Зарубежные художники XIX века: самые яркие деятели изобразительного искусства и их наследие. Европейская живопись Художники западной европы 19 века

Направления в живописи 19 века достаточно тесно перекликаются с направлениями века предшествующего. В начале столетия ведущим направлением во многих странах был . Зародившийся в 18 веке, этот стиль продолжал развиваться, при том в разных странах его развитие имело индивидуальные особенности.

Классицизм

Художники, работавшие в этом направлении, вновь обращаются к образам античности. Однако через классические сюжеты они пытаются выразить революционные настроения - стремление к свободе, патриотизм, гармонию между человеком и общество. Ярким представителем революционного классицизма был художник Луи Давид. Правда, со временем классицизм перерос в консервативное направление, которое поддерживалось государством, а значит, стало безликим, прилизанным цензурой.

Особенно яркий расцвет живописи в 19 веке наблюдался в России. В это время здесь образовалось множество новых стилей и направлений. Аналогом классицизма в России являлся академизм. Этот стиль обладал чертами классического европейского стиля - обращение к образам античности, возвышенная тематика, идеализация образов.

Романтизм

В начале 30-х годов 19 века в противовес классицизму появился романтизм. В обществе того времени происходило множество переломных моментов. Художники стремились абстрагироваться от неприглядной реальности, создавая свой, идеальный мир. Тем не менее, романтизм считается прогрессивным течением своего времени, потому что стремлением художников романтиков было донесение идей гуманизма и духовности.

Это емкое направление, отразившееся в искусстве многих стран. Смысл его - возвеличивание революционной борьбы, создание новых канонов красоты, написание картин не только кистью, но и сердцем. Эмоциональность здесь ставится во главу угла. Для романтизма характерно введение во вполне реальный сюжет аллегорических образов, искусная игра светотени. Представителями этого направления были Франциско Гойя, Эжен Делакруа, Руссо. В России к романтизму относят работы Карла Брюллова.

Реализм

Задачей этого направления стало изображение жизни такой, как он есть. Художники реалисты обращались к образам простого народа, основные черты их произведений - критичность и максимум правдивости. Они изображали в деталях лохмотья и дыры одежды простых людей, искаженные страданием лица простого народа и толстые телеса буржуа.

Интересным явлением 19 века стала Барбизонская школа художников. Этот термин объединял нескольких французских мастеров , которые выработали свой собственный, непохожий стиль. Если в направлениях классицизма и романтизма природа разными способами идеализировались, то барбизонцы стремились изображать пейзажи с натуры. На их картинах - образы родной природы, и простые люди на этом фоне. Самые известные художники Барбизонцы - это Теодор Руссо, Жюль Депре, Вержиль ля Пенья, Жан-Франсуа Милле, Шарль Добиньи.

Жан-Франсуа Милле

Творчество барбизонцев повлияло на дальнейшее развитие живописи 19 века. Во-первых, у художников этого направления появились последователи в ряде стран, в том числе и в России. Во-вторых, барбизонцы дали толчок для возникновения импрессионизма. Они первыми стали писать картины на пленере. В дальнейшем традиции изображения реальных пейзажей подхватили импрессионисты.

Стала завершающим этапом в живописи 19 века, и пришлась на последнюю треть столетия. Художники импрессионисты подошли к изображению реальности еще более революционно. Они стремились передать не саму природу, и не образы в деталях, а то впечатление, которое производит то или иное явление.

Импрессионизм был прорывом в истории живописи. Этот период подарил миру множество новых техник и уникальные произведения искусства.

Множественность художественных направлений в XIX веке была следствием процесса модернизации. Художественная жизнь общества теперь определялась не только церковным диктатом и модой придворных кругов. Изменение социальной структуры повлекло за собой изменение восприятия искусства в обществе: возникают новые социальные слои состоятельных и образованных людей, способных самостоятельно оценивать произведения искусства, ориентируясь только на требование вкуса. Именно к XIX веку начинает формироваться массовая культура; газеты и журналы из номера в номер печатавшие длинные романы с занимательным сюжетом, стали прообразом телевизионных сериалов в искусстве XX века.

В первой половине XIX столетия в Европе развернулось невиданное по размаху градостроительство. Большинство европейских столиц - Париж, Санкт-Петербург, Берлин - обрели свой характерный облик; в их архитектурных ансамблях усилилась роль общественных зданий. Символом Парижа стала знаменитая Эйфелева башня, построенная в 1889 г. к открытию Всемирной выставки. Эйфелева башня продемонстрировала технические возможности нового материала – металла. Однако оригинальное художественное решение было признано не сразу, башню призывали снести, называли чудовищной.

Неоклассицизм в первой половине XIX в. пережил поздний расцвет, теперь он получает название ампир (от франц. «империя»), этот стиль выражал величие империи созданной Наполеоном. К середине столетия основной проблемой европейского зодчества стали поиски стиля. Вследствие романтического увлечения стариной многие мастера попытались возродить традиции архитектуры прошлого - так возникли неоготика, неоренессанс, необарокко. Усилия зодчих нередко приводили к эклектизму - механическому соединению элементов разных стилей, старого с новым.

В художественной жизни первой половины XIX века преобладал романтизм, отразивший разочарование в идеологии Просвещения. Романтизм стал особым мировоззрением и образом жизни. Романтический идеал личности, не понятой обществом, формирует манеру поведения его высших слоев. Для романтизма характерно противопоставление двух миров: реального и воображаемого. Реальная действительность рассматривается как бездуховная, негуманная, недостойная человека и противостоящая ему. «Прозе жизни» реального мира противопоставляется мир «поэтической реальности», мир идеала, мечты и надежды. Видя в современной ему действительности мир пороков, романтизм пытается найти выход для человека. Этот выход – одновременно и уход от общества в разных вариантах: герой уходит в свой собственный внутренний мир, за пределы реального пространства и уход в другое время. Романтизм начинает идеализировать прошлое, в особенности Средневековье, видя в нем инею реальность, культуру, ценности.

Главой французского романтизма в живописи суждено было стать Эжену Делакруа (1798-1863). Неистощимое воображение этого художника создало целый мир образов, до сих пор, живущих на полотне своей напряженной, полной борьбы и страстей жизнью. Делакруа нередко черпал мотивы в произведениях Уильяма Шекспира, Иоганна Вольфганга Гёте, Джорджа Байрона, Вальтера Скотта, обращался к событиям Великой французской революции, другим эпизодам национальной истории («Битва при Пуатье»). Делакруа запечатлел многочисленные образы людей Востока, главным образом алжирцев и марокканцев, которых он видел во время своего путешествия в Африку. В произведении «Резня на острове Хиос» (1824) Делакруа отразил борьбу греков против турецкого владычества, волновавшую тогда всю Европу. Группе страдающих пленных греков на переднем плане картины, среди которых и обезумевшая от горя женщина, и ребенок, ползущий к груди мертвой матери, художник противопоставил надменные и жестокие фигуры карателей; вдали виден горящий разрушенный город. Картина поразила современников и захватывающей силой человеческих страданий, и своим необычайно смелым и звучным колоритом.

События Июльской революции 1830 г., закончившиеся поражением революции и восстановлением монархии, вдохновили Делакруа на создание широко известной картины «Свобода на баррикадах» (1830). Женщина, поднявшая трехцветное знамя Французской республики, олицетворяет свободу. Образ свободы на баррикадах 0 олицетворение борьбы.

Представителем романтизма с мировым именем был испанский художник Франциско Гойя (1746–1828) Гойя сложился в крупного художника сравнительно поздно. Первый значительный успех ему принесли две серии (1776-1791) многочисленных гобеленов, созданных для Королевской мануфактуры Санта Барбара в Мадриде («Зонтик», «Слепой гитарист», «Продавец посуды», «Игра в жмурки», «Свадьба»). В 90-х гг. XVIII века в творчестве Гойи нарастают черты трагизма, неприязнь к феодально-клерикальной Испании «старого порядка». Уродство ее моральных, духовных и политических основ Гойя раскрывает в гротескно-трагической форме, питающейся фольклорными истоками, в большой серии офортов «Капричос» (80 листов с комментариями художника); смелая новизна художественного языка, острая выразительность линий и штрихов, контрастов света и тени, соединение гротеска и реальности, аллегории и фантастики, социальной сатиры и трезвого анализа реальности открывали новые пути развития европейской гравюры. В 1790-х – начале 1800-х годов исключительного расцвета достигло портретное творчество Гойи, в котором звучат тревожное чувство одиночества (портрет сеньоры Бермудес), мужественное противостояние и вызов окружающему (портрет Ф.Гиймарде), аромат тайны и скрытой чувственности («Маха одетая» и «Маха обнаженная»). С удивительной силой обличения запечатлел художник надменность, физическое и духовное убожество королевской семьи в групповом портрете «Семья Карла IV». Глубоким историзмом, страстным протестом проникнуты большие картины Гойи, посвященные борьбе против французской интервенции («Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде», «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года»), философски осмысляющая судьбы народа серия офортов «Бедствия войны» (82 листа, 1810–1820).

Франциско Гойя “Капричос”

Если в литературе субъективность восприятия художника открывает символизм, то в живописи подобное открытие совершается импрессионизмом. Импрессионизм (от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Художественная концепция импрессионизма строилась на стремлении естественно и непринужденно запечатлеть окружающий мир в его изменчивости, передавая свои мимолетные впечатления. Благодатную почву для развития импрессионизма подготовили художники Барбизонской школы: они первыми стали писать этюды с натуры. Принцип «писать то, что видишь среди света и воздуха» лег в основу пленэрной живописи импрессионистов.

В 1860-х гг., года молодые художники-жанристы Э.Мане, О.Ренуар, Э.Дега попытались вдохнуть во французскую живопись свежесть и непосредственность наблюдения жизни, изображение мгновенных ситуаций, зыбкость и неуравновешенность форм и композиций, необычные ракурсы и точки зрения. Работа на открытом воздухе помогала создавать на полотнах ощущение сверкающего снега, богатства природных красок, растворения объектов в среде, вибрации света и воздуха. Особое внимание художниками- импрессионистами уделялось взаимоотношениям предмета с окружением, исследованиям изменения цвета и тона объекта в изменяющейся среде. В отличие от романтиков и реалистов, они уже не были склонны изображать историческое прошлое. Сферой их интересов была современность. Жизнь маленьких парижских кафе, шумные улицы, живописные берега Сены, железнодорожные вокзалы, мосты, неприметная красота сельских пейзажей. Художники больше не желают затрагивать острые социальные проблемы.

Творчество Эдуарда Мане (1832-1883) предваряло новое направление в живописи – импрессионизм, но сам художник не примкнул к этому движению, хотя несколько изменил под воздействием импрессионистов свою творческую манеру. Мане декларировал свою программу: «Жить своим временем и изображать то, что видишь перед собой, открывая подлинную красоту и поэзию в повседневном течении жизни». При этом в большинстве работ Мане отсутствовало действие, даже минимальная сюжетная завязка. Постоянным мотивом творчества Мане становится Париж: городская толпа, кафе и театры, улицы столицы.

Эдуард Мане “Бар в Фоли-Бержер”

Эдурд Мане “Музыка в Тюильри”

Само название импрессионизма обязано своим происхождением пейзажу Клода Моне (1840-1926) «Впечатление. Восход солнца».

В творчестве Моне ведущее значение приобрела стихия света. К 70-м гг. XIX в. Относится изумительный «Бульвар Капуцинок», где брошенные на холст мазки передают и уходящую вдаль перспективу оживленной улицы, и движущийся по ней бесконечный поток экипажей, и веселую праздничную толпу. Он писал множество картин с одним и тем же, но по-разному освещённым предметом наблюдения. Например, стог сена утром, в полдень, вечером, при луне, в дождь и так далее.

Многие достижения импрессионизма связаны с творчеством Пьера Огюста Ренуара (1841-1919), вошедшего в историю искусства как «живописец счастья». Он действительно создавал на своих картинах особый мир пленительных женщин и безмятежных детей, радостной природы и прекрасных цветов. В течение всей жизни Ренуар писал пейзажи, но его призванием оставалось изображение человека. Он любил рисовать жанровые картины, где с поразительной живостью воссоздавал суету парижских улиц и бульваров, праздность кафе и театров, оживленность загородных прогулок и праздников под открытым небом. Все эти картины, написанные на пленэре, отличает звучность цвета. Картина «Мулен де ла Галетт» (народный бал в саду монмартского танцевального зала) – шедевр ренуаровского импрессионизма. В ней угадывается живой ритм танца, мелькание юных лиц. В композиции нет резких движений, и ощущение динамики создается ритмом цветовых пятен. Интересна пространственная организация картины: первый план дан сверху, сидящие фигуры не заслоняют танцующих. На многочисленных портретах преобладают дети и молодые девушки, в этих портретах раскрылось его мастерство: «Мальчик с кошкой», «Девушка с веером».

Активный участник всех выставок Эдгар Дега (1834 – 1917), был далек от всех принципов импрессионистов: был противником пленэра, не писал картины с натуры, не стремился уловить характер различных состояний природы. Значительное место в творчестве Дега занимает серия картин с изображением обнаженного женского тела. Множество его картин последних лет посвящено «женщине за туалетом». Во многих произведениях Дега показывает характерность поведения и облика людей, порожденную особенностями их быта, выявляет механизм профессионального жеста, позы, движения человека, его пластическую красоту («Гладильщицы», «Прачки с бельем»). В утверждении эстетической значимости жизни людей, их обыденных занятий сказывается своеобразный гуманизм творчества Дега. Искусству Дега присуще соединение прекрасного, порой фантастического, и прозаического: передавая во многих балетных сценах праздничный дух театра («Звезда балета», «Балетная школа», «Урок танцев»).

Постимпрессионизм охватывает период с 1886 г., когда состоялась последняя выставка импрессионистов, на которой были впервые представлены работы неоимпрессионистов, до 1910-х гг., возвестивших о рождении совершенно нового искусства в формах кубизма и фовизма. Термин «постимпрессионизм» ввел в обиход английских критик Роджер Фрай, выражая общее впечатление об устроенной им в Лондоне в 1910 г. выставке современного французского искусства, на которой были представлены работы Ван Гога, Тулуз-Лотрека, Сёра, Сезанна и других художников.

Постимпрессионисты, многие из которых ранее примыкали к импрессионизму, начали искать методы выражения не только сиюминутного и преходящего - каждого мгновения, они стали осмысливать длительные состояния окружающего мира. Для постимпрессионизма характерны разные творческие системы и техники, повлиявшие на последующее развитие изобразительного искусства. Работы Ван Гога предвосхитили появление экспрессионизма, Гоген проложил путь к модерну.

Винсент Ван Гог (1853-1890) создавал максимально яркие художественные образы путем синтеза (соединения) рисунка и цвета. Техника Ван Гога – это точки, запятые, вертикальные черточки, сплошные пятна. Его дороги, грядки и борозды действительно убегают вдаль, а кусты горят на земле, как костры. Он изображал не один схваченный миг, а непрерывность мигов. Он изображал не данный эффект согнутого ветром дерева, а самый рост дерева из земли.. Все случайное Ван Гог умел претворить в космическое. Душа Ван Гога требовала ярких красок, он постоянно жаловался брату на недостаточную силу даже его любимого ярко-желтого цвета.

«Звёздная ночь» была не первой попыткой Ван Гога изобразить ночное небо. В 1888 году в Арле он написал «Звёздную ночь над Роной». Ван Гог хотел изобразить звёздную ночь как пример силы воображения, которое может создать более удивительную природу, чем та, которую мы можем воспринять при взгляде на реальный мир.

Обостренное восприятие действительности и душевная неуравновешенность приводят Ван Гога к психическому заболеванию. Гоген приезжает погостить в Арль, но творческие разногласия вызывают ссору. Ван Гог кидает стакан в голову художника, затем, после заявления Гогена о намерении уехать, бросается на него с бритвой. В припадке сумасшествия вечером этого же дня художник отрезает себе ухо («Автопортрет с перевязанным ухом»).

Творчество Поля Гогена (1848-1903) неотделимо от его трагической судьбы. Самым важным в стилистической концепции Гогена было его понимание цвета. На о. Таити, куда художник уехал в 1891 г., под влиянием примитивных форм полинезийского искусства он писал картины, отличающиеся декоративностью, плоскими формами и исключительно чистыми цветами. «Экзотическая» живопись Гогена – «А ты ревнуешь?», «Ее зовут Вайраумати», «Женщина, держащая плод» – отражает не столько природные качества предметов, сколько эмоциональное состояние художника и символический смысл задуманных им образов. Особенность живописной манеры Гогена состоит в ярко выраженной декоративности, стремлении закрашивать одним цветом большие плоскости холста, в любви к орнаментике, которая присутствовала и на тканях одежда, и на коврах, и в пейзажном фоне.

Поль Гоген “Когда же замуж” “Женщина держащая плод”

Важнейшим достижением культуры XIX в. является появление искусства фотографии и дизайна. Первый в мире фотоаппарат был сделан в 1839 году Луи Жак Манде Дагером.

Ранние попытки Дагера сделать работоспособную камеру были неудачными. В 1827 году он встретился с Жозефом Ньепсом, который тоже пытался (и к тому времени добился немного большего успеха) изобрести фотокамеру. Через два года они стали партнерами. В 1833 году Ньепс умер, но Дагер упорно продолжал трудиться. К 1837 году он наконец смог разработать практическую систему фотографии, названную дагеротипией. Изображение (дагеротип) получали на серебряной пластинке, обработанной парами йода. После экспонирования в течение 3-4 часов пластинку проявляли в парах ртути и фиксировали горячим раствором поваренной соли или гипосульфита. Дагеротипы отличались очень высоким качеством изображения, но можно было получить только один снимок.

В 1839 году Дагер опубликовал свое изобретение, но не оформил патент. В ответ французское правительство назначило ему и сыну Ньепса пожизненные пенсии. Объявление об изобретении Дагера вызвало большую сенсацию. Дагер стал героем дня, на него обрушилась слава, а метод дагеротипии быстро нашел широкое применение.

Развитие фотографии привело к пересмотру художественных принципов графики, живописи, скульптуры, соединило художественность и документальность, что не достижимо в других видах искусства. Основу дизайну положила Международная промышленная выставка в Лондоне в 1850 г. Ее оформление знаменовало сближение искусства и техники и положило начало новому виду творчества.

Луи Дагер, Нисефор Ньепс и камера-обскура Ньепса

Джозеф Нисефор Ньепс. Первая в мире фотография, сделанная на сплаве олова со свинцом, 1826 год.

Снимок Дагера «Студия художника», 1837 г

В 1870-ых годах два изобретателя Илайша Грей и Александр Грехем Белл независимо друг от друга разработали устройства, которые могли передавать речь посредством электричества, которые в последствии назвали телефоном. Они оба направили соответствующие патенты в патентные бюро, разница в подаче заявок была всего лишь в несколько часов. Однако, Александр Грехем Белл) получил патент первым.

Телефон и телеграф являются электрическими системами, основой которых являются провода. Успех Александра Белла, точнее его изобретения, был вполне закономерным, так как, изобретая телефон, он пытался усовершенствовать телеграф. Когда Белл начал экспериментировать с электрическими сигналами, телеграфом уже пользовались как средством коммуникации в течение приблизительно 30 лет. Несмотря на то, что телеграф был достаточно успешной системой передачи информации, основанной на азбуке Морзе с её отображением букв с помощью точек и тире, тем не менее, большой минус телеграфа заключался в том, что информация была ограничена получением и отправкой одного сообщения одновременно.

Александр Белл говорит в первую модель телефона

Первый телефон, созданный Александром Грехемом Беллом представлял собой устройство, через которое звуки речи человека передавались при помощи электричества (1875 год). 2 июня 1875 года, Александр Грехем Белл, экспериментируя со своей техникой, которую он назвал “гармонический телеграф” обнаружил, что он может услышать звук по проводу. Это был звук часов.

Самый большой успех Белла был, достигнут 10 марта 1876 года. Разговаривая с помощью трубки со своим помощником, Томасом Уотсоном, который находился в соседней комнате, Белл произнес слова, которые сегодня известны всем “Mr. Watson — come here — I want to see you” (Мистер Уотсон – идите сюда – я хочу видеть Вас). В это время не только родился телефон, но и умер многократный телеграф. Потенциал коммуникаций, заключенный в демонстрации того, что можно было поговорить благодаря электричеству, сильно отличался оттого, что мог предложить телеграф с его системой передачи информации при помощи точек и тире.

Понятие кинематограф появилось впервые в его французском варианте — «синематограф», обозначавшем систему создания и показа фильма, разработанную братьями Луи Жаном и Огюстом Люмьер. Первый фильм был снят при помощи кинокамеры французом Луи Эме Огюстеном Ле Принеси (1842–1890гг) в ноябре 1888 года в Великобритании и состоял из двух фрагментов: в первом — 10-12 картинок в секунду, во втором — 20 картинок в секунду. Но официально считается, что кинематограф берёт своё начало 28 декабря 1895 года. В этот день в индийском салоне «Гран-кафе» на бульваре Капуцинов (Париж, Франция) состоялся публичный показ «Синематографа братьев Люмьер». В 1896 году братья совершили мировое турне со своим изобретением, посетив Лондон, Нью-Йорк, Бомбей.

Луи Жан Люмьер окончил промышленную школу, был фотографом и работал на фабрике фотоматериалов, принадлежавшей отцу. В 1895 Люмьер изобрёл киноаппарат для съёмки и проекции “движущихся фотографий”. В его работе по изобретению кинематографа принимал активное участие его брат Огюст Люмьер. Аппарат был запатентован и получил название кинематограф. Первые кинопрограммы Люмьера демонстрировали сценки, снятые на натуре: “Выход рабочих с фабрики Люмьера”, “Прибытие поезда”, “Завтрак ребёнка”, “Политый поливальщик” и другие. Интересно, то что слово lumiere по-французски означает “свет”. Может быть это случайность, а может судьба создателей кинематографа была решена заранее.

Европейская живопись

Испокон веков живопись считалась показателем культурного развития человечества, а талантливые художники ценились настоящими поклонниками прекрасного на вес золота. Данный вид изобразительного искусства наибольшего расцвета достиг в 19 столетии, вобрав в себя основные каноны классицизма и неоклассицизма. Эксперты не сомневаются в том, что европейская живопись в значительной мере повлияла на развитие отечественной живописи, однако и российские художники не отставали от зарубежных коллег, создавая и развивая новые направления в искусстве, находя соратников, учеников и последователей.

Во второй половине XIX века в области живописи произошел переворот, в результате которого художники массово ушли в реализм, который еще носит название натурализм. Мастера, ставшие работать над пейзажами, не могли получить одобрения у представителей академических кругов. Игра света, воздуха, теней, возможность воплощать на холсте тончайшие цветовые переходы – всё это пленило мастеров кисти и красок, и они забывали о критике.

Интересным является тот факт, что живопись 19 века (первой его половины) во многом является плодом Французской революции. Военные события поспособствовали развитию новых направлений в искусстве и в целом вдохнули в него жизнь. Но батальные сцены со временем сменились на романтические, как в XVIII веке. Романтизм, реализм и декаданс были популярными до последней трети XIX столетия, а затем, на стыке трех направлений, возникло новое – импрессионизм (от франц. «импресион» – впечатление). Импрессионизм стал востребованным и сохранял лидерские позиции около 12 лет. За это время работающие в духе нового течения художники сумели организовать 8 выставок, посвященных своим произведениям искусства. По словам французского писателя Стендаля, живопись века девятнадцатого неповторима, потому как умеет изображать человеческое сердце пламенно и точно. Со словами великого мастера нельзя не согласиться – он наиболее точно описал посылы картин художников-баталистов.

Романтизм со своим живым колоритом, идеализацией и поэтичностью сцен, реализм, изображающий в простых композициях повседневную, не приукрашенную действительность, а также мрачный и депрессивный декаданс до сих пор не смогли найти подобного отклика. Но все перечисленные линии искусства вместе с расплывчатым и эмоциональным импрессионизмом – это и есть величайшее европейское наследие. В антикварном магазине «Лавка старины» есть всё, о чем только может мечтать коллекционер редких полотен: размеренные городские и динамичные морские пейзажи, красочные изображения животных и монохромные портретные картины, созданные в технике шелкография. На наших витринах размещена эксклюзивная европейская живопись, купить которую вы можете в два клика.

На искусство первой половины XIX в. оказали влияние Великая Французская революция (1789–1799 гг.), война с Наполеоном, война с Испанией. В этот период большой прогресс в науке. Основные стили: ампир, романтизм, французский реализм.

В архитектуре первой половины XIX столетия неоклассицизм пережил последний расцвет. К середине столетия основной проблемой европейского зодчества стали поиски стиля. Вследствие романтического увлечения стариной многие мастера попытались возродить традиции архитетуры прошлого - так возники неоготика, неоренессанс, необарокко. Усилия зодчих нередко приводили к эклектизму - механическому соединению элементов разных стилей, старого с новым. В архитектуре преобладает строительство фабрик, контор, жилых домов, универмагов, выставочных залов, библиотек, вокзалов, крытых рынков, банков и т. д. Банки украшаются древнегреческими портиками, универмаги - готическими стрельчатыми окнами и башнями. Фабрикам придаются облики замков.

19.1.1 Искусство Франции

Архитектура. В годы Великой Французской революции во Франции не построили ни одного долговечного сооружения. Это была эпоха временных построек, как правило, деревянных. В начале революции была разрушена Бастилия, снесены памятники королям. В 1793 г. закрыли королевские академии, в том числе академию архитектуры. Вместо них появились Национальное жюри искусств и Республиканский клуб искусств, главными задачами которых быи организация массовых праздников и оформление парижский улиц и площадей.

На площади Бастилии воздвигли павильон с надписью: «Здесь танцуют». Площадь Людовика XV была названа площадью Революции и дополнена триумфальными арками, статуями Свободы, фонтанами с эмблемами. Марсово поле стало местом народных собраний с алтарем Отечества в центре. Дом Инвалидов и его Собор превратились в храм человечности. Улицы Парижа были украшены новыми монументами.

Также в годы Французской революции была образована Комиссия художников, которая занималась благоустройством города, планировала изменения в его облике. Он сыграла существенную роль в истории архитектуры.

В искусстве наполеоновской Франции господствовал стиль ампир. Главным мероприятием Наполеона в области архитектуры стала реконструкция Парижа: предполагалось связать средневековые кварталы системой проспектов, пересекающих город по оси «восток-запад». Были построены: проспект Еисейские поля, улица Риволи, триумфальная колонна на Вандомской площади (1806–1810 гг., архитекторы Жан Батист Лепер, Жак Гондуэн), въездные ворота дворца Тюильри (1806–1807 гг., архитекторы Ш. Персье, П. Ф. Л. Фонтен), триумфальная арка Великой армии (1806–1837 гг., архитекторы Жан Франсуа Шальен и др.).

Живопись. В первой половины XIX в. французская школа живописи упрочила своё первенство в искусстве Западной Европы. Франция опередила другие европейские страны и в демократизации художественной жизни. С 1791 г. право участия в выставках луврского Салона получили любые авторы независимо от их членства в академиях. С 1793 г. открылись для широкой публики залы Лувра. Государственное академическое образование вытеснялось подготовкой в частных мастерских. Власти прибегали к более гибким методам художественной политики: распределение крупных заказов на украшение общественных зданий приобрело особенный размах.

Представители живописи французского романтизма- Давид, Энгр, Жерико, Делакруа, Гро.

Жак Луи Давид (1748–1825) - самый последовательный представитель неоклассицизма в живописи. Учился в Королевской академии живописи и скульптуры, в 1775–1779 гг. посетил Италию. В 1781 г. Давид был принят в число членов Королевской академии и получил право участвовать в её выставках - луврских Салонах. В 1792 г. Давид был избран депутатом в Конвент, высший законодательный и исполнительный орган Первой республики.

Ещё в 1776 г. была разработана правительственная программа, которая поощряла создание больших картин. Давид получил заказ на картину о подвиге трёх братьях из знатного рода Горациев - «Клятва Горациев» (1784 г.) . Действие картины разворачивается во внутреннем дворике древнеримского дома: сверху на героев картины льётся поток света, вокруг них оливково-серые сумерки. В основе всей композиции число три: три арки (в каждую из арок вписана одна или несколько фигур), три группы персонажей, три сына, тир меча, три женщины. Плавные очертания женской группы противопоставлены чеканным линиям фигур воинов.

В 1795–1799 гг. Давид вместе с учениками работал над картиной «Сабинянки, останавливающие битву между римлянами и сабинянами» . Художник вновь избрал сюжет, созвучный современности: сказание о женщинах, прекративших войну между римлянами (их мужьями) и сабинянами (их отцами и братьями), звучало в тогдашней Франции как призыв к гражданскому миру. Однако огромная, перегруженная фигурами картина вызвала у зрителей лишь насмешки.

В 1812 г. уехал в Брюссель, где жил до самой смерти. Писал портреты и произведения на античные сюжеты - «Смерть Марата» (1793 г.), «Портрет мадам Рекамье» (1800 г.) . Картина «Смерть Марата» была закончена художником меньше чем за три месяца и повешена в зале заседаний Конвента. Марат был заколот в своей квартире дворянкой по имени Шарлотта Корде. В момент гибели Марат сидел в ванне: из-за кожной болезни он был вынужден так работать и принимать посетителей. Не являются вымыслом художника и залатанные простыни, и простой деревянный ящик, заменявший стол. Однако сам Марат, тело которого было обезображено болезнью, под кистью Давида превратился в благородного атлета, подобного античному герою. Простота обстановки придаёт зрелищу особую трагическую торжественность.

В грандиозной картине «Коронование Наполеона I и императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 г.» (1807 г.) Давид создал очередной миф - блеск алтаря и великолепие одежд придворных действуют на зрителя не хуже, чем убогая мебель и старые простыни Марата.

Жан Огюст Доминик Энгр (1780–1867) был приверженцем классических идеалов, художником самобытным, чуждым всякой фальши, скуки и рутины. В 1802 г. был награждён Римской премией и получил право поехать в Италию. В 1834 г. стал директором французской академии в Риме. Достиг наивысшего мастерства в жанре портрета - «Портрет Ривьера» .

Энгр пытался передать в живописи декоративные возможности различных видов старого искусства, например выразительность силуэтов древнегреческой вазописи, - «Эдип и Сфинкс» (1808 г.) и «Юпитер и Фетида» (1811 г.) .

В монументальном полотне «Обет Людовика XIII, просящего покровительства Богоматери для Французского королевства» (1824 г.) , он подражал живописному стилю Рафаэля. Картина принесла Энгру первый крупный успех. В картине «Одалиска и рабыня» (1839 г.) выбрал композицию, близкую к «Алжирским женщинам в своих покоях» Делакруа, и решил её по-своему. Пёстрый, многокрасочный колорит полотна возник вследствие увлечения художника восточной миниатюрой. В 1856 г. Энгр закончил картину «Источник» , задуманную им ещё в 20-е гг. в Италии. В грациозном цветущем девичьем теле воплощены чистота и щедрость мира природы.

Теодор Жерико (1791–1824) - основатель революционного романтизма во французской живописи. Первая работа, выставленная в Салоне, - «Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку» («Портрет лейтенанта Р. Дьедонне», 1812 г.) . Лихой всадник на полотне не позирует, а сражается: стремительная диагональ композиции уносит его вглубь картины, в сизо-багровое пекло боя. В это время стало известно о разгроме армии Наполеона Бонапарта в России. Чувства французов, познавших горечь поражения, отразила новая картина молодого художника - «Раненый кирасир, покидающий поле боя» (1814 г.) .

В 1816–1817 гг. Жерико жил в Италии. Художника особенно увлекли скачки неосёдланных лошадей в Риме. В живописной серии «Бег свободных лошадей» (1817 г.) доступна и выразительная точность репортажа, и сдержанная героика в неоклассическом духе. В этих произведениях окончательно сформировался его индивидуальный стиль: мощные, грубоватые формы переданы большими подвижными пятнами света.

Вернувшись в Париж, художник создал картину «Плот „Медузы"» (1818– 1819 гг.) . В июле 1816 г. близ островов Зелёного Мыса корабль «Медуза» под командованием неопытного капитана, получившего должность по протекции, сел на мель. Тогда капитан и его приближённые уплыли в шлюпках, бросив на произвол судьбы плот со ста пятьюдесятью матросами и пассажирами, из которых выжило только пятнадцать человек. В картине Жерико добивался максимального правдоподобия. Два года он разыскивал людей, переживших трагедию в океане, делал зарисовки в больницах и моргах, писал этюды моря в Гавре. Плот на его картине приподнят волной, зритель сразу видит всех ютящихся на нём людей. На первом плане - фигуры умерших и обезумевших; они написаны в натуральную величину. Взгляды тех, кто ещё не отчаялся, обращены на дальний край плота, где африканец, стоя на шатком бочонке, машет красным платком команде «Аргуса». То отчаяние, то надежда наполняют души пассажиров плота «Медузы».

В 1820–1821 гг. Жерико побывал в Англии. Под влиянием работ Констебла он написал «Скачки в Эпсоме» (1821 г.) . Картина пронизана движением: кони несутся, едва касаясь земли, их фигуры слились в одну стремительную линию; подвижны низкие облака, подвижны их тени, скользящие по влажному полю. Все контуры в пейзаже размыты, краски смазаны. Жерико показал мир таким, каким его видит жокей на мчащемся галопом коне.

Эжен Деакруа (1798–1863) - французский живописец. Основой живописи Делакруа служат красочные пятна, составляющие гармоничное единство; каждое пятно помимо своего цвета включает оттенки соседних.

Первую свою картину Делакруа написал на сюжет «Божественная комедия» Данте - «Данте и Вергилий» («Ладья Данте») (1822 г.) . Делакруа создал картину «Хиосская резня» (1824 г.) под впечатлением событий освободительной революции в Греции 1821–1829 гг. В сентябре 1821 г. турецкие каратели уничтожили мирное население Хиоса. На первом плане картины фигуры обречённых хиосцев в пёстрых лохмотьях; фоном им служат тёмные силуэты вооружённых турок. Большинство пленников безучастны к своей судьбе, лишь дети тщетно умоляют родителей защитить их. Турецкий всадник, который тащит за собой девушку-гречанку, выглядит своеобразным символом порабощения. Не менее символичны и другие фигуры: обнажённый раненый грек - его кровь уходит в сухую землю, а рядом валяются сломанный кинжал и опустошённая грабителями сумка.

После событий в июле 1830 г. в Париже Делакруа создал картину «Свобода, ведущая народ (28 июля 1830 г.)» . Простому эпизоду уличных боёв художник придал вневременное, эпическое звучание. Повстанцы поднимаются на отбитую у королевских войск баррикаду, а возглавляет их сама Свобода. Критики увидели в ней «помесь торговки с древнегреческой богиней». Здесь чувствуется романтический стиль: Свобода изображена в виде богини победы, она поднимает трёхцветное знамя Французской республики; следом движется вооружённая толпа. Сейчас все они солдаты Свободы.

В 1832 г. Делакруа сопровождал дипломатическую миссию в Алжир и Марокко. По возвращении в Париж художник создал картину «Алжирские женщины в своих покоях» (1833 г.) . Фигуры женщин удивительно пластичны. Мягко очерчены золотисто-смуглые лица, плавно изогнуты руки, пёстрые наряды ярко выделяются на фоне бархатистых теней.

Антуан Гро (1771–1835) - французский живописец, портретист. Гро отказался от классических сюжетов - его привлекала современная история. Создал серию картин, посвященных египетско–сирийской экспедиции наполеоновской армии (1798–1799 гг.) - «Бонапарт, посещающий зачумленных в Яффе» (1804 г.) . Другие картины, посвященные Наполеону - «Наполеон на Аркольском мосту» (1797 г.), «Наполеон на поле битвы при Эйау» (1808 г.) . Гро в 1825 г. закончил роспись купола Пантеона в Париже, заменив изображение Наполеона фигурой Людовика XVIII.

17.3 Европейская живопись XIX в.

17.3.1 Французская живопись . Первые два десятилетия XIX в. в истории французской живописи обозначены как революционный классицизм. Его выдающимся представителем был Ж.Л. Давид (1748 – 1825), основные произведения которого были созданы им в XVIII в . Произведения XIX в . – это работы при дворного живописца Наполеона – «Наполеон на Сен - Бернарском перевале» , «Коронация» , «Леонид при Фермопилах» . Давид – также автор прекрасных портретов , таких , как портрет мадам Рекамье . Он создал большую школу учеников и предопределил черты художественного с тиля ампир.

Учеником Давида был Ж.О.Энгр (1780 – 1867), превративший классицизм в академическое искусство и долгие годы противостоявший романтикам . Энгр – автор правдивых острохарактерных портретов («Л . Ф . Бертен» , «Мадам Ривьер» и др .) и картин в стиле а кадемического классицизма («Апофеоз Гомера», «Юпитер и Фемида»).

Романтизм французской живописи первой половины XIX в – это полотна Т .Жерико (1791 – 1824) («Плот " Медузы " » и «Дерби в Эпсоме и др . » ) и Э . Делакруа (1798 – 1863), автора знаменитой картины «Свобода , ведущая народ» .

Реалистическое направление в живописи первой половины века представлено работами Г.Курбе (1819 – 1877), автора термина «реализм» и полотен «Дробильщики камней» и «Похороны в Орнане» , а также работами Ж . Ф . Милле (1814 – 1875), бытописателя крестьянской жизн и («Собирательницы колосьев», «Человек с мотыгой», «Сеятель»).

Важным явлением европейской культуры второй половины XIX в. был художественный стиль импрессионизм, получивший распространение не только в живописи, но в музыке и художественной литературе. И все-таки возник он в живописи.

Во временных искусствах действие разворачивается во времени. Живопись как бы способна запечатлеть лишь один-единственный момент времени. В отличие от кино у нее всегда один «кадр». Как же в нем передать движение? Одной из таких попыток запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости была попытка создателей направления в живописи, получившего название импрессионизм (от франц. впечатление). Это направление объединило различных художников, каждого из которых можно охарактеризовать следующим образом. Импрессионист – это художник , который передает свое непосредственное впечатление от природы , видит в ней красоту изменчивости и непостоянства , в оссоздает зрительное ощущение яркого солнечного света, игры цветных теней, пользуясь палитрой из чистых несмешанных красок, с которой изгнаны черное и серое.

В картинах таких импрессионистов, как К.Моне (1840-1926) и О.Ренуар (1841-1919), в начале 70-х годов XIX в. появляется воздушная материя, обладающая не только определенной плотностью, заполняющей пространство, но и подвижностью. Струится солнечный свет, от влажной земли поднимаются испарения. Вода, тающий снег, вспаханная земля, колышущаяся трава на лугах не имеют четких застывших очертаний. Движение, которое раньше вводилось в пейзаж как изображение перемещающихся фигур, как следствие действия природных сил – ветра , гонящего облака , колышущего деревья , теперь сменяется покоем . Но этот покой неживой м атерии – одна из форм ее движения , которая передается самой фактурой живописи – динамичными мазками разных цветов , не скованными жесткими линиями рисунка .

Новая манера живописи не сразу была принята публикой, обвинявшей художников в том, что они не умеют рисовать, бросают на холст краски, соскобленные с палитры. Так, неправдоподобными показались и зрителям, и коллегам-художникам розовые Руанские соборы Моне – лучшая из живописных серий художника («Утро» , «С первыми лучами солнца» , «Полдень» ). Художник не стремился представить на холсте собор в разное время дня – он состязался с мастерами готики поглотить зрителя созерцанием волшебных свето - цветовых эффектов . Фасад Руанского собора , как и большинство готических соборов , скрывает мистическое зрелище оживающи х от солнечного света ярких цветных витражей интерьера. Освещение внутри соборов меняется в зависимости от того, с какой стороны светит солнце, пасмурная или ясная погода. Солнечные лучи, проникая сквозь интенсивный синий, красный цвет стекла витражей, окрашиваются и ложатся цветными бликами на пол.

Одному из полотен Моне своим появлением обязано слово «импрессионизм». Это полотно действительно было крайним выражением новаторства появившегося живописного метода и называлось «Восход солнца в Гавре». Составитель каталога картин для одной из выставок предложил художнику назвать ее как-нибудь иначе, и Моне, вычеркнув «в Гавре», поставил «впечатление». И несколько лет спустя после появления его работ, писали, что Моне «вскрывает жизнь, которую до него никто не сумел уловить, о которой никто даже не догадывался». В картинах Моне стали замечать тревожный дух рождения новой эпохи. Так, в его творчестве появилась «серийность» как новый феномен живописи. И она заострила внимание на проблеме времени. Картина художника, как отмечалось, выхватывает из жизни один «кадр», со всей его неполнотой и незаконченностью. И это дало толчок к развитию серии как последовательно сменяющих друг друга кадров. Помимо «Руанских соборов» Моне создает серию «Вокзал Сен-Лазар», в которой картины взаимосвязаны и дополняют друг друга. Однако соединить «кадры» жизни в единую ленту впечатлений в живописи было невозможно. Это стало задачей кинематографа. Историки кинематографа полагают, что причиной его возникновения и широкого распространения были не только технические открытия, но и назревшая художественная потребность в движущемся изображении. И картины импрессионистов, в частности Моне, стали симптомом этой потребности. Известно, что одним из сюжетов первого сеанса кино в истории, устроенного братьями Люмьер в 1895 г., было «Прибытие поезда». Паровозы, вокзал, рельсы и были сюжетом серии из семи картин «Вокзал Сен-Лазар» Моне, выставленных в 1877 г.

Выдающимся художником-импрессионистом был О.Ренуар. К его произведениям («Цветы», «Молодой человек на прогулке с собаками в лесу Фонтенбло», «Ваза с цветами», «Купание на Сене», «Лиза с зонтиком», «Дама в лодке», «Всадники в Булонском лесу», «Бал в Ле Мулен де ла Галетт», «Портрет Жанны Самари» и многие другие) вполне применимы слова французского художника Э. Делакруа «Первое дос тоинство всякой картины – быть праздни ко м для глаз». Имя Ренуара – синоним красоты и молодости , той поры человеческой жизни , когда душевная свежесть и расцвет физических сил пребывают в полной гармонии . Живя в эпоху острых социальных конфликтов , он оставил их за пределами своих полотен , сосредот очившись на прекрасных и светлых сторонах человеческого бытия. И в этой своей позиции он был не одинок среди художников. Еще за двести лет до него великий фламандский художник Питер Пауль Рубенс писал картины огромного жизнеутверждающего начала («Персей и Андромеда»). Такие картины дают человеку надежду. Всякий человек имеет право на счастье, а главный смысл ренуаровского искусства в том и состоит, что каждый его образ утверждает незыблемость этого права.

В конце XIX столетия в европейской живописи сформировался постимпрессионизм. Его представители – П . Сезанн (1839 – 1906), В . Ван Гог (1853 – 1890), П . Гоген (1848 – 1903), восприняв от импрессионистов чистоту цвета , занимались поисками постоянных начал бытия, обобщающих живописных методов, философских и символических аспектов творчества. Картины Сезанна – это портреты («Курильщик» ), пейзажи («Берега Марны» ), натюрморты («Натюрморт с корзиной фруктов» ).

Картины Ван Гога – «Хижины» , «Овер после дождя» , «Прогулка заключенных» .

Гогену присущи черты мировоззренческого романтизма. В последние годы своей жизни плененный жизнью полинезийских племен, сохранивших, по его мнению, первобытную чистоту и цельность, он уезжает на острова Полинезии, где создает несколько картин, основой которых была примитивизация формы, стремление приблизиться к художественным традициям туземцев («Женщина, держащая плод», «Таитянская пастораль», «Чудесный источник»).

Замечательным скульптором XIX в. был О.Роден (1840 – 1917), сочетавший в своем творчестве импрессионистский романтизм и экспрессионизм с реалистическими поисками . Жизненность образов , драматизм , выраженность напряженной внутренней жиз ни , продолжающиеся во времени и простран стве жесты (что дела ет возможным переложение этой скульптуры на музыку и балет), улавливание нестабильности мгновения – все это вместе создает по существу романтический образ и целиком импрессионистское видение . Стремление к глубоким философским обобщениям («Бронзовый век» , « Граждане Кале», скульптура, посвященная герою Столетней войны, пожертвовавшему собой ради спасения осажденного города, работы для «Врат ада», в том числе «Мыслитель») и стремление показать моменты абсолютной красоты и счастья («Вечная весна», «Па-де-де») – основные черты творчества этого художника.

17.3.2 Английская живопись. Изобразительное искусство Англии первой половины XIX в. – это пейзажная живопись , яркими представителями которой были Дж . Констеб ль (1776 – 1837), английский предшественник импрессионистов («Телега для сена , переезжающая брод» и «Ржаное поле» ) и У . Тернер (1775 – 1851), картины которого , такие , как «Дождь , пар и скорость» , «Кораблекрушение» , отличает пристрастие к красочной фантасма гории.

Во второй половине века создавал свои произведения Ф.М.Браун (1821 – 1893), которого справедливо считали «Гольбейном XIX века» . Браун известен своими историческими произведениями («Чосер при дворе Эдуарда III » и «Лир и Корделия» ), а также картинами на акт уальные бытовые темы («Последний взгляд на Англию», «Труд»).

Творческое объединение «Прерафаэлитское братство» («прерафаэлиты») возникло в 1848 г. Хотя объединяющим стержнем и было увлечение произведениями художников раннего Возрождения (до Рафаэля), но у каждого члена этого братства была своя тематика и свое художественное кредо. Теоретиком братства был английский культуролог и эстетик Дж. Рёскин, изложивший концепцию романтизма применительно к условиям Англии середины века.

Рёскин, связывая в своих произведениях искусство с общим уровнем культуры страны, усматривая в искусстве проявление моральных, экономических и социальных факторов, стремился убедить англичан, что предпосылками красоты являются скромность, справедливость, честность, чистота и непритязательность.

Прерафаэлиты создавали картины на религиозные и литературные сюжеты, художественно оформляли книги и развивали декоративное искусство, стремились возродить принципы средневековых ремесел. Понимая опасную для декоративного искусства тенденцию – его обезличивание машинным производством , английский художник , поэт и общественный деятель У . Моррис (1834 – 1896) организовал художественно - промышленные мастерские по изготовлению шпалер , тканей , витражей и других предметов быта , рисунки для которых ис полнял он сам и художники-прерафаэлиты.

17.3.3 Испанская живопись. Гойя . Творчество Франсиско Гойя (1746 – 1828) принадлежит двум векам – XVIII и XIX. Оно имело большое значение для формирования европейского романтизма . Творческое нас ледие художника богато и многообразно: живопись, портреты, графика, фрески, гравюры, офорты.

Гойя использует самые демократичные темы (разбойники, контрабандисты, нищие, участники уличных драк и игр – персонажи его картин ). Получив в 1789 г . звание придв орного художника, Гойя исполняет огромное количество портретов: короля, королевы, придворных («Семья короля Карла IV »). Ухудшившееся здоровье художника послужило причиной смены тематики произведений. Так, картины, отличающиеся весельем и причудливой фантазией («Карнавал», «Игра в жмурки»), сменяются полными трагизма полотнами («Трибунал инквизиции», «Дом сумасшедших»). А за ними следуют 80 офортов «Каприччос», над которыми художник трудился свыше пяти лет. Смысл многих из них и по сей день остается неясен, другие же трактовались в соответствии с идеологическими требованиями своего времени.

Символическим, аллегорическим языком Гойя рисует ужасающую картину страны рубежа столетий: невежество, суеверия, ограниченность людей, насилие, мракобесие, зло. Офорт «Сон разума рождает чудовищ» – страшные чудовища окружают спящего человека , летучие мыши , совы и прочая нечисть . Сам художник дает следующее объяснение своим работам : « Убежденный в том , что критика человеческих пороков и заблуждений , хотя и представляется поприщем ораторского искусства и поэзии, может также быть предметом живого описания, художник избрал для своего произведения из множества сумасбродства и нелепостей, свойственных любому гражданскому обществу, а также из простонародных предрассудков и суеверий, узаконенных обычаем, невежеством или своекорыстием, те, которые он счел особенно подходящими для осмеяния и в то же время для упражнения своей фантазии».

17.3.4 Модерн – завершающий стиль европейской живописи XIX в . Самыми известными работами, созданными в европейской живописи XIX в. в стиле модерн, были работы английского художника О. Бёрдсли (1872 – 1898). Он иллюстрировал работы О . Уайльда («Саломея» ), создавал элегантные графические фантазии , зачаровавшие целое поколение европейцев . Только черное и белое были инструментами ег о труда: лист белой бумаги и флакон черной туши и техника, похожая на тончайшее кружево («Таинственный розовый сад», 1895). В иллюстрациях Бёрдсли сказывается влияние японской гравюры и французского рококо, а также декоративного маньеризма ар-нуво.

Стиль арнуво, возникший около 1890 – 1910 гг ., характеризуется наличием извилистых линий , напоминающих завитки волос , стилизованные цветы и растения , языки пламени . Стиль этот был широко распространен и в живописи и в архитектуре . Это иллюстрации англичанина Бё рдсли, плакаты и афиши чеха А. Мухи, картины австрийца Г. Климта, светильники и изделия из металла Тиффани, архитектура испанца А. Гауди.

Другое выдающееся явление модерна конца века – норвежский художник Э . Мунк (1863 – 1944). Знаменитая картина Мунка « Крик» (1893) – составная часть его фундаментального цикла «Фриз жизни» , над которым художник работал долгие годы . Впоследствии работу «Крик» Мунк повторил в литографии . Картина «Крик» передает состояние крайнего эмоционального напряжения человека , она олиц етворяет отчаяние одинокого человека и его крик о помощи, которую никто не может оказать.

Самый крупный художник Финляндии А. Гален-Каллела (1865 – 1931) в стиле модерн иллюстрировал эпос «Калевалы» . На языке эмпирической действительности нельзя поведать о легендарном старце – кузнеце Ильмаринене , который выковал небо , сколотил небосвод , сковал из огня орла ; о матери Лемминкяйнена , воскресившей своего убитого сына ; о песнопевце Вяйнямейнене , который «напевал златую елку» , Галлел - Каллела сумел передать нар одную мощь древних карельских рун на языке модерна.