Собираетесь в путешествие, командировку или тур выходного дня? Почему бы, наконец-то, не увидеть одну из списка самых мистических картин мира?! Это полотна, за которыми тянется целый шлейф легенд, фатальных случаев и будоражащих воображение историй.

«Водяные лилии»

Художник: Клод Моне

Где увидеть: находится в частной коллекции коллекционера из США, который купил ее на аукционе в 2015 году за рекордные 54,01 миллиона долларов. До этого она 70 лет не выставлялась.

Эта картина прославилась тем, что ее преследуют пожары. Первый случился в доме ее творца – Клода Моне, вскоре после того, как он ее закончил рисовать. Мастерская Моне сгорела почти полностью. Удалось спасти лишь несколько картин, среди которых была «Водяные лилии». Вскоре полотно купили хозяева кабаре на Монмартре. Но не прошло и месяца… Заведение сгорело дотла. В доме французского мецената Оскара Шмитца «лилии» жилы около года, а потом он сгорел. Картина каким-то образом уцелела, хотя очаг загорания находился в рабочем кабинете, где она висела. Нью-Йоркский музей искусств она «испепелила» через четыре месяца, и сама очень пострадала во время пожара. Картину восстановили. Сообщений о пожаре во владениях ее нынешних владельцев пока не было. Хотя, как знать, имя ее владельца официально неизвестно.

«Крик»

Художник: Эдвард Мунк

Где увидеть: Национальная галерея (Осло, Норвегия)

Мунк создал серию картин «Крик». Каждая из них – одно из самых узнаваемых полотен в истории мирового искусства. На картине – безволосое ужасное существо, на фоне кровавого неба. Считается, что «Крик» Мунка вызывает у людей, которые ее долгое время наблюдают, депрессию и психические расстройства. Не удивительно, если учесть, что Мунк сам страдал от маниакально-депрессивного психоза, и он вылился из него в серию картин «Крик».

По легенде, жизнь музейного служащего, который уронил полотно, стала адом из-за внезапно возникших головных болей. Он, якобы, покончил с собой. И это только два события из череды фатальных, связанных с «Криком».

«Венера с зеркалом»

Художник: Диего Веласкес

Где увидеть: Национальная галерея (Лондон, Великобритания)

Известна благодаря тому, что разоряет своих собственников. Поэтому полотно долгое время переходило из рук в руки, и однажды его за бесценок продали в музей. Некоторое время «Венера с зеркалом» была в разных частных коллекциях, но ее плохая репутация не позволила прижиться, ни в чьих шикарных апартаментах.

«Демон поверженный»

Художник: Михаил Врубель

Где увидеть: Государственная Третьяковская галерея (Москва, Россия)

Работа над полотном – трагедия жизни Врубеля. Она очень пошатнула его психику. Художник работал над ней в состоянии маниакального возбуждения, у него были галлюцинации, он представлял себя и Пушкиным, и Христом... Снившийся ему демон «требовал», чтобы Врубель нарек полотно иконой и люди поклонялись ему. Даже когда «Демон поверженный» отправилась на выставку, художник как одержимый поехал за ней, и наносил последние штрихи в выставочном зале, ни на кого не обращая внимания.

«Женщина дождя»

Художник: Светлана Телец

Где увидеть: после всех продаж возвращается к художнице в Винницу (Украина)

Эта картина более 10 лет кочует по частным коллекциям, но постоянно возвращается к своему творцу. Ни у кого не получается сжиться с «Женщиной дождя». Возвращая полотно, люди рассказывают, как плохо оно влияет на их психическое состояние, снится им, вызывает чувство, что за ними все время кто-то наблюдает. Интересно, что сама Светлана Телец работала над ней со странными чувствами – у нее были видения, некоторое время полотно, по ее словам, «не подпускало» ее к себе.

«Плачущий мальчик»

Художник: Джованни Браголина

Каждое художественное произведение несет в себе некий посыл автора, передает его внутренний мир и характер.

Картины не являются исключением, часто они наделены энергетикой творца, нарисовавшего их, что бывает приводит ко всяким таинственным и мистическим событиям . А иногда автор специально пытается зашифровывать какие-нибудь загадки и головоломки в своем произведении, некоторые до сих пор не разгаданы.

Это, пожалуй, наиболее известное и самое загадочноя полотно на сегодняшний день. Миллионы людей ежегодно посещают Лувр, чтобы посмотреть на знаменитую «Джоконду» Леонардо да Винчи. Что же такого таинственного таит в себе ее улыбка?

До сих пор ведутся споры, кто же изображен на портрете. Версий множество, это и жена торговца шелком Франческо дель Джокондо, и мать Леонардо, и его ученик натурщик Салаи, и даже автопортрет самого мастера да Винчи.

Кроме того в самой картине зашифровано несколько тайных знаков. Не так давно, с помощью сильнейшего микроскопа удалось обнаружить крошечные буквы и цифры в глазах Моны Лизы. Так же различные цифровые знаки находятся и в других фрагментах произведения.

Картина с двойным дном, точнее лицом. В 60-х годах с помощью рентгена ее просветили и увидели, что сразу после написания выглядела она по другому. Изначально лицо Данаи было лицом супруги Рембрандта Саскии, которая была и его музой. После ее смерти художник под давлением своей любовницы изменил облик на полотне , добавив ее черты.

Примечательно, что творил свое детище мастер 11 лет, и почти столько же длилась ее реставрация, после того, как в 1985 году полотно облили кислотой и порезали ножом .

А в основе произведения лежит миф про Данаю, заточенной своим отцом Акрисием, который боялся пророчества. Оно гласило, что он погибнет от руки собственного внука . Правитель Олимпа Зевс, очарованный красотой девушки проник в заточение в виде золотого дождя. От него и родился Персей, который впоследствии исполнил предание и убил своего деда.

За некоторыми картинами тянется шлейф несчастий и загадочных событий. Не избежала этого и картина Володимира Боровиковского. В XIX в. недобрые слухи ходили об этом портрете. А все потому, что изображенная на ней дочь отставного генерала Ивана Толстого графиня Мария Лопухина скончалась вскоре после написания картины . В салонах тогдашних сплетников шептались, что в картине заточен дух умершей графини, который забирает души девушек , смотрящих на нее. Что не менее десятка молодых дворянок на выданье стали жертвами злополучного полотна.

В 1880 году меценат Третьяков купил портрет Лопухиной для своей галереи, где он и находится по сей день. Смерти и слухи прекратились . Толи дух успокоился, толи дворянского сословия поубавилось.

2005 г.) речь шла о произведениях, в которых кроме основного сюжета присутствует еще один - скрытый. Он проявляется, когда приближаешься к картине, удаляешься от нее или смотришь под определенным углом. Теперь вы узнаете о самых правдивых картинах, которые тем не менее называются "обманками", о призрачных силуэтах, "двоевзорах", "троевзорах", а также о редком виде икон.

Г. Теплов. Натюрморт-обманка. 1737 год. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

П. Дрождин. "Портрет художника А. П. Антропова с сыном перед портретом жены". 1776 год. Русский музей, Санкт-Петербург.

Р. Магритт. "Удел человеческий". 1933 год. Национальная художественная галерея, Вашингтон.

Неизвестный художник. "Лилии Франции" (шесть силуэтов семьи Бурбонов). 1815 год.

О. Каню. "Капрал фиалок (силуэты Бонапарта, его жены и сына)". 1815 год. В названии картины содержится напоминание о том, что Наполеон начинал воинскую службу в чине капрала.

С. Дель-Прете. "Тайна между осенними листьями". 1991 год. Галерея в Берне, Швейцария.

В. Брегеда. "Пророчество". 1994 год.

Н. Замятина. "Сны о Греции". 2004 год.

Слова-"двоевзоры": акулы - жулье, журчи - не урчи, мир - МГУ, прочен - точен. Авторы - Ольга и Сергей Федины.

Почтовая открытка. "Моя жена и моя теща". Начало ХХ века. Россия.

Я. Ботвиник. "Мой муж и мой тесть". Первая половина ХХ века. США.

Г. Фишер. "Мама, папа и дочь". 1968 год. США.

С. Орлов. "Роза для двоих". 2004 год. Москва.

С. Дали. "Исчезающий бюст Вольтера". 1940 год. Музей Дали, С.-Петербург, США.

Две картины Сальвадора Дали: слева - "Голова женщины в виде битвы". 1936 год; справа - "Испания". 1938 год.

В. Коваль. "Kovalland (автопортрет художника)". 1994 год.

Тройственная икона "Деисусный чин". XIX век. Россия.

Наука и жизнь // Иллюстрации

Икона с ликами Иисуса и Марии Магдалены. Первая половина XVII века. Мелхейм, Германия.

Портрет Александра III с женой и сыном. Конец XIX века. Церковный музей при храме Святителя Митрофана Воронежского, Москва.

Габриель фон Макс. "Платок святой Вероники" . 1870-е годы. Германия.

"Спас Нерукотворный ". Фотография 1970-х годов с картины неизвестного художника, Россия.

ПРАВДИВЫЕ ОБМАНКИ

Поспорили два художника - Зевксис и Паррасий: кто из них лучше. Зевксис нарисовал виноградную гроздь и поставил картину возле открытого окна. Пролетавшие мимо птицы увидели виноград, сели и попытались клевать нарисованные ягоды. Пришла очередь Паррасия. "Ну и где твоя работа?" - "Там, за занавеской". Зевксис подошел к занавеске и попытался ее отдернуть. А она оказалась нарисованной. Легенда родилась в Древней Греции, примерно за 500 лет до нашей эры.

Она более правдива, чем может показаться на первый взгляд. Дело в том, что многие птицы не обладают стереоскопическим зрением, поскольку глаза у них расположены по обе стороны головы. То, что видит один глаз, не видит другой. Из-за отсутствия общего поля обзора мозг не может сформировать объемное изображение. И опытные охотники знают, что примитивная, не раскрашенная модель уточки привлекает летящего селезня не хуже живой подсадной птицы.

Для нас в греческой легенде важно то, что картина обманула не птиц, а глаз мастера-живописца. У русского художника XIX века Федора Толстого есть картины, перекликающиеся с сюжетом древнегреческой легенды. На одной из них - натюрморт, "прикрытый" листом кальки. Один ее угол загнут. И эта часть натюрморта выглядит столь достоверной, что невольно испытываешь желание сдвинуть кальку ниже, чтобы увидеть изображение полностью. Картины этого типа получили название "обманки", хотя речь идет едва ли не о самом правдивом из всех жанров живописи.

Появление такого рода картин стало возможным только после изобретения перспективы, светотеней и… масляных красок. Рецепты их приготовления встречаются еще в книгах XIII века. Но лишь в начале XV века голландский художник Ян ван Эйк (1390-1441) настолько улучшил технологию приготовления красок, что его нередко называют изобретателем техники живописи маслом. Он первым по-новому применил ее, накладывая тонкие прозрачные слои красок один поверх другого, достигая исключительной глубины и богатства цвета, а также тонкости светотеневых и цветовых переходов. После Яна вана Эйка художники получили возможность добиваться такого изображения, которое нетрудно было спутать с оригиналом.

Родоначальник жанра обманок в России - Григорий Теплов, художник, поэт, музыкант, философ, государственный деятель XVIII века. Одна из его работ - на предыдущей странице. Жаль, что репродукции обманок в журналах и книгах неспособны передать ощущение, которое появляется при взгляде на оригинал. Кстати, поэтому обманки редко увидишь в книгах по искусству. В значительной степени это объясняется разницей в размерах картины и ее печатной репродукции, а также тем, что нужный эффект обычно возникает в зависимости от расстояния между изображением и зрителем.

Существует еще один вид обманок. В Русском музее в Петербурге, например, есть картина Петра Дрождина, художника XVIII века. На ней автор изобразил семью своего учителя художника Антропова. Присмотревшись, замечаешь, что отец и сын стоят рядом не с женой и матерью, а с ее портретом. Край мольберта, сначала казавшийся светлым проемом в стене, отделяет стоящих от изображения.

Бельгийский художник XX века Рене Магритт тоже использовал прием с "мольбертами". Края их почти не видны, и рисунки незаметно переходят в основной сюжет картины, сливаясь с ним. На одном пейзаже - лес, начинаясь за окном, продолжается на нарисованном мольберте, на другом - море с мольберта перетекает в "реальное" море.

Магритт - мастер картин-парадоксов. На одном холсте он соединял предметы и явления, несовместимые в жизни; например, дневное небо и дом, погруженный в ночную тьму, или человек, смотрящий в зеркало перед собой, видит в нем лишь собственный затылок. Принцип парадоксальности он использовал и в названиях полотен. Когда, по собственному признанию художника, ему не хватало фантазии, он собирал друзей и просил помочь в поиске названия. Пейзаж с мольбертом, например, носит название "Удел человеческий".

ПРИЗРАЧНЫЕ СИЛУЭТЫ

Существует особый прием для создания скрытого изображения: когда художники используют контуры нарисованных предметов. Впервые картины со "спрятанными силуэтами" появились, видимо, в средневековой Франции. Главными их героями стали, разумеется, короли. О том, что лилия - символ династии Бурбонов, нам хорошо известно уже хотя бы по костюмам главных героев из кинофильмов, снятых по роману Александра Дюма "Три мушкетера". Двести лет назад, рисуя букеты королевских лилий, художники превращали изгибы стеблей, контуры листьев и лепестки в человеческие лица. Когда угадываешь секрет, букет превращается в портрет королевской семьи. После того как династию Бурбонов свергли, художники стали рисовать императора Наполеона с женой и сыном. Но Джозефина любила фиалки, поэтому они пришли на смену лилиям.

За прошедшие столетия художники, конечно, расширили тематику подобных работ. Один из примеров - картина, на которой вы сначала видите несколько сухих листьев, летящих в воздухе. А еще на холсте нарисован клочок бумаги с надписью на французском: "Сновидение, уносимое ветром и временем". Обычно художники не пишут на лицевой стороне картины ее названия. Здесь в левом нижнем углу холста написано по-немецки: "Тайна между осенними листьями". Это не только название картины, но и ключ, раскрывающий замысел художника - Сандро Дель-Прете. Его имя сегодня известно во всем мире. А начинал он как любитель (сообщаю это специально для участников конкурса загадочных картин). В молодости Дель-Прете учился рисованию всего шесть месяцев, до 44 лет не считал себя профессиональным художником и работал в страховой компании в родном швейцарском городе Берн, где живет до сих пор.

На картине художника из Таганрога Виктора Брегеды, которого тоже привлек этот прием, коленопреклоненные фигуры склонились в молитве на фоне пустынного горного пейзажа. Это лишь часть сюжета, которую видишь сразу, но название - "Пророчество" - подсказывает, что главное содержание не столь очевидно и еще не раскрыто. Невидимые в первый момент, на картине присутствуют те, перед кем склонились паломники: Бог-отец, Бог-сын и крылатый всадник - ангел, спустившийся с небес.

Картина москвички Натальи Замятиной "Сны о Греции" выглядит как обычный натюрморт с фарфоровой вазой и фруктами. Кажется, что название не вполне соответствует изображению. Но присмотритесь внимательно к драпировке. Что прячут (или выявляют) складки ткани и контуры вазы?

ДВОЕВЗОРЫ

Термин, давший название разделу статьи, придумал писатель и автор многих публикаций в журнале "Наука и жизнь" Сергей Федин. Двоевзорами он назвал тексты, которые можно читать двумя способами. Возьмем для примера слово "акулы". Первые две буквы "ак" можно написать и как одну букву "ж". А "ы" легко изобразить похожей на "ье". Оставим без изменений буквы в середине и получим слово, которое легко прочитать двумя способами: "акулы" и "жулье". Несколько примеров подобных надписей здесь приводятся.

Слово "двоевзоры" соответствует английскому "ambigram" - двойственный. О словесных двоевзорах здесь рассказано потому, что на их примере легче уяснить восприятие двойственных изображений и в живописи.

Что мы ищем, двигаясь взглядом по линиям двоевзора? Какую-нибудь знакомую букву. В картинах происходит то же самое. Мозг ищет знакомые образы, уже имеющиеся в памяти, которая совершенно непохожа на хранилище фотографических снимков. Память - своего рода "шифратор", улавливающий свойства изображения, например наличие прямых и изогнутых участков линий, границ смены яркости, цвета и тому подобное.

Разглядывая двоевзоры более пристально, мы находим буквы, которые не заметили первоначально, и складываем из них второе слово. То же самое происходит и со скрытым изображением.

Пока еще никто не придумал слово "трое-взоры", то есть изображение трех слов разных значений в одной записи. Если вам это удастся, обязательно пришлите свое произведение на конкурс загадочных картин. А вот живописные троевзоры уже созданы, и о них мы сейчас расскажем.

ДВУЛИКАЯ И ТРЕХЛИКАЯ ЖИВОПИСЬ

В предыдущем номере журнала в статье "Невидимое-видимое" вы встречали изображение женской головки, которая выглядит то молодой, то старой в зависимости от положения картины. Теперь познакомимся с портретом, который не нужно переворачивать. На вопрос: "Молодая или старая женщина на нем изображена?" - разные люди дают противоположные ответы. Одни говорят - девушка, другие - старуха. Картинка давно стала классической. Но тем, кто видит ее впервые, каждый раз приходится объяснять, как разглядеть второе изображение: "Глаз дамы - это ушко девушки, а нос - овал молодого лица". Как утверждают физиологи, зритель, рассматривая портрет, наибольшее внимание уделяет глазам и носу. Поэтому первое впечатление обычно зависит от того, на какую часть картины упал ваш взгляд в первое мгновение. После небольшой тренировки можно научиться заказывать себе, кого вы хотите увидеть.

По числу публикаций в книгах и журналах сюжет с молодой и старой женщиной далеко опережает все остальные иллюзионные картинки. Автором ее иногда называют американского карикатуриста У. Хилла, опубликовавшего работу в 1915 году в журнале "Пак" (в переводе на русский "Puck" - эльф, сказочный дух). Иногда изображение приписывают психиатру Е. Борингу, который использовал портрет в 1930-х годах как иллюстрацию к своим работам. В ученой среде "Двух дам" и сегодня называют "Boring figure". На самом деле еще в первые годы XX века в России выпустили в обращение открытку с такой же картинкой и надписью: "Моя жена и моя теща". Прототипом для нее послужила немецкая почтовая карточка 1880 года (автор неизвестен).

Картинка с двумя дамами регулярно воспроизводится в книгах по психологии. Но до сих пор во многом остается неизвестным, как ум человека воспринимает двойственные изображения. Художники всего лишь продолжают развивать уже известный прием. В первой половине XX века появился аналогичный портрет пожилого и молодого мужчины. Затем, в 1968 году, художник Г. Фишер сделал новую прическу обеим дамам и получил третье действующее лицо. Практически он добавил всего один элемент, и картина стала называться "Мама, папа и дочь". Женские волосы превратились в профиль мужчины, благодаря чему на портрете оказались три человека.

На современной картине московского художника Сергея Орлова (см. стр. 132) присутствуют не только два разных лица, но и две женские фигуры, принадлежащие одновременно и девушке и старухе. Пожилая леди смотрит на цветок, который она держит в руке. Молодая - сидит к нам спиной, поправляя прическу и повернув голову влево.

Работы Сергея Орлова, Виктора Брегеды и других художников, работающих в этой манере, можно увидеть в Интернете. Существует специальный проект "Двойственности" http://hiero.ru/project/Dubl сайта "Иероглиф", где авторы выставляют работы для обсуждения.

Ни одна книга об иллюзорных картинах не обходится без рассказа о творчестве испанца Сальвадора Дали. Через 300 лет после Арчимбольдо он возродил направление иллюзорных картин.

На первой картине зритель видит двух богато одетых женщин. Человек в чалме вводит их в галерею. Эту сцену художник преобразует во второй сюжет. Из арки галереи формируется контур человеческой головы - изображение скульп-турного портрета французско го философа Вольтера работы Гудона.

Сюжет с Вольтером встречается в работах Дали неоднократно. Дважды он использовал и сюжет картины "Голова женщины в виде битвы" (вверху слева), где фигуры скачущих всадников и мечущихся по желтому полю людей складываются в лицо женщины. Но затем "Голова женщины в виде битвы" вошла как деталь другого полотна: "Испания". Факт этот свидетельствует о том, как трудно найти новое, оригинальное решение для двуликой картины.

Если бы я стал устроителем выставки лучших двойственных картин, то по соседству с работами Дали разместил бы картины современного волгоградского художника Владислава Коваля. И непременно - "Сталинградскую мадонну", в которой образ женщины с младенцем на руках сплетен из ветвей березы. В полотне "Списание на берег" виднеющиеся на горизонте далекие прибрежные утесы превращаются в одинокую, поникшую фигуру моряка. В картине "Икар" ее герой виден то летящим, то павшим. На следующем полотне замерзающий, закутанный в плащ-палатку солдат превращается в мадонну с ребенком. В работе "Пирамида" В. Коваль впервые в истории искусства соединил несколько двойственных изображений в целостное художественное произведение. Причем использовал почти все живописные приемы, о которых я рассказал. Тут и построение новых образов из деталей пейзажа, и картины, содержание которых зависит от угла зрения или расстояния. Сегодня Коваль - один из самых известных художников России. У его известности любопытное начало. Во время учебы в Москве он посылал письма родным в Волгоград и на конвертах марки не наклеивал, а рисовал. Все отправленные письма дошли до адресатов без доплаты. Когда министерство печати объявило конкурс среди художников, студент Владислав Коваль принес организаторам пачку конвертов. И стал победителем, самым молодым среди участников.

НЕОБЫЧНЫЕ ИКОНЫ

Примеры загадочных картин встречаются даже в таком строгом и каноническом виде искусства, как иконы. В Музей древнерусского искусства в Москве однажды принесли икону "Иисус в темнице". На лицевой ее части изображен Иисус с оковами на ногах, а вокруг - орудия Страстей, то есть пыток. Возле каждого указано название. Исходя из особенностей написания слов, искусствоведы определили, что автор старообрядец. Необычность иконы состояла в том, что изображение пересекали узкие вертикальные полоски. Было высказано предположение, что это следы от решетки, закрывавшей когда-то образ Христа. Однако разгадка темных полос оказалась гораздо интереснее, и принадлежит она руководителю иконописной мастерской "Канон", искусствоведу и художнику Александру Ренжину.

Оказывается, икона когда-то содержала не одно, а три изображения. Полосы - не что иное, как следы от вертикальных пластинок, которые крепились к раме (окладу) иконы. Они вплотную прилегали к ее поверхности и поэтому оставили следы. На обеих сторонах каждой пластинки были нарисованы (принято говорить - написаны) части еще двух икон. Стоя напротив иконы, вы могли видеть один образ, передвинувшись влево - другой, вправо - третий. Пластины иконы были утрачены, но Ренжину удалось найти точно такую же целую икону. Выяснилось, что на 12 пластинках с двух сторон написаны части образов Богоматери и Иоанна Предтечи. Когда смотришь на икону сбоку, части изображения складываются в единое целое.

В запасниках Музея истории религий в Санкт-Петербурге хранятся иконы подобного типа, но с другим сюжетом. На одной из них на переднем плане - голубь, символ Святого Духа. Но стоит отойти вправо, как появится образ Бога-отца, влево - лик Бога-сына. Современному зрителю, избалованному световыми эффектами, трудно представить силу впечатления тройственных икон на верующих прошлых веков, да еще в сумерках церкви, освещенной лишь свечами. Кроме того, в XX веке подобный прием использовали в рекламе, и поэтому он утратил свою необычность.

Существуют иконы, поверхность которых не плоская, а профильная, с вертикальными канавками треугольного сечения. На одной стороне каждой канавки написан образ, видный слева, а на другой - видный справа. Когда смотришь спереди, то видишь "смесь" двух изображений. Поэтому в церкви перед такой иконой ставили большой подсвечник, чтобы ее было видно только с двух боковых сторон.

При храме святителя Митрофана Воронежского в Москве на 2-й Хуторской улице есть церковный музей. Там среди других интересных экспонатов можно увидеть тройственное изображение. Это не икона, а портрет царской семьи. Стоя напротив портрета, вы видите императора Александра III. Отойдете вправо - возникает образ императрицы Марии Федоровны. Зрители, стоящие слева, видят юного наследника, будущего императора Николая II. Любопытная особенность изображения помогла установить время его создания. На правом виске Николая видно кровавое пятно. Это след японского меча. В 1890-1891 годах наследник совершил кругосветное путешествие, и в Японии на него было совершено покушение. Японский полицейский ударил Николая мечом, но юный наследник отклонился и получил лишь незначительное ранение. Второй раз нападавший ударить не успел, его сбили с ног, но не хозяева, принимавшие высокого гостя, а сопровождавший Николая греческий королевич Георг.

ЛЕГЕНДА О СВЯТОЙ ВЕРОНИКЕ

В 1879 году в Петербурге проходила выставка немецких художников. Один из них, Габриель фон Макс, представил картину "Платок Святой Вероники" с изображением прибитого гвоздями к стене куска грубого холста с лицом Христа в центре. Необычность картины состояла в том, что зрители могли видеть глаза Спасителя то закрытыми, то открытыми. Газеты того времени писали, что устроителям пришлось поставить стулья в зале, так как некоторые дамы падали в обморок, восклицая: "Смотрит! Смотрит!"

Разумеется, загадочная картина привлекла внимание столичных художников, которые пытались разгадать секрет, а художник Иван Крамской написал о ней статью для журнала "Новое время", где раскрыл прием, с помощью которого немецкий автор добивался нужного эффекта.

Легенда о святой Веронике распространилась по Европе в Средние века. Позже она стала официальным церковным Преданием, то есть была признана такой же истинной, как записанные в Евангелии. Когда Иисуса Христа вели на гору Голгофу, чтобы там распять, некая сердобольная женщина по имени Вероника платком отерла с его лица пот, застилавший глаза. При этом на платке чудесным образом отпечатался лик Спасителя в терновом венце. Предание легло в основу православной иконы "Спас Нерукотворный". Нам, неспециалистам, проще всего узнать эту икону по изображению платка, на котором написан лик Иисуса, хотя сам платок (чаще говорят "плат") рисуют по-разному и достаточно условно. У западных христиан подобное изображение называется "Платок святой Вероники".

От знатока русского искусства священника Валентина Дронова услышал я историю, которую привожу здесь дословно: "Два или три раза в жизни приходилось мне видеть икону "Спас Нерукотворный", являвшую чудесное свойство. Глаза Иисуса на ней казались то открытыми, то закрытыми. Это зависело от душевного состояния молящегося. Если он был спокоен - Спаситель как будто спал. Если же находился в волнении - глаза открывались". Дома у отца Валентина хранилась фотография этого изображения, которая здесь приводится.

Мне пока не удалось найти что-либо подобное в наших музеях. В путеводителе по Вифлеему - городу, где, по преданию, родился Христос, сказано, что одна из фресок на колонне в храме Рождества обладает таким же свойством: "лик на иконе открывает и закрывает очи".

Икона, о которой рассказано, встречается очень редко, поэтому важны любые свидетельства людей, видевших или хотя бы слышавших о подобных изображениях. Просим читателей обязательно сообщить об этом в редакцию журнала.

Какие-то произведения искусства словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Какие-то - затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а некоторые - удивляют непомерной ценой.

Живопись, если не брать в расчет реалистов , всегда была, есть и будет странной. Метафоричной, ищущей новые формы и средства выражения. Но некоторые странные картины страннее других.

Понятно, что "странность" - это довольно субъективное понятие , и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства.

Мы намеренно не включили в эту подборку Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум.

1. Эдвард Мунк «Крик»

1893, картон, масло, темпера, пастель. 91х73,5 см

Национальная галерея, Осло

«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.

«Я шёл по тропинке с двумя друзьями - солнце садилось - неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор - я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фиордом и городом - мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

Существуют две трактовки изображенного : это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал 4 версии «Крика», и есть версия, что картина эта - плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

2. Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?»

1897-1898, холст, масло. 139,1х374,6 см

Музей изящных искусств, Бостон

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что «Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее».

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица... представляет бесполезность слов».

3. Пабло Пикассо «Герника»

1937, холст, масло. 349х776 см

Музей королевы Софии, Мадрид

Огромное полотно-фреска «Герника» , написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.

«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» - «Нет, это сделали вы».

4. Ян ван Эйк «Портрет четы Арнольфини»

1434, дерево, масло. 81.8х59.7 см

Лондонская национальная галерея, Лондон

Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.

Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками - вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», что превратило ее не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реально происходившее событие, на котором присутствовал художник.

В России последних лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

5. Михаил Врубель «Демон сидящий»

1890, холст, масло. 114х211 см

Третьяковская галерея, Москва

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Печальный длинноволосый парень совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух. Сам художник говорил о самой известной своей картине:

«Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый». Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении цветов. Композиция подчёркивает стеснённость фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы.

6. Василий Верещагин «Апофеоз войны»

1871, холст, масло. 127х197 см

Государственная Третьяковская галерея, Москва

Верещагин - один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому что любил их. Наоборот, он пытался передать людям свое негативное отношение к войне. Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны», на которой изображено поле, вороны и гора человеческих черепов.

Картина написана так глубоко и эмоционально , что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше не увидит. Сам же Верещагин с печальным сарказмом называл полотно «натюрмортом» - на нем изображена «мертвая природа».

Всe детали картины, в том числе жёлтый колорит , символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчёркивает мёртвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

7. Грант Вуд «Американская готика»

1930, масло. 74х62 см

Чикагский институт искусств, Чикаго

«Американская готика»- один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.

Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо по середине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, выставленный локоть, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, а значит и угрозу, которая адресована всем, кто посягнет. Все эти детали можно разглядывать бесконечно и ежиться от неуюта.

Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

8. Рене Магритт «Влюбленные»

1928, холст, масло

Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом - «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает. Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею и слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные - загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.

Едва ли не все картины Магритта - это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт всё время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

9. Марк Шагал «Прогулка»

1917, холст, масло

Государственная Третьяковская Галерея

Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью. «Прогулка» - это автопортрет с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица - он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.

10. Иероним Босх «Сад земных наслаждений»

1500-1510, дерево, масло. 389х220 см

Прадо, Испания

«Сад земных наслаждений» - самый известный триптих Иеронима Босха, получивший своё название по теме центральной части, посвящён греху сладострастия. На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.

Непреходящее очарование и одновременно странность триптиха заключается в том, как художник выражает главную идею через множество деталей. Картина переполнена прозрачными фигурками, фантастическими сооружениями, чудовищами, обретшими плоть галлюцинациями, адскими карикатурами реальности, на которую он смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом. Некоторые учёные хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму её тщеты и образы земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстранённость, с которыми трактованы отдельные фигурки, а также благосклонное отношение к этому произведению со стороны церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.

11. Густав Климт «Три возраста женщины»

1905, холст, масло. 180х180 см

Национальная галерея современного искусства, Рим

«Три возраста женщины» одновременно и радостна , и печальна. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние. Молодая женщина органично вплетена в орнамент жизни, старая - выделяется из нее. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несёт с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — неизменное постоянство и конфликт с реальностью.

Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

12. Эгон Шиле «Семья»

1918, холст, масло. 152.5х162.5 см

Галерея «Бельведер», Вена

Шиле был учеником Климта , но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.

«Семья» - его последняя работа , в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то, что это - наименее странно выглядящая его картина. Он нарисовал ее перед самой смертью, после того, как от испанки умерла его беременная жена Эдит. Он умер в 28 лет спустя всего три дня после Эдит, успев нарисовать ее, себя и их так и нерожденного ребенка.

13. Фрида Кало «Две Фриды»

1939

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».

Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи её картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.

В одной из лучших картин - «Две Фриды» - она выразила мужское и женское начало, соединенные в ней единой кровеносной системой, демонстрирующие ее целостность.

14. Клод Моне «Мост Ватерлоо. Эффект тумана»

1899, холст, масло

Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние. Сначала перед нами начинают проявляться непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем, мы видим явные очертания лодок и, отойдя на расстояние приблизительно двух метров, перед нами резко прорисовываются и выстраиваются в логическую цепочку все связующие произведения.

15. Джексон Поллок «Номер 5, 1948′′

1948, фибролит, масло. 240х120 см

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита - самая дорогая картина в мире. В 2006 году на аукционе Сотбис за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал её мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.

«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то ещё. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живёт своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

16. Жоан Миро «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»

1935, медь, масло, 23х32 см

Фонд Жоана Миро, Испания

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что это картина говорит нам об ужасах гражданских войн.

Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании. Миро говорил, что это картина о периоде беспокойства. На картине изображены мужчина и женщина, тянущиеся друг к другу в объятья, но не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны как «полные отвращения и гадливой сексуальности».

17. Яцек Йерка «Эрозия»

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создавая новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала, и нам пришлось выбрать одну - для иллюстрации его фантазии и мастерства. Рекомендуем ознакомиться подробней.

18. Билл Стоунхэм «Руки противятся ему»

1972

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная - это факт.

Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками , прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.

Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.

Картина обрела известность в феврале 2000 года , когда она была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина - «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину

Картины великих художников способны не только восхищать и дарить эстетическое наслаждение, но и вызывать мистический трепет и даже страх. Многие картины мастеров таят в себе загадки. О них наш рассказ.

Талантливо написанные картины всегда вызывают внутренний трепет и восхищение у поклонников живописи. Полотна великих мастеров завораживают и пленяют, поскольку красивые картины пробуждают в душах самое сокровенное, то, что зачастую человек стремится скрыть даже от самого себя. Карл Юнг называл это бессознательным.

Поэтому картины известных художников воспринимаются как таинственные послания, в которых открываются тайны мира. Чтобы их разгадать, нужно быть максимально внимательным к деталям и символам полотен.

Не одно поколение искусствоведо встремится разгадать шифры Иеронима Босха, задумывается над кодом полотен Леонардо да Винчи, и Микеланджело, и Боттичелли, в восторге застывает перед картинами голландцев. Что уж говорить о картинах эпохи модернизма и постмодернизма, где красота, одухотворенность и точность линий уступили место культурным символам, переплетению линий и кубическим формам.

Картины со смыслом Пабло Пикассо и Фриды Кало, Джексона Поллока и Сальвадора Дали открывают трагические и мистические стороны бытия современного человека. Чтобы прочитать их, необходимо обладать обширными знаниями и творческой интуицией.

Предлагаем посетить виртуальную галерею и узнать, какие знаменитые картины художников таят в себе загадки или с какими связаны драматические истории:

«Тайная вечеря» (Леонардо да Винчи)

Многие заметят, что этот шедевр не совсем картина, а фреска. Однако фреска - то же полотно, только выполненное на сырой штукатурке. Говорить о тайне этой картины начали еще в XIX веке, когда умы аристократии были пленены различными мистическими учениями, в Европе процветали масонские ложи и различные тайные общества. В ХХI веке интерес к фреске возродился благодаря книге Дэна Брауна «Код да Винчи» и сериалу «Демоны да Винчи».

Действительно, это творение величайшего художника эпохи Возрождения содержит много тайных знаков, которые формируют подтекст фрески. В первую очередь следует обратить внимание, что над ее созданием художник трудился три года, до 1498-го (Леонардо явно писал не на сыром грунте - это повод считать «Тайную вечерю» картиной, а не фреской). Композицию заказал дож Венеции Людовико Сфорца - известный повеса, мистик, торговец и интриган.

Понятия верности в семейной жизни были чужды Сфорца, он был неуемным в своих страстях, от чего страдала его набожная супруга герцогиня Беатриче д’Эсте. Несмотря на то что она была одной из самых красивых женщин эпохи Ренессанса, Людовико с удивительным постоянством изменял ей с лучшими гетерами Венеции.

Только смерть Беатриче заставила Сфорца переосмыслить свои приоритеты и приостановиться в поиске любовных утех. Чтобы увековечить ее память, венецианский герцог заказал «Тайную вечерю» да Винчи.

С этой предысторией связана первая загадка полотна: апостол Иоанн, сидящий по правую руку от Христа, внешне более поход на женщину, чем на мужчину. Так родилась догадка, что это Мария Магдалена - жена Иисуса. Она подтверждалась еще и знаком, который создают наклоны этих двух персонажей. Выходит фигура, которая напоминает сочетание двух треугольников, что в мистических учениях означало связь женского и мужского начал как основы мироздания.

Вторая загадка - образ Иуды. В начале работы над картиной Леонардо очень быстро отыскал натурщика для образа Иисуса. Им стал юноша-певчий из церковного хора. Его красота и благообразность сразили художника.

А вот для Иуды натуру пришлось искать почти три года. Однажды в канаве Леонардо увидел опустившегося пьяницу. Он привел его в трапезную и за считанные дни написал антипода Христа. Разговорившись с натурщиком, художник узнал, что жизнь того пошла под откос с момента, когда он позировал для создания образа Иисуса да Винчи. Таким образом, Христос и тот, кто его предал, списаны с одного человека с разницей в три года.

Третья загадка - на картине есть автопортрет Леонардо. Это апостол Фаддей, сидящий вторым справа.

Четвертый код - повторяющаяся цифра три. Присмотритесь к полотну, все персонажи сгруппированы по трое. В этом просматривается символический шифр святой Троицы - Сына, Духа и Бога.

«Сотворение Адама» (Микеланджело)

Фреска одного из прославленных мастеров эпохи Возрождения, созданная в XVI веке, изображает Бога, протягивающего руку Адаму. Это четвертый из девяти сюжетов Бытия, которые автор изобразил в Сикстинской капелле. Картина изображает, как Бог вдыхает душу в только что сотворенного человека.

Анатомы установили, что пурпурный плащ Создателя, под которым собраны ангелы, по очертаниям напоминает мозг человека. Микеланджело, как и все художники того времени, предметно изучал анатомию, поэтому прекрасно знал, как выглядит этот орган. Но зачем он его изобразил на картине с религиозным сюжетом?

Искусствоведы предположили, что таким образом прогрессивный художник и мыслитель указывал на то, что движущая и развивающая человека сила - это разум. Помимо этого, есть еще ряд нюансов, на которые следует обратить внимание:

1. Поза Адама симметрична позе Бога. Однако первочеловек расслаблен, и только божественный разум способен наполнить его энергией.
2. Герои, окутанные плащом Создателя, создают контур человеческого мозга. Причем Микеланджело линиями очертил гипофиз, варолиев мост (передает импульсы от головного мозга к спинному), позвоночные артерии.

Картина - красноречивое послание прогрессивного художника-гуманиста, верившего в могущество человеческого разума.

«Фламандские пословицы» (Питер Брейгель-старший)

Картина создана голландским живописцем в середине XVI века. На первый взгляд ее сюжет прост - обычный день на базарной площади. Однако на полотне есть 112 отдельных композиционных составляющих, которые воплощают популярные фразеологические обороты.

Присмотритесь внимательно к изображению и увидите иллюстрации к идиомам: биться головой о стену; привязать дьявола к подушке; вешать колокольчик на кота (неразумный поступок); говорить двумя ртами; жарить селедку ради икринки и пр.

Эта картина представляет живой интерес не только для искусствоведов и культурологов, но и для филологов.

«Даная» (Харменс ван Рейн Рембрандт)

Эту картину голландский художник писал на протяжении 11 лет (1636–1647 гг.). На первый взгляд на полотне отображена героиня древнегреческого мифа Даная, которую спрятал в подземелье собственный отец. Причина тому пророчество, согласно которому царь Аргоса падет от руки своего внука.

«Даная» Рембрандта - это символ мужского непостоянства. Изучая картину, искусствоведы установили, что на безымянном пальце Данаи есть обручальное кольцо, хотя, согласно легенде, она была незамужней барышней, когда ее заточили в тюрьму. К тому же на картине не было золотого дождя, которым пролился Зевс, чтобы зародить в Данае жизнь.

Второй момент, который смутил исследователей, это то, что лицо героини не было похоже на Саскию ван Эйленбюрх - молодую жену Рембрантдта, которая служила моделью для всех его картин 1630-х гг. Тем более это странно, поскольку «Даная» писалась художником для украшения собственного дома. Так кого же вместо жены он запечатлел на полотне?

Ответ был получен в 1950-х гг., когда искусствоведы стали использовать рентген для изучения полотен. Обнаружилось, что первоначально Даная была-таки списана с Саскии, а впоследствии ее образ художник переписал, придав черты кормилицы своего сына Гертье Диркс. После смерти Саскии она стала его любовницей, сожительницей и новой музой.

«Спальня в Арли» (Винсент Ван Гог)

Не выдержав травли парижского бомонда, Винсент Ван Гог сбегает из столицы Франции. Весной 1888 года он уединяется в маленьком флигельке в Арли, купленном на деньги от наследства. Художник наконец-то обрел свой дом и собственную мастерскую. В Арли он прожил некоторое время в ожидании еще одного парижского беглеца Поля Гогена. Вместе с ним Ван Гог хотел создать братство художников.

Картина «Спальня в Арли», или «Желтая спальня», - это документальное подтверждение душевной болезни живописца. По ней психиатры могут изучать изменения личности, страдающей шизофренией. Вот на какие знаки следует обратить внимание:

1. Насыщенный, а то и навязчивый желтый цвет. Он выглядит неестественно в интерьере спальни. Все дело в наперстянке, с помощью которой Винсент Ван Гог боролся с эпилептическими припадками. Регулярный прием этого лекарства приводит к изменению цветовосприятия. Люди видят мир в желто-зеленом цвете.
2. Парность предметов в комнате: два стула, две подушки, два портрета, пара гравюр авторства Ван Гога. Таким образом автор пытался обрести душевное равновесие, справиться с одиночеством.
3. Закрытые ставни - символ внутренней замкнутости художника и чувство защищенности.
4. Зеркало на стене было куплено Ван Гогом для создания автопортретов. Люди отказывали ему позировать, потому что не воспринимали его картины как творчество.
5. Красное одеяло на кровати сыграло драматическую роль в жизни живописца. Во время одного из припадков он отрезал себе мочку уха и, завернувшись в это одеяло, пытался побороть обуявший его страх.

Картина - отображение внутреннего мира художника. В случае с Ван Гогом «Спальня в Арли» - это история его одиночества и сумасшествия.

«Крик» (Эдвард Мунк)

«Крик» - одна из самых мистических картин ХХ века. Она воплотила предчувствие вселенской трагедии, которое охватило художника во время одной из прогулок. Мунк увидел кровавый закат, полыхавший на небосклоне, и внутренне услышал крик страдания природы. Именно это он и хотел отобразить на своем полотне.

Безволосый человек, по очертаниям напоминающий скелет, широко распахивает рот и в ужасе закрывает уши - так сражает его пронзительный вой природы. Ощущение, пережитое художником и отображенное на полотне, стало пророческим. «Крик» стал символом ХХ века - столетия насилия, войн, жестокости, ненависти к человеку, истязанию окружающей среды.

С картиной связан ряд мистических историй. Так, всех владельцев «Крика» постигало несчастье - разорение, смерть, несчастные случаи. Когда картина попала в музей, несколько работников проявили неосторожность в работе с ней - уронили полотно. Через время один покончил с собой, а другой сгорел в автомобильной катастрофе. Эти несчастья связали с фатальным действием шедевра.

Ученые уверены, что, как и в случае Ван Гога, полотно - воплощение психического расстройства его создателя - Эдварда Мунка.

«Старый рыбак» (Тивадар Костка Чонтвари)

Аптекарь из Венгрии, увидев пророческий сон, продал аптеку, приобрел все, что необходимо для рисования, и отправился обучаться мастерству у ливанских живописцев.

По возвращении на родину в начале ХХ века он представил оригинальную работу - картину «Старый рыбак». Казалось, что в ней нет ничего особенного: публике было невдомек, что такого загадочного в этом полотне. Все дело в подтексте, который не так просто прочитать. Разгадать его удалось только через 50 лет.

Чонтвари писал странные и немного пугающие картины, поэтому они не пользовались популярностью. В результате умер в нищете, а его полотна оказались на помойке. Лишь несколько картин мастера сохранились и оказались в музее города Печа. Среди них был «Старый рыбак».

Один из музейных сотрудников додумался использовать зеркало, чтобы раскрыть подтекст шедевра. Оказалось, что если разделить зеркалом картину пополам, тогда образуется два сюжета-антагониста: на первом изображен Бог, плывущий в лодке по спокойному морю, а на втором - дьявол в бушующем море. Вот такая метафора сложности бытия создана венгерским художником.

Это лишь небольшая часть тех знаменитых картин, которые вызывают мистический трепет и поклонение. Восторг, ужас и поклонение вызывают творения Михаила Врубеля, Поля Гогена, Пабло Пикассо, Густава Климта и Каземира Малевича. Их разгадывают, ими восхищаются, к пониманию их содержания идут годами. Познание загадок великих полотен - это шаг к познанию человека и мира.

Популярные новости

17:56