Пейзажна живопис от руски художници. Зимни пейзажи от известни руски художници Репродукции на картини на руски пейзажисти

Остроухов.И.С.

Остроухов И.С.


Остроухов И.С.


Поленов В.Д.


Шишкин И.И.


Шишкин И.И.


Шишкин И.И.


Куинджи А.И.


Куинджи А.И.

Жуковски С.Ю.


Левитан И.И.


Левитан И.И.


Левитан И.И.


Левитан И.И.

Петровичев П.И.

Ако по време на строителството или монтажа имате нужда от поцинкован профил, посетете сайта: tdemon.ru. Тук ще намерите и други разнообразни продукти, необходими за изграждане и монтаж. Цялата гама продукти на достъпни цени.

Първите живописни пейзажи се появяват в Русия през втората половина на 18 век - след като през 1757 г. в Санкт Петербург се открива Императорската художествена академия по образец на европейските академии, където наред с другите жанрови класове има и клас по пейзажна живопис. Има и искане за „премахване на гледки“ от паметни и архитектурно значими места. Класицизмът - и това време на неговото господство - настройва окото към възприятието само на това, което предизвиква високи асоциации: величествени сгради, могъщи дървета, панорами, напомнящи за античен героизъм. И природа, и градска ведута Жанрът ведута (от италиански veduta - гледка) беше изображението на града от особено изгодна гледна точка.трябва да бъдат представени в техния идеален вид, каквито трябва да бъдат.

Изглед към двореца Гатчина от Лонг Айлънд. Картина на Семьон Шчедрин. 1796 г

Кулата Мил и Пийл в Павловск. Картина на Семьон Шчедрин. 1792 гСамарски регионален художествен музей

Червения площад в Москва. Картина на Фьодор Алексеев. 1801 гДържавна Третяковска галерия

Изглед към фондовата борса и Адмиралтейството от Петропавловската крепост. Картина на Фьодор Алексеев. 1810 гДържавна Третяковска галерия

Пейзажите са рисувани от природата, но със сигурност са финализирани в работилницата: пространството е разделено на три разбираеми плана, перспективата е оживена от човешки фигури - така нареченият персонал - и композиционният ред е подсилен от условен цвят. И така, Семьон Шчедрин изобразява Гатчина и Павловск, а Фьодор Алексеев изобразява московските площади и насипите на Санкт Петербург; Впрочем и двамата са завършили художественото си образование в Италия.

2. Защо руските художници рисуват италиански пейзажи

В още по-голяма степен следващият етап в развитието на руския пейзаж, романтичният етап, ще бъде свързан с Италия. Отивайки там като пенсионери, тоест за стаж след успешно завършване на Академията, художниците от първата половина на 19 век като правило не бързат да се върнат. Самият южен климат им се струва знак за липсата на свобода в родината им, а вниманието към климата е желанието да го изобразят: специфичната светлина и въздух на топла свободна земя, където лятото винаги продължава. Това открива възможност за овладяване на пленерната живопис - възможност за изграждане на цветова гама в зависимост от реалното осветление и атмосфера. Някогашният класически пейзаж изискваше героична природа, фокусирана върху значимото, вечното. Сега природата се превръща в среда, в която живеят хората. Разбира се, романтичният пейзаж (както всеки друг) също включва селекция - само това, което изглежда красиво, влиза в рамката: само това е друго красиво нещо. Пейзажи, които съществуват независимо от човека, но благоприятни за него - такава представа за "правилната" природа съвпада с италианската реалност.

Лунна нощ в Неапол. Картина на Силвестър Шчедрин. 1828 гДържавна Третяковска галерия

Пещерата на Матроманио на остров Капри. Картина на Силвестър Шчедрин. 1827 гДържавна Третяковска галерия

Водопади в Тиволи. Картина на Силвестър Шчедрин. Началото на 1820-теДържавна Третяковска галерия

Веранда, покрита с грозде. Картина на Силвестър Шчедрин. 1828 гДържавна Третяковска галерия

Силвестър Шчедрин живее в Италия 12 години и през това време успява да създаде своеобразен тематичен речник на романтични пейзажни мотиви: лунна нощ, море и пещера, откъдето се отваря морето, водопади и тераси. Природата му съчетава универсалното и интимното, пространството и възможността да се скриете от него в сянката на лозова пергола. Тези перголи или тераси са като вътрешни заграждения в безкрая, където с гледка към Неаполитанския залив скитниците лацарони се отдават на блажено безделие. Те сякаш са част от самата композиция на пейзажа – свободни деца на дивата природа. Шчедрин, както се очакваше, финализира картините си в ателието, но стилът му на рисуване демонстрира романтично вълнение: открит мазък извайва формите и текстурите на нещата, сякаш в темпото на тяхното мигновено разбиране и емоционална реакция.

Явяване на Месията (Явяването на Христос пред хората). Живопис на Александър Иванов. 1837–1857Държавна Третяковска галерия

Явяване на Христос пред хората. Първоначална скица. 1834 г

Явяване на Христос пред хората. Скеч, написан след пътуване до Венеция. 1839 гДържавна Третяковска галерия

Явяване на Христос пред хората. Скица "Строганов". 1830 гДържавна Третяковска галерия

Но Александър Иванов, по-младият съвременник на Шчедрин, открива друга природа - несвързана с човешките чувства. Повече от 20 години той работи върху картината „Появата на Месията“, а пейзажите, както всичко останало, са създадени в косвена връзка с нея: всъщност те често се смятат от автора за скици, но бяха изпълнени с изобразителна задълбоченост. От една страна, това са пусти панорами на италианските равнини и блата (свят, който все още не е хуманизиран от християнството), от друга страна, близки планове на природни елементи: един клон, камъни в поток и дори просто сухи земя, също панорамно дадена от безкраен хоризонтален фриз Например в картината „Почвата близо до портите на църквата Св. Павел в Албано“, рисувана през 1840 г.. Вниманието към детайла също е изпълнено с внимание към ефектите на пленера: към това как небето се отразява във водата и неравната почва улавя рефлексите на слънцето - но цялата тази точност се превръща в нещо фундаментално, образ на вечната природа в нейния фундаментални основи. Предполага се, че Иванов е използвал lucida camera - устройство, което спомага за фрагментирането на видимото. Шчедрин вероятно също го е използвал, но с различен резултат.

3. Как се появи първият руски пейзаж

Засега природата е красива и следователно чужда: красотата се отрича на собствената. „Руските италианци“ не се вдъхновяват от студената Русия: нейният климат е свързан с липсата на свобода, с вцепенението на живота. Но в различен кръг подобни асоциации не възникват. Никифор Крилов, ученик на Алексей Гаврилович Венецианов, който не е пътувал извън родината и е далеч от романтичния светоглед, вероятно не е знаел думите на Карл Брюлов за невъзможността да се напише сняг и зима („всичко ще излезе като разлято мляко “). И през 1827 г. той създава първия национален пейзаж - само зимен.

В училището, което отвори в село Сафонко-во Сега Венецианово., Венецианов учи „нищо да не се изобразява по различен начин, отколкото е в природата, и да се подчинява само на него“ (в Академията, напротив, учат да се съсредоточават върху образци, върху изпитаното и идеалното). От високия бряг на Тосна природата се открива панорамно – в широка перспектива. Панорамата е ритмично обитавана, а фигурите на хората не се губят в пространството, а са му близки. Много по-късно именно тези типове „щастливи хора” – мъж, водещ кон, селянка с къс ум – ще придобият някакъв сувенирен акцент в живописта, но засега това е първата им поява и те са нарисувани внимателно отблизо. Равномерната светлина на снега и небето, сините сенки и прозрачните дървета представят света като идилия, като център на спокойствие и ред. Още по-остро това светоусещане ще бъде въплътено в пейзажите на друг ученик на Венецианов, Григорий Сорока.

Крепостният художник (Венецианов, който беше приятел със своя „собственик“, така и не успя да освободи любимия си ученик) Сврака е най-талантливият представител на така наречения руски бидермайер (както е изкуството на учениците от училището Венецианов). Наречен). През целия си живот той рисува интериора и околностите на имението, а след реформата от 1861 г. става селски активист, за което е арестуван за кратко и, вероятно, телесно наказан, след което се обеси. Други подробности от биографията му са неизвестни, запазени са малко творби.

Неговите "Рибари" изглеждат най-"тихата" картина в целия корпус на руската живопис. И най-"балансираният". Всичко се отразява във всичко и се римува с всичко: езерото, небето, сградите и дърветата, сенките и отблясъците, хората в домашни бели дрехи. Весло, спуснато във водата, не предизвиква пръски или дори вълни по водната повърхност. Перлените нюанси в бялото и тъмнозеленото на платното превръщат цвета в светло — може би вечерно, но по-трансцендентно, небесно: дифузно, спокойно излъчване. Изглежда, че хващането на риба предполага действие, но то не съществува: неподвижните фигури не внасят жанров елемент в пространството. И самите тези фигури в селски панталони и ризи не приличат на селяни, а на герои от епическа приказка или песен. Бетонен пейзаж с езеро в село Спаское се превръща в идеален образ на природата, тиха и леко замечтана.

4. Как руският пейзаж улавя руския живот

Картината на венецианците в общото поле на руското изкуство заема скромно място и не попада в основния поток. До началото на 1870 г. пейзажът се развива в съответствие с романтичната традиция, увеличавайки ефектите и пищността; доминиран от италиански паметници и руини, гледки към морето при залез слънце и лунни нощи (такива пейзажи могат да бъдат намерени например при Айвазовски, а по-късно и при Куинджи). И в началото на 1860-70-те се случва рязък повторен брак. Първо, това е свързано с появата на сцената на домашна природа, и второ, с факта, че тази природа е декларативно лишена от всички признаци на романтична красота. През 1871 г. Фьодор Василиев рисува „Размразяването“, която Павел Михайлович Третяков веднага придоби за колекцията; през същата година Алексей Саврасов показа своите по-късно известни „Грачи“ на първата пътуваща изложба (тогава картината се наричаше „Тук пристигнаха топовете“).

Както в „Размразяването“, така и в „Туровете“ сезонът не е дефиниран: вече не е зима, още не е пролет. Критикът Стасов се възхищаваше как Саврасов „чуваше зимата“, докато други зрители „чуваха“ само пролетта. Преходното, променливо състояние на природата направи възможно насищането на картината с фини атмосферни рефлекси, за да я направи динамична. Но иначе тези пейзажи са за различни неща.

Василиев концептуализира свлачището - то се проектира върху съвременния социален живот: същото безвремие, скучно и безнадеждно. Цялата вътрешна литература, от революционно-демократичните произведения на Василий Слепцов до антинихилистичните романи на Николай Лесков (заглавието на един от тези романи - "Никъде" - може да стане името на картината), фиксира невъзможността на пътя - тази безизходица, в която мъж и момче се губят в пейзажа. Да, и в пейзаж, нали? Пространството е лишено от пейзажни координати, с изключение на мизерни заснежени колиби, дървесни боклуци, затънали в киша, и изкривени дървета върху планински чадър. То е панорамно, но притиснато от сивото небе, незаслужаващо светлина и цвят – пространство, в което няма ред. Саврасов има нещо друго. Той като че ли подчертава и прозаизма на мотива: църквата, която би могла да стане обект на „фотография“, е отстъпила място на просцениума от криви брези, ноздрите – този сняг и локвите от стопена вода. „Руски“ означава „беден“, невзрачен: „оскъдна природа“, както при Тютчев. Но същият Тютчев, възпявайки „земята на родното си многострадание“, пише: „Той няма да разбере и няма да забележи / Гордия поглед на чужденец, / Какво блести и тайно блести / В твоята смирена голота, - а в "Турове" тази тайна светлина е . Небето заема половината от платното и оттук на земята идва напълно романтичен „небесен лъч“, осветяващ стената на храма, оградата, водата на езерото - той отбелязва първите стъпки на пролетта и придава на пейзажа своята емоционалност и лирическа окраска. Размразяването на Василиев обаче също обещава пролет и този смислов нюанс е възможен и тук, ако желаете да го видите - или да го прочетете тук.

5. Как се развива руската пейзажна школа

Селски път. Картина на Алексей Саврасов. 1873 гДържавна Третяковска галерия

вечер. Полет на птици. Картина на Алексей Саврасов. 1874 гОдески художествен музей

Саврасов е един от най-добрите руски колористи и един от най-„многоезичните“: той успя еднакво да нарисува пътна мръсотия („Селски път“) в интензивен и празничен цвят или да изгради най-фината минималистична хармония в пейзаж, състоящ се само от земя и небе („Вечерен полет на птици“). Преподавател в Московското училище по живопис, скулптура и архитектура, той повлия на мнозина; неговият виртуозен и открит стил на рисуване ще продължи с Поленов и Левитан, а мотивите ще резонират със Серов, Коровин и дори Шишкин (големи дъбове). Но просто Шишкин въплъщава различна идеология на бащиния пейзаж. Това е идея за героизъм (леко епична убедителност), за тържественото величие, сила и слава на "националното" и "народното". Патриотичен патос по свой собствен начин: могъщи борове, еднакви по всяко време на годината (променливостта на пленера беше определено чужда на Шишкин и той предпочиташе да рисува иглолистни дървета), събрани в горски комплект, и билки, изписани с всички грижи , също образуват набор от подобни билки, които не представляват ботаническо разнообразие. Характерно е, че например в картината "Ръж" дърветата на фона, намаляващи по размер според линейната перспектива, не губят яснотата на контурите, което би било неизбежно при отчитане на въздушната перспектива, но неприкосновеността на формите е важна за художника. Не е изненадващо, че първият му опит да изобрази светло-въздушната среда в картината „Сутрин в борова гора“ (написана в сътрудничество с Константин Савицки - мечките на неговата четка) предизвика вестникарска епиграма: „Иван Иванович, това ли е ти? Какво, бате, пуснаха в мъглата.

ръж. Картина на Иван Шишкин. 1878 гДържавна Третяковска галерия

Сутрин в борова гора. Живопис на Иван Шишкин и Константин Савицки. 1889 гДържавна Третяковска галерия

Шишкин няма последователи и като цяло руската пейзажна школа се развива, сравнително казано, по линията на Саврасов. Тоест, изпитване на интерес към динамиката на атмосферата и култивиране на етюдна свежест и открит начин на писане. Това се наслагва и от страстта към импресионизма, почти универсален през 1890-те години, и като цяло от жаждата за еманципация - поне еманципацията на цвета и техниката на четката. Например при Поленов – а не при някой друг – почти няма разлика между етюд и картина. Учениците на Саврасов, а след това и Левитан, който замени Саврасов в ръководството на пейзажния клас на Московското училище, реагираха рязко по внушителен ционистки начин на мигновени състояния на природата, на случайна светлина и внезапна промяна на времето - и тази острота и скорост на реакция се изразяват в излагането на техники, в това как чрез мотива и над мотива става разбираем самият процес на създаване на картина и волята на художника, който избира тези или онези изразителни средства. Пейзажът престана да бъде напълно обективен, личността на автора претендира за отстояване на собствена независима позиция - дотук в баланс с дадения вид. Левитан трябваше да обозначи тази позиция изцяло.

6. Как завърши пейзажният век

Исак Левитан се смята за създател на „пейзажа на настроението“, тоест художник, който до голяма степен проектира собствените си чувства върху природата. И наистина, в творбите на Левитан този градус е висок и гамата от емоции се изсвирва по цялата клавиатура, от тиха тъга до победоносно веселие.

Затваряйки историята на руския пейзаж от 19 век, Левитан сякаш синтезира всички негови движения, показвайки ги накрая с цялата яснота. В живописта му се срещат както майсторски написани бързи скици, така и епични панорами. Той еднакво усвои както импресионистичната техника за извайване на обем с отделни цветни щрихи (понякога надминаваща импресионистичната „норма“ в частичните текстури), така и постимпресионистичния ционистки метод на пастообразна цветна зидария.широки слоеве. Той умееше да вижда камерни ъгли, интимна природа - но също така показваше любов към откритите пространства (може би това беше начинът, по който споменът за бледа на заселването беше компенсиран - унизителната вероятност за изгонване от Москва висеше над художника като меч на Дамокъл дори по време на славата, два пъти го принуждава бързо да избяга от града).

Вечерно обаждане, вечерна камбана. Картина на Исак Левитан. 1892 гДържавна Третяковска галерия

„Далечни гледки“ може да се свърже както с патриотично оцветено усещане за простор („Свеж вятър. Волга“), така и да изрази скръбен копнеж – както в картината „Владимирка“, където драматичният спомен за мястото (те водеха към Сибир покрай този тежък труд придружава пътя) се чете без допълнителна среда в самия образ на пътя, разхлабен от дъждове или предишни шествия, под мрачно небе. И накрая, своеобразно откритие на Левитан - пейзажни елегии с философски характер, където природата става повод за размисъл върху кръговрата на битието и търсенето на непостижима хармония: „Тиха обител“, „Над вечния мир“, „ Вечерни камбани”.

Вероятно последната му картина „Езеро. Русия” може да принадлежи към тази серия. Тя е замислена като цялостен образ на руската природа. Левитан искаше да го нарече "Рус", но се спря на по-неутрална версия; двойното име остана по-късно., обаче, остава недовършен.Може би отчасти поради тази причина в него се комбинират противоречиви позиции: руският пейзаж в неговото вечно съществуване и импресионистичната техника, внимателна към „мимолетните неща“.

Не можем да знаем дали това романтично форсиране на цвят и обхват на китката щеше да остане в окончателната версия. Но това междинно състояние е синтез в една картина. Епична панорама, вечна и непоклатима природна реалност, но в нея всичко се движи - облаци, вятър, вълни, сенки и отражения. Широките щрихи улавят това, което не е станало, но това, което става, променя се - сякаш се опитва да бъде във времето. От една страна, пълнотата на летния разцвет, тържествената мажорна тръба, от друга, интензивността на живота, готов за промяна. Лято 1900 г.; настъпва нова епоха, в която пейзажната живопис – и не само пейзажната – ще изглежда съвсем различно.

Източници

• Бохем К.История на жанровете. Пейзаж.
• Федоров-Давидов А. А.Руски пейзаж от 18 - началото на 20 век.

За пореден път пиша, че Дневникът ми дава възможност да се запозная виртуално с много интересни хора, които са запалени по рисуването, затова се насочих към работата на латвийския акварелист поради факта, че Rona1 ме погледна "на светло". Татяна, бивша жителка на Рига, която сега живее в Кармиел, Израел, ми каза, че бащата на нейния свекър е бил художник, че тя е запалена по рисуването от много години. По предложение на Татяна се появиха нови публикации в раздела „Филми за артисти“, тя също ме запозна с името Бректе и ми изпрати снимки на няколко от творбите на художника в дома й. За което й благодаря специално. Така в моята серия ZhZL се появи ново име.

Янис Бректе

Латвийски художник, заслужил деятел на изкуството на Латвийската ССР (1981 г.), един от най-популярните и плодотворни акварелисти от съветската епоха, широко известен извън Латвия.

Янис Бректе е роден в Рига в семейството на градинар. Прекарва детството си в малкото градче Лизума, от 1934 г. до края на живота си живее в Рига. През 1936 г. постъпва в курсовете по рисуване на художника Карлис Андреевич Брензенс (Karlis Brencēns, 1879-1951). Брензенс беше майстор на стъклописа, който в работата си се опита да отрази основните идеологически тенденции на националния цвят. По-специално, витражите му изобилстват от елегантно изиграни етнографски мотиви. Забележителни са неговите творби от началото на 1900 г., като Петел в снега (1903) и портретът на Валдемарс Кришянис (1912). Янис учи в студиото на Брензенс три години.

През 1940 г. постъпва в Латвийската художествена академия. Сред неговите учители са пейзажистите Лео Симанович Свемпс (Leo Svemps, 1897-1975), народен художник на СССР от 1963 г., Карлис Мисниекс (31 януари 1887 - 25 октомври 1977 г.), завършил училището на Санкт Петербург Обществото на императорското изкуство (1911) и Централното рисувално училище на Щиглиц, който работи в собственото си живописно студио, а от 1922 г. - в Академията, и Николай Брейкш (Nikolajs Breikshs, 10 януари 1911 - 1 август 1972), възпитаник от Латвийската академия, след няколко години като учител по рисуване, се завръща през 1945 г., за да преподава в "alma mater".

Бректе завършва Академията през 1948 г., докато все още учи, от 1943 г. започва да участва в изложби.

Улица Янис Бректе Стрелниеку през зимата на 1945 г

Янис Бректе 1 януари 1957 г

Морско училище Янис Бректе 1960 г

Янис Бректе От прозореца на работилницата 1968 г

През 1950 г. Янис Бректе става член на Съюза на художниците, през 1981 г. е удостоен със званието заслужил артист на Латвийската ССР. Големи лични изложби на художника се провеждат в Рига (1977, 1980) и Елгава (1981).

Янис Бректе Слънчогледи с диня 1973г

Янис Бректе Без заглавие.

Brekte се специализира в пейзажи и натюрморти. Но ако в ранната си работа художникът се фокусира върху индустриалния пейзаж (той рисува много гледки към пристанището и пристанището), то през следващите години той обръща повече внимание на природата.

Янис Бректе Рано сутрин. 1967 г

Янис Бректе Далечен Изток. Владивосток. 1971 г

Но преди всичко името на художника е неразривно свързано със Стара Рига. Бректе рисува много серии акварели с изгледи от улиците на Стария град в различни периоди от годината и с различни настроения на природата. Творческото наследство на Янис Бректе включва няколко хиляди творби.

Янис Бректе Стара Рига. 1973 г

Складове на Янис Бректе в Стара Рига. 1981 г

Серия Янис Бректе Стара Рига.

Серия Янис Бректе Стара Рига.

Мемориални изложби, посветени на творчеството му, са проведени в Цесис (1986) и Рига (1991, 1992). Музеят на изкуствата Лизума разполага с постоянна изложба на негови творби.

Улица Янис Бректе в Стара Рига. Къща номер 13.

Янис Бректе Септември в Стара Рига 1967 г

Лев Каменев (1833 - 1886) "Пейзаж с хижа"

Пейзажът, като самостоятелен жанр на живописта, се утвърждава в Русия около средата на 18 век. И преди този период пейзажът е бил фон за изображение на иконни композиции или част от илюстрации на книги.

За руския пейзаж от 19-ти век е писано много и такива, без преувеличение, големи специалисти в областта на живописта пишат, че аз по същество нямам какво да добавя.

Пионерите на руската пейзажна живопис се наричат ​​Семьон Шчедрин, Фьодор Алексеев и Фьодор Матвеев. Всички тези художници са учили живопис в Европа, което оставя определен отпечатък върху бъдещата им работа.

Шчедрин (1749 - 1804) придобива слава като автор на произведения, изобразяващи императорски селски паркове. Алексеев (1753 - 1824) е наречен руския Каналето за пейзажи, изобразяващи архитектурни паметници на Санкт Петербург, Гатчина и Павловск, Москва. Матвеев (1758 - 1826) работи по-голямата част от живота си в Италия и пише в духа на своя учител Хакерт. Творбите на този талантлив италиански художник са имитирани и от М.М. Иванов (1748 - 1828).

Експертите отбелязват два етапа в развитието на руската пейзажна живопис от 19 век, които не са органично свързани помежду си, но са ясно разграничими. Тези две стъпки са:

• реалистичен;
• романтичен.

Границата между тези области е ясно оформена от средата на 20-те години на XIX век. До средата на осемнадесети век руската живопис започва да се освобождава от рационализма на класическата живопис от XVIII век. И руският романтизъм, като отделно явление в руската живопис, има голямо значение в тези промени.

Руският романтичен пейзаж се развива в три посоки:

1. градски пейзаж, базиран на произведения от природата;
2. изучаването на руската природа на базата на "италианска почва";
3. Руски национален пейзаж.

А сега ви каня в галерията с произведения на руски художници от 19 век, които рисуват пейзажи. Взех само по една творба от всеки художник - иначе тази галерия беше безкрайна.

Ако имате желание, тогава можете да прочетете за работата на всеки художник (и съответно да си припомните работата на художника) на този сайт.

Владимир Муравьов (1861 - 1940), Синя гора

Владимир Орловски (1842 - 1914), "Летен ден"

Пьотр Суходолски (1835 - 1903), Троица

Иван Шишкин (1832 - 1898), "Ръж"

Ефим Волков (1844 - 1920), Горско езеро

Николай Астудин (1847 - 1925), "Планински път"

Николай Сергеев (1855 - 1919), "Лятно езерце"

Константин Крижицки1 (1858-1911), "Звенигород"

Алексей Писемски (1859 - 1913), "Горска река"

Йосиф Крачковски (1854 - 1914), "Глициния"

Исак Левитан (1860 - 1900), "Бреза горичка"

Василий Поленов (1844-1927), Старата мелница

Михаил Клод (1832 - 1902), Дъбова горичка

Аполинарий Васнецов (1856 - 1933), Охтирка. тип чифлик»

В Русия пейзажът като самостоятелен жанр на живописта се установява през 18 век, преди това художниците изобразяват само елементи от пейзажи в иконописни композиции и илюстрации на книги. Пионерите на този жанр са художници, учили в Европа - Семьон Шчедрин, Федор Алексеев, Федор Матвеев. Семьон Шедрин (1745-1804) е известен в своето време като изобразител на императорски селски паркове. Ф.Я. Алексеев (1753-1824) е известен като руския Каналето, изобразява архитектурни паметници на Москва, Санкт Петербург, Гатчина и Павловск (фиг. 20). Ф.М. Матвеев (1758-1826), прекарал по-голямата част от живота си в Италия, работи в духа на своя учител Хакерт, който също е подражаван от М.М. Иванов (1748-1828).

Ориз. двадесет.

Развитието на руската пейзажна живопис от 19 век е условно разделено на два етапа, които са доста отчетливи, въпреки че са органично свързани помежду си - романтичното направление и реалистичното. Временна граница между тях може да бъде начертана в средата на 1820-те години. Романтична посока на руския пейзаж. През първата четвърт на 19 век руската пейзажна живопис се освобождава от рационалистичните принципи на класицизма от 18 век. Съществена роля в този процес принадлежи на романтизма. Развитието на романтичната пейзажна живопис се проведе в три посоки: градски пейзаж, основан на работа от природата; изучаването на природата на италианска земя и откриването на руския национален пейзаж. Сред градските гледки на първо място по количество и художествено качество и значимост трябва да се поставят гледките на Петербург. Образът на Санкт Петербург продължава да вълнува художници и поети, градът се отваря за хората, които живеят в него с нови страни. Петербург беше изобразен в големи количества и тези гледки бяха много успешни и широко разпространени. Сред художниците, работили в този жанр на романтичната пейзажна живопис, се откроява работата на М. Воробьов, А. Мартинов, С. Галактионов, Гнедич, Деларю. За водещите художници от началото на века Петербург е не само величествената "Северна Палмира", величествената столица на империята, но и център на тяхната интелектуална дейност. Те не само го прославят в творбите си, но и изразяват личната си любов към него. В „Разходка до Художествената академия“ Батюшков е оригинален по отношение на жанра на лирическото възприемане на града, показвайки го в ежедневието. Картините на ранния Воробьов в духа на романтизма са интересни, поразителни с „монотонната красота“ на изображенията на „пехотни войски и коне“. Максим Никифорович Воробьов обаче рисува и картини с изгледи от Москва, които също се радват на голям успех. В картината „Изглед към Московския Кремъл от Устинския мост“ (1818 г.) на преден план са изобразени порутени къщи - тъжно напомняне за московския пожар от 1812 г. (фиг. 21). Панорамата на Кремъл, всички катедрали и кули са нарисувани от Воробьов с най-голяма точност. Далечният пейзаж беше любим образ на романтичната живопис, тъй като отвеждаше погледа на зрителя към хоризонта до безкрая, призован да се издигне над обикновеното и да отлети към мечтите.

Ориз. 21.

Друга страна на романтизма - интересът му към пейзажа като характерен портрет на местността, може да се види и в творчеството на Силвестър Шчедрин. Този художник зае специално място в изкуството. Чертите на романтизма са най-силно изразени в неговата нагласа, в стремежа да реализира своята самостоятелност като артистична личност. В същото време, в лицето на Шчедрин, руската школа се присъедини към традицията на лиричния пейзаж, вече широко усвоена от художници от други страни. Ранните творби на Шчедрин - изгледи на Санкт Петербург - датират от класическата традиция на градския пейзаж на Ф. Алексеев, но омекотени от лиричното възприемане на появата на "Северна Палмира". Основната тема на Шчедрин е природата на Италия, където този рано починал художник прекарва почти целия си творчески живот. Романтичното начало на италианските пейзажи на Шчедрин се изразява в поетичното възприемане на Италия като един вид щастлив свят, където човек се слива със слънчевата, добронамерена природа в премерения, небързан ход на ежедневието си, в своето спокойно и свободно същество. В тази интерпретация на италианската природа има много от руската лирика от първата четвърт на 19 век, която изобразява Италия като обетованата земя, родното място на изкуството, страна, с която до известна степен републиканските идеали на Древен Рим също са свързани. В стремежа си да се доближи до природата, Шчедрин преодолява условностите на редуване на топли и студени тонове в пейзажа на 18 век, като прави първата крачка в руската живопис към пленера. Той се стреми да озари палитрата; навсякъде в неговите пейзажи има студени и сребристи отблясъци на небето или зеленикави отблясъци на морска вода, пронизана от слънцето. Тези характеристики могат да се видят в големия и сложен пейзаж „Нов Рим. Замъкът Св. Antella“, все още относително традиционен дизайн и стават по-отчетливи в пейзажа „На остров Капри“ (фиг. 22). Особено интересна е картината от поредицата "Малки пристанища в Соренто", където голите крайбрежни скали са изпъстрени със зеленикаво-сини и зеленикаво-охрени отблясъци на морето. Шчедрин се стреми да намери прости и естествени изобразителни мотиви. Шчедрин е близо до тях с интерес към "местния колорит", но собственото му изкуство се характеризира като "по-възвишено, пропито с жажда за идеала за свободен, естествен живот".

Ориз. 22.

Романтичната линия на италианските възгледи в руския пейзаж е продължена от Михаил Лебедев, ученик на Воробьов, който е живял много кратък живот. През 30-те години на XIX век работи в Италия, в околностите на Рим. Лебедев рисува зелените маси на дърветата по специален начин, умело подчертавайки определени цветове. Лебедев, както отбелязват критиците, успя да усети вътрешното напрежение на живота на природата. Художникът често рисува изгледи на пътища и алеи, не отвеждайки погледа на зрителя далеч, а обръщайки се, романтично, засенчен от храсти. Пространството, в което той въвежда зрителя, не е голямо, но в него човек се озовава лице в лице с един прост, но дълбоко усетен мотив (фиг. 23).

Ориз. 23.

Националният руски пейзаж е утвърден в жанровите творби на А.Г. Венецианов. Художникът създава свое собствено училище, независимо от Академията, където селяни и разночинци учат живопис. Този кръг от художници изобразява селския живот на фона на ливади и ниви със зряла ръж. Противопоставяйки своята школа на работа от природата на академичното течение, отхвърляйки възприетия "маниер", Венецианов успява да създаде произведения, от които "лъха топлина и настроение". Казаното от него за „простата и искрена природа“ на изкуството на художника, който умееше да внесе сърдечно чувство в образа на „родни места, родна среда, местни типове“, ще остане завинаги в съкровищницата на руската история на изкуството. А.Г. Венецианов преподава да рисува фигури и пейзажи, заобикаляйки дългия етап на работа с мазилки и копиране на картини, който е задължителен в Академията. Самият Венецианов комбинира изгледи на полета и ливади в картините си с изображения на селски момичета и деца.

Ориз. 24.

Тези жътвари и пастири въплътиха в неговите картини поетичния колективен образ на селска Русия. Пейзажният фон на неговите картини въвежда темата за природата в руската живопис като сфера на приложение на труда на човешките ръце. С това Венецианов скъсва с класическата традиция за изобразяване на идеална природа, подстригана и изгладена от природата на паркове, където хората от висшите слоеве на обществото си почиват и се наслаждават. Но въпреки целия демократизъм на венецианските селски земи, самите фигури на момичетата в неговите картини са класически идеализирани (фиг. 24). На ученика на А.Г. Венецианов А. Крилов принадлежи може би към първия зимен пейзаж в руската живопис. Тази картина изобразява заснежен, леко наклонен бряг под синкавосив сняг, с тъмна ивица гора в далечината и голи черни дървета на преден план. Същата река със стръмни глинести склонове е нарисувана през лятото от друг ученик на А.Г. Венецианова – А. Тиранов. Един от най-талантливите художници от този кръг, Г. Сорока, рисува гледки в околностите на имения, разположени в провинция Твер. Светлите, спокойни пейзажи на Свраката са родени от наивно и цялостно възприемане на околния свят. Анализирайки композициите на неговите пейзажи, може да се види, че те са изградени върху прост баланс на хоризонтални и вертикални линии. Художникът като цяло предава купчините дървета, очертанията на бреговете на реката, той постоянно подчертава плавния ритъм на хоризонталните линии - линията на брега, язовира, дълга лодка, плъзгаща се по водата, продълговати облаци, движещи се напречно небето. И във всяка картина има няколко строги вертикални колони, отделни фигури на преден план, обелиски и др. Друг майстор на венецианския кръг, Е. Крендовски, работи много в Украйна. Една от най-известните му творби е „Площад на провинциален град“ (фиг. 25). Критиците отбелязват "наивността на композицията" в комбинация с "задълбочената характеристика на всички герои, подобно на описанието на външния вид на човек от устните на провинциален."

Ориз. 25.

Провинциалният романтичен пейзаж, подобно на други видове изобразителен жанр, се развива през 19 век, независимо от това какво се случва на "върховете" на изкуството. Заедно с други жанрове, това е поле за прилагане на силите на крепостни господари, бивши иконописци, аматьори от благородството и разночинната среда. Авторите на тези произведения в по-голямата си част остават анонимни, техните художествени резултати отразяват липсата на професионална подготовка или нейната недостатъчност, но като цяло работата им носи очарованието на искреното себеизразяване, директен поглед към света. Самите условия на живот в Русия по това време не позволяваха на талантливи хора от народа да се разкрият в своята цялост; дори образованите художници се борят да спечелят правото да творят без диктата на клиентите. Трябва да се отбележи още едно течение на руския романтичен пейзаж - маринизмът. Основателят на този жанр в руската живопис е Иван Константинович Айвазовски. Собствен стил на рисуване на I.K. Айвазовски се оформя още през 40-те години на XIX век. Той се отклонява от строгите класически правила на живописта, използва опита на Максим Воробьов, Клод Лорен и създава цветни картини, които умело предават различни ефекти на вода и пяна, топли златни тонове на брега. В няколко големи картини - "Деветата вълна", "Черно море", "Сред вълните" - величествени образи на морето са създадени по темата за корабокрушение, характерна за романтичната живопис. Ето какво впечатление са направили картините на Айвазовски върху съвременниците: „В тази картина („Неаполитанска нощ“) виждам луната с нейното злато и сребро, стояща над морето и отразена в него. . . Повърхността на морето, върху която лек бриз настига треперещо вълнение, изглежда като поле от искри или много метални искри върху мантията. . . Прости ми, велики художнике, ако сбърках природата с реалност, но твоята работа ме очарова и насладата ме завладя. Вашето изкуство е високо и могъщо, защото сте вдъхновени от гения” (Фиг. 26). Това е прозаичен превод на стихотворение от изключителния английски пейзажист Търнър. Той посвети стихотворението на 25-годишния художник Иван Айвазовски, когото срещна в Рим през 40-те години на 19 век. Постепенно изкуството от средата на 19 век навлиза в пътя на реалистично развитие. В тази връзка майсторите също търсят вярно изображение на действителността в пейзажа.

Ориз. 26.

Дори художници, които като Венецианов остават в рамките на старата изобразителна система на романтизма, вървят към същата цел като своите съвременници-откриватели. Смела стъпка в тази насока прави един от най-големите художници от първата половина на 19 век Александър Иванов. За да предаде светлина, въздух, пространство, той се нуждаеше от цялата сложност на цветните комбинации. Не се задоволява със старата академична система на рисуване, той създава нов метод на цветово решение, обогатявайки палитрата и давайки широки възможности за по-жизнено и правдиво изобразяване на света около него. Основната работа на А. Иванов е голяма картина „Появата на Христос пред хората“ и скици към нея, в които той много внимателно изобразява клони, потоци, камъни край пътя (фиг. 27). Както отбелязват изследователите, те показаха "толкова голяма истина за природата и хората, такова дълбоко познаване на вътрешните закони на живота и човешката психология, което всичките му митологични и исторически картини, взети заедно, не могат да поберат". Изкуството на А. Иванов се отличава с удивителна пълнота и капацитет на многостранно и дълбоко съдържание. Основното качество, което определи значението на произведенията на този изключителен художник, е новото познание за живота на природата, което направи изкуството на А. Иванов истинско по нов начин.

Ориз. 27.

Така през първата четвърт на 19 век активно се развива романтичното направление на пейзажната живопис, освобождавайки се от чертите на спекулативния "героичен пейзаж" на класицизма, рисуван в студиото и обременен с товар от чисто познавателни задачи и исторически асоциации. Рисуван от натура, пейзажът изразява мирогледа на художника чрез директно изобразен изглед, реален пейзажен мотив, макар и с известна идеализация, използване на романтични мотиви и теми. Въпреки това, като се има предвид фактът, че пейзажната живопис от самото си зараждане е тясно свързана с живия живот, именно тази връзка с практиката допринесе за развитието на реалистични тенденции, които формират качествено нова, реалистична посока в руската пейзажна живопис . Реалистична посока на руския пейзаж. Картините на реалистичните пейзажисти ясно свидетелстват за пламенния интерес и сериозното внимание, с което най-напредналите майстори са се отнасяли към нуждите на хората, към техните страдания, бедност и потисничество, колко искрено са се стремели с изкуството си не само да изобличат несправедливостта на обществен ред, но и да се застъпи за „унижени и оскърбени” хора. В пейзажната живопис това желание се изразява преди всичко в подчертания интерес на най-добрите художници към националната руска природа, образа на родната им земя. Първият период в развитието на руския реалистичен пейзаж, който включва в своя кръг произведения от 50-те години - картини на различна идеологическа основа, те се характеризират с ново естетическо качество. Въпреки това създаденото по-рано в областта на изобразяването на руската природа им помогна до известна степен. В съгласие със стремежите на младите хора по онова време беше работата на A.G. Венецианов, което е прогресивно за времето си явление с голямо значение. В неговите картини младите художници от 50-те години откриват вярно предадени поетични образи на руската природа. Пейзажите от 50-те години са в много отношения различни от това, което даде изкуството на 60-те години. Както отбелязват изследователите, въпросът тук не е само в това, че художниците по това време са усвоили в по-голяма степен професионалното умение да рисуват - самото съдържание на техните творби, дълбоко пропити с дъха на живота на природата и идеите на народа, придобива по-голяма вътрешна цялост и се свързва по-тясно с общото движение на идейнодемократическото изкуство. В началото на 60-те години отделни произведения на пейзажисти вече смело могат да застанат в ред с картините на жанровата живопис, която по това време е най-напредналото изкуство. Тези придобивки обаче се оказаха далеч от достатъчни, когато социалните условия, преобладаващи в следреформената Русия, изискваха социално насочено съдържание от цялото реалистично изкуство. За началото на първия период на развитие на руската реалистична пейзажна живопис, появата през 1851 г. на студентска изложба в Московското училище за живопис и скулптура на волжките пейзажи на Солов, картините „Изглед към Кремъл в лошо време“, „Зимен пейзаж“ от Саврасов и пейзажите на Амон - трима пейзажисти, завършили училището тази година (фиг. 28). В същото време други художници от Московската школа започват да се представят с пейзажи: Херц, Бочаров, Дубровин и др.

Ориз. 28.

През 60-те години, по време на втория период на формиране на реалистичната пейзажна живопис, редиците на художниците, изобразяващи родната природа, станаха много по-широки и те бяха все по-завладени от интерес към реалистичното изкуство. Доминираща роля за пейзажистите придобива въпросът за съдържанието на тяхното изкуство. От художниците се очакваше да създават произведения, които да отразяват настроението на потиснатите хора. През това десетилетие руските пейзажисти се интересуват от изобразяването на такива мотиви от природата, в които художниците могат да разкажат за тъгата на хората на езика на своето изкуство. Мрачната природа на есента, с мръсни, измити пътища, редки гори, мрачно, дъждовно небе, малки села, покрити със сняг - всички тези теми в техните безкрайни версии, изпълнени от руски пейзажисти с такава любов и усърдие, получиха гражданство права през 60-те години. Но в същото време в същите години в руската пейзажна живопис някои художници проявяват интерес към други теми. Мотивирани от високи патриотични чувства, те се стремят да покажат могъщата и плодородна руска природа като източник на възможно богатство и щастие за живота на хората, като по този начин въплъщават в своите пейзажи едно от най-важните изисквания на материалистичната естетика на Чернишевски, който вижда красотата на природата предимно в това, което „е свързано с щастието и удовлетворението на човешкия живот. Именно в разнообразието от теми се роди бъдещата многостранност на съдържанието, характерна за пейзажната живопис от разцвета. Темата за родната земя е разработена от А. Саврасов, Ф. Василиев, А. Куинджи, И. Шишкин, И. Левитан по свой начин. Има няколко поколения талантливи пейзажисти: М. Клод, А. Киселев, И. Остроухов, С. Светославски и др. Едно от първите места сред тях по право принадлежи на В. Поленов. Една от особеностите му беше желанието да се съчетаят пейзажни и ежедневни жанрове, не само да се съживи един или онзи мотив с човешки фигури, но и да се представи цялостна картина на живота, в която хората и заобикалящата ги природа са слети в един художествен образ. Както в „Московския двор“, така и в елегичните картини „Бабината градина“, „Обраслото езерце“, „Ранен сняг“, „Златна есен“ - във всичките си пейзажи Поленов отстоява важна и по същество много проста истина чрез живописта : поезията и красотата се съдържат около нас в обичайния ход на ежедневието, в природата около нас (фиг. 29).

Ориз. 29.

Отношението към изкуството на И. Шишкин също беше двусмислено. Съвременниците виждат в него най-големия майстор на реалистичната пейзажна живопис. И. Крамской го нарича „човешко училище“, „крайъгълен камък в развитието на руския пейзаж“, В. Стасов, И. Репин и други говорят за него с ентусиазъм и уважение. Творбите на И. Шишкин стават известни в цяла Русия и любовта на хората към него не е намаляла дори и днес. „Когато Шишкин си отиде“, пише Крамской, „само тогава ще разберат, че той няма скоро да намери наследник“. И същият Крамской, строг и взискателен критик, не посочи "липса на поезия" в много от картините на Шишкин, несъвършенството на писането на художника, разбирайки под това неговия изобразителен маниер. Впоследствие някои художници и критици, в полемичен ентусиазъм, напълно отхвърлиха значението на Шишкин, обявиха го за "натуралист", "фотограф", безнадеждно остарял "копие на природата". Творчеството на Иван Иванович Шишкин бележи най-важния етап в развитието на този жанр. Шишкин не само усвоява нови, типично руски мотиви в пейзажа, но и завладява най-широките кръгове на обществото с творбите си, създавайки образ на родната природа, близък до народния идеал за силата и красотата на родната земя. Горите на Шишкин в историята на живописта са предшествани от дървета в картините на швейцареца А. Калам, дъбове на Теодор Русо. Шишкин е научил много и от художниците на Доселдорфската школа - братята Андреас и Освалд Ахенбах. В сравнение със своите предшественици Шишкин е и остава една от най-характерните и забележителни фигури на реалистичното изкуство от втората половина на 19 век, художник и певец на руската гора, голям майстор на епичния пейзаж, чиито творби не са загубиха значението и привлекателността си до днес (фиг. 30). Заедно с И. Шишкин, Алексей Кондратиевич Саврасов е виден представител на руския реалистичен пейзаж. Той беше привлечен от селски гледки, далечни руски простори, цялата му работа е пропита с дълбоко патриотичен национален дух.

Ориз. тридесет.

Художникът се стреми да намери тези пейзажни мотиви, които биха били израз на типичен руски пейзаж, равнини, селски пътища, ниски хълмове, речни брегове. Неговият възглед за действителността беше близък до демократичната поезия. Малки картини на А.К. Саврасов са адресирани до лирично наклонения зрител, те нямат гигантското величие на горските пейзажи на И. Шишкин, но имат разбираемост, емоционалност, която потъва в душата за дълго време. Най-известният пейзаж на Саврасов е картината му "Градовете пристигнаха", която се появява за първи път на първата изложба на Асоциацията на скитниците през 1871 г. (фиг. 31). "Пролетта на руския пейзаж" е наречена от нейните съвременници. Междувременно в този пейзаж няма величествени панорами, които удивляват въображението, ярки цветове. Художникът успява да превърне битовия мотив в поетична и лирична картина, дълбоко битов образ на родната природа. „От Саврасов“, ще каже по-късно неговият ученик И. Левитан, „лиризмът се появява в пейзажната живопис и безграничната любов към родната земя“. Както поетичната искреност на пейзажите на Саврасов, така и епичната епичност на горските картини на Шишкин предполагат, че за разлика от западния, руският пейзаж се е развил въз основа на идеите за родната природа, за земната сестра.

Ориз. 31.

След Шишкин и Саврасов, Михаил Константинович Клод е третият пионер на реалистичния пейзаж в руската живопис. Картините на Клод напомнят венециански жанрове, те продължават линията на селския пейзаж в руската живопис. Клод по свой собствен начин утвърждава красотата и силата на родната природа в пейзажа (фиг. 32). Подобно на Саврасов, поетичното преживяване на света му е близко и чертите на литературния и описателен подход към картината също са му присъщи. Подобно на други пейзажисти от неговото поколение, Клод е привързан към точната рисунка. В картината "На разорано поле" той внимателно рисува браздите на предния план, фигурите в центъра на картината и дори в далечината.

Ориз. 32.

Важна стъпка в руския пейзаж от втората половина на 19 век е възкресяването в него на идеалите на романтичната живопис в общото русло на реалистичните тенденции. Василиев и Куинджи, всеки по свой начин, се обърнаха към природата като идеал на романтичната живопис във възможността да излеят чувствата си. Федор Алексеевич Василиев живя кратък живот, но все пак успя да каже думата си в историята на руската живопис. Василиев в работата си умело използва техниките на своите предшественици и постигна невероятни резултати. Неговата картина "Размразяването" в настроението си отразява произведенията на жанровите художници, умело предава атмосферата на онази сурова зима, която Саврасов контрастира с оптимистичните си и весели "Турове" (фиг. 33). Друга голяма картина на Василиев, Мокра поляна, говори за смелата позиция на художника, за необходимостта от установяване на положителен идеал в изкуството. „Картина, която е вярна на природата, не трябва да заслепява никъде, не трябва да се разделя от остри черти на цветни парчета“, каза самият автор. Художникът Н.Н. Ге каза за Василиев, че „той откри живото небе“. Това беше голямо завоевание на руския пейзаж.

Ориз. 33.

А. Куинджи е пейзажист от различен план, ярък и талантлив художник, който заема специално място. Картините му "Украинска нощ", "След дъжда", "Бреза горичка", "Лунна нощ на Днепър" и други се превърнаха в сензации за времето си, разделяйки съвременниците на ентусиазирани почитатели на художника и неговите противници. Впечатлението на публиката от "Лунна нощ" беше зашеметяващо (фиг. 34). Малко хора вярваха, че подобни магически светлинни ефекти могат да се постигнат с обикновени бои. Изследователите на руското изкуство отбелязват „желанието да изненадат зрителя с необичаен ефект, което е нещо чуждо на самия дух и природа на руския реализъм“, от друга страна, „не може да се отрече на Куинджи смелостта на новатор, особения изразителност на неговите колористични находки и декоративни решения." Традициите на Куинджи и преди всичко декоративната интерпретация на пейзажния мотив са продължени в творчеството на неговите ученици и последователи на талантливи художници от края на 19-ти и началото на 20-ти век.

Ориз. 34.

Чувството на любов към родната страна, тъга и гняв за претърпените страдания, гордост и преклонение пред красотата на нейната природа сред най-големите пейзажисти от последните десетилетия на 19 век са въплътени в произведения, изпълнени с дълбок смисъл. Сериозните мисли за съдбата на родината породиха образи с голяма човешка дълбочина, философски смисъл. Продължител на традициите в руския пейзаж от края на 19 век е Исак Илич Левитан, „огромен, оригинален, оригинален талант“, най-добрият руски пейзажист, както го нарича Чехов. Вече първата му, всъщност, студентска работа „Есенен ден. Соколники беше забелязан от критиците и купен от Третяков. Разцветът на творчеството на Левитан пада в началото на 80-90-те години. Тогава той създава известните си пейзажи „Бреза горичка“, „Вечерен звън“, „На басейна“, „Март“, „Златна есен“ (фиг. 35).

Ориз. 35.

Във „Владимирка“, написана не само под впечатленията от природата, но и под влиянието на народни песни и исторически сведения за този участък, по който са водени затворниците, Левитан изразява своите граждански чувства с помощта на пейзажна живопис. Изобразителното търсене на Левитан доближава руската живопис до импресионизма. Неговият вибриращ щрих, проникнат от светлина и въздух, често създава образи не на лятото и зимата, а на есента и пролетта - онези периоди от живота на природата, когато нюансите на настроението и цветовете са особено богати. Това, което Коро направи в западноевропейската (предимно френска) живопис като създател на пейзажа на настроението, в руската живопис принадлежи на Левитан. Той е преди всичко лирик, неговият пейзаж е дълбоко лиричен, дори елегичен. Понякога е ликуващ, както през март, но по-често тъжен, почти меланхоличен. Неслучайно Левитан толкова обичаше да изобразява есента, есенните замъглени пътища. Но той е и философ. И неговите философски размисли са изпълнени с тъга за крехкостта на всичко земно, за нищожността на човека във Вселената, за краткостта на земното съществуване, което е миг пред лицето на вечността („Над вечния мир”). Последната творба, прекъсната от смъртта на художника, „Езерото“ обаче е пълна със слънце, светлина, въздух, вятър. Това е събирателен образ на руската природа, родината. Нищо чудно, че произведението има подзаглавие "Рус".

През втората половина на 19 век, по време на формирането и развитието на реалистичния пейзаж, той става напълно неотделим от представите за историческите събития, които се случват по това време. Природата се превръща в арена на социално-политическата дейност на хората и всички най-важни промени, които се случват в съдбата на страната, се отразяват в картините на реалността. Променяйки се, светът поглъща надеждите, плановете и смелостта на човека. Така пейзажната живопис, навлязла в реалистичния си етап, напусна категорията на второстепенните жанрове и зае едно от почетните места до такива жанрове като портрет и ежедневна живопис. В условията на руския обществен живот от този период най-добрите демократични художници не могат да се ограничат до показване само на тъмните страни на реалността и се обръщат към изобразяването на положителни, прогресивни явления. И това значително допринесе за разцвета на руската пейзажна живопис от края на XIX - началото на XX век. Заключение: През първата половина на 19 век романтичната посока на пейзажната живопис се развива активно. Нарисуван от живота, пейзажът изразява мирогледа на художника чрез реален пейзажен мотив, макар и с известна идеализация, използвайки романтични теми. През втората половина на 19 век се оформя реалистичен пейзаж. Природата става арена на социална и политическа дейност на хората и всички най-важни събития в съдбата на страната се отразяват в картините на реалността.