Анализ на произведение на изобразителното изкуство. Принципи и методи за анализ на произведения на изобразителното изкуство План за анализ на произведения на живописта

Изпратете добрата си работа в базата знания е лесно. Използвайте формата по-долу

Студенти, докторанти, млади учени, които използват базата от знания в обучението и работата си, ще ви бъдат много благодарни.

публикувано на http://www.allbest.ru/

Анализ на архитектурното произведение Къща Пашков

„Задачата на художника с помощта на формата е да унищожи материала“, Ф. Шилер, от книгата на Б.Р. Випър, Въведение в историческото изследване на изкуството. Всъщност основната задача на архитектурата е да трансформира материала, да го модифицира и подчини на своите художествени цели. И в резултат на това създайте единна композиция, базирана на изразителна комбинация от обем и пространство. Архитектите също са призвани да свържат три страни в хармоничната композиция на сградата: от една страна, удобство и полза (функционална задача); от друга страна здравина и икономичност (конструктивна и технико-икономическа задача); с третата - красотата на формите (естетическа задача). И в крайна сметка целта на композицията става – постигане на единство на форма и съдържание. И да се постигне това не е толкова лесно. Помислете за една от най-известните къщи в Москва. Какви свойства, какви архитектурни техники определят високата оценка на тази сграда?

пашкова къща арх

Пъшковата къща е построена през 1784-1786 г. през втората половина на XVIII век. Василий Баженов по поръчка на богатия земевладелец Пашков. Това беше време, когато благородната простота и сдържаност на класицизма скъсаха с богатата щедрост на барока. Признатият майстор от онова време Василий Баженов успя да създаде стила на московския класицизъм, който органично съчетава принципите на барока и класицизма тук. Това се потвърждава от любимите методи на тези стилове. Например, дългата фасада с изглед към улица Mokhovaya е направена в класически стил, който се характеризира с еднаквост, последователност и подчертан правилен ред. Композицията му се разгръща ясно симетрично спрямо оста на централната сграда. Вдясно и вляво от нея тръгват две едноетажни галерии, които завършват с двуетажни еднакви пристройки. Пъшковата къща има две главни фасади – едната гледа към пътя и има дворцов, тържествен характер, другата е ориентирана към двора и има по-комфортен, имение. Издига се цилиндричен белведер (Баженов го прави като проходна ротонда, заобиколена от сдвоени колони с купол, увенчан със скулптура на гръцката богиня Минерва) в комбинация с двата по-ниски образува ясен равнобедрен триъгълник. Това са техниките на стила класицизъм, което буквално означава "образцов" на латински. Бароковите нюанси са ясно видими в дизайна на архитектурната украса, по-специално ордерната система на фасадата на централната сграда, от една страна, строга класическа, от друга страна, изработена в нейните детайли (вази върху балюстради, скулптури, декоративни детайли от мазилка) с по-голяма свобода и оригиналност в сравнение с обикновените класически канони.

Къщата не е оцеляла до днес в оригиналния си вид, преустройвана е няколко пъти. По-специално, през 1812 г. къщата е унищожена от пожар. Архитектите се опитаха да възстановят къщата според изображенията от 18-ти век, както е била създадена първоначално.

Изглед към архитектурната типология на сградата

Пъшковата къща е дворцов тип архитектура, тип, който подчертава определен начин (тип) на живот. В този случай Баженов развива тип руско градско дворянско имение и изгражда Пашковата къща като архитектурен комплекс, състоящ се от триетажна основна сграда, покрита с ротонда-белведер и двуетажни пристройки, свързани с нея с едноетажни галерии.

Първоначално, като се вгледате внимателно в сградата, изглежда, че къщата е малка. Но изглежда по-голямо, отколкото е, благодарение на галериите и пристройките, простиращи се по улицата в една права линия, в непосредствена близост до основната сграда. Те сякаш завършват цялостната архитектурна композиция по ръбовете. Такава триделна композиция, състояща се от централна сграда, проходни галерии и пристройки, не е прищявка на архитекта - тя е оправдана от тогавашния живот. В основната къща се помещаваха всекидневните и стаите на собственика. В стопански постройки имаше кухня, живееха слугите и отсядаха гостите. Галериите позволиха да се премине от стопански постройки към къщата, без да се излиза навън, което беше особено важно при лошо време или през зимата.

Поставете в пространството

Архитектурното пространство на композицията на Къщата е организирано. Местоположението му е добре обмислено. И не само в градския ансамбъл, но и в рамките на самата композиция. Внушителният вид на сградата се дължи отчасти на мястото на нейното построяване. Къщата на Пашков стои на високия хълм Ваганковски, сякаш продължавайки линията на издигането му, на отворения ъгъл на две низходящи улици.

Градският архитектурен ансамбъл на къщата може да се опише като панорамен. Издигнатото положение на обекта и неговата видимост от всички страни допринесоха за по-доброто разпознаване на триизмерния и височинен характер на композицията на структурата, която органично влезе в ансамбъла на околностите на Кремъл.

Масата на сградата във визуалното възприятие зависи от визуалната оценка на количеството материал на цялостната архитектурна форма. Масата тук е разчленена с доста свободно разположение. Стройният пирамидален силует на Пашковата къща, подчертан от страничните крила, стремежът към върха на средната й сграда, както и нейният релеф благодарение на ротондата-белведера - всичко това по-скоро се връща към традициите на народа архитектура на древна русия. Така нареченият органичен растеж на масата на сградата на Баженов тук достига висока изразителна сила.

Тип конструкция

Дизайнът е стелажно-гредов. Сградата се отличава с ясна планировка и организиран тектонски мащаб.

архитектурен декор

Като цяло архитектурният декор на къщата може да се нарече пластичен. Но той е толкова богат, че е необходимо да се спрем на него по-подробно.

а) принципът на местоположението на архитектурния декор

Местоположението на архитектурния декор в близост до къщата на Пашков според принципа на гребане, такъв принцип е характерен само за дворцовата архитектура. Елементите на поръчката и елементите на архитектурния декор се редуват и следват в подредени редове.

Галерията на сутерена, така да се каже, балансира основната сграда със стопански постройки и, следвайки закона за съпоставяне, се простира по цялата дължина на фасадата.

Разположението на архитектурния декор – определя композицията на сградата.

б) състав

Тържествено светлата и богата композиция на Пашковата къща е прекрасен пример за композиционното майсторство на Баженов и широкия му градоустройствен подход към отделна сграда като част от градски ансамбъл.

Целият архитектурен комплекс може да се характеризира като дълбоко-пространствен изглед на композицията, тъй като включва основната къща, стопански постройки, входен двор, градина и различни стопански постройки. Това, което изисква движение в дълбочина, навлизане. Но ако разгледаме Пашковата къща отделно, тогава нейната дължина и преобладаването на размерите във височина над размерите в дълбочина - ни казва, че композицията на къщата е ясно фронтална. Конструкцията е решена основно във фасадните плоскости, тук е основното смислово и естетическо архитектурно натоварване. Освен това, на лицето на господството на симетрията. Двуетажните стопански постройки сякаш балансират сградата спрямо централната ос на главната фасада. Има и версия, че фасадата откъм Кремъл изобщо не е предна, а паркова, а от обратната страна има обширен двор, замислен от Баженов точно като преден.

в) система за поръчки

Ордерната система на Къщата е много богата, очевидно се предполага от нейния дизайн. За разлика от хоризонталния рустиран партер, има два основни етажа на централната фасадна сграда. Коринтският композитен ред е използван в изпъкналия портик, който обединява двата етажа и визуално увеличава мащаба на сградата. Същият точен ред украсява пиластрите по стените на централната сграда.

Отстрани на портика с четири колони има статуи, поставени върху основите на колоните. Колоните и пиластрите на пристройките използват сложен йонийски ордер с четиристранни диагонални капители. Те подчертават художествената самостоятелност и ролята на пристройките в композицията на фасадата.

Балюстрадата, оформяща покрива на централната сграда, носи пищни вази върху колони, омекотяващи прехода от фриза и корниза към ротондата, която завършва централния обем. Той използва насложен йонийски ордер (по-късно възстановен като заместител на предишния коринтски ордер). По този начин архитектите сякаш направиха къщата по-тежка, като поставиха по-тежка поръчка над по-лека. Но като цяло ротондата-белведер не е толкова статична форма и подчертава стремежа нагоре на цялата композиция, улеснявайки цялостното впечатление от сградата.

Както в други форми на изкуството, ритъмът играе важна роля в архитектурата. Именно неговото върховенство ни позволява да говорим за архитектурата като за изкуство на внимателно ритмизирано пространство. Ето защо архитектурата често се нарича „замръзнала музика“. Наистина в музикалното изкуство ритъмът е и най-важното композиционно средство.

Ритмичните елементи на Пашковата къща включват: колонада, аркада, рустика на сутеренния етаж, фриз и многобройни ритмично повтарящи се декоративни елементи.

Но ритъмът на всяко произведение на изкуството не е просто редуване. Това е вид единство, в което се сливат много ритмични редове. И така, тук ритмичната пулсация на колонадата, групирана в три портика с абсолютно еднакъв размер и брой колони, прецизно коригираният ритъм на вертикалните части на колоната (единствената разлика е в реда), причудливите ритми на дизайна на фриза, динамична рустика, пиластри - всичко това е внимателно обмислено и обединено от архитекта в една хармония.

С помощта на архитектурния ритъм Баженов изгражда възприятието на зрителя както в пространството, така и във времето. Ритъмът е много важен. Наистина, по отношение на структурата, зрителят може да остане неподвижен и тогава основната роля в неговото възприятие играят пространствените ритми. Но щом зрителят започне да заобикаля сградата или още повече да влезе в нея, тогава той живее ритъма във времето. По този начин възприемането на архитектурните ансамбли напомня по природа възприемането на музикално или литературно произведение, където формата се разгръща последователно, фрагмент по фрагмент. Нещо повече, архитектурата днес обикновено се определя като изкуството да се изгражда пространството на човешкото съществуване. А архитектът, изграждайки самото пространство, го кара да пулсира ритмично във възприятието на зрителя.

Основното предназначение на сградата

Основното предназначение на сградата е административно. Първоначално замислена като илюзия за хармония и рационалност на монархията, политиката на просветения абсолютизъм, тя се превръща с времето в обществена сграда.

Днес Пашковата къща е една от сградите на Руската държавна библиотека на името на В. И. Ленин. Тя е защитена от държавата и остава една от най-красивите сгради в Москва. За съжаление, наскоро той беше практически затворен от очите на случайни посетители, можем да се възхищаваме на величието му само откъм улица Моховая.

Заключение

От гледна точка на формотворческата фантазия превъзходството на архитектурата над другите области на изкуството е очевидно. Какво е това явление? И фактът, че архитектурните форми нямат преки аналогии в природата, тя не възпроизвежда и не имитира чужд език, а говори свой собствен. Така още веднъж можем да кажем, че архитектурата е своеобразен синтез на изкуствата, въплътени в пространството. Монументалност, декоративност, приложно изкуство, така характерни както за скулптурата, така и за живописта, получили името - архитектура.

Хоствано на Allbest.ru

Подобни документи

Дефиниция на понятието архитектура. Разглеждане на методите за архитектурно проектиране според Barkhin B.G. Изучаване на метода за изследване на структурния проблем, моделите, както и основния метод на проектиране. Създаване на имиджа на сградата и изпълнение на проекта.

резюме, добавено на 19.10.2015 г


Разработване на архитектурно и конструктивно решение за двуетажна индивидуална жилищна сграда, предназначена за семейство от 4-5 души. Решението за пространствено планиране на сградата. Стените на нискоетажна жилищна сграда. Материалът на подовите елементи.

курсова работа, добавена на 20.11.2013 г


Проблемът за разработване на архитектурен проект на училищна сграда. Влияние на педагогическата система на обучение, организацията и методиката на мобилния учебен процес върху пространствено-планировъчното решение на сградата. Анализ на предишен строителен опит.

научна работа, добавена на 04.06.2012 г


Основните задачи на архитектурния дизайн на "умен дом" в съответствие с нуждите и желанията на семейството. Поставяне на сградата в съществуващата сграда, нейната ориентация. Планово, конструктивно и архитектурно-образно решение на жилищна сграда.

доклад от практиката, добавен на 19.05.2015 г


Историята на формирането на ансамбъла на Червения площад в Москва. Обща характеристика на архитектурния ансамбъл. Културен контекст и особености на архитектурния ансамбъл. Обобщен анализ на степента на взаимозависимост на композиционните и семиотичните компоненти на ансамбъла.

резюме, добавено на 06/02/2011


Определяне на действителното техническо състояние на носещите строителни конструкции и инженерното оборудване на сградата. Изучаване на правни актове, регулиращи сферата на жилищните и комуналните услуги и дейността на федералните изпълнителни органи. Изчисляване на амортизацията на сградите.

курсова работа, добавена на 12/06/2012


Разработване на конструктивни и дизайнерски решения за основните елементи на сградата. Характеристики на пространствено-планировъчното решение на сградата. Изчисления за подобряване на прилежащата територия и инженерна поддръжка на сградата. Определяне на разходите за изграждане на жилищна сграда.

дисертация, добавена на 18.07.2014 г


Проект на девететажна жилищна сграда с прилежащ магазин. Описание на разположението на проектираната сграда спрямо комуникационните средства. Зониране на апартаменти в жилищна сграда. Външна и вътрешна декорация и архитектурно-композиционно решение.

курсова работа, добавена на 17.12.2011 г


Първите стъпки в занаята на Балтазар Нойман. Архитектурната дейност на Нойман. Най-известните му произведения. Органично съчетание на живописен и скулптурен декор с вътрешното пространство на сградата. Поклонническа църква във Vierzenheiligen.

резюме, добавено на 22.08.2012 г


Разработване на архитектурни, организационни, технологични и икономически решения за проект на жилищна сграда. Външни и вътрешни довършителни работи на сградата, нейното инженерно оборудване. Технология и организация на работа. Извозване на отпадъци на строителната площадка.

Преглеждания: 20 779

Принципи на анализ на произведенията на изобразителното изкуство

Основни принципи на анализ и описание на произведенията на изобразителното изкуство

Приблизителното количество от това, което трябва да знаете е

• –Въведение в изучаването на дисциплината „Описание и анализ на художествено произведение“.

Ключови понятия на дисциплината: изкуство, художествен образ; морфология на изкуството; вид, род, жанр на изкуството; пластични временни, синтетични форми на изкуство; тектонски и живописни; стил, "език" на изкуството; семиотика, херменевтика, литературен текст; формален метод, стилистичен анализ, иконография, иконология; приписване, познаване; естетическа оценка, рецензия, количествени методи в изкуствоведската критика.

• – Естетическа теория на изкуството: художественият образ е универсална форма на изкуството и художественото мислене; структурата на художественото произведение; пространство и време в изкуството историческа динамика на художествените форми; синтез на изкуствата в историческия и културен процес.
• – Морфология на изкуството: класификация на формите на изкуството; жанрът като категория на художествената морфология.
• – Особености на пластичните изкуства като видове: архитектура, скулптура, графика, живопис.
• – Семиотика и херменевтика на изкуството в контекста на описанието и анализа на произведение на изкуството: езици на изкуството, знаков подход към изучаването на изкуството, произведение на изкуството като текст, херменевтично разбиране на текста.
• – Методически основи за анализ на художествен текст: формалностилистични, иконографски, иконографски.

Като всяка наука, теорията на историята на изкуството има свои методи. Нека назовем основните от тях: иконографският метод, методът на Wölfflin или методът на формалния стилистичен анализ, иконологичният метод, методът на херменевтиката.

Основателите на иконографския метод са руският учен Н.П. Кондаков и французинът Е. Мал. И двамата учени се занимават с изкуството на Средновековието (Кондаков е византийски художник, Мал изучава западното Средновековие). Този метод се основава на "историята на изображението", изучаването на сюжета. Смисълът и съдържанието на произведенията могат да бъдат разбрани, като се разгледа изобразеното. Човек може да разбере древната руска икона само чрез задълбочено изучаване на историята на появата и развитието на изображенията.

Проблемът не е какво е изобразено, а как е изобразено, ангажира се известният немски учен Г. Вьолфлин. Вьолфлин влиза в историята на изкуството като "формалист", за когото разбирането на изкуството се свежда до изследване на формалната му структура. Той предлага да се извърши формално-стилистичен анализ, като се подходи към изучаването на художественото произведение като „обективен факт“, който трябва да се разбира преди всичко от самия него.

Иконологичният метод за анализ на произведение на изкуството е разработен от американския историк и теоретик на изкуството Е. Панофски (1892-1968). Този метод се основава на „културологичен“ подход за разкриване на смисъла на произведението. За да се разбере образът, според учения, е необходимо не само да се използват иконографски и формално-стилистични методи, създавайки синтез от тях, но и да се познават съществените тенденции в духовния живот на човека, т. светоглед на епохата и личността, философия, религия, социална ситуация - всичко, което се нарича "символи на времето". Тук изкуствоведът изисква обширни познания в областта на културата. Това не е толкова способността за анализ, колкото изискването за синтезиране на интуицията, защото в едно произведение на изкуството е синтезирана като че ли цяла епоха. Така Панофски брилянтно разкрива смисъла на някои от гравюрите на Дюрер, творбите на Тициан и др.. Всички тези три метода, с всичките им плюсове и минуси, могат да се използват за разбиране на класическото изкуство.

Трудно е да се разбере изкуството на ХХ век. и особено втората половина на 20 век, изкуството на постмодернизма, което a priori не е предназначено за нашето разбиране: в него липсата на смисъл е смисълът на произведението. Изкуството на постмодернизма се основава на принципа на тоталната игра, където зрителят действа като един вид съавтор на процеса на създаване на произведение. Херменевтиката е разбиране чрез интерпретация. Но И. Кант също каза, че всяка интерпретация е обяснение на това, което не е очевидно, и че се основава на насилствен акт. Да, така е. За да разберем съвременното изкуство, ние сме принудени да се включим в тази "игра без правила", а теоретиците на модерното изкуство създават паралелни образи, интерпретирайки видяното.

Така, след като разгледахме тези четири метода за разбиране на изкуството, трябва да се отбележи, че всеки учен, занимаващ се с определен период от историята на изкуството, винаги се опитва да намери свой собствен подход към разкриването на смисъла и съдържанието на произведението. И това е основната характеристика на теорията на изкуството.

• - Фактографско изследване на изкуството. Атрибуция на произведение на изкуството: атрибуция и познаване, теория на атрибуцията и история на нейното формиране, принципи и методи на работа с атрибуцията.

Историята на познавачеството е описана ярко и подробно от местни изкуствоведи. В.Н. Лазарев (1897-1976) ("История на познавачеството"), Б.Р. чистачка (1888-1967) („По проблема за приписването“). В средата на XIX век. появява се нов тип "ценител" на изкуството, чиято цел е атрибуцията, т.е. установяване автентичността на произведението, времето, мястото на създаване и авторството. Ценителят има феноменална памет и познания, безупречен вкус. Виждал е много музейни колекции и като правило има собствен метод за атрибуция на произведение. Водещата роля в развитието на знанието като метод принадлежи на италианеца Джовани Морели (1816-1891), който за първи път се опитва да изведе някои закономерности в изграждането на картината, да създаде "граматика на художествения език", която трябва да стане (и стана) основата на метода на атрибуцията. Морели прави редица ценни открития в историята на италианското изкуство. Последовател на Морели беше Бърнард Бернсън (1865-1959), който твърди, че единственият истински източник на преценка е самото произведение. Бърнсън живее дълъг и пъстър живот. В.Н. Лазарев, в публикация за историята на ценителството, ентусиазирано описва целия творчески път на учения. Не по-малко интересен в историята на познавачеството е немският учен Макс Фридлендър (1867-1958). Фридлендър смята, че основата на метода на приписване е първото впечатление, получено от видяното произведение на изкуството. Едва тогава може да се пристъпи към научен анализ, в който и най-малкият детайл може да има значение. Той призна, че всяко изследване може да потвърди и допълни първото впечатление или, обратно, да го отхвърли. Но никога няма да го замени. Един ценител, според Friedländer, трябва да има артистичен усет и интуиция, които „като стрелка на компас, въпреки колебанията, ни показват пътя“. В домашната история на изкуството много учени и музейни работници се занимаваха с атрибуция и бяха известни като ценители. Б.Р. Уипър разграничава три основни случая на атрибуция: интуитивен, случаен и третият - основният начин в атрибуцията - когато изследователят, използвайки различни методи, се доближава до установяването на автора на произведението. Определящият критерий за метода на Wipper е текстурата и емоционалният ритъм на картината. Текстурата се отнася до боята, естеството на щриха и т.н. Емоционалният ритъм е динамиката на чувственото и духовно изразяване в картина или друга форма на изобразително изкуство. Способността за разбиране на ритъм и текстура е същността на правилното разбиране и оценяване на художественото качество. По този начин многобройните приписвания и открития, направени от ценители, музейни работници, направиха неоспорим принос в историята на изкуството: без техните открития не бихме разпознали истинските автори на произведенията, приемайки фалшификати за оригинали. Винаги е имало малко истински специалисти, те са били известни в света на изкуството и работата им е била високо ценена. Ролята на ценителя-експерт особено се увеличи през 20 век, когато пазарът на изкуство, поради огромното търсене на произведения на изобразителното изкуство, беше пълен с фалшификати. Нито един музей, колекционер няма да купи произведение без задълбочен преглед. Ако първите познавачи са правили изводите си на базата на знания и субективно възприятие, то съвременният експерт се опира на обективните данни от техническия и технологичен анализ, а именно: рентгеновото предаване на картината, определяне на химичния състав на боята, определяне на химичния състав на боята, определяне на химичния състав на боята. определяне на възрастта на платното, дървото, почвата. По този начин могат да се избегнат грешки. По този начин откриването на музеи и дейността на ценителите са от голямо значение за формирането на историята на изкуството като самостоятелна хуманитарна наука.

• – Емоционална и естетическа оценка на художествена творба. Жанрови форми, методи на изкуствознание.

Примитивен алгоритъм за анализ:

Алгоритъм за анализ на произведения на изкуството

1. Значението на заглавието на картината.
2. Жанрова принадлежност.
3. Характеристики на сюжета на картината. Причини за боядисване. Потърсете отговор на въпроса: дали авторът е предал намерението си на зрителя?
4. Характеристики на композицията на картината.
5. Основните средства за художествено изображение: цвят, рисунка, текстура, chiaroscuro, стил на писане.
6. Какво впечатление направи това произведение на изкуството върху вашите чувства и настроение?
7. Къде се намира това произведение на изкуството?

Алгоритъм за анализиране на произведения на архитектурата

1. Какво е известно за историята на създаването на архитектурна структура и нейния автор?
2. Посочете принадлежността на това произведение към културно-историческата епоха, художествен стил, посока.
3. Какво въплъщение намери формулата на Витрувий в това произведение: сила, полезност, красота?
4. Посочете художествени средства и техники за създаване на архитектурен образ (симетрия, ритъм, пропорции, светлосенки и цветно моделиране, мащаб), тектонични системи (пост-лъч, ланцет-арка, арка-купол).
5. Посочете принадлежността към типа архитектура: триизмерни структури (обществени: жилищни, промишлени); пейзаж (пейзаж или малки форми); градоустройство.
6. Посочете връзката между външния и вътрешния облик на архитектурната структура, връзката между сградата и релефа, характера на ландшафта.
7. Как се използват други видове изкуство при оформянето на архитектурния му облик?
8. Какво впечатление ви направи творбата?
9. Какви асоциации поражда художественият образ и защо?
10. Къде се намира архитектурата?

Алгоритъм за анализ на скулптурни произведения

1. Историята на създаването на произведението.
2. За автора. Какво място заема тази творба в творчеството му?
3. Принадлежност към художествената епоха.
4. Значението на заглавието на произведението.
5. Принадлежност към видовете скулптура (монументална, мемориална, стативна).
6. Използването на материала и техниката на неговата обработка.
7. Размери на скулптурата (ако е важно да се знае).
8. Формата и размерът на пиедестала.
9. Къде се намира тази скулптура?
10. Какво впечатление ви направи това произведение?
11. Какви асоциации поражда художественият образ и защо?

Повече ▼:

Примерни въпроси за анализ на произведение на изкуството

Емоционално ниво:

• Какво впечатление прави творбата?
• Какво настроение се опитва да предаде авторът?
• Какви усещания може да изпита зрителят?
• Какво е естеството на работата?
• Как мащабът, форматът, хоризонталното, вертикалното или диагоналното разположение на частите, използването на определени архитектурни форми, използването на определени цветове в картината и разпределението на светлината в архитектурния паметник спомагат за емоционалното впечатление от произведението?

Предметно ниво:

• Какво (или кой) е на снимката?
• Какво вижда зрителят, застанал пред фасадата? В интериора?
• Кого виждате в скулптурата?
• Подчертайте основното от видяното.
• Опитайте се да обясните защо това изглежда основно за вас?
• С какви средства художникът (архитект, композитор) изтъква главното?
• Как са подредени обектите в творбата (сюжетна композиция)?
• Как са очертани основните линии в творбата (линейна композиция)?
• Как се съпоставят обемите и пространствата в една архитектурна структура (архитектурна композиция)?
• Ниво на историята:
• Опитайте се да преразкажете сюжета на картината.
• Опитайте се да си представите какви събития могат да се случват по-често в тази архитектурна структура.
• Какво може да направи (или каже) тази скулптура, ако оживее?

Символно ниво:

• Има ли в произведението предмети, които символизират нещо?
• Имат ли символен характер композицията на творбата и нейните основни елементи: хоризонтал, вертикал, диагонал, кръг, овал, цвят, куб, купол, арка, свод, стена, кула, шпил, жест, поза, облекло, ритъм, тембър и т.н..?
• Какво е заглавието на произведението? Как се свързва със сюжета и символиката?
• Какво мислите, че авторът на произведението е искал да предаде на хората?

План за анализ на картина

1. 1. Автор, заглавие на произведението, време и място на създаване, история на идеята и нейното осъществяване. Избор на модел.
2. 2. Стил, посока.
3. 3. Вид живопис: стативна, монументална (фреска, темпера, мозайка).
4. 4. Избор на материал (за станкова живопис): маслени бои, акварел, гваш, пастел. Характеристики на използването на този материал за художника.
5. 5. Жанр на живописта (портрет, пейзаж, натюрморт, историческа живопис, панорама, диорама, иконопис, марина, митологичен жанр, битов жанр). Характеристики на жанра за произведенията на художника.
6. 6. Живописен сюжет. Символично съдържание (ако има такова).
7. 7. Живописни характеристики на произведението:

• цвят;
• светлина;
• сила на звука;
• плоскост;
• цвят;
• артистично пространство (пространството, трансформирано от художника);
• линия.

9. Лично впечатление, получено при разглеждане на творбата.

Специфики:

• Композиционна схема и нейните функции
  • размерът
  • формат (вертикално и хоризонтално удължен, квадратен, овален, кръгъл, съотношение на страните)
  • геометрични модели
  • основни композиционни линии
  • баланс, съотношението на части от изображението един с друг и с цялото,
  • последователност на гледане
• пространство и неговите функции.
  • Перспектива, изчезващи точки
  • плоскост и дълбочина
  • устройствени планове
  • дистанция между зрителя и произведението, мястото на зрителя в пространството на картината или извън него
  • гледна точка и наличие на ъгли, линия на хоризонта
• Светлотенце, обем и тяхната роля.
  • обем и равнина
  • линия, силует
  • източници на светлина, време на деня, светлинни ефекти
  • емоционално въздействие на светлината и сянката
• Цвят, цвят и неговите функции
  • преобладаване на тонален или локален цвят
  • топли или студени цветове
  • линейност или живописност
  • основни цветни петна, техните взаимоотношения и ролята им в композицията
  • тон, Валери
  • рефлекси
  • емоционалното въздействие на цвета
• Текстура на повърхността (намазка).
  • естеството на щриха (отворена текстура, гладка текстура)
  • ориентация на мазка
  • размер на петна
  • остъкляване

Описание и анализ на архитектурни паметници

Тема 1. Художествен език на архитектурата.

Архитектурата като форма на изкуство. Понятието "художествена архитектура". Художествен образ в архитектурата. Художественият език на архитектурата: концепцията за такива средства за художествено изразяване като линия, равнина, пространство, маса, ритъм (аритмия), симетрия (асиметрия). Канонични и символни елементи в архитектурата. Концепцията на плана на сградата, екстериор, интериор. Стил в архитектурата.

Тема 2. Основните видове архитектурни структури

Паметници на градското изкуство: исторически градове, техните части, обекти на древно планиране; архитектурни комплекси, ансамбли. Паметници на жилищната архитектура (имения на търговци, благородници, селяни, печеливши къщи и др.) Паметници на гражданската обществена архитектура: театри, библиотеки, болници, учебни сгради, административни сгради, жп гари и др. Култови паметници: храмове, параклиси, манастири . Отбранителна архитектура: затвори, крепостни кули и др. Паметници на индустриалната архитектура: фабрични комплекси, сгради, ковачници и др.

Градинско-паркови паметници, градинско и ландшафтно изкуство: градини и паркове.

Тема 3. Описание и анализ на архитектурен паметник

План на застрояване, строителен материал, композиция на външния обем. Описание на уличната и дворната фасада, отворите на вратите и прозорците, балконите, външната и вътрешната декорация. Заключение за стила и художествените достойнства на архитектурен паметник, неговото място в историческото и архитектурно наследство на града, селото, региона.

МЕТОДИ ЗА МОНОГРАФИЧЕН АНАЛИЗ НА АРХИТЕКТУРЕН ПАМЕТНИК

1. Анализът на конструктивни и тектонични системи включва:

а) графична идентификация върху перспективни или ортогонални проекции на паметника на неговата конструктивна основа (например изчертаване на очертанията на сводове и куполи с пунктирана линия, „показване“ на вътрешната структура на фасадата, един вид „комбиниране“ на фасадата със секцията, засенчване на повърхности върху секциите, за да се изясни структурата на интериора и т.н.)

б) изясняване на степента на близост и взаимосвързаност на структурните елементи и съответните тектонични архитектурни форми (например избор на обиколни арки, сводове в участъци и тяхното дефиниране, тяхното влияние върху формите на закомари, кокошници, трикрилни арки и т.н.)

в) изготвяне на определени тектонични схеми на паметника (например диаграма на сводестото тревно покритие на готическа катедрала или „излята“ диаграма на вътрешното пространство на храм без колони - в аксонометрия и др.);

2. Анализът на пропорциите и пропорциите се извършва, като правило, в ортогонални проекции и се състои от две точки:

а) търсене на множество съотношения (например 2:3, 4:5 и т.н.) между основните параметри на размерите на паметника, като се вземе предвид фактът, че тези пропорции могат да бъдат използвани в даден момент по време на строителството, за да се отдели необходимите стойности в природата. В същото време размерните стойности (модули), които се срещат многократно в паметника, трябва да бъдат сравнени с исторически мерки за дължина (крака, сажени и др.);

б) търсенето на повече или по-малко постоянна геометрична връзка между размерите на основните форми и артикулациите на паметника въз основа на правилните отношения на елементите на най-простите геометрични фигури (квадрат, двоен квадрат, равностранен триъгълник и др.) и техните производни. Разкритите пропорции не трябва да противоречат на логиката на изграждане на тектоничните форми на паметника и очевидната последователност на издигане на отделните му части. Анализът може да бъде завършен чрез свързване на размерите на оригиналната геометрична фигура (например квадрат) с модула и с исторически мерки за дължина.

В тренировъчното упражнение не трябва да се стремите да идентифицирате твърде много връзки, много по-важно е да обърнете внимание на качеството на избраните пропорции и пропорции, т.е. тяхното композиционно значение, връзката им с размерните отношения на основните тектонични разделения обеми и възможността за използването им в процеса на изграждане на паметник.

3. Анализът на метро-ритмичните модели може да се извърши както върху ортогонални чертежи, така и върху перспективни изображения на паметника (чертежи, снимки, диапозитиви и др.). Същността на метода се свежда до графично подчертаване (чрез линия, тон, засенчване или цвят) върху всяко изображение на паметника на метрични и ритмични серии от форми както вертикално, така и хоризонтално. Разграничените по този начин метрични редове (например колонади, прозоречни отвори, корнизи и т.н.) и ритмични редове (например нива, намаляващи по височина, променящи се разстояния на арки и т.н.) позволяват да се идентифицират „статични“ или „динамична” архитектурна композиция на този паметник. В същото време изясняването на моделите на промяна в членовете на ритмичната поредица от форми е тясно свързано с анализа на пропорциите. В резултат на проучването са изготвени условни схеми, отразяващи характеристиките на изграждането на метро-ритмични серии от форми на този архитектурен паметник.

4. Графичната реконструкция ви позволява да пресъздадете изгубения вид на паметника на всеки етап от неговото историческо съществуване. Реконструкцията се извършва или под формата на ортогонален чертеж (план, фасада), когато има подходяща основа, или под формата на перспективно изображение, направено от рисунка от живота или снимка (слайд). Като източник за реконструкция трябва да се използват публикувани древни изображения на паметника, различни исторически описания, както и материали за подобни паметници от същата епоха.

За образователни цели студентът е поканен да направи само скица реконструкция, която само в общи линии предава естеството на оригиналния или променен вид на паметника.

В редица случаи студентът може да се ограничи до сравняване на варианти за реконструкция на един и същ паметник, направени от различни изследователи. Но тогава е необходимо да се даде разумна оценка на тези опции и да се подчертаят най-вероятните от тях. Ученикът трябва графично да обоснове избора си с изображение на подобни паметници или техни фрагменти.

Специален вид реконструкция - възстановяването на оригиналния и впоследствие изгубен цвят на паметника - се извършва на базата на ортогонални фасади или перспективни изображения с възможно включване на историческа градска среда.

При изпълнение на задача за графична реконструкция може да се използва широко методът на рисуване и фотомонтаж.

5. Изграждането на архитектурни картини е техника за анализиране на паметници с развита триизмерна композиция, предназначена за постепенно възприемане във времето, като Ерехтейон в Атина или Покровски събор в Москва. Когато се разхожда около такъв паметник, зрителят, поради покриването на едни обеми от други, възприема много перспективни изображения, преливащи един в друг, които се наричат ​​архитектурни картини.

Задачата на студента е да разграничи качествено различни групи архитектурни картини, да обозначи на плана зоните на възприятие на тези групи картини и да илюстрира всяка група с една характеристика под формата на перспективна рисунка или снимка (слайд).

Броят на качествено различни картини обикновено не надвишава пет или шест.

6. Анализът на мащаба и мащаба се състои в идентифициране на мащабната роля на разделенията на архитектурния обем и графичен избор върху ортогонални или перспективни изображения на паметника на характерни детайли - „мащабни показатели“, като стъпала, балюстради и др. Особено внимание трябва да се обърне на ролята на поръчката като универсален инструмент за архитектурен мащаб.

МЕТОДИ ЗА СРАВНИТЕЛЕН АНАЛИЗ НА АРХИТЕКТУРНИ ПАМЕТНИЦИ

1. Сравнението на триизмерната композиция на два паметника се извършва чрез сравняване на планове, фасади или разрези, намалени в общ мащаб. Много ефектно е наслагването или комбинирането на планове, фасади и разрези; понякога, когато комбинирате проекциите на два паметника, е полезно да ги доведете до някакъв общ размер, например до еднаква височина или ширина (в този случай пропорциите на паметниците също се сравняват).

Сравнението е възможно и с цел сравняване на перспективни изображения на паметници под формата на рисунки от природата или снимки. В този случай чертежите или снимките трябва да бъдат направени от подобни ъгли и от такива точки, от които се разкриват характерните особености на обемната композиция на паметниците. Следва да се гарантира, че по относителни размери изображенията на паметниците приблизително съответстват на съотношенията на техните размери в природата.

Във всички случаи на сравнителни сравнения разликата между паметниците обикновено изпъква по-ясно, отколкото моментите на тяхното сходство. Следователно е необходимо графично да се подчертае това, което обединява сравняваните обекти, например идентичността на композиционните техники, аналогията в комбинацията от обеми, сходния характер на разделенията, местоположението на отворите и др.

Описание и анализ на паметници на скулптурата

Художественият език на скулптурата

Когато се анализират произведенията на скулптурата, е необходимо да се вземат предвид собствените параметри на скулптурата като форма на изкуство. Скулптурата е форма на изкуство, при която реален триизмерен обем взаимодейства с околното триизмерно пространство. Основното в анализа на скулптурата е обемът, пространството и как те си взаимодействат. скулптурни материали. Видове скулптура. жанрове на скулптурата.

Описание и анализ на работата на скулптурата.

Примерен план:

1. Какъв е размерът на тази скулптура? Скулптурата е монументална, стативна, миниатюрна. Размерът влияе на взаимодействието му с пространството.

2. В какво пространство е била разположена анализираната творба (в храма, на площада, в къщата и т.н.)? За каква гледна точка е проектиран (от разстояние, отдолу, близо)? Дали е част от архитектурен или скулптурен ансамбъл или е самостоятелно произведение?

3. До каква степен разглежданото произведение обхваща триизмерното пространство (кръгла скулптура и скулптура, свързана с архитектурата; архитектурна и скулптурна форма, висок релеф; релеф; барелеф; живописен релеф; контрарелеф)

4. От какъв материал е направен? Какви са характеристиките на този материал? Дори ако анализирате отливки, важно е да запомните от какъв материал е направен оригиналът. Отидете в залите на оригиналите, вижте как изглежда скулптурата, направена от материала, който ви интересува. Какви характеристики на скулптурата са продиктувани от нейния материал (защо този материал е избран за тази работа)?

5. Скулптурата предназначена ли е за фиксирани гледни точки или се отваря напълно, когато се разхождате? Колко завършени изразителни силуета има тази скулптура? Какви са тези силуети (затворени, компактни, геометрично правилни или живописни, отворени)? Как са свързани един с друг силуетите?

6. Какви са пропорциите (съотношенията на частите и цялото) в тази скулптура или скулптурна група? Какви са пропорциите на човешката фигура?

7. Какъв е моделът на скулптурата (развитие и усложняване на отношенията между големи композиционни блокове, ритъмът на вътрешните артикулации и естеството на повърхностното развитие)? Ако говорим за релеф, как се променя всичко, когато промените ъгъла на гледане? Как се променя дълбочината на релефа и се изграждат пространствените планове, колко са?

8. Каква е текстурата на изваяната повърхност? Хомогенни или различни в различните части? Гладки или „ескизни“ следи от докосване на инструменти са видими, естествени, условни. Как тази текстура е свързана със свойствата на материала? Как текстурата влияе върху възприемането на силуета и обема на скулптурна форма?

9. Каква е ролята на цвета в скулптурата? Как си взаимодействат обемът и цветът, как си влияят?

10. Към кой жанр принадлежи тази скулптура? За какво беше?

11. Каква е интерпретацията на мотива (натуралистична, условна, продиктувана от канона, продиктувана от мястото, което заема скулптурата в нейната архитектурна среда, или нещо друго).

12. Усещате ли влиянието на някои други видове изкуство в работата: архитектура, живопис?

Описание и анализ на картини

Художествен език на живописта

Концепцията за рисуване. Средства за художествено изразяване: художествено пространство, композиция, цвят, ритъм, характер на колоритен щрих. Живописни материали и техники: масло, темпера, гваш, акварел, смесена техника и др. Станкова и монументална живопис. Разновидности на монументалната живопис: фреска, мозайка, стъклопис и др. Жанрове на живописта: портрет, пейзаж, битов жанр, натюрморт, анималистичен, исторически и др.

Описание на картини

Определяне на основните параметри на произведението: автор, дата на създаване, размер на картината, формат на картината: хоризонтално или вертикално издължен правоъгълник (по възможност със заоблен край), квадрат, кръг (тондо), овал. Техника (темпера, масло, акварел и др.) и на каква основа (дърво, платно и др.) е направена картината и др.

Анализ на картини

Примерен план за анализ на пробата:

1. Има ли сюжет в картината? Какво е показано? В каква среда са разположени изобразените герои, предмети?
2. Въз основа на анализа на изображението можете да направите заключение за жанра. Към кой жанр: портрет, пейзаж, натюрморт, голо тяло, всекидневен, митологичен, религиозен, исторически, анималистичен, принадлежи картината?
3. Каква задача решава художникът според вас – визуална? изразителен? Каква е степента на условност или натурализъм на изображението? Дали конвенционалността гравитира към идеализация или към изразително изкривяване? По правило композицията на картината е свързана с жанра.
4. Какви са компонентите на композицията? Какво е съотношението на обекта на изображението и фона / пространството върху платното на картината?
5. Колко близо до равнината на изображението са обектите в изображението?
6. Какъв ъгъл е избрал художникът - отгоре, отдолу, наравно с изобразените обекти?
7. Как се определя позицията на зрителя – участва ли той във взаимодействието с образа, изобразен в картината, или му е отредена ролята на откъснат съзерцател?
8. Може ли композицията да се нарече балансирана, статична или динамична? Ако има движение, как е насочено?
9. Как се изгражда изобразителното пространство (равно, неограничено, пространственият слой е ограден, създава се дълбоко пространство)? Благодарение на какво се постига илюзията за пространствена дълбочина (разлика в размера на изобразените фигури, показване на обема на обекти или архитектура, използване на цветови градации)? Композицията е разработена чрез рисунка.
10. Колко силно е изразено линейното начало в картината?
11. Подчертани или скрити са контурите, ограничаващи отделните обекти? С какви средства се постига този ефект?
12. В каква степен е изразен обемът на обектите? Какви техники създават илюзията за обем?
13. Каква роля играе светлината в една картина? Какъв е (гладък, неутрален; контрастиращ, извайващ обем; мистичен). Четим ли е източникът на светлина/посоката?
14. Четливи ли са силуетите на изобразените фигури/обекти? Колко изразителни и ценни са те сами по себе си?
15. Колко подробно (или обратно обобщено) е изображението?
16. Предадено ли е разнообразието от текстури на изобразените повърхности (кожа, тъкани, метал и др.)? Оцветяване.
17. Каква роля играе цветът в картината (подчинен ли е на рисунката и обема, или обратното, подчинява ли рисунката на себе си и сама изгражда композицията).
18. Цветът само оцветяване на обема ли е или нещо повече? Дали е оптически верен или изразителен?
19. В картината преобладават местни цветове или тонален цвят?
20. Различават ли се границите на цветните петна? Съвпадат ли с границите на обемите и обектите?
21. Работи ли художникът с големи маси от цвят или с малки петна?
22. Как се пишат топли и студени цветове, използва ли художникът комбинация от допълващи се цветове? Защо прави това? Как се прехвърлят най-осветените и сенчести места?
23. Има ли отблясъци, рефлекси? Как се изписват сенките (глухи или прозрачни, оцветени ли са)?
24. Възможно ли е да се разграничат ритмичните повторения в използването на всеки цвят или комбинация от нюанси, възможно ли е да се проследи развитието на всеки цвят? Има ли доминиращ цвят/цветова комбинация?
25. Каква е текстурата на изобразителната повърхност - гладка или пастообразна? Различават ли се отделните щрихи? Ако е така, какви са те - малки или дълги, течни, плътни или почти суха нанесена боя?

Описание и анализ на графични произведения

Художествен език на графиката

Графиката като вид изобразително изкуство. Основните средства за художествена изразителност на графиката: линия, щрих, петно ​​и др. Линейна и черно-бяла рисунка. Гравюра, видове гравюра: ксилография, литография, линогравюра, офорт, монотипия, акватинта и др. Станкова графика. Книжна графика. Плакатно изкуство, плакати. Приложна графика.

Описание на произведения на графиката

Определяне на основните параметри на произведението: автор, дата на създаване, размер на листа, формат, техника.

Анализ на графични произведения

Примерен план за анализ на пробата:

1. Общо определение на пространствената ситуация, характеристики на изобразеното пространство. Пространство – дълбоко или не, затворено или отворено, върху кой план са съсредоточени акцентите. Преобладаващи (най-съществени за тази работа) средства за изграждане на дълбочина и тяхното използване. Например: естеството на линейната или въздушната перспектива (ако се използва). Характеристики на изобразеното пространство. Цялост / разчленяване на пространството. Разделяне на планове, разпределение на вниманието (изолиране на определени планове или еднаквост на възприятието). Гледна точка. Взаимодействието на зрителя и изобразеното пространство (този елемент е необходим, дори ако няма изображение на дълбокия космос).
2. Разположение, съотношение, отношения на елементи в равнината и в пространството.

Определяне вида на композицията – при възможност. В бъдеще, изясняване: как точно този тип композиция е въплътена в тази графична работа, какви са нюансите на нейното използване. Характеристики на формата (пропорционален размер). Съотношението на формат и композиция: изображението и неговите граници. Разпределение на масите в листа. Композиционен акцент и неговото разположение; връзката му с други елементи; доминиращи направления: динамика и статика. Взаимодействието на основните елементи на композицията с пространствената структура, поставяне на акценти.

1. Анализ на графичната техника.
2. Резултатът от анализа е идентифицирането на принципите на изграждане на формата, нейните изразителни качества и въздействие. Въз основа на формално-изразните качества на произведението може да се постави въпросът за неговия смисъл (съдържание, идея), т.е. преминете към тълкуването му. В същото време е необходимо да се вземе предвид сюжетът (как се интерпретира сюжетът в това произведение?), Спецификата на изобразяването на героите (в сюжетната картина и портрет - пози, жестове, изражения на лицето, поглед) , символика (ако има такава) и т.н., но в същото време времето е средство за представяне и оттам въздействието на картината. Възможно е също така идентифицираните индивидуални характеристики на произведението да се съотнасят с изискванията на вида и жанра, към които принадлежи, с по-широк художествен контекст (творчеството на автора като цяло: изкуството на епохата, школата и др.) . От това може да се направи извод за стойността и значението на произведението, за мястото му в историята на изкуството.

Описание и анализ на произведения на художествените занаяти и народното творчество

Видове художествени занаяти и народно творчество

Рисуване върху дърво, метал и др. Бродерия. Килимарство. Бижутерско изкуство. Дърворезба, кости. Керамика. Художествени лакове и др.

Описание на паметниците на декоративното, приложното и народното изкуство

Вид декоративно-приложно изкуство. Материал. Характеристики на неговата обработка. Размери. Назначаване. Характеристика на цвят, текстура. Степента на съответствие между утилитарните и художествено-естетичните функции на предмета.

Анализ на паметниците на художествените занаяти и народното творчество

Примерен план за анализ

1. За какво е този артикул?
2. Какви са размерите му?
3. Как е разположена украсата на артикула? Къде са разположени зоните на фигуративната и декоративна украса? Как разположението на изображенията е свързано с формата на обекта?
4. Какви видове орнаменти се използват? На кои части от обекта са разположени?
5. Къде се намират фигуративните изображения? Заемат ли повече място от декоративните, или са само един от декоративните регистри?
6. Как се изгражда регистър с фигурални изображения? Може ли да се каже, че тук се използват техники за свободна композиция или се използва принципът на съпоставяне (фигури в еднакви пози, минимално движение, повтарящи се)?
7. Как са изобразени фигурите? Мобилни ли са, замръзнали, стилизирани ли са?
8. Как се прехвърлят детайлите на фигурите? Дали изглеждат по-естествени или декоративни? Какви техники се използват за прехвърляне на фигури?
9. Погледнете, ако е възможно, вътре в обекта. Има ли изображение и орнаменти? Опишете ги според диаграмата по-горе.
10. Какви основни и вторични цветове се използват при изграждането на орнаменти и фигури? Какъв е тонът на самата глина? Как това се отразява на характера на образа – прави ли го по-орнаментален или, обратно, по-естествен?

Текстове на песни:

Анализът на едно произведение е сложна работа на интелекта, изискваща много знания и умения.

Има много подходи, техники, методи за анализ, но всички те се вписват в няколко сложни действия:

1. 1) декодиране на информацията, съдържаща се в тъканта на самото произведение,
2. 2) аналитично изследване на процеса и обстоятелствата на създаване на произведение на изкуството, което спомага за задълбочаване и обогатяване на разбирането му,
3. 3) изследване на историческата динамика на художествения образ на произведението в индивидуалното и колективното възприемане.

В първия случай е налице работа с творбата като ценност сама по себе си – „текст”; във втория разглеждаме текста в контекст, разкривайки следи от влиянието на външни импулси в художествения образ; в третия изучаваме промените в художествения образ в зависимост от това как се променя възприемането му в различни епохи.

Всяко произведение на изкуството, по силата на своята оригиналност, диктува своя път, своя логика, свои методи на анализ.

Въпреки това бих искал да обърна внимание на няколко общи принципа на практическата аналитична работа с произведение на изкуството и да дам някои съвети.

"Еврика!" (анализ интрига). Първото и най-важно е, че самото произведение на изкуството подсказва пътя, по който може да се проникне в дълбините на смисъла на художествения образ. Има един вид „кука“, която улавя ума с внезапен въпрос. Търсенето на отговор на него – независимо дали във вътрешен монолог, в общуването със служители или ученици – често води до прозрение (Еврика!). Следователно разговори от този вид - трябва да се научите как да ги провеждате с група - се наричат ​​евристични. Аналитичната работа в музейна или архитектурна среда обикновено започва с такива въпроси – „декодиране” на информацията, съдържаща се в художествения „текст”.

Задаването на въпрос често е по-трудно от намирането на отговор.

- Защо "Голото момче" на Александър Иванов е с толкова трагично лице?

- Защо в картината „Явяването на Месията” на същия Иванов фигурата на млад мъж, който вдига парализиран мъж, е облечен в дрехите на Христос?

— Защо кутийката на снимката на К.С. е празна? Петров-Водкин "Майка" 1915?

— Защо P.D. Федотов във втората версия на картината "Сватовство на майора" премахва полилея - детайла, който той търсеше толкова дълго?

— Защо в скулптурния бюст на Ш.И. Мраморът на Макхелсон от Шубин е полиран до мазен блясък, докато в повечето случаи „кожата“ на лицата в неговите портрети изглежда матова?

Има много такива въпроси, които могат да бъдат припомнени, всички те са доказателство за уникална, лична визия, присъща на всеки човек. Умишлено не давам отговори тук - опитайте се да ги намерите сами.

В аналитичната работа с произведение на изкуството ще ви помогне не само способността да го видите със свеж поглед, да го възприемете директно, но и способността да се абстрахирате, изолирайки определени моменти от възприятието и елементи от формата и съдържанието. .

Ако говорим за пластични изкуства, това са композиция, диаграми, аналитични скици, колористични „оформления“, анализ на пространствената конструкция, „игра“ на аксесоари и др. Всички тези и други средства могат да се използват в работата. Но едно нещо трябва да се помни: всяка аналитична техника е преди всичко начин за тълкуване на елементите на формата, за тяхното разбиране. Измервайте, очертавайте, рисувайте диаграми, но не заради самите диаграми, а заради разбирането на тяхното значение, защото в един истински художествен образ няма „празнини“ - самият материал, и размерът, и формат до текстурата, т.е. повърхността на предметното изкуство е пълна със смисъл. С други думи, става дума за езика на изкуството.

Въпреки своята оригиналност, уникалност, произведенията на изкуството се поддават на типология, те могат да бъдат групирани, разбира се, преди всичко по вид изкуство.

Проблемът за типологията ще бъде обект на изучаване за вас в курсовете по теория на изкуството и естетика, като в началото на курса бихме искали да обърнем внимание на онези негови аспекти, които играят важна роля в анализа, особено тълкуване на чл. Освен това получаваме възможност да определим значението на основните понятия (значението на тази работа беше споменато по-горе).

Така, едно произведение на изкуството може да принадлежи към един от видовете, които се разделят на: еднокомпонентни (моноструктурни), синтетични и технически.

• Еднокомпонентни - живопис, графика, скулптура, архитектура, литература, музика, художествени занаяти.
• Синтетични - театрални и зрелищни изкуства.
• Технически - кино, телевизия, компютърна графика.

Еднокомпонентните изкуства са разделени на свой ред на:

• пространствени (архитектура, живопис, графика, изкуства и занаяти)
• временно (литература, музика),

както и изобразителни (живопис, графика, скулптура) и неизобразителни (архитектура, художествени занаяти, литература, музика).

Тъй като има различни гледни точки в класификацията на изкуствата и тъй като всички тези дефиниции не са абсолютни, а относителни, ние ще ги уточним, като най-напред ще се спрем съвсем накратко на проблема за пространството и времето в изкуство, защото не е толкова просто, колкото може да изглежда на пръв поглед, и е много важно при анализа на произведението.

На първо място, отбелязваме, че разделянето на изкуствата на пространствени и времеви е много произволно и се основава на характеристиките на съществуването на произведението: материалните носители на пространствените изкуства са наистина обективни, заемат място в пространството и само растат стари и рухнали във времето. Но в края на краищата материалните носители на музикални и литературни произведения също заемат място в пространството (ноти, плочи, касети и накрая изпълнители и техните инструменти; ръкописи, книги, списания). Ако говорим за художествени образи, то те "заемат" определено духовно пространство и във всички изкуства се развиват във времето.

Затова ще се опитаме, след като отбелязахме съществуването на тези категории като класификационни, да говорим за тях от аналитична позиция, за нас - в случая - по-важна.

По-горе отбелязахме, че всяко произведение на изкуството като материално-идеално явление съществува в пространството и времето и неговата материална основа по някакъв начин е свързана предимно с пространството, а идеалната - с времето.

Едно произведение на изкуството обаче е свързано с пространството и в други аспекти. Природното пространство и неговото преживяване от човек оказват огромно влияние върху художествения образ, пораждайки например в живописта и графиката различни системи от пространствени конструкции, определящи характеристиките на решаването на пространствени проблеми в архитектурата, образа на пространството в литературата . Във всички изкуства „пространството на нещото“, „пространството на човека“, „пространството на обществото“, природното – земно и космическо – пространство и накрая, пространството на най-висшата духовна реалност – Абсолюта, Боже, различими са.

Визията за света се променя, последвана от системата на художественото мислене; това движение от старата система към новата е белязано от промени в концепцията за пространството. Така преместването на центъра на вниманието от най-висшата духовна реалност - Бог, Небесният свят през 17 век към човек в руското изкуство от 17 век сякаш стеснява хоризонта на художника и безкрайността на обратната перспектива беше заменено с ограничението на прекия.

Времето също е подвижно и многостранно.

Това е реалното време на материалния носител, когато нотите пожълтяват, филмите се размагнетизират, омаслените дъски почерняват и времето на художествения образ, безкрайно развиващ се, практически безсмъртен. Това е и илюзорно време, което съществува вътре в художествения образ, времето, в което живеят изобразеното нещо и човек, обществото, човечеството като цяло. Това е времето на създаване на произведението, историческата епоха и период от живота и накрая възрастта на автора, това време е продължителността на действието и времето на "паузите" - прекъсванията между изобразените епизоди. И накрая, това е времето на подготовка за възприемане, възприемане в контакт с произведението, преживяване и осмисляне на възприетия художествен образ.

Във всяко едно от изкуствата пространството и времето се показват по различен начин и това е обсъдено в следващите глави, всяка от които е посветена на специален вид изкуство с присъщата му структура на художествения образ.

Неслучайно написах „показан“, а не „изобразен“, защото трябва да разделим и тези понятия.

Да покажеш означава да намериш образен еквивалент на явлението от действителността, да го вплетеш в тъканта на художествен образ, да изобразиш - да създадеш зрително - видим, словесно - вербален или звуков - слухов аналог на нещо. Изкуствата се делят, както беше споменато по-горе, на изобразителни и неизобразителни не защото в музиката е невъзможно да се изобрази например шумът на влака или викът на петел (или дори цял птичи двор), а в литература е невъзможно да се опише почти всеки видим или звуков обект. Това е възможно както в музиката, така и в литературата: в първия случай имаме работа с ономатопея, във втория - с описание. Освен това талантлив автор, който дълбоко е преживял контакт с произведение на живописта, скулптурата, музиката, може да намери такива думи, че описанието му да се превърне в пълноценен и високохудожествен словесен (словесен) аналог на произведение на изобразителното или музикално изкуство .

Архитектурните произведения (да не говорим за техните части: колони с форма на лотос от египетски храмове, кора, атланти, релеф и други декоративни скулптурни елементи) също могат да бъдат изображения: например през 30-те години в Съветския съюз беше модерно да се строят къщи в формата на автомобили или други предмети. В Ленинград дори е построено училище във формата на сърп и чук, но това може да се види само от птичи поглед. И различни съдове под формата на птици, риби, човешки фигури и др. в неизобразителното изкуство и занаятите!

За разлика от това произведенията на изобразителното изкуство често „не изобразяват нищо“ като абстрактната живопис и скулптурата.

Така че този класификационен признак се оказва относителен. И все пак съществува: има визуално, тоест визуално възприемани „изящни изкуства“, които се основават на образа на явленията на света, и неизобразителни, словесни и музикални.

Изкуството винаги е условно и не може (да не говорим, че не трябва) да създаде пълно подобие на това или онова явление от живия живот. Художникът не дублира съществуващата реалност, той създава художествени и фигуративни модели на света или неговите елементи, като ги опростява и трансформира. Дори живописта, най-„илюзорното“ от изкуствата, привидно способна да улови и предаде върху платното цялото богатство на многоцветния свят, има изключително ограничена способност да имитира породата.

Наистина обичам CS. Петров-Водкин. На една от изложбите му в залата на Руския музей на стената до прозореца е поставена неговата „Богородица – нежност на злите сърца” – сиянието на чисто алено, синьо и злато.

Дълги години картината беше скрита в складове и сега, когато беше в залата, човек можеше да седи и да я гледа, изглеждаше, безкрайно. Фонът блестеше с космически дълбока, пронизително чиста светлина на небесните дълбини, засенчвайки заедно с аления мафорий красивото кротко лице на Богородица ...

Седях дълго време, навън се стъмни, зимната вечер блестеше в прозореца - и какъв шок беше за мен тихият блясък на скромния зимен петербургски здрач в прозореца - те гледаха до синьото на снимката на Петров-Водкин, като блестящ сапфир до синята хартия, която е залепена върху кибритени кутии. Тогава имах шанса не да разбера, а да видя и усетя колко наистина са ограничени възможностите на изкуството да имитира живота, ако го съдим по любимия критерий на наивния зрител: дали изображението е подобно или не. към оригинала. И изобщо не е в неговите сили да възпроизвежда явленията от живота възможно най-подобно, възможно най-миметично.

Художественият образ не е просто повторение на живота и неговата правдоподобност, словесна или визуална, съвсем не е основно качество. Изкуството е един от начините за овладяване на света: неговото познание, оценка, трансформация от човека. И всеки път в художествения образ - по различен начин в различните видове изкуство и в различни художествени системи - се разкрива явлението (това, което се възприема от чувствата на човек, му се разкрива) и същността (същността на явлението, съвкупността от основните му свойства) са свързани, за да покажат кое изкуство е признато.

Всяка система на художествено мислене формира свой метод за познание на същността - творческия метод. В училище вече сте се запознали с такива специфични европейски творчески методи като барок, класицизъм, сантиментализъм, романтизъм, реализъм, символизъм, модернизъм, социалистически реализъм, сюрреализъм и др. Разбира се, вие помните, че всеки метод е създаден в името на разбирането , оценка, трансформация на човека и света като цяло и техните индивидуални качества. Спомнете си как последователно се „събират“ знания за човек: барокът изучава и показва света на бурни, необуздани чувства на човек; класицизъм - неговият всемерен уравновесен ум; сантиментализмът утвърждава правото на човека на личен живот и възвишени, но чисто лични чувства; романтизъм - красотата на свободното развитие на индивида "за добро или за зло", неговите прояви в "фаталните минути" на света; реализмът отразява социалните основи на формирането и живота на човек; символизмът отново се втурва в тайнствените дълбини на човешката душа, а сюрреализмът се опитва да проникне в дълбините на подсъзнанието и т.н. Така че всяка от тези творчески системи има свой предмет на изображение, изолиран в един обект - човек. И техните функции: утвърждаване на идеала, изучаване, излагане и др.

В съответствие с това се разработва и метод за трансформиране на обект, който позволява да се разкрие неговото действително съдържание: това е идеализацията на обект - трансформация, художественото освобождаване на „несъвършената реалност от нейното несъвършенство“, оприличавайки я на идеал (Кратка философска енциклопедия. М., 1994) в методи като барок, класицизъм, романтизъм, които се различават помежду си по това, че самият идеал се разбира по различен начин; това е характерна за реализма типизация и символизация, използвана от човечеството на различни етапи от художественото изследване на света.

Разглеждайки историята на развитието на изкуството на много високо ниво на обобщение, можем да кажем, че то се развива между два полюса на художествено-фигуративното моделиране на света: от желанието да се създаде до краен предел, до илюзията за правдоподобно възпроизвеждане до крайно обобщение. Тези два метода могат да бъдат съпоставени с работата на двете полукълба на мозъка: лявото аналитично, разделящо явлението на части в името на неговото познание, и дясното - обобщаващо, въображаемо, създаващо цялостни образи (не непременно художествени) за същата цел.

На Земята има зони, доминирани от хора със забележимо предимство в развитието на едно от полукълбата. Можете дори, разбира се, много условно да кажете, че понятията "Изток", "човек от Изтока" са свързани с дяснополукълбово - образно (фигуративно) мислене, докато "Запад", "човек от Запада" с ляво полукълбо, аналитичен, научен.

И тук се сблъскваме с видим парадокс.

Спомнете си: лявото полукълбо контролира абстрактно-логическото, словесното, аналитичното мислене; дясно - конкретно, образно, невербално, обобщаващо.

На пръв поглед е лесно да се определи кое е по-специфично: портрет, който предава външния вид и характера на определен човек, или, да речем, малък човек на светофар - изключително обобщено обозначение на човек, куп грозде, рисувано в холандски натюрморт, или безкрайна лоза в ориенталски орнамент, състоящ се от много условни, доведени до нивото на декоративни елементи от листа и гроздове.

Отговорът е очевиден: мимическите изображения - портрет, натюрморт - са конкретни, орнаменталните обобщения са по-абстрактни. В първия случай са необходими понятията „този човек“, „тази група“, във втория са достатъчни „човек“, „група“.

Малко по-трудно е да се разбере, че портретът и натюрмортът, бидейки художествени образи, са в същото време по-аналитични - „лявополукълбови“ от елементите на орнамента. Наистина, представете си колко думи ще са необходими, за да се опише портретът - словесният "превод" на това изображение би бил доста дълъг и повече или по-малко скучен, докато лозата в орнамента се определя от една, най-много три думи: катерлива лоза украшение. Но след като скицира лоза от природата, авторът на орнамента повтори това изображение повече от веднъж, постигайки окончателно обобщение, което позволява достигане на нивото на символ, съдържащ не едно, а много значения.

Ако искате да научите повече за западните аналитични (миметични, имитативни) и източните обобщени (орнаментални) начини за създаване на визуален образ, прочетете отличната книга на Л.А. Лелеков "Изкуството на Древна Русия и Изтока" (М., 1978). Разглеждайки двете системи на художествено-образното мислене, авторът противопоставя две поредици от твърдения.

Първият принадлежи на Сократ: „Живописът е образ на това, което виждаме“.

Второто е към Буда: „Художникът е подготвил цветовете, за да създаде картина, която не може да се види цветно.“

Древната легенда за надпреварата между двама изкусни зографи - Зевксис и Парасий - разказва как един от тях нарисувал лозова клонка и как птици се стичали към тази картина, за да кълват плодовете, изобразени на нея - толкова голяма била илюзията за живот, който я изпълва. Вторият измами окото на колегата си, изобразявайки върху платното завесата, с която уж беше покрита картината, с такова изкуство, че той го помоли бързо да я дръпне. Създаването на илюзия - имитацията на видимото - беше най-висшата цел за всеки от съперниците.

Буда говори за съвсем друга цел: видимият образ, нарисуван с цветове, е само носител на образ, който се ражда в душата на човека. Християнският философ Йоан Дамаскин повтаря Буда: "Всеки образ е откровение и указание за скритото."

Всъщност лозата, която украсява стълбовете на иконостаса, е символ на живота и плодородието, Райската градина (Христовата градина), символ на вечността.

Ето как L.A. Лелеков за друг орнамент: преплитането на редуващи се плодове и цветя, което е много често срещано в ориенталските орнаменти, обозначава „концепциите за единството на причината и следствието и вечността на битието, темата за сътворението и непрестанното обновяване на живота, връзката на миналото и бъдещето, сблъсъкът на противоположностите” (Ibid. S. 39).

Но както между сравнително малко групи от изразени „ляво-хемисферни” учени и „дясно-хемисферни” творци има преобладаващ брой преходни типове, така и между натуралистичния, който е равен на себе си, ценен сам по себе си и няма скрити значения, илюзорен образ на външен вид (феномен) и чист орнамент, съдържащ много значения, лежи огромно пространство, заето от изображения от смесен тип - за тях говорихме по-горе.

Може би най-хармонично сред тях е реалистичното изображение, когато художникът се стреми да въплъти същността на явлението, да символизира видимото. Да, Ал. Иванов, откривайки законите на пленера и разработвайки метод за въплъщаване на вътрешните свойства и качества на човека в нейния външен вид, изпълва своите творения с дълбок символичен смисъл.

Художниците-абстракционисти от 20-ти век, разграждайки, разпространявайки своите картини, отказвайки да създадат „втора“, илюзорна реалност върху платното, обърнаха се към сферата на човешкото свръхсъзнание, опитаха се да уловят образа в неговата оригиналност, в дълбините на човека душа, или, напротив, изгради я.

Ето защо в анализа, следвайки интригата на първия възникнал въпрос, ще трябва да помислите какво представлява „пространствено-времевият континуум” на художествения образ на произведението, предметът на изображението, методът и средствата за трансформиране на обекта. И още един важен въпрос възниква пред вас: какви са елементният състав и връзката - структурата на художествения образ.

Художественият образ на произведението е цялост и като всяка цялост той може да бъде представен, описан като система, състояща се от елементи (всеки от които от своя страна също е интегрален и може да бъде представен като система) и техните взаимовръзки. Структурираността и достатъчен брой елементи осигуряват функционирането на художествения образ като цяло, както наличието на необходимите части и правилното им сглобяване - свързване, структура, осигуряват движението и своевременното звънене на будилника.

Какво може да се обозначи като елементи на художествения образ? Рима, хармония, цвят, обем и т.н.? Това са елементи на формата. Субект на изображението, предмет, същност, явление? Това са елементи на съдържанието. Разсъждавайки логично, очевидно трябва да се признае, че елементите на художествения образ на произведението също са образи: човек в целия диапазон от най-простото иконично изображение в петроглифи до психологически портрет; материалният предметен свят в безбройно разнообразие от създадени от човека неща, съвкупността от които често се нарича цивилизация или „втора природа“; социални връзки, от семейни до универсални; чудодейната природа във всичките й проявления и форми: живият свят на животните, неживият свят - близък, планетарен и космически; накрая, този висш духовен ред, който присъства във всички художествени системи и който се нарича по различен начин от мъдреците от различни епохи: Висшият разум, Абсолютът, Бог.

Всеки от тези образи се реализира по различен начин в различните изкуства и има надвидов, родов характер.

Придобивайки конкретност в рамките на произведение на изкуството, такъв образ може да бъде включен като компонент в система от по-сложно цяло (например образите на природата заемат важно място в романите на Тургенев, в оперите на Римски-Корсаков и в картините на Репин). ). Едно от изображенията може да заеме централно място, подчинявайки останалите (такива са моноструктурните жанрове на изобразителното изкуство - портрет, пейзаж и др.), или да образува обширен пласт от произведения на изкуството - от серии в творчеството на един майстор (например "Петриада" в .A. Серова) I до такива гигантски образувания като "Лениниана" в съветското изкуство.

Така че в процеса на анализиране на произведение могат да се разграничат фигуративни елементи и да се установят връзки между тях. Често такава работа помага да се разбере по-дълбоко намерението на автора и да се осъзнаят чувствата, изпитвани при общуването с произведението, за по-добро разбиране и тълкуване на художествения образ.

Обобщавайки този кратък раздел за анализ на произведение на изкуството като самодостатъчна цялост на "текста"Нека подчертаем най-важното:

1. 1) анализът е само една от операциите, включени в системата за работа с произведение на изкуството. Един от най-важните въпроси, на които трябва да отговорите в процеса на аналитична работа, е следният: как, по какъв начин и с какви средства художникът е успял да постигне точно това впечатление, което сте изпитали и осъзнали в преданалитичната комуникация с художествен образ?
2. 2) анализът като операция за разделяне на цялото на части (макар и с елементи на синтез) не е самоцел, а начин за по-дълбоко проникване в семантичното ядро ​​на художествения образ;
3. 3) всяко произведение на изкуството е уникално, неподражаемо, следователно е методически правилно - и е много важно за учителя - да намери "интригата на анализа" - ключовият въпрос, който ще доведе, особено в колективната работа, верига, или по-скоро система от въпроси, отговорите на които ще формират цялостна картина на анализа;
4. 4) всяко произведение на изкуството е художествено-фигуративен модел на света, който отразява действителните аспекти, части, аспекти
   свят и неговите основни елементи: човек, общество, цивилизация, природа, Бог. Тези аспекти, части, аспекти на битието съставляват смислова основа - предмет на изображението, който, от една страна, вече е обективна реалност, тъй като е само част от нея, а от друга, той е първоначално по-богат, защото носи отношението на автора, обогатява се в творческия процес, дава прираст на познанието за света в обективизирана форма, в художествено произведение и накрая се актуализира в процеса на творчество. В аналитичната работа трябва да отговорите на въпросите: какъв е обектът на изображението в тази работа? каква е темата на снимката? какво ново научаваме за света, усвоявайки художествения образ на творбата?
5. 5) всяко произведение на изкуството принадлежи към един от видовете изкуство, в съответствие с който се формира методът за трансформиране на предмета на изображението, формирането на художествения образ, специфичния език на изкуството.
6. 6) изкуството като цяло и отделно произведение като феномен на материалния свят съществуват в пространството и времето. Всяка епоха, всяка естетическа система развива своята художествена концепция за време и пространство според своето разбиране за тези реалности и своите цели. Следователно анализът на особеностите на въплъщението на пространството и времето в произведението е необходима аналитична операция;
7. 7) художествено-образният модел на света може да бъде изобразителен (визуален) или неизобразителен (слухов, словесен или визуално-конструктивен). Подражанието на живота (дори до стремеж за създаване на илюзия-„измама”) или напротив пълното „деобективизиране” на образа, както всички междинни форми, не е самоцел, то винаги е смислен, служи като въплъщение на целеполагането, разкрито в анализа. В същото време се установява връзка между явлението и същността, чието разбиране и развитие в крайна сметка представлява една от основните функции на изкуството. Така че в процеса на анализ е необходимо да се разбере какво явление е в основата на художествения образ (обект на изображение), какви свойства, качества, аспекти на обекта са представлявали интерес за художника (обект на изображение), как, по какъв начин обектът се трансформира и каква е структурата – елементен състав и структура – ​​полученият художествен образ. Отговаряйки на тези въпроси, човек може доста добре да разбере смисъла на едно произведение на изкуството, каква е същността, която блести през тъканта на един художествен образ.

Преди да приключа с анализа и мястото му в работата с произведение на изкуството, нека ви дам два съвета.

Първият се отнася до значението на анализа. Независимо дали това или онова произведение на изкуството ви е близко или вътрешно чуждо, анализът - интерпретацията ще ви помогне да разберете автора и в разговор за произведението да оправдаете оценката си. Във връзка с изкуството е по-добре да замените „харесвам - не харесвам“ с други формулировки:

„Разбирам и приемам“ или „Разбирам, но не приемам!“ И в същото време винаги бъдете готови да обосновете мнението си.

Вторият съвет ще ви бъде особено полезен, ако трябва да работите на изложба за съвременно изкуство или да посетите художник в ателието му.

За всеки нормален човек присъствието на автора е възпиращ фактор, така че на изложба за съвременно изкуство винаги работете така, сякаш авторът стои до вас - това е много реална възможност.

Но най-важното: веднъж завинаги се откажете от идеята, че има "правилно" и "погрешно" изкуство, "добро" и "лошо". Произведението на изкуството подлежи на оценка: в края на краищата създателят му може да бъде майстор, а може би и наперен дилетант, свръхадаптивен опортюнист, спекулант.

Но в изложбената зала не трябва да бързате да действате като прокурор, по-добре е първо да се опитате да разберете защо работата е предизвикала такова раздразнение у вас вместо очакваната радост: дали защото интуитивно сте усетили дисхармонията на образа, неговата обща разрушителна сила, вълните от негативна енергия, идващи от него, или че поради особеностите на вашата личност не сте изпаднали в „резонанс” с онези, образно казано, вибрации, които е предизвикал художественият образ.

Колко различно възприемаме всички ние изкуството – както в неговите елементи, така и като цяло – усетих съвсем неочаквано край телевизионния екран. ... Много обичам Коломенское - с неговата спокойна бяла църква на Казанската Богородица, стройната шатра на църквата "Възнесение Христово", бързо издигаща се над река Москва, позлатените куполи на катедралата "Йоан Кръстител" в Дяково на планината зад дерето, С китки дървета, вековни стълбове и скъпи камъни в гъста зелена трева. В продължение на много години в курса по история на изкуството разказвам на учениците за тези прекрасни творения от 16-17 век. Но една малка история в "Клуб на пътешествениците" по телевизията беше откровение за мен. Водещият духовник показа и доказа, че метрично оформеният ансамбъл въплъщава в природни и архитектурни форми образа на иконата на София – Премъдростта Божия. Аз, човек с изградено рационално съзнание, никога не бих могъл да видя това чудо по такъв начин. Но сега, разбира се, с препратки към първоизточника, ще предложа на учениците, наред с други, тази интерпретация.

Литература:

Вьолфлин

Janson H.V., Janson E.F. Основи на историята на изкуството - да се намери. Намерени. Дял. И Гомбрих също.

Във връзка с

Речник на основните понятия .... 419

АНАЛИЗ НА ИЗКУСТВОТО

ПРИМЕРНИ ВЪПРОСИ И СХЕМА

Архитектурно произведение

При анализирането на произведенията на архитектурата е необходимо да се вземат предвид характеристиките на архитектурата като форма на изкуство. Архитектурата е форма на изкуство, проявяваща се в художествения характер на една сграда. Следователно трябва да се анализират външният вид, мащабът и формите на структурата.

1. Какви строителни обекти заслужават внимание?

2. С помощта на какви методи и средства са изразени идеите на автора в това произведение?

3. Какво впечатление прави произведението?

4. Какво усещане може да изпита реципиентът (възприемащият)?

5. Как мащабът, форматът, хоризонталното, вертикалното или диагоналното разположение на частите, използването на определени архитектурни форми, разпределението на светлината в един архитектурен паметник спомагат за емоционалното впечатление от творбата?

6. Какво вижда посетителят, когато стои пред фасадата?

7. Опитайте се да обясните защо това изглежда основно за вас?

8. С какви средства архитектът подчертава главното? Опишете основните художествени средства и техники за създаване на архитектурен образ (симетрия, ритъм, пропорции, светлосенко и цветно моделиране, мащаб).

9. Как са подредени обемите и пространствата в една архитектурна структура (архитектурна композиция)?

10. Опишете принадлежността на този обект към определен тип архитектура: триизмерни структури (обществени: жилищни, промишлени); пейзаж (пейзаж или малки форми), градоустройство.

11. Опитайте се да си представите какви събития могат да се случват по-често в тази архитектурна структура.

12. Композицията на произведението и неговите основни елементи имат ли символичен характер: купол, арка, свод, стена, кула, спокойствие?

13. Какво е заглавието на произведението? И как бихте го кръстили?

14. Определете принадлежността на тази работа към културно-историческата епоха, художествен стил, посока.

16. Как корелират формата и съдържанието на тази работа?

17. Каква е връзката между външния и вътрешния облик на тази архитектурна структура? Вписва ли се хармонично в околната среда?

18. Какво въплъщение, според вас, намери формулата на Витрувий в това произведение: полезност, сила, красота?

19. Използвани ли са други видове изкуство при оформянето на облика на този архитектурен обект? Който? Смятате ли, че изборът на автора е оправдан?

Бояджийска работа

За да се абстрахираме от повествователно-ежедневното възприятие, не забравяйте, че картината не е прозорец към света, а равнина, върху която чрез рисуване може да се създаде илюзията за пространство. Следователно, първо е важно да се анализират основните параметри на работата.

1. Размер на картината (монументална, стативна, миниатюрна)?

2. Форматът на картината: хоризонтално или вертикално издължен правоъгълник (може със заоблен край), квадрат, кръг (тондо), овал?

3. В каква техника (темпера, масло, акварел и др.) и на каква основа (дърво, платно и др.) е направена картината?

4. От какво разстояние се възприема най-добре?

Анализ на изображението.

5. Има ли сюжет в картината? Какво е показано? В каква среда са разположени изобразените герои, предмети?

6. Въз основа на анализа на изображението направете заключение за жанра (портрет, пейзаж, натюрморт, голо тяло, всекидневен живот, митологичен, религиозен, исторически, анималистичен).

7. Според Вас каква задача решава художникът – визуална? изразителен? Каква е степента на условност или натурализъм на изображението? Дали конвенционалността гравитира към идеализация или към изразително изкривяване?

Анализ на състава

8. Кои са компонентите на композицията? Какво е съотношението на обекта на изображението и фона / пространството върху платното на картината?

9. Колко близо до картинната равнина са обектите в изображението?

10. Какъв ъгъл е избрал художникът - отгоре, отдолу, наравно с изобразените обекти?

11. Как се определя позицията на зрителя – участва ли той във взаимодействието с изобразеното в картината или му е отредена ролята на откъснат съзерцател?

12. Може ли композицията да се нарече балансирана, статична или динамична? Ако има движение, как е насочено?

13. Как се изгражда пространството на картината (равно, неограничено, пространственият слой е ограден, създава се дълбоко пространство)? Благодарение на какво се постига илюзията за пространствена дълбочина (разлика в размера на изобразените фигури, показване на обема на обекти или архитектура, използване на цветови градации)?

Анализ на чертежа.

14. Колко силно е изразено линейното начало в картината?

15. Подчертани или изгладени ли са контурите, ограничаващи отделните обекти? С какви средства се постига този ефект?

16. До каква степен е изразен обемът на предметите? Какви техники създават илюзията за обем?

17. Каква роля играе светлината в една картина? Какво е то (гладко, неутрално; контрастиращо, скулптуриращ обем; мистично)? Четим ли е източникът на светлина/посоката?

18. Четливи ли са силуетите на изобразените фигури/обекти? Колко изразителни и ценни са те сами по себе си?

19. Колко подробно (или обратното обобщено) е изображението?

20. Предава ли се разнообразието от текстури на изобразените повърхности (кожа, тъкани, метал и др.)?

Цветен анализ.

21. Каква роля играе цветът в картината (подчинен ли е на рисунката и обема, или обратното, подчинява рисунката на себе си и сама изгражда композицията)?

22. Цветът само оцветяване на обема ли е или нещо повече? Дали е оптически верен или изразителен?

23. Различават ли се границите на цветните петна? Съвпадат ли с границите на обемите и обектите?

24. Работи ли художникът с големи маси от цвят или с малки щрихи?

25. Как се изписват топли и студени цветове, художникът използва ли комбинация от допълващи се цветове? Защо прави това? Как се прехвърлят най-осветените и сенчести места?

26. Има ли отблясъци, рефлекси? Как се изписват сенките (глухи или прозрачни, оцветени ли са)? Има ли доминиращ цвят/цветова комбинация?

Други възможности

1. Какви обекти на емоционалното отношение на автора към обекта (факт, събитие, явление) заслужават внимание?

2. Определете дали тази работа принадлежи към жанра на живописта (исторически, портрет, натюрморт, битка, други).

3. С помощта на какви методи и средства са изразени идеите на автора в това произведение?

4. Какво впечатление прави произведението?

7. Как използването на определени цветове спомага за емоционалното впечатление?

8. Какво е показано на снимката?

9. Откройте основното от видяното.

10. Опитайте се да обясните защо това изглежда основно за вас?

11. С какви средства художникът подчертава главното?

12. Как се съпоставят цветовете в творбата (цветова композиция)?

13. Опитайте се да преразкажете сюжета на картината.

14. Има ли в творбата сюжети, които символизират нещо?

15. Какво е заглавието на парчето? Как се свързва със сюжета и символиката?

16. Композицията на произведението и неговите основни елементи имат ли символичен характер: хоризонтал, вертикал, диагонал, кръг, овал, цвят, куб?

произведение на скулптурата

Когато се анализират произведенията на скулптурата, е необходимо да се вземат предвид собствените параметри на скулптурата като форма на изкуство. Скулптурата е форма на изкуство, при която реален триизмерен обем взаимодейства с околното триизмерно пространство. Следователно обемът, пространството и как те си взаимодействат трябва да бъдат анализирани.

1. Какво впечатление прави произведението?

3. Какво е естеството на работата?

4. Какви обекти на емоционалното отношение на автора към обекта (факт, събитие, явление) заслужават внимание?

5. С помощта на какви методи и средства са изразени идеите на автора в това произведение?

6. Какъв е размерът на скулптурата? Размерът на скулптурата (монументална, стативна, миниатюрна) влияе върху нейното взаимодействие с пространството.

7. Към кой жанр принадлежи тази скулптура? За какво беше?

8. Опишете оригиналния материал, използван от автора, неговите характеристики. Какви характеристики на скулптурата са продиктувани от нейния материал (защо този материал е избран за тази работа)? Свойствата му отговарят ли на идеята на произведението? Възможно ли е същата работа да се представи от други материали? Какво би станало?

9. Каква е текстурата на изваяната повърхност? Хомогенни или различни в различните части? Гладки или „ескизни“ следи от докосване на инструменти са видими, естествени, условни. Как тази текстура е свързана със свойствата на материала? Как текстурата влияе върху възприемането на силуета и обема на скулптурна форма?

10. Как мащабът, форматът, хоризонталното, вертикалното или диагоналното разположение на частите помагат за емоционалното впечатление от творбата?

11. Каква е ролята на цвета в скулптурата? Как си взаимодействат обемът и цветът, как си влияят?

12. Кой (какво) виждате в скулптурата?

13. Подчертайте най-важното, особено ценното от видяното.

14. Опитайте се да обясните защо точно това ви се струва най-важно, особено ценно?

15. С какви средства скулпторът подчертава основното?

16. Как са подредени обектите в творбата (сюжетна композиция)?

17. В какво пространство е била разположена творбата (в храма, на площада, в къщата и т.н.)? За каква точка на възприемане е проектиран (от разстояние, отдолу, близо)? Дали е част от архитектурен или скулптурен ансамбъл или е самостоятелно произведение?

18. Скулптурата предназначена ли е за фиксирани гледни точки или се разкрива напълно, когато се разхождате? Колко завършени експресивни силуета има тя? Какви са те (затворени, компактни, геометрично правилни или живописни, отворени)? Как са свързани помежду си?

19. Какво може да направи (или каже) тази скулптура, ако оживее?

20. Какво е заглавието на парчето? Какво е значението на неговото (името), какво мислите? Как се свързва със сюжета и символиката?

21. Каква е интерпретацията на мотива (натуралистична, условна, продиктувана от канона, продиктувана от мястото, което заема скулптурата в нейната архитектурна среда, или някаква друга)?

22. Какви идеологически позиции, според вас, искаше да предаде на хората авторът на произведението?

23. Усещате ли влиянието на някои други видове изкуство в работата: архитектура, живопис?

24. Защо смятате, че е за предпочитане скулптурата да се гледа директно, а не на снимки или репродукции? Обосновете отговора си.

Предмети на изкуствата и занаятите

Когато анализираме предмети на декоративно-приложното изкуство, трябва да се помни, че те играят предимно приложна роля в човешкия живот и не винаги носят естетическа функция. В същото време формата на обекта, неговите функционални характеристики влияят върху характера на изображението.

1. За какво е предназначен такъв артикул?

2. Какви са размерите му?

3. Как е разположена украсата на артикула? Къде са разположени зоните на фигуративната и декоративна украса? Как разположението на изображенията е свързано с формата на обекта?

4. Какви видове орнаменти се използват? На кои части от обекта са разположени?

5. Къде се намират фигуративните изображения? Заемат ли повече място от декоративните, или са само един от декоративните регистри?

6. Как се изгражда регистър с фигурни изображения? Може ли да се каже, че тук се използват техники за свободна композиция или се използва принципът на съпоставяне (фигури в еднакви пози, минимално движение, повтарящи се)?

7. Как са изобразени фигурите? Мобилни ли са, замръзнали, стилизирани ли са?

8. Как се пренасят детайлите на фигурите? Дали изглеждат по-естествени или декоративни? Какви техники се използват за прехвърляне на фигури?

9. Погледнете, ако е възможно, вътре в обекта. Има ли изображение и орнаменти? Опишете ги според диаграмата по-горе.

10. Какви основни и вторични цветове се използват при изграждането на орнаменти и фигури? Какъв е тонът на самата глина? Как това се отразява на характера на образа – прави ли го по-орнаментален или, обратно, по-естествен?

11. Опитайте се да направите извод за отделните модели на този вид изкуства и занаяти.

Алгоритми за анализ на изкуството

Основното условие за работа по този алгоритъм е фактът, че името на картината не трябва да е известно на тези, които извършват работата.

Как бихте кръстили тази картина?

Харесва ли ви снимката или не? (Отговорът трябва да е двусмислен).

Разкажете за тази снимка, за да може човек, който не я познава, да добие представа за нея.

Какви чувства предизвиква у вас тази картина?

Искате ли да добавите или промените нещо в отговора си на първия въпрос?

Върнете се на втория въпрос. Вашата оценка остана ли същата или се промени? Защо оценявате тази снимка толкова много сега?

Алгоритъм за анализ на произведения на изкуството

Значението на заглавието на картината.

Жанрова принадлежност.

Характеристики на сюжета на картината. Причини за боядисване. Потърсете отговор на въпроса: дали авторът е предал намерението си на зрителя?

Характеристики на композицията на картината.

Основните средства за художествено изображение: цвят, рисунка, текстура, chiaroscuro, стил на писане.

Какво впечатление направи това произведение на изкуството върху вашите чувства и настроение?

Къде се намира това произведение на изкуството?

Алгоритъм за анализиране на произведения на архитектурата

Какво е известно за историята на създаването на архитектурна структура и нейния автор?

Посочете принадлежността на това произведение към културно-историческата епоха, художествен стил, посока.

Какво въплъщение намери формулата на Витрувий в това произведение: сила, полезност, красота?

Посочете художествени средства и техники за създаване на архитектурен образ (симетрия, ритъм, пропорции, светлосенки и цветно моделиране, мащаб), тектонични системи (пост-лъч, ланцет-арка, арка-купол).

Посочете принадлежността към типа архитектура: триизмерни структури (обществени: жилищни, промишлени); пейзаж (пейзаж или малки форми); градоустройство.

Посочете връзката между външния и вътрешния облик на архитектурната структура, връзката между сградата и релефа, характера на ландшафта.

Как се използват други видове изкуство при оформянето на архитектурния му облик?

Какво впечатление ви направи творбата?

Какви асоциации поражда художественият образ и защо?

Къде се намира архитектурата?

Алгоритъм за анализ на скулптурни произведения

Историята на създаването на произведението.

Принадлежност към художествената епоха.

Значението на заглавието на произведението.

Принадлежност към видовете скулптура (монументална, мемориална, стативна).

Използването на материала и техниката на неговата обработка.

Размери на скулптурата (ако е важно да се знае).

Формата и размерът на пиедестала.

Къде се намира тази скулптура?

Какво впечатление ви направи това произведение?

Какви асоциации поражда художественият образ и защо?

Анализ на историята на филма.

Първа част от анализа. История на появата. Режисьорска идея. Работа със сценарист и оператор.

1. Анализ на характерите на героите.

Наситеността на филма с герои. Характеристики на главните герои (детайли за персонификация). Характеристики на второстепенни герои (техните функции по отношение на главните герои, на действието на филма). Работата на актьорите върху ролята. Анализ на играта на актьора.

2. Анализът на филма като отражение на субективността на режисьора

Художественото кино като самостоятелно произведение на изкуството. Авторски, т.е. режисьорска позиция (най-често се проявява в интервюто му, можете да го намерите в интервюта, мемоари, статии на участници в създаването на киното). Влиянието на реални събития от неговия личен и социален живот върху филма. Отражение на вътрешния свят на режисьора.

Примерни въпроси за анализ на произведение на изкуството

Емоционално ниво:

Какво впечатление прави творбата?

Какво настроение се опитва да предаде авторът?

Какви усещания може да изпита зрителят?

Какво е естеството на работата?

Как мащабът, форматът, хоризонталното, вертикалното или диагоналното разположение на частите, използването на определени архитектурни форми, използването на определени цветове в картината и разпределението на светлината в архитектурния паметник спомагат за емоционалното впечатление от произведението?

Предметно ниво:

Какво (или кой) е на снимката?

Какво вижда зрителят, застанал пред фасадата? В интериора?

Кого виждате в скулптурата?

Подчертайте основното от видяното.

Опитайте се да обясните защо това изглежда основно за вас?

С какви средства художникът (архитект, композитор) изтъква главното?

Как са подредени обектите в творбата (сюжетна композиция)?

Как са очертани основните линии в творбата (линейна композиция)?

Как се съпоставят обемите и пространствата в една архитектурна структура (архитектурна композиция)?

Ниво на историята:

Опитайте се да преразкажете сюжета на картината.

Опитайте се да си представите какви събития могат да се случват по-често в тази архитектурна структура.

Какво може да направи (или каже) тази скулптура, ако оживее?

Символно ниво:

Има ли в произведението предмети, които символизират нещо?

Имат ли символен характер композицията на творбата и нейните основни елементи: хоризонтал, вертикал, диагонал, кръг, овал, цвят, куб, купол, арка, свод, стена, кула, шпил, жест, поза, облекло, ритъм, тембър и т.н..?

Какво е заглавието на произведението? Как се свързва със сюжета и символиката?

Какво мислите, че авторът на произведението е искал да предаде на хората?

Източник: интернет

План за анализ на картина

2. Стил, посока.

3. Вид живопис: стативна, монументална (фреска, темпера, мозайка).

4. Избор на материал (за станкова живопис): маслени бои, акварел, гваш, пастел. Характеристики на използването на този материал за художника.

5. Жанр на живописта (портрет, пейзаж, натюрморт, историческа живопис, панорама, диорама, иконопис, марина, митологичен жанр, битов жанр). Характеристики на жанра за произведенията на художника.

6. Живописен сюжет. Символично съдържание (ако има такова).

7. Живописни характеристики на произведението:

цвят;

Светлина;

Сила на звука;

плоскост;

оцветяване;

Артистично пространство (пространството, трансформирано от художника);

Линия.

8. Детайли.

9. Лично впечатление, получено при разглеждане на творбата.

План за анализ на скулптурната работа

2. Стил, посока.

3. Вид скулптура: кръгла скулптура, монументална скулптура, малка пластика, релеф и неговите разновидности (барелеф, висок релеф), скулптурен портрет, херма и др.

4. Избор на модел (реално съществуващ човек, животно, фантазия на художника, алегоричен образ).

5.Пластика (езикът на тялото), моделиране на светлосенки.

6. Взаимодействие с околната среда: скулптурен цвят

(оцветяване) и цветен фон на средата, светлинни ефекти (подсветка); скулптура като елемент на архитектурата, свободно стояща статуя и др.

7. Избор на материал и неговата условност (мрамор, гранит, дърво, бронз, глина и др.).

8.Национални особености.

9. Лично възприемане на паметника.

План за анализ на архитектурната работа

2. Стил, посока. Архитектура на големи или малки форми.

3. Място в архитектурния ансамбъл (включване, изолация,

корелация с пейзажа, ролята на органичен детайл и др.). Тектоника: стенни системи, зидария, стелаж и пад

конструкция, рамкова конструкция, сводеста конструкция, модерна

пространствена структура (сгъната, винтова и др.).

4. Използваният материал и участието му в създаването на особен архитектурен облик. Естеството на работата му в структурата (стълбове - те носят, сводове пружина, корнизи почиват, арки се издигат, куполи увенчават и т.н.).

5. Оригиналността на архитектурния език в конкретно произведение,

изразено чрез:

Симетрия, дисиметрия, асиметрия;

Ритъм на части, детайли;

Обем (сплескан, вертикално стеснен, кубичен и др.);

Пропорции (хармония на детайли и части);

Контраст (противопоставяне на форми);

Силует (външни контури);

Мащаб (връзка с човек); Друга техника за анализ на картината, предложена от А. Мелик-Пашаев. В уроците си го използвам най-често при изучаване на исторически и битови жанрове. Предлагам на децата внимателно да разгледат картината, като назовавам нейния автор, но не посочвам заглавието. Тогава предлагам да отговоря писмено на предложените въпроси. Децата не отговарят писмено на въпрос № 3, обсъждаме го всички заедно. Предварително обмислям водещи въпроси, които ще помогнат на децата да разкрият по-пълно сюжета на картината и да дадат дълбоки отговори на други въпроси.

Въпроси към снимката:

1. Как бихте нарекли тази картина?

2. Харесва ли ви снимката или не?

3. Разкажете ни за тази снимка, за да може човек, който не я познава, да добие представа за нея.

4. Какво настроение предизвиква у вас тази картина?

7. Искате ли да добавите или промените нещо в отговора си на първия въпрос?

8. Върнете се към отговора на втория въпрос. Вашата оценка остана ли същата или се промени? Защо оценяваш картината толкова много?

Изпратете добрата си работа в базата знания е лесно. Използвайте формата по-долу

Студенти, докторанти, млади учени, които използват базата от знания в обучението и работата си, ще ви бъдат много благодарни.

Хоствано на http://www.allbest.ru/

Федерална държавна бюджетна образователна институция за висше професионално образование

Омски държавен технически университет

Катедра ДТМ

абстрактно

По темата:

Анализ на произведение на изкуството на примера на картината на Микеланджело Буонароти "Страшният съд"

Завършени: студент гр. ZSR-151 A.A. Карева

Проверен от: професор Гуменюк А.Н.

Въведение

1. Сюжетът на Страшния съд

2. Общи сведения за разликите между картина и икона

3. Композицията на олтарната фреска на Сикстинската капела от Микеланджело Буонароти (1475-1564) "Страшният съд" (1535-1541)

Заключение

Списък на използваната литература

Въведение

Страшният съд е фреска от Микеланджело на олтарната стена на Сикстинската капела във Ватикана. Художникът работи върху фреската в продължение на четири години - от 1537 до 1541 г. Микеланджело се завръща в Сикстинската капела три десетилетия след като завършва изписването на тавана ѝ. Мащабна фреска заема цялата стена зад олтара на Сикстинската капела. Темата му беше Второто идване на Христос и Апокалипсисът.

Страшният съд се счита за произведение, сложило край на Ренесанса в изкуството, на което самият Микеланджело отдава почит в рисунките на тавана и свода на Сикстинската капела и открива нов период на разочарование във философията на антропоцентричния хуманизъм.

1. Сюжетът на Страшния съд

Второто идване на Христос, когато според християнската доктрина ще има общо възкресение на мъртвите, които заедно с живите ще бъдат окончателно съдени и ще им бъде определено дали да бъдат взети на небето или хвърлени в ада. Светото писание говори за това много пъти, но основният авторитет е речта на Христос към учениците, разказана от Матей: и да разделя едното и другото, както овчарят разделя овцете от козите; и тури овцете от дясната му страна, а козите от лявата му страна. Те трябва да бъдат съдени според милосърдните си дела, които са извършили в земния си живот. Грешниците ще трябва да отидат на „вечни мъки“.

Второто пришествие на Христос (или Христовото царство на земята) се очакваше уверено през 1000 г. и когато тези очаквания не се сбъднаха, Църквата започна да придава все по-голямо значение на доктрината за „Четирите последни дела“ – смъртта , съд, рай, ад.

Оттогава започват да се появяват изображения на Страшния съд (главно през 12-13 век) върху скулптурните западни фронтони на френските катедрали.

Това е голяма история от няколко части. Христос Съдията е централната фигура. От двете му страни са апостолите, които са били с него на Тайната вечеря: „И вие ще седнете на престоли, за да съдите 12-те израилеви племена“.

По-долу са мъртвите, които се надигат от гробовете или от земята, или от морето: „И мнозина от спящите в пръстта на земята ще се събудят, едни за вечен живот, други за вечен укор и срам.“ „Тогава морето предаде мъртвите, които бяха в тях; и всеки беше съден според делата си." Архангел Михаил държи везните, на които претегля душите. Праведните - от дясната страна на Христос, придружени до небето от ангели, от лявата му страна отдолу, грешниците са ескортирани в ада, където са изобразени в ужасни мъки. (Хол Д. Речник на сюжетите и символите в чл. М, 1996)

2. Общинформация за разликите между картина и икона

Картината, на първо място, действа върху емоционалната сфера. Икона - върху ума и интуицията. Картината отразява настроението, иконата - състоянието на индивида. Картината има граници, рамка на сюжета; икона – включва в безграничното. Някои смятат, че древните иконописци не са познавали законите на пряката перспектива и симетрията на човешкото тяло, т.е. не са били запознати с анатомичния атлас. Въпреки това, художниците от онази епоха спазват точните пропорции на човешкото тяло, когато правят статуи или скулптури като цяло (триизмерното изображение не се използва в Източната църква, а се среща само в светското изкуство). Липсата на пряка перспектива свидетелства за други пространствени измерения, за възможностите на човек да владее пространството. Пространството престава да бъде пречка. Далечен обект не става илюзорно намален. Стойностите в иконите не са пространствени, а аксиологични по природа, изразяващи степента на достойнство. Например демоните са изобразявани като по-малки от ангелите; Христос сред учениците се издига над тях и т.н.

Картината може да се разглежда аналитично. Можете да говорите за отделни фрагменти от картината, да посочите какво харесвате и какво не харесвате в нея. А иконата не може да бъде разделена на клетки, на фрагменти, на детайли, тя се възприема синтетично от едно вътрешно религиозно чувство. Иконата е красива, когато призовава човека към молитва, когато душата усеща динамично поле от енергии и сили, излъчващи се през иконата от Царството на вечната светлина. В иконата фигурите са неподвижни, изглеждат замръзнали. Но това не е студът на смъртта; подчертава вътрешния живот, вътрешната динамика. Светците са в стремителен духовен полет, във вечно движение към Божественото, където няма място за претенциозни пози, суетливост и външна изява.

Човек, завладян от дълбоко чувство или потопен в мисли, също превключва към вътрешното и това откъсване от външното свидетелства за интензивността и интензивността на неговия дух. Напротив, външната динамика – печата на емоциите като временни състояния – подсказва, че този, който са искали да изобразят на иконата, не е във вечността, а във времето, в силата на чувственото и преходното.

Един от върховете на западното изкуство е картината на Страшния съд в Сикстинската капела, създадена от Микеланджело. Фигурите са изпълнени с удивително познаване на пропорциите на човешкото тяло и законите на хармонията. Могат да учат анатомия. Всеки човек има своя уникална личност и психологически характеристики. В същото време религиозното значение на тази картина е нулево. Нещо повече, това е рецидив на езичеството, възникнало в сърцето на католическия свят. Темата на картината "Страшният съд" въплъщава езически и еврейски традиции. Харон пренася душите на мъртвите през водите на Стикс. Изображението е взето от древната митология. Възкресението на мъртвите се извършва в долината на Йосафат, както разказва талмудическата традиция.

Картината е изпълнена в подчертано натуралистичен стил. Микеланджело рисува телата голи. Когато папа Павел III, разглеждайки картината на Сикстинската капела, попитал церемониалмайстора на папския двор Биаджо да Чезена как му харесва картината, той отговорил: „Ваше светейшество, тези фигури биха били подходящи някъде в таверна, а не във вашия параклис." („За езика на православната икона“. Архимандрит Рафаил (Карелин), 1997 г.)

Засегнахме западноевропейската живопис, за да подчертаем принципната й разлика от православното изкуство. Това е ярък пример как формата не отговаря на съдържанието, колкото и брилянтно да е то само по себе си. В така наречената религиозна живопис на Възраждането има методологическа грешка. Художниците се опитват чрез мимическо изкуство, т.е. картина, наситена с емоции и страсти, за да пренесат небесното в земния план, но постигат обратното - пренасят невъзродената материалност в сферата на небето; със земното и чувственото те изместват духовното и вечното (или по-скоро там няма място за небето, земята е заела и погълнала всичко), сърцето им; леко наведена фигура, подчинение на Божията воля и др.

Католическата картина е едноизмерна, православната икона е многостранна. В една икона равнините се пресичат помежду си, съжителстват или се проникват взаимно, без да се сливат или разтварят един в друг. Времето е записано в картината, като миг, спрян по волята на художника, сякаш от фотографска светкавица. В една икона времето е условно, така че събития в хронологично несъответствие могат да бъдат представени в полето на иконата. Иконата е подобна на вътрешния план и чертеж на събитията. Иконите се характеризират с едновременност на изображението: всички събития се случват наведнъж. Микеланджело Сикстинска фрескова икона

Картината е имитация на реалността с елементи на фантазия, която също черпи материал за своите настроения от земните реалности. Иконата е въплъщение на духовното съзерцание, което е дадено в мистично преживяване, в състояние на богообщение, но съзерцание, предадено и обективирано чрез символичния език на линиите и цветовете. Иконата е богословска книга, рисувана с четка и бои. В иконата изображението на две сфери - небесна и земна - е дадено не според принципа на паралелизма, а според принципа на симетрията. В картина на религиозни теми, която неправилно се нарича икона, или няма разлики между небесните и земните неща, граници, или те са свързани с "успоредни линии" на историята, като единно битие във времето и пространството.

В картината принципът на директна, линейна перспектива, създаваща илюзията за обем, триизмерност в изображението както на материални, така и на духовни същности. Духовното не се проявява в картината, а се замества в нея от материални, обемни форми и тела и изчезва в тези чужди форми. Духовното в картината престава да бъде свръхсетивно, а става "естествено", тук има профанация на светинята. Иконоборците правилно посочиха това, отричайки портретната живопис на религиозни теми, но несправедливо обобщавайки с лош метод всички възможности на изобразителното изкуство - в този случай иконописта - което отваря духовния свят, не го идентифицира с безкрайността като безкрайно разширение, с реалностите на материалния свят, който е под властта на смъртта и тлението.

Иконоборците идентифицират иконата с мимически портрет, с фантазия или алегория, но иконата, като свещен символ, е пренебрегната или неразбрана от тях. В иконата не само противопоставянето на двете сфери на времето и вечността, но и в нейните ритми - църковяването на времето, привличането му към вечността. („За езика на православната икона“. Архимандрит Рафаил (Карелин), 1997 г.)

3. Композиция на олтарната фреска на Сикстинската капелаМикеланджело Буонароти(1475-1564) "Страшният съд" (1535-1541)

Необичайното решение на автора в изграждането на композицията запазва най-важните традиционни елементи на иконографията. Пространството е разделено на два основни плана: небесен - с Христос Съдия, Богородица и светци, и земен - със сцени на възкресението на мъртвите и разделянето им на праведници и грешници.

Тръбещи ангели възвестяват началото на Страшния съд. Отваря се книга, в която се записват всички човешки дела. Самият Христос не е милостив изкупител, а наказващ Господар. Жестът на Съдията задейства бавно, но неумолимо кръгово движение, което увлича в потока си редиците на праведните и грешниците. Богородица, седнала до Христос, се обърна от случващото се.

Тя изоставя традиционната си роля на ходатай и трепери от окончателната присъда. Около светци: апостоли, пророци. В ръцете на мъчениците са оръдия за мъчения, символи на страданието, което са претърпели за своята вяра.

Мъртвите, отваряйки очите си с надежда и ужас, стават от гробовете си и отиват на Божия съд. Някои се издигат лесно и свободно, други по-бавно, в зависимост от тежестта на собствените си грехове. Силните духом помагат на нуждаещите се да се издигнат.

Лицата на тези, които трябва да слязат, за да бъдат очистени, са пълни с ужас. Предчувствайки ужасни мъки, грешниците не искат да отидат в ада. Но силите, насочени към поддържане на справедливостта, ги тласкат там, където се предполага, че са хората, причинили страдание. И дяволите ги теглят към Минос, който с опашка, увита около тялото, показва кръга на ада, в който трябва да се спусне грешникът. (На съдията на мъртвите души художникът предаде чертите на лицето на церемониалмайстора, папа Биаджо да Чезена, който често се оплакваше от голотата на изобразените фигури. Магарешките му уши са символ на невежество.) А до него е шлеп, управляван от превозвача Харон. С едно движение той взема грешните души. Тяхното отчаяние и ярост са предадени с огромна сила. Вляво от шлепа зейва адска бездна - там е входът на чистилището, където демоните очакват нови грешници. Изглежда, че се чуват писъци на ужас и скърцане със зъби на нещастниците.

Горе, извън могъщия цикъл, над душите, очакващи спасение, витаят безкрили ангели със символи на страданието на самия Изкупител. Горе вдясно красиви и млади същества носят атрибутите на спасението на грешниците. (Смирнова I.A. Монументална живопис на италианския Ренесанс. M .: Изящни изкуства, 1987)

Заключение

В това есе фреската на Микеланджело "Страшният съд" беше разгледана в сравнение с иконата "Страшният съд" (1580-те). И иконата, и стенописът са изписани върху един и същи сюжет - Второто идване на Христос и страшната присъда над греховете на човечеството. Те имат сходна композиция: в центъра е изобразен Христос, а от лявата и дясната му ръка са разположени апостолите. Господ е над тях. Под Христос са грешниците, на които е обещан ад. И двете изображения са в обратна перспектива. Но в същото време в иконата са използвани по-малко ярки цветове, отколкото във фреската на Микеланджело. В иконата има много символични изображения (длан с бебе - „праведни души в ръката на Бога“, а тук везни - тоест „мярка за човешки дела“).

В съвремието създаването на тези произведения беше популярно сред хората с есхатологични възгледи, така че тези изображения оправдаха целта си не да плашат човечеството, а да им предадат идеята за живеене на праведен живот, подобен на земния безгрешен живот на Исус Христос.

Списък на използваната литература

1. Хол Г. Речник на сюжетите и символите в изкуството. М, 1996

2. „За езика на православната икона“. Архимандрит Рафаил (Карелин) 1997 г

3. Смирнова И.А. Монументална живопис на италианския Ренесанс. М.: Визуални изкуства, 1987

4. Буслаев F.I. Изображения на Страшния съд според руски оригинали // Буслаев F.I. Върши работа. Т. 2. СПб., 1910.

5. Алексеев С. Видима истина. Енциклопедия на православните икони. 2003 г

Хоствано на Allbest.ru

Подобни документи

Сюжетът на Страшния съд. Обща информация за разликите между картина и икона. Композиция на олтарната фреска на Сикстинската капела от Микеланджело Буонароти „Страшният съд“. Характеристики на иконата Страшния съд. В перспектива напред и назад. Светлотенце и цветова символика.

резюме, добавено на 18.03.2012 г


Анализ на изкуството и хуманизма във Флоренция по времето на Лоренцо Великолепни. Биография и творчество на Микеланджело Буонароти. Психологическата структура на личността и идеите на майстора, характерните черти на неговите скулптури и картини. Живопис в Сикстинската капела във Ватикана.

теза, добавена на 10.12.2017 г


Проучване на особеностите на творчеството на Микеланджело Буонароти - италиански скулптор, художник, архитект, поет. Отличителни черти на изкуството на Високия Ренесанс. Дейвид. Известна фреска от Сикстинската картина на Микеланджело - Сътворението на Адам.

презентация, добавена на 24.10.2014 г


Кратка биография на Микеланджело Буонароти - великият скулптор и художник. Творческите му постижения: скулптури на Вахк и Пиет, мраморно изображение на Давид, фрески „Битката при Кашин“ и „Битката при Ангиар“. Историята на картината в Сикстинската капела.

презентация, добавена на 21.12.2010 г


Биография, външен вид и характер на Микеланджело Буонароти (1475-1564) - великият гениален архитект на Ренесанса в Италия, както и описание на ранни и късни, завършени и незавършени творби. Анализ на връзката между Микеланджело и Витория Колона.

резюме, добавено на 14.11.2010 г


Културата на коренното население на Италия и нейните предшестващи държави. Периоди от историята на италианската култура. Работата на Леонардо да Винчи. Изображение на млада флорентинка Мона Лиза. Рисуване на тавана в Сикстинската капела във Ватикана от Микеланджело.

презентация, добавена на 14.01.2014 г


Основните събития в биографията на Микеланджело Буонароти - италиански скулптор, художник, архитект и поет. Творчески израз на идеалите на Високия Ренесанс и трагичното усещане за кризата на хуманистичния светоглед в периода на Късното Възраждане.

резюме, добавено на 11/12/2011


Проучване на историята на изграждането на Сикстинската капела - бившата домашна църква във Ватикана. Описания на залата с овален свод, сцени от Книгата Битие, разположени от олтара до входа. Конклави, провеждани в параклиса. Цикъл от стенописи на Микеланджело, които украсяват тавана.

презентация, добавена на 23.04.2013 г


Духовно-нравствена атмосфера на Италия XIV-XVI. Анализ на формирането на творчеството на Буонароти и неговото отражение в съвременното общество. Психологическата структура на идеите на Микеланджело. Анализ на връзката на гения с властта. Шедьоври на ножа и четката. поетично наследство.

дисертация, добавена на 29.04.2017 г


Анализ на художественото творчество на Леонардо да Винчи в произведенията на местни учени. Биографични сведения за титана на Ренесанса. Композиция и сюжет на фреската "Тайната вечеря". Приносът на великия художник и учен в развитието на световната култура, наука и технологии.