Два разных явления античной скульптуры: классическая Греция и римский скульптурный портрет. Античная скульптура Скульптура античной культуры

Поскольку мне тут придется в скором времени прочесть курс лекций по всеобщей истории искусств, я готовлюсь и повторяю материал. Решил выложить кое-что из него и свои размышления об этом предмете. Это еще не сама лекция, а мысли на узкую конкретную тему.

Трудно переоценить место скульптуры в искусстве Античности. Однако два ее важнейших национальных проявления - скульптура Древней Греции и скульптура Древнего Рима - представляют собой два совершенно разных, во многом противоположных явления. В чем же они состоят?

Скульптура Греции поистине знаменита и на самом деле должна быть поставлена на первое место по сравнению с греческой архитектурой. Дело в том, что саму архитектуру греки воспринимали как скульптуру. Любое здание для грека - это прежде всего пластический объем, монумент, совершенный в своих формах, но предназначенный прежде всего для созерцания со вне. Но об архитектуре я напишу отдельно.

Имена греческих скульпторов хорошо известны и на слуху у каждого, учившегося в школе. Столь же знамениты и прославлены были греческие станковые живописцы, однако, как это иногда бывает в истории искусства, от их работ не сохранилось ровным счетом ничего, ну может быть, предположительные копии на стенах домов богатых римлян (какие можно увидеть в Помпеях). Впрочем, как мы увидим, не так хорошо обстоит дело и с оригиналами греческих статуй, так как большинство их известны опять-таки по римским, лишенным греческого совершенства репликам.

Однако, при столь внимательном отношении к именам творцов искусства греки оставались совершенно индифферентны к индивидуальности, к тому, что сейчас назвали бы личностью человека. Сделав человека центром своего искусства, греки видели в нем возвышенный идеал, проявление совершенства, гармоническое сочетание души и тела, но отнюдь не интересовались частными особенностями изображаемого лица. Греки не знали портрета в нашем понимании этого слова (за исключением может быть позднейшего, эллинистического периода). Воздвигая статуи человекообразных богов, героев, прославившихся граждан своего полиса, они создавали обобщенный, типичный образ, воплощающий в себе положительные качества души, героизм, добродетель и красоту.

Мировоззрение греков начало меняться лишь с окончанием эпохи классики в 4 веке до н.э. Конец прежнему миру положил Александр Македонский, своей беспрецедентной деятельностью родивший тот культурный феномен смешения греческого и ближневосточного, который был назван эллинизмом. Но только через 2 с лишним столетия на арену истории искусств вышел уже могущественный к тому времени Рим.

Как это ни странно, но добрую половину (если не большую часть) своей истории Рим почти никак не проявлял себя с художественной точки зрения. Так прошел почти весь республиканский период, оставшийся в памяти народа как время римской доблести и чистоты нравов. Но вот, наконец, в 1 веке до н.э. возник римский скульптурный портрет. Трудно сказать, насколько велика была в этом роль греков, трудившихся теперь для покоривших их римлян. Надо полагать, без них Рим вряд ли бы создал столь блистательное искусство. Однако, кем бы ни создавались римские произведения искусства, они были именно римскими.

Парадоксальным образом, хотя именно Рим создал может быть самое индивидуализированное искусство портрета в мире, не сохранилось никаких сведений о скульпторах, создававших это искусство. Таким образом, скульптура Рима и прежде всего скульптурный портрет - явление обратное классической скульптуре Греции.

Надо сразу заметить, что в его формировании важную роль сыграла еще одна, на этот раз местная, италийская традиция, а именно искусство этрусков. Что же, посмотрим на памятники и по ним охарактеризуем основные явления в античной скульптуре.

Уже в этой мраморной голове с Кикладских островов 3 тыс. до н. э. заложено то пластическое чувство, которое станет главным достоянием греческого искусства. Этому никак не вредит минимализм деталей, который конечно восполнялся росписью, так как вплоть до высокого ренессанса скульптура никогда не была бесцветной.

Известная (ну так можно сказать почти про любую статую греческого скульптора) группа, изображающая тироноубийц Гармодия и Аристогитона, изваянных Критием и Несиотом. Не отвлекаясь на формирование греческого искусства в эпоху архаики, мы обратились уже к произведению классики 5 в. до н.э. Представляя двух героев, борцов за демократические идеалы Афин, скульпторы изображают две условные фигуры, лишь в общих чертах подобные самим прототипам. Главная их задача соединить в единое целое два прекрасных, идеальных тела, захваченных одним героическим порывом. Телесное совершенство здесь подразумевает внутреннюю правоту и достоинство изображенных.

В одних своих работах греки стремились передать гармонию, заключенную в покое, в статике. Поликлет достигал ее как благодаря пропорционированию фигуры, так и за счет динамики, заключенной в постановке фигуры. Т. н. хиазм или иначе контрапост - противоположно направленное движение разных частей фигуры - одно из завоеваний этого времени, навсегда вошедшее в плоть европейского искусства. Оригиналы Поликлета утрачены. Вопреки сложившейся у современного зрителя привычке, греки часто работали, отливая статуи в бронзе, что позволяло избежать мешающих восприятию подставок, возникших в мраморных повторениях римского времени. (Справа бронзовая копия-реконструкция из ГМИИ им. Пушкина, насколько она лучше!)

Мирон прославился передачей очень сложных состояний, в которых покой вот вот должен смениться активным движением.Опять привожу два варианта его дискобола (оба поздние): мраморный и бронзовый.

"Рублев" Древней Греции, великий создатель скульптуры Афинского Акрополя Фидий напротив достигал красоты и уравновешенности даже в самых напряженных и подвижных композициях. Здесь мы имеем возможность видеть подлинники 5 в. до н.э., выполненные на этот раз из мрамора как связанные с плотью архитектуры Парфенона. Даже в разбитом виде, без рук, ног и голов, в виде жалких руин греческая классика поразительно совершенна. Такого не могло больше никакое искусство.

А что же портрет? Вот известное изображение великого Перикла. Но что мы можем узнать из него о этом человеке? Только то, что он был великим гражданином своего полиса, выдающимся деятелем и доблестным полководцем. И более ничего.

Иначе решен "портрет" Платона, представленного уже не молодым мудрецом с пышной бородой и интеллектуальным, умственно напряженным лицом. Утрата росписи глаз, конечно, в значительной степени лишает образ выражения.

Уже иначе воспринимался образ в конце 4 столетия. Сохранившиеся реплики портретов Александра Македонского, созданных Лисиппом, показывают нам уже не столь цельную, уверенную и однозначную в себе личность, как мы видели только что в классический период Греции.

Теперь, наконец, настало время перейти к Риму, точнее пока что к этрускам, создававшим погребальные изображения усопших. Канопы - урны для праха - этруски делали с изображениями голов и рук, уподобляя, пока что условно, усопшему человеку. Терракотовая канопа 6 века до н. э.

Более сложными произведениями были вот такие надгробия с фигурами возлежащих как бы на пиру людей, часто семейных пар.

Очаровательные улыбки, похожие на улыбки архаических греческих статуй... Но здесь важно другое - это конкретные, погребенные здесь люди.

Этрусские традиции заложили своего рода фундамент для собственно римского портрета. Возникнув только в 1 веке до н.э., римский портрет резко отличался от всякого другого. Первостепенным в нем стала достоверность в передаче жизненной правды, не приукрашенного облика человека, изображение его таким, какой он есть. И в этом римляне несомненно видели собственное достоинство. К римскому портрету конца республиканской эпохи как нельзя лучше приложим термин веризм. Он даже пугает своей отталкивающей откровенностью, не останавливающейся ни перед какими чертами уродства и старости.

Для иллюстрации следующего тезиса приведу энциклопедический пример - изображения римлянина в тоге с портретами предков. В этом обязательном римском обычае было не только человеческое желание сохранить память о ушедших поколениях, но и религиозная составляющая, столь типичная для такой домашней по своему характеру религии, как римская.

Вслед за этрусками римляне изображали на надгробиях супружеские пары. Вообще, пластика, скульптура была для жителя Рима столь же естественна, как для нас фотография.

Но вот настало новое время. На рубеже тысячелетий (и эр)) Рим сделался империей. Начиная с этого времени наша галерея будет представлена прежде всего портретами императоров. Однако, это официальное искусство не только сохранило, но и приумножило тот необыкновенный реализм, который изначально возник в римском портрете. Впрочем, сначала в эпоху Августа (27 г. до н. э. - 14 г. н. э.) римское искусство пережило первое серьезное взаимодействие с идеальной красотой, присущей всему греческому. Но и здесь, став совершенным по форму, оно сохранило верность портретным чертам императора. Допуская условность в совершенном, идеально правильном и здоровом теле, облаченном в доспехи и пребывающем в церемониальной позе, римское искусство помещает на это тело настоящую голову Августа, такого, каким он был.

От Греции к римлянам перешло потрясающее владение обработкой камня, но здесь это искусство не могло заслонить собой того, что было внутренне присуще римскому.

Еще один вариант официального изображения Августа как Великого Понтифика в наброшенном на голову покрывале.

И вот, уже в портрете Веспасиана (69 - 79 гг. н. э.) мы видим опять неприкрытый веризм. Этот образ с детства запал в мою память, завораживая личными чертами изображенного императора. Умное, благородное и одновременно хитрое и расчетливое лицо! (Как ему идет отбитый нос))

Вместе с тем, осваиваются и новые техники обработки мрамора. Применение бурава позволяет создавать более сложную игру объемов, света и тени, вводить контраст различных фактур: шершавых волос, отполированной кожи. Для примера женский образ, а то до сих пор у нас были представлены одни лишь мужчины.

Троян (98 - 117 гг.)

Антонин Пий был вторым после Адриана императором, отпустившим бороду на греческий манер. И это не только некая игра. Вместе с "греческим" обликом в образе человека появляется и нечто философское. Взгляд уходит в сторону, вверх, лишая человека состояния уравновешенности и довольства телесным. (Теперь зрачки глаз намечаются уже самим скульптором, что сохраняет взгляд даже при утрате былой тонировки.)

Со всей очевидностью это проступает в портретах философа на трона - Марка Аврелия (161 - 180 гг.).

Этот интересный осколок привлекает меня вот чем. Попробуйте сделать прорись черт лица, и получится икона! Вглядитесь в формы глаза, века, зрачка и сравните их с византийскими иконами.

Но не одним лишь доблестным и праведным быть темой римского портрета! Гелиогабал (правильно - Элагабал), приверженец восточного культа солнца, удивлял римлян вполне противными им обычаями и сам не блистал чистотой жизни. Но и это со всей очевидностью являет нам его портрет.

Наконец, золотой век Рима остается далеко позади. На престол один за другим возводятся так называемые солдатские императоры. Выходцы из каких угодно сословий, стран и народов могут в одночасье стать владыками Рима, будучи провозглашены своими солдатами. Портрет не самого плохого из них Филиппа Аравитянина (244 - 249 гг.). И снова какая-то тоска или тревога во взгляде...

Ну это смешно: Требониан Галл (251 - 253 гг.).

Здесь пора уже отметить то, что время от времени проступало в римском портрете и раньше. Теперь форма начинает неумолимо схематизироваться, пластическая лепка уступает место условной графичности. Сама плоть постепенно уходит, уступая место чисто духовному, исключительно внутреннему образу. Император Проб (276 - 282 гг.).

И вот, мы приблизились к концу 3 - началу 4 столетий. Диоклетиан создает новую систему управления Империей - тетрархию. Два августа и два цезаря правят четырьмя ее частями. Старый город Рим, давно уже потерявший роль столицы, теперь не важен. В Венеции сохранилась забавная, вывезенная из Константинополя группа из четырех почти одинаковых фигур, отождествляемых с тетрархами. Ее часто показывают как конец римского портрета. Но это не так! На самом деле это, скажем так, особый эксперимент, авангард того времени. К тому же, если верить некоторым моим учителям, это египетское произведение, что в частности видно по применению твердого порфира. Столичная же римская школа оставалась конечно иной и не умирала еще по крайней мере столетие.

В подтверждение сказанному еще один образ из Египта - император Максимин Даза (305 - 313 гг.). Полная стилизация, схематизация и абстракция, если угодно.

А вот, что продолжало твориться в Риме. Полновластным правителем Империи становится Константин Великий (306 - 337 гг.). В его колоссальном по масштабу портрете (это, собственно, и есть голова Колосса - гигантской статуи, установленной в римской базилике Константина-Максенция) полноценно присутствует и идеальная, совершенная проработка формы и окончательно сформировавшийся новый, отрешенный от всего временного образ. В огромных, прекрасных, смотрящих куда-то мимо нас глазах, волевых бровях, твердом носе, сомкнутых губах теперь является не только образ земного правителя, но и что-то уже перешедшее за границы той рефлексии, снедавшей Марка Аврелия и других его современников, тяготившихся этой телеcной оболочкой, в которой оказалась заключена душа.

Если знаменитый Миланский эдикт 313 года лишь прекращал гонения на христианство, позволяя христианам легально существовать в Империи (сам Константин крестился лишь при смерти), то к концу 4 столетия после Р. Х. христианство стало уже господствующим. И в это время христианской Античности еще продолжали создаваться скульптурные портреты. Портрет императора Аркадия (383-408 гг.) поражает своей красотой, но и неземной отвлеченностью.

Вот куда пришел в конце концов римский портрет, вот какой образ он родил, сам по себе став уже христианским искусством. Скульптура теперь уступает место живописи. Но великое наследие прежней культуры не отвергается, продолжая жить, служа новым целям и задачам. Христианский образ (икона) с одной стороны, родился из слов: "Бога не видел никто никогда; Единородный Сын, сущий в недре Отчем, Он явил" (Ин. 1: 18). С другой же стороны, он впитал в себя весь опыт предшествующего ему искусства, как мы увидели, давно уже мучительно искавшего истину, и наконец Ее нашедшего.

Но это уже совсем другая история не для этого рассказа...

Д ля скульптуры Древней Греции эпохи классики, периода расцвета полиса, характерны следующие особенности. Главным объектом изображения по-прежнему остается человеческая фигура. Но по сравнению с архаической скульптурой изображение становится более динамичным и анатомически правильным. Но фигуры и лица скульптур по прежнему лишены индивидуальных черт: это обобщенные, абстрактные образы тяжеловооруженных воинов, атлетов, спортсменов, богов и героев.

Знаменитые скульпторы Древней Греции

Развитие скульптуры напрямую связано с именами трех знаменитых скульпторов Древней Греции — Мирона, Поликлета и Фидия.

Мирон — скульптор Древней Греции V в. до н.э. работавший в бронзе. Как художник он ставил своей главной задачей запечатление моментов перехода от одного движения к другому, подметить кульминационные моменты в этих движениях. Для своего знаменитого «Дискобола» , с которым мы знакомы по поздней римской мраморной копии, характерна тщательная, но несколько обобщенная передача анатомии человеческого тела, холодная красота линий фигуры. В ней Мирон полностью отказался от торжественной неподвижности своей модели.

Другая работа Мирона — групповая композиция «Афина и Силен Марсий» , установленная на Афинском акрополе. В ней художник попытался передать кульминационные точки движения человеческого тела: Афина стоящая в спокойной позе, бросает изобретенную ей флейту, а дикий лесной демон показан в движении, он хочет схватить флейту, но Афина его останавливает. Динамика движения тела Марсия подавляется неподвижностью и скованностью позы фигуры богини Афины.

Поликлет — другой древнегреческий скульптор живший тоже в V веке до н.э., он работал в Аргосе, Афинах и Эфесе. Ему принадлежат многочисленные изображения атлетов-победителей в мраморе и бронзе. Поликлет в своих скульптурах смог передать облик идеализированных и мужественных воинов-гоплитов, членов гражданского ополчения полиса. Поликлету принадлежит также «Диадумен» — статуя юноши, обвязывающего голову повязкой победителя.

Другая тема его творчества — изображения юношей-воинов, воплощавших представление о доблести гражданина. Для герайона в Аргосе он создал изображение богини Геры из слоновой кости. Для скульптур Поликлета свойственна пропорциональность, признанная современниками эталоном.

Фидий — знаменитый скультор Древней Греции V века до н.э. Он работал в Афинах, и . Фидий принимал активное участие в реконструкции в Афинах. Он был одним из руководителей строительства и украшения Парфенона. Он создал для Парфенона статую Афины высотой 12 метров. Основ статуи деревянная фигура. На лицо и обнаженные части тела накладывались пластинки из слоновой кости. Одежда и вооружение были покрыты почти двумя тоннами золота. Это золото служило неприкосновенным запасом на случай непредвиденных финансовых кризисов.

Вершиной творчества Фидия стала его знаменитая статуя , высотой 14 метров. Она изображала громовержца, сидящим на богато украшенном троне, его верхняя часть торса обнажена, а нижняя закутана в плащ. В одной руке Зевс держит статую Ники, в другой символ власти — жезл. Статуя была выполнена из дерева, фигуру покрывали пластины слоновой кости, а одежду тонкие золотые листы. Теперь вы знаете какие были скульпторы в Древней Греции.

Высшей точки экономического, политического и культурного подъема Греция достигла в середине V в. до н.э. после победы, одержанной союзом греческих городов над могущественной Персией.
В стиле греческой классики слиты чувственная напосредственность и рациональность.
"Мы любим красоту без прихотливости и мудрость без изнеженности" ,- говорил Перикл. Греки ценили разумность, равновесие и меру, но, вместе с тем, признавали силу страстей и чувственные радости.
Когда сейчас мы говорим "античное искусство", нам представляется музейные залы, уставленные статуями и увешанные по стенам обломками рельефов. Но тогда все выглядело иначе. Хотя у греков и были специальные здания для хранения картин (пинакотеки), в подавляющей массе произведения искусства вели не музейный образ жизни. Статуи стояли на открытом воздухе, озаренные солнцем, возле храмов, на площадях, на берегу моря; возле них проходили шествия и праздники, спортивные игры. Как и в эпоху архаики, скульптура расцвечивалась. Мир искусства был живым светлым миром, но более совершенным.

Греческая скульптура частично уцелела в обломках и фрагментах. Большинство статуй известны нам по римским копиям, которые исполнялись во множестве, но часто не передавали красоты оригиналов. Римляне переводили бронзовые изделия в белоснежный мрамор, но и сам мрамор греческих статуй был иной - желтоватый, светоносный (его натирали воском, что придавало ему теплый тон).
Сражения, схватки, подвиги героев... Этими воинственными сюжетами переполнено искусство ранней классики. Например, знаменитые экземпляры греческой скульптуры в сокровищнице Сифноса в Дельфах . Северный фриз которой посвящён гигантомахии: битве богов с Гигантами. Гефест раздувает горн, чтобы поднять ветры против Гигантов, Кибела правит колесницей, запряженной львами, один из которых терзает Гиганта. Близнецы Артемида и Аполлон сражаются рядом...

Другой излюбленный комплекс мотивов - спортивные состязания. Темы рукопашных схваток, конных состязаний, соревнований в беге, метании диска научили ваятелей изображать человеческое тело в динамике. Теперь появляются сложные позы, смелые ракурсы, широкие жесты. Ярчайшим новатором выступил выступил аттический скульптор Мирон .Таков его знаменитый "Дискобол" . Атлет наклонился и размахнулся перед броском, секунда - и диск полетит, атлет выпрямится. Но на эту секунду его тело замерло в положении очень сложном, однако уравновешенном.

Бронзовая статуя "Возничий" , найденная в Дельфах, - один из немногих хорошо сохранившихся греческих подлинников. Она относится к раннему периоду строгого стиля - примерно ок. 470 г. до н.э. Этот юноша стоит очень прямо (он стоял на колеснице и правил квадригой коней), ноги его босы, складки длинного хитона напоминают о глубоких каннелюрах дорических колонн, голова плотно охвачена посеребренной повязкой, инкрустированные глаза смотрят, как живые. Он сдержан, спокоен и вместе с тем исполнен энергии и воли. Как всякая выдающееся скульптура, "Возничий" в различных ракурсах открывает совершенно разные степени сосредоточенности и грани передачи эмоций. В одной этой бронзовой фигуре с её крепкой, литой пластикой можно почувствовать полную меру человеческого достоинства, как его понимили древние греки.

В их искусстве на этом этапе преобладали образы мужественные, но, по счастью, сохранился и прекрасный рельеф с изображением Афродиты , выходящей из моря - скульптурный триптих, верхняя часть которого отбита.

В центральной части богиня красоты и любви , "пенорожденная", поднимается из волн, поддерживаемая двумя нимфами, которые целомудренно ограждают её лёгким покрывалом. Она видна до пояса. Её тело и тела нимф просвечивают сквозь прозрачные хитоны, складки одежд льются каскадом, как струи воды, как музыка. На боковых частях триптиха две женские фигуры: одна обнаженная, играющая на флейте; другая, закутанная в покрывало, зажигает жертвенную свечу. Первая - гетера, вторая - жена, хранительница очага, как два лика женственности, обе находящиеся под покровительством Афродиты.

Преклонение греков перед красотой и мудрым устройством живого тела было велико. Язык тела был и языком души. Греки владели искусством передачи "типовой" психологии- они выражали богатую гамму душевных движений на основе обобщенных человеческих типов. Не случайно портрет в Древней Греции был развит сравнительно слабо.

Великое мастерство, достигнутое греческим искусством в V в., живо и в IV, так что наиболее вдохновенные художественные памятники поздней классики отмечены все той же печатью высшего совершенства.

Скопас, Пракситель и Лисипп - величайшие греческие ваятели поздней классики. По влиянию, которое они оказали на все последующее развитие античного искусства, творчество этих трех гениев может сравниться со скульптурами Парфенона. Каждый из них выразил свое яркое индивидуальное мироощущение, свой идеал красоты, свое понимание совершенства, которые через личное, только ими выявленное, достигают вечных - общечеловеческих, вершин. Причем опять-таки в творчестве каждого это личное созвучно эпохе, воплощая те чувства, те вожделения современников, которые наиболее отвечали его собственным. Духовная стойкость и бодрая энергия, которыми дышит искусство ранней и зрелой классики, постепенно уступают место драматическому пафосу Скопаса или лирической созерцательности Пракителя.
Художников IV в. привлекают впервые прелесть детства, мудрость старости, вечное обаяние женственности.

Пракситель славился особенной мягкостью лепки и мастерством обработки материала, способностью в холодном мраморе передать теплоту живого тела. Единственным уцелевшим подлинником Праксителя считают мраморную статую "Гермес с Дионисом" , найденную в Олимпии.
Почти также мало осталось подлинных произведений резца Скопаса , но даже за этими обломками - дышат страсть и порыв, беспокойство, борьба с какими-то враждебными силами, глубокие сомнения и скорбные переживания. Все это было, очевидно, свойственно его натуре и в то же время ярко выражало определенные настроения его времени. Частично сохранились рельефы фриза мавзолея в Галикарнасе (Малая Азия).

Большой славой у современников пользовалась "Менада" . Скопас изобразил бурю дионисийской пляски, напрягающей все тело Менады, выгибающей торс, запрокидывающей голову. Мистерии Диониса разрешалось устраивать только раз в два года и только на Парнасе, но уж зато в это время неистовые вакханки отбрасывали все условности и запреты.
Эти празднества были обычаем очень древним, как и сам культ Диониса , однако в искусстве стихия ранее не прорывалась с такой силой и открытостью, как в статуе Скопаса, и это, очевидно, было симптомом времени.

Лисипп создавал скульптуры в сложных движениях, рассчитывая на обход статуи кругом, обрабатывая их поверхности с равной тщательностью. Разворот фигуры в пространстве был новаторским завоеванием Лисиппа. Он был неистощимо разнообразен в изобретении пластических мотивов и очень плодовит. Работая исключительно в бронзе, Лисипп в сюжетном плане предпочитал мужские фигуры; любимым героем его был Геракл .
Не сохранилось ни единого подлинного произведения скульптора, но существует довольно большое количество копий и повторений, дающих приблизительное представление о стиле мастера.
Другие ваятели старались поддерживать традиции зрелой классики, обогащая их большим изяществом и сложностью.

Этим путем шел Леохар , создавший статую Аполлона Бельведерского. Долгое время эта скульптура оценивалась как вершина античного искусства, "бельведерский кумир" был синонимом эстетического совершенства. Как это часто бывает, высокие хвалы со временем вызвали противоположную реакцию. Ее стали находить помпезной и манерной. Между тем Аполлон Бельведерский - произведение действительно выдающееся по своим пластическим достоинствам; в фигуре и поступи повелителя муз сочетаются сила и грация, энергия и легкость, шагая по земле, он вместе с тем парит над землей. Для достижения такого эффекта, нужно было изощренное мастерство ваятеля; беда лишь в том, что расчет на эффект слишком очевиден. Аполлон Леохара словно приглашает любоваться его красотой, да и в эпоху поздней классики виртуозное исполнение очень ценилось.

Скульптура древней Греции, как и все античное искусство представляет собой особый образец, эталонное мастерство и своеобразный идеал. Древнегреческое искусство, а в особенности скульптура Древней Греции, оказала очень весомое влияние на развитие мировой культуры. Она явилась тем основанием, на котором позднее выросла европейская цивилизация. Прекрасные статуи греческих скульпторов изготавливались из камня, известняка, бронзы, мрамора, дерева и украшались великолепными изделиями из драгоценных металлов и камней. Их устанавливали на главных площадях городов, на могилах известных греков, в храмах и даже в богатых греческих домах. Основным принципом скульптуры Древней Греции было сочетание красоты и силы, идеализация человека и его тела. Древние греки считали, что в совершенном, идеальном теле может находиться только совершенная душа.

Развитие скульптуры Древней Греции возможно разделить на три существенных этапа. Это архаика - VI-VII век до нашей эры. Классика, которую в свою очередь, можно поделить на периоды ранней - начало V века до нашей эры, высокой классики - это конец V века до нашей эры, и поздней - VI век до нашей эры. И последний этап - эллинизм. Также из описаний древних историков можно понять, что существовала скульптура гомеровской Греции, но до наших времен дошли лишь небольшие статуэтки и сосуды, украшенные росписью. Каждый из этих этапов Греческой культуры обладает своими неповторимыми уникальными чертами.

Архаический период
В этот период древнегреческие художники стремились к созданию идеального образа мужчины и женщины. В скульптуре преобладали фигуры обнаженных юношей-воинов, называемых куросы. Они должны были показать доблесть, физическое здоровье и силу человека, которые приобретались в спортивных состязаниях того времени. Вторым образцом искусства этого периода были коры. Это задрапированные в длинные одежды девушки, в которых выражался идеал женственности и первозданной чистоты. В это время появилась, так называемая, «архаическая улыбка», которая одухотворяла лица статуй.

Выдающимися примерами сохранившихся скульптур архаического периода являются «Курос из Пирея», который украшает сегодня Афинский музей, также «Богиня с гранатом» и «Богиня с зайцем», хранящиеся в Берлинском государственном музее. Довольно известна скульптура братьев Клеобиса и Битона из Аргоса, которые радуют глаз любителей греческого искусства в дельфийском музее.

Во времена архаики также важное место занимает монументальная скульптура, в которой главную роль играет рельеф. Это довольно большие скульптурные композиции, часто отображающие события, описанные в мифах Древней Греции. Например, на фронтоне храма Артемиды были изображены действия, происходящие в известной всем с детства истории о Медузе Горгоне и храбром Персее.

Ранняя классика
С переходом к классическому периоду, неподвижность, можно сказать, статичность архаических скульптур, постепенно сменяется эмоциональными фигурами, запечатленными в движении. Появляется, так называемое, пространственное движение. Позы у фигур пока что простые и естественные, например, девушка, развязывающая сандалию, или бегунья, готовящаяся к старту.
Пожалуй, одной из самых известных статуй того периода является «Дискобол» автора Мирона, который вложил очень весомый вклад в искусство ранней классики Греции. Фигура была отлита из бронзы в 470 году до нашей эры, и изображает спортсмена, готовящегося к броску диска. Его тело идеально и гармонично, и готово в следующую секунду совершить бросок.

Еще одним великим скульптором того времени был Поликлет. Наиболее известно в наши дни его произведение под названием «Дорифор», созданный между 450 и 440 годами до н.э. Это копьеносец, могучий, сдержанный и полный достоинства. Он исполнен внутренней силы и, как бы, показывает стремление греческого народа тех времен к возвышенности, гармонии и покою. До наших дней, к сожалению, не сохранились оригиналы этих скульптур Древней Греции, вылитые в бронзе. Мы можем лишь любоваться их копиями, сделанными из различных материалов.

В начале двадцатого века на дне моря около мыса Артемисион была найдена статуя из бронзы бога Посейдона. Он изображен величественным, грозным, занесшим руку, в которой когда держал трезубец. Эта статуя, как бы знаменует переход из периода ранней классики к высокой.

Высокая классика
Направление высокой классики преследовало двойную цель. С одной стороны, показать всю красоту движения в скульптуре, и, с другой стороны, сочетать внешнюю неподвижность фигуры с внутренним дыханием жизни. Объединения этих двух устремлений в своем творчестве удалось добиться великому скульптору Фидию. Он известен, в частности, тем, что украсил прекрасной скульптурой из мрамора древний Парфенон.

Также он создал великолепный шедевр «Афина Парфенос», который, к сожалению, погиб еще в далекой древности. В национальном музее археологии города Афины можно видеть лишь уменьшенную копию этот статуи.
Великий художник создал еще немало шедевров за свою творческую жизнь. Это и статуя Афины Промахос в Акрополе, которая поражает своими огромными размерами и величием, и, не менее колоссальная, фигура Зевса в храме Олимпии, которая позднее была причислена к одному из удивительных семи чудес света.
С горечью можно признать, что наше видение древнегреческой скульптуры далеко от истины. Оригиналов статуй той эпохи увидеть практически невозможно. Многие из них были разрушены во времена передела средиземноморского мира. И еще одной из причин уничтожения этих величайших памятников искусства стало их разрушение фанатично верующими христианами. Нам остались лишь их копии римских мастеров I-II веков нашей эры и описания древних историков.

Поздняя классика
Во времена, относящиеся к поздней классике, скульптура Древней Греции стала характеризоваться пластикой движений и проработкой самых мелких деталей. Фигуры стали отличаться грацией, гибкостью, начали появляться первые обнаженные женские тела. Одним из ярких образцов этого великолепия является статуя Афродиты Книдской скульптора Праксителя.

Древнеримский писатель Плиний говорил, что эту статую считали самой прекрасной статуей тех времен, и в Книд стекалось множество паломников, желающих ее увидеть. Это первое произведение, в котором Пракситель изобразил обнаженное женское тело. Интересная история этой статуи заключается в том, что скульптур создал две фигуры - обнаженную и одетую. Жители Коса, заказавшие изваяние Афродиты выбрали одетую богиню, побоявшись рискнуть, несмотря на всю красоту этого шедевра. А обнаженную скульптуру приобрели жители города Книд, находящегося в Малой Азии, и благодаря этому, прославились.

Еще одним ярким представителем направления поздней классики был Скопас. Он стремился выражать в своих скульптурах бурные страсти и эмоции. К числу известных его работ относятся статуя Аполлона Кифареда, также Ареса виллы Людовизи, и причисляется скульптура, называемая Ниобиды, умирающие вокруг своей матери.

Период эллинизма
Время эллинизма характеризуется достаточно мощным влиянием востока на все искусство Греции. Не миновала эта участь и скульптура. В величественные позы и возвышенность классики начали проникать чувственность, восточный темперамент и эмоциональность. Художники начали усложнять ракурсы, применять роскошные драпировки. Обнаженная женская красота перестала быть чем-то необычным, кощунственным и вызывающим.

В это время появилось огромное количество различных статуй обнаженной богини Афродиты или Венеры. Одной из самых известнейших статуй доныне остается Венера Милосская, созданная мастером Александром где-то в 120 году до н.э. Все мы привыкли видеть ее изображения без рук, но считается, что изначально одной рукой богиня придерживала свою падающую одежду, а в другой руке она держала яблоко. В ее образе сочетаются и нежность, и сила, и красота физического тела.

Также очень известные статуи этого периода - Афродита Киренская и «Лаокоон и его сыновья». Последнее произведение наполнено сильными эмоциями, драматизмом и необычайной реалистичностью.
Главной темой скульптурного творчества Древней Греции, как видно, был человек. И действительно, человек более нигде так не ценился, как в той самой древнегреческой цивилизации.

С развитием культуры, скульпторы старались передать через свои произведения все больше человеческих чувств и эмоций. Все эти величественные шедевры, созданные десятки сотен лет назад, до сих пор привлекают внимание людей, и действуют на современных любителей искусства завораживающе и невероятно впечатляюще.

Заключение
Трудно выделить какой-то один период развития древнегреческой культуры, и не обнаружить в ней бурного расцвета скульптуры. Этот вид искусства постоянно развивался и совершенствовался, достигнув особой красоты в классическую эпоху, но и после нее не угаснув, все также оставаясь ведущим. Соотносить скульптуру и архитектура древней Греции конечно можно, но лишь в сравнении, отождествлять их недопустимо. Да это и невозможно, ведь скульптура это не монументальное строение, а искусно вылепленный шедевр. Чаще всего античный скульпторы обращались к изображению человека.

В своих работах они особое внимание уделяли позам, наличию движению. Они пытались создавать живые образы, словно бы ни камень перед нами, а живая плоть и кровь. И это у них отлично получались, в основном благодаря ответственному подходу к делу. Знание анатомии и общие представления о человеческом характере позволили древнегреческим мастерам достичь того, что до сих пор не могут постигнуть многие скульпторы современности.

1.1 Скульптура в Древней Греции. Предпосылки ее развития

Среди всего изобразительного искусства древних цивилизаций искусство Древней Греции, в частности, ее скульптура, занимает совершенно особое место. Живое тело, способное на всякое мускульное дело, греки ставили выше всего. Отсутствие одежд никого не шокировало. Ко всему относились слишком просто, для того чтобы стыдиться чего бы то ни было. И в то же время, конечно, целомудрие от этого не проигрывало.

1.2 Скульптура Греции эпохи архаики

Период архаики – это период становления древнегреческой скульптуры. Уже понятно стремление скульптора передать красоту идеального человеческого тела, которое в полной мере проявилось в произведениях более поздней эпохи, но слишком трудно еще было отойти художнику от формы каменного блока, и фигуры этого периода всегда статичны.

Первые памятники древнегреческой скульптуры эпохи архаики определяются геометрическим стилем (VIII в.). Это схематичные фигурки, найденные в Афинах, Олимпии, в Беотии. Архаическая эпоха древнегреческой скульптуры приходится на VII - VI вв. (ранняя архаика - около 650 - 580 гг. до н. э.; высокая - 580 - 530 гг.; поздняя - 530 - 500/480 гг.). Начало монументальной скульптуры в Греции относится к середине VII в. до н. э. и характеризуется ориентализирующими стилями, из которых наибольшее значение имел дедаловский, связанный с именем полумифического скульптора Дедала. К кругу «дедаловской» скульптуры относится статуя Артемиды Делосской и женская статуя критской работы, хранящаяся в Лувре («Дама из Оксера»). Серединой VII в. до н. э. датируются и первые куросы. К этому же времени относится первая скульптурная храмовая декорация - рельефы и статуи из Принии на острове Крит. В дальнейшем скульптурная декорация заполняет поля, выделенные в храме самой его конструкцией - фронтоны и метопы в дорическом храме, непрерывный фриз (зофор) - в ионическом. Наиболее ранние фронтонные композиции в древнегреческой скульптуре происходят с афинского Акрополя и из храма Артемиды на острове Керкира (Корфу). Надгробная, посвятительная и культовая статуи представлены в архаике типом куроса и коры. Архаические рельефы украшают базы статуй, фронтоны и метопы храмов (в дальнейшем на место рельефов во фронтонах приходит круглая скульптура), надгробные стелы. Среди знаменитых памятников архаической круглой скульптуры - голова Геры, найденная возле ее храма в Олимпии, статуи Клеобиса и Битона из Дельф, Мосхофор («Тельценосец») с афинского Акрополя, Гера Самосская, статуи из Дидимы, Никка Архерма и др. Последняя статуя демонстрирует архаическую схему так называемого «коленопреклоненного бега», использовавшегося для изображения летящей или бегущей фигуры. В архаической скульптуре принят еще целый ряд условностей - например, так называемая «архаическая улыбка» на лицах архаических скульптур.

В скульптуре архаической эпохи преобладают статуи стройных обнаженных юношей и задрапированных молодых девушек - куросы и коры. Ни детство, ни старость тогда не привлекали внимания художников, ведь только в зрелой молодости жизненные силы находятся в расцвете и равновесии. Раннее греческое искусство создает образы Мужчины и Женщины в их идеальном варианте. В ту эпоху духовные горизонты необычайно раздвинулись, человек как бы почувствовал себя стоящим лицом к лицу с мирозданием и захотел постичь его гармонию, тайну его целостности. Подробности ускользали, представления о конкретном «механизме» вселенной были самые фантастические, но пафос целого, сознание всеобщей взаимосвязи - вот что составляло силу философии, поэзии и искусства архаической Греции*. Подобно тому как философия, тогда еще близкая к поэзии, проницательно угадывала общие принципы развития, а поэзия - сущность человеческих страстей, изобразительное искусство создало обобщенный человеческий облик. Посмотрим на куросов, или, как их иногда называют, «архаических Аполлонов». Не так важно, имел ли намерение художник изобразить действительно Аполлона, или героя, или атлета.Человек молод, обнажен, и его целомудренная нагота не нуждается в стыдливых прикрытиях. Он всегда стоит прямо, его тело пронизано готовностью к движению. Конструкция тела показана и подчеркнута с предельной ясностью; сразу видно, что длинные мускулистые ноги могут сгибаться в коленях и бегать, мышцы живота - напрягаться, грудная клетка - раздуваться в глубоком дыхании. Лицо не выражает никакого определенного переживания или индивидуальных черт характера, но и в нем затаены возможности разнообразных переживаний. И условная «улыбка» - чуть приподнятые углы рта - только возможность улыбки, намек на радость бытия, заложенную в этом, словно только что созданном человеке.

Статуи куросов создавались преимущественно в местностях, где господствовал дорийский стиль, то есть на территории материковой Греции; женские статуи - коры - главным образом в малоазийских и островных городах, очагах ионийского стиля. Прекрасные женские фигуры были найдены при раскопках архаического афинского Акрополя, возведенного в VI веке до н. э., когда там правил Писистрат, и разрушенного во время войны с персами. Двадцать пять столетий были погребены в «персидском мусоре» мраморные коры; наконец их извлекли оттуда, полуразбитыми, но не утратившими своего необыкновенного очарования. Возможно, некоторые из них исполнялись ионическими мастерами, приглашенными Писистратом в Афины; их искусство повлияло на аттическую пластику, которая отныне соединяет в себе черты дорической строгости с ионийской грацией. В корах афинского Акрополя идеал женственности выражен в его первозданной чистоте. Улыбка светла, взор доверчив и как бы радостно изумлен зрелищем мира, фигура целомудренно задрапирована пеплосом - покрывалом, или легким одеянием - хитоном (в эпоху архаики женские фигуры, в отличие от мужских, еще не изображались нагими), волосы струятся по плечам вьющимися прядями. Эти коры стояли на постаментах перед храмом Афины, держа в руке яблоко или цветок.

Архаические скульптуры (как, впрочем, и классические) не были такими однообразно белыми, как мы представляем их сейчас. На многих сохранились следы раскраски. Волосы мраморных девушек были золотистыми, щеки розовыми, глаза голубыми. На фоне безоблачного неба Эллады все это должно было выглядеть очень празднично, но вместе с тем и строго, благодаря ясности, собранности и конструктивности форм, и силуэтов. Чрезмерной цветистости и пестроты не было. Поиски рациональных основ красоты, гармония, основанная на мере и числе,- очень важный момент в эстетике греков. Философы-пифагорейцы стремились уловить закономерные числовые отношения в музыкальных созвучиях и в расположении небесных светил, считая, что гармония музыкальная соответствует природе вещей, космическому порядку, «гармонии сфер». Художники искали математически выверенные пропорции человеческого тела и «тела» архитектуры В этом уже раннее греческое искусство принципиально отличается от крито-микенского, чуждого всякой математике.

Очень живая жанровая сцена: Таким образом, в эпоху архаики были заложены основы древнегреческой скульптуры, направления и варианты ее развития. Уже тогда были понятны основные цели скульптуры, эстетические идеалы и стремления древних греков. В более поздние периоды происходит развитие и совершенствование этих идеалов и мастерства древних скульпторов.

1.3 Скульптура Греции эпохи классики

Классический период древнегреческой скульптуры приходится на V - IV вв.до н.э. (ранняя классика или «строгий стиль» - 500/490 - 460/450 гг. до н.э.; высокая - 450 - 430/420 гг. до н. э.; «богатый стиль» - 420 - 400/390 гг. до н. э.; поздняя классика - 400/390 - ок. 320 гг. до н. э.). На рубеже двух эпох - архаической и классической - стоит скульптурный декор храма Афины Афайи на острове Эгина. Скульптуры западного фронтона относятся ко времени основания храма (510 - 500 гг. до н. э.), скульптуры второго восточного, заменившие прежние, - к раннеклассическому времени (490 - 480 гг. до н. э.). Центральный памятник древнегреческой скульптуры ранней классики - фронтоны и метопы храма Зевса в Олимпии (около 468 - 456 гг. до н. э.). Другое значительное произведение ранней классики - так называемый «Трон Людовизи», украшенный рельефами. От этого времени дошел также ряд бронзовых оригиналов - «Дельфийский возничий», статуя Посейдона с мыса Артемисий, Бронзы из Риаче. Крупнейшие скульпторы ранней классики - Пифагор Регийский, Каламид и Мирон. О творчестве прославленных греческих скульпторов мы судим, главным образом, по литературным свидетельствам и поздним копиям их произведений. Высокая классика представлена именами Фидия и Поликлета. Ее кратковременный расцвет связан с работами на афинском Акрополе, то есть со скульптурной декорацией Парфенона (дошли фронтоны, метопы и зофор, 447 - 432 гг. до н. э.). Вершиной древнегреческой скульптуры были, no-видимому, хрисоэлефантинные статуи Афины Парфенос и Зевса Олимпийского работы Фидия (обе не сохранились). «Богатый стиль» свойственен произведениям Каллимаха, Алкамена, Агоракрита и других скульпторов к. V в. до н. э.. Его характерные памятники - рельефы баллюстрады небольшого храма Ники Аптерос на афинском Акрополе (около 410 г. до н. э.) и ряд надгробных стел, среди которых наиболее известна стела Гегесо. Важнейшие произведения древнегреческой скульптуры поздней классики - декорация храма Асклепия в Эпидавре (около 400 - 375 гг. до н. э.), храма Афины Алей в Тегее (около 370 - 350 гг. до н. э.), храма Артемиды в Эфесе (около 355 - 330 гг. до н. э.) и Мавзолея в Галикарнассе (ок. 350 г. до н. э.), над скульптурной декорацией которого работали Скопас, Бриаксид, Тимофей и Леохар. Последнему приписываются также статуи Аполлона Бельведерского и Дианы Версальской. Имеется и ряд бронзовых оригиналов IV в. до н. э. Крупнейшие скульпторы поздней классики - Праксителъ, Скопас и Лисипп, во многом предвосхитившие последующую эпоху эллинизма.

Греческая скульптура частично уцелела в обломках и фрагментах. Большинство статуй известно нам по римским копиям, которые исполнялись во множестве, но не передавали красоты оригиналов. Римские копиисты их огрубляли и засушивали, а переводя бронзовые изделия в мрамор, уродовали их неуклюжими подпорками. Большие фигуры Афины, Афродиты, Гермеса, Сатира, которые мы сейчас видим в залах Эрмитажа,- это только бледные перепевы греческих шедевров. Проходишь мимо них почти равнодушно и вдруг останавливаешься перед какой-нибудь головой с отбитым носом, с попорченным глазом: это греческий подлинник! И поразительной силой жизни вдруг повеет от этого обломка; сам мрамор иной, чем в римских статуях,- не мертвенно-белый, а желтоватый, сквозистый, светоносный (греки еще натирали его воском, что придавало мрамору теплый тон). Так нежны тающие переходы светотени, так благородна мягкая лепка лица, что невольно вспоминаются восторги греческих поэтов: действительно эти скульптуры дышат, действительно они живые*. В скульптуре первой половины века, когда шли войны с персами, преобладал мужественный, строгий стиль. Тогда была создана статуарная группа тираноубийц: зрелый муж и юноша, стоя бок о бок, делают порывистое движение вперед, младший заносит меч, старший заслоняет его плащом. Это памятник историческим лицам - Гармодию и Аристогитону, убившим несколькими десятилетиями раньше афинского тирана Гиппарха,- первый в греческом искусстве политический монумент. Он вместе с тем выражает героический дух сопротивления и свободолюбия, вспыхнувший в эпоху греко-персидских войн. «Не рабы они у смертных, не подвластны никому»,- говорится об афинянах в трагедии Эсхила «Персы». Сражения, схватки, подвиги героев... Этими воинственными сюжетами переполнено искусство ранней классики. На фронтонах храма Афины в Эгине - борьба греков с троянцами. На западном фронтоне храма Зевса в Олимпии - борьба лапифов с кентаврами, на метопах - все двенадцать подвигов Геракла. Другой излюбленный комплекс мотивов - гимнастические состязания; в те далекие времена физическая тренированность, мастерство телодвижений имели решающее значение и для исхода битв, поэтому атлетические игры были далеко не только развлечением. Темы рукопашных схваток, конных состязаний, состязаний в беге, в метании диска научили ваятелей изображать человеческое тело в динамике. Архаическая застылость фигур была преодолена. Теперь они действуют, движутся; появляются сложные позы, смелые ракурсы, широкие жесты. Ярчайшим новатором выступил аттический скульптор Мирон. Главнейшей задачей Мирона было выразить возможно полно и сильно движение. Металл не допускает такой точной и тонкой работы, как мрамор, и, быть может, потому он обратился к изысканию ритма движения. Равновесие, величавый «этос», сохраняется в классической скульптуре строгого стиля. Движение фигур не бывает ни беспорядочным, ни чрезмерно возбужденным, ни слишком стремительным. Даже в динамических мотивах схватки, бега, падения не утрачивается ощущение «олимпийского спокойствия», целостной пластической завершенности, самозамкнутости.

Афина, которую он сделал по заказу Платеи и которая обошлась этому городу очень дорого, упрочила известность молодого скульптора. Ему была заказана для Акрополя колоссальная статуя Афины-покровительницы. Она достигала 60 футов высоты и превышала все окрестные здания; издали, с моря, она сияла золотой звездой и царила надо всем городом. Она не была акролитной (составной), как Платейская, но вся литая из бронзы. Другая статуя Акрополя, Афина-девственница, сделанная для Парфенона, состояла из золота и слоновой кости. Афина была изображена в боевом костюме, в золотом шлеме с горельефным сфинксом и грифами по бокам. В одной руке она держала копье, в другой фигуру победы. У ног ее вилась змея - хранительница Акрополя. Статуя эта считается лучшим уверением Фидия после его Зевса. Она послужила оригиналом для бесчисленных копий. Но верхом совершенства из всех работ Фидия считается его Зевс Олимпийский. Это был величайший труд его жизни: сами греки отдавали ему пальму первенства. Он производил на современников неотразимое впечатление.

Зевс был изображен на троне. В одной руке он держал скипетр, в другой - изображение победы. Тело было из слоновой кости, волосы - золотые, мантия - золотая, эмалированная. В состав трона входили и черное дерево, и кость, и драгоценные камни. Стенки между ножек были расписаны двоюродным братом Фидия, Паненом; подножие трона было чудом скульптуры. Преклонение греков перед красотой и мудрым устройством живого тела было так велико, что они эстетически мыслили его не иначе как в статуарной законченности и завершенности, позволяющей оценить величавость осанки, гармонию телодвижений. Но все же выразительность заключалась не столько в выражениях лиц, сколько в движениях тела. Глядя на таинственно-безмятежных мойр Парфенона, на стремительную резвую Нику, развязывающую сандалию, мы чуть ли не забываем, что у них отбиты головы,- так красноречива пластика их фигур.

Действительно, тела греческих статуй необычайно одухотворены. Французский скульптор Роден сказал об одной из них: «Этот юношеский торс без головы радостнее улыбается свету и весне, чем могли бы это сделать глаза и губы». Движения и позы в большинстве случаев просты, естественны и не обязательно связаны с чем-то возвышенным. Головы греческих статуй, как правило, имперсональны, то есть мало индивидуализированы, приведены к немногим вариациям общего типа, но этот общий тип обладает высокой духовной емкостью. В греческом типе лица торжествует идея «человеческого» в его идеальном варианте. Лицо делится на три равные по длине части: лоб, нос и нижняя часть. Правильный, нежный овал. Прямая линия носа продолжает линию лба и образует перпендикуляр линии, проведенной от начала носа до отверстия уха (прямой лицевой угол). Продолговатый разрез довольно глубоко сидящих глаз. Небольшой рот, полные выпуклые губы, верхняя губа тоньше нижней и имеет красивый плавный вырез наподобие лука амура. Подбородок крупный и круглый. Волнистые волосы мягко и плотно облегают голову, не мешая видеть округлую форму черепной коробки. Эта классическая красота может показаться однообразной, но, являя собой выразительный «природный облик духа», она поддается варьированию и способна воплощать различные типы античного идеала. Немного больше энергии в складе губ, в выступающем вперед подбородке - перед нами строгая девственная Афина. Больше мягкости в очертаниях щек, губы слегка полуоткрыты, глазные впадины затенены - перед нами чувственный лик Афродиты. Овал лица более приближен к квадрату, шея толще, губы крупнее - это уже образ молодого атлета. А в основе остается все тот же строго пропорциональный классический облик.

После войны….Меняется характерная поза стоящей фигуры. В эпоху архаики статуи стояли совершенно прямо, фронтально. Зрелая классика оживляет и одушевляет их сбалансированными, плавными движениями, сохраняя равновесие и устойчивость. А статуи Праксителя - отдыхающий Сатир, Аполлон Сауроктон - с ленивой грацией опираются на столбы, без них им пришлось бы упасть. Бедро с одной стороны выгнуто очень сильно, а плечо опущено низко навстречу бедру - Роден сравнивает это положение тела с гармоникой, когда мехи сжаты с одной стороны и раздвинуты с другой. Для равновесия необходима внешняя опора. Это поза мечтательного отдыха. Пракситель следует традициям Поликлета, использует найденные им мотивы движений, но развивает их так, что в них просвечивает уже иное внутреннее содержание. «Раненая амазонка» Поликлетай тоже опирается на полуколонну, но она могла бы устоять и без нее, ее сильное, энергичное тело, даже страдая от раны, прочно стоит на земле. Аполлон Праксителя не поражен стрелой, он сам целится в ящерицу, бегущую по стволу дерева,- действие, казалось бы, требует волевой собранности, тем не менее тело его неустойчиво, подобно колеблющемуся стеблю. И это не случайная частность, не прихоть скульптора, а своего рода новый канон, в котором находит выражение изменившийся взгляд на мир. Впрочем, не только характер движений и поз изменился в скульптуре 4 века до н. э. У Праксителя другим становится круг излюбленных тем, он уходит от героических сюжетов в «легкий мир Афродиты и Эрота». Он изваял знаменитую статую Афродиты Книдской. Пракситель и художники его круга не любили изображать мускулистые торсы атлетов, их влекла нежная красота женского тела с мягкими перетеканиями объемов. Они предпочитали тип отрока, - отличающийся «первой младости красой женоподобной». Пракситель славился особенной мягкостью лепки и мастерством обработки материала, способностью в холодном мраморе передавать теплоту живого тела2.

Единственным уцелевшим подлинником Праксителя считают мраморную статую «Гермес с Дионисом», найденную в Олимпии. Обнаженный Гермес, облокотившись на ствол дерева, куда небрежно брошен его плащ, держит на одной согнутой руке маленького Диониса, а в другой - гроздь винограда, к которой тянется ребенок (рука, держащая виноград, утрачена). Все Очарование живописной обработки мрамора есть в этой статуе, особенно в голове Гермеса: переходы света и тени, тончайшее «сфумато» (дымка), которого, много столетий спустя, добивался в живописи Леонардо да Винчи. Все другие произведения мастера известны только по упоминаниям античных авторов и позднейшим копиям. Но дух искусства Праксителя веет над IV веком до н. э., и лучше всего его можно почувствовать не в римских копиях, а в мелкой греческой пластике, в танагрских глиняных статуэтках. Они выделывались в конце века в большом количестве, это было своего рода массовое производство с главным центром в Танагре. (Очень хорошая их коллекция хранится в ленинградском Эрмитаже.) Некоторые статуэтки воспроизводят известные большие статуи, другие просто дают разнообразные свободные вариации задрапированной женской фигуры. Живая грация этих фигур, мечтательных, задумчивых, шаловливых,- эхо искусства Праксителя.

1.4 Скульптура Греции эпохи эллинизма

В самом понятии «эллинизм» содержится косвенное указание на победу эллинского начала. Даже в отдаленных областях эллинистического мира, в Бактрии и Парфии (нынешняя Средняя Азия), появляются своеобразно претворенные античные формы искусства. А Египет трудно узнать, его новый город Александрия - это уже настоящий просвещенный центр античной культуры, где расцветают и точные, и гуманитарные науки, и философские школы, берущие начало от Пифагора и Платона. Эллинистическая Александрия дала миру великого математика и физика Архимеда, геометра Евклида, Аристарха Самосского, который за восемнадцать столетий до Коперника доказывал, что Земля вращается вокруг Солнца. Шкафы знаменитой Александрийской библиотеки, обозначенные греческими буквами, от альфы до омеги, хранили сотни тысяч свитков - «сочинений, просиявших во всех областях знания». Там высился грандиозный Фаросский маяк, причисляемый к семи чудесам света; там был создан Мусейон, дворец муз - прообраз всех будущих музеев. По сравнению с этим богатым и пышным портовым городом, столицей птолемеевского Египта, города греческой метрополии, даже Афины, вероятно, выглядели скромными. Но эти скромные, небольшие города были главными источниками тех культурных сокровищ, которые в Александрии хранились и почитались, тех традиций, которым продолжали следовать. Если эллинистическая наука была многим обязана наследию Древнего Востока, то пластические искусства сохранили преимущественно греческий характер.

Основные формообразующие принципы шли от греческой классики, содержание становилось другим. Происходило решительное размежевание государственной и частной жизни. В эллинистических монархиях устанавливается культ единоличного правителя, приравненного к божеству, наподобие того, как было в древневосточных деспотиях. Но подобие относительное: «частный человек», которого политические бури не касаются или только слегка задевают, далеко не так обезличен, как в древних восточных государствах. У него своя жизнь: он купец, он предприниматель, он чиновник, он ученый. К тому же он часто грек по происхождению - после завоеваний Александра началось массовое переселение греков на восток,- ему не чужды понятия о человеческом достоинстве, воспитанные греческой культурой. Пусть он удален от власти и государственных дел - его обособившийся частный мир требует и находит для себя художественное выражение, основой которого являются традиции поздней греческой классики, переработанные в духе большей интимности и жанровости. А в искусстве «государственном», официальном, в больших общественных сооружениях и монументах, те же традиции перерабатываются, напротив, в сторону помпезности.

Помпезность и интимность - черты противоположные; эллинистическое искусство исполнено контрастов - гигантского и миниатюрного, парадного и бытового, аллегорического и натурального. Мир стал сложнее, многообразнее эстетические запросы. Главная тенденция - отход от обобщенного человеческого типа к пониманию человека как существа конкретного, индивидуального, а отсюда и возрастающее внимание к его психологии, интерес к событийности, и новая зоркость к национальным, возрастным, социальным и прочим приметам личности. Но так как все это выражалось на языке, унаследованном от классики, не ставившей перед собой подобных задач, то в новаторских произведениях эллинистической эпохи чувствуется некая неорганичность, они не достигают целостности и гармонии своих великих предтеч. Портретная голова героизированной статуи «Диадоха» не вяжется с его обнаженным торсом, повторяющим тип классического атлета. Драматизму многофигурной скульптурной группы «Фарнезский бык» противоречит «классическая» репрезентативность фигур, их позы и движения слишком красивы и плавны, чтобы можно было поверить в истинность их переживаний. В многочисленных парковых и камерных скульптурах традиции Праксителя мельчают: Эрот, «великий и властный бог», превращается в шаловливого, игривого Купидона; Аполлон - в кокетливо-изнеженного Аполлино; усиление жанровости не идет им на пользу. А известным эллинистическим статуям старух, несущих провизию, пьяной старухи, старого рыбака с дряблым телом недостает силы образного обобщения; искусство осваивает эти новые для него типы внешне, не проникая в глубину,- ведь классическое наследие не давало к ним ключа. Статуя Афродиты, традиционно называемая Венерой Милосской, была найдена в 1820 году на острове Мелос и сразу получила всемирную известность как совершенное создание греческого искусства. Эту высокую оценку не поколебали многие позднейшие находки греческих подлинников - Афродита Милосская занимает среди них особое место. Исполненная, по-видимому, во II веке до н. э. (скульптором Агесандром или Александром, как гласит полустершаяся надпись на цоколе), она мало похожа на современные ей статуи, изображающие богиню любви. Эллинистические афродиты чаще всего восходили к типу Афродиты Книдской Праксителя, делая ее чувственно-соблазнительной, даже слегка жеманной; такова, например, известная Афродита Медицейская. Афродита Милосская, обнаженная только наполовину, задрапированная до бедер, строга и возвышенно спокойна. Она олицетворяет не столько идеал женской прелести, сколько идеал человека в общем и высшем значении. Русский писатель Глеб Успенский нашел удачное выражение: идеал «распрямленного человека»,Статуя сохранилась хорошо, но у нее отбиты руки. Высказывалось много предположений о том, что делали эти руки: держала ли богиня яблоко? или зеркало? или она придерживала край своей одежды? Убедительной реконструкции не найдено, в сущности, в ней и нет нужды. «Безрукость» Афродиты Милосской с течением времени стала как бы ее атрибутом, она нисколько не мешает ее красоте и даже усиливает впечатление величавости фигуры. И так как не сохранилось ни одной неповрежденной греческой статуи, то именно в таком, отчасти поврежденном состоянии Афродита предстает перед нами, как «мраморная загадка», загаданная нам античностью, как символ далекой Эллады.

Еще один замечательный памятник эллинизма (из тех, что дошли до нас, а сколько исчезнувших!) - алтарь Зевса в Пергаме. Пергамская школа более других тяготела к патетике и драматизму, продолжая традиции Скопаса. Ее художники не всегда прибегали к мифологическим сюжетам, как это было в классическую эпоху. На площади пергамского Акрополя стояли скульптурные группы, увековечивавшие подлинное историческое событие - победу над «варварами», племенами галлов, осаждавшими Пергамское царство. Полные экспрессии и динамики, эти группы примечательны еще тем, что художники отдают должное побежденным, показывая их и доблестными и страдающими. Они изображают галла, убивающего свою жену и себя, чтобы избежать плена и рабства; изображают смертельно раненного галла, полулежащего на земле с низко опущенной головой. По лицу и фигуре сразу видно, что это «варвар», иноземец, но умирает он героической смертью, и это показано. В своем искусстве греки не унижались до того, чтобы унижать своих противников; эта черта этического гуманизма выступает с особенной наглядностью, когда противники - галлы - изображены реалистически. После походов Александра вообще многое изменилось в отношении к иноземцам. Как пишет Плутарх, Александр считал себя примирителем вселенной, «заставляя всех пить... из одной и той же чаши дружбы и смешивая вместе жизни, нравы, браки и формы жизни». Нравы и формы жизни, а также формы религии действительно стали смешиваться в эпоху эллинизма, но дружба не воцарилась и мир не настал, раздоры и войны не прекращались. Войны Пергама с галлами - только один из эпизодов. Когда наконец победа над галлами была одержана окончательно, в честь ее и был воздвигнут алтарь Зевса, законченный постройкой в 180 году до н. э. На этот раз долголетняя война с «варварами» предстала как гигантомахия - борьба олимпийских богов с гигантами. Согласно древнему мифу, гиганты - великаны, обитавшие далеко на западе, сыновья Геи (Земли) и Урана (Неба),- восстали против олимпийцев, но были побеждены ими после ожесточенной битвы и погребены под вулканами, в глубоких недрах матери-земли, оттуда они напоминают о себе вулканическими извержениями и землетрясениями. Грандиозный мраморный фриз, протяженностью около 120 метров, исполненный в технике горельефа, опоясывал цоколь алтаря. Остатки этого сооружения были раскопаны в 1870-х годах; благодаря кропотливой работе реставраторов удалось соединить тысячи обломков и составить достаточно полное представление об общей композиции фриза. Могучие тела громоздятся, сплетаются, подобно клубку змей, поверженных гигантов терзают косматогривые львы, впиваются зубами собаки, топчут ногами кони, но гиганты яростно сражаются, их предводитель Порфирион не отступает перед громовержцем Зевсом. Мать гигантов Гея молит пощадить ее сыновей, но ей не внемлют. Битва страшна. Есть нечто предвещающее Микеланджело в напряженных ракурсах тел, в их титанической мощи и трагедийном пафосе. Хотя битвы и схватки были частой темой античных рельефов, начиная с архаики, их никогда не изображали так, как на Пергамском алтаре,- с таким вызывающим содрогание ощущением катаклизма, сражения не на жизнь, а на смерть, где участвуют все космические силы, все демоны земли и неба. Изменился строй композиции, она утратила классическую ясность, стала клубящейся, запутанной. Вспомним фигуры Скопаса на рельефе Галикарнасского мавзолея. Они, при всем их динамизме, расположены в одной пространственной плоскости, их разделяют ритмические интервалы, каждая фигура обладает известной самостоятельностью, массы и пространство уравновешены. Иное в Пергамском фризе - сражающимся здесь тесно, масса подавила пространство, и все фигуры так сплетены, что образуют бурное месиво тел. А тела все еще классически прекрасны, «то лучезарные, то грозные, живые, мертвые, торжествующие, гибнущие фигуры»,- как сказал о них И. С. Тургенев*. Прекрасны олимпийцы, прекрасны и их враги. Но гармония духа колеблется. Искаженные страданием лица, глубокие тени в глазных орбитах, змеевидно разметавшиеся волосы... Олимпийцы пока еще торжествуют над силами подземных стихий, но победа эта ненадолго - стихийные начала грозят взорвать стройный, гармонический мир. Так же как искусство греческой архаики не следует оценивать только как первые предвестия классики, так и эллинистическое искусство в целом нельзя считать поздним отголоском классики, недооценивая того принципиально нового, что оно принесло. Это новое было связано и с расширением кругозора искусства, и с его пытливым интересом к человеческой личности и конкретным, реальным условиям ее жизни. Отсюда, прежде всего, развитие портрета, индивидуального портрета, которого почти не знала высокая классика, а поздняя классика находилась лишь на подступах к нему. Эллинистические художники, даже делая портреты людей, которых уже давно не было в живых, давали им психологическое истолкование и стремились выявить неповторимость и внешнего и внутреннего облика. Не современники, а потомки оставили нам лики Сократа, Аристотеля, Еврипида, Демосфена и даже легендарного Гомера, вдохновенного слепого сказителя. Удивителен по реализму и экспрессии портрет неизвестного старого философа - как видно, непримиримого страстного полемиста, чье морщинистое лицо с резкими чертами не имеет ничего общего с классическим типом. Раньше его считали портретом Сенеки, но знаменитый стоик жил позже, чем был изваян этот бронзовый бюст.

Впервые предметом пластики становится ребенок со всеми анатомическими особенностями детского возраста и со всем очарованием, ему свойственным. В классическую эпоху маленьких детей если и изображали, то скорее как миниатюрных взрослых. Даже у Праксителя в группе «Гермес с Дионисом» Дионис мало похож на младенца по своей анатомии и пропорциям. Кажется, только теперь заметили, что ребенок - совсем особое существо, резвое и лукавое, со своими особенными повадками; заметили и так пленились им, что самого бога любви Эрота стали представлять ребенком, положив начало традиции, утвердившейся на века. Пухлые кудрявые малыши эллинистических ваятелей заняты всевозможными проделками: катаются на дельфине, возятся с птицами, даже душат змей (это малютка Геракл). Особенной популярностью пользовалась статуя мальчика, дерущегося с гусем. Такие статуи ставились в парках, были украшением фонтанов, помещались в святилищах Асклепия, бога врачевания, а иногда использовались для надгробий.

Заключение

Мы рассмотрели скульптуру Древней Греции на протяжении всего периода ее развития. Мы увидели весь процесс ее становления, расцвета и упадка – весь переход от строгих, статичных и идеализированных форм архаики через уравновешенную гармонию классической скульптуры к драматичному психологизму эллинистических статуй. Скульптура Древней Греции по праву считалась образцом, идеалом, каноном на протяжении многих веков и сейчас она не перестает быть признанным шедевром мировой классики. Ни до, ни после не было достигнуто ничего подобного. Всю современную скульптуру можно считать в той или иной степени продолжением традиций Древней Греции. Скульптура Древней Греции в своем развитии прошла сложный путь, подготовив почву для развития пластики последующих эпох в различных странах. В более позднее время традиции древнегреческой скульптуры были обогащены новыми наработками и достижениями, античные же каноны послужили необходимой основой, базой для развития пластического искусства всех последующих эпох.