Декаданс - что это: стиль в искусстве или период в истории? Сложности определения. Персональная фотосессия Наташи-Бамбуля: декаданс – упадок как искусство Вечно живой упаднический стиль
Есть слова, значение которых знают многие. Но если попросить объяснить их, можно услышать абсолютно разные определения.
Таков и пришедший из французского языка термин «декаданс». Что это красивое слово означает упадок и разложение, помнят многие, а дальше среди толкователей начинаются разночтения…
Сначала - литературоведческий термин
В конце потрясающего девятнадцатого века человечество стало терять привычные нравственные и культурные опоры. Неоклассицизм и романтизм утратили актуальность в гонке с техническим прогрессом и экономическими реформами, наступление нового столетия у одних рождало новые надежды, в других вселяло страх и разочарование.
Мрачность и пессимизм для многих авторов казались закономерным итогом исторического развития. В поиске образов нового века они опирались на эстетику готического романа, искали вдохновение в завораживающем мире поэзии и прозы Эдгара Алана По. Декаданс - это порождение неистовых романтиков прошлого, в частности, творчества Виктора Гюго, его поисков идеальной красоты и чистого искусства в уходе от реальности.
Для тех, кто в своих стихах, прозе, в живописи и музыке находил методы, не похожие на привычно классические, агрессивная критика и придумала клеймо - декаданс. Что это слово утратит негативный контекст и будет подхвачено самими декадентами для обозначения борьбы с унылым мещанством и банальным прогрессом, не ждал никто.
Философские основы
К появлению новых форм искусства на заре века причастно рождение новой философии. Яркие идеи Ф. Ницше и А. Шопенгауэра были подхвачены идеологами декаданса. Как они могли пройти мимо отрицания церковной и мещанской морали? В мире, где боги умерли, всё дозволено. Рациональное мироустройство, основанное на классической философии, рухнуло, осталась единственная ценность - мир человеческой индивидуальности.
Отъединиться от банальности общечеловеческих проблем - такую главную задачу имел декаданс. Что это значило в творчестве поэтов и художников? Прежде всего, превышение формы над содержанием. Смысл терялся в вычурности, мистике, неопределенности. Внешний эффект и туманные символы, обладающие апокалиптическими, трагическими аллюзиями, быстро стали главным признаком публичных выступлений апологетов декаданса.
Певцы упадничества
Они потрясали основы морали, презирали банальности в творчестве и в повседневной жизни. Оскар Уайльд и Морис Метерлинк, Шарль Бодлер и Поль Верлен, Леопольд фон Захер-Мазох и Габриэль Д`Аннуцио - в их произведениях зарождалось то отношение к жизни, которое потом назвали "декаданс". Это их творческие поиски и эпатажные поступки вызывали бурный восторг у молодежи и жуткое негодование у консервативной части Европы.
Визуальный образ декаданса - это вычурный и сложный узор арт-нуво, он неотделим от виртуозной графики Обри Бёрдслея. Прерафаэлиты - Данте Габриэль Россетти, Джон Эверетт Милле, Артур Хьюз - считаются вдохновителями декаданса в живописи, хоть и не всегда оправданно. Картина Арнольда Бёклина "Остров мертвых" выражает суть подобного отношения к миру. Что такое декаданс в музыке, можно было понять, посмотрев оперу Рихарда Штрауса "Саломея" по драме Оскара Уайльда. Она полна образами и звуками "эпохи упадка".
Российский облик декаданса
Вычурная и мрачная эстетика гибели старых ценностей, рожденная в Европе, оказалась актуальной для российского общества в период кризиса начала ХХ-го века. Русский декаданс - что это, как не порождение мрачных настроений в обществе после русско-японской войны и революции 1905 года? Творческая молодежь заслонялась от реальности масками Пьеро и Коломбины, говорила стихами, полными абстрактными и туманными символами.
Поэзия русского декаданса сияет немыслимыми вершинами. В разной степени к ней относятся Валерий Брюсов и Константин Бальмонт, Федор Сологуб и Зинаида Гиппиус, Иннокентий Анненский и Игорь Северянин. У них было множество подражателей в творчестве, в одежде и образе жизни - слишком ярким и выразительным явлением в жизни русского общества они были.
Проза Дмитрия Мережковского и Леонида Андреева, живопись и графика Константина Сомова, Михаила Врубеля и Мстислава Добужинского, музыкальные эксперименты Александра Скрябина принадлежат той эпохе как временем создания, так и чувствами, вызываемыми у читателей, зрителей и слушателей.
Главной особенностью русского декаданса было присущее ему мистическое предчувствие глобальных потрясений. Оно распознается взглядом из нашего будущего и по-настоящему впечатляет.
Вечно живой упаднический стиль
Сам ход истории подразумевает наступление периодов, когда идеи кризиса и распада становятся доминирующими. Творческая свобода художников-новаторов, работающих в такие исторические периоды, пусть даже использованная для создания мрачных и антигуманных образов, - культурное явление большого значения.
Рожденные на грани добра и зла художественные образы особенно выразительны, эстетика разрушения и даже смерти вдруг становится привлекательной для чувствительных натур.
Значение слова "декаданс" существенно различалось в разное время и в разных культурах. Для одних оно имело смысл стилистического признака, для других стало глобальной характеристикой состояния всего общества. Все эти определения актуальны для прошлого, настоящего и будущего.
На лице, нужно быть актрисой или просто отправиться на фотосессию с подругой. Когда знаешь, что рядом близкий человек, то можешь позволить себе раскрыться чуточку больше. Именно так и поступила наш Свадебный Ангел Наташа-Бамбуля. Ретро, кажется у нее в крови. Вспомните ее невероятную винтажную свадьбу , которая попала в топ-20 лучших свадеб 2012 , свадьбу предваряла винтажная лавстори (наряды сшиты героиней), а чувственный ретро-будуар Наташи может поднять даже мертвого из могилы. Теперь вот наступила эпоха томного декаданса в Наташиной жизни. Мне понравились снимки, а вам?
Что это была за съемка? Почему выбрали именно этот стиль?
Богемная эпоха начала ХХ века… Томные дамы с утончёнными мундштуками, испускающие облака дыма… Небрежная эротичность образа… Совершенство вкуса… И, конечно, таинство и притягательность старого фотоснимка…
Разве я могла пройти мимо, когда узнала, что в нашем городе проводится такой фотопроект? Конечно же, нет!
Опишите самый любимый/значимый/интересный момент фотосессии? Почему?
Один из любимых моментов – это совместное позирование с подружкой! Мы делали такие страдальческие лица, стояли в таких вымученных позах, что наблюдать друг за другом было безумно смешно! И почти после каждого удавшегося снимка мы взрывались дружным хохотом!
Ну и очень уж необычно было увидеть себя в зеркале после всего того, что проделали со мной визажист и стилист по прическам! «А это точно я???» – было первой реакцией на свое отражение в зеркале.
Напишите 3 главных совета, которые вы хотите дать другим творческим девушкам в подготовке фотосессий
- Не бойтесь экспериментировать! Это так здорово смотреть свои фото, на которых мы совсем другие!
- Подробнее изучите тематику будущей фотосессии: прочтите книгу, посмотрите фильм, послушайте музыку, это поможет вам полнее прочувствовать свой образ.
- Ну и доверяйте профессионалам! Только в случае полного доверия результат превзойдет все ожидания!
Мне очень понравилась одежда, аксессуары и обувь в этом проекте. Это действительно все было винтажное или стилизация? Как же мне импонирует бельевой стиль платья на подруге Наташи. Девушки, вы прекрасны!
P.S. При просмотре фото-отчета я сразу вспомнила одну из любимых песен
В истории русского искусства есть ряд имен талантливых художников, чье творчество еще не получило должной оценки, что привело к сознательному забвению имен многих по-настоящему талантливых мастеров. Один из таких художников - поляк Вильгельм (Василий) Александрович Котарбинский.
Вильгельм Александрович Котарбинский (Вильгельм Котарбиньский, польск. Wilhelm Kotarbiński, 30 ноября 1848 — 4 сентября 1921) — яркий представитель стиля «модерн», живописец исторического и фантастического жанров; двоюродный брат художника Милоша Котарбинского и театрального деятеля и литератора Юзефа Котарбинского.
Родился в г. Неборов Люблинской губернии. Учился в Варшавской рисовальной школе и в Академии Св. Луки в Риме, получил серебряную медаль и звание «Первого Римского рисовальщика». Будучи учеником Академии художеств, получил малую золотую медаль за картину «Вулкан приковывает Прометея к скале». За исполнение другой программы («Больной князь Пожарский принимает посланцев Москвы») признан классным художником 1-й степени.
Долго жил в Риме. С 1880-х гг. жил и работал в Киеве. Писал картины на мифологические и библейские темы, портреты, фантастические композиции.
Участвовал в работах В. Васнецова по украшению киевского собора Святого Владимира в Киеве, где создал ряд композиций, среди них «Преображение Господне» и написанные совместно с Павлом Сведомским «Дни Творения», «Тайная Вечеря», «Въезд Господень в Иерусалим», «Распятие», «Суд Пилата». Росписи во Владимирском соборе выдвинули имя Вильгельма Котарбинского в число самых известных художников Российской империи. Он был награжден орденом Станислава 2-й степени, а в 1905 году Петербургская академия художеств «за известность на художественном поприще признает и почитает В. А. Котарбинского своим академиком».
Умер в Киеве. Похоронен на киевском Байковом кладбище на 1-м польском участке новой части кладбища; могила — слева от аллеи.
Автор ряда крупных станковых полотен, разошедшихся по всему миру - в Италии, у польских коллекционеров, его работы приобретались знаменитыми коллекционерами Солдатенковым, Терещенко, полотно «Оргия» была приобретена музеем императора Александра III.
Котарбинский был очень плодовит, работал легко и много. Был весьма коммерчески успешен, был в моде. Кроме огромного количества сепий на мистические темы он написал множество небольших работ, преимущественно на исторические, религиозные и мифологические темы; но также оформлял интерьеры особняков магнатов.
В Киеве Котарбинский выполняет ряд заказов, в частности для дома украинского мецената Н. А. Терещенко на Бибиковском бульваре (ныне Музей Т. Шевченко на бульваре Тараса Шевченко), и создает 13 панно для дома В. Н. Ханенко на Алексеевской улице (теперь Музей искусств им. Богдана и Варвары Ханенков на ул. Терещенковской).
Известно, что сам Третьяков заказывал Котарбиньскому картину для своей галереи, но с условием - чтобы тот подписал ее по-русски, но получил отказ - это была бы не его подпись…
В предреволюционные годы В.А. Котарбинский много внимания уделил монументальному искусству, работая по украшению частных домов известных своими доходами киевлян.Он выполняет ряд заказов, например, для дома украинского мецената Н. А. Терещенко на Бибиковском бульваре (ныне Музей Т. Шевченко), и создает 13 панно для дома В. Н. Ханенко на Алексеевской улице (теперь Музей искусств им. Богдана и Варвары Ханенков).
Котарбинский был один из любимых художников Николая II, это не удивительно...
Вильгельм Котарбиньский в Киеве жил и на Андреевском спуске, где жили в то время знаменитые М.Булгаков, Н.Бердяев, М.Врубель... А ведь тематика этих художников слова и кисти очень похожа. Вообще-то, нет ничего удивительного в том, что тематика этих художников перекликается с «древними главами» «Мастера и Маргариты» - во всей мировой живописи, музыке и литературе библейские мотивы традиционно присутствуют, но тут - случай особый - все трое с одной улицы! И творчество их, а особенно роспись церквей, при советской власти объявлялось мистикой, как и вообще всё, что имело отношение к религии…
Котарбинский - наследник «послебрюлловского поколения»,как и художники П. и А.Сведомские, Ф.Бронников, А.Риццони, С.Бакалович, и др. Он в совершенстве владел художественной формой, пластикой, тайной живописной поверхности, традиции которых восходят к эпохе Возрождения. Художник владел чудодейственной силой и свойствами самой краски. В России эти качества живописи ценили меньше, чем в европейских школах. С уходом из жизни таких художников почти в одно время (начало ХХ века) многое из живописных качеств искусства было навсегда утрачено.
Так, для "развлечения и утехи", для себя, - Котарбинский писал на картонах сепией картинки на самые фантастические сюжеты. Зашедший к нему однажды профессор Прахов, увидел эти картоны и пришел в восторг от их оригинальной красоты и свежести.Благодаря выработанному в них своеобразному стилю в духе модернизированного салонного направления, который пользовался огромной популярностью, вкупе с наполненностью символами и фантастическими видениями Котарбинский получил звание ведущего российского символиста, после того как эти картоны были выставлены на передвижной выставке и вызвали фурор.
В 1887 году вместе с Васнецовым, Нестеровым, Врубелем, братьями Сведомскими он был приглашен для работ по росписи Владимирского собора. Тогда же Котарбинский вместе с другими художниками часто бывал у Праховых. Постепенно Вильгельм Александрович стал своим человеком в доме хлебосольных хозяев. Эта дружба продлилась до конца дней художника.
В 1920 году, после того, как номер Котарбинского в гостинице "Прага" несколько раз подвергался обыскам, и оставаться там стало небезопасно, Эмилия Львовна Прахова предложила художнику переехать к ним на Трехсвятительскую. В доме Праховых, 72 лет от роду, Котарбинский и умер 4 сентября 1921 года. В память о себе он оставил галерею своих картин, которыми восхищается нынешнее поколение молодежи. Единственный из творцов Владимирского собора похоронен в Киеве, на Байковом кладбище, на 1-м польском участке новой части кладбища; могила - слева от аллеи. Сегодня администрация Байкового кладбища ищет его родственников или знакомых, потому что за могилой никто не ухаживает…
Во второй половине девятнадцатого века в искусстве была необыкновенно популярна историческая и мифологическая тема. Котарбинский получил известность как автор талантливо написанных композиций “Вулкан приковывает Прометея к скале” и “Больной князь Пожарский принимает послов из Москвы”. Но еще большую известность получили его композиции на религиозную тему, созданные для Владимирского собора в Киеве.
Как точно определить, в каком стиле работал Котарбинский? В середине последнего десятилетия девятнадцатого века расцвел стиль модерн, нашедший ярчайшее проявление в разных жанрах живописи. Работы Котарбинского в те годы стали своеобразной визитной карточкой декаданса и модерна, так как они часто воспроизводились на открытках. В эти годы полиграфисты уже имели в распоряжении довольно совершенное оборудование для типографской и литографской печати, и сотни открыток доносили до широкого зрителя особенности живописного стиля Котарбинского. Тема мифологии и фантастики в те годы была востребована и открытки с русалками и демонами охотно раскупались.
Стиль “Ар нуво”, называемый модерн и сецессия, был почти что революционным направлением по сравнению с эклектикой. Для модерна характерны декоративно-плоскостная моделировка форм (в изобразительном искусстве), культ извивающихся линий (в декоративно-прикладном искусстве), свободная компоновка объемов в архитектуре.
Живописные полотна Котарбинского, выполненные в стиле модерн, были ориентированы на такое важное свойство живописи как декоративность. Он стремился наполнить холст изображениями красивых предметов, изящных цветов и экзотических деревьев, хотел максимально разнообразить композицию, чтобы глазу зрителя не было скучно.
Котарбинский посвятил много картин теме воды, водной стихии. В модерне было немало разновидностей плавных текучих линий, напоминавших течение воды. За ними закреплялись целые ряды значений. Это и идея течения вечной жизни, и тема Вечного царства мертвых, и важная для рубежа веков тема переселения душ, которое тоже осуществляется через некие гигантские потоки. Трудно переоценить в художественных памятниках эпохи модерна роль воды как некоей особой, объединяющей мир стихии.
Разбросанные по произведениям разных живописцев и графиков фонтаны - большие и малые, находящиеся в самом центре произведения или помещенные на задний план для создания эффектного декоративного фона, составляют целую галерею образов, которые в совокупности позволяют нам осознать тему потока как некоего единства, декорирующего и упорядочивающего мир.
Тема фонтана, извивающегося потока, ручья, а в широком смысле - движущейся водной массы - играла в искусстве рубежа веков особую роль. Ручей и водопад почти никогда не играли второстепенной роли, они были интереснейшим инструментом познания человеческой души.
Например, в живописи членов Прерафаэлитского Братства (известной художественной группировки) мы видим в высшей степени оригинальную и самобытную трактовку темы водной струи, каскада и паркового фонтана. Это и символ жизненной энергии, и обозначение самого потока жизни. Такую же трактовку мы находим и у Котарбинского. Водная стихия у него всегда населена русалками, а озера насыщены красивыми кувшинками. Художник тщательно выписывал стебли и листья и в совокупности природный мир на его полотнах представлял собой картину хрупкой декадентской красоты.
Библейские и религиозные мотивы
Ангел грусти
Воскрешение сына вдовы
Святой Филипп, митрополит Московский. Эскиз к росписи Владимирского собора в Киеве.
Дочь Иаира
Две итальянки в парке, восхищающиеся драгоценными камнями
Молчание вечера
Римская оргия. Фрагмент
Туман-утешитель
Сфинкс (греческий)
Египетские мотивы
Кормление Ибисов
Восточные мотивы
Две красавицы
Песнь невольниц. Массандра. Крым.
Восточная сценка
Разное
Намедни в венской галерее Бельведер открылась большая выставка под названием «Декаданс». Выставка посвящена искусству австрийского символизма. Точнее говоря, пытается заново посмотреть на место австрийского символизма в европейском искусстве начала XX века. Надеюсь, получилось интересно. По крайней мере, название интригует...
Адольф Хиреми-Хиршль «Души на берегу Ахерона». 1889 год. Собрание галереи Бельведер, Вена.
К сожалению, галерея очень запутано составила каталог, поэтому мне так и не удалось разобраться какие именно картины привезли на выставку из других музеев, а какие просто напечатали в каталоге. Очевидно только, что сам Бельведер основательно выпотрошил свои собственные запасники. Например, впервые за последние годы выставлено гигантское полотно Макса Клингера «Суд Париса» — одно из ключевых произведений немецкого символизма. Кроме того, наверняка известно, что из Цюриха привезли одну из версий «Греха» Франца фон Штука, а из частного музея в баварском Швайнфурте — его же «Афину Палладу». Они висят рядом со знаменитой «Юдифью» Густава Климта. Чешский символизм представлен ранней картиной Франтишека Купки «Дорога тишины» из пражского частного собрания и литографией Альфонса Мухи.
Еще хотелось бы отметить двух не очень известных художников Эдуарда Файта и Везцеля Габлика, работы которых довольно обильно представлены на выставке. Оба родились на территории Чехии. Уроженец Нового Йичина Эдуард Файт больше специализировался на росписях театров. Например, он расписал Пражскую оперу и театры в Остраве и Усти-над-Лабем. Как оказалось, живописцем он тоже был неплохим. Уроженец города Мост Венцель Габлик вообще стоит немного особняком в европейском искусстве начала XX века — где-то на стыке символизма, экспрессионизма и сюрреализма. Кто был в отделении пражской Национальной галереи в Ярмарочном дворце, наверняка вспомнит его шикарную картину «Хрустальный замок посреди моря». На выставке в Вене можно увидеть весьма галлюциногенное полотно «Звездное небо» кисти Венцеля Габлика, привезенное из музея его имени в немецком Итцехо.
Карл Медиц «Красный ангел». 1908 года. Частное собрание, Вена.
Макс Клингер «Суд Париса». 1885-87 годы. Собрание галереи Бельведер, Вена.
Джованни Сегантини «Злые матери». 1894 год. Собрание галереи Бельведер, Вена.
Нужно добавить, что символический «Декаданс», судя по всему, исполнит роль главного выставочного проекта наступившего лета в австрийской столице. Если не считать выставку фотографий , больше ничего особо интересного в ближайшие месяцы в Вене не предвидится. Тактически правильно либо ехать смотреть «Декаданс» в ближайшие дни, пока еще не закрылась в Альбертине, либо наоборот отложить визит в Вену на самый конец сентября, когда в той же Альбертине откроется большая выставка Анри Матисса сотоварищи.
Загрузка...