Возникновения импрессионизма. История становления импрессионизма в живописи и музыке

Ныне шедевры художников-импрессионистов воспринимаются нами в контексте мирового искусства: для нас они давным-давно стали классикой. Тем не менее так было отнюдь не всегда. Случалось, что их полотна не пропускали на официальные выставки, критиковали в прессе, не желали покупать даже за символическую плату. Были годы отчаяния, нужды и лишений. И борения за возможность живописать мир таким, каким они его лицезрели. Понадобилось много десятилетий, дабы большинство смогло постичь и воспринять , увидеть себя их глазами. Каким же он был, тот мир, в который в начале 1860-х годов вторгся импрессионизм, будто бодрый ветер, дарующий преображения?

Общественные сотрясения конца XVIII столетия, революции во Франции и Америке, преобразовали саму сущность западной культуры, что не могло не воздействовать на роль искусства в стремительно меняющемся обществе. Привыкшие к социальному заказу со стороны царствующей династии или церкви, художники вдруг обнаружили, что остались без своих клиентов. Дворянство и духовенство, основные заказчики искусства, испытывали серьёзные затруднения. Установилась новая пора, эпоха капитализма, полным образом преобразившая правила и приоритеты.

Постепенно в создавшихся республиках и демократически устроенных державах рос состоятельный средний класс, в результате чего начал живо развиваться новый рынок искусства. К сожалению, предпринимателям и торговцам, как правило, не хватало наследственной культуры и воспитания, без которых нельзя было верно оценить разнообразие сюжетных аллегорий или искусное исполнительское мастерство, издавна прельщавшие аристократию.

Не выдаваясь аристократичным воспитанием и образованием, представители среднего класса, сделавшиеся потребителями искусства, обязаны были ориентироваться первоначально на соображения газетных критиков и должностных экспертов. Старые академии искусств, являющиеся хранителями классических устоев, стали центральными арбитрами в вопросах художественных тяготений. Не парадоксально, что некоторые юные и ищущие живописцы, которым опротивел конформизм, бунтовали против формального засилья академизма в искусстве.

Одним из существенных оплотов академизма тех времён стали патронируемые властью выставки современного искусства. Подобные выставки именовались Салонами - по традиции, обращающейся к наименованию зала в Лувре, где некогда придворные художники выставляли свои полотна.

Участие в Салоне было единым шансом приковать к своим произведениям интерес прессы и клиентов. Огюст Ренуар в одном из писем к Дюран-Рюэлю так отзывается о сложившихся положениях вещей: «Во всем Париже едва ли отыщется пятнадцать почитателей, способных признать художника без помощи Салона, и тысяч восемьдесят человек, которые не приобретут даже квадратного сантиметра холста, если художник не принят в Салон».

Юным живописцам не светило ничего другого, помимо как фигурировать в Салонах: на выставке они могли услышать нелестные слова не только членов жюри, но и глубоко уважаемых живописцев, таких, как Эжен Делакруа, Гюстав Курбе, Эдуард Мане, бывших любимцами молодежи, тем самым получив толчок к последующему творчеству. Кроме того, Салон был уникальной возможностью приобрести заказчика, быть примеченным, устроить карьеру в искусстве. Награда Салона знаменовала для художника залог профессионального признания. И напротив, если жюри отклоняло предъявленную работу, это было равнозначно эстетическому отстранению.

Часто предложенная на рассмотрение картина не соответствовала привычным канонам, за что и отклонялась жюри Салона: в художественной среде этот эпизод подымал скандал и сенсацию.

Одним из художников, чья причастность к Салону неизменно создавала скандал и причиняла академикам уйму беспокойств, был Эдуард Мане. Большим скандалом сопровождались демонстрации его полотен «Завтрак на траве» (1863) и «Олимпия» (1865), созданные в необычно резкой манере, содержащие чуждую Салону эстетику. А на картине «Происшествие на корриде», представленной в Салоне 1864 года, сказалась увлеченность художника творчеством Гойи. На переднем плане Мане нарисовал распростертую фигуру тореадора. Фоном картины служила простиравшаяся вглубь арена и ряды обескураженных, онемелых зрителей. Такая острая и вызывающая композиция спровоцировала массу саркастических отзывов и газетных карикатур. Задетый критикой, Мане разорвал свою картину на две части.

Надо отметить, что критики и карикатуристы не стыдились в подборе слов и способов, чтобы побольнее оскорбить художника, подтолкнуть его на какие-то ответные поступки. «Художник, отклоненный Салоном», а впоследствии «Импрессионист», стали любимыми мишенями журналистов, зарабатывающими на публичных скандалах. Неутихающие раздоры Салона с живописцами других понятий и тяготений, которым надоели строгие границы устаревшего академизма, многозначительно знаменовали о серьезном упадке, который назрел к тому времени в искусстве 2-ой половины XIX века. Консервативное жюри Салона 1863 года отклонило столько полотен, что император Наполеон III счел необходимым лично поддержать иную, параллельную выставку, чтобы зритель мог сопоставить принятые произведения с отклоненными. Эта выставка, приобретшая имя «Салон Отверженных», стала чрезвычайно модным местом увеселения - сюда ходили посмеяться и поостроумничать.

Дабы миновать академическое жюри, имущие живописцы могли учреждать и самостоятельные индивидуальные выставки. Замысел выставки одного художника впервые огласил художник-реалист Гюстав Курбе. Он подал на Парижскую Всемирную выставку 1855 года серию своих произведений. Отборочный комитет одобрил его пейзажи, но забраковал тематические программные картины. Тогда Курбе, вопреки устоям, воздвиг в близости со Всемирной выставкой персональный павильон. Хотя широкая живописная манера Курбе произвела впечатление на престарелого Делакруа, зрителей в его павильоне было немного. Во время Всемирной выставки в 1867 году Курбе возобновил этот опыт с большим триумфом - на этот раз он развесил все свои работы в отдельном помещении. Эдуард Мане взяв пример с Курбе, открыл во время той же выставки собственную галерею для ретроспективной демонстрации своих полотен.

Создание персональных галерей и частное издание каталогов предполагали ощутимую затрату ресурсов - несравненно больших, чем те, которыми зачастую владели художники. Однако, случаи с Курбе и Мане натолкнули молодых живописцев на замысел групповой выставки художников новых течений, не принимаемых официальным Салоном.

Кроме социальных изменений на искусство XIX столетия в ощутимой мере подействовали и научные исследования. В 1839 году Луи Дагерр в Париже и Генри Фокс Тальбот в Лондоне продемонстрировали созданные ими независимо друг от друга фотографические аппараты. Вскоре после этого события фотография избавила художников и графиков от обязанности просто увековечивать людей, места и происшествия. Освобожденные от долга срисовывать объект, многие живописцы устремились к сфере передачи собственного, субъективного, выражению на полотне эмоций.

Фотоснимок породил в европейском искусстве иные взгляды. Объектив, с другим углом зрения нежели глаз человека, сформировал фрагментарное представление композиции. Смена угла съёмки подтолкнула художников к новым композиционным видениям, которые стали основой эстетики импрессионизма. Одним из главных принципов этого течения стала спонтанность.

В этом же 1839 году, когда был создан фотоаппарат, химик из лаборатории парижской мануфактуры Гобеленов Мишель Эжен Шеврёль впервые опубликовывал логичное истолкование восприятия цвета человеческим глазом. Создавая красители для тканей, он удостоверился в существовании трех основных цветов - красного, желтого и синего, при смешивании которых возникают все прочие цвета. При содействии цветового круга Шеврёль доказал, как рождаются оттенки, чем не только замечательно проиллюстрировал непростую научную задумку, но и представил художникам рабочую концепцию смешения красок. Американский физик Огден Руд и немецкий ученый Герман фон Гельмгольи со своей стороны дополнили это изобретение разработками в области оптики.

В 1841 году американский ученый и живописец Джон Рэнд запатентовал созданные им оловянные тюбики для скоропортящихся красок. Прежде художник, уходя писать на пленэре, вынужден был сперва смешивать в мастерской необходимые ему краски и после заливать их в стеклянные ёмкости, которые часто бились, или в пузыри из внутренностей животных, которые быстро давали течь. С приходом рэндовских тюбиков люди искусства получили преимущество взять с собой на пленэр все разнообразие цветов и оттенков. Это открытие в большой степени оказало влияние на обилие цветовой гаммы художников, и вдобавок убедило их отправиться из своих мастерских на природу. В скором времени, как подметил один остряк, в сельской окрестности пейзажистов стало больше, чем крестьян.

Пионерами живописи на пленэре были художники Барбизонской школы, приобретшей свое прозвание от деревушки Барбизон возле леса Фонтенбло, где ими было создано большинство пейзажей.

Если старшие живописцы Барбизонской школы (Т. Руссо, Ж. Дюпре) в своем творчестве еще основывались на наследии героического пейзажа, то представители младшего поколения (Ш. Добиньи, К. Коро) наделили этот жанр чертами реализма. На их полотнах изображены пейзажи, чуждые академической идеализации.

В своих картинах барбизонцы старались воссоздать многообразие состояний природы. Именно поэтому они живописали с натуры, стараясь запечатлеть в них непосредственность своего восприятия. Впрочем применение застарелых академических способов и средств в живописи не помогло им достигнуть того, что позднее удалось импрессионистам. Вопреки этому вклад художников Барбизонской школы в формирование жанра неопровержим: покинув мастерские ради пленэра, они предложили пейзажной живописи новые пути развития.

Один из сторонников живописи на натуре, Эжен Буден, наставлял своего юного воспитанника Клода Моне, что необходимо творить на пленэре - среди света и воздуха, живописать то, что созерцаешь. Это правило стало основой пленэрной живописи. Моне вскорости представил своим друзьям, Огюсту Ренуару, Альфреду Сислею и Фредерику Базилю, новую теорию: живописать только то, что наблюдаешь на конкретном отдалении и при конкретном освещении. По вечерам в парижских кафе молодые живописцы радостно делились соображениями и с пылом дискутировали о своих новых открытиях.

Так появился импрессионизм - революционное направление в искусстве последней трети XIX - начале XX веков. Живописцы, ступившие на путь импрессионизма, старались более естественно и правдиво запечатлеть в своих произведениях окружающий мир и обыденную реальность в их нескончаемой подвижности и непостоянности, выразить свои мимолетные ощущения.

Импрессионизм стал ответом на застой властвовавшего в те годы в искусстве академизма, стремлением освободить живопись из того безвыходного положения, в которое она угодила по вине художников Салона. О том, что современное искусство находится в упадке, твердили многие прогрессивно настроенные люди: Эжен Делакруа, Густав Курбе, Шарль Бодлер. Импрессионизм явился для «страдающего организма» своего рода шоковой терапией.

С появлением молодых художников-жанристов Эдуарда Мане, Огюста Ренуара, Эдгара Дега ветер перемен ворвался во французскую живопись, даруя непосредственность созерцания жизни, подачу скоротечных, как бы неожиданных ситуаций и движений, иллюзорную зыбкость и неуравновешенность форм, отрывочность композиции, непредсказуемые точки зрения и ракурсы.

По вечерам, когда художники уже не имели возможности писать свои полотна из-за скудного осветления, они покидали свои мастерские и просиживали за пылкими спорами в парижских кафе. Так кафе Гербуа стало одним из неизменных мест встречи горстки художников, объединившихся вокруг Эдуарда Мане. По четвергам проходили регулярные встречи, да и в другие дни там можно было застать группу оживленно беседующих или спорящих художников. Клод Моне так описывал собрания в кафе Гербуа: «Не могло быть ничего более увлекательного, чем эти встречи и нескончаемое столкновение взглядов. Они обостряли наш ум, побуждали наши благородные и сердечные стремления, давали нам заряд энтузиазма, подкреплявший нас в течение многих недель, пока вконец не оформлялась идея. Мы покидали эти собрания в приподнятом настроении, с упрочившейся волей, с помышлениями более отчётливыми и ясными».

В преддверии 1870-х годов основался импрессионизм и во французском пейзаже: Клод Моне, Камиль Писсарро, Альфред Сислей первые разработали последовательную систему пленэра. Они писали свои полотна без эскизов и набросков на открытом воздухе сразу на холсте, воплощая в своих картинах искрящийся солнечный свет, сказочное изобилие красок природы, растворение представляемых предметов в среде, вибрации света и воздуха, буйство рефлексов. Для достижения этой цели изрядно содействовала исследованная ими во всех деталях колористическая система, при которой естественный цвет разлагался на цвета солнечного спектра. Для создания необыкновенно яркой, нежной красочной фактуры, художники накладывали на полотно отдельными мазками чистый цвет, при этом ожидалось оптическое смешение в глазу человека. Этот приём, позднее преобразованный и теоретически аргументированный, стал центральным другого выдающегося художественного устремления - пуантилизма, именованного «дивизионизм» (с франц. «diviser» - делить).

Повышенный интерес импрессионисты проявляли к связям объекта и среды. Предметом их скрупулёзного творческого анализа стало преобразование цвета и характера предмета в меняющемся окружении. Для достижения этого замысла один и тот же предмет изображался неоднократно. С добавлением чистого цвета в тени и рефлексы, черная краска почти оставила палитру.

Критик Жюль Лафорг так отзывался о явлении импрессионизма: «Импрессионист видит и передает природу, как она есть, то есть единственно феерическими вибрациями. Рисунок, свет, объём, перспектива, светотень - все это уходящая в быль классификация. Оказывается, все обусловливается вибрациями цвета и должно быть запечатлено на полотне вибрациями цвета».

Благодаря занятиям на открытом воздухе и встречам в кафе 27 декабря 1873 года возникло «Анонимное , скульпторов, граверов и пр.» - так сперва нарекли себя импрессионисты. Первая выставка общества состоялась весной годом позже в Коммерческой галерее Надара, фотографа-экспериментатора, приторговывавшего вдобавок творениями современного искусства.

Дебют пришелся на 15 апреля 1874 года. Выставку планировалось проводить месяц, время посещений - с десяти до шести и, что также стало новшеством, с восьми до десяти вечера. Входной билет стоил один франк, каталоги можно было приобрести по пятьдесят сантимов. В первое время выставка, похоже, была заполнена посетителями, но толпа занималась там разве только глумлением. Кое-кто шутил, что задачу этих художников можно достигнуть, если пистолет зарядить разными тюбиками краски, затем выстрелить в полотно и окончить дело подписью.

Мнения разделились: либо выставку вообще не принимали всерьез, либо раскритиковывали в пух и прах. Общее восприятие можно выразить в следующей статье саркастического устремления «Выставка импрессионистов», с подписью Луи Леруа, опубликованная в форме фельетона. Здесь описан диалог автора с академиком-пейзажистом, награждённого медалями, вместе они проходят по залам выставки:

«...Неосмотрительный художник пришел туда, не предполагая ничего плохого, он рассчитывал увидеть там полотна, какие можно встретить всюду, показательные и никудышные, больше никудышных, чем показательных, но не далёкие неким художественным стандартам, культуре формы и почтительности к старым мэтрам.

Увы, форма! Увы, старые мастера! Мы больше не собираемся их почитать, мой бедный друг! Мы всё преобразили!»

На выставке был также выставлен пейзаж Клода Моне, являвший утреннюю зарю в окутанной туманом бухте - живописец назвал его «Впечатление. Восход солнца» (Impression). Вот комментарий одного из персонажей сатирической статьи Луи Леруа на это полотно, подаривший наименование самому нашумевшему и известному течению в искусстве XIX века:

«...- Что здесь нарисовано? Поглядите в каталог. - «Впечатление. Восход солнца». - Впечатление - так я и предполагал. Я только что рассуждал сам в себе, что раз я состою под впечатлением, то должно же в ней быть передано какое-то впечатление...а что за раскованность, что за плавность исполнения! Обои в исходной степени обработки более совершенны, чем этот морской пейзаж...».

Лично Моне был никак не против подобного наименования художественного приёма, который он применял на практике. Основная суть его творчества - именно уловление и запечатление ускользающих моментов жизни, над чем он и работал, порождая свои бесчисленные серии полотен: «Стога», «Тополя», «Руанский собор», «Вокзал Сен-Лазар», «Пруд в Живерни», «Лондон. Здание Парламента» и другие. Иной случай, Эдгар Дега, который любил величать себя «независимым», потому что не участвовал в Салоне. Его резкий, гротескный стиль писания, служивший примером для многих сторонников (среди которых особо незаурядным был Тулуз-Лотрек), был непозволительным для академического жюри. Оба этих живописца стали самыми инициативными организаторами последующих выставок импрессионистов, как во Франции, так и заграницей - в Англии, Германии, США.

Огюст Ренуар, наоборот, фигурируя в первых выставках импрессионистов, не терял надежды завоевать Салон, отсылая каждый год на его выставки две картины. Характерную двойственность своих действий он растолковывает в переписке своему товарищу и покровителю Дюран-Рюэлю: «...Я не поддерживаю болезненных мнений о том, что произведение достойно либо недостойно в зависимости от места, где она демонстрируется. Короче говоря, я не хочу убивать время зря и злиться на Салон. Я даже не желаю притворяться, что злюсь. Я просто считаю, что рисовать нужно как только лучше, вот и все. Вот разве бы меня упрекнули в том, что я недобросовестен в своем искусстве или из нелепого честолюбия отрекаюсь от своих воззрений, я принял бы такие обвинения. Но так как ничего подобного и близко нет, то и укорять меня незачем».

Не считающий себя официально причастным к направлению импрессионистов, Эдуард Мане почитал себя живописцем-реалистом. Впрочем, непрестанная близкая связь с импрессионистами, посещение их выставок, незаметно преобразили стиль живописца, приблизив его к импрессионистическому. В предсмертные годы его жизни краски на его картинах светлеют, мазок размашистей, композиция - отрывочна. Как и Ренуар, Мане ждал расположения со стороны официальных знатоков в области искусства и рвался принимать участие в выставках Салона. Зато вопреки своему желанию он стал кумиром парижских авангардистов, их некоронованным королем. Вопреки всему, он всё упрямо штурмовал своими полотнами Салон. Только перед смертью ему посчастливилось приобрести официальное расположение Салона. Обрел его и Огюст Ренуар.

Описывая ключевых персон импрессионизма, было бы некрасиво не вспомнить хотя бы отрывочно о человеке, при помощи которого неоднократно осрамленное художественное направление стало существенным художественным приобретением XIX века, покорило весь мир. Имя этого человека - Поль Дюран-Рюэль, коллекционер, торговец искусством, неоднократно оказывающийся на грани банкротства, но не отказавшийся от своих попыток установить импрессионизм, как новое искусство, которое еще достигнет своего апогея. Он занимался организацией выставок импрессионистов в Париже и в Лондоне, устраивал персональные выставки живописцев в своей галерее, организовывал аукционы, просто содействовал художникам финансово: были времена, когда у многих из них не было средств на краски и холст. Доказательство пламенной признательности и почтения художников - их письма Дюран-Рюэлю, которых осталось предостаточно. Личность Дюран-Рюэля - образец интеллигентного коллекционера и благодетеля.

«Импрессионизм» - понятие относительное. Все живописцы, которых мы причисляем к этому течению, прошли академическую подготовку, которая предполагала скрупулёзную проработку деталей и ровную, глянцевую живописную поверхность. Впрочем вскоре они предпочли привычным темам и сюжетам, предписываемым Салоном, картины в реалистическом направлении, отражая настоящую действительность, будничность. Впоследствии каждый из них определенное время писал в стиле импрессионизма, стараясь объективно передавать на своих картинах предметы при разном освещении. После такой импрессионистской стадии, большая часть этих художников-авангардистов перешла к самостоятельным исследованиям, приобретшая собирательное наименование «постимпрессионизм»; позднее их творчество содействовало становлению абстракционизма XX века.

В 70-е годы XIX столетия Европа пристрастилась к японскому искусству. Эдмон де Гонкур в своих записях сообщает: «...Увлеченность японским искусством... объяло всё - от живописи до моды. В первое время это была мания таких чудаков, как мой брат и я,.. впоследствии к нам примкнули художники-импрессионисты». Действительно, в картинах импрессионистов того времени нередко были запечатлены атрибуты японской культуры: веера, кимоно, ширмы. Они также почерпнули у японской гравюры стилистические методы и пластические решения. Многие импрессионисты были увлеченными коллекционерами японских гравюр. Например, Эдуард Мане, Клод Моне, Эдгар Дега.

В общем так именуемые импрессионисты с 1874 по 1886 год устроили 8 выставок с неравными по времени промежутками; половина из 55-ти живописцев, принадлежавших Анонимному обществу, в силу разных обстоятельств фигурировала только в 1-й. Исключительным участником всех 8-ми выставок был Камиль Писсарро, выдававшийся спокойным мирным нравом.

В 1886 году состоялась завершающая выставка импрессионистов, но как художественный метод, он продолжал существовать. Живописцы не оставляли напряжённый труд. Хотя былого товарищества, единения, уже не имелось. Каждый протаптывал свою дорогу. Исторические противостояния завершились, окончились триумфом новых взглядов, и в объединении сил не было надобности. Достославное единение художников-импрессионистов раскололось, да и не могло не расколоться: уж больно несхожими были они все, не только по темпераменту, но и по воззрениям, по художественным убеждениям.

Импрессионизм, как направление, сообразное своему времени, не преминул покинуть границы Франции. Подобными вопросами задавались живописцы и в других странах (Джеймс Уистлер в Англии и США, Макс Либерман и Ловис Коринт в Германии, Константин Коровин и Игорь Грабарь в России). Увлечённость импрессионизма мгновенным движением, текучей формой переняли и скульпторы (Огюст Роден во Франции, Паоло Трубецкой и Анна Голубкина в России).

Осуществив переворот во взглядах современников, расширив его мировоззрение, импрессионисты тем самым подготовили почву для последующего становления искусства и возникновения новых эстетических устремлений и представлений, новых форм, которые не заставили себя долго ждать. Возникшие из импрессионизма, неоимпрессионизм, постимпрессионизм, фовизм, впоследствии также стимулировали формирование и становление новых эстетических тенденций и направленностей.

Сегодня импрессионизм воспринимается как классика, но в эпоху своего становления он был настоящим революционным прорывом в искусстве. Новаторство и идеи этого направления полностью изменили художественное восприятие искусства 19 и 20 века. А современный импрессионизм в живописи наследует уже ставшие каноническими принципы и продолжает эстетические поиски в передаче ощущений, эмоций и света.

Предпосылки

Причин появления импрессионизма несколько, это целый комплекс предпосылок, который привел к настоящей революции в искусстве. В 19 веке во французской живописи назревал кризис, он был связан с тем, что «официальная» критика не желала замечать и пускать в галереи различные зарождающиеся новые формы. Поэтому живопись в импрессионизме стала своеобразным протестом против косности и консерватизма общепринятых норм. Также истоки этого течения стоит искать в тенденциях, присущих еще эпохе Возрождения и связанных с попытками передать живую реальность. Художники Венецианской школы считаются первыми прародителями импрессионизма, далее на этот путь стали испанцы: Эль Греко, Гойя, Веласкес, которые напрямую повлияли на Мане и Ренуара. Свою роль в становлении этой школы сыграл и технический прогресс. Так, появление фотографии породило новую идею в искусстве о запечатлении сиюминутной эмоции и ощущения. Именно это мгновенное впечатление и стремятся «схватить» художники рассматриваемого нами направления. Также свое влияние на это течение оказало и развитие школы пленера, которую заложили представители Барбизонской школы.

История импрессионизма

Во второй половине 19 века во французском искусстве складывается критическая ситуация. Представители классической школы не приемлют новаторства молодых художников и не допускают их на Салон - единственную выставку, открывающую путь к заказчикам. Скандал разразился, когда молодой Эдуард Мане представил свою работу «Завтрак на траве». Картина вызвала негодование критики и публики, и художнику запретили ее выставлять. Поэтому Мане участвует в так называемом «Салоне отверженных» вместе с другими живописцами, которых не допустили к участию в выставке. Работа получила огромный резонанс, а вокруг Мане начал формироваться круг молодых художников. Они собирались в кафе, обсуждали проблемы современного искусства, спорили о новых формах. Появляется общество живописцев, которых назовут импрессионистами по имени одной из работ Клода Моне. В это сообщество входили Писсарро, Ренуар, Сезанн, Моне, Базиль, Дега. Первая выставка художников этого направления состоялась в 1874 году в Париже и закончилась, как и все последующие, провалом. Собственно импрессионизм в музыке и живописи охватывает период всего в 12 лет, с первой выставки до последней, состоявшейся в 1886 году. Позже направление начинает распадаться на новые течения, часть художников умирает. Но этот период совершил настоящий переворот в умах творцов и публики.

Идеологические принципы

В отличие от многих других направлений, живопись в импрессионизме не была связана с глубокими философскими воззрениями. Идеологией этой школы было сиюминутное переживание, впечатление. Художники не ставили перед собой социальных задач, они стремились передать полноту и радость бытия в повседневности. Поэтому жанровая система импрессионизма была в целом очень традиционной: пейзажи, портреты, натюрморты. Это направление - не объединение людей на основе философских воззрений, а содружество единомышленников, каждый из которых ведет собственные искания в изучении формы бытия. Импрессионизм заключается именно в уникальности взгляда на обычные предметы, он сосредоточен на индивидуальном переживании.

Техника

Узнать живопись в импрессионизме довольно легко по некоторым характерным чертам. В первую очередь стоит помнить, что художники этого направления были яростными любителями цвета. Они почти полностью отказываются от черного и коричневого в пользу насыщенной, яркой палитры, часто сильно высветленной. Техника импрессионистов отличается короткими мазками. Они стремятся к общему впечатлению, а не к тщательной прорисовке деталей. Полотна получаются динамичными, прерывистыми, что соответствует человеческому восприятию. Живописцы стремятся располагать цвета на полотне таким образом, чтобы получать колористическую интенсивность или сближенность на картине, они не смешивают краски на палитре. Художники часто работали на пленэре, и это отразилось на технике, в которой не было времени на подсушивание предыдущих слоев. Краски наносились рядом или одна на другую, при этом использовался укрывистый материал, который давал возможность создавать эффект «внутреннего свечения».

Основные представители во французской живописи

Родиной данного направления является Франция, именно здесь впервые появился импрессионизм в живописи. Художники этой школы жили в Париже во второй половине 19 века. Они представили свои работы на 8 выставках импрессионистов, и эти полотна стали классикой направления. Именно французы Моне, Ренуар, Сислей, Писсарро, Моризо и другие являются прародителями рассматриваемого нами течения. Самым известным импрессионистом, конечно, является Клод Моне, работы которого в полной мере воплотили все черты этого направления. Также течение справедливо ассоциируется с именем Огюста Ренуара, который своей главной художественной задачей считал передачу игры солнца; кроме того, он был мастером сентиментального портрета. К импрессионизму также относят таких выдающихся художников, как Ван Гог, Эдгар Дега, Поль Гоген.

Импрессионизм в других странах

Постепенно направление распространяется во многих странах, французский опыт успешно подхвачен в других национальных культурах, хотя в них больше приходится говорить об отдельных работах и приемах, чем о последовательном воплощении идей. Немецкая живопись в импрессионизме представлена в первую очередь именами Лессера Ури, Макса Либермана, Ловиса Коринта. В США идеи реализовывал Дж. Уистлер, в Испании - Х. Соролья, в Англии - Дж. Сарджент, в Швеции - А. Цорн.

Импрессионизм в России

Русское искусство в 19 веке испытывало значительное влияние французской культуры, поэтому отечественным художникам также не удалось избежать увлечения новым течением. Русский импрессионизм в живописи наиболее последовательно и плодотворно представлен в творчестве Константина Коровина, а также в работах Игоря Грабаря, Исаака Левитана, Валентина Серова. Особенности русской школы заключались в этюдности работ.

Что собой представлял импрессионизм в живописи? Художники-основатели стремились запечатлеть сиюминутные впечатления от контакта с природой, а русские творцы старались еще и передать более глубокий, философский смысл произведения.

Импрессионизм сегодня

Несмотря на то что со времени возникновения направления прошло почти 150 лет, современный импрессионизм в живописи не утратил актуальности и сегодня. Благодаря эмоциональности и легкости восприятия картины в этом стиле пользуются большой популярностью и даже коммерческим успехом. Поэтому многие художники во всем мире работают в этом направлении. Так, русский импрессионизм в живописи представлен в новом московском одноименном музее. Там регулярно проходят выставки современных авторов, например В. Кошлякова, Н. Бондаренко, Б. Гладченко и других.

Шедевры

Современные любители изобразительного искусства часто называют самым любимым своим направлением именно импрессионизм в живописи. Картины художников этой школы продаются на аукционах по баснословным ценам, а коллекции в музеях пользуются большим вниманием публики. Главными шедеврами импрессионизма принято считать картины К. Моне «Кувшинки» и «Восходящее солнце», О. Ренуара «Бал в Мулен де ла Галет», К. Писсарро «Бульвар Монмартр ночью» и «Мост Буальдье в Руане в дождливый день», Э. Дега «Абсент», хотя этот список можно продолжать почти бесконечно.

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme , от impression – впечатление) — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определенном наборе методов и приёмов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений

Задачей художника в то время было максимально правдоподобное изображение реальности, не показывающее субъективные ощущения художника. Если ему заказывали парадный портрет — то нужно было показать заказчика в выгодном свете: без уродств, глупого выражения лица и т.п. Если религиозный сюжет — то нужно было вызвать ощущение благоговения и изумления. Если пейзаж — то показать красоту природы. Однако если художник презирал богача, который заказал портрет, или был неверующим, то выбора не было и оставалось только вырабатывать свою уникальную технику и надеяться на удачу. Однако во второй половине девятнадцатого века начала активно развиваться фотография и реалистическая живопись начала постепенно уходить в сторону, так как даже тогда было крайне сложно передать реальность настолько правдоподобно, как и на фотографии.

Во многом с появлением импрессионистов стало ясно, что искусство может представлять ценность, как субъективное представление автора. Ведь каждый человек воспринимает реальность по разному и реагирует на неё тоже по-своему. Тем интереснее посмотреть, как в глазах разных людей отражается действительность и какие эмоции они при этом испытывают.

У художника появилось невероятное количество возможностей для самовыражения. Более того, само по себе самовыражение стало гораздо свободнее: взять нестандартный сюжет, тему, рассказать что-то кроме религиозных или исторических тем, использовать свою уникальную технику и т.д. Например импрессионисты хотели выразить мимолётное впечатление, первую эмоцию. Именно поэтому их работы расплывчаты и как будто недоработаны. Это делалось для того, чтобы показать мнгновенное впечатление, когда ещё объекты не оформились в сознании и видны только лёгкие переливы света, полутона и расплывчатые контуры. Близорукие люди меня поймут) представьте, что вы ещё не разглядели предмет целиком, видите его издалека или просто не вглядываетесь, но уже сформировать о нём какое то впечатление. Если попытаться это изобразить, то вполне вероятно у вас получится что то вроде картин импрессионистов. Что то роде наброска. Потому и получилось, что для импрессионистов важнее было не то что изображено, а как.

Основными представителями этого жанра в живописи были: Моне, Мане, Сислей, Дега, Ренуар, Сезанн. Отдельно нужно отметить Умльяма Тёрнера, как их предшественника.

Говоря о сюжете:

Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая социальные проблемы, в том числе такие как голод, болезни, смерть. Это привело позже к расколу среди самих импрессионистов.

Цветовые схемы

Импрессионисты уделяли огромное внимание цвету, принципиально отказываясь от мрачных оттенков, особенно от чёрного. Такое внимание к колористике своих работ вывело цвет сам по себе на очень важное место в картине и подтолкнуло дальнейшие поколения художников и дизайнеров внимательно относиться к цвету как к таковому.

Композиция

Композиция у импрессионистов напоминала японскую живопись, использовались сложные композиционные схемы, другие каноны (не золотое сечение или центр). В целом строение картины стало чаще ассиметричным, более сложным и интересным с этой точки зрения.

Композиция у импрессионистов стала иметь более самостоятельное значение, она стала одним из предметов живописи, в отличие от классической, где она несла чаще (но не всегда) роль схемы, по которой строилось любое произведение. В конце 19 века стало понятно, что это тупик, и композиция сама по себе может нести определённые эмоции и поддерживать сюжет картины.

Предтечи

Эль Греко — потому что использовал похожие техники в нанесении краски и цвет у него приобретал символическое значение. Также он отличился очень оригинальной манерой, индивидуальностью, к чему также стремились импрессионисты.

Японская гравюра — потому что приобрела большую популярность в Европе тех лет и показала, что картина может строится совсем по другим правилам, нежели классическим канонам европейского искусства. Это касается композиции, использования цвета, деталировки и т.п. Также в японских и вообще восточных рисунках и гравюрах гораздо чаще изображались бытовые сцены, чего почти не было в европейском искусстве.

Значение

Импрессионисты оставили яркий след в мировом искусстве, разработав уникальные техники письма и оказав огромное влияние на все последующие поколения художников своими яркими и запоминающимися работами, протестом по отношению к классической школе и уникальной работе с цветом.Стремясь к максимальной непосредственности и точности в передаче зримого мира, они стали писать преимущественно на открытом воздухе и подняли значение этюда с натуры, почти вытеснившего традиционный тип картины, тщательно и неспешно создаваемой в мастерской.

Последовательно просветляя свою палитру, импрессионисты освободили живопись от землистых и коричневых лаков и красок. Условная, «музейная» чернота в их полотна уступает место бесконечно многообразной игре рефлексов и цветных теней. Они неизмеримо расширили возможности изобразительного искусства, открыв не только мир солнца, света и воздуха, но также красоту лондонских туманов, беспокойную атмосферу жизни большого города, россыпь его ночных огней и ритм непрестанного движения.

В силу самого метода работы на пленэре пейзаж, в том числе открытый ими городской пейзаж, занял в искусстве импрессионистов очень важное место. Не следует, однако, полагать, что живописи их было свойственно только «пейзажное» восприятие действительности, в чем их нередко упрекали. Тематический и сюжетный диапазон их творчества был достаточно широк. Интерес к человеку, и в особенности к современной жизни Франции, в широком смысле был присущ ряду представителей этого направления. Его жизнеутверждающий, демократический в своей основе пафос отчетливо противостоял буржуазному миропорядку.

Вместе с тем импрессионизм и, как мы увидим далее, постимпрессионизм — это две стороны, или, вернее, два последовательных временных этапа того коренного перелома, который положил рубеж между искусством Нового и Новейшего времени. В этом смысле импрессионизм, с одной стороны, завершает развитие всего после ренессансного искусства, ведущим принципом которого было отражение окружающего мира в зрительно достоверных формах самой действительности, а с другой — является началом крупнейшего после Ренессанса переворота в истории изобразительного искусства, заложившего основы качественно нового его этапа —

искусства ХХ века.

Импрессионизм - это художественное течение, возникшее в 70-х годах. XIX века во французской живописи, а затем проявившееся в музыке, литературе, театре.

Импрессионизм в живописи начал складываться задолго до известной выставки 1874 года. Родоначальником импрессионистов традиционно считается Эдуард Мане. Он был очень вдохновлен классическими работами Тициана, Рембрандта, Рубенса, Веласкеса. Свое видение изображений Мане выражал на своих полотнах, добавляя «вибрирующие» мазки, создававшие эффект незаконченности. В 1863 году Мане создал «Олимпию», которая вызвала большой скандал в культурном обществе.

На первый взгляд, картина выполнена в русле традиционных канонах, но при этом она уже несла и новаторские веяния. В различных парижских изданиях по поводу «Олимпии» было написано около 87 отзывов. На нее обрушилась масса негативной критики - художника обвиняли в вульгарности. И лишь несколько статей можно было назвать благожелательными.

Мане в своей работе использовал технику наложения однослойной краски, что создавало эффект пятен. Впоследствии этот прием наложения красок был перенят художниками-импрессионистами в качестве основы для изображений на живописных полотнах.

Отличительная черта импрессионизма заключалась в тончайшей фиксации мимолётных впечатлений, в особой манере воспроизведения световой среды с помощью сложной мозаики чистых красок, беглых декоративных штрихов.

Любопытно, что в начале своих поисков художники использовали цианометр - инструмент для определения синевы неба. Черный цвет исключался из палитры, его заменяли другими цветовыми оттенками, что позволяло не испортить солнечное настроение картин.

Импрессионисты ориентировались на новейшие научные открытия своего времени. Теория цвета Шевреля и Гельмгольца сводится к следующему: солнечный луч расщепляется на составляющие цвета, и, соответственно, две положенные на холсте краски усиливают живописный эффект, а при смешивании краски теряют интенсивность.

Эстетика импрессионизма складывалась, отчасти, как попытка решительно освободиться от условности классицизма в искусстве, а также от настойчивой символичности и глубокомыслия позднеромантической живописи, предлагавшей всем видеть зашифрованные замыслы, нуждающиеся в тщательном истолковании. Импрессионизм утверждал не просто красоту повседневной действительности, а фиксацию красочной атмосферы, не детализируя и не растолковывая, изображая мир как вечно меняющееся оптическое явление.

Художники-импрессионисты разработали законченную систему пленэра. Предшественниками этой стилистической особенности были художники-пейзажисты, выходцы из барбизонской школы, основными представителями которой были Камиль Коро и Джон Констебл.

Работа на открытом пространстве давала больше возможности запечатлевать малейшие цветовые изменения в разное время суток.

Клодом Моне были созданы несколько серий картин на один и тот же сюжет, например, «Руанский собор» (серия из 50 картин), «Стога» (серия из 15 картин), «Пруд с водяными лилиями» и др. Главным показателем этих серий было изменение света и цветовой гаммы в изображении одного и того же объекта, написанного в разное время суток.

Еще одним достижением импрессионизма считается разработка оригинальной живописной системы, где сложные тона разлагаются на чистые цвета, передаваемые отдельными мазками. Художники не смешивали цвета на палитре, а предпочитали накладывать мазки непосредственно на полотно. Такой прием придавал картинам особую трепетность, изменчивость и рельефность. Работы художников наполнились цветом и светом.

Выставка 15 апреля 1874 года в Париже была итогом периода становления и представления широкой публике нового течения. Экспозиция была развёрнута в студии фотографа Феликса Надара на бульваре Капуцинок.

Название «Импрессионизм» возникло после выставки, на которой была экспонировалась картина Моне «Впечатление. Восход солнца». Критик Л. Леруа в своем обзоре в издании «Сharivari» дал шутливую характеристику выставке 1874 года, приведя в пример работу Моне. Другой критик, Морис Дени, упрекал импрессионистов в отсутствии индивидуальности, чувства, поэзии.

На первой выставке свои работы демонстрировали порядка 30 художников. Это было самое большое количество, в сравнении с последующими выставками вплоть до 1886 года.

Нельзя не сказать о положительных отзывах со стороны русского общества. Русские художники и критики-демократы, всегда живо интересовавшиеся художественной жизнью Франции - И. В. Крамской, И. Е. Репин и В. В. Стасов - высоко оценивали достижения импрессионистов с самой первой выставки.

Новый этап истории искусства, начавшийся выставкой 1874 года, не был внезапным взрывом революционных тенденций - он явился кульминацией медленного и последовательного развития.

При всем том, что все великие мастера прошлого сделали свой вклад в развитие принципов импрессионизма, непосредственные корни течения можно наиболее легко обнаружить в двадцатилетии, предшествующем исторической выставке.

Параллельно выставкам в Салоне, набирали свои обороты выставки импрессионистов. В их работах демонстрировались новые тенденции в живописи. Это было упреком салонной культуре и выставочным традициям. В дальнейшем художникам-импрессионистам удалось привлекать на свою сторону почитателей новых веяний в искусстве.

Теоретические знания и формулировки импрессионизма стали складываться достаточно поздно. Художники предпочитали больше практики и собственных экспериментов над светом и цветом. В импрессионизме, прежде всего живописном, прослеживается наследие реализма, в нем ярко выражается антиакадемическая, антисалонная направленность и установка изображения окружающей действительности того времени. Некоторые исследователи отмечают, что импрессионизм стал особым ответвлением реализма.

Бесспорно, в импрессионистическом искусстве, как в каждом художественном течении, возникающем в период перелома и кризиса старых традиций, были сплетены, при всей его внешней цельности, различные и даже противоречивые тенденции.

Принципиальные особенности заключались в тематике работ художников, в средствах художественной выразительности. Книга Ирины Владимировой об импрессионистах включает несколько глав: «Пейзаж, природа, впечатления», «Город, места встреч и расставаний», «Увлечения, как образ жизни», «Люди и характеры», «Портреты и автопортреты», «Натюрморт». В ней также описываются история создания и местонахождение каждой работы.

В период расцвета импрессионизма художники находили гармоническое равновесие между объективной действительностью и ее восприятием. Художники старались запечатлеть каждый лучик света, движение ветерка, переменчивость природы. Для сохранения свежести картин импрессионисты создали оригинальную живописную систему, которая впоследствии оказалась очень важной для развития искусства в дальнейшем. Несмотря на общие тенденции направлений живописи, каждый художник нашёл свой творческий путь и основные жанры в живописи.

Классический импрессионизм представлен такими художниками как Эдуард Мане, Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Эдгар Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Жан Фредерик Базиль, Берта Моризо, Эдгар Дега.

Рассмотрим вклад некоторых художников в становление импрессионизма.

Эдуард Мане (1832-1883)

Первые уроки живописи Мане получил от Т. Кутюры, благодаря этому будущий художник приобрел массу необходимых профессиональных навыков. Из-за отсутствия должного внимания учителя к своим ученикам Мане покидает ателье мастера и занимается самообразованием. Он посещает выставки в музеях, на его творческое формирование большое влияние оказали старые мастера, особенно испанские.

В 1860-е Мане пишет две работы, в которых просматриваются основные принципы его художественного подчерка. «Лола из Валенсии» (1862) и «Флейтист» (1866) показывают Мане как художника, который раскрывает характер модели через передачу цвета.

Его идеи по технике нанесения мазков и отношение к цвету были приняты другими художниками-импрессионистами. В 1870-е Мане сближается со своими последователями и работает на пленэре без черного цвета на палитре. Приход к импрессионизму был результатом творческой эволюции самого Мане. Наиболее импрессионистическими картинами Мане считаются «В лодке» (1874) и «Клод Моне в лодке» (1874).

Мане также писал множество портретов разных светских дам, актрис, натурщиц, красивых женщин. В каждом портрете была передана неповторимость и индивидуальность модели.

Незадолго до своей смерти Мане пишет один из своих шедевров - «Бар Фоли-Бержер» (1881-1882). В этой картине сочетается сразу несколько жанров: портрет, натюрморт, бытовая сцена.

Н. Н. Калитина пишет: «Магия искусства Мане такова, что девушка и противостоит окружающему, благодаря чему столь четко раскрывается её настроение, и одновременно является частью, ибо весь задний план, смутно угадывающийся, неопределенный, волнующийся, также решен в сине-черных, голубовато-белых, желтых тонах».

Клод Моне (1840-1926)

Клод Моне являлся несомненным лидером и основателем классического импрессионизма. Основным жанром его живописи был пейзаж.

В юности Моне увлекался карикатурой и шаржем. Первыми моделями для своих работ были его учителя, товарищи. Для образца он использовал карикатуры в газетах и журналах. Он копировал рисунки в «Голуа» Э. Каржа, поэта и карикатуриста, друга Гюстава Кубре.

В колледже живопись Моне преподавал Жак-Франсуа Ошара. Но справедливо заметить влияние на Моне Будена, который поддерживал художника, давал ему советы, мотивировал на продолжение творчества.

В ноябре 1862 года в Париже Моне продолжил свое обучение в Париже у Глейра. Благодаря этому Моне познакомился у него в мастерской с Базилем, Ренуаром, Сислеем. Молодые художники готовились к поступлению в Школу изящных искусств, уважая своего учителя, который за свои уроки брал мало и в мягкой форме давал советы.

Моне создавал свои картины не как рассказ, не как иллюстрацию идеи или темы. Его живопись, подобно жизни, не имела четких целей. Он видел мир, не сосредоточиваясь на деталях, на каких-то принципах, он шел к «пейзажному видению» (термин историка искусства А. А. Федорова-Давыдова). Моне стремился к бессюжетности, слиянию жанров на полотне. Средством воплощения его нововведений были этюды, которым предполагалось стать законченными картинами. Все этюды рисовались с натуры.

Он писал и луга, и холмы, и цветы, и скалы, и сады, и деревенские улочки, и море, пляжи и многое другое, он обращался к изображению природы в разное время суток. Часто он писал одно и то же место в разное время, тем самым создавая целые циклы из своих работ. Принципом его работы было не изображение объектов на картине, а точная передача света.

Приведем несколько примеров работ художника - «Поле маков у Аржантёя» (1873), «Лягушатник» (1869), «Пруд с кувшинками» (1899), «Пшеничные стога»(1891).

Пьер Огюст Ренуар (1841-1919)

Ренуар относится к выдающимся мастерам светского портрета, кроме этого, он работал в жанрах пейзажа, бытовой сцены, натюрморта.

Особенность его творчества - интерес к личности человека, раскрытию его характера и души. В своих полотнах Ренуар пытается подчеркнуть ощущение полноты бытия. Художника привлекают развлечения и праздники, он пишет балы, прогулки с их движением и разнообразием персонажей, танцы.

Самые известные работы художника - «Портрет актрисы Жанны Самари», «Зонтики», «Купание на Сене» и др.

Интересен, что Ренуар отличался музыкальностью и в детстве пел в церковном хоре под руководством выдающего композитора и педагога Шарля Гуно в Париже в соборе Сен-Эсташ. Ш. Гуно настоятельно рекомендовал мальчику заниматься музыкой. Но в то же время Ренуар открыл в себе художественный талант - с 13 лет он уже научился расписывать фарфоровую посуду.

Занятия музыкой повлияли на становление личности художника. Целый ряд его работ связан с музыкальной тематикой. В них нашла свое отражение игра на фортепиано, гитаре, мандолине. Это картины «Урок игры на гитаре», «Молодая испанская женщина с гитарой», «Молодая дама за фортепиано», «Женщина, играющая на гитаре», «Урок фортепиано» и др.

Жан Фредерик Базиль (1841-1870)

По мнению его друзей-художников, Базиль был самым перспективным и выдающимся импрессионистом.

Его работы отличаются яркой цветовой гаммой и одухотворенностью образов. Большое влияние на его творческий путь оказали Пьер Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Клод Моне. Квартира Жана Фредерика для начинающих живописцев была своеобразной студией и жильем.

Базиль преимущественно писал на пленэре. Основной идеей его творчества было изображение человека на фоне природы. Первыми его героями на картинах были его друзья-художники; многие импрессионисты очень любили рисовать друг друга в своих работах.

Фредерик Базиль в совсем творчестве обозначил течение реалистического импрессионизма. Самая известная его картина - «Семейное воссоединение» (1867) - автобиографична. Художник изображает на ней членов своей семьи. Эта работа была представлена в Салоне и получила одобрительную оценку публики.

В 1870 году художник погиб в прусско-французской войне. Уже после смерти художника его друзья-художники организовали третью выставку импрессионистов, где были выставлены и его полотна.

Камиль Писсарро (1830-1903)

Камиль Писсарро - один из крупнейших представителей художников-пейзажистов после К. Моне. Его работы постоянно выставлялись в экспозициях импрессионистов. В своих работах Писсарро предпочитал изображать вспаханные поля, крестьянский быт и труд. Его картины отличались структурностью форм и четкостью композиции.

Позже художник стал писать и картины на городские темы. Н. Н. Калитина в своей книге отмечает: «Он смотрит на городские улицы из окон верхних этажей или с балконов, не вводя их в композиции».

Под влиянием Жорж-Пьера Сёра художник занялся пуантилизмом. Данная техника подразумевает собой наложение каждого мазка отдельно, словно ставя точки. Но творческие перспективы в этой области не реализовались, и Писсарро вернулся к импрессионизму.

Самыми известными картинами Писсарро стали «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно», «Оперный проезд в Париже», «Площадь французского театра в Париже», «Сад в Понтуазе», «Жатва», «Сенокос» и др.

Альфред Сислей (1839-1899)

Основным жанром живописи Альфреда Сислея был пейзаж. В его ранних работах видно преимущественно влияние К. Коро. Постепенно в процессе совместной работы с К. Моне, Ж. Ф. Базилем, П. О. Ренуаром в его работах начинают появляться светлые тона.

Художника привлекает игра света, изменение состояния атмосферы. К одному и тому же пейзажу Сислей обращался несколько раз, запечатлевая его в разное время суток. Приоритет в своих работах художник отдавал изображению воды и неба, которые менялись ежесекундно. Художник сумел добиться совершенства с помощью цвета, каждый оттенок в его работах несет своеобразную символичность.

Самые известные его работы: «Сельская аллея» (1864), «Мороз в Лувесьене» (1873), «Вид Монмартра с Цветочного острова» (1869), «Ранний снег в Лувесьенне» (1872), «Мост в Аржантее» (1872).

Эдгар Дега (1834-1917)

Эдгар Дега - это художник, начавший свой творческий путь с обучения в Школе изящных искусств. Он был вдохновлен художниками итальянского Возрождения, что оказало влияние на его творчество в целом. В начале Дега писал исторические картины, например, «Спартанские девушки вызывают на состязание спартанских юношей. (1860). Основным жанром его живописи является портрет. В своих работах художник опирается на классические традиции. Он создает произведения, отмеченные острым ощущением своего времени.

В отличие от своих коллег, Дега не разделяет радостный, открытый взгляд на жизнь и вещи, присущий импрессионизму. Художнику ближе критическая традиция искусства: сострадание судьбе простого человека, умение видеть души людей, их внутренний мир, противоречивость, трагедию.

Для Дега большую роль в создании портрета играют предметы и интерьер, окружающие человека. Приведем несколько работ в пример: «Дезире Дио с оркестром» (1868-1869), «Женский портрет» (1868), «Чета Морбилли»(1867) и др.

Принцип портретности в работах Дега прослеживается на протяжении всего его творческого пути. В 1870-е годы художник в полной красе изображает социум Франции, в частности Парижа в своих работах. В интересах художника - городская жизнь в движении. «Движение было для него одним из важнейших проявлений жизни, а способность искусства его передать - важнейшим завоеванием современной живописи», - пишет Н.Н. Калитина.

В этот период времени создаются такие картины как «Звезда» (1878), «Мисс Лола в цирке Фернандо», «Скачки в Эпсоме» и др.

Новым витком творчества Дега становится его интерес к балету. Он показывает закулисную жизнь балерин, рассказывает об их тяжелом труде и упорных тренировках. Но, несмотря на это, художнику удается найти воздушность и легкость в передаче их образов.

В балетной серии картин Дега видны достижения в области передачи искусственного света рампы, они говорят о колористическом даровании художника. Самые известные картины «Голубые танцовщицы» (1897), «Танцевальный класс» (1874), «Танцовщица с букетом» (1877), «Танцовщицы в розовом» (1885) и другие.

В конце жизни из-за ухудшения зрения Дега пробует свои силы в скульптуре. Его объектами становятся те же балерины, женщины, лошади. В скульптуре Дега старается передать движение, и для того чтобы оценить скульптуру, нужно рассмотреть её с разных сторон.

Импрессионизм является одним из самых известных направлений французской живописи, если не самым известным. А зародилось оно еще в конце 60-х-начале 70-х годов XIX века и во многом повлияло на дальнейшее развитие искусства того времени.

Импрессионизм в живописи

Само название «импрессионизм » было придумано французским художественным критиком по имени Луи Леруа после посещения первой выставки импрессионистов в 1874 году, где он раскритиковал картину Клода Моне «Впечатление: Восходящее солнце» («впечатление» в переводе на французский звучит как «impression»).

Клод Моне, Камиль Писсарро, Эдгар Дега, Пьер Огюст Ренуар, Фредерик Базиль - основные представители импрессионизма.

Импрессионизм в живописи характеризуется быстрыми, спонтанными и свободными мазками. Ведущим принципом было реалистичное изображение световоздушной среды.

Импрессионисты стремились запечатлеть на холсте ускользающие мгновения. Если в это самое мгновение объект предстает в неестественном цвете, из-за определенного угла падения света или его отражения, то художник так его и изображает: например, если солнце красит поверхность пруда в розовый цвет, то он и будет написан в розовом.

Особенности импрессионизма

Говоря про основные черты импрессионизма, необходимо назвать следующие:

• немедленное и оптически точное изображение быстротечного момента;
• выполнение всей работы на открытом воздухе - больше никаких подготовительных эскизов и завершения работы в студии;

• использование чистого цвета на холсте, без предварительного смешивания на палитре;
• использование брызг яркой краски, мазков разной величины и степени размашистости, которые визуально складываются в одну картину, только если смотреть на нее с расстояния.

Русский импрессионизм

Эталонным портретом в этом стиле считают один из шедевров русской живописи - «Девочку с персиками» авторства Александра Серова, для которого импрессионизм, тем не менее, стал всего лишь периодом увлечения. К русскому импрессионизму также относят написанные в конце XIX-начале XX веков работы Константина Коровина, Абрама Архипова, Филиппа Малявина, Игоря Грабаря и других художников.

Эта принадлежность скорее условная, поскольку русский и классический французский импрессионизм имеют свою специфику. Русский импрессионизм был ближе к материальности, предметности произведений, тяготел к художественному смыслу, в то время как французский импрессионизм, как было сказано выше, просто стремился изобразить моменты жизни, без лишней философии.

По сути, русский импрессионизм перенял от французов только внешнюю сторону стиля, приемы его живописи, но так и не усвоил само живописное мышление, вложенное в импрессионизм.

Современный импрессионизм продолжает традиции классического французского импрессионизма. В современной живописи XXI века немало художников работает в этом направлении, например, Лоран Парселье, Карен Тарлтон, Диана Леонард и другие.

Шедевры в стиле импрессионизм

«Терраса в Сент-Адресс» (1867), Клод Моне

Эту картину можно назвать первым шедевром Моне. Она до сих пор является самой популярной картиной раннего импрессионизма. Здесь тоже присутствует любимая тема художника — цветы и море. На полотне изображены несколько человек, отдыхающих на террасе в солнечный день. На стульях, спиной к зрителям, изображены родственники самого Моне.

Вся картина залита ярким солнечным светом. Четкие границы между землей, небом и морем разделяются, упорядочивая композицию по вертикали с помощью двух флагштоков, однако при этом четкого центра композиция не имеет. Цвета флагов сочетаются с окружающей природой, подчеркивая разнообразие и насыщенность красок.

«Бал в Мулен де ла Галетт» (1876), Пьер Огюст Ренуар

Эта картина изображает типичный воскресный день в Париже XIX века, в Мулен де ла Галетт - кафе с открытой танцевальной площадкой, чье название соответствует названию мельницы, которая находится поблизости и является символом Монмартра. Рядом с этим кафе был расположен дом Ренуара; он часто посещал дневные воскресные танцы и любил наблюдать за счастливыми парами.

Ренуар демонстрирует настоящий талант и объединяет искусство группового портрета, натюрморта и пейзажной живописи в одной картине. Использование света в этой композиции и плавность мазков наилучшим образом представляют широкому зрителю стиль импрессионизм . Эта картина стала одной из самых дорогих картин, когда-либо проданных на аукционах.

«Бульвар Монмартр ночью» (1897), Камиль Писсарро

Несмотря на то, что Писсарро славится своими картинами с изображением сельской жизни, он также написал большое количество прекрасных городских сюжетов XIX века в Париже. Он любил писать город из-за игры света днем и вечером, из-за дорог, освещенных как солнечным светом, так и уличными фонарями.

В 1897 году он арендовал комнату на бульваре Монмартр и изобразил его в разное время суток, причем эта работа стала единственной работой из серии, запечатленной уже после того, как наступила ночь. Полотно наполнено густым синим цветом и яркими желтыми пятнами городских огоньков. Во всех картинах «бульварного» цикла основным стержнем композиции является уходящая вдаль дорога.

Сейчас картина находится в Национальной галерее Лондона, но при жизни Писсарро она никогда нигде не выставлялась.

Посмотреть видеофильм об истории и условиях творчества основных представителей импрессионизма можно здесь: