकन में सिस्टिन चैपल में छत की पेंटिंग।

प्रस्तुति, जोड़ा गया 01/14/2014


माइकल एंजेलो बुओनारोती की जीवनी में मुख्य घटनाएँ - इतालवी मूर्तिकार, चित्रकार, वास्तुकार और कवि। उच्च पुनर्जागरण के आदर्शों की रचनात्मक अभिव्यक्ति और स्वर्गीय पुनर्जागरण की अवधि में मानवतावादी विश्वदृष्टि के संकट की दुखद भावना।

सार, जोड़ा गया 11/12/2011


सिस्टिन चैपल के निर्माण के इतिहास का अध्ययन - वेटिकन में पूर्व हाउस चर्च। एक अंडाकार तिजोरी के साथ हॉल का विवरण, वेदी से प्रवेश द्वार तक स्थित उत्पत्ति की पुस्तक के दृश्य। चैपल में आयोजित कॉन्क्लेव। माइकल एंजेलो द्वारा भित्तिचित्रों का एक चक्र जो छत को सुशोभित करता है।

प्रस्तुति, जोड़ा गया 04/23/2013


इटली का आध्यात्मिक और नैतिक वातावरण XIV-XVI। बुओनारोटी के काम के गठन और आधुनिक समाज में उसके प्रतिबिंब का विश्लेषण। माइकल एंजेलो के विचारों की मनोवैज्ञानिक संरचना। शक्ति के साथ प्रतिभा के संबंध का विश्लेषण। कटर और ब्रश की उत्कृष्ट कृतियाँ। काव्य विरासत।

थीसिस, जोड़ा गया 04/29/2017


घरेलू वैज्ञानिकों के कार्यों में लियोनार्डो दा विंची की कलात्मक रचनात्मकता का विश्लेषण। पुनर्जागरण के टाइटन के बारे में जीवनी संबंधी जानकारी। फ्रेस्को "द लास्ट सपर" की संरचना और कथानक। विश्व संस्कृति, विज्ञान और प्रौद्योगिकी के विकास में महान कलाकार और वैज्ञानिक का योगदान।