چه نقاشی عجیبی است - یک طبیعت بی جان: باعث می شود کپی آن چیزهایی را تحسین کنید که اصل آنها را تحسین نمی کنید.

بلز پاسکال

راستی آیا تا به حال از روی میز آشپزخانه به میوه نگاه کرده اید؟ خب... به جز زمانی که گرسنه بودی، درسته؟ اما یک عکس با ترکیب میوه یا یک دسته گل مجلل را می توان ساعت ها تحسین کرد. این جادوی خاص طبیعت بی جان است.

از فرانسه ترجمه شده است، زندگی بی جان به معنای "طبیعت مرده"(طبیعت مورت). با این حال، این فقط یک ترجمه تحت اللفظی است.

در حقیقت طبیعت بی جان- این تصویری از اشیاء بی حرکت و یخ زده (گل، سبزیجات، میوه ها، مبلمان، فرش و غیره) است. اولین طبیعت بی جان بر روی نقاشی های دیواری یونان باستان و روم باستان یافت می شود.

طبیعت بی جان (نقاشی از پمپئی) 63-79، ناپل، گالری ملی Capodimonte. نویسنده ناشناس.

وقتی دوستی برای ملاقات رومی آمد، قوانین اخلاق نیکو از صاحب خانه می خواست که بهترین ظروف نقره خود را نشان دهد. این سنت به وضوح در طبیعت بی جان از مقبره Vestorius Prisca در پمپئی منعکس شده است.

در مرکز ترکیب یک ظرف برای مخلوط کردن شراب و آب، تجسم خدای باروری Dionysus-Liber قرار دارد. در دو طرف میز طلایی کوزه ها، قاشق ها، شاخ های شراب به طور متقارن قرار داده شده است.

با این حال، طبیعت بی جان تنها میوه ها، سبزیجات و گل ها نیست، بلکه ... جمجمه انسان است که برای منعکس کننده گذرا بودن زندگی انسان طراحی شده است. اینگونه بود که حامیان ژانر Vanitas، نمایندگان مرحله اولیه توسعه طبیعت بی جان، طبیعت بی جان را نشان دادند.

یک نمونه برجسته، یک طبیعت بی جان تمثیلی توسط یک هنرمند هلندی است ویلم کلاس هدا، جایی که در کنار جمجمه یک لوله است - نمادی از گریزان بودن لذت های زمینی ، یک ظرف شیشه ای - بازتابی از شکنندگی زندگی ، کلیدها - نمادی از قدرت یک زن خانه دار که سهام را مدیریت می کند. چاقو نماد آسیب پذیری زندگی است و منقلی که زغال سنگ در آن به سختی می درخشد به معنای انقراض آن است.

غرور. Vanitas، 1628، توسط Willem Claesz Heda.

ویلم هدا به درستی نامیده می شود "استاد صبحانه"با کمک چیدمان جالب غذا، ظروف و ظروف آشپزخانه، هنرمند به طرز شگفت انگیزی با دقت حال و هوای نقاشی ها را منتقل کرد. و مهارت او در به تصویر کشیدن تابش نور بر روی سطوح کاملاً صاف کاسه های نقره ای و جام های شیشه ای حتی معاصران برجسته این هنرمند را شگفت زده کرد.

باورنکردنی است که خدا با چه دقت و ظرافت توانسته هر چیز کوچکی را منتقل کند: بازی نور، ویژگی های شکل، رنگ اشیا. در تمام نقاشی های هلندی - رمز و راز، شعر، تحسین صمیمانه برای جهان اشیاء.

طبیعت بی جان توسط هنرمندان مشهور

هنرمندان مشهور اغلب به طبیعت بی جان علاقه داشتند. در مورد استادان قلم مو و کارهای دلنشین آنهاست که در ادامه برایتان خواهم گفت.

پابلو پیکاسو گران ترین هنرمند جهان است

منحصر به فرد و تکرار نشدنی - اینگونه نام هنرمند برجسته اسپانیایی قرن بیستم است. پابلو پیکاسو. هر اثر نویسنده مجموعه ای از طراحی اصلی و نبوغ است.

طبیعت بی جان با یک دسته گل، 1908

طبیعت بی جان با لامپ، 1908

پیکاسو علاوه بر واقعیت‌های سنتی کامل، پر از رنگ‌های روشن و روشن، یا تیره و تار، ساخته شده با رنگ‌های خاکستری مایل به آبی از طبیعت بی‌جان، به کوبیسم. هنرمند اشیاء یا شخصیت‌های نقاشی‌های خود را به شکل‌های هندسی کوچک می‌کشید.

و اگرچه منتقدان هنری کوبیسم پیکاسو را به رسمیت نمی شناختند، اکنون آثار او به خوبی فروخته می شوند و متعلق به ثروتمندترین مجموعه داران جهان هستند.

گیتار و نت موسیقی، 1918

ونسان ون گوگ عجیب و غریب

در کنار «شب پرستاره» معروف، مجموعه ای از نقاشی ها با گل های آفتابگردان به نمادی منحصر به فرد از آثار ون گوگ تبدیل شده است. این هنرمند قصد داشت برای ورود دوستش پل گوگن، خانه خود در آرل را با گل های آفتابگردان تزئین کند.

"آسمان یک آبی لذت بخش است. پرتوهای خورشید زرد کم رنگ است. این ترکیبی نرم و جادویی از رنگ های آبی آسمانی و زرد از نقاشی های Vermeer of Delft است ... من نمی توانم چیزی به این زیبایی بنویسم ... "ون گوگ محکوم به فنا گفت. شاید به همین دلیل است که این هنرمند بارها گل های آفتابگردان را نقاشی کرده است.

گلدان با 12 گل آفتابگردان، 1889

عشق ناخوشایند، فقر و طرد کار او هنرمند را به کارهای دیوانه ترغیب می کند و سلامتی او را به شدت تضعیف می کند. اما این هنرمند با استعداد سرسختانه در مورد نقاشی نوشت: حتی اگر نود و نه بار زمین بخورم، باز هم برای صدمین بار بلند می شوم.

طبیعت بی جان با خشخاش قرمز و دیزی. اوورز، ژوئن 1890.

زنبق. سن رمی، می 1890

طبیعت های بی جان همه جانبه اثر پل سزان

"من می خواهم ابدیت را به طبیعت بازگردانم"- دوست داشت هنرمند بزرگ فرانسوی پل سزان را تکرار کند. این هنرمند نه یک بازی تصادفی از نور و سایه، بدون تغییر، بلکه ویژگی های ثابت اشیاء را به تصویر می کشد.

او در تلاش برای نشان دادن اشیا از هر طرف، آنها را به گونه ای توصیف می کند که بیننده طبیعت بی جان را تحسین می کند، گویی از زوایای مختلف. میز را از بالا، سفره و میوه ها را از کنار، جعبه داخل میز از پایین و کوزه را از طرفین مختلف می بینیم.

هلو و گلابی، 1895

طبیعت بی جان با گیلاس و هلو، 1883-1887

طبیعت بی جان توسط هنرمندان معاصر

یک پالت رنگ و طیف گسترده ای از سایه ها به استادان فعلی طبیعت بی جان اجازه می دهد تا به واقع گرایی و زیبایی باورنکردنی دست یابند. آیا می خواهید نقاشی های چشمگیر معاصران با استعداد را تحسین کنید؟

سیسیل کندی بریتانیایی

غیرممکن است که چشم خود را از نقاشی های این هنرمند بردارید - گیاهان او بسیار مسحور کننده هستند! ممم... فکر می کنم از قبل می توانم این گل های شگفت انگیز زیبا را بو کنم. و شما؟

سیسیل کندی به حق برجسته ترین هنرمند بریتانیایی زمان ما در نظر گرفته می شود. کندی که برنده چندین جایزه معتبر و مورد علاقه بسیاری از "مردم قدرتمند" بود، با این وجود تنها زمانی که بیش از 40 سال داشت به شهرت رسید.

جولیان استپرز هنرمند بلژیکی

اطلاعات در مورد زندگی هنرمند بلژیکی جولیان استپرز کمیاب است که نمی توان در مورد نقاشی های او گفت. طبیعت های بی جان شاد این هنرمند در مجموعه ثروتمندترین افراد جهان وجود دارد.

گریگوری ون راالته

هنرمند معاصر آمریکایی گریگوری ون راالته توجه ویژه ای به بازی نور و سایه دارد. این هنرمند متقاعد شده است که نور نباید مستقیماً بیفتد، بلکه باید از طریق جنگل، برگ درختان، گلبرگ های گل یا از سطح آب منعکس شود.

این هنرمند با استعداد در نیویورک زندگی می کند. او به کشیدن طبیعت بی جان با تکنیک آبرنگ علاقه دارد.

هنرمند ایرانی علی اکبر سدهی

علی اکبر صادقی یکی از موفق ترین هنرمندان ایرانی است. او در آثارش به طرز ماهرانه‌ای ترکیب‌بندی‌های نقاشی سنتی ایرانی، اسطوره‌های فرهنگی ایرانی را با شمایل‌نگاری و هنر ویترای ترکیب می‌کند.

طبیعت بی جان توسط هنرمندان مدرن اوکراینی

هر چه شما بگویید، اما در استادان اوکراینی قلم مو - چشم انداز منحصر به فرد خودشان از طبیعت بی جان اعلیحضرت. و حالا من آن را به شما ثابت خواهم کرد.

سرگئی شاپوالوف

نقاشی های سرگئی شاپوالوف پر از پرتوهای خورشید است. هر یک از شاهکارهای او سرشار از نور، خوبی و عشق به سرزمین مادری اش است. و این هنرمند در روستای Ingulo-Kamenka، منطقه Novgorodkovsky، منطقه Kirovograd متولد شد.

سرگئی شاپوالوف هنرمند ارجمند اوکراین، عضو اتحادیه ملی هنرمندان است.

ایگور درکاچف

هنرمند اوکراینی ایگور درکاچف در سال 1945 در دنپروپتروفسک متولد شد و هنوز هم در آنجا زندگی می کند. به مدت بیست و پنج سال در هنرستان خانه فرهنگ طلاب حضور یافت. ی.گاگارین ابتدا به عنوان دانش آموز و سپس به عنوان معلم.

نقاشی های این هنرمند با گرما، عشق به سنت های بومی و هدایای طبیعت پر شده است. این گرمای خاص از طریق نقاشی های نویسنده به همه علاقه مندان به آثار او منتقل می شود.

ویکتور داوبنکو

به گفته نویسنده، طبیعت بی جان او آینه ای از احساسات و حالات خودش است. در دسته های گل رز، در پراکندگی گل های ذرت، ستاره ها و گل محمدی، در نقاشی های جنگلی "معطر" - عطر بی نظیر تابستانی و هدایای گرانبها از طبیعت غنی اوکراین.

بیایید به مرحله پایانی این سری از پست های مربوط به ژانر طبیعت بی جان برویم. به آثار هنرمندان روسی تقدیم خواهد شد.

بیایید با فئودور پتروویچ تولستوی (1783-1873) شروع کنیم. گرافیک بی جان توسط F.P. تولستوی، مجسمه‌ساز، مدال‌آور، نقشه‌کش و نقاش مشهور روسی، احتمالاً برجسته‌ترین و با ارزش‌ترین بخش میراث خلاقانه او است، اگرچه خود هنرمند گفت که این آثار را "در اوقات فراغت خود از مطالعات جدی" خلق کرده است.

ویژگی اصلی نقاشی های طبیعت بی جان تولستوی ماهیت توهمی آنهاست. این هنرمند با دقت از طبیعت کپی کرد. او به قول خودش سعی کرد "با تمایز دقیق گل کپی شده را همان طور که هست و با کوچکترین جزئیات متعلق به این گل از طبیعت به کاغذ منتقل کند." تولستوی برای گمراه کردن بیننده از تکنیک‌های توهم‌گرایانه مانند تصویر قطره‌های شبنم یا کاغذ شفاف استفاده کرد که نقاشی را می‌پوشاند و به فریب چشم کمک می‌کند.

ایلیا افیموفیچ رپین (1844-1930) نیز مکرراً به چنین نقوش طبیعت بی جان مانند گل روی آورد. این آثار عبارتند از نقاشی "دسته پاییزی" (1892، گالری ترتیاکوف، مسکو)، که در آن هنرمند یک منظره پاییزی را با توجه یکسان به تصویر می کشد، یک زن جوان ایستاده در پس زمینه درختان طلایی، و یک دسته گل متوسط ​​از گل های زرد و سفید در دست های او

I. رپین. دسته گل پاییزی. پرتره ورا رپینا. 1892، گالری ترتیاکوف

تاریخچه نقاشی "سیب و برگ" تا حدودی غیر معمول است. طبیعت بی جان، ترکیبی از میوه ها و برگ ها، برای شاگرد رپین، V.A. سروو. معلم آنقدر از ترکیب موضوع خوشش آمد که تصمیم گرفت خودش چنین زندگی بی جانی بنویسد. گل‌ها و میوه‌ها هنرمندان بسیاری را به خود جذب می‌کردند، که ترجیح می‌دادند از جمله اینها، جهان طبیعت را شاعرانه‌ترین و زیباتر نشان دهند. حتی در. کرامسکوی، که این ژانر را نادیده می گرفت، به طبیعت بی جان نیز ادای احترام کرد و نقاشی دیدنی "دسته گل" را خلق کرد. Phloxes» (1884، گالری ترتیاکوف، مسکو).

والنتین الکساندرویچ سرو (1865-1911) برای اکثر ما به عنوان هنرمندی شناخته می شود که در کار خود به منظره، پرتره و نقاشی تاریخی توجه داشت. با این حال، باید توجه داشت که سوژه در آثار او همیشه نقش مهمی را ایفا می کرد و غالباً همان جایگاهی را که سایر عناصر ترکیب بندی داشتند، داشت. کمی بالاتر، قبلاً به کار دانشجویی او "سیب روی برگ"، 1879، ساخته شده به کارگردانی رپین اشاره کردم. اگر این اثر را با اثری که رپین با همین مضمون نوشته است مقایسه کنیم، می بینیم که طبیعت بی جان سرووف بیشتر از بوم استادش اتود است. هنرمند مبتدی از زاویه دید پایین استفاده می کند، بنابراین نماهای اول و دوم با هم ترکیب می شوند و پس زمینه کاهش می یابد.

نقاشی "دختری با هلو" که از کودکی برای همه شناخته شده است فراتر از ژانر پرتره است و تصادفی نیست که نام آن "دختری با هلو" است و نه "پرتره ورا مامونتووا". می بینیم که ویژگی های یک پرتره، فضای داخلی و طبیعت بی جان در اینجا ترکیب شده اند. هنرمند به تصویر دختری با بلوز صورتی و چند اشیاء، اما ماهرانه گروه بندی شده، به همان اندازه توجه دارد. هلوهای زرد کم رنگ، برگ های افرا و یک چاقوی براق روی یک سفره سفید قرار گرفته اند. چیزهای دیگر در پس‌زمینه نیز با عشق کشیده شده‌اند: صندلی‌ها، یک بشقاب چینی بزرگ که دیوار را تزئین می‌کند، یک مجسمه سرباز اسباب‌بازی، یک شمعدان روی طاقچه. نور خورشید که از پنجره می ریزد و بر روی اجسام با هایلایت های روشن می افتد به تصویر جذابیت شاعرانه می بخشد.

میخائیل الکساندرویچ وروبل (1856-1910) می نویسد: "و باز هم به من ضربه می زند، نه، به من نمی خورد، اما من آن یادداشت ملی صمیمی را می شنوم که خیلی دلم می خواهد آن را روی بوم و زینت بگیرم. این موسیقی یک فرد کامل است که با حواس‌پرتی‌های یک غرب منظم، متمایز و رنگ پریده تجزیه نشده است.»

در آکادمی هنر، معلم مورد علاقه وروبل، پاول چیستیاکوف بود که به نقاش جوان "طراحی با فرم" را آموخت و استدلال کرد که فرم های سه بعدی نباید در فضا با سایه و خطوط ایجاد شوند، بلکه باید با خطوط ساخته شوند. به لطف او، وروبل نه تنها یاد گرفت که طبیعت را نشان دهد، بلکه گویی یک گفتگوی صمیمانه و تقریباً عاشقانه با او داشته باشد. با این روحیه، طبیعت بی جان شگفت انگیز استاد "رز وحشی" (1884) ساخته شد.

در پس زمینه پارچه های نفیس با نقوش گل، این هنرمند یک گلدان گرد زیبا با نقش های شرقی قرار داد. یک گل رز سفید ظریف به وضوح خودنمایی می کند که با پارچه سبز آبی رنگ شده است و برگ های گیاه تقریباً با گردن سیاه و درخشان گلدان ترکیب می شوند. این ترکیب سرشار از جذابیت و طراوت غیرقابل بیانی است که بیننده به سادگی نمی تواند تسلیم آن نشود.

G.N. تپلوف و تی اولیانوف. اغلب آنها یک دیوار تخته ای را به تصویر می کشیدند که روی آن گره ها و رگه های یک درخت کشیده شده بود. اشیاء مختلفی بر روی دیوارها آویزان شده یا پشت نوارهای میخکوب شده وصل می شوند: قیچی، شانه، نامه، کتاب، دفتر موسیقی. ساعت ها، جوهردان ها، بطری ها، شمعدان ها، ظروف و سایر چیزهای کوچک در قفسه های باریک قرار می گیرند. به نظر می رسد که چنین مجموعه ای از آیتم ها کاملا تصادفی است، اما در واقع این دور از مورد است. با نگاهی به چنین طبیعت بی جان، می توان در مورد علایق هنرمندانی که به نواختن موسیقی، خواندن و هنر علاقه داشتند حدس زد. استادان با عشق و پشتکار چیزهایی را که برایشان عزیز بود به تصویر می کشیدند. این نقاشی ها صداقت و بی واسطه بودن درک طبیعت را لمس می کنند.

بوریس میخائیلوویچ کوستودیف (1878-1927) نیز بسیاری از کارهای خود را به ژانر طبیعت بی جان اختصاص داد. روی بوم های شاد او می توان پارچه های ساتن روشن، سماورهای مسی درخشان، درخشندگی فیانس و چینی، برش های قرمز هندوانه، خوشه های انگور، سیب، کلوچه های خوشمزه را دید. یکی از نقاشی های قابل توجه او "تاجر برای چای"، 1918 است. نمی توان شکوه درخشان اشیایی که روی بوم نشان داده شده است را تحسین نکرد. یک سماور درخشان، خمیر قرمز روشن هندوانه، سیب های براق و انگورهای شفاف، یک گلدان شیشه ای با مربا، یک کاسه قند طلاکاری شده و یک فنجان ایستاده در مقابل همسر تاجر - همه اینها حال و هوای جشن را به تصویر می بخشد.

در ژانر طبیعت بی جان، توجه زیادی به طبیعت های بی جان ساختگی می شد. بسیاری از طبیعت های بی جان "فریبکارانه" ، علیرغم این واقعیت که وظیفه اصلی آنها گمراه کردن بیننده بود ، دارای شایستگی هنری غیرقابل انکاری هستند ، به ویژه در موزه ها قابل توجه است ، جایی که به دیوارها آویزان شده اند ، البته چنین ترکیب هایی نمی توانند مردم را فریب دهند. اما استثناهایی هم وجود دارد. به عنوان مثال، "طبیعت بی جان با کتاب" ساخته شده توسط P.G. بوگومولوف در یک "قفسه کتاب" توهم آمیز قرار می گیرد و بازدیدکنندگان بلافاصله متوجه نمی شوند که این فقط یک تصویر است.

بسیار خوب "طوطی بی جان با یک طوطی" (1737) G.N. تپلوف هنرمند با کمک خطوط واضح و شفاف، تبدیل به خطوط نرم و صاف، سایه های روشن و شفاف، ظرافت های ظریف رنگی، اشیاء مختلفی را که روی دیوار تخته ای آویزان شده اند را نشان می دهد. چوب با رندر استادانه، مایل به آبی، صورتی، سایه های مایل به زرد که به ایجاد احساس تقریبا واقعی بوی تازه از چوب تازه چیده شده کمک می کند.

طبیعت بی جان روسی - "ترفندهای" قرن 18 گواه این واقعیت است که هنرمندان هنوز به طرز ماهرانه ای فضا و حجم را منتقل نمی کنند. برای آنها مهمتر نشان دادن بافت اشیاء است که گویی از واقعیت به بوم منتقل شده است. بر خلاف طبیعت های بی جان هلندی، که در آن چیزهایی که توسط محیط نور جذب شده اند در یکپارچگی با آن به تصویر کشیده می شوند، در نقاشی های استادان روسی، اشیایی که با دقت نقاشی شده اند، حتی کوچک، بدون توجه به فضای اطراف، به گونه ای زندگی می کنند که گویی به تنهایی زندگی می کنند.

در آغاز قرن نوزدهم، مدرسه A.G. ونتسیانوف، که با تحدید حدود شدید ژانرها مخالف بود و به دنبال آموزش دیدی جامع از طبیعت به شاگردانش بود.

A.G. Venetsianov. بارنیارد، 1821-23

مدرسه ونیزی ژانر جدیدی را برای هنر روسی باز کرد - فضای داخلی. هنرمندان اتاق های مختلفی از خانه اشراف را نشان دادند: اتاق نشیمن، اتاق خواب، مطالعه، آشپزخانه، کلاس درس، اتاق مردم و غیره. در این آثار، جایگاه مهمی به تصویر کردن اشیاء مختلف داده شد، اگرچه خود طبیعت بی جان برای نمایندگان دایره ونتسیانوف چندان مورد توجه قرار نگرفت (در هر صورت، تعداد بسیار کمی از طبیعت های بی جان ساخته شده توسط شاگردان نقاش معروف باقی مانده است). با این وجود، ونتسیانوف از دانش آموزان خود خواست که نه تنها چهره و چهره افراد، بلکه چیزهای اطراف آنها را نیز به دقت مطالعه کنند.

شیء در نقاشی ونتسیانوف یک وسیله جانبی نیست، به طور جدایی ناپذیری با بقیه جزئیات تصویر مرتبط است و اغلب کلید درک تصویر است. به عنوان مثال، داس در نقاشی "دروها" (نیمه دوم دهه 1820، موزه روسیه، سنت پترزبورگ) عملکرد مشابهی را انجام می دهند. به نظر می رسد چیزهایی در هنر ونیزی در زندگی بی شتاب و آرام شخصیت ها دخیل است.

اگرچه ونتسیانوف، به احتمال زیاد، واقعاً طبیعت بی جان را نقاشی نمی کرد، اما این ژانر را در سیستم آموزشی خود گنجاند. این هنرمند نوشت: چیزهای بی جان در معرض آن تغییرات گوناگونی نیستند که مشخصه اشیاء جاندار است، آنها می ایستند، آرام، بی حرکت در مقابل یک هنرمند بی تجربه نگه می دارند و به او زمان می دهند تا دقیق تر و خردمندانه تر نفوذ کند و به رابطه یک قسمت به قسمت دیگر نگاه کند. هم در خطوط و هم در نور و سایه با خود رنگ. که به مکان اشغال اشیا بستگی دارد.”.

البته، طبیعت بی جان نقش زیادی در سیستم آموزشی آکادمی هنر در قرن های 18-19 ایفا کرد (در کلاس های درس، دانش آموزان از طبیعت بی جان استادان هلندی کپی می کردند)، اما این ونتسیانوف بود که جوانان را تشویق کرد. هنرمندان برای روی آوردن به طبیعت که طبیعت بی جان را در برنامه سال اول تحصیل خود معرفی کرد که از چیزهایی مانند پیکره های گچی، ظروف، شمعدان ها، روبان های رنگارنگ، میوه ها و گل ها تشکیل شده بود. ونتسیانوف موضوعاتی را برای زندگی بی جان آموزشی انتخاب کرد تا مورد توجه نقاشان تازه کار باشد، از نظر فرم قابل درک، از نظر رنگ زیبا.

در نقاشی های ایجاد شده توسط دانش آموزان با استعداد ونتسیانوف، چیزها صادقانه و تازه منتقل می شوند. اینها طبیعت بی جان K. Zelentsov، P.E. کورنیلوف. در آثار ونیزی ها نیز آثاری وجود دارد که اساساً طبیعت بی جان نیستند، اما، با این وجود، نقش چیزها در آنها بسیار زیاد است. به عنوان مثال می توانید بوم های "مطالعه در اوستروفکی" و "انعکاس در آینه" توسط G.V. سرخابی هایی که در مجموعه موزه روسیه در سن پترزبورگ نگهداری می شوند.

G.V. سرخابی "دفتر در Ostrovki". قطعه، 1844، موزه روسیه، سنت پترزبورگ

طبیعت‌های بی جان در این آثار به‌طور مستقل ظاهر نمی‌شوند، بلکه به‌عنوان بخش‌هایی از فضای داخلی که به شیوه‌ای خاص توسط استاد چیده شده‌اند، مطابق با ساختار ترکیبی و احساسی کلی تصویر هستند. عنصر اصلی اتصال در اینجا نور است که به آرامی از یک شی به جسم دیگر عبور می کند. با نگاه کردن به بوم‌ها، متوجه می‌شوید که دنیای اطراف برای هنرمندی که عاشقانه هر شی، کوچکترین چیز کوچک را به تصویر می‌کشد، چقدر جالب است.

طبیعت بی جان ارائه شده در "مطالعه در استرووکی"، اگرچه جایگاه کمی در ترکیب بندی کلی دارد، اما به طور غیرمعمول مهم به نظر می رسد، به دلیل این واقعیت که نویسنده آن را از بقیه فضا با پشتی بلند حصار کشیده است. مبل، و آن را در سمت چپ و راست با یک قاب برش دهید. به نظر می رسد که زاغی چنان توسط اشیاء روی میز برده شده بود که تقریباً بقیه جزئیات تصویر را فراموش کرده بود. استاد با دقت همه چیز را نوشت: یک خودکار، یک مداد، یک قطب نما، یک نقاله، یک چرتکه، یک برگه کاغذ، یک شمع در یک شمعدان. نقطه نظر از بالا به شما امکان می دهد همه چیز را ببینید، هیچ یک از آنها دیگری را مبهم نمی کند. ویژگی هایی مانند جمجمه، ساعت، و همچنین نمادهای "غرور زمینی" (تجسم، کاغذها، چرتکه)، به برخی از محققان اجازه می دهد تا طبیعت بی جان را به عنوان نوع وانیتاس طبقه بندی کنند، اگرچه این تصادف کاملا تصادفی است، به احتمال زیاد. هنرمند رعیت از آنچه روی میز بود استفاده کرد.

استاد مشهور آهنگسازی موضوعی در نیمه اول قرن نوزدهم هنرمند I.F. خروتسکی که بسیاری از نقاشی های زیبا را با روح طبیعت بی جان هلندی قرن هفدهم کشید. از بهترین آثار او می‌توان به «گل‌ها و میوه‌ها» (1836، گالری ترتیاکوف، مسکو)، «پرتره یک همسر با گل‌ها و میوه‌ها» (1838، موزه هنر بلاروس، مینسک)، «طبیعت بی‌جان» (1839، موزه ی. آکادمی هنر، سنت پترزبورگ).

در نیمه اول قرن نوزدهم، "طبیعت بی جان گیاه شناسی" که از اروپای غربی به ما رسید، در روسیه بسیار محبوب بود. در فرانسه، در آن زمان، آثار گیاه شناسان با تصاویر زیبا منتشر شد. شهرت زیادی در بسیاری از کشورهای اروپایی توسط هنرمند P.Zh دریافت شد. Redoubt که "مشهورترین نقاش گل زمان خود" به حساب می آمد. "طراحی گیاه شناسی" نه تنها برای علم، بلکه برای هنر و فرهنگ نیز پدیده ای قابل توجه بود. چنین نقاشی هایی به عنوان هدیه، آلبوم های تزئین شده ارائه شد، که در نتیجه آنها را با سایر آثار نقاشی و گرافیک همتراز می کند.

در نیمه دوم قرن نوزدهم، P.A. فدوتوف. اگرچه او در واقع طبیعت بی جان را نقاشی نکرد، اما دنیای چیزهایی که او خلق کرد با زیبایی و حقیقت خود لذت می برد.

اشیاء در آثار فدوتوف جدایی ناپذیر از زندگی مردم هستند، آنها به طور مستقیم در رویدادهای دراماتیک به تصویر کشیده شده توسط هنرمند درگیر هستند.

با نگاهی به نقاشی "کاوالیر تازه" ("صبح پس از جشن"، 1846)، از فراوانی اشیایی که استاد با دقت نقاشی کرده اند شگفت زده می شود. یک طبیعت بی جان واقعی، که با لاکونیسم آن شگفت آور است، در نقاشی معروف فدوتوف "Courtship of a Major" (1848) ارائه شده است. لیوان کاملاً واقعی است: لیوان های شراب روی پاهای بلند، یک بطری، یک ظرف غذاخوری. نازک ترین و شفاف ترین، به نظر می رسد که زنگ کریستالی ملایمی را منتشر می کند.

فدوتوف P.A. ازدواج سرگرد 1848-1849. GTG

فدوتوف اشیاء را از فضای داخلی جدا نمی کند، بنابراین چیزها نه تنها به طور قابل اعتماد، بلکه به طرز ظریفی نیز نشان داده می شوند. هر شیء معمولی یا نه چندان جذابی که جای خود را در فضای مشترک می گیرد شگفت انگیز و زیبا به نظر می رسد.

اگرچه فدوتوف زندگی بی جان را نقاشی نمی کرد، اما علاقه ای بدون شک به این ژانر نشان داد. شهود به او گفت که چگونه این یا آن شی را ترتیب دهد، از چه منظری آن را ارائه کند، چه چیزهایی در آینده نه تنها از نظر منطقی توجیه شده، بلکه به صورت بیانی نیز به نظر می رسند.

دنیای اشیا، که به نشان دادن زندگی یک فرد در تمام جلوه های آن کمک می کند، به آثار فدوتوف موسیقایی خاصی می بخشد. از جمله نقاشی های "لنگر، لنگر بیشتر" (1851-1852)، "بیوه" (1852) و بسیاری دیگر.

در نیمه دوم قرن نوزدهم، ژانر طبیعت بی جان عملاً مورد توجه هنرمندان قرار نگرفت، اگرچه بسیاری از نقاشان ژانر به میل خود عناصر طبیعت بی جان را در ترکیب بندی های خود قرار دادند. چیزهایی که در نقاشی های V.G. پروف ("نوشیدن چای در میتیشچی"، 1862، گالری ترتیاکوف، مسکو)، L.I. سولوماتکین ("Slavilshchiki-gorodovye"، 1846، موزه تاریخی دولتی، مسکو).

طبیعت بی جان در صحنه های ژانر توسط A.L. یوشانوا ("دیدن رئیس"، 1864)، M.K. کلودت ("موسیقیدان بیمار"، 1855)، V.I. ژاکوبی ("پدلار"، 1858)، A.I. کورزوخین ("قبل از اعتراف"، 1877؛ "در هتل صومعه"، 1882)، K.E. ماکوفسکی ("الکسیچ"، 1882). همه این بوم ها اکنون در مجموعه گالری ترتیاکوف نگهداری می شوند.

K.E. ماکوفسکی. "الکسیچ"، 1882، گالری ترتیاکوف، مسکو

در دهه های 1870 و 1880، زندگی روزمره ژانر پیشرو در نقاشی روسی باقی ماند، اگرچه منظره و پرتره نیز جایگاه مهمی را اشغال کردند. نقش بزرگی برای توسعه بیشتر هنر روسیه توسط سرگردان ها ایفا شد که به دنبال نشان دادن حقیقت زندگی در آثار خود بودند. هنرمندان شروع به اهمیت زیادی به کار از طبیعت کردند و بنابراین به طور فزاینده ای به منظره و طبیعت بی جان روی آوردند ، اگرچه بسیاری از آنها این دومی را اتلاف وقت ، اشتیاق بی معنی برای فرم ، عاری از محتوای درونی می دانستند. بنابراین، I.N. کرامسکوی در نامه ای به وی. واسنتسف: "یک فرد با استعداد وقت خود را برای تصویر تلف نمی کند، به عنوان مثال، حوضچه ها، ماهی ها و غیره. انجام این کار برای افرادی که از قبل همه چیز دارند خوب است، اما ما کارهای زیادی برای انجام دادن داریم."

با این وجود، بسیاری از هنرمندان روسی که طبیعت بی جان را نقاشی نمی کردند، هنگام تماشای بوم های استادان غربی، آنها را تحسین می کردند. به عنوان مثال، V.D. پولنوف که در فرانسه بود به I.N. کرامسکوی: "ببینید اینجا چگونه کارها مانند ساعت پیش می رود، هر کس به روش خود، در جهات مختلف، هر چه که دوست دارد کار می کند، و همه اینها قدردانی و پرداخته می شود. با ما، آنچه که بیشتر از همه مهم است این است که چه کاری انجام می شود، اما اینجا نحوه انجام آن است. مثلاً برای یک حوض مسی با دو ماهی بیست هزار فرانک می پردازند و علاوه بر آن این صنعتگر مس را اولین نقاش می دانند و شاید بی دلیل هم نباشد.

در سال 1883 در نمایشگاهی در پاریس V.I. سوریکوف مناظر، طبیعت بی جان و نقاشی هایی که گل ها را به تصویر می کشد را تحسین می کرد. او نوشت: «ماهی گیبرت خوب است. لجن ماهی به طرز ماهرانه ای، رنگارنگ، لحن ورزیده به تن منتقل می شود.» در نامه او به پ.م. ترتیاکوف و چنین کلماتی: "و ماهی گیلبرت یک معجزه است. خوب، شما می توانید آن را به طور کامل در دستان خود بگیرید، این به فریب نوشته شده است.

پولنوف و سوریکوف هر دو می توانند استادان عالی طبیعت بی جان شوند، همانطور که اشیاء با استادانه نقاشی در ترکیب بندی هایشان نشان می دهد ("بیمار" پولنوا، "منشیکوف در برزوف" اثر سوریکوف).