درام به عنوان نوعی تعریف ادبیات چیست؟ فهرست اجباری آثار نمایشی

آثار نمایشی (عملی دیگر) مانند آثار حماسی، مجموعه رویدادها، کنش های افراد و روابط آنها را بازآفرینی می کنند. نمایشنامه نویس مانند نویسنده یک اثر حماسی تابع «قانون توسعه کنش» است. اما تصویری روایی-توصیفی مفصل در درام وجود ندارد.

در واقع صحبت نویسنده در اینجا کمکی و اپیزودیک است. فهرست‌های بازیگران که گاه با ویژگی‌های مختصر، تعیین زمان و مکان عمل همراه است، از این قبیل است. توصیف وضعیت صحنه در ابتدای کنش ها و اپیزودها، و همچنین نظرات در مورد ماکت های فردی شخصیت ها و نشانه های حرکات، ژست ها، حالات چهره، لحن ها (اظهارات).

همه اینها متن فرعی یک اثر دراماتیک را تشکیل می دهد و متن اصلی آن زنجیره ای از گفته های شخصیت ها، ماکت ها و مونولوگ های آنهاست.

از این رو برخی از امکانات هنری محدود درام است. نویسنده نمایشنامه‌نویس تنها از بخشی از ابزارهای بصری استفاده می‌کند که در اختیار خالق رمان یا حماسه، داستان کوتاه یا داستان کوتاه است. و شخصیت های شخصیت ها در درام با آزادی و پری کمتری نسبت به حماسه آشکار می شوند. تی مان خاطرنشان کرد: «من درام را به عنوان هنر سیلوئت درک می کنم و تنها شخص روایت شده را به عنوان تصویری حجیم، یکپارچه، واقعی و پلاستیکی احساس می کنم.»

در عین حال، نمایشنامه نویسان، بر خلاف نویسندگان آثار حماسی، مجبورند خود را به مقدار متن کلامی که الزامات هنر نمایشی را برآورده می کند، محدود کنند. زمان عمل به تصویر کشیده شده در درام باید در چارچوب دقیق زمان صحنه باشد.

و اجرا در قالب های آشنا به تئاتر جدید اروپا، همانطور که می دانید، بیش از سه یا چهار ساعت طول نمی کشد. و این مستلزم اندازه مناسب متن نمایشی است.

زمان وقایع بازتولید شده توسط نمایشنامه نویس در طول قسمت صحنه فشرده یا کشیده نمی شود. شخصیت های درام بدون هیچ فواصل زمانی قابل توجهی به تبادل نظر می پردازند و اظهارات آنها همانطور که توسط K.S اشاره شده است. استانیسلاوسکی، یک خط مستحکم و پیوسته را تشکیل دهید.

اگر با کمک روایت، کنش به عنوان چیزی گذشته نقش می بندد، زنجیره دیالوگ ها و مونولوگ ها در درام، توهم زمان حال را ایجاد می کند. زندگی در اینجا گویی از چهره خودش صحبت می کند: بین آنچه به تصویر کشیده می شود و خواننده هیچ واسطه-راوی وجود ندارد.

اکشن در درام با حداکثر فوریت بازسازی می شود. طوری جریان دارد که گویی در مقابل چشمان خواننده جریان دارد. شیلر نوشت: «همه اشکال روایی، حال را به گذشته منتقل می‌کنند. همه چیزهای دراماتیک گذشته را به حال می‌سازند.»

درام صحنه محور است. تئاتر یک هنر عمومی و همگانی است. اجرا مستقیماً بر بسیاری از افراد تأثیر می گذارد، گویی در پاسخ به آنچه قبل از آنها اتفاق می افتد در یکی می شوند.

به گفته پوشکین، هدف درام این است که بر روی انبوه عمل کند، کنجکاوی آن را به خود مشغول کند» و برای این منظور «حقیقت احساسات» را به تصویر بکشد: «درام در میدان متولد شد و سرگرمی مردم را تشکیل داد. مردم، مانند کودکان، به سرگرمی، عمل نیاز دارند. درام او را با حوادث خارق العاده و عجیب روبرو می کند. مردم احساسات قوی می خواهند. خنده، حیف و وحشت سه رشته تخیل ما هستند که توسط هنر نمایشی به لرزه در می آیند.

ژانر دراماتیک ادبیات به ویژه با حوزه خنده ارتباط تنگاتنگی دارد، زیرا تئاتر در ارتباط نزدیک با جشن های توده ای، در فضای بازی و سرگرمی، تثبیت و توسعه یافت. O. M. Freidenberg خاطرنشان کرد: "ژانر کمیک برای دوران باستان جهانی است."

در مورد تئاتر و درام سایر کشورها و دوره ها نیز همین طور است. تی مان درست می گفت که «غریزه کمدی» را «اصل اساسی هر مهارت نمایشی» می خواند.

تعجب آور نیست که درام به سمت ارائه ظاهری تماشایی از آنچه به تصویر کشیده می شود، می کشد. تصاویر او هذلولی، جذاب، نمایشی و روشن به نظر می رسد. N. Boileau نوشت: "تئاتر به خطوط گسترده اغراق آمیز هم در صدا، هم در تلاوت و هم در حرکات نیاز دارد." و این خاصیت هنر صحنه همواره اثر خود را بر رفتار قهرمانان آثار نمایشی می گذارد.

بوبنوف (در پایین اثر گورکی) درباره ی جنون دیوانه وار کلش ناامید، که با نفوذ غیرمنتظره ای در گفتگوی عمومی، جلوه ای تئاتری به آن بخشید، می گوید: «چگونه در تئاتر بازی کرد.

قابل توجه (به عنوان ویژگی نوع دراماتیک ادبیات) سرزنش های تولستوی علیه دبلیو. شکسپیر به دلیل فراوانی هذل انگاری است که به همین دلیل "امکان یک تأثیر هنری نقض می شود". او درباره تراژدی «شاه لیر» نوشت: «از همان اولین کلمات، می توان یک اغراق را دید: اغراق در حوادث، اغراق در احساسات و اغراق در بیان.»

ال. تولستوی در ارزیابی آثار شکسپیر اشتباه کرد، اما ایده تعهد نمایشنامه نویس بزرگ انگلیسی به هذل نمایشی کاملاً موجه است. آنچه در مورد «شاه لیر» بدون دلیل گفته شد را می توان به کمدی ها و تراژدی های باستانی، آثار نمایشی کلاسیک، نمایشنامه های اف شیلر و وی هوگو و... نسبت داد.

در قرن 19-20، زمانی که میل به اصالت دنیوی در ادبیات غالب شد، قراردادهای ذاتی درام کمتر آشکار شد، اغلب آنها به حداقل کاهش می یافتند. خاستگاه این پدیده به اصطلاح «درام خرده بورژوایی» قرن هجدهم است که خالقان و نظریه پردازان آن دی. دیدرو و جی.ای. لسینگ.

آثار بزرگترین نمایشنامه نویسان روسی قرن نوزدهم. و آغاز قرن بیستم - A.N. استروفسکی، A.P. چخوف و ام. گورکی - با قابلیت اطمینان اشکال زندگی بازآفرینی شده متمایز می شوند. اما حتی زمانی که نمایشنامه نویسان به معقول بودن توجه داشتند، طرح داستانی، روانی و در واقع هذل کلامی همچنان ادامه داشت.

کنوانسیون های نمایشی حتی در دراماتورژی چخوف که حداکثر حد «شبیه زندگی» بود، خود را نشان داد. بیایید نگاهی به صحنه پایانی سه خواهر بیندازیم. یک زن جوان ده پانزده دقیقه پیش، احتمالا برای همیشه، از یکی از عزیزانش جدا شد. پنج دقیقه پیش دیگر از مرگ نامزدش مطلع شد. و اکنون آنها به همراه خواهر سوم، نتایج اخلاقی و فلسفی گذشته را جمع بندی می کنند و با صدای یک راهپیمایی نظامی در مورد سرنوشت نسل خود، در مورد آینده بشر فکر می کنند.

به سختی می توان تصور کرد که این اتفاق در واقعیت رخ دهد. اما ما متوجه غیرقابل قبول بودن پایان سه خواهر نیستیم، زیرا به این واقعیت عادت کرده ایم که درام به طور قابل توجهی اشکال زندگی مردم را تغییر می دهد.

موارد فوق عدالت قضاوت A.S. پوشکین را متقاعد می کند (از مقاله قبلاً ذکر شده او) که "ماهیت هنر نمایشی معقول بودن را حذف می کند". «با خواندن یک شعر، یک رمان، اغلب می‌توانیم خودمان را فراموش کنیم و باور کنیم که حادثه توصیف شده تخیلی نیست، بلکه حقیقت است.

در یک قصیده، در یک مرثیه می توان فکر کرد که شاعر احساسات واقعی خود را در شرایط واقعی به تصویر کشیده است. اما کجاست که اعتبار یک ساختمان به دو قسمت تقسیم می شود که یکی از آن ها پر از تماشاگرانی است که موافق هستند.

مهمترین نقش در آثار نمایشی به قراردادهای خودافشایی گفتاری شخصیت ها تعلق دارد که دیالوگ ها و مونولوگ های آنها که اغلب مملو از کلمات قصار و قصار است بسیار گسترده تر و مؤثرتر از اظهاراتی است که می توان در یک بیان کرد. وضعیت زندگی مشابه

ماکت‌های «به کنار» متعارف هستند، که انگار برای دیگر شخصیت‌های روی صحنه وجود ندارند، اما به وضوح برای مخاطب قابل شنیدن هستند، و همچنین مونولوگ‌هایی که شخصیت‌ها به تنهایی، تنها با خودشان بیان می‌کنند، که صرفاً صحنه‌ای هستند. تکنیک برای بیان گفتار درونی (تک گویی های زیادی مانند تراژدی های باستانی و دراماتورژی دوران مدرن وجود دارد).

نمایشنامه نویس با برپایی نوعی آزمایش، نشان می دهد که اگر فردی حالات خود را با حداکثر پر و روشنی در کلمات گفتاری بیان کند، چگونه خود را بیان می کند. و گفتار در یک اثر نمایشی اغلب شباهتی به کلام غنایی یا سخنوری هنری پیدا می‌کند: شخصیت‌ها در اینجا تمایل دارند خود را به‌عنوان بداهه‌نویس-شاعر یا استاد سخنرانی عمومی بیان کنند.

بنابراین، هگل تا حدی حق داشت و درام را ترکیبی از آغاز حماسی (حادثه) و غنایی (بیان گفتار) می دانست.

درام، همانطور که بود، دو زندگی در هنر دارد: تئاتر و ادبی. اثر نمایشی که اساس نمایشنامه ها را تشکیل می دهد و در ترکیب آنها وجود دارد، توسط عموم خوانندگان نیز درک می شود.

اما همیشه اینطور نبود. رهایی درام از صحنه به تدریج - طی چند قرن انجام شد و نسبتاً اخیراً به پایان رسید: در قرن 18-19. نمونه های مشهور جهانی نمایش (از دوران باستان تا قرن هفدهم) در زمان ایجاد آنها عملاً به عنوان آثار ادبی شناخته نمی شدند: آنها فقط به عنوان بخشی از هنرهای نمایشی وجود داشتند.

نه دبلیو. شکسپیر و نه جی بی مولیر توسط معاصران خود به عنوان نویسنده تلقی نمی شدند. نقش تعیین کننده ای در تقویت ایده درام به عنوان اثری که نه تنها برای تولید صحنه، بلکه برای خواندن نیز در نظر گرفته شده بود، توسط "کشف" در نیمه دوم قرن هجدهم شکسپیر به عنوان یک شاعر بزرگ نمایشی ایفا شد.

در قرن 19 (مخصوصاً در نیمه اول آن) شایستگی های ادبی درام غالباً بالاتر از منظره ها قرار می گرفت. بنابراین، گوته معتقد بود که "آثار شکسپیر برای چشمان بدن نیست" و گریبایدوف تمایل او به شنیدن ابیات "وای از شوخ" را از صحنه "کودکانه" نامید.

به اصطلاح Lesedrama (درام برای خواندن) که با تمرکز در درجه اول بر ادراک در خواندن ایجاد شده است، گسترده شده است. فاوست گوته، آثار دراماتیک بایرون، تراژدی‌های کوچک پوشکین، درام‌های تورگنیف که نویسنده در مورد آن‌ها اظهار داشت: «نمایشنامه‌های من که روی صحنه رضایت‌بخش نیستند، ممکن است علاقه‌مند به خواندن باشند».

هیچ تفاوت اساسی بین Lesedrama و نمایشنامه، که نویسنده به سمت تولید صحنه است، وجود ندارد. درام‌هایی که برای خواندن خلق می‌شوند، اغلب به طور بالقوه درام‌های صحنه‌ای هستند. و تئاتر (از جمله تئاتر مدرن) سرسختانه به دنبال آنهاست و گاهی اوقات کلید آنها را پیدا می کند که شاهد آن تولیدات موفق تورگنیف "یک ماه در کشور" است (اول از همه اینها اجرای معروف قبل از انقلاب است. تئاتر هنر) و تراژدی‌های کوچک پوشکین در قرن بیستم، نمایش‌های متعدد (هرچند که همیشه موفق نیستند).

حقیقت قدیمی به قوت خود باقی است: مهمترین، هدف اصلی درام صحنه است. A.N.Ostrovsky خاطرنشان کرد: «فقط زمانی که روی صحنه اجرا می شود، داستان دراماتیک نویسنده شکلی کاملاً تمام شده به خود می گیرد و دقیقاً همان کنش اخلاقی را ایجاد می کند که نویسنده برای خود هدف تعیین کرده است.»

خلق یک پرفورمنس بر اساس یک اثر دراماتیک با تکمیل خلاقانه آن همراه است: بازیگران از نقش هایی که بازی می کنند نقاشی های لحنی-پلاستیکی می سازند، هنرمند فضای صحنه را طراحی می کند، کارگردان میزانسن ها را توسعه می دهد. در این راستا، مفهوم نمایشنامه تا حدودی تغییر می کند (به برخی از جنبه های آن توجه بیشتری می شود، به برخی دیگر کمتر توجه می شود)، اغلب عینی و غنی می شود: تولید صحنه، سایه های معنایی جدیدی را وارد درام می کند.

در عین حال، اصل خوانش مؤمنانه از ادبیات برای تئاتر از اهمیت بالایی برخوردار است. از کارگردان و بازیگران خواسته می شود تا اثر صحنه شده را با حداکثر کمال ممکن به مخاطب منتقل کنند. وفاداری صحنه خوانی در جایی اتفاق می افتد که کارگردان و بازیگران اثر نمایشی را در محتوای اصلی، ژانر و ویژگی های سبک آن عمیقاً درک کنند.

تولیدات صحنه ای (و همچنین اقتباس های سینمایی) تنها در مواردی مشروع است که بین کارگردان و بازیگران و دایره ایده های نویسنده نمایشنامه نویس توافق (حتی نسبی) وجود داشته باشد، زمانی که چهره های صحنه به دقت به معنای آن توجه داشته باشند. کار صحنه‌ای، به ویژگی‌های ژانر، ویژگی‌های سبک آن و به خود متن.

در زیبایی شناسی کلاسیک قرن 18-19، به ویژه توسط هگل و بلینسکی، درام (عمدتاً ژانر تراژدی) به عنوان عالی ترین شکل خلاقیت ادبی در نظر گرفته می شد: به عنوان "تاج شعر".

مجموعه کاملی از دوره های هنری، در واقع، خود را عمدتاً در هنر نمایشی نشان داده است. آیسخلوس و سوفوکل در دوران شکوفایی فرهنگ باستان، مولیر، راسین و کورنیل در دوران کلاسیکیسم در میان نویسندگان آثار حماسی همتای نداشتند.

از این نظر اثر گوته قابل توجه است. تمام ژانرهای ادبی در اختیار نویسنده بزرگ آلمانی بود، اما او تاج زندگی هنری خود را با خلق اثری دراماتیک - فاوست جاودانه - کرد.

در قرون گذشته (تا قرن هجدهم)، درام نه تنها با موفقیت با حماسه رقابت کرد، بلکه اغلب به شکل پیشرو بازتولید هنری زندگی در فضا و زمان تبدیل شد.

این به دلایل مختلفی است. اولاً، هنر تئاتر نقش عظیمی را ایفا کرد که (برخلاف کتاب‌های دست‌نویس و چاپی) برای گسترده‌ترین اقشار جامعه قابل دسترسی بود. ثانیاً، ویژگی‌های آثار نمایشی (تصویر شخصیت‌ها با ویژگی‌های برجسته، بازتولید احساسات انسانی، کشش به پاتوس و گروتسک) در عصر "پیش رئالیستی" کاملاً با روندهای عمومی ادبی و هنری عمومی مطابقت داشت.

و اگرچه در قرن های XIX-XX. رمان روان‌شناختی-اجتماعی، ژانری از ادبیات حماسی، به خط مقدم ادبیات منتقل شد؛ آثار نمایشی هنوز هم جایگاه افتخاری دارند.

V.E. نظریه ادبیات خلیزف. 1999

نمایش(δρᾶμα - کردار، کنش) - یکی از سه نوع ادبیات، همراه با حماسه و غزل، به طور همزمان به دو نوع هنر تعلق دارد: ادبیات و تئاتر.

درام که برای نمایش روی صحنه در نظر گرفته شده است از نظر رسمی با شعر حماسی و غنایی تفاوت دارد زیرا متن موجود در آن در قالب کپی شخصیت ها و سخنان نویسنده ارائه می شود و قاعدتاً به کنش ها و پدیده ها تقسیم می شود. هر اثر ادبی که در قالب دیالوگ ساخته شود، اعم از کمدی، تراژدی، درام (به عنوان یک ژانر)، مسخره، وودویل و غیره، به نوعی به درام اشاره دارد.

از زمان های قدیم، به صورت فولکلور یا ادبی در میان مردمان مختلف وجود داشته است. یونانیان باستان، سرخپوستان باستان، چینی ها، ژاپنی ها و سرخپوستان آمریکا مستقل از یکدیگر، سنت های نمایشی خود را خلق کردند.

درام به معنای واقعی کلمه از یونانی باستان ترجمه شده است.

انواع درام (ژانرهای دراماتیک)

• تراژدی
• درام جنایی
• درام در شعر
• ملودرام
• هیرودرام
• رمز و راز
• کمدی
• وودویل

تاریخ درام

مبانی درام - در شعر بدوی، که در آن عناصر اشعار، حماسه و درام که بعداً ظهور کردند در ارتباط با موسیقی و حرکات تقلیدی ادغام شدند. پیش از این در میان اقوام دیگر، نمایش به عنوان گونه ای خاص از شعر در میان هندوها و یونانیان شکل گرفت.

درام یونانی که طرح‌های جدی مذهبی و اسطوره‌ای (تراژدی) و سرگرم‌کننده‌های برگرفته از زندگی مدرن (کمدی) را توسعه می‌دهد، به کمال بالایی می‌رسد و در قرن شانزدهم الگویی برای درام اروپایی است که تا آن زمان بی‌هدفانه طرح‌های سکولار مذهبی و روایی را پردازش می‌کرد. (رازها، درام‌های مدرسه و میان‌آهنگ، fastnachtspiel، sottises).

نمایشنامه‌نویسان فرانسوی به تقلید از یونانی‌ها به مقررات خاصی پایبند بودند که برای شأن زیبایی‌شناختی نمایشنامه غیرقابل تغییر تلقی می‌شد، مانند: وحدت زمان و مکان. مدت زمان اپیزود به تصویر کشیده شده روی صحنه نباید از یک روز تجاوز کند. عمل باید در همان مکان انجام شود. درام باید در 3-5 عمل به درستی توسعه یابد، از طرح داستان (پیدا کردن موقعیت اولیه و شخصیت های شخصیت ها) تا فرازهای میانی (تغییر در موقعیت ها و روابط) تا پایان (معمولاً یک فاجعه). تعداد بازیگران بسیار محدود است (معمولاً 3 تا 5 نفر). اینها منحصراً بالاترین نمایندگان جامعه (پادشاهان، ملکه ها، شاهزادگان و شاهزاده خانم ها) و نزدیکترین خدمتگزاران آنها، معتمدان، هستند که برای سهولت انجام گفتگو و بیان سخنان به صحنه معرفی می شوند. اینها ویژگی های اصلی درام کلاسیک فرانسوی (کرنیل، راسین) هستند.

سختگیری الزامات سبک کلاسیک قبلاً در کمدی ها (مولیر ، لوپ دو وگا ، بومارشا) کمتر مورد احترام بود ، که به تدریج از متعارف بودن به تصویر زندگی معمولی (ژانر) منتقل شد. آثار شکسپیر، فارغ از قراردادهای کلاسیک، مسیرهای جدیدی را برای نمایش گشود. پایان قرن هجدهم و نیمه اول قرن نوزدهم با ظهور درام های رمانتیک و ملی مشخص شد: لسینگ، شیلر، گوته، هوگو، کلایست، گرابه.

در نیمه دوم قرن نوزدهم، رئالیسم در درام اروپایی (دوما پسر، اوژیه، ساردو، پالرون، ایبسن، زودرمن، شنیتزلر، هاوپتمن، بیرلین) غالب شد.

در ربع آخر قرن نوزدهم، تحت تأثیر ایبسن و مترلینک، نمادگرایی شروع به تسخیر صحنه اروپا کرد (هاپتمن، پرزیبیشفسکی، بار، داانونزیو، هوفمانستال).

Origin Drama را بیشتر ببینید

نمایش در روسیه

درام در اواخر قرن هفدهم از غرب به روسیه آورده شد. ادبیات نمایشی مستقل تنها در پایان قرن هجدهم ظاهر می شود. تا ربع اول قرن نوزدهم، جهت کلاسیک در درام چه در تراژدی و چه در اپرای کمدی و کمدی غالب بود. بهترین نویسندگان: لومونوسوف، کنیازنین، اوزروف؛ تلاش آی. لوکین برای جلب توجه نمایشنامه نویسان به تصویر کردن زندگی و آداب و رسوم روسی بیهوده ماند: همه نمایشنامه های آنها بی روح، خفه شده و با واقعیت روسی بیگانه است، به جز نمایشنامه معروف "زیرزانی" و "سرتیپ" فونویزین، " کپنیست یابدا و چند کمدی از I. A. Krylov.

در آغاز قرن نوزدهم، شاخوفسکوی، خملنیتسکی، زاگوسکین مقلد درام و کمدی سبک فرانسوی شدند و عروسک ساز نماینده درام میهن پرستانه استوار بود. کمدی گریبودوف وای از شوخ طبعی، بعدها بازرس کل گوگول، ازدواج، اساس درام روزمره روسی شد. پس از گوگول، حتی در وودویل (D. Lensky، F. Koni،

از یک سو هنگام کار در درام از وسایلی که در زرادخانه نویسنده است استفاده می شود، اما از سوی دیگر اثر نباید ادبی باشد. نویسنده وقایع را به گونه‌ای توصیف می‌کند که فردی که آزمون را می‌خواند می‌تواند هر اتفاقی را که می‌افتد در تخیل خود ببیند. به عنوان مثال، به جای "آنها برای مدت طولانی در بار نشستند" می توانید بنویسید "هر کدام شش آبجو نوشیدند" و غیره.

در درام، آنچه اتفاق می افتد نه از طریق بازتاب های درونی، بلکه از طریق کنش بیرونی نشان داده می شود. علاوه بر این، همه رویدادها در زمان حال رخ می دهند.

همچنین محدودیت های خاصی برای حجم کار اعمال می شود، زیرا. باید در مدت زمان تعیین شده (حداکثر حداکثر 3-4 ساعت) روی صحنه ارائه شود.

الزامات نمایش به عنوان یک هنر صحنه ای، اثر خود را در رفتار، حرکات، سخنان شخصیت ها که اغلب اغراق آمیز است، می گذارد. چیزی که در زندگی در چند ساعت نمی تواند اتفاق بیفتد، در درام به خوبی می تواند اتفاق بیفتد. در عین حال، مخاطب از متعارف بودن، غیرقابل قبول بودن شگفت زده نخواهد شد، زیرا این ژانر در ابتدا تا حدی به آنها اجازه می دهد.

در روزگار کتاب‌هایی که برای بسیاری گران‌قیمت و غیرقابل دسترس بود، نمایش (به عنوان اجرای عمومی) شکل پیشرو بازتولید هنری زندگی بود. با این حال، با توسعه فناوری چاپ، جایگاه خود را نسبت به ژانرهای حماسی از دست داده است. با این وجود، حتی امروزه نیز آثار نمایشی در میان جامعه مورد تقاضا هستند. مخاطب اصلی درام البته تماشاگران تئاتر و سینما هستند. علاوه بر این، تعداد دومی از تعداد خوانندگان بیشتر است.

آثار نمایشی بسته به شیوه صحنه‌پردازی می‌تواند به صورت نمایشنامه و فیلمنامه باشد. تمام آثار نمایشی که برای اجرا از صحنه تئاتر در نظر گرفته شده اند، نمایشنامه (به فرانسوی pi èce) نامیده می شوند. آثار نمایشی که بر اساس آنها فیلم ساخته می شود، فیلمنامه هستند. هر دو نمایشنامه و فیلمنامه حاوی سخنان نویسنده برای نشان دادن زمان و مکان عمل، نشان دادن سن، ظاهر شخصیت ها و غیره است.

ساختار نمایشنامه یا فیلمنامه از ساختار داستان پیروی می کند. معمولاً قسمت هایی از نمایشنامه به عنوان یک کنش (عمل)، یک پدیده، یک قسمت، یک تصویر تعیین می شود.

ژانرهای اصلی آثار نمایشی:

- نمایش،

- تراژدی

- کمدی

- تراژیکمدی

- مسخره

- وودویل

- طرح.

نمایش

درام اثری ادبی است که درگیری جدی بین بازیگران یا بین بازیگران و جامعه را به تصویر می‌کشد. رابطه بین شخصیت ها (قهرمانان و جامعه) در آثار این ژانر همیشه پر از درام است. در روند توسعه طرح، کشمکش شدیدی هم در درون شخصیت ها و هم بین آنها وجود دارد.

اگرچه درگیری در درام بسیار جدی است، اما با این وجود می توان آن را حل کرد. این شرایط فتنه، انتظار پرتنش مخاطب را توضیح می دهد: آیا قهرمان (قهرمانان) می تواند از موقعیت خارج شود یا نه.

درام با توصیف زندگی روزمره واقعی، فرمول بندی پرسش های "فانی" وجود انسان، افشای عمیق شخصیت ها، دنیای درونی شخصیت ها مشخص می شود.

انواع درام مانند تاریخی، اجتماعی، فلسفی وجود دارد. درام یک ملودرام است. در آن، شخصیت ها به وضوح به مثبت و منفی تقسیم می شوند.

درام‌های معروف: اتللو اثر دبلیو. شکسپیر، در پایین اثر ام. گورکی، گربه‌ای روی سقف داغ اثر تی ویلیامز.

تراژدی

تراژدی (از سرود یونانی تراگوس - "آواز بز") یک اثر ادبی دراماتیک است که بر اساس یک درگیری آشتی ناپذیر زندگی است. تراژدی با مبارزه شدید شخصیت ها و احساسات قوی مشخص می شود که به نتیجه فاجعه آمیزی برای شخصیت ها ختم می شود (معمولاً مرگ).

تضاد یک تراژدی معمولاً بسیار عمیق است، معنایی جهانی دارد و می تواند نمادین باشد. قهرمان داستان، به عنوان یک قاعده، به شدت رنج می برد (از جمله از ناامیدی)، سرنوشت او ناخوشایند است.

متن تراژدی اغلب رقت انگیز به نظر می رسد. بسیاری از تراژدی ها به صورت شعر نوشته شده اند.

تراژدی های شناخته شده: "پرومته زنجیر شده" اثر آسیلوس، "رومئو و ژولیت" اثر دبلیو. شکسپیر، "طوفان رعد و برق" اثر آ. اوستروفسکی.

کمدی

کمدی (از یونانی کوموس ode - "آواز شاد") یک اثر ادبی دراماتیک است که در آن شخصیت ها، موقعیت ها و کنش ها به صورت طنز با استفاده از طنز و طنز ارائه می شوند. در عین حال، شخصیت ها می توانند کاملاً غمگین یا غمگین باشند.

معمولاً کمدی همه چیز زشت و مضحک، خنده دار و ناهنجار را ارائه می دهد، رذایل اجتماعی یا خانگی را به سخره می گیرد.

کمدی به کمدی نقاب ها، موقعیت ها، شخصیت ها تقسیم می شود. همچنین این ژانر شامل مسخره، وودویل، نمایش جانبی، طرح است.

کمدی موقعیت‌ها (کمدی موقعیت‌ها، کمدی موقعیت‌ها) یک اثر کمدی دراماتیک است که در آن رویدادها و شرایط منشأ خنده‌دار هستند.

کمدی شخصیت ها (کمدی آداب) یک اثر کمدی دراماتیک است که منبع طنز آن جوهر درونی شخصیت ها (اخلاق)، یک طرفه بودن خنده دار و زشت، یک خصلت یا اشتیاق اغراق آمیز (نقص، نقص) است.
مسخره یک کمدی سبک است که از تکنیک های کمیک ساده استفاده می کند و برای سلیقه خشن طراحی شده است. معمولاً از یک مسخره در یک بازی سیرک استفاده می شود.

Vaudeville یک کمدی سبک با فتنه ای سرگرم کننده است که تعداد زیادی رقص و آهنگ دارد. در ایالات متحده، وودویل یک موزیکال نامیده می شود. در روسیه مدرن، گفتن "موزیکال" به معنای وودویل نیز رایج است.

اینترلود یک صحنه کمیک کوچک است که بین کنش های اجرا یا اجرا اصلی پخش می شود.

اسکچ (به انگلیسی sketch - “sketch, sketch, sketch”) یک اثر کمدی کوتاه با دو یا سه شخصیت است. معمولاً به ارائه اسکیس روی صحنه و تلویزیون متوسل می شود.

کمدی های معروف: "قورباغه ها" اثر آریستوفان، "بازرس دولت" اثر N. Gogol، "وای از هوش" اثر A. Griboyedov.

برنامه های تلویزیونی معروف: روسیه ما، شهر، سیرک پرواز مونتی پایتون.

تراژیکمدی

تراژیکمدی اثری ادبی دراماتیک است که در آن یک طرح تراژیک به صورت کمیک به تصویر کشیده می شود یا ترکیبی تصادفی از عناصر تراژیک و کمیک است. در تراژیکمدی، اپیزودهای جدی با اپیزودهای خنده دار ترکیب می شوند، شخصیت های عالی توسط شخصیت های کمیک به نمایش در می آیند. روش اصلی تراژیکمدی گروتسک است.

می‌توان گفت: «تراژیکمدی خنده‌دار در تراژیک است» یا برعکس، «تراژیک در خنده‌دار».

تراژیک کمدی های شناخته شده: "الستیس" نوشته اوریپید، "طوفان" اثر دبلیو. شکسپیر، "باغ آلبالو" اثر آ. چخوف، فیلم های "فارست گامپ"، "دیکتاتور بزرگ"، "همان مونچازن".

اطلاعات دقیق تر در مورد این موضوع را می توان در کتاب های A. Nazaikin یافت

یونانیدرام - اکشن) - نوعی ادبیات که در آن تصویری از زندگی از طریق رویدادها ، اعمال ، درگیری قهرمانان ارائه می شود. از طریق پدیده هایی که دنیای بیرون را می سازند.

تعریف عالی

تعریف ناقص ↓

نمایش

یونانی درام - اکشن).- 1. یکی از اصلی ترین. تولد هنرمند ادبیات (همراه با اشعار و حماسه)، پوشش آثاری که معمولاً قرار است روی صحنه اجرا شوند. به انواع ژانرها تقسیم می شود: تراژدی، کمدی، درام به معنای محدود، ملودرام، مسخره. متن دراماتیک شامل دیالوگ ها و مونولوگ های شخصیت هایی است که مظهر شخصیت های انسانی خاصی هستند که در کنش ها و گفتارها نمایان می شود. ماهیت درام افشای تضادهای واقعیت است که در تضادهایی که توسعه کنش اثر را تعیین می کند و در تضادهای درونی ذاتی شخصیت شخصیت ها تجسم می یابد. توطئه ها، فرم ها و سبک های نمایش در طول تاریخ فرهنگی تغییر کرده اند. در ابتدا، اسطوره ها به عنوان موضوع تصویر عمل می کردند که در آن تجربه معنوی بشر تعمیم می یافت (D. شرق، یونان باستان، مذهبی D. قرون وسطی اروپایی). نقطه عطفی در نمایشنامه‌سازی با توسل به تاریخ واقعی و دولت و درگیری‌های روزمره اتفاق افتاد (د. ووزروژدنیه، دراماتورژی شکسپیر، لوپه دو وگا، کورنیل، راسین و دیگران). توطئه های D. شروع به بازتاب وقایع و شخصیت های باشکوه و قهرمانانه کرد. در قرن هجدهم. تحت تأثیر زیبایی شناسی روشنگری، D.

مروجین طبقه بورژوا در حال ظهور (دیدرو، لسینگ). رئالیسم رمانتیسیسم روشنگری نیمه اول قرن نوزدهم. تضاد توطئه های افسانه ای و تاریخی، قهرمانان خارق العاده، شدت احساسات. در آستانه قرن XIX-XX. نمادگرایی موضوعات اساطیری را در D. احیا می کند، در حالی که طبیعت گرایی به تاریک ترین جنبه های زندگی روزمره می پردازد. د. در هنر سوسیالیستی، تلاش برای پوشش جامع واقعیت، از سنت های رئالیسم دوره قبل پیروی می کند و اغلب رئالیسم را با رمانس انقلابی تکمیل می کند. 2. انواع نمایشنامه‌ها که در آن تعارض یک پایان تراژیک و مرگبار دریافت نمی‌کند، اما کنش شخصیتی صرفاً کمیک نیز پیدا نمی‌کند. این ژانر درام که حد واسط بین تراژدی و کمدی است، به ویژه در نیمه دوم قرن 19 و 20 گسترش یافت. نمونه بارز چنین تنوعی از نمایشنامه ها، دراماتورژی A.P. چخوف است.

تعریف عالی

تعریف ناقص ↓

که در یک طرح کوتاه اجازه می دهد تا درگیری های جامعه، احساسات و روابط شخصیت ها را نشان دهد، مسائل اخلاقی را آشکار کند. تراژدی، کمدی و حتی طرح های مدرن، همه انواع این هنر هستند که در یونان باستان سرچشمه گرفته اند.

درام: کتابی با شخصیت پیچیده

در یونانی، کلمه "drama" به معنای "عمل کردن" است. درام (تعریف در ادبیات) اثری است که تضاد بین شخصیت ها را آشکار می کند. شخصیت شخصیت ها از طریق اعمال آشکار می شود و روح - از طریق دیالوگ ها. آثار این ژانر دارای طرح پویا هستند، از طریق دیالوگ های شخصیت ها، کمتر - مونولوگ یا چند زبانه - ساخته می شوند.

در دهه 1960، وقایع نگاری به عنوان یک درام ظاهر شد. نمونه هایی از آثار استروفسکی "مینین-سوخوروک"، "وئوودا"، "واسیلیسا ملنتیونا" درخشان ترین نمونه های این ژانر نادر هستند. سه گانه کنت A. K. تولستوی: "مرگ ایوان وحشتناک" ، "تزار فئودور یوآنویچ" و "تزار بوریس" و همچنین وقایع نگاری های چائو ("تزار واسیلی شویسکی") با همین شایستگی ها متمایز می شوند. درام ترقه در آثار Averkin ذاتی است: "قتل عام ماما"، "کمدی در مورد نجیب زاده روسی Frol Skobeev"، "Kashirskaya باستان".

دراماتورژی مدرن

امروزه دراماتورژی به پیشرفت خود ادامه می دهد، اما در عین حال بر اساس تمام قوانین کلاسیک این ژانر ساخته شده است.

در روسیه امروزی، درام در ادبیات نام هایی مانند نیکولای اردمن، میخائیل چوسوف است. همانطور که مرزها و قراردادها پاک می شوند، مضامین غنایی و تضاد به جلو می آیند که بر ویستن اودن، توماس برنهارد و مارتین مک دونا تأثیر می گذارد.